Как руският импресионизъм в живописта се различава от френския? История Художественото течение в чуждестранното изобразително изкуство е импресионизмът.
Френско впечатление): художествено движение, възникнало във Франция през 60-те и 70-те години на 19 век. и получи най-яркото въплъщение в стативното изобразително изкуство. Импресионистите разработват нови техники за рисуване - цветни сенки, смесване на цветове, изсветляване на цвета, както и разлагане на сложни тонове в чисти тонове (наслагването им върху платното с отделни щрихи генерира тяхното оптично смесване в очите на зрителя). Те се стремяха да предадат красотата на мимолетните състояния на природата, променливостта и мобилността на заобикалящия живот. Тези техники помогнаха да се предаде усещането за искряща слънчева светлина, вибрации на светлина и въздух и създадоха впечатление за празничността на живота и хармонията на света. Импресионистичните техники се използват и в други форми на изкуството. В музиката, например, те допринасят за предаването на най-фините емоционални движения и мимолетни настроения.
Страхотна дефиниция
Непълна дефиниция ↓
Импресионизъм
от френски впечатление - впечатление) Движение в изкуството, възникнало във Франция през последната третина на 19 век. Основните представители на I.: Клод Моне, Огюст Реноар, Камил Писаро, Алфред Сисли, Берта Моризо, както и Едуард Мане, Едгар Дега и някои други художници, които се присъединиха към тях. Развитието на нов стил на I. се състоя през 60-70-те години и за първи път като нова посока, противопоставяща се на академичния салон, импресионистите се обявиха на първата си изложба през 1874 г. По-специално, на него е изложена картината на К. Моне „Импресия”. Soleil levant“ (1872). Официалната художествена критика реагира негативно на новото движение и подигравателно „кръщава“ неговите представители „импресионисти“, припомняйки картината на Моне, която особено ги раздразни. Името обаче отразява същността на направлението и неговите представители го приемат като официално наименование на своя метод. Като интегрално течение изкуството не съществува дълго - от 1874 до 1886 г., когато импресионистите организират 8 общи изложби. Официалното признание от ценителите на изкуството и изкуствоведите идва много по-късно - едва в средата на 90-те години. И. имаше, както стана ясно още през следващия век, огромно влияние върху цялото последващо развитие на изобразителното изкуство (и художествената култура като цяло). Всъщност започна фундаментално нов етап на художествената култура, който доведе до средата. ХХ век към ПОСТ-културата (виж: ПОСТ-), т.е. към прехода на културата в някакво фундаментално различно качество. О. Шпенглер, който разшири понятието история до културата, го смята за един от типичните признаци на „упадъка на Европа“, т.е. разрушаването на целостта на мирогледа, унищожаването на традиционно установената европейска култура. Напротив, авангардните художници (виж: Авангард) от началото на 20 век. Те виждат в И. своя предшественик, който отваря нови хоризонти за изкуството, освобождавайки го от извънхудожествени задачи, от догмите на позитивизма, академизма, реализма и др., с които човек не може да не се съгласи. Самите импресионисти, като чисти художници, не са мислили за такова глобално значение на своя експеримент. Те дори не се стремяха към специална революция в изкуството. Те просто виждаха света около тях малко по-различно, отколкото го виждаха официалните представители на салона, и се опитваха да консолидират тази визия с чисто изобразителни средства. В същото време те разчитаха на художествените открития на своите предшественици - предимно френски художници от 19 век. Делакроа, Коро, Курбе, "Барбизони". На К. Моне, който посети Лондон през 1871 г., беше силно впечатлен от произведенията на У. Търнър. В допълнение, самите импресионисти назовават сред своите предшественици френските класици Пусен, Лорен, Шарден и японската цветна гравюра от 18 век, а изкуствоведите виждат прилики с импресионистите в английските художници Т. Гейнсбъроу и Дж. Констабъл, а не споменават W. .Turner. Импресионистите абсолютизираха редица живописни техники на тези много различни художници и на тази основа създадоха цялостна стилистична система. За разлика от „академиците“, импресионистите изоставиха тематичната предпоставка (философска, морална, религиозна, социално-политическа и др.) на изкуството и обмислените, предварително замислени и ясно очертани сюжетни композиции, т.