Галерия на възрожденските художници. Художници от ранния Ренесанс

Ренесансът или Ренесансът е исторически крайъгълен камък в европейската култура. Това е съдбовен етап от развитието на световната цивилизация, който замени мрака и мракобесието на Средновековието и предшества появата на културните ценности на Новото време. Ренесансовото наследство се характеризира с антропоцентризъм - с други думи ориентация към човека, неговия живот и дейност. Дистанцирайки се от църковните догми и теми, изкуството придобива светски характер, а името на епохата се отнася до възраждането на антични мотиви в изкуството.

Ренесансът, чиито корени произхождат от Италия, обикновено се разделя на три етапа: ранен („куатроченто“), висок и по-късен. Нека разгледаме характеристиките на творчеството на великите майстори, работили в онези древни, но значими времена.

На първо място, трябва да се отбележи, че творците на Ренесанса не само се занимават с „чисто“ изобразително изкуство, но и се доказват като талантливи изследователи и откриватели. Например, архитект от Флоренция на име Филипо Брунелески описва набор от правила за изграждане на линейна перспектива. Законите, които той формулира, позволяват точното изобразяване на триизмерния свят върху платно. Наред с въплъщението на прогресивните идеи в живописта, самото му идейно съдържание се промени - героите на картините станаха по-„земни“, с подчертани лични качества и характери. Това се отнася дори за произведения на теми, свързани с религията.

Изключителни имена от периода Куатроченто (втората половина на 15-ти век) - Ботичели, Мазачио, Мазолино, Гоцоли и други - с право си осигуриха почетно място в съкровищницата на световната култура.

По време на Високия Ренесанс (първата половина на 16 век) целият идеологически и творчески потенциал на художниците се разкрива напълно. Характерна особеност на това време е препратката на изкуството към епохата на античността. Художниците обаче не копират сляпо древни теми, а по-скоро ги използват, за да създават и развиват свои собствени уникални стилове. Благодарение на това изобразителното изкуство придобива последователност и строгост, отстъпвайки място на известна лекомисленост от предишния период. Архитектурата, скулптурата и живописта от това време хармонично се допълват. Сгради, стенописи и картини, създадени през високия период на Ренесанса, са истински шедьоври. Блестят имената на всепризнати гении: Леонардо да Винчи, Рафаел Санти, Микеланджело Буонароти.

Особено внимание заслужава личността на Леонардо да Винчи. За него казват, че е човек, изпреварил времето си. Художник, архитект, инженер, изобретател - това не е пълен списък на превъплъщенията на тази многостранна личност.

Съвременният обикновен човек познава Леонардо да Винчи преди всичко като художник. Най-известната му творба е Мона Лиза. Използвайки нейния пример, зрителят може да оцени новаторството в техниката на автора: благодарение на уникалната си смелост и спокойно мислене Леонардо разработи принципно нови начини за „съживяване“ на изображение.

Използвайки феномена на разсейване на светлината, той постигна намаляване на контраста на незначителните детайли, което издигна реализма на изображението на ново ниво. Майсторът обърна забележително внимание на анатомичната точност на въплъщението на тялото в живописта и графиката - пропорциите на „идеалната“ фигура са записани във „Витрувианския човек“.

Втората половина на 16-ти и първата половина на 17-ти век обикновено се наричат Късен Ренесанс. Този период се характеризира с много разнообразни културни и творчески тенденции, така че е трудно да се прецени еднозначно. Религиозните тенденции в Южна Европа, въплътени в Контрареформацията, доведоха до абстракция от празнуването на човешката красота и древните идеали. Противоречието на подобни настроения с установената идеология на Ренесанса води до появата на флорентинския маниеризъм. Рисуването в този стил се характеризира с измислена цветова палитра и начупени линии. Венецианските майстори от онова време - Тициан и Паладио - формират свои насоки на развитие, които имат малко допирни точки с проявите на кризата в изкуството.

В допълнение към италианския ренесанс трябва да се обърне внимание на северния ренесанс. Художниците, живеещи на север от Алпите, са били по-малко повлияни от древното изкуство. Тяхната работа показва влиянието на готическия стил, който се запазва до настъпването на бароковата епоха. Големите фигури на Северния Ренесанс са Албрехт Дюрер, Лукас Кранах Стари, Питер Брьогел Стари.

Безценно е културното наследство на великите възрожденски творци. Името на всеки от тях се пази благоговейно и внимателно в паметта на човечеството, тъй като човекът, който го е носил, е уникален диамант с много фасети.

Първите предвестници на ренесансовото изкуство се появяват в Италия през 14 век. Художници от това време, Пиетро Кавалини (1259-1344), Симоне Мартини (1284-1344) и (най-вече) Джото (1267-1337), когато създават картини на традиционни религиозни теми, те започват да използват нови художествени техники: изграждане на триизмерна композиция, използване на пейзаж на заден план, което им позволява да направят изображенията по-реалистични и анимирани. Това рязко отличава тяхното творчество от предишната иконографска традиция, наситена с условности в изображението.
Терминът, използван за обозначаване на тяхната креативност Проторенесанс (1300 г. - "Треченто") .

Джото ди Бондоне (ок. 1267-1337) - италиански художник и архитект от епохата на Проторенесанса. Една от ключовите фигури в историята на западното изкуство. Преодолявайки византийската иконописна традиция, той става истинският основател на италианската живописна школа и развива съвършено нов подход към изобразяването на пространството. Творбите на Джото са вдъхновени от Леонардо да Винчи, Рафаело, Микеланджело.

Ранен Ренесанс (1400 г. - Куатроченто).

В началото на 15в Филипо Брунелески (1377-1446), флорентински учен и архитект.
Брунелески искаше да направи възприятието на реконструираните от него бани и театри по-визуално и се опита да създаде картини с геометрична перспектива от своите планове за определена гледна точка. При това търсене беше открито директна перспектива.

Това позволи на художниците да получат перфектни изображения на триизмерно пространство върху плоско платно за рисуване.

