Велики художници на Ренесанса. Ренесансова живопис Изключителни художници на Ренесанса

Сандро Ботичели(1 март 1445 - 17 май 1510) - дълбоко религиозен човек, работил във всички големи църкви на Флоренция и в Сикстинската капела на Ватикана, но останал в историята на изкуството преди всичко като автор на широкоформатни поетични произведения платна на теми, вдъхновени от класическата античност – „Пролет” и „Раждането на Венера”. .

Дълго време Ботичели беше в сянката на ренесансовите гиганти, работили след него, докато не беше преоткрит в средата на 19 век от британските прерафаелити, които почитаха крехката линейност и пролетната свежест на зрелите му платна като най-високата точка в развитието на световното изкуство.

Роден в семейството на богат градски жител Мариано ди Вани Филипепи. Получил добро образование. Учи рисуване при монаха Филипо Липи и възприема от него тази страст към изобразяването на трогателни мотиви, която отличава историческите картини на Липи. След това работи за известния скулптор Верокио. През 1470 г. той организира собствена работилница.

Той възприел финеса и прецизността на линиите от втория си брат, който бил бижутер. Учи известно време при Леонардо да Винчи в работилницата на Верокио. Оригиналната черта на собствения талант на Ботичели е неговата склонност към фантастичното. Той е един от първите, които въвеждат античния мит и алегория в изкуството на своето време и с особена любов работи върху митологични сюжети. Особено впечатляваща е неговата Венера, която се носи гола в морето в мида, а боговете на ветровете я обсипват с дъжд от рози и изкарват раковината на брега.

Стенописите, които започва през 1474 г. в Сикстинската капела във Ватикана, се смятат за най-доброто творение на Ботичели. Той завършва много картини, поръчани от Медичите. По-специално, той рисува знамето на Джулиано де Медичи, брат на Лоренцо Великолепни. През 1470-1480-те години портретът се превръща в независим жанр в творчеството на Ботичели („Човек с медал“, ок. 1474; „Млад мъж“, 1480-те). Ботичели става известен с изтънчения си естетически вкус и произведения като „Благовещение” (1489-1490), „Изоставени” (1495-1500) и др. През последните години от живота си Ботичели очевидно изоставя рисуването.

Сандро Ботичели е погребан в семейната гробница в църквата Огнизанти във Флоренция. Според завещанието му той е погребан близо до гроба на Симонета Веспучи, която е вдъхновила най-красивите образи на майстора.

Леонардо ди Сер Пиеро да Винчи(15 април 1452 г., село Анкиано, близо до град Винчи, близо до Флоренция - 2 май 1519 г. - велик италиански художник (художник, скулптор, архитект) и учен (анатом, натуралист), изобретател, писател, един от най-големите представители на високото изкуство Ренесанс, ярък пример за "универсален човек".

Нашите съвременници познават Леонардо преди всичко като художник. Освен това е възможно да Винчи да е бил и скулптор: изследователи от университета в Перуджа - Джанкарло Джентилини и Карло Сиси - твърдят, че теракотената глава, която са открили през 1990 г., е единствената скулптурна творба на Леонардо да Винчи, която е достигнала до нас. Самият да Винчи обаче в различни периоди от живота си се е смятал предимно за инженер или учен. Той не отделя много време на изобразителното изкуство и работи доста бавно. Следователно художественото наследство на Леонардо не е голямо като количество и редица негови произведения са изгубени или сериозно повредени. Неговият принос към световната художествена култура обаче е изключително важен дори на фона на кохортата от гении, които дава Италианският Ренесанс. Благодарение на неговите произведения изкуството на живописта премина на качествено нов етап от своето развитие. Ренесансовите художници, които предхождат Леонардо, решително отхвърлят много от условностите на средновековното изкуство. Това е движение към реализъм и вече е постигнато много в изучаването на перспективата, анатомията и по-голямата свобода в композиционните решения. Но по отношение на рисуването, работата с боя, художниците бяха все още доста конвенционални и ограничени. Линията на картината ясно очертаваше обекта, а изображението имаше вид на нарисувана рисунка. Най-конвенционален беше пейзажът, който играеше второстепенна роля. .

Леонардо осъзнава и въплъщава нова техника на рисуване. Линията му има право да бъде размазана, защото ние така я виждаме. Той осъзнава феномена разпръскване на светлината във въздуха и появата на сфумато - мъгла между зрителя и изобразения обект, която смекчава цветовите контрасти и линиите. В резултат на това реализмът в живописта премина на качествено ново ниво. . ренесансова картина Ботичели Ренесанс

Рафаел Санти(28 март 1483 - 6 април 1520) - велик италиански художник, график и архитект, представител на умбрийската школа.

Синът на художника Джовани Санти преминава първоначално художествено обучение в Урбино при баща си Джовани Санти, но още като млад попада в работилницата на изключителния художник Пиетро Перуджино. Художественият език и образност на картините на Перуджино, с тяхното влечение към симетрична, балансирана композиция, яснота на пространствените решения и мекота на цвета и осветлението оказват основно влияние върху стила на младия Рафаел.

Необходимо е също така да се уточни, че творческият стил на Рафаело включва синтез на техники и открития на други майстори. Отначало Рафаел разчита на опита на Перуджино, а по-късно на свой ред - на откритията на Леонардо да Винчи, Фра Бартоломео, Микеланджело. .

Ранните творби („Madonna Conestabile” 1502-1503) са пропити с изящество и мек лиризъм. Той прославя земното съществуване на човека, хармонията на духовните и физическите сили в картините на стаите на Ватикана (1509-1517), постигайки безупречно чувство за пропорция, ритъм, пропорции, еуфония на цвета, единство на фигури и величествено архитектурен фон..