е. започнаха да се борят срещу доминирането на „литературизма“ в живописта, съсредоточавайки основното внимание върху специфични изобразителни средства - цвят и светлина; те напуснаха работилниците на открито, където се опитаха да започнат и завършат работа върху конкретно произведение в една сесия; изоставят тъмните цветове и сложните тонове (земни, „асфалтови“ цветове), характерни за изкуството на Новото време, преминавайки към чисти ярки цветове (палитрата им е ограничена до 7-8 цвята), често положени върху платното в отделни удари , като съзнателно се разчита на оптичното им смесване вече е в психиката на зрителя, с което се постига ефектът на особена свежест и спонтанност; следвайки Делакроа, те овладяват и абсолютизират цветната сянка, играта на цветни рефлекси върху различни повърхности; дематериализираха обекта на видимия свят, разтваряйки го в светлинно-въздушната среда, която беше основен обект на тяхното внимание като чисти живописци; те всъщност изоставят жанровия подход в изобразителното изкуство, съсредоточавайки цялото си внимание върху изобразителното предаване на субективното си впечатление от произволно видян фрагмент от действителността - по-често пейзажи (като Моне, Сислей, Писаро), по-рядко сюжетни сцени (като Реноар, Дега). В същото време те често се стремят да предадат впечатлението с почти илюзионистична точност за съвпадение на цветно-светлинно-въздушната атмосфера на изобразения фрагмент и момента на видимата реалност. Случайността на зрителния ъгъл върху фрагмент от природата, осветена от художественото виждане, вниманието към изобразителната среда, а не към обекта, често ги водеше до смели композиционни решения, остри неочаквани ъгли на видимост, разрези, които активират възприятието на зрителя. и др. ефекти, много от които по-късно са използвани от представители на различни авангардни движения. Изкуството се превръща в едно от направленията на "чистото изкуство" през 19 век, чиито представители смятат художествено-естетическото начало за основното в изкуството. Импресионистите усетиха неописуемата красота на светло-цветно-въздушната среда на материалния свят и се опитаха да я уловят върху своите платна с почти документална точност (за това понякога ги обвиняват в натурализъм, който едва ли е легитимен в голямата схема на нещата). ). В живописта те са своеобразни оптимистични пантеисти, последните певци на безгрижната радост на земното битие, слънцепоклонници. Както пише с възхищение неоимпресионистът П. Сигнак, „слънчевата светлина облива цялата картина; въздухът се люлее в него, светлината обгръща, гали, оформя, прониква навсякъде, дори в сянката.” Стилистичните характеристики на изкуството в живописта, особено желанието за изтънчено художествено изобразяване на мимолетни впечатления, фундаменталната схематичност, свежестта на прякото възприятие и др., се оказаха близки до представители на други видове изкуство от онова време, които доведе до разширяването на тази концепция към литературата, поезията и музиката. В тези видове изкуство обаче няма специално направление на И., въпреки че много от неговите характеристики се намират в произведенията на редица писатели и композитори от последната третина на 19-ти - началото. ХХ век Такива елементи на импресионистичната естетика като неяснота на формата, фиксиране на вниманието върху ярки, но случайни мимолетни детайли, подценяване, неясни намеци и др., Са присъщи на творчеството на Г. де Мопасан, А. П. Чехов, ранния Т. Ман и поезия на Р.-М. Рилке, но особено на братята Ж. и Е. Гонкур, представители на т. нар. „психологическо I>, и отчасти на К. Хамсун. М. Пруст и писателите на "потока на съзнанието" разчитат на импресионистични техники и ги развиват значително. В музиката френските композитори C. Debussy, M. Ravel, P. Duke и някои други се считат за импресионисти, които използват стилистиката и естетиката на I. в работата си. Тяхната музика е изпълнена с директни преживявания на красотата и лиризма на пейзажа, почти имитация на играта на морските вълни или шумоленето на листата, буколичния чар на древни митологични сюжети, радостта от моментния живот, ликуването на земното съществуване. , и удоволствието от безкрайното трептене на звукова материя. Подобно на художници, те размиват много традиционни музикални жанрове, изпълват ги с различно съдържание, засилват вниманието към чисто естетическите ефекти на музикалния език, значително обогатяват палитрата от изразителни и визуални средства на музиката. „Това се отнася преди всичко“, пише музикологът И. В. Нестиев, - към сферата на хармонията с нейната техника на паралелизми и причудливо нанизване на неразрешени цветни съзвучия-петна. Импресионистите значително разширяват съвременната тонална система, отваряйки пътя за много хармонични иновации на 20-ти век. (въпреки че те значително отслабиха яснотата на функционалните връзки). Усложняването и раздуването на комплексите от акорди (неакорди, недецимирани акорди, алтернативни