5. الرسم والعمارة والنحت انتشرت أفكار الرومانسية والواقعية النقدية في الفنون البصرية. في الأجواء الثقيلة لإسبانيا في مطلع القرنين الثامن عشر والتاسع عشر. تشكلت أعمال فرانسيسكو غويا (1746-1828). الاهتمام بالعالم الداخلي للإنسان

علاقة النحت بالعمارة والبيئة

عادة ما يتم عرض نحت الحامل في المتاحف. يتم عرضه بغض النظر عن الأعمال الأخرى أو التصميم الداخلي. يمكن إعادة ترتيبها من غرفة إلى أخرى، ونقلها إلى مدينة أخرى، فهي خفيفة ومتحركة نسبيًا. يرتبط النحت الضخم والزخرفي بقوة بمكان معين. وعلى الرغم من وجود أمثلة معروفة لإعادة ترتيب المعالم الأثرية (في موسكو، تم نقل النصب التذكاري لـ A. S. Pushkin)، إلا أن هذه الحالات نادرة للغاية. النحت الضخم ثقيل للغاية، ويقاس وزنه بالأطنان وعشرات الأطنان، وإعادة ترتيبه معقدة وتستغرق وقتًا طويلاً. بالإضافة إلى ذلك، نادرا ما تكون هذه الحركات منطقية: يتم إنشاء النحت الضخم في الهواء الطلق - في الساحات والشوارع - ويؤخذ محيطه في الاعتبار مقدما من قبل الفنانين والمهندسين المعماريين. النحت الزخرفي الضخم أخف وزنًا، ولكنه أقوى، "جذور"، مرتبطة بمن حوله: مع خضرة الزقاق الذي يقف فيه، مع المكان الذي يختبئ فيه، مع المبنى الذي يدعمه أو يتوجه .

إن إدراج النحت في الخلفية المعمارية والطبيعية يمنحه أكبر قدر من التعبير. يصبح النحت الضخم الذي تم تشييده على الساحة هو المركز الدلالي والتركيبي: فالأحجام الرأسية أو المتناوبة للنصب التذكاري تخلق مساحة منظمة إيقاعيًا حول نفسها، والتي تجمع أو تتناقض مع إيقاعات المنازل المحيطة بالميدان والشوارع المتدفقة إليه. ذلك، ويعطيه اكتمال.

غالبًا ما يحدد النحت "صوت" الساحة، ويلونها بشكل رومانسي، ويجعلها مهيبة أو بهيجة أو صارمة. وبالتالي، فإن القوة القاتمة لتمثال الفروسية بارتولوميو كوليوني، المرتفعة إلى قاعدة عالية جدًا وضيقة بشكل غير متناسب، تخلق حول نفسها بيئة قاسية ومغلقة بشدة، والتي لا تتميز بأي ساحة أخرى في البندقية.

النحت الضخم له تأثير أقوى بكثير على المشاهد من نحت الحامل، والنقطة هنا ليست في حجمها بقدر ما هي في مشاركتها في الحياة الحالية. محاطًا بمجال جوي، محدد بشكل جميل وواضح مقابل السماء، يتفاعل مع بياض الثلج وخضرة الأشجار، يسطع تحت أشعة الشمس، يخفت في المساء، ويومض بشكل غامض في الليالي المقمرة. غالبًا ما يتم تنظيم أعمال الحامل في المتاحف والمعارض بطريقة تجعل من الصعب، إن لم يكن من المستحيل تمامًا، الالتفاف حولها.

لا يمكن تصور المجموعات الحضرية اليوم بدون النحت الضخم المهيب. ولكن لا يقل أهمية عن ذلك النحت الضخم والزخرفي (الذي يُطلق عليه غالبًا اسم الزخرفة ببساطة)، مما يجعل المجموعة أنيقة ومبهجة. يتم تثبيت الآثار بشكل منفصل. نصب تذكاري واحد ينظم الساحة. اثنان - الدخول في جدال على الفور. لا تتداخل المنحوتات الزخرفية مع بعضها البعض وتستفيد فقط من قربها من الأعمال المماثلة. عشرين نصبًا تذكاريًا على جسر أو شارع، كما أحب موخينا أن يكرر، سوف تقتل أي فكرة؛ عشرون منحوتة زخرفية ستشكل رقصة مستديرة احتفالية.

يشمل النحت الزخرفي التماثيل والنقوش التي لا تخلو من أهمية مستقلة، ولكنها جزء من مجموعات معمارية أو تهدف إلى تزيين ساحات وشوارع المدينة، والديكورات الداخلية للمباني، والحدائق العامة. ويشمل أيضًا جميع أنواع الزخارف النحتية على المباني - الزخارف الجصية والمصبوبة والمطاردية وشعارات البوابة والماسكارون، أي نقوش على شكل أقنعة رائعة للأشخاص والحيوانات والتماثيل التي تعمل كعناصر معمارية مساعدة. هؤلاء هم الأطلنطيون والكارياتيون - شخصيات من الذكور والإناث تلعب دور الأعمدة أو الأعمدة في الهندسة المعمارية.