Във Флоренция, след като влезе в контакт с произведенията на Микеланджело и Леонардо, Рафаело научи от тях анатомично правилното изобразяване на човешкото тяло. На 25-годишна възраст художникът се озовава в Рим и от този момент започва периодът на най-висок разцвет на неговото творчество: той изпълнява монументални картини във Ватиканския дворец (1509-1511), включително безспорния шедьовър на майстора - фреската „Атинската школа“, пише олтарни композиции и стативи, отличаващи се с хармонията на концепцията и изпълнението, работи като архитект (известно време Рафаел дори ръководи изграждането на катедралата „Св. Петър“). В неуморно търсене на своя идеал, въплътен за художника в образа на Мадоната, той създава най-съвършеното си творение - „Сикстинската Мадона” (1513), символ на майчинството и себеотрицанието. Картините и стенописите на Рафаело са признати от неговите съвременници и Санти скоро става централна фигура в художествения живот на Рим. Много благородни хора в Италия искаха да се сродят с художника, включително близкият приятел на Рафаело кардинал Бибиена. Художникът почина на тридесет и седем години от сърдечна недостатъчност. Незавършените картини на вила Фарнезина, лоджиите на Ватикана и други творби са завършени от учениците на Рафаело в съответствие с неговите скици и рисунки.

Един от най-големите представители на изкуството на Високия Ренесанс, чиито картини се отличават с подчертан баланс и хармония на цялото, балансирана композиция, премерен ритъм и деликатно използване на цветовите възможности. Безупречното владеене на линията и способността да се обобщава и подчертава основното направи Рафаел един от най-забележителните майстори на рисуването на всички времена. Наследството на Рафаело служи като един от стълбовете във формирането на европейския академизъм. Привържениците на класицизма - братята Карачи, Пусен, Менгс, Давид, Енгр, Брюлов и много други художници - възхваляваха наследството на Рафаело като най-съвършеното явление в световното изкуство...

Тициан Вечелио(1476/1477 или 1480-1576) - италиански ренесансов художник. Името на Тициан се нарежда до ренесансови художници като Микеланджело, Леонардо да Винчи и Рафаело. Тициан рисува картини на библейски и митологични сюжети; той става известен и като портретист. Получавал е поръчки от крале и папи, кардинали, херцози и принцове. Тициан не беше дори на тридесет години, когато беше признат за най-добрия художник на Венеция.

Според мястото на раждане (Пиеве ди Кадоре в провинция Белуно), той понякога е наричан да Кадоре; известен още като Тициан Божественият...

Тициан е роден в семейството на Грегорио Вечелио, държавник и военачалник. На десетгодишна възраст той е изпратен с брат си във Венеция, за да учи при известния мозаечен художник Себастиан Зукато. Няколко години по-късно той влиза като чирак в работилницата на Джовани Белини. Учи при Лоренцо Лото, Джорджо да Кастелфранко (Джорджоне) и редица други художници, които по-късно стават известни.

През 1518 г. Тициан рисува картината „Възнесението на Дева Мария“, през 1515 г. - Саломе с главата на Йоан Кръстител. От 1519 до 1526 г. той рисува редица олтари, включително олтарния образ на семейство Пезаро.

Тициан живя дълъг живот. До последните си дни той не спира да работи. Тициан рисува последната си картина, Оплакването на Христос, за собствения си надгробен камък. Художникът умира от чума във Венеция на 27 август 1576 г., след като се заразява от сина си, докато се грижи за него.

Император Карл V повика Тициан на мястото си и го обгради с почит и уважение и каза неведнъж: „Мога да създам херцог, но къде мога да намеря втори Тициан?“ Когато един ден художникът изпуснал четката си, Карл V я вдигнал и казал: „Чест е дори за императора да служи на Тициан“. Както испанският, така и френският крал поканиха Тициан да живее в двора им, но художникът, след като изпълни поръчките си, винаги се връщаше в родната си Венеция. Кратерът на Меркурий беше кръстен на Тициан. .

Ренесансът или Ренесансът ни даде много велики произведения на изкуството. Това беше благоприятен период за развитие на творчеството. Имената на много велики художници са свързани с Ренесанса. Ботичели, Микеланджело, Рафаело, Леонардо да Винчи, Джото, Тициан, Кореджо - това са само малка част от имената на творците от онова време.

С този период се свързва появата на нови стилове и картини. Подходът към изобразяването на човешкото тяло е станал почти научен. Художниците се стремят към реалността – изпипват всеки детайл. Хората и събитията в картините от онова време изглеждат изключително реалистични.

Историците разграничават няколко периода в развитието на живописта през Ренесанса.

Готика - 1200г. Популярен стил в съда. Той се отличаваше с помпозност, претенциозност и прекомерна колоритност. Използва се като бои. Картините са били обект на олтарни сцени. Най-известните представители на тази тенденция са италианските художници Виторе Карпачо и Сандро Ботичели.

Сандро Ботичели

Проторенесанс - 1300г. По това време се извършва преструктуриране на морала в живописта. Религиозните теми остават на заден план, а светските стават все по-популярни. Картината заема мястото на иконата. Хората са изобразени по-реалистично, изражението на лицето и жестовете стават важни за художниците. Възниква нов жанр в изобразителното изкуство -. Представители на това време са Джото, Пиетро Лоренцети, Пиетро Кавалини.

По-ранен Ренесанс - 1400 г. Възходът на нерелигиозната живопис. Дори лицата на иконите оживяват – придобиват човешки черти. Художниците от по-ранни периоди се опитват да рисуват пейзажи, но те служат само като допълнение, фон към основното изображение. През Ранния Ренесанс се превръща в самостоятелен жанр. Портретът също продължава да се развива. Учените откриват закона за линейната перспектива и художниците изграждат своите картини на тази основа. На техните платна можете да видите правилното триизмерно пространство. Видни представители на този период са Мазачо, Пиеро Дела Франческо, Джовани Белини, Андреа Мантеня.