_________

Друга важна стъпка по пътя към Ренесанса е появата на нерелигиозно, светско изкуство. Портретът и пейзажът се утвърждават като самостоятелни жанрове. Дори религиозните сюжети придобиват различна интерпретация - ренесансовите художници започват да гледат на героите си като на герои с подчертани индивидуални черти и човешка мотивация за действия.

Най-известните художници от този период са Мазачио (1401-1428), Масолино (1383-1440), Беноцо Гоцоли (1420-1497), Пиеро Дела Франческо (1420-1492), Андреа Мантеня (1431-1506), Джовани Белини (1430-1516), Антонело да Месина (1430-1479), Доменико Гирландайо (1449-1494), Сандро Ботичели (1447-1515).

Мазачио (1401-1428) - известен италиански художник, най-големият майстор на флорентинската школа, реформатор на живописта от епохата Куатроченто.

Стенопис. Чудо със статир.

Рисуване. Разпъване на кръст.

Пиеро Дела Франческо (1420-1492). Творбите на майстора се отличават с величествена тържественост, благородство и хармония на образите, обобщени форми, баланс на композицията, пропорционалност, прецизност на перспективните конструкции и мека палитра, наситена със светлина.

Стенопис. Историята на Савската царица. Църква Сан Франческо в Арецо

Сандро Ботичели(1445-1510) - велик италиански художник, представител на флорентинската школа по живопис.

Пролет.

Раждането на Венера.

Висок Ренесанс ("Чинкуеченто").
Настъпва най-големият разцвет на ренесансовото изкуство за първата четвърт на 16 век.
Работи Сансовино (1486-1570), Леонардо да Винчи (1452-1519), Рафаел Санти (1483-1520), Микеланджело Буонароти (1475-1564), Джорджоне (1476-1510), Тициан (1477-1576), Антонио Кореджо (1489-1534) съставляват златния фонд на европейското изкуство.

Леонардо ди Сер Пиеро да Винчи (Флоренция) (1452-1519) - италиански художник (художник, скулптор, архитект) и учен (анатом, натуралист), изобретател, писател.

Автопортрет

Дама с хермелин. 1490. Музей Чарториски, Краков

Мона Лиза (1503-1505/1506)

Леонардо да Винчи постигна голямо умение в предаването на израженията на лицето и тялото на човек, методите за предаване на пространството и изграждането на композиция. В същото време творбите му създават хармоничен образ на човек, отговарящ на хуманистичните идеали.

Мадона Лита. 1490-1491. Ермитаж.

Мадона Беноа (Мадона с цвете). 1478-1480

Мадона с карамфил. 1478

През живота си Леонардо да Винчи прави хиляди бележки и чертежи по анатомия, но не публикува труда си. При дисекцията на телата на хора и животни той точно предава структурата на скелета и вътрешните органи, включително малки детайли. Според професора по клинична анатомия Питър Ейбрамс научната работа на да Винчи е била 300 години по-напред от времето си и в много отношения превъзхожда известната Анатомия на Грей.

Списък на изобретенията, както реални, така и приписвани на него:

Парашут, доЗамъкът Олесцово, ввелосипед, танк, ллеки преносими мостове за армията, стрпроектор, къматапулт, rи двете, dТелескоп Вухленс.

Тези иновации бяха разработени впоследствие Рафаел Санти (1483-1520) - велик художник, график и архитект, представител на умбрийската школа.

Автопортрет. 1483

Микеланджело ди Лодовико ди Леонардо ди Буонароти Симони(1475-1564) - италиански скулптор, художник, архитект, поет, мислител.

Картините и скулптурите на Микеланджело Буонароти са пълни с героичен патос и в същото време трагично усещане за кризата на хуманизма. Картините му възхваляват силата и могъществото на човека, красотата на тялото му, като същевременно подчертават неговата самота в света.

Геният на Микеланджело остави своя отпечатък не само в изкуството на Ренесанса, но и в цялата последваща световна култура. Дейността му е свързана основно с два италиански града – Флоренция и Рим.

Художникът обаче успя да реализира най-амбициозните си планове именно в живописта, където действаше като истински новатор на цвета и формата.
По поръчка на папа Юлий II той рисува тавана на Сикстинската капела (1508-1512), представящ библейската история от сътворението на света до потопа и включващ повече от 300 фигури. През 1534-1541 г. в същата Сикстинска капела той рисува грандиозната, драматична фреска „Страшният съд“ за папа Павел III.
Сикстинската капела 3D.

Произведенията на Джорджоне и Тициан се отличават с интерес към пейзажа и поетизация на сюжета. И двамата художници постигнаха голямо майсторство в изкуството на портрета, с помощта на което предадоха характера и богатия вътрешен свят на своите герои.

Джорджо Барбарели да Кастелфранко ( Джорджоне) (1476/147-1510) - италиански художник, представител на венецианската живописна школа.


Спяща Венера. 1510

Джудит. 1504г

Тициан Вечелио (1488/1490-1576) - италиански художник, най-големият представител на венецианската школа на Високия и Късния Ренесанс.

Тициан рисува картини на библейски и митологични сюжети; той става известен и като портретист. Получавал е поръчки от крале и папи, кардинали, херцози и принцове. Тициан не беше дори на тридесет години, когато беше признат за най-добрия художник на Венеция.

Автопортрет. 1567

Венера от Урбино. 1538

Портрет на Томазо Мости. 1520

Късен Ренесанс.
След разграбването на Рим от имперските сили през 1527 г. италианският Ренесанс навлиза в период на криза. Още в творчеството на късния Рафаело се очертава нова художествена линия, наречена маниеризъм.
Тази епоха се характеризира с надути и начупени линии, удължени или дори деформирани фигури, често голи, напрегнати и неестествени пози, необичайни или странни ефекти, свързани с размера, осветлението или перспективата, използването на каустична хроматична гама, претоварена композиция и др. първи майстори на маниеризма Пармиджанино , Понтормо , Бронзино- живее и работи в двора на херцозите от къщата на Медичите във Флоренция. По-късно маниеристичната мода се разпространява в цяла Италия и извън нея.

Джироламо Франческо Мария Мацола (Пармиджанино - „жител на Парма“) (1503-1540) италиански художник и гравьор, представител на маниеризма.