كلتا الكلمتين - "الأطلنطيين" و"كارياتيدات" - جاءت إلينا من اليونان القديمة: كلمة "كارياتيد" تأتي من كلمة "لحاء"، أي فتاة. في الأساطير، كان أطلس هو اسم العملاق الذي يدعم قبو الأرض. كما تركت لنا اليونان القديمة أحد أفضل الأمثلة على استخدام أنصاف التماثيل وأنصاف الأعمدة. أحد أروقة معبد إرخثيون الأثيني (421-460 قبل الميلاد) مدعوم بصور منحوتة لفتيات يرتدين ملابس طويلة - تشبه الطيات المتساقطة أضلاع الأعمدة. تقف هذه الشخصيات القوية الطويلة بهدوء ومهيب. لا في وضعياتهم، ولا في الرؤوس المرفوعة بفخر، ولا في السلام الهادئ على وجوههم، لا يوجد أي شعور بالثقل الذي يحملونه. في تصوير الأطلنطيين، على العكس من ذلك، يؤكد النحاتون في أغلب الأحيان على الوزن الهائل الذي يقع على أكتافهم؛ في صور الأطلنطيين، تمجد قوة الذكور والقدرة على التحمل.

من المعتاد تتويج الجسور بالنحت الزخرفي (دعونا على الأقل نتذكر المجموعات المألوفة بالفعل من "مروضي الخيول" على جسر أنيشكوف في لينينغراد)، ورحلات السلالم الاحتفالية التي ترتفع ببطء إلى الأعلى. ويمكن رؤيته على البوابات والمداخل، على أسطح القصور والأقواس والمسارح: على مبنى مسرح الدراما. A. S. Pushkin في لينينغراد - أربعة خيول يسيطر عليها أبولو إله الشعر؛ في مبنى دار الأوبرا في لفيف - شخصيات مجازية للنصر والمجد والحب. يتطلب وضع الأشكال على الأسطح تفكيرًا خاصًا. الشكل المرفوع إلى الارتفاع يغير أبعاده بصريًا - فهو يبدو أوسع وقرفصاء مما هو عليه في الواقع. لذلك، لا يمكن رفع أي تمثال إلى ارتفاع كبير فحسب، بل يمكن فقط رفع تمثال مصنوع خصيصًا لهذا الغرض. بالإضافة إلى ذلك، ينبغي أيضا أن تأخذ في الاعتبار قدرات الرؤية البشرية: إذا فقدت الصورة الظلية النحتية الوضوح و "الطمس"، فسيكون ذلك كارثيا بنفس القدر لكل من النحت والمبنى الذي يهدف إلى تزيينه.

في بعض الأحيان يتم تثبيت التمثال في منافذ أمام المبنى. وبالتالي، يبدو أنها تدخل الجدار وفي الوقت نفسه تتلقى فقط المساحة المخصصة لها، والتي يلعب فيها الضوء والظل. يبدو مثل هذا التمثال من الجانب الأمامي فقط، ومع ذلك فإن موقعه مريح ومفيد للغاية: إن ظهور الظل في مكان مناسب يعطي إحساسًا أوضح بالحجم، كما أن الضوء الساطع يخلق انطباعًا بالحركة التعبيرية الناشئة فيه.

ينتمي الدور الرئيسي في التخطيط الحضري إلى الهندسة المعمارية، لكن النحت، الضخم والزخرفي، يكمل إلى حد كبير مظهر المدينة. توجد في باريس وفلورنسا ولينينغراد ودريسدن وكراكوف مجموعات معمارية ونحتية معروفة في جميع أنحاء العالم. لقد تم الحفاظ عليها بعناية، وهي في حد ذاتها آثار فنية. تم الحفاظ على ساحة السوق القديمة في لفيف دون أدنى تغيير لأكثر من قرن. أربعة منحوتات زخرفية كبيرة، موضوعة في مربع منتظم على مسافات متساوية من بعضها البعض، تؤكد على شكلها الرباعي النقي. تتجلى أناقتها الاحتفالية بشكل خاص على النقيض من الإعجاب الصارم لقاعة المدينة الواقعة في وسط الساحة، مع وقار الأسود الشعارية التي تحرس مدخلها. الساحة محاطة بمنازل تعود إلى القرنين السادس عشر والسابع عشر، وهي مزينة ببذخ بتماثيل الآلهة القديمة والملوك والفرسان والأسود المجنحة والماسكارون الضاحك ونقوش الزينة مع الدلافين اللعب ورؤوس الأطفال وأكاليل الزهور. تتنفس الهندسة المعمارية الصارمة والقاتمة إلى حد ما للمربع بالطاقة والقوة الخفية. النحت يخفف من شدته ويعطيه صوتًا كبيرًا. أنت بحاجة إلى السير على طول ساحة السوق ببطء، والنظر بعناية في كل إفريز، وكل تمثال - كل خطوة تجلب انطباعًا جديدًا، وتعلمك أن تفهم مدى روعة وتنوع إمكانيات الجمع بين الهندسة المعمارية والنحت.

يتم تحقيق التوليف الحقيقي للفنون، وهو مزيج من نوعين أو أكثر من أنواع الفن، والترابط بين جميع أجزائها وأنواعها في وحدة جديدة متناغمة وتعميم أسلوبي، في الحالات التي تتحد فيها عناصر مختلف أنواع الفن من خلال مفهوم أيديولوجي وأسلوبي مشترك ويشكل كلاً عضويًا. يمكن تحقيق هذه النتيجة من خلال تفاعل النحت الضخم مع المجموعة الحضرية والنحت الزخرفي مع البيئة المعمارية. إن التوليف هو الذي يحدد التعبير الفني لمجموعات لينينغراد مثل ساحة ديسمبريست التي يهيمن عليها الفارس البرونزي، ومباني مثل هيئة الأركان العامة أو البورصة أو الأميرالية.

تلوين- تصوير على مستوى صور العالم الحقيقي، الذي تحول بواسطة الخيال الإبداعي للفنان؛ عزل الشعور الجمالي الأولي والأكثر شعبية - الإحساس بالألوان - إلى مجال خاص وتحويله إلى إحدى وسائل الاستكشاف الفني للعالم.

في الرسم القديم، لم تكن العلاقة بين الظواهر المصورة مكانية بقدر ما كانت دلالية. في جزيرة تشام (أستراليا، خليج كاربنتاريا)، في كهف قديم على جدار أبيض، تم رسم حيوانات الكنغر باللونين الأسود والأحمر، يطاردها اثنان وثلاثون صيادًا، الثالث منهم في الترتيب يبلغ طوله ضعف طول الصياد. الآخرين، لأنه يمثل القائد.

كما صور الفنانون المصريون القدماء، من أجل التركيز الدلالي، شخصية القائد العسكري أكبر بعدة مرات من شخصيات محاربيه. كانت هذه أولى اللمسات التركيبية للرسم الذي لم يعرف المنظور. في العصور القديمة، كانت الرسومات والرسم قريبة ليس فقط من بعضها البعض، ولكن أيضًا من الأدب. ترتبط الرسوم والرسومات الصينية القديمة والمصرية القديمة بالسرد. الصورة عبارة عن سلسلة من الأحداث، قصة تتكشف في عدد من الشخصيات. بالفعل في هذه المرحلة المبكرة من التطور، تعبر اللوحة على مستوى وجهات نظر مختلفة حول هذا الموضوع. رسم فنانو مصر القديمة كلتا العينين على وجه مصور بشكل جانبي، ويصور رسامو جنوب ميلانيزيا طائرات مخفية عن الرؤية المباشرة: يتم رسم قرص فوق رأس الشخص، مما يشير إلى مؤخرة الرأس، أو وجه مزدوج، ينقل "" نظرة دائرية." لم يدرك الفنان القديم جمال المناظر الطبيعية.

يعرف الفنان القديم جيدا تشريح الحيوانات فحسب، بل البشر أيضا. وتشارك الجمباز والموسيقى والفنون الجميلة في تعليم المحارب، واستشعار جمال وقوة جسم الإنسان، الذي له جذور اجتماعية وتاريخية عميقة. تؤدي الألعاب الأولمبية والصور النحتية للأبطال وظائف اجتماعية وجمالية مماثلة: تربية المحاربين الذين تحتاجهم ديمقراطية امتلاك العبيد - المدافعون عن هيلاس وعمال مناجم العبيد من أجل تنميتها الاقتصادية.

أعطت لوحة العصور الوسطى صورة مسطحة تقليديًا للعالم. لم يركز التكوين على مسافة الجسم من عين المراقب، بل على معناه وأهميته. هذه الميزات نفسها متأصلة في رسم الأيقونات الروسية. لم تكن العصور الوسطى تعرف بعد الفرق التشريحي بين الشخص البالغ والطفل: في اللوحات، يظهر المسيح الطفل شخصًا بالغًا بحجم صغير. الفنون الجميلة في العصور الوسطى تتغلغل في العالم الداخلي للإنسان وتتغلغل في أعماق روحه. تم استبدال عبادة جمال الجسد العاري بأزياء الملابس التي تغطي الجسم وتسقط على الأرض. ومن مميزات الرداء الرهباني، أنه يخفي الخطوط العريضة لشخصية الإنسان، ويجعل مظهره بلا شكل ولا جنس.

يعيد عصر النهضة إحياء عبادة الجسد العاري، مع التركيز ليس فقط على جماله وقوته، ولكن أيضًا على جاذبيته الحسية. تتجلى فرحة الوجود، ومتعة الحياة الروحية والحسية في اللوحات التي تمجد جمال الجسد الأنثوي، وعفته الجورجية، وروعة روبنزي، والجمال الأرضي والسماوي التيتياناني، والروحانية الإغريقية.

تلعب اللوحة دورًا رائدًا في نظام الأشكال الفنية في عصر النهضة. يؤكد الفنانون على الأهمية الإنسانية العالمية للرسم، والتي، مثل الأدب، لا تحتاج إلى ترجمة إلى لغة أخرى. كتب ليوناردو دافنشي: "... إذا كان الشاعر يخدم العقل بالأذن، فإن الرسام بالعين، أكثر". تستحق الشعور... لوحة أكثر فائدة وجمالاً بكثير، ستعجبك أكثر... اختر شاعراً يصف جمال المرأة لحبيبها، واختر رساماً يصورها، وأنت سوف نرى أين ستميل الطبيعة إلى القاضي المفتون.»

يظهر العباقرة دائمًا في المجالات الأكثر أهمية في الممارسة الاجتماعية. وليس من قبيل المصادفة أن عصر النهضة أنتج فنانين عظماء مثل مايكل أنجلو وليوناردو دافنشي وروبنز وتيتيان.

تجد شفقة العصر المناهضة للزهد والمعادية للمدرسة ، والدافع لثراء الحياة ، وأفراحها الروحية والحسية ، تعبيرًا كاملاً على وجه التحديد في الرسم ("الربيع" لبوتيتشيلي). ينقل الفنانون التشريح المرتبط بالعمر للشخص (الطفل بين ذراعي مادونا ليتا لليوناردو دا فينشي ليس قزمًا، ولكنه في الحقيقة طفل)، ويكشف عن التشريح الديناميكي للشخص بمعدلات ووضوح وزوايا واتجاهات مختلفة. الحركة (اللوحات الجدارية لسقف كنيسة سيستين لمايكل أنجلو).

خلال عصر النهضة، تم تطوير المبادئ التفصيلية للتكوين المكاني المنظوري. كشف ترتيب الشخصيات في الصورة عن علاقات حياتهم. اكتشف عصر النهضة قوانين المنظور، أو حتى على نطاق أوسع، الاستخدام الحر للفضاء. تم تطوير فكرة المنظور من قبل برونليسكي وألبرتي، اللذين قاما بتعليم كيفية تنظيم المساحة في اللوحة وفقًا لمبادئ الهرم المقطوع الذي يتكون من الأشعة القادمة من الأشياء إلى أعيننا. تتجلى السيطرة على الفضاء ليس فقط من خلال بناء المنظور (على سبيل المثال، في لوحة "العشاء الأخير" لليوناردو دافنشي)، ولكن أيضًا من خلال إنشاء مساحة "غير مادية".

في القرن التاسع عشر تم الانتهاء من عملية الترسيم المحددة مسبقًا بين الرسم والرسومات. خصوصية الرسومات هي العلاقات الخطية، واستنساخ شكل الأشياء، ونقل الإضاءة، والعلاقة بين الضوء والظل. تلتقط اللوحة علاقات ألوان العالم بالألوان ومن خلال اللون تعبر عن جوهر الأشياء وقيمتها الجمالية وتتحقق من غرضها الاجتماعي وتوافقها مع البيئة. تم الانتهاء من عملية ترسيم الحدود بين الرسم والرسومات من قبل الانطباعيين. إنهم لا ينقلون أي شيء خارج اللون، كل شيء خطي بالنسبة لهم ثانوي؛ ليس الرسم، ولكن علاقات الألوان للأشياء المصورة هي الناقل الرئيسي للمعنى الجمالي. يكتسب الرسم الاستقلال عن الرسم الذي كان هدفه الأساسي في السابق، ويقترب من الموسيقى مبتعداً عن الأدب.