четвърти хармонии) се съчетават с опростяване, архаизиране на модалното мислене (естествени режими, пентатоника, цялостни комплекси). Оркестрацията на композиторите импресионисти е доминирана от чисти цветове и капризни акценти; Често се използват сола на дървени духови инструменти, пасажи за арфа, сложни струнни разделения и консордино ефекти. Характерни са и чисто декоративните, равномерно преливащи се остинати фонове. Ритъмът понякога е нестабилен и неуловим. Мелодиката се характеризира не със заоблени конструкции, а с кратки експресивни фрази-символи, пластове от мотиви. В същото време в музиката на импресионистите значението на всеки звук, тембър и акорд беше необичайно засилено и се разкриха неограничените възможности за разширяване на мащаба. Особена свежест придава на музиката на импресионистите честото привличане към песенни и танцови жанрове, финото прилагане на модални и ритмични елементи, заимствани от фолклора на народите на Изтока, Испания и в ранните форми на негърския джаз. (Музикална енциклопедия. Т. 2, М., 1974. Стб. 507). Поставяйки визуалните и изразни средства на изкуството в центъра на вниманието на художника и фокусирайки се върху хедонистично-естетическата функция на изкуството, И. разкрива нови перспективи и възможности за художествената култура, от които се възползва напълно (а понякога дори прекомерно ) през 20 век. Лит.: Вентури Л. От Мане до Лотрек. М., 1938; Rewald J. История на импресионизма. Л.-М., 1959; Импресионизъм. Писма от художници. Л., 1969; Serullaz M. Encyclopedie de limpressionisme. П., 1977; Montieret S. Limpressionisme et son epoque. Т. 1-3. П., 1978-1980; Kroher E. Impressionismus in der Musik. Лайпциг. 1957. Л.Б.
Днес импресионизмът се възприема като класика, но в ерата на неговото формиране той е истински революционен пробив в изкуството. Новаторството и идеите на това движение напълно променят художественото възприемане на изкуството през 19-ти и 20-ти век. И съвременният импресионизъм в живописта наследява вече станали канонични принципи и продължава естетическите търсения в предаването на усещания, емоции и светлина.
Предпоставки
Има няколко причини за възникването на импресионизма, това е цял комплекс от предпоставки, довели до истинска революция в изкуството. През 19 век във френската живопис назрява криза, която се дължи на факта, че „официалната” критика не иска да забележи и да допусне различни нововъзникващи форми в галериите. Следователно живописта в импресионизма се превърна в един вид протест срещу инертността и консерватизма на общоприетите норми. Също така, произходът на това движение трябва да се търси в тенденциите, присъщи на Ренесанса и свързани с опитите за предаване на живата реалност. Художниците от венецианската школа се считат за първите родоначалници на импресионизма, след това испанците поеха по този път: Ел Греко, Гоя, Веласкес, които пряко повлияха на Мане и Реноар. Технологичният прогрес също играе роля за формирането на това училище. Така появата на фотографията породи нова идея в изкуството за улавяне на моментни емоции и усещания. Именно това мигновено впечатление се стремят да „уловят“ артистите от движението, което разглеждаме. Развитието на пленерната школа, основана от представители на Барбизонската школа, също оказва влияние върху това направление.
История на импресионизма
През втората половина на 19 век във френското изкуство се развива критична ситуация. Представителите на класическата школа не приемат иновациите на младите художници и не им позволяват да присъстват на Салона - единствената изложба, която отваря пътя към клиентите. Скандал избухна, когато младият Едуард Мане представи творбата си „Обяд на тревата“. Картината предизвика възмущението на критиците и публиката и на художника беше забранено да я излага. Затова Мане участва в така наречения „Салон на отхвърлените“ заедно с други художници, които не са допуснати до участие в изложбата. Работата получава огромен отговор и около Мане започва да се формира кръг от млади художници. Те се събраха в кафене, обсъдиха проблемите на съвременното изкуство, спориха за нови форми. Появява се общество от художници, които ще бъдат наречени импресионисти по едно от произведенията на Клод Моне. Тази общност включваше Писаро, Реноар, Сезан, Моне, Базил, Дега. Първата изложба на художници от това движение се състоя през 1874 г. в Париж и завърши, както всички следващи, с провал. Всъщност импресионизмът в музиката и живописта обхваща период от само 12 години, от първата изложба до последната, проведена през 1886 г. По-късно движението започва да се разпада на нови движения и някои художници умират. Но този период донесе истинска революция в съзнанието на творците и публиката.