Висок Ренесанс – Златен век. Хоризонтите на творците стават още по-широки - техните интереси се простират в пространството на Космоса, те смятат човека за център на Вселената.

По това време се появяват „титаните” на Ренесанса - Леонардо да Винчи, Микеланджело, Тициан, Рафаел Санти и др. Това са хора, чиито интереси не се ограничават до рисуването. Техните знания се простираха много по-далеч. Най-видният представител е Леонардо да Винчи, който е не само велик художник, но и учен, скулптор и драматург. Той създава фантастични техники в рисуването, например "smuffato" - илюзията за мъгла, която е използвана за създаването на известната "La Gioconda".

Леонардо да Винчи

Късен Ренесанс- избледняване на Ренесанса (средата на 1500 г. до края на 1600 г.). Това време е свързано с промяна, религиозна криза. Разцветът свършва, линиите на платната стават по-нервни, индивидуализмът изчезва. Тълпата все повече се превръща в образа на картините. Талантливи творби от онова време са написани от Паоло Веронезе и Якопо Тинорето.

Паоло Веронезе

Италия е дала на света най-талантливите художници от епохата на Ренесанса; те са най-споменаваните в историята на живописта. Междувременно в други страни през този период живописта също се развива и оказва влияние върху развитието на това изкуство. Живопис в други страни през този период се нарича Северен Ренесанс.

Възраждане (Ренесанс). Италия. 15-16 век. Ранен капитализъм. Страната се управлява от богати банкери. Интересуват се от изкуство и наука.
Богатите и могъщите събират около себе си талантливите и мъдрите. Поети, философи, художници и скулптори водят ежедневни разговори със своите покровители. За момент изглеждаше, че хората са управлявани от мъдреци, както иска Платон.
Спомниха си древните римляни и гърци. Който също изгради общество на свободни граждани. Където основната ценност са хората (без да броим робите, разбира се).
Ренесансът не е просто копиране на изкуството на древните цивилизации. Това е смес. Митология и християнство. Реализъм на природата и искреност на образите. Физическа красота и духовна красота.
Беше просто проблясък. Периодът на Високия Ренесанс е приблизително 30 години! От 1490-те до 1527 г От началото на разцвета на творчеството на Леонардо. Преди разграбването на Рим.

Миражът на един идеален свят бързо избледня. Италия се оказа твърде крехка. Скоро тя била поробена от друг диктатор.
Но тези 30 години определят основните характеристики на европейската живопис за 500 години напред! До импресионисти.
Реализъм на изображението. Антропоцентризъм (когато човек е главният герой и герой). Линейна перспектива. Маслени бои. Портрет. Пейзаж…
Невероятно, но през тези 30 години няколко блестящи майстори са работили едновременно. Които в друго време се раждат веднъж на 1000 години.
Леонардо, Микеланджело, Рафаело и Тициан са титаните на Ренесанса. Но не можем да не споменем и двамата им предшественици. Джото и Мазачио. Без които нямаше да има Ренесанс.

1. Джото (1267-1337)

Паоло Учело. Джото да Бондони. Фрагмент от картината „Петимата майстори на флорентинския Ренесанс“. Началото на 16 век. Лувър, Париж.

14 век Проторенесанс. Главният й герой е Джото. Това е майстор, който сам направи революция в изкуството. 200 години преди Високия Ренесанс. Ако не беше той, едва ли щеше да настъпи ерата, с която човечеството толкова се гордее.
Преди Джото е имало икони и фрески. Създадени са според византийските канони. Лица вместо лица. Плоски фигури. Неспазване на пропорциите. Вместо пейзаж има златен фон. Като например тази икона.

Гуидо да Сиена. Поклонение на влъхвите. 1275-1280 Алтенбург, музей Линденау, Германия.

И изведнъж се появяват фрески от Джото. Имат обемни фигури. Лицата на знатни хора. тъжно Жален. Изненадан. Стари и млади. Различен.

Джото. Оплакването на Христос. Фрагмент

Джото. Целувката на Юда. Фрагмент

Джото. Света Ана

Фрески от Джото в църквата Скровени в Падуа (1302-1305). Вляво: Оплакването на Христос. В средата: Целувката на Юда (фрагмент). Вдясно: Благовещение на св. Анна (Майка Богородица), фрагмент.
Основната работа на Джото е цикълът от неговите стенописи в параклиса Скровени в Падуа. Когато тази църква се отвори за енориаши, тълпи от хора се изляха в нея. Защото никога не са виждали подобно нещо.
В крайна сметка Джото направи нещо безпрецедентно. Сякаш превеждаше библейски истории на прост, разбираем език. И станаха много по-достъпни за обикновените хора.

Джото. Поклонение на влъхвите. 1303-1305 Фреска в параклиса Скровени в Падуа, Италия.

Именно това ще бъде характерно за много ренесансови майстори. Лаконични изображения. Живи емоции на героите. Реализъм.
Между иконата и реализма на Ренесанса."
Джото беше възхитен. Но неговите иновации не бяха доразвити. Модата на международната готика дойде в Италия.
Само след 100 години ще се появи майстор, достоен наследник на Джото.
2. Мазачо (1401-1428)

Мазачио. Автопортрет (фрагмент от фреската „Св. Петър на амвона”). 1425-1427 Параклис Бранкачи в църквата Санта Мария дел Кармине, Флоренция, Италия.

Началото на 15 век. Така нареченият Ранен Ренесанс. Още един новатор навлиза на сцената.
Мазачио е първият художник, който използва линейна перспектива. Проектиран е от неговия приятел, архитекта Брунелески. Сега изобразеният свят е станал подобен на реалния. Архитектурата на играчките е нещо от миналото.

Мазачио. Свети Петър лекува със сянката си. 1425-1427 Параклис Бранкачи в църквата Санта Мария дел Кармине, Флоренция, Италия.