Автопортрет. 1540

Портрет на жена. 1530.

Понтормо (1494-1557) - италиански художник, представител на флорентинската школа, един от основателите на маниеризма.

През 1590-те години изкуството измества маниеризма барок (преходни цифри - Тинторето И Ел Греко ).

Якопо Робусти, по-известен като Тинторето (1518 или 1519-1594) - художник от венецианската школа от късния Ренесанс.

Тайната вечеря. 1592-1594. Църква Сан Джорджо Маджоре, Венеция.

Ел Греко ("гръцки" Доменикос Теотокопулос ) (1541-1614) - испански художник. По произход - грък, родом от остров Крит.
Ел Греко няма съвременни последователи и неговият гений е преоткрит почти 300 години след смъртта му.
Ел Греко учи в ателието на Тициан, но техниката му на рисуване се различава значително от тази на неговия учител. Произведенията на Ел Греко се отличават с бързина и изразителност на изпълнение, което ги доближава до съвременната живопис.

Христос на кръста. добре 1577. Частна колекция.

Троица. 1579 Прадо.

В трудни времена за Италия започва краткотрайният „златен век“ на италианския Ренесанс - така нареченият Висок Ренесанс, най-високата точка на разцвета на италианското изкуство. Така Високият Ренесанс съвпада с периода на ожесточена борба на италианските градове за независимост. Изкуството на това време е проникнато от хуманизъм, вяра в творческите сили на човека, в неограничените възможности на неговите способности, в разумната структура на света, в триумфа на прогреса. В изкуството на преден план излязоха проблемите на гражданския дълг, високите морални качества, героичните дела, образът на красив, хармонично развит, силен духом и телом герой, успял да се издигне над нивото на ежедневието. Търсенето на такъв идеал доведе изкуството до синтез, обобщение, до разкриване на общи модели на явления, до идентифициране на тяхната логическа връзка. Изкуството на Високия Ренесанс изоставя частностите и незначителните детайли в името на обобщения образ, в името на желанието за хармоничен синтез на красивите страни на живота. Това е една от основните разлики между Високия Ренесанс и ранния.

Леонардо да Винчи (1452-1519) е първият художник, който ясно въплъщава тази разлика. Първият учител на Леонардо е Андреа Верокио. Фигурата на ангел в картината на учителя „Кръщение” вече ясно демонстрира разликата във възприятието на художника за света от миналата епоха и новата ера: без фронтална плоскост на Verrocchio, най-финото отрязано моделиране на обема и изключителна духовност на изображението. . Изследователите датират „Мадоната с цвете“ („Беноа Мадона“, както се е наричала по-рано, по името на собствениците) до времето, когато Верокио напуска работилницата. През този период Леонардо несъмнено е бил повлиян известно време от Ботичели. От 80-те години на XV век. Оцелели са две незавършени композиции на Леонардо: „Поклонението на влъхвите“ и „Св. Джером." Вероятно в средата на 80-те години „Мадона Лита“ също е създадена с помощта на древната темперна техника, в чийто образ е изразен видът на женската красота на Леонардо: тежките, полуспуснати клепачи и фината усмивка придават на лицето на Мадоната специална духовност.

Съчетавайки научни и творчески принципи, притежавайки както логическо, така и художествено мислене, Леонардо прекарва целия си живот, ангажиран с научни изследвания наред с изобразителното изкуство; разсеян, той изглеждаше бавен и оставяше малко изкуство след себе си. В миланския двор Леонардо работи като художник, технически учен, изобретател, математик и анатом. Първата голяма творба, която изпълнява в Милано, е „Мадоната на скалите“ (или „Мадоната на пещерата“). Това е първата монументална олтарна композиция от Високия Ренесанс, интересна и с това, че напълно изразява чертите на стила на рисуване на Леонардо.

Най-великото произведение на Леонардо в Милано, най-високото постижение на неговото изкуство, е рисуването на стената на трапезарията на манастира Санта Мария дела Грацие на тема Тайната вечеря (1495-1498). Христос се среща с учениците си за последен път на вечеря, за да им съобщи за предателството на един от тях. За Леонардо изкуството и науката съществуват неразделно. Занимавайки се с изкуство, той прави научни изследвания, опити, наблюдения, преминава през перспективата в областта на оптиката и физиката, през проблемите на пропорциите - в анатомията и математиката и т.н. „Тайната вечеря” завършва цял етап от творчеството на художника. научни изследвания. Това е и нов етап в изкуството.

Леонардо отделя време от изучаване на анатомия, геометрия, укрепление, мелиорация, лингвистика, стихосложение и музика, за да работи върху „Конят“, конен паметник на Франческо Сфорца, за който той основно идва в Милано и който завършва в пълен размер в началото на 90-те години в глина. Паметникът не беше предопределен да бъде въплътен в бронз: през 1499 г. французите нахлуха в Милано и гасконските арбалетчици застреляха конния паметник. През 1499 г. започват годините на скитанията на Леонардо: Мантуа, Венеция и накрая родният град на художника Флоренция, където той рисува картона „Св. Анна с Мария в скута”, от която той създава маслена картина в Милано (където се завръща през 1506 г.)

Във Флоренция Леонардо започва друга картина: портрет на съпругата на търговеца дел Джокондо, Мона Лиза, която става една от най-известните картини в света.

Портретът на Мона Лиза Джоконда е решителна стъпка към развитието на ренесансовото изкуство

За първи път портретният жанр се изравнява с композиции на религиозни и митологични теми. Въпреки всички неоспорими физиономични прилики, портретите на Куатроченто се отличават с, ако не външно, то вътрешно ограничение. Величието на Мона Лиза е предадено само от съпоставянето на нейната подчертано обемна фигура, силно изтласкана към ръба на платното, с пейзаж с видими сякаш отдалече скали и потоци, разтапящ се, примамлив, неуловим и затова въпреки цялата реалност на мотива, фантастично.

През 1515 г. по предложение на френския крал Франциск I Леонардо заминава завинаги във Франция.