Идеологически принципи
За разлика от много други движения, живописта в импресионизма не е свързана с дълбоки философски възгледи. Идеологията на това училище беше моментен опит, впечатление. Художниците не си поставят социални цели, те се стремят да предадат пълнотата и радостта от живота в ежедневието. Следователно жанровата система на импресионизма като цяло беше много традиционна: пейзажи, портрети, натюрморти. Тази посока не е обединение на хора въз основа на философски възгледи, а общност от съмишленици, всеки от които провежда свой собствен стремеж за изучаване на формата на битието. Импресионизмът се крие именно в уникалността на гледната точка на обикновените предмети, той е фокусиран върху индивидуалното преживяване.
Техника
Доста лесно е да разпознаете живописта в импресионизма по някои характерни черти. На първо място, струва си да си припомним, че художниците на това движение бяха пламенни любители на цвета. Те почти напълно изоставят черното и кафявото в полза на богата, ярка палитра, често силно избелена. Импресионистичната техника се характеризира с къси щрихи. Те се стремят към общо впечатление, а не към внимателно изчертаване на детайлите. Платната са динамични и прекъснати, което отговаря на човешкото възприятие. Художниците се стремят да подредят цветовете върху платното така, че да постигнат колористична интензивност или близост в картината; те не смесват цветовете върху палитрата. Художниците често работеха на пленер и това се отразяваше в техниката, която нямаше време да изсъхне предишните слоеве. Боите са нанасяни една до друга или една върху друга, като е използван непрозрачен материал, което позволява да се създаде ефект на „вътрешен блясък“.
Основни представители във френската живопис
Родното място на това движение е Франция; тук за първи път се появява импресионизмът в живописта. Художници от тази школа са живели в Париж през втората половина на 19 век. Представят творбите си на 8 импресионистични изложби и тези картини се превръщат в класика на движението. Именно французите Моне, Реноар, Сисли, Писаро, Моризо и други са родоначалниците на движението, което разглеждаме. Най-известният импресионист, разбира се, е Клод Моне, чиито произведения напълно въплъщават всички характеристики на това движение. Също така, движението правилно се свързва с името на Огюст Реноар, който счита за основна художествена задача да предаде играта на слънцето; освен това той беше майстор на сантименталния портрет. Импресионизмът включва и такива изключителни художници като Ван Гог, Едгар Дега, Пол Гоген.
Импресионизъм в други страни
Постепенно тенденцията се разпространява в много страни, френският опит е успешно възприет в други национални култури, въпреки че в тях трябва да говорим повече за отделни произведения и техники, отколкото за последователно прилагане на идеи. Немската живопис в импресионизма е представена предимно от имената на Малки Ури, Макс Либерман, Ловис Коринт. В САЩ идеите са реализирани от J. Whistler, в Испания - от H. Sorolla, в Англия - от J. Sargent, в Швеция - от A. Zorn.
Импресионизмът в Русия
Руското изкуство през 19 век е значително повлияно от френската култура, така че местните художници също не могат да избегнат увличането от новото движение. Руският импресионизъм в живописта е най-последователно и плодотворно представен в творчеството на Константин Коровин, както и в творчеството на Игор Грабар, Исак Левитан, Валентин Серов. Особеностите на руската школа бяха етюдният характер на произведенията.
Какво беше импресионизмът в живописта? Художниците-основатели се стремят да уловят моментни впечатления от контакт с природата, а руските творци също се опитват да предадат по-дълбокия, философски смисъл на творбата.
Импресионизмът днес
Въпреки факта, че са изминали почти 150 години от появата на движението, съвременният импресионизъм в живописта не е загубил своята актуалност днес. Благодарение на своята емоционалност и лекота на възприемане, картините в този стил са много популярни и дори търговски успешни. Затова много художници по света работят в тази посока. Така руският импресионизъм в живописта е представен в новия московски музей със същото име. Там редовно се провеждат изложби на съвременни автори, например В. Кошляков, Н. Бондаренко, Б. Гладченко и др.
Шедьоври
Съвременните любители на изобразителното изкуство често наричат импресионизма в живописта любимото си движение. Картини на художници от тази школа се продават на търгове на невероятни цени, а колекциите в музеите се радват на голямо обществено внимание. Основните шедьоври на импресионизма се считат за картините на К. Моне "Водни лилии" и "Изгряващото слънце", О. Реноар "Бал в Мулен дьо ла Галет", К. Писаро "Булевард Монмартър през нощта" и " Boildier Bridge в Руан в дъждовен ден”, Е. Дега „Абсент”, въпреки че този списък може да бъде продължен почти безкрайно.
Импресионизмът се появява за първи път във Франция към края на 19 век. Преди появата на това движение натюрморти, портрети и дори пейзажи са рисувани предимно от художници в ателиета. Картините на импресионистите често са създавани на открито и техните теми са реални, мимолетни сцени от съвременния живот. И въпреки че първоначално импресионизмът беше критикуван, той скоро привлече много последователи и постави началото на подобни движения в музиката и литературата.