Той възприема реализма на Джото. Въпреки това, за разлика от своя предшественик, той вече познаваше добре анатомията.
Вместо блокови герои, Джото има красиво изградени хора. Също като древните гърци.

Мазачио. Кръщение на неофитите. 1426-1427 Параклис Бранкачи, църква Санта Мария дел Кармине във Флоренция, Италия.

Мазачио. Изгонване от рая. 1426-1427 Фреска в параклиса Бранкачи, църквата Санта Мария дел Кармине, Флоренция, Италия.

Мазачио е живял кратък живот. Той умря, подобно на баща си, неочаквано. На 27 години.
Той обаче имаше много последователи. Майстори от следващите поколения отиват в параклиса Бранкачи, за да учат от неговите стенописи.
Така иновациите на Мазачио са възприети от всички велики титани на Високия Ренесанс.

3. Леонардо да Винчи (1452-1519)

Леонардо да Винчи. Автопортрет. 1512 Кралска библиотека в Торино, Италия.

Леонардо да Винчи е един от титаните на Ренесанса. Което оказа огромно влияние върху развитието на живописта.
Именно той повиши статуса на самия художник. Благодарение на него представителите на тази професия вече не са просто занаятчии. Това са творци и аристократи на духа.
Леонардо прави пробив предимно в портрета.
Той вярваше, че нищо не трябва да отвлича вниманието от основния образ. Погледът не трябва да се лута от един детайл към друг. Така се появяват прочутите му портрети. Лаконичен. Хармонично.

Леонардо да Винчи. Дама с хермелин. 1489-1490 Музей Черториски, Краков.

Основната иновация на Леонардо е, че той е открил начин да прави изображения... живи.
Преди него героите в портретите изглеждаха като манекени. Линиите бяха ясни. Всички детайли са внимателно изчертани. Нарисуваната рисунка не може да е жива.
Но тогава Леонардо изобретил метода сфумато. Той засенчи линиите. Направи прехода от светлина към сянка много мек. Героите му сякаш са покрити с едва забележима мъгла. Героите оживяха.

Леонардо да Винчи. Мона Лиза. 1503-1519 Лувър, Париж.

Оттогава сфумато ще бъде включено в активния речник на всички велики творци на бъдещето.
Често има мнение, че Леонардо, разбира се, е гений. Но той не знаеше как да завърши нищо. И често не завършвах картини. И много от проектите му останаха на хартия (между другото в 24 тома). И като цяло той беше хвърлен или в медицината, или в музиката. А по едно време дори се интересувах от изкуството на сервирането.
Все пак помислете сами. 19 картини. И той е най-великият артист на всички времена. А някои дори не са близо до величието. В същото време, като е нарисувал 6000 платна през живота си. Очевидно е кой има по-висока ефективност.

4. Микеланджело (1475-1564)

Даниеле да Волтера. Микеланджело (фрагмент). 1544 Metropolitan Museum of Art, Ню Йорк.

Микеланджело се смяташе за скулптор. Но той беше универсален майстор. Както и другите му колеги от Възраждането. Затова живописното му наследство е не по-малко грандиозно.
Той е разпознаваем преди всичко по физически развитите си характери. Защото изобразяваше съвършен човек. В която физическата красота означава духовна красота.
Ето защо всичките му герои са толкова мускулести и издръжливи. Дори жени и стари хора.

Микеланджело. Фрагмент от фреската "Страшният съд"

Микеланджело. Фрагменти от фреската на Страшния съд в Сикстинската капела, Ватикана.
Микеланджело често рисува героя гол. И тогава добави дрехи отгоре. Така че тялото да е максимално изваяно.
Той сам рисува тавана на Сикстинската капела. Въпреки че това са няколкостотин цифри! Той дори не позволи на никого да търка боя. Да, той беше самотник. Притежава хладен и свадлив характер. Но най-вече беше недоволен от... себе си.

Микеланджело. Фрагмент от фреската „Сътворението на Адам“. 1511 Сикстинската капела, Ватикана.

Микеланджело е живял дълъг живот. Преживял упадъка на Ренесанса. За него това беше лична трагедия. По-късните му творби са пълни с тъга и скръб.
Като цяло творческият път на Микеланджело е уникален. Ранните му творби са прослава на човешкия герой. Свободен и смел. В най-добрите традиции на древна Гърция. Как се казва Дейвид?
В последните години от живота това са трагични образи. Умишлено грубо дялан камък. Сякаш гледаме паметници на жертвите на фашизма от 20 век. Вижте неговата Pietà.

Микеланджело. Дейвид

Микеланджело. Пиета Палестрина

Скулптури на Микеланджело в Академията за изящни изкуства във Флоренция. Вляво: Дейвид. 1504 Вдясно: Пиета на Палестрина. 1555 г
Как е възможно? Един художник в един живот преминава през всички етапи на изкуството от Ренесанса до 20 век. Какво трябва да правят следващите поколения? Е, върви по своя път. Осъзнавайки, че летвата е поставена много високо.

5. Рафаел (1483-1520)

Рафаел. Автопортрет. 1506 Галерия Уфици, Флоренция, Италия.

Рафаел никога не е бил забравен. Неговият гений винаги е бил признат. И през живота. И след смъртта.
Героите му са надарени с чувствена, лирична красота. Именно неговите мадони с право се смятат за най-красивите женски образи, създавани някога. Тяхната външна красота отразява и духовната красота на героините. Тяхната кротост. Тяхната саможертва.

Рафаел. Сикстинската мадона. 1513 Галерия на старите майстори, Дрезден, Германия.

Фьодор Достоевски каза известните думи „Красотата ще спаси света“ специално за Сикстинската Мадона. Това беше любимата му картина.
Чувствените образи обаче не са единствената силна страна на Рафаел. Той много внимателно обмисляше композициите на своите картини. Той беше ненадминат архитект в живописта. Освен това той винаги намираше най-простото и хармонично решение в организирането на пространството. Изглежда, че не може да бъде по друг начин.