Леонардо е най-великият художник на своето време, гений, открил нови хоризонти на изкуството. Той остави малко произведения, но всяко от тях беше етап в историята на културата. Леонардо е известен и като многостранен учен. Неговите научни открития, например изследванията му в областта на самолетите, представляват интерес в нашата епоха на астронавтиката. Хиляди страници от ръкописите на Леонардо, обхващащи буквално всяка област на знанието, свидетелстват за универсалността на неговия гений.

Идеите на монументалното изкуство на Ренесанса, в което се сливат традициите на античността и духа на християнството, намират най-ярък израз в творчеството на Рафаел (1483-1520). В неговото изкуство две основни задачи намериха зряло решение: пластичното съвършенство на човешкото тяло, изразяващо вътрешната хармония на всестранно развитата личност, в което Рафаел следва античността, и сложната многофигурна композиция, която предава цялото многообразие на свят. Рафаело обогатява тези възможности, постигайки удивителна свобода в изобразяването на пространството и движението на човешката фигура в него, безупречна хармония между околната среда и човека.

Никой от ренесансовите майстори не възприема езическата същност на античността толкова дълбоко и естествено, колкото Рафаел; Не без основание той е смятан за художника, свързал най-пълно античните традиции със западноевропейското изкуство на модерната епоха.

Рафаел Санти е роден през 1483 г. в град Урбино, един от центровете на художествената култура в Италия, в двора на херцога на Урбино, в семейството на придворен художник и поет, който е първият учител на бъдещия майстор

Ранният период от творчеството на Рафаело се характеризира перфектно с малка картина под формата на тондо „Мадона Конестабиле“, със своята простота и лаконизъм на строго подбрани детайли (въпреки плахостта на композицията) и специалното, присъщо на всички Рафаело произведения, тънък лиризъм и усещане за мир. През 1500 г. Рафаел напуска Урбино за Перуджа, за да учи в работилницата на известния умбрийски художник Перуджино, под чието влияние е написана Годежът на Мария (1504). Чувството за ритъм, пропорционалност на пластичните маси, пространствени интервали, съотношение между фигури и фон, съгласуваност на основните тонове (в „Годежът” това са златисто, червено и зелено в съчетание с нежно син небесен фон) създават хармонията, която се проявява още в ранните творби на Рафаело и го отличава от художниците от предишната епоха.

През целия си живот Рафаел търси този образ в Мадоната; многобройните му творби, интерпретиращи образа на Мадоната, му спечелиха световна слава. Заслугата на художника, на първо място, е, че той успя да въплъти всички най-фини нюанси на чувствата в идеята за майчинството, да съчетае лиризма и дълбоката емоционалност с монументалното величие. Това е видимо във всичките му мадони, като се започне от младежко плахата „Мадона Конестабиле”: в „Мадона на зелените”, „Мадона със щиглицата”, „Мадона в креслото” и особено на върха на духа и умението на Рафаело. - в „Сикстинската Мадона“.

„Сикстинската Мадона“ е едно от най-съвършените произведения на Рафаело от гледна точка на езика: фигурата на Мария и Младенеца, строго очертани на фона на небето, е обединена от общ ритъм на движение с фигурите на Св. В долната част на композицията са варварите и папа Сикст II, чиито жестове са насочени към Мадоната, както и изгледите на два ангела (по-скоро типичните за Ренесанса пути). Фигурите са обединени и от общ златист цвят, сякаш олицетворяващ Божественото сияние. Но основното е видът на лицето на Мадоната, който олицетворява синтеза на античния идеал за красота с духовността на християнския идеал, който е толкова характерен за мирогледа на Високия Ренесанс.

Сикстинската Мадона е късна творба на Рафаело.

В началото на 16в. Рим става главният културен център на Италия. Изкуството на Високия Ренесанс достига най-големия си разцвет в този град, където по волята на покровителстващите папи Юлий II и Лъв X едновременно работят художници като Браманте, Микеланджело и Рафаело.

Рафаел рисува първите две строфи. В Stanza della Segnatura (стая за подписи, печати) той рисува четири фрески-алегории на основните сфери на човешката духовна дейност: философия, поезия, теология и юриспруденция („Атинската школа“, „Парнас“, „Диспута“). , „Мярка, мъдрост и сила“ „Във втората стая, наречена „Строфата на Елиодор“, Рафаело рисува фрески върху исторически и легендарни сцени, прославящи папите: „Изгонването на Елиодор“

За изкуството на Средновековието и ранния Ренесанс е обичайно да се изобразяват науките и изкуствата под формата на отделни алегорични фигури. Рафаел решава тези теми под формата на многофигурни композиции, понякога представляващи реални групови портрети, интересни както със своята индивидуализация, така и с типичност.

Студентите помагат на Рафаело и при рисуването на ватиканските лоджии, съседни на стаите на папата, изрисувани по негови скици и под негово ръководство с мотиви на древни орнаменти, извлечени главно от новооткрити антични пещери (оттук и името „гротески“).

Рафаел изпълнява произведения от различни жанрове. Дарбата му на декоратор, както и на режисьор и разказвач, се проявява напълно в серия от осем картона за гоблени за Сикстинската капела върху сцени от живота на апостолите Петър и Павел („Чудотворен улов на риба“, за пример). Тези картини през 16-18в. служи като своеобразен еталон за класиците.

Рафаело беше и най-великият портретист на своята епоха. (“Папа Юлий II”, “Лъв X”, приятелят на художника писателят Кастильоне, красивата “Дона Велата” и др.). И в неговите портретни образи като правило преобладават вътрешното равновесие и хармония.

В края на живота си Рафаел е непропорционално натоварен с разнообразни произведения и поръчки. Дори е трудно да си представим, че всичко това може да се направи от един човек. Той е централна фигура в художествения живот на Рим, след смъртта на Браманте (1514 г.) става главен архитект на катедралата Св. Петър, отговаряше за археологическите разкопки в Рим и околностите му и защитата на древните паметници.

Рафаело умира през 1520 г.; преждевременната му смърт е неочаквана за съвременниците му. Прахът му е погребан в Пантеона.

Третият най-велик майстор на Високия Ренесанс - Микеланджело - далеч надживява Леонардо и Рафаело. Първата половина от творческата му кариера е по време на разцвета на изкуството на Високия Ренесанс, а втората - по време на Контрареформацията и началото на формирането на бароковото изкуство. От блестящата плеяда художници на Високия Ренесанс Микеланджело надмина всички с богатството на своите образи, граждански патос и чувствителност към промените в обществените настроения. Оттук и творческото въплъщение на краха на ренесансовите идеи.

Микеланджело Буонароти (1475-1564) През 1488 г. във Флоренция започва внимателно да изучава античната скулптура. Неговият релеф „Битката на кентаврите” вече е произведение на Високия Ренесанс по своята вътрешна хармония. През 1496 г. младият художник заминава за Рим, където създава първите си произведения, донесли му слава: „Бакхус” и „Пиета”. Буквално заловен от образите на древността. „Пиета“ отваря цяла поредица от произведения на майстора по тази тема и го поставя сред първите скулптори на Италия.

Връщайки се във Флоренция през 1501 г., Микеланджело, от името на Синьорията, се заема да извае фигурата на Давид от мраморен блок, повреден преди него от нещастен скулптор. През 1504 г. Микеланджело завършва известната статуя, която флорентинците наричат „Великан“ и поставят пред Palazzo Vecchia, кметството. Откриването на паметника се превърна в национално тържество. Образът на Давид вдъхновява много художници от Quattrocento. Но Микеланджело го представя не като момче, както при Донатело и Верокио, а като млад мъж в разцвета на силите си, и то не след битка, с глава на великан в краката му, а преди битката, при момент на най-високо напрежение на силата. В красивия образ на Давид, в суровото му лице, скулпторът предаде титаничната сила на страстта, непоколебимата воля, гражданската смелост и безграничната сила на свободния човек.

През 1504 г. Микеланджело (както вече беше споменато във връзка с Леонардо) започва да работи върху картината на „Залата на петстотинте“ в Палацо Синьория

През 1505 г. папа Юлий II кани Микеланджело в Рим, за да построи гробницата му, но след това отказва поръчката и поръчва по-малко грандиозна картина на тавана на Сикстинската капела във Ватиканския дворец.

Микеланджело работи сам върху рисуването на тавана на Сикстинската капела от 1508 до 1512 г., рисувайки площ от около 600 квадратни метра. m (48x13 m) на височина 18 m.

Микеланджело посвещава централната част на тавана на сцени от свещената история, започвайки от сътворението на света. Тези композиции са обрамчени от същия рисуван корниз, но създаващ илюзията за архитектура, и са разделени, също от живописни пръти. Живописните правоъгълници подчертават и обогатяват реалната архитектура на тавана. Под живописния корниз Микеланджело рисува пророци и сибили (всяка фигура е около три метра), в люнети (арки над прозорците) изобразява епизоди от Библията и предците на Христос като прости хора, заети с ежедневни дела.

Деветте централни композиции разгръщат събитията от първите дни на сътворението, историята на Адам и Ева, всемирния потоп и всички тези сцени всъщност са химн на присъщия му човек. Скоро след завършването на работата в Сикстин, Юлий II умира и наследниците му се връщат към идеята за надгробен камък. През 1513-1516г. Микеланджело изпълнява фигурата на Моисей и роби (пленници) за този надгробен камък. Образът на Моисей е един от най-силните в творчеството на зрелия майстор. Той влага в него мечтата на мъдър, смел вожд, изпълнен с титанична сила, изява, волеви качества, така необходими тогава за обединението на родината му. Фигурите на роби не са включени в окончателния вариант на гробницата.

От 1520 до 1534 г. Микеланджело работи върху една от най-значимите и най-трагични скулптурни творби - върху гробницата на Медичите (флорентинската църква Сан Лоренцо), изразяваща всички преживявания, сполетели самия майстор, родния му град и целия свят. страна като цяло. От края на 20-те години Италия беше буквално разкъсана от външни и вътрешни врагове. През 1527 г. наемни войници побеждават Рим, протестанти разграбват католическите светини на вечния град. Флорентинската буржоазия сваля Медичите, които управляват отново от 1510 г.

В настроение на тежък песимизъм, в състояние на нарастваща дълбока религиозност, Микеланджело работи върху гробницата на Медичите. Самият той построява разширение към флорентинската църква Сан Лоренцо - малко, но много високо помещение, покрито с купол, и украсява две стени на сакристията (вътрешността й) със скулптурни надгробни плочи. Едната стена е украсена с фигурата на Лоренцо, противоположната с Джулиано, а долу в краката им има саркофази, украсени с алегорични скулптурни изображения - символи на бързо течащото време: „Утро” и „Вечер” в надгробната плоча на Лоренцо, „Нощ” и „Ден” в надгробния камък на Джулиано.

И двата образа - Лоренцо и Джулиано - нямат портретна прилика, което се различава от традиционните решения от 15 век.

Павел III, веднага след избирането си, започна упорито да настоява Микеланджело да изпълни този план и през 1534 г., прекъсвайки работата по гробницата, която завършва едва през 1545 г., Микеланджело заминава за Рим, където започва втората си работа в Сикстинската капела - към картината "Страшният съд" (1535-1541) - грандиозно творение, което изразява трагедията на човешкия род. Чертите на новата художествена система се проявиха още по-ясно в това произведение на Микеланджело. Творческият съд, наказващият Христос е поставен в центъра на композицията, а около него във въртеливо кръгово движение са изобразени грешници, хвърлящи се в ада, праведници, възнасящи се на небето, и мъртви, които стават от гробовете си за Божия съд. Всичко е пълно с ужас, отчаяние, гняв, объркване.

Художник, скулптор, поет, Микеланджело е бил и брилянтен архитект. Той завършва стълбището на флорентинската Лаврентианска библиотека, проектира Капитолийския площад в Рим, издига портата на Пий (Porta Pia), а от 1546 г. работи върху катедралата Св. Петър, започната от Браманте. Микеланджело притежава рисунката и чертежа на купола, който е изпълнен след смъртта на майстора и все още е една от основните доминиращи елементи в панорамата на града.

Микеланджело почина в Рим на 89 години. Тялото му е откарано през нощта във Флоренция и погребано в най-старата църква в родния му град Санта Кроче. Историческото значение на изкуството на Микеланджело, неговото въздействие върху неговите съвременници и върху следващите епохи трудно могат да бъдат надценени. Някои чужди изследователи го тълкуват като първия художник и архитект на барока. Но най-вече той е интересен като носител на големите реалистични традиции на Ренесанса.

Джорджо Барбарели да Кастелфранко, по прякор Джорджоне (1477-1510), е пряк последовател на своя учител и типичен художник от Високия Ренесанс. Той е първият на венецианска земя, който се обръща към литературни теми и митологични сюжети. Пейзажът, природата и красивото голо човешко тяло стават за него предмет на изкуството и обект на поклонение.

Още в първата известна творба, „Мадоната от Кастелфранко“ (около 1505 г.), Джорджоне се появява като напълно утвърден художник; Образът на Мадоната е пълен с поезия, замислена мечтателност, пронизана с онова настроение на тъга, което е характерно за всички женски образи на Джорджоне. През последните пет години от живота си художникът създава най-добрите си творби, изпълнени в маслена техника, основна във венецианската школа по това време. . В картината „Гръмотевичната буря“ от 1506 г. Джорджоне изобразява човека като част от природата. Жена, кърмеща дете, млад мъж с тояга (който може да се сбърка с войн с алебарда) не са обединени от някакво действие, но са обединени в този величествен пейзаж от общо настроение, общо душевно състояние. Образът на „Спящата Венера” (около 1508-1510) е пронизан с духовност и поезия. Тялото й е написано лесно, свободно, грациозно, не напразно изследователите говорят за „музикалността“ на ритмите на Джорджоне; не е лишено от чувствен чар. "Селски концерт" (1508-1510)

Тициан Вечелио (1477?-1576) е най-великият художник на Венецианския Ренесанс. Той създава произведения както на митологични, така и на християнски сюжети, работи в жанра на портрета, колористичният му талант е изключителен, композиционната му изобретателност е неизчерпаема, а щастливото му дълголетие му позволява да остави след себе си богато творческо наследство, оказало огромно влияние върху неговите потомци.

Още през 1516 г. той става първият художник на републиката, от 20-те години - най-известният художник на Венеция

Около 1520 г. херцогът на Ферара му възлага да създаде поредица от картини, в които Тициан се явява като певец на античността, който е успял да почувства и най-важното да въплъти духа на езичеството („Вакханалия“, „Празник на Венера“ , „Бакхус и Ариадна“).

Богатите венециански патриции възлагат на Тициан да създаде олтарни образи и той създава огромни икони: „Успение Богородично“, „Мадона от Пезаро“

„Въвеждането на Мария в храма“ (ок. 1538 г.), „Венера“ (ок. 1538 г.)

(групов портрет на папа Павел III с племенниците Отавио и Александър Фарнезе, 1545-1546)

Той все още пише много на антични теми („Венера и Адонис“, „Пастирът и нимфата“, „Диана и Актеон“, „Юпитер и Антиопа“), но все повече се обръща към християнски теми, към сцени на мъченичество, в които езически жизнерадост, древната хармония се заменя с трагична нагласа („Бичуването на Христос“, „Каещата се Мария Магдалена“, „Свети Себастиан“, „Оплакване“),

Но в края на века тук вече са очевидни чертите на наближаващата нова ера в изкуството, ново художествено направление. Това може да се види в работата на двама големи художници от втората половина на този век - Паоло Веронезе и Якопо Тинторето.

Паоло Каляри, по прякор Веронезе (роден във Верона, 1528-1588), е предопределен да стане последният певец на празничната, ликуваща Венеция от 16 век.

: „Пир в къщата на Леви“ „Брак в Кана Галилейска“ за трапезарията на манастира Сан Джорджо Маджоре

Якопо Робусти, известен в изкуството като Тинторето (1518-1594) („тинторето“-бояджия: бащата на художника е бояджия на коприна). "Чудото на Свети Марк" (1548)

(„Спасяването на Арсиное“, 1555 г.), „Въведение в храма“ (1555 г.),

Андреа Паладио (1508-1580, Вила Корнаро в Пиомбино, Вила Ротонда във Виченца, завършена след смъртта му от ученици по негов проект, много сгради във Виченца). Резултатът от неговото изучаване на античността са книгите „Римски антики“ (1554 г.), „Четири книги за архитектурата“ (1570-1581 г.), но античността за него е „жив организъм“, според справедливото наблюдение на изследователя.

Холандският ренесанс в живописта започва с „Гентския олтар“ от братята Хуберт (починал 1426) и Ян (ок. 1390-1441) ван Ейк, завършен от Ян ван Ейк през 1432 г. Ван Ейк подобри маслената техника: маслото го направи Възможно е да се предаде повече гъвкавост, блясък, дълбочина, богатство на обективния свят, привличайки вниманието на холандските художници, неговата цветна звучност.

От многото мадони на Ян ван Ейк най-известната е „Мадоната на канцлера Ролен“ (около 1435 г.)

(„Човек с карамфил“; „Човек с тюрбан“, 1433 г.; портрет на съпругата на художника Маргарет ван Ейк, 1439 г.

Холандското изкуство дължи много в решаването на подобни проблеми на Рогиер ван дер Вейден (1400?-1464 г.) е типично произведение на Вейден.

През втората половина на 15в. обяснява работата на майстор с изключителен талант, Хуго ван дер Гоес (около 1435-1482) „Смъртта на Мария“).

Йероним Бош (1450-1516), създател на мрачни мистични видения, в които се обръща и към средновековния алегоризъм, “Градината на насладите”

Върхът на холандския Ренесанс несъмнено е творчеството на Питер Брьогел Стари, наречен Мужицки (1525/30-1569) („Кухнята на слабите“, „Кухнята на дебелите“ от цикъл “Сезони” (друго заглавие - “Ловци в снега”, 1565 г.), “Битката на карнавала и Великия пост” (1559 г.).

Албрехт Дюрер (1471-1528).

„Празникът на розарията“ (друго име е „Мадона с броеницата“, 1506 г.), „Конникът, смъртта и дяволът“, 1513 г.; „Св. Джером“ и „Меланхолия“,

Ханс Холбайн Младши (1497-1543), "Триумфът на смъртта" ("Танцът на смъртта"), портрет на Джейн Сиймор, 1536 г.

Албрехт Алтдорфер (1480-1538)

Ренесанс Лукас Кранах (1472-1553),

Жан Фуке (ок. 1420-1481), Портрет на Шарл VII

Жан Клуе (около 1485/88-1541), син на Франсоа Клуе (около 1516-1572) е най-важният художник на Франция през 16 век. портрет на Елизабет Австрийска, около 1571 г. (портрет на Хенри II, Мария Стюарт и др.)

_________

Стенопис. Чудо със статир.

Рисуване. Разпъване на кръст.

Стенопис. Историята на Савската царица. Църква Сан Франческо в Арецо

Сандро Ботичели(1445-1510) - велик италиански художник, представител на флорентинската школа по живопис.

Пролет.

Раждането на Венера.

Автопортрет

Дама с хермелин. 1490. Музей Чарториски, Краков

Мона Лиза (1503-1505/1506)

Мадона Лита. 1490-1491. Ермитаж.

Мадона Беноа (Мадона с цвете). 1478-1480

Мадона с карамфил. 1478

Списък на изобретенията, както реални, така и приписвани на него:

Автопортрет. 1483


Спяща Венера. 1510

Джудит. 1504г

Автопортрет. 1567

Венера от Урбино. 1538

Портрет на Томазо Мости. 1520

Автопортрет. 1540

Портрет на жена. 1530.

Тайната вечеря. 1592-1594. Църква Сан Джорджо Маджоре, Венеция.

Христос на кръста. добре 1577. Частна колекция.

Троица. 1579 Прадо.

Живописта на Италия през Ренесанса е наистина грандиозно явление. Нито една от следващите епохи, нито една от националните школи не е познавала такъв брой блестящи имена. Не е случайно, че през следващите векове художниците неизменно черпят опит и вдъхновение от изобразителното изкуство на италианския Ренесанс.

В ренесансовата система от възгледи специална роля принадлежи на визуалните изкуства. През Ренесанса човекът се чувства способен да разбере света, но отначало самият свят му изглежда, както през Средновековието, като грандиозно произведение на изкуството, творение на най-великия художник - Бог.

Мазачо "Троица" 1426-1428. Църквата Санта Мария Новела Благодарение на умелото използване на chiaroscuro и познаването на законите на перспективата, Masaccio придаде на изображението реална убедителност. „Троица“ (1425-1428).

Така образът на света се смяташе за един от начините за разбирането му. Развитието на системата за директна перспектива направи рисуването най-"хуманизираната" форма на изкуство - окото на зрителя стана "референтна точка" в "пространството" на картината. Появата и разпространението на маслените бои отваря обещаващ път за развитието на тоналните и светлинните принципи.

Битката при Сан Романо (1440-1450), изключително сложна по композиция, новаторските картини на Учело често не намират разбиране сред неговите съвременници.

Картини на Флоренция, Сиена и Перуджа.

Флорентинската живопис от ранния Ренесанс, която активно експериментира в областта на пространствената перспектива, изигра голяма роля в развитието на италианското изобразително изкуство. Способността да се предават отношенията на реалното пространство в равнина високо повиши социалния статус на художника, прехвърляйки го от позицията на скромен занаятчия - декоратор в категорията на научен геометър, разбиращ законите на структурата на света.

Анджелико е художник с най-дълбока вяра. Неговите мадони са идеал за духовна красота и благочестие.

Брунелески в началото на 1420 г създава две картини с изгледи на Флоренция, които възхищават съвременниците му с илюзорната си точност, но те могат да бъдат разгледани само с помощта на гениална система от огледала и прозорци. Възпроизвеждането на дълбочината на пространството за реален зрител на всяка дъска или стена, като същевременно се запази оптичното единство на изображението, изисква не само знанията, но и опита и усета на високо професионален художник. Мазачо (1401-1428) притежава всички тези качества. Рисувана от него през 1427-1428 г. Параклисът Бранкачи във флорентинската църква Санта Мария дел Кармине веднага се превърна в своеобразно училище за художници.

Пиеро дела Франческа става известен с удивителното си колоритно майсторство.

Страстен почитател на Мазачио е Учело (1397-1475), истински певец на детайлите. Художникът прекарва нощите си, скицирайки някакъв малък детайл от сложна перспектива, например структурата на оперението на летяща птица. Друг последовател на Мазачио, майсторът на суровите лапидарни форми, Андреа дел Кастаньо (около 1421-1457), стана най-известен с рисуването на залата на вила Кардучи, изобразявайки, наред с други неща, кондотиера Пипо Спано, испанец, който в края на живота си става владетел на Хърватия.

Стилът на Мантеня се отличава със скулптурализъм в изобразяването на обемни форми. „Джудит“ (около 1490 г.).

В пространството на залата уверено нахлува скулптурно мощната фигура на воин, който безпроблемно може да огъва стоманено острие. Кастаньо постигна това впечатление, като премести дясната ръка и левия крак на героя си извън декоративната рамка на фреската.

Въпреки това, не всички флорентински художници от първата половина на 15 век. имаха желание да предадат перспектива. Така художникът-монах Беато Анджелико (около 1400-1455) е вдъхновен главно от миниатюри от 14 век.

В Джорджоне пейзажът придобива безпрецедентно значение. „Гръмотевична буря“ (1507-1508).

Флорентинската живопис от средата на века, в сравнение с предишния период, е по-спокойна, но по-малко сериозна. Мазачо в своите стенописи освещава земното битие, сега? най-сакралните теми са потопени в ежедневната проза: това е най-общо светът на живописта на Фра Филипо Липи, населен с красиви, весели, но в никакъв случай възвишени мадони и ангели; такъв е изтънчено луксозният спектакъл на процесията на маговете, представен през 1459 г. върху стените на параклиса на къщата на Медичите от художника Беноцо Гоцоли. Блестящият и трагичен край на ранния флорентински Ренесанс е въплътен в картините на Ботичели.

Картините на Тициан стават върхът на венецианската школа. „Венера от Урбана“ (1538).

Картината на Сиена е представена най-оригинално от Сасета, авторът на картината „Процесията на маговете“. В него ярката приказност на художествения език не пречи на смелите художествени открития. Контрастът между плътните емайлови цветове на предния план и меките, светещи тонове на хоризонта е един от първите опити за изобразяване на пространството с чисто изобразителни средства.

Тази задача е способна само на Пиеро дела Франческа (около 1420-1462), може би най-великият от художниците на Куатроченто. Обучавайки се във Флоренция, той обаче развива свой собствен творчески стил. Ако флорентинците поставят човека в центъра на изобразената вселена, Пиеро вярва, че човекът е само органична връзка в големия свят на природата, а последният, с цялото си разнообразие, е подчинен на закона на числото. Пропорциите на човешкото тяло, формите на природата, последната, с цялото си многообразие, е подчинена на закона на числото. пропорциите на човешкото тяло, формите на природата, реалната геометрия на изобразителната равнина са свързани от художника: фигурата на Христос с нейния благодарен, „растящ“ член е в съзвучие с вертикалата на ствола на дървото; буйната сферична корона на дървото е естествено вписана в полукръга на композицията.

Върхът на творчеството на Пиеро дела Франческа са стенописите в олтара на църквата Сан Франческо в Арецо (1452-1466). Те са посветени на една доста рядка тема - историята на Животворното дърво, донесено на Земята от Едем от първите хора, което след това е било предназначено да стане оръдие за екзекуцията на Христос - и най-голямата светиня на християнския свят. . Художникът е чужд на идеята за рисуването като визуална илюзия. Майсторът оценява естествената, равномерна повърхност на стената, върху която пише, превръщайки равнината й в опора за своите величествени и строги композиции. Той избягва сложните личностни характеристики: героите му са еднотипни, защото са само актьори в универсална пиеса. В много творчески примери Пиеро дела Франческа се връща към опита на Джото, но в разбирането си за цвета той е с векове пред своите съвременници. Художниците са свикнали да използват цвета като механично „оцветяване“ на готови линии или форми. За Пиеро формата се ражда от фини цветови градации. Неговата палитра е неизчерпаемо богата. Окото на художника забелязва не само естествения цвят на предметите, но и оцветяването на въздуха от слънчева светлина; леко различим сребрист оттенък придава на палитрата на Pierrot невероятна прецизност, лекота на формите и дълбочина на пространството.

Перужската школа на художниците разцъфтява внезапно и блестящо през последните десетилетия на 15 век. Местните художници са били известни преди всичко като майстори на декоративна живопис. Много характерни са стенописите на така наречените апартаменти на Борджия в папския дворец в Рим (1493 г.). Техният автор, Pinturicchio (около 1454-1513), създава ярък и сложен декор, където всеки детайл е обмислен - от цветните подови плочки до ярко сините и позлатени тавани. Перуджино (1445/1452-1523) работи по-строг и спокоен. В стремежа си да дезориентира зрителя, този майстор охотно възпроизвежда красиви, но сходни мотиви: мечтателно нежни лица, лека дъговидна архитектура, „великденски“ пейзажи с тънки дървета.

Картини от Северна Италия и Венеция

Живописта на майсторите от Северна Италия преминава през свои собствени етапи, различни от другите школи. Ако флорентинската живопис, обикновено насочена към ума, изобразява предимно триизмерни тела, а майсторите от Централна Италия се ръководят от чувствата и решават главно пространствени проблеми, тогава основната сфера на естетическо влияние сред художниците от северноиталианската школа е била въображението, водещата му тема беше субстанцията: пластичната текстура на предметите, въздуха и светлината. През първата третина на 15в. Феодалните центрове на Северна Италия (Ферара, Верона, Мантуа) са включени в орбитата на така наречената „Международна“ готика. Основните стилистични проблеми на това движение - чувствителност към природните явления, майсторски контрол на линията - намират израз в творчеството на Пизанело (1395-1455). В портрета на принцеса от ферарската къща Есте (1430-те) майсторът подчертава нежното спокойствие на лицето на момичето, като го поставя на контрастен фон от тъмна и твърда зеленина, осеян с ярки, треперещи петна от цветя и пеперуди.

Белини е един от най-забележителните портретисти на своето време. „Портрет на дож Леонардо Лоредан“ (1501-1505).

Ролята на център на ренесансовата култура през 1430-те години. придобива Падуа, град с богато антично минало, който през 1406 г. е присъединен към венецианските владения. Наред с древния си университет, Падуа става известен с работилницата на Франческ Скуарчоне, самоук художник, дълбок познавач на древните паметници, който създава истинска академия, където до 100 млади мъже учат едновременно живопис, сред които и осиновеният от Скуарчоне син Андреа Мантеня (1431-1506), най-големият майстор на северноиталианското куатроченто, който съчетава в творбите си жизненост с ярка фантастичност.

Радикални промени настъпват в живописта на Венеция с пристигането тук на южноиталианския художник Антонело да Месина (около 1430-1479). Джовани Белини (около 1430-1516) изиграва голяма роля във формирането на оригиналния стил на венецианската школа. Той основава стила си на колоризма. Меката хармония на цветовете на художника, проникнати от светлина, е близка до любимите му прости идилични сцени, където селският вечерен пейзаж играе важна роля.

Разцветът на венецианската живописна школа настъпва през първата половина на 16 век, когато работят великите Джорджоне (1477-1510) и Тициан (1488/1490-1576). Джорджоне създава свой собствен живописен жанр - "поезия". Тези картини са рисувани от него по поръчки на частни лица и се отличават със своята тематичност от модерното европейско изкуство. В основата на тяхната образна структура е причудливото въображение на автора, а не всяко събитие, извлечено от исторически или литературен източник. Тициан наследява лириката на Джорджоне и я съчетава със здрава чувственост и активно възприемане на битието. Венецианският висок ренесанс намира израз в творчеството на този майстор.

Италианска ренесансова живопис – Джото, Мазачо, Анджелико, Тициан и Джорджонеактуализиран: 2 юли 2017 г. от: уебсайт