Известни френски художници импресионисти
Не е изненадващо, че импресионизмът в живописта се превърна в една от най-известните тенденции в изобразителното изкуство: художниците, които са работили в този стил, оставят след себе си невероятно красиви платна, леки, като глътка свеж въздух, пълни със светлина и цветове. Много от тези красиви творби са написани от следните майстори на импресионизма, които всеки уважаващ себе си познавач на световната живопис познава.
Едуард Мане
Въпреки факта, че цялото творчество на Едуар Мане не може да бъде поставено само в рамките на импресионизма, художникът до голяма степен е повлиял на появата на това движение, а други френски художници, работещи в този стил, го смятат за основател на импресионизма и техен идеен вдъхновител. Други известни френски импресионисти също са били добри приятели на майстора: Едгар Дега, Пиер Огюст Реноар, както и художник импресионист с подобно фамилно име, което озадачава новодошлите в света на живописта - Клод Моне.
След срещата с тези художници в творчеството на Мане настъпват импресионистични промени: той започва да предпочита да работи на открито, в картините му започват да преобладават светли, ярки цветове, изобилие от светлина и фракционна композиция. Въпреки че все още не отказва тъмните цветове и предпочита да рисува в ежедневния жанр пред пейзажите - това може да се види в творбите на художника „Бар във Фоли Бержер“, „Музика в Тюйлери“, „Закуска на тревата“, „ При татко Lathuille“, „Argenteuil“ и др.
Клод Моне
Вероятно всеки е чувал името на този френски художник поне веднъж в живота си. Клод Моне е един от основателите на импресионизма и именно неговата картина „Импресия: Изгряващото слънце“ дава името на движението.
През 60-те години на 19 век художникът импресионист е един от първите, които се интересуват от рисуване на чист въздух, а много по-късно създава нов експериментален подход към работата. Състоеше се в наблюдение и изобразяване на един и същ обект в различни часове на деня: така беше създадена цяла поредица от платна с изглед към фасадата на Руанската катедрала, срещу която художникът дори се настани, за да не изпуска от поглед сградата.
Когато изследвате импресионизма в живописта, не пропускайте Поле с макове на Моне в Аржантьой, Разходка до скалата в Пурвил, Жени в градината, Дама с чадър, Булевард на Капуцините и серията Водни лилии.
Пиер Огюст Реноар
Този художник импресионист имаше уникално виждане за красотата, което направи Реноар един от най-известните представители на това течение. На първо място, той е известен със своите картини на шумния парижки живот и свободното време в края на 19 век. Реноар беше отличен в работата с цвят и светлосенка; особено се отбелязва изключителната му способност да рисува голи тела с уникално предаване на тонове и текстури.
Още от 80-те години импресионистът започва да клони повече към класическия стил на рисуване и се интересува от ренесансовата живопис, което го принуждава да включи по-остри линии и по-ясна композиция в зрелите си творби. През този период Пиер Огюст Реноар създава някои от най-непреходните творби на своята епоха.
Обърнете специално внимание на картини на Реноар като „Обядът на гребците“, „Бал в Мулен дьо ла Галет“, „Танц в селото“, „Чадъри“, „Танц в Бугивал“, „Момичета на пиано“ .
Едгар Дега
В историята на изкуството Едгар Дега остава като художник импресионист, въпреки че самият той отхвърля този етикет, предпочитайки да се нарича по-скоро независим художник. Всъщност той имаше известен интерес към реализма, което отличаваше художника от другите импресионисти, но в същото време той използваше много импресионистични техники в работата си, по-специално той „играеше“ със светлината по същия начин и обичаше да изобразява сцени от градския живот.
Дега винаги е бил привлечен от човешката фигура, той често е изобразявал певци, танцьори, перачки, опитвайки се да изобрази човешкото тяло в различни позиции, например върху платната „Клас по танци“, „Репетиция“, „Концерт в кафене Ambassador“ , „Оркестър на Операта“, „Танцьори в синьо“.
Камил Писаро
Писаро е единственият художник, участвал във всичките осем изложби на импресионисти от 1874 до 1886 г. Докато импресионистичните картини са известни със своите сцени от градски и селски празници, картините на Писаро показват на зрителя ежедневния живот на френските селяни, изобразявайки селската природа в различни условия и при различно осветление.
Когато се запознавате с картините, които този художник импресионист рисува, преди всичко си струва да видите творбите „Булевард Монмартър през нощта“, „Жътвата в Ерани“, „Жътварите почиват“, „Градината в Понтоаз“ и „Влизане село Войзен”.