Рафаел. Атинско училище. 1509-1511 Фреска в строфите на Апостолическия дворец, Ватикана.

Рафаел е живял само 37 години. Той почина внезапно. От настинки и лекарски грешки. Но неговото наследство е трудно да се надцени. Много художници идолизираха този майстор. Умножавайки чувствените си образи в хиляди свои платна.

6. Тициан (1488-1576).

Тициан. Автопортрет (фрагмент). 1562 Музей Прадо, Мадрид.

Тициан беше ненадминат колорист. Експериментира много и с композицията. Като цяло той беше смел и блестящ новатор.
Всички го обичаха заради този блясък на таланта му. Наричан „Кралят на художниците и Художникът на кралете“.
Говорейки за Тициан, искам да поставям удивителен знак след всяко изречение. В края на краищата той внесе динамика в живописта. Патос. Ентусиазъм. Ярък цвят. Блясък от цветове.

Тициан. Възнесение на Мария. 1515-1518 Църква Санта Мария Глориози дей Фрари, Венеция.

Към края на живота си той развива необичайна техника на писане. Ударите са бързи. Плътно. Пасти. Нанасях боята или с четка, или с пръсти. Това прави изображенията още по-живи и дишащи. А сюжетите са още по-динамични и драматични.

Тициан. Таркин и Лукреция. 1571 Музей Фицуилям, Кеймбридж, Англия.

Това не ви ли напомня за нищо? Разбира се, това е техниката на Рубенс. И техниката на художниците от 19 век: барбизонци и импресионисти. Тициан, подобно на Микеланджело, ще премине през 500 години рисуване в един живот. Ето защо той е гений.

***
Ренесансовите художници са художници с големи познания. За да оставиш такова наследство, трябва да знаеш много. В областта на историята, астрологията, физиката и т.н.
Затова всяко тяхно изображение ни кара да се замислим. Защо е изобразено това? Какво е криптираното съобщение тук?
Следователно те почти никога не са допускали грешки. Защото са обмислили добре бъдещата си работа. Използвайки всичките си знания.
Те бяха повече от артисти. Те са били философи. Обяснявайки ни света чрез рисуване.
Ето защо те винаги ще бъдат дълбоко интересни за нас.

Ренесансът е феноменално явление в историята на човечеството. Никога повече не е имало такъв блестящ изблик в областта на изкуството. Скулптори, архитекти и художници от Ренесанса (списъкът им е дълъг, но ще се докоснем до най-известните), чиито имена са известни на всички, дадоха на света безценни уникални и изключителни хора, които се показаха не в една област, а в няколко веднага.

Ранновъзрожденска живопис

Епохата на Ренесанса има относителна времева рамка. Започва първо в Италия - 1420-1500г. В този момент живописта и изобщо цялото изкуство не се различава много от близкото минало. Въпреки това за първи път започват да се появяват елементи, заимствани от класическата античност. И едва през следващите години скулпторите, архитектите и художниците от Ренесанса (чийто списък е много дълъг), под влиянието на съвременните условия на живот и прогресивните тенденции, най-накрая изоставят средновековните основи. Те смело възприемат най-добрите образци на античното изкуство за своите произведения, както като цяло, така и в отделни детайли. Имената им са известни на мнозина, нека се съсредоточим върху най-известните личности.

Мазачо - геният на европейската живопис

Именно той направи огромен принос за развитието на живописта, превръщайки се в велик реформатор. Флорентинският майстор е роден през 1401 г. в семейство на артистични занаятчии, така че чувството за вкус и желанието да твори са в кръвта му. На 16-17 години се премества във Флоренция, където работи в работилници. Донатело и Брунелески, велики скулптори и архитекти, с право се смятат за негови учители. Общуването с тях и придобитите умения не можеха да не повлияят на младия художник. От първия Мазачио заимства едно ново разбиране за човешката личност, характерно за скулптурата. Вторият майстор има основите. Изследователите смятат „Триптиха на Сан Джовенале“ (на първата снимка), който е открит в малка църква близо до града, където е роден Мазачио, за първата надеждна работа. Основното произведение са стенописите, посветени на живота на Свети Петър. Художникът участва в създаването на шест от тях, а именно: „Чудото на Статир“, „Изгонване от рая“, „Кръщението на Неофитите“, „Разпределение на имуществото и смъртта на Анания“, „Възкресението на сина на Теофил“. ”, „Свети Петър лекува болни със сянката си” и „Свети Петър на амвона”.

Италианските художници от Ренесанса са хора, които се посвещават изцяло на изкуството, без да обръщат внимание на обикновените ежедневни проблеми, които понякога ги водят до бедно съществуване. Мазачио не е изключение: брилянтният майстор умира много рано, на 27-28 години, оставяйки след себе си страхотни произведения и голям брой дългове.

Андреа Мантеня (1431-1506)

Това е представител на Падуанската живописна школа. Той получава основите на занаята си от осиновителя си. Стилът се формира под влиянието на произведенията на Мазачио, Андреа дел Кастаньо, Донатело и венецианската живопис. Това определя донякъде суровия и суров маниер на Андреа Мантеня в сравнение с флорентинците. Той беше колекционер и познавач на културни произведения от античния период. Благодарение на стила си, различен от всеки друг, той се прослави като новатор. Най-известните му творби: „Мъртвият Христос”, „Триумфът на Цезар”, „Юдит”, „Битката на морските божества”, „Парнас” (на снимката) и др. От 1460 г. до смъртта си той работи като придворен художник за херцозите на Гонзага.