في القرن العشرين طبيعة الرسم تتغير بشكل كبير. ويتأثر بالتصوير الفوتوغرافي والسينما والتلفزيون واتساع وتنوع انطباعات الإنسان المعاصر الذي يدرك الواقع من ارتفاعات كبيرة، وبسرعات عالية، ومن زوايا غير متوقعة، ومن وجهات نظر متغيرة ومتحركة. يتعمق العالم الفكري والنفسي للإنسان. طرح ظهور التصوير الفوتوغرافي وإتقانه للألوان تحديات جديدة للرسم. يمكن للتصوير الفوتوغرافي الآن التقاط كائن ما كتذكار. في لوحة القرن العشرين. يزداد دور المبدأ الذاتي، وتصبح أهمية الرؤية الشخصية، والإدراك الفردي للحياة أكثر حدة (تذكر "March Snow" لجرابار).

العناصر المكونة للمعنى في الرسم هي قاعدة مسطحة مُعالجة وحواف منتظمة للصورة وإطار (كانت هذه العناصر غائبة في الرسم الصخري). وفي العصر الحديث ظهرت لوحات لا تصور الفضاء السحيق ولم تكن مؤطرة. كان نظيره تمثالًا بدون قاعدة - معلقًا أو واقفًا على الأرض. أجزاء من المستوى التصويري، مكان صورة الكائن، لها معنى رمزي. في الصورة التي رسمها مونك، تم وضع الشخص المنغمس في نفسه قليلاً على الجانب في مساحة فارغة. وهذا يخلق تأثيرًا فنيًا ودلاليًا للحزن والاغتراب، والذي يتم تعزيزه من خلال وضعية الشخص الذي يتم تصويره.

بنيان.عندما تعلم الإنسان صناعة الأدوات، لم يعد منزله حفرة أو عشًا، بل بناء صالحًا اكتسب تدريجيًا مظهرًا جماليًا. أصبح البناء هندسة معمارية.

العمارة هي تشكيل الواقع وفق قوانين الجمال عند إنشاء المباني والهياكل المصممة لخدمة احتياجات الإنسان للسكن والأماكن العامة. تخلق الهندسة المعمارية عالمًا مغلقًا ومتقنًا نفعيًا فنيًا، محددًا عن الطبيعة، ومعارضًا للبيئة الأولية ويسمح للناس باستخدام الفضاء المتوافق مع البشر وفقًا لاحتياجاتهم المادية والروحية. تعبر الصورة المعمارية عن غرض المبنى والمفهوم الفني للعالم والشخصية وفكرة الإنسان عن نفسه وجوهر عصره.

الهندسة المعمارية - الفن والمباني لها أسلوب معين. بفضل الهندسة المعمارية، ينشأ جزء لا يتجزأ من "الطبيعة الثانية" - البيئة المادية التي تم إنشاؤها بواسطة العمل البشري والتي تجري فيها حياته وأنشطته.

تميل الهندسة المعمارية إلى أن تكون شبيهة بالمجموعة. تتلاءم هياكلها بمهارة مع المناظر الطبيعية (الطبيعية) أو الحضرية (المدينة). على سبيل المثال، يتناسب مبنى جامعة موسكو الحكومية بشكل جيد مع المناظر الطبيعية لتلال سبارو، حيث يوفر إطلالات على العاصمة والمسافات المتراجعة في سهل روسيا الوسطى. تم دمج مبنى CMEA السابق (الآن مبنى City Hall)، الذي يشبه الكتاب المفتوح، بنجاح في المشهد الحضري لموسكو.

يتم تحديد أشكال الهندسة المعمارية: 1) بشكل طبيعي (اعتمادا على الظروف الجغرافية والمناخية، وطبيعة المناظر الطبيعية، وشدة ضوء الشمس، والسلامة الزلزالية)؛ 2) اجتماعيًا (اعتمادًا على طبيعة النظام الاجتماعي والمثل الجمالية والاحتياجات النفعية والفنية للمجتمع؛ ترتبط الهندسة المعمارية ارتباطًا وثيقًا من الفنون الأخرى بتطور القوى الإنتاجية وتطور التكنولوجيا).

العمارة هي الفن والهندسة والبناء، الأمر الذي يتطلب تركيزا هائلا من الجهود الجماعية والموارد المادية (كاتدرائية القديس إسحاق، على سبيل المثال، تم بناؤها من قبل نصف مليون شخص على مدى أربعين عاما). تم إنشاء الأعمال المعمارية لتدوم إلى الأبد. إن مبتكر "الكتاب الحجري" و"قارئه" هما الشعب. إن العمل المعماري عبارة عن سيمفونية حجرية ضخمة، وهو إبداع عظيم من صنع الناس، مثل الإلياذة، وهو نتيجة مذهلة للجمع بين كل قوى العصر بأكمله.

حتى في العصور القديمة، تفاعلت الهندسة المعمارية مع النحت الضخم والرسم والفسيفساء والأيقونات. في هذا التوليف، تهيمن الهندسة المعمارية. أحياناً يدخل الأدب، على شكل اقتباس من نص أدبي، في علاقة تبعية مع العمارة والنحت. هناك أيضًا حالة معروفة للتفاعل الثانوي للموسيقى مع الهندسة المعمارية: تم تعليق أحد المعابد البورمية بأجراس، مما يخلق سحابة فضية من الرنين الأخف والأكثر رقة حول الهيكل. ارتبطت موسيقى الأرغن بالكاتدرائيات القوطية.

أساس التكوين المعماري هو الهيكل الحجمي المكاني، والعلاقة العضوية بين عناصر المبنى أو مجموعة المباني. إن حجم الهيكل مهم من الناحية السيميائية ويحدد إلى حد كبير طبيعة الصورة الفنية أو أثرها أو حميميتها. العمارة لا تعيد إنتاج الواقع تصويرياً، بل هي معبرة بطبيعتها. الإيقاع، نسبة الأحجام، الخطوط هي وسيلة التعبير عنها. أحد الهياكل الفنية الحديثة هو عدم انتظام ضربات القلب في الإيقاع، والتنافر في الانسجام (على سبيل المثال، مجموعة من المباني في مدينة البرازيل).

نشأت الهندسة المعمارية في العصور القديمة، على أعلى مستوى من الهمجية، عندما بدأت قوانين ليس فقط الضرورة، ولكن أيضا الجمال، في العمل في البناء.

وفي مصر القديمة تم بناء مقابر ضخمة (ارتفاع هرم خوفو بالجيزة حوالي 150 م)، ومعابد بها العديد من الأعمدة القوية (في معبد آمون بالكرنك ارتفاع الأعمدة 20.4 م وقطرها 3.4 م). م). وتتميز هذه العمارة بالوضوح الهندسي للأشكال، وعدم وجود تقسيمات، وعدم التناسب بين حجم الهيكل والشخص، والنصب التذكاري الذي يطغى على الفرد. تم إنشاء الهياكل الفخمة ليس لتلبية الاحتياجات المادية للشعب، ولكن باسم الأهداف الروحية والدينية وخدمت قضية التنظيم الاجتماعي للمصريين في ظل الحكم الاستبدادي للفرعون.

في هيلاس القديمة، تأخذ الهندسة المعمارية مظهرا ديمقراطيا. تؤكد المباني الدينية (على سبيل المثال، معبد البارثينون) على جمال وحرية وكرامة المواطن اليوناني. تظهر أنواع جديدة من المباني العامة - المسارح والملاعب والمدارس. يتبع المهندسون المعماريون المبدأ الإنساني للجمال الذي صاغه أرسطو: الجمال ليس كبيرًا جدًا وليس صغيرًا جدًا. يعمل الشخص هنا كمقياس لجمال وحجم المبنى، والذي، على عكس مباني مصر القديمة، لا يقمع الفرد، بل يمجده، وهو ما يتوافق مع الأهداف الاجتماعية للديمقراطية الأثينية. أنشأ المهندسون المعماريون في اليونان القديمة نظامًا ترتيبيًا لعب دورًا كبيرًا في تطوير الهندسة المعمارية. في روما القديمة، تم استخدام الهياكل المقوسة والمقببة المصنوعة من الخرسانة على نطاق واسع. ظهرت أنواع جديدة من المباني: المنتديات، أقواس النصر، التي تعكس أفكار الدولة والقوة العسكرية.

في العصور الوسطى، أصبحت الهندسة المعمارية هي الشكل الرائد والأكثر شعبية للفن، والتي كانت صورها في متناول الأشخاص الأميين. عبرت الكاتدرائيات القوطية التي تصل إلى السماء عن دافع ديني تجاه الله وحلم الشعب الأرضي العاطفي بالسعادة.

تطور عمارة عصر النهضة على أساس جديد مبادئ وأشكال الكلاسيكيات القديمة.

الكلاسيكية طوب التقنيات التركيبية في العصور القديمة.

من نهاية القرن السادس عشر إلى منتصف القرن الثامن عشر، خلال عصر تشكيل الدول الوطنية، المصحوبة بالحروب، تطور الباروك (عدد كبير من الزخارف الجصية، وتعقيد الانقسامات والعلاقات المكانية، والأبهة، والتمجيد، والتباين من الأشكال). عملت المباني الباروكية على تمجيد وتأكيد الحكم المطلق (مثل قصر فرساي) والكاثوليكية (على سبيل المثال، كنيسة سانتا ماريا ديلا فيتوريا الرومانية).

في بداية القرن الثامن عشر. في فرنسا، نشأ أسلوب الروكوكو وانتشر في جميع أنحاء أوروبا (على سبيل المثال، قصر سانسوسي في بوتسدام) كتعبير عن أذواق الطبقة الأرستقراطية (الزخرفة، والزخرفة الغريبة للشكل، وعدم التناسق المتعمد وتعقيد الخطوط المتعرجة، وفي الداخل - لوحات غنية ومرايا كبيرة تخلق انطباعًا بخفة الجدران وعدم أهميتها).

في النصف الثاني من القرن الثامن عشر. يفسح الروكوكو الطريق للإمبراطورية - أسلوب ضخم ومهيب يعتمد على تقاليد الكلاسيكية وأسلوب عصر الأباطرة الرومان. إنه يعبر عن القوة العسكرية وعظمة القوة (على سبيل المثال، قوس النصر في باريس، المتفوق على أقواس العالم القديم، أو عمود فاندوم، الذي يكرر عمود تراجان في روما).

تم تصوير إنجازات الهندسة المعمارية الروسية في الكرملين والتحصينات والقصور والمباني الدينية والمدنية. الهندسة المعمارية الروسية غنية بالإبداعات الوطنية الأصلية (برج جرس إيفان الكبير، وكاتدرائية القديس باسيل، والمباني الخشبية ذات حلول التصميم الواضحة وأشكال الزينة الغنية، مثل الكنائس في كيجي). أكد "الباروك الروسي" على وحدة الدولة الروسية، وصعود الحياة الوطنية (أعمال راستريللي: قصر الشتاء ومجموعات تسارسكوي سيلو).

في القرنين الثامن عشر والتاسع عشر. تم تطوير مبادئ الكلاسيكية الروسية: الوضوح والتعبير عن الصورة المعمارية والوسائل البناءة والفنية البسيطة. في القرن التاسع عشر تم تأكيد الانتقائية.

في القرن العشرين تظهر أنواع جديدة من المباني: المباني الصناعية ومباني النقل والمباني الإدارية متعددة الطوابق والمناطق السكنية. يتم تنفيذ بنائها باستخدام طرق صناعية باستخدام مواد جديدة وعناصر قياسية مصنوعة في المصنع. وهذا يغير المعايير الجمالية ويفتح وسائل جديدة للتعبير في الهندسة المعمارية (في التخطيط الحضري، على سبيل المثال، تنشأ مشكلة التعبير الفني للتنمية الجماعية).

الزخرفة التي ميزت العمارة السوفيتية من الثلاثينيات إلى الخمسينيات أعاقت تطورها. أدى التخلي عن الزخرفة إلى تقليل تكلفة البناء وزيادة حجمه وسرعته وتوجيه الفكر الإبداعي للمهندسين المعماريين نحو البحث عن حلول معمارية بسيطة ومعبرة. وفي هذا الصدد، فإن بيت المحاربين القدامى للسينما، وهو مجمع من المباني في نوفي أربات في موسكو، يدل على ذلك.

النحت- الفن البصري المكاني، إتقان العالم من خلال الصور البلاستيكية المطبوعة بمواد قادرة على نقل المظهر الحيوي للظواهر.

يتم نحت الأعمال النحتية من الرخام والجرانيت والحجر الآخر، منحوتة من الخشب، ومنحتة من الطين. تعتبر المواد الناعمة مؤقتة عند العمل بها، وعادة ما يفترض أن مزيد من الصب في أكثر دواما - الحديد الزهر، البرونز. وفي عصرنا هذا تزايدت أعداد المواد المناسبة للنحت: فظهرت أعمال الفولاذ والخرسانة والبلاستيك.

الرجل هو الموضوع الرئيسي، ولكن ليس الوحيد في النحت. فنانو الحيوانات يصنعون شخصيات حيوانية. لا يمكن للنحت الدائري إلا إعادة إنشاء تفاصيل البيئة المحيطة بالشخص. أنواع النحت مثل النحت البارز والنقش العالي قريبة من الرسم والرسومات، ويمكنها تصوير المناظر الطبيعية.

النحت دائما ينقل الحركة. حتى الراحة الكاملة يُنظر إليها في النحت على أنها حركة داخلية، كحالة دائمة، ممتدة ليس فقط في المكان، ولكن أيضًا في الزمن. ليس لدى النحات تحت تصرفه سوى لحظة عمل واحدة، ولكنها تحمل ختم كل ما سبقها وما تلاه. وهذا يعطي النحت تعبيرًا ديناميكيًا. تنقل الصورة النحتية للرجل الميت الحركة الخفية المنتشرة في الجسد وسلامه الأبدي وآخر جهود النضال المجمدة إلى الأبد. هذه هي صورة المسيح الميت ملقى على حضن والدة الإله في تمثال "بيتا" لمايكل أنجلو. تنام الحركة في جسد الله الابن، ساقطة من حضن الأم، وفي الوقت نفسه تقاوم هذا السقوط الذي لا حياة فيه.

إن تصور النحت يتكشف دائمًا بالتتابع مع الزمن، وهو ما يستخدم في التركيب النحتي ويساعد على نقل الحركة. تكشف الرؤية الشاملة وتغيير الموضع وزاوية المشاهدة عن جوانب مختلفة من الصورة ثلاثية الأبعاد.

تعد الآثار إحدى إمكانيات النحت، حيث توفر لها التوليف مع الهندسة المعمارية.

هناك تعميم واسع متأصل في طبيعة النحت. وأشار بوشكين إلى أن النحت المرسوم يترك انطباعًا أقل من النحت أحادي اللون؛

وسائل التمثيل والتعبير في النحت هي الضوء والظل. إن طائرات وأسطح الشكل المنحوت، التي تعكس الضوء وتلقي الظلال، تخلق تلاعبًا مكانيًا بالأشكال له تأثير جمالي على المشاهدين.

يسمح النحت البرونزي بفصل حاد بين الضوء والظل، بينما يسمح الرخام، الذي يسمح بنفاذ أشعة الضوء، بنقل التلاعب الدقيق بين الضوء والظل. وقد استخدم الفنانون القدماء هذه الخاصية من الرخام؛ وهكذا، فإن الرخام الوردي الرقيق والشفاف قليلاً الموجود في تمثال فينوس دي ميلو ينقل بشكل مثير للدهشة حنان ومرونة جسد المرأة.

يعد النحت أحد أقدم أشكال الفن، حيث يعود تاريخه إلى العصر الحجري القديم. أثناء تطور المجتمع القديم، على أساس الحقائق السحرية (التوفيق والطقوس في الطبيعة، الصور ما قبل الفنية)، التي نشأت من الاحتياجات العملية، ولد نظام العلامات، الذي ساهم بعد ذلك في الانعكاس الفني والمجازي للعالم. على سبيل المثال، يتم استبدال الحجر الذي يجسد حيوانًا وكان بمثابة هدف لإصابة الجروح ("بروفة" للصيد) بحيوان محشو طبيعي، ثم بصورة منحوتة له.

في مصر القديمة، ارتبط النحت بعبادة الموتى: الاعتقاد بأن الروح حية ما دامت صورة الإنسان موجودة، أجبر على إنشاء منحوتات متينة من أقوى المواد (الأرز اللبناني، الجرانيت، الحجر السماقي الأحمر، البازلت). ). يتميز النحت المصري القديم بالنصب التذكارية، وبعض بساطة الأشكال، والميل نحو الأشكال الثابتة.

في اليونان القديمة، وصل النحت إلى أعلى مستوياته. ليس من قبيل المصادفة أن ربط هيجل الفترة الفنية الكلاسيكية (القديمة) بالنحت. في النحت القديم، هناك دائمًا شعور بالحرية الداخلية. البطل مرتاح ويحتفظ بكرامته الداخلية؛ حتى المعاناة لا تشوه أو تشوه وجهه أو تعكر صفو انسجام الصورة (على سبيل المثال، "لاوكوون").

طورت العصور الوسطى أشكالًا ضخمة من النحت كانت متوافقة مع الهندسة المعمارية. يجمع النحت القوطي بين التفاصيل الطبيعية والأشكال الزخرفية والديناميكية التي تنقل الحياة الروحية المكثفة. تظهر أيضًا صور وهمية ووهمية واستعارية (على سبيل المثال، وهم كاتدرائية نوتردام).

أنشأ النحاتون خلال عصر النهضة معرضًا للصور الفردية الزاهية للأشخاص ذوي الإرادة القوية والاستباقيين والنشطين.

كان النحت الباروكي (القرن السابع عشر) مهيبًا، مثيرًا للشفقة، احتفاليًا، مليئًا بلعب غريب بين الضوء والظل، وغليان الكتل الدوامة.

أما النحت الكلاسيكي، على العكس من ذلك، فهو عقلاني وهادئ ومهيب وبسيط بشكل نبيل. في القرن الثامن عشر ينجذب التمثال نحو خصائص الصورة الاجتماعية والنفسية للشخص.

في القرن التاسع عشر تزدهر الواقعية في النحت: تكتسب الصور التنوع الجمالي والخصوصية التاريخية والطابع اليومي والنفسي.

في القرن العشرين يقدم النحاتون تفسيرًا عامًا ورمزيًا أحيانًا للصور النحتية. يعمل النحت على تعميق المحتوى النفسي للصورة، وتوسيع إمكانيات التعبير عن الحياة الروحية للعصر في البلاستيك.