Междурегионална академия за управление на персонала
Северодонецки институт
Департамент по общообразователни и хуманитарни науки
Тест по културология
Импресионизмът като течение в изкуството
Завършено:
група ученик
IN23-9-06 BUB (4. Od)
Шешенко Сергей
Проверено:
д-р ст.н.с.
Смолина О.О.
Северодонецк 2007 г
Въведение
4. Постимпресионизъм
Заключение
Референции
Приложения
Въведение
Важно явление в европейската култура през втората половина на 19 век. Имаше художествен стил, наречен импресионизъм, който стана широко разпространен не само в живописта, но и в музиката и художествената литература. И все пак възниква в живописта. Импресионизъм (фр. импресионизъм, от импресия - впечатление), движение в изкуството от последната третина на 19 - началото на 20 век. Развива се във френската живопис в края на 1860-те и началото на 1870-те години. (името възниква след изложбата от 1874 г., на която е изложена картината на К. Моне „Импресия. Изгряващо слънце“).
Признаците на импресионистичния стил са липсата на ясно дефинирана форма и желанието да се предаде темата с фрагментарни щрихи, които моментално улавят всяко впечатление, което обаче разкрива скритото им единство и връзка при преглед на цялото. Като особен стил, импресионизмът с неговия принцип за ценност на „първото впечатление“ направи възможно провеждането на разказа чрез детайли, които бяха сякаш произволно грабнати, което очевидно нарушаваше строгата последователност на плана на разказа и принцип на подбор на същественото, но със своята „странична истина” придадоха изключителна яркост и свежест на разказа.
Във временните изкуства действието се развива във времето. Изглежда, че живописта успява да улови само един единствен момент във времето. За разлика от киното винаги има един „кадър“. Как може да предаде движение? Един от тези опити за улавяне на реалния свят в неговата подвижност и променливост беше опитът на създателите на движение в живописта, наречено импресионизъм (от френски впечатление). Това движение обединява различни художници, всеки от които може да се характеризира по следния начин. Импресионистът е художник, който предава прякото си впечатление от природата, вижда в нея красотата на променливостта и непостоянството, пресъздава визуалното усещане за ярка слънчева светлина, играта на цветни сенки, използвайки палитра от чисти несмесени цветове, от които черно и сиво са прогонени. Слънчевата светлина струи и парата се издига от влажната земя. Водата, топящият се сняг, разораната земя, люлеещата се трева по ливадите нямат ясни, замръзнали очертания. Движението, което преди беше въведено в пейзажа като изображение на движещи се фигури, в резултат на действието на природни сили - вятър, движещи се облаци, люлеещи се дървета, сега е заменено от мир. Но този мир на неживата материя е една от формите на нейното движение, което се предава от самата текстура на живописта - динамични щрихи от различни цветове, които не са ограничени от твърдите линии на рисунката.
1. Произходът на импресионизма и неговите основоположници
Формирането на импресионизма започва с картината на Е. Мане (1832-1893) „Обяд на тревата“ (1863). Новият стил на рисуване не се приема веднага от публиката, която обвинява художниците, че не знаят как да рисуват и хвърлят върху платното изстъргани от палитрата бои. Така розовите руански катедрали на Моне, най-доброто от поредицата картини на художника („Сутрин“, „При първите слънчеви лъчи“, „Следобед“), изглеждаха неправдоподобни както за зрителите, така и за колегите художници. Художникът не се стреми да изобрази катедралата върху платно в различни часове на деня - той се състезаваше с готическите майстори, за да погълне зрителя в съзерцанието на магически светлинни ефекти. Фасадата на Руанската катедрала, подобно на повечето готически катедрали, крие мистичния спектакъл на ярките цветни витражи на интериора, оживяващи на слънчевата светлина. Осветлението в катедралите се променя в зависимост от това от коя страна грее слънцето, облачно или ясно време. Думата „импресионизъм“ дължи появата си на една от картините на Моне. Тази картина беше наистина екстремен израз на иновацията на възникващия метод на рисуване и беше наречена „Изгрев в Хавър“. Съставителят на каталога с картини за една от изложбите предложи художникът да го нарече по друг начин, а Моне, зачертавайки „в Хавър“, постави „впечатление“. И няколко години след появата на творбите му те пишат, че Моне „разкрива живот, който никой преди него не е успял да разбере, за който никой дори не е знаел“. В картините на Моне започнаха да забелязват тревожния дух на раждането на нова ера. Така „сериализмът“ се появява в творчеството му като ново явление в живописта. И тя се фокусира върху проблема с времето. Картината на художника, както беше отбелязано, изтръгва един „кадър“ от живота, с цялата му непълнота и непълнота. И това даде тласък на развитието на сериалите като последователно заменящи се един друг. Освен Руанските катедрали, Моне създава поредицата Gare Saint-Lazare, в която картините са взаимосвързани и се допълват. Въпреки това беше невъзможно да се комбинират „рамките“ на живота в една лента от впечатления в живописта. Това се превърна в задача на киното. Историците на киното смятат, че причината за появата и широкото му разпространение са не само техническите открития, но и спешната художествена нужда от движещ се образ, а картините на импресионистите, по-специално на Моне, се превръщат в симптом на тази нужда. Известно е, че един от сюжетите на първия в историята киноспектакъл, организиран от братя Люмиер през 1895 г., е „Пристигането на влак“. Парни локомотиви, гара и релси бяха предмет на поредица от седем картини „Гара Сен Лазар“ на Моне, изложена през 1877 г.
Пиер Огюст Реноар (1841-1919), заедно с К. Моне и А. Сислей, създават ядрото на импресионистичното движение. През този период Реноар работи за разработването на жив, колоритен артистичен стил с меки щрихи (известен като стила на дъгата на Реноар); създава много чувствени голи актове („Къпещи се”). През 80-те години той все повече гравитира към класическата яснота на образите в творчеството си. Най-вече Реноар обичаше да рисува детски и младежки образи и спокойни сцени от парижкия живот ("Цветя", "Млад мъж, който се разхожда с кучета в гората на Фонтенбло", "Ваза с цветя", "Плуване в Сена", " Лиза с чадър", "Дама в лодка", "Ездачи в Булонския лес", "Бал в Le Moulin de la Galette", "Портрет на Жана Самари" и много други). Творчеството му се характеризира с леки и прозрачни пейзажи и портрети, които възхваляват чувствената красота и радостта от битието. Но Реноар имаше следната мисъл: „В продължение на четиридесет години се движих към откритието, че кралицата на всички цветове е черната боя.“ Името Реноар е синоним на красота и младост, това време от човешкия живот, когато душевната свежест и разцветът на физическата сила са в пълна хармония.
2. Импресионизмът в творчеството на К. Писаро, К. Моне, Е. Дега, А. Тулуз-Лотрек
Камил Писаро (1830-1903) - представител на импресионизма, автор на светли, чисти цветни пейзажи ("Изорана земя"). Картините му се отличават с мека, сдържана палитра. В късния период на творчеството си се обръща към образа на града – Руан, Париж (булевард Монмартър, пасаж Опера в Париж). През втората половина на 80-те години. повлиян от неоимпресионизма. Работеше и като график.
Клод Моне (1840-1926) е водещ представител на импресионизма, автор на нежни колоритни пейзажи, изпълнени със светлина и въздух. В поредицата от платна „Копи сено“ и „Руанската катедрала“ той се стреми да улови мимолетни, мигновени състояния на светловъздушната среда в различни часове на деня. От името на пейзажа на Моне Импресия. Възниква изгряващото слънце и името на движението е импресионизъм. В по-късен период в творчеството на К. Моне се появяват черти на декоративизма.
Творческият почерк на Едгар Дега (1834-1917) се характеризира с безупречно прецизна наблюдателност, най-строг рисунък, искрящ, изящно красив колорит. Той стана известен със своята свободно асиметрична ъглова композиция, познаване на израженията на лицето, позите и жестовете на хора от различни професии и точни психологически характеристики: „Сините танцьори“, „Звезда“, „Тоалетна“, „Гладачките“, „Почивката на танцьорите“. ”. Дега е прекрасен майстор на портрета. Под влиянието на Е. Мане се премества в ежедневния жанр, изобразявайки парижката улична тълпа, ресторанти, конни надбягвания, балетисти, перачки и грубостта на самодоволните буржоа. Ако творбите на Мане са светли и жизнерадостни, то при Дега те са оцветени с тъга и песимизъм.
Творчеството на Анри Тулуз-Лотрек (1864-1901) също е тясно свързано с импресионизма. Работи в Париж, където рисува кабаретни танцьорки, певици и проститутки в свой специален стил, характеризиращ се с ярки цветове, смела композиция и брилянтна техника. Неговите литографски плакати се радват на голям успех.
3. Импресионизъм в скулптурата и музиката
Съвременник и съюзник на импресионистите е великият френски скулптор Огюст Роден (1840-1917). Неговото драматично, страстно, героично възвишено изкуство възхвалява красотата и благородството на човека, проникнато е от емоционален импулс (групата „Целувка“, „Мислител“ и др.), Характеризира се със смелостта на реалистичните търсения, жизнеността на образите , и енергично изобразително моделиране. Скулптурата има течна форма, придобиваща привидно незавършен характер, което прави работата му близка до импресионизма и в същото време позволява да се създаде впечатление за болезненото раждане на форми от елементарна аморфна материя. Скулпторът съчетава тези качества с драматичен дизайн и желание за философски размисъл („Бронзовата епоха“, „Гражданите на Кале“). Художникът Клод Моне го нарича най-великият от великите. Роден каза: "Скулптурата е изкуството на вдлъбнатините и изпъкналостите."
За мен стилът импресионизъм е преди всичко нещо ефирно, ефимерно, неумолимо неуловимо. Това е онзи зашеметяващ момент, който окото едва успява да улови и който след това остава в паметта за дълго време като момент на най-висока хармония. Майсторите на импресионизма бяха известни със способността си лесно да прехвърлят този момент на красота върху платното, дарявайки го с осезаеми усещания и фини вибрации, които с цялата реалност възникват при взаимодействие с картина. Когато гледате творбите на изключителни художници от този стил, винаги има известен послевкус на настроение.
Импресионизъм(от импресия - впечатление) е движение в изкуството, възникнало във Франция в края на 1860-те години. Неговите представители се стремят да уловят реалния свят в неговата подвижност и променливост по най-естествен и безпристрастен начин и да предадат мимолетните си впечатления. Особено внимание беше обърнато на предаването на цвят и светлина. 
Думата „импресионизъм“ идва от заглавието на картината на Моне „Импресия“. Изгрев, представен на изложбата от 1874 г. Малко известният журналист Луи Лероа в статията си в списанието нарече художниците „импресионисти“, за да изрази своето презрение. Името обаче остана и загуби първоначалното си отрицателно значение. 
Първата важна изложба на импресионистите се състоя от 15 април до 15 май 1874 г. в ателието на фотографа Надар. Там се представиха 30 художници с общо 165 творби. Младите художници бяха упреквани за „недовършена“ и „небрежна живопис“, липса на вкус и смисъл в работата им, „атака срещу истинското изкуство“, бунтарски настроения и дори безнравственост. 
Водещи представители на импресионизма са Алфред Сисли и Фредерик Базил. Едуард Мане и Едуард Мане изложиха свои картини с тях. Хоакин Сорола също е смятан за импресионист. 
Пейзажи и сцени от градския живот - може би най-характерните жанрове на импресионистичната живопис - са рисувани "en plein air", т.е. директно от природата, а не на базата на скици и подготвителни скици. Импресионистите се вглеждат внимателно в природата, забелязвайки цветове и нюанси, които обикновено са невидими, като синьото в сенките. 
Техният художествен метод се състоеше в разлагане на сложни тонове на съставните им чисти цветове на спектъра. Резултатите бяха цветни сенки и чиста, лека, жизнена картина. Импресионистите нанасят боя в отделни удари, понякога използвайки контрастни тонове в една област на картината. Основната характеристика на импресионистичните картини е ефектът на живо трептене на цветове. 
За да предадат промените в цвета на даден обект, импресионистите започват да предпочитат да използват цветове, които взаимно се подсилват: червено и зелено, жълто и лилаво, оранжево и синьо. Същите тези цветове създават ефекта на постоянен контраст. Например, ако гледаме червеното за известно време и след това преместим погледа си към бялото, то ще ни се стори зеленикаво. 
Импресионизмът не повдига философски проблеми и дори не се опитва да проникне под цветната повърхност на ежедневието. Вместо това художниците се фокусират върху повърхностността, плавността на момента, настроението, осветлението или зрителния ъгъл. Техните картини представят само положителните аспекти на живота, без да засягат остри социални проблеми. 
Художниците често рисуват хора в движение, докато се забавляват или си почиват. Бяха заснети теми на флирт, танци, посещение на кафене и театър, разходки с лодка, плажове и градини. Съдейки по картините на импресионистите, животът е непрекъсната поредица от малки празници, партита, приятни забавления извън града или в приятелска среда. 
Импресионизмът оставя богато наследство в живописта. На първо място, това е интерес към цветни проблеми и нестандартни техники. Импресионизмът изрази желанието да обнови художествения език и да скъса с традицията, като протест срещу старателната техника на майсторите на класическата школа. Е, вие и аз вече можем да се възхищаваме на тези великолепни произведения на изключителни художници. 