Сандро Ботичели (1445-1510)

Ботичели е псевдоним, истинското му име е Филипепи. Не избира веднага пътя на художник, а първоначално учи бижутерско майсторство. В първите му самостоятелни творби (няколко „Мадони”) се усеща влиянието на Мазачо и Липи. По-късно той също си създава име като портретист; по-голямата част от поръчките идват от Флоренция. Изтънченият и изтънчен характер на творбите му с елементи на стилизация (обобщаване на образите с помощта на конвенционални техники - простота на формата, цвета, обема) го отличава от другите майстори от онова време. Съвременник на Леонардо да Винчи и младия Микеланджело, той оставя ярка следа в световното изкуство („Раждането на Венера“ (снимка), „Пролет“, „Поклонението на влъхвите“, „Венера и Марс“, „Коледа“ и т.н.). Неговата живопис е искрена и чувствителна, а жизненият му път е сложен и трагичен. Романтичното възприемане на света в млада възраст отстъпи място на мистицизма и религиозната екзалтация в зряла възраст. Последните години от живота си Сандро Ботичели живее в бедност и забрава.

Пиеро (Пиетро) дела Франческа (1420-1492)

Италиански художник и друг представител на ранния Ренесанс, произхождащ от Тоскана. Стилът на автора се формира под влиянието на флорентинската живописна школа. В допълнение към таланта си на художник, Пиеро дела Франческа имаше изключителни способности в областта на математиката и посвещава последните години от живота си на нея, опитвайки се да я свърже с високото изкуство. Резултатът е два научни трактата: „За перспективата в живописта“ и „Книгата на петте правилни тела“. Стилът му се отличава с тържественост, хармония и благородство на образите, композиционна уравновесеност, прецизност на линиите и конструкцията, мека цветова гама. Пиеро дела Франческа притежава удивителни познания за техническата страна на живописта и особеностите на перспективата за онова време, което му печели висок авторитет сред съвременниците му. Най-известните произведения: „Историята на Савската царица“, „Бичуването на Христос“ (на снимката), „Олтарът на Монтефелтро“ и др.

Висока ренесансова живопис

Ако Проторенесанса и ранната епоха са продължили съответно почти век и половина и век, то този период обхваща само няколко десетилетия (в Италия от 1500 до 1527 г.). Това беше ярка, ослепителна светкавица, която даде на света цяла плеяда от велики, многостранни и брилянтни хора. Всички клонове на изкуството вървят ръка за ръка, така че много майстори са били и учени, скулптори, изобретатели, а не само художници от Ренесанса. Списъкът е дълъг, но върхът на Ренесанса е белязан от творчеството на Л. да Винчи, М. Буанароти и Р. Санти.

Необикновеният гений на Да Винчи

Може би това е най-необикновената и изключителна личност в историята на световната художествена култура. Той беше универсален човек в пълния смисъл на думата и притежаваше най-многостранни знания и таланти. Художник, скулптор, теоретик на изкуството, математик, архитект, анатом, астроном, физик и инженер – всичко това е за него. Освен това във всяка една от областите Леонардо да Винчи (1452-1519) се доказва като новатор. До наши дни са оцелели само 15 негови картини, както и много скици. Притежавайки удивителна жизнена енергия и жажда за знания, той беше нетърпелив и очарован от самия процес на обучение. На много млада възраст (на 20 години) той се квалифицира като майстор на Гилдията на Свети Лука. Най-важните му творби са фреската „Тайната вечеря“, картините „Мона Лиза“, „Беноа Мадона“ (на снимката горе), „Дамата с хермелин“ и др.

Рядко се срещат портрети на ренесансови художници. Предпочитаха да оставят образите си в картини с много лица. По този начин споровете около автопортрета на да Винчи (на снимката) продължават и до днес. Има версии, че го е направил на 60 години. Според биографа, художник и писател Вазари, великият майстор умира в ръцете на своя близък приятел крал Франциск I в неговия замък Кло-Люсе.

Рафаел Санти (1483-1520)

Художник и архитект, родом от Урбино. Името му в изкуството неизменно се свързва с идеята за възвишена красота и природна хармония. За един сравнително кратък живот (37 години) той създава много световноизвестни картини, фрески и портрети. Сюжетите, които изобразява, са много разнообразни, но винаги го привлича образът на Богородица. Напълно основателно Рафаело е наричан „майсторът на мадоните“, особено на тези, които той е рисувал в Рим. Той работи във Ватикана от 1508 г. до края на живота си като официален художник в папския двор.

Всестранно надарен, подобно на много други велики художници на Ренесанса, Рафаело също е бил архитект и също е работил в археологически разкопки. Според една от версиите последното хоби е пряко свързано с преждевременната смърт. Предполага се, че се е заразил с римска треска при разкопките. Великият майстор е погребан в Пантеона. Снимката е негов автопортрет.

Микеланджело Буоанароти (1475-1564)

Дългият 70-годишен мъж беше светъл, той остави на потомците нетленни творения не само на живописта, но и на скулптурата. Подобно на други велики ренесансови художници, Микеланджело живее във време, изпълнено с исторически събития и катаклизми. Неговото изкуство е прекрасна финална нотка на целия Ренесанс.

Майсторът поставя скулптурата над всички други изкуства, но по волята на съдбата се превръща в изключителен художник и архитект. Най-амбициозната му и необикновена творба е картината (на снимката) в двореца във Ватикана. Площта на фреската надхвърля 600 квадратни метра и съдържа 300 човешки фигури. Най-впечатляваща и позната е сцената на Страшния съд.

Италианските ренесансови художници притежават многостранни таланти. Така че малко хора знаят, че Микеланджело е бил и отличен поет. Тази страна на неговия гений се проявява напълно към края на живота му. До наши дни са оцелели около 300 стихотворения.

Късноренесансова живопис

Последният период обхваща периода от 1530 г. до 1590-1620 г. Според Енциклопедия Британика Ренесансът като исторически период завършва с падането на Рим през 1527 г. Приблизително по същото време Контрареформацията триумфира в Южна Европа. Католическото движение гледаше с повишено внимание на всяко свободомислие, включително възхвалата на красотата на човешкото тяло и възкресяването на изкуството от древния период - тоест всичко, което беше стълбът на Ренесанса. Това доведе до едно особено движение - маниеризъм, характеризиращ се със загуба на хармония на духовното и физическото, на човека и природата. Но дори и през този труден период някои известни ренесансови художници създават своите шедьоври. Сред тях са Антонио да Кореджо (считан за основател на класицизма и паладианството) и Тициан.

Тициан Вечелио (1488-1490 - 1676)

Той с право се смята за титан на Ренесанса, заедно с Микеланджело, Рафаело и да Винчи. Още преди да навърши 30 години, Тициан си спечелва репутацията на „цар на художниците и художник на царете“. Художникът рисува предимно картини на митологични и библейски теми, освен това се прославя като отличен портретист. Съвременниците вярвали, че да бъдеш пленен от четката на велик майстор означава да получиш безсмъртие. И наистина е така. Поръчките до Тициан идват от най-уважаваните и благородни личности: папи, крале, кардинали и херцози. Ето само някои от най-известните му творби: „Венера от Урбино“, „Изнасилването на Европа“ (на снимката), „Носене на кръста“, „Корона от тръни“, „Мадона от Пезаро“, „Жена с огледало“ “, и т.н.

Нищо не се повтаря два пъти. Епохата на Ренесанса дава на човечеството блестящи, необикновени личности. Имената им са вписани със златни букви в световната история на изкуството. Архитекти и скулптори, писатели и художници от Ренесанса - списъкът е много дълъг. Докоснахме се само до титаните, създали историята и донесли идеите на просвещението и хуманизма на света.

Имената на ренесансовите художници отдавна са заобиколени от универсално признание. Много съждения и оценки за тях са се превърнали в аксиоми. И все пак критичното отношение към тях е не само право, но и задължение на историята на изкуството. Само тогава тяхното изкуство запазва истинското си значение за потомството.

От ренесансовите майстори от средата и втората половина на 15 век е необходимо да се спрем на четирима: Пиеро дела Франческа, Мантеня, Ботичели, Леонардо да Винчи. Те са били съвременници на широко разпространеното установяване на сеньории и са се занимавали с княжески дворове, но това не означава, че тяхното изкуство е било изцяло княжеско. Те взеха от господарите каквото можеха да им дадат, платиха с таланта и усърдието си, но останаха наследници на „бащите на Ренесанса“, помнеха техните завети, увеличиха постиженията им, стремяха се да ги надминат и наистина понякога ги превъзхождаха. През годините на постепенна реакция в Италия те създават прекрасно изкуство.

Пиеро дела Франческа

Пиеро дела Франческа доскоро беше най-малко познат и признат. Правилно е отбелязано влиянието на флорентинските майстори от началото на 15 век върху Пиеро дела Франческа, както и неговото обратно влияние върху неговите съвременници и наследници, особено върху венецианската школа. Въпреки това изключителната, изключителна позиция на Пиеро дела Франческа в италианската живопис все още не е достатъчно осъзната. Предполага се, че с течение на времето признанието му само ще се увеличи.

Пиеро дела Франческа (ок. 1420-1492) италиански художник и теоретик, представител на Ранния Ренесанс

Пиеро дела Франческа притежаваше всички постижения на „новото изкуство“, създадено от флорентинците, но не остана във Флоренция, а се върна в родината си, в провинцията. Това го спаси от патрицианските вкусове. Спечелва слава с таланта си и дори папската курия му дава задачи. Но той не стана придворен художник. Той винаги оставаше верен на себе си, на своето призвание, на своята очарователна муза. От всички негови съвременници той е единственият художник, който не е познавал раздора, двойствеността или опасността да се подхлъзне по грешния път. Той никога не се стреми да се конкурира със скулптурата или да прибягва до скулптурни или графични изразни средства. Всичко е казано на неговия език на живописта.

Неговата най-голяма и най-красива творба е цикъл от стенописи на тема „Историята на кръста” в Арецо (1452-1466). Работата е извършена според волята на местния търговец Бачи. Може би духовник, изпълнител на волята на починалия, е участвал в разработването на програмата. Пиеро дела Франческа разчита на т. нар. „Златна легенда“ на Й. да Вораджине. Имал е и предшественици сред художниците. Но основната идея очевидно принадлежеше на него. В него ясно прозира мъдростта, зрелостта и поетичната чувствителност на твореца.

Едва ли единственият живописен цикъл в Италия от онова време, „Историята на кръста“, има двойно значение. От една страна, тук е представено всичко, което се разказва в легендата за това как е израснало дървото, от което е направен Голготският кръст, и как по-късно се е проявила неговата чудодейна сила. Но тъй като отделните картини не са в хронологичен ред, това буквално значение изглежда остава на заден план. Художникът е подредил картините по такъв начин, че те дават представа за различни форми на човешки живот: за патриархалния - в сцената на смъртта на Адам и при пренасянето на кръста от Ираклий, за светския, придворния , градски - в сцените на Савската царица и в Намирането на кръста, и накрая за военните, битки - в "Победата на Константин" и в "Победата на Ираклий". По същество Пиеро дела Франческа обхваща почти всички аспекти на живота. Неговият цикъл включва: история, легенди, живот, творчество, картини от природата и портрети на съвременници. В град Арецо, в църквата Сан Франческо, политически подчинена на Флоренция, се намира най-забележителният фресков цикъл от италианския Ренесанс.

Изкуството на Пиеро дела Франческа е по-реално, отколкото идеално. В него царува разумно начало, но не и рационалност, която може да заглуши гласа на сърцето. И в това отношение Пиеро дела Франческа олицетворява най-ярките, най-плодотворните сили на Ренесанса.

Андреа Мантеня

Името на Мантеня се свързва с идеята за художник хуманист, влюбен в римските антики, въоръжен с обширни познания по антична археология. През целия си живот той служи на херцозите на Мантуа д'Есте, беше техен придворен художник, изпълняваше техните инструкции, служеше им вярно (макар че те не винаги му даваха това, което заслужаваше). независим, отдаден на своя висок идеал за древна доблест, фанатично верен на своето желание да придаде на творбите си бижутерска прецизност. Изкуството на Мантеня е сурово, понякога жестоко и в това то се различава от изкуството на Пиеро дела Франческа и се доближава до Донатело.

Андреа Мантеня. Автопортрет в параклиса Оветари

Ранни фрески от Мантеня в църквата Еремитани в Падуа за живота на Св. Яков и неговото мъченичество са прекрасни примери за италианска стенопис. Мантеня изобщо не мислеше да създаде нещо подобно на римското изкуство (картината, която стана известна на Запад след разкопките на Херкулан). Неговата древност не е златният век на човечеството, а железният век на императорите.

Той прославя римската доблест, почти по-добре, отколкото самите римляни. Неговите герои са бронирани и статуи. Неговите скалисти планини са прецизно изсечени от длето на скулптор. Дори облаците, плаващи по небето, изглеждат като излети от метал. Сред тези вкаменелости и отливки действат калени в битки герои, смели, сурови, упорити, отдадени на чувството за дълг, справедливост и готови на саможертва. Хората се движат свободно в пространството, но, подреждайки се в редица, образуват подобие на каменни релефи. Този свят на Мантеня не омагьосва окото, той смразява сърцето. Но не може да не се признае, че тя е създадена от духовния импулс на художника. И затова решаващо значение тук имаше хуманистичната ерудиция на художника, не съветите на неговите учени приятели, а мощното му въображение, неговата страст, обвързана с воля и уверено умение.

Пред нас е едно от значимите явления в историята на изкуството: великите майстори със силата на своята интуиция застават в една линия с далечните си предци и постигат това, което не са успели по-късните художници, изучаващи миналото, но неспособни да се равняват на тях.

Сандро Ботичели

Ботичели е открит от английските прерафаелити. Въпреки това, дори в началото на 20-ти век, с цялото възхищение от таланта му, те не му „простиха“ за отклонения от общоприетите правила - перспектива, светлосенки, анатомия. Впоследствие беше решено, че Ботичели се е върнал към готиката. Вулгарната социология обобщава своето обяснение за това: „феодалната реакция“ във Флоренция. Иконологичните интерпретации установяват връзките на Ботичели с кръга на флорентинските неоплатонисти, особено очевидни в неговите известни картини „Пролет“ и „Раждането на Венера“.

Автопортрет на Сандро Ботичели, фрагмент от олтарната композиция "Поклонението на маговете" (около 1475 г.)

Един от най-авторитетните интерпретатори на "Пролетта" Ботичели призна, че тази картина остава шарада, лабиринт. Във всеки случай може да се счита за установено, че при създаването му авторът е познавал стихотворението „Турнир“ на Полициано, в което се прославя Симонета Веспучи, любимата на Джулиано де Медичи, както и древни поети, по-специално началните редове за царството на Венера в поемата на Лукреций „За природата на нещата” . Очевидно е познавал и произведенията на М. Вичино, които са били популярни във Флоренция през онези години. Мотивите, заимствани от всички тези творби, са ясно различими в картината, придобита през 1477 г. от Л. де Медичи, братовчед на Лоренцо Великолепни. Но остава въпросът: как са се появили тези плодове на ерудицията? Няма надеждна информация за това.

Четейки съвременните научни коментари за тази картина, е трудно да се повярва, че самият художник е могъл да навлезе толкова дълбоко в митологичния сюжет, за да стигне до всякакви тънкости в интерпретацията на фигури, които дори и днес не могат да бъдат разбрани с един поглед , но в старите времена, очевидно, са били разбрани само в чашата на Медичите. По-вероятно е те да са били подсказани на художника от някой ерудит и той е успял да постигне факта, че художникът е започнал междуредово да превежда словесната последователност във визуалната. Най-възхитителното в картината на Ботичели са отделните фигури и групи, особено групата на Трите грации. Въпреки факта, че е бил възпроизвеждан безкраен брой пъти, той не е загубил своя чар и до днес. Всеки път, когато я видите, изпитвате нов пристъп на възхищение. Наистина, Ботичели успя да придаде вечна младост на своите творения. Един от учените коментатори на картината предполага, че танцът на грациите изразява идеята за хармония и раздор, за които флорентинските неоплатоници често говорят.

Ботичели притежава ненадминати илюстрации към Божествената комедия. Всеки, който е виждал неговите листове, неизменно ще ги помни, когато чете Данте. Той, като никой друг, е пропит с духа на поемата на Данте. Някои от рисунките към Данте имат характер на точен графичен индекс към поемата. Но най-красиви са тези, в които художникът измисля и композира в духа на Данте. Това са най-често срещаните сред илюстрациите на небето. Изглежда, че рисуването на рая е било най-трудното нещо за ренесансовите художници, които толкова обичат уханната земя и всичко човешко. Ботичели не се отказва от ренесансовата перспектива, пространствените впечатления в зависимост от ъгъла на гледане. Но в рая той се издига до пренасянето на неперспективната същност на самите предмети. Фигурите му са безтегловни, сенките изчезват. Светлината прониква през тях, пространството съществува извън земните координати. Телата се вписват в кръг като символ на небесната сфера.

Леонардо да Винчи

Леонардо е един от общопризнатите гении на Ренесанса. Мнозина го смятат за първия художник от онова време, във всеки случай името му идва на първо място, когато става въпрос за забележителните хора на Ренесанса. И затова е толкова трудно да се отклоним от обичайните мнения и да разгледаме безпристрастно неговото художествено наследство.

Автопортрет, където Леонардо се представя като стар мъдрец. Рисунката се съхранява в Кралската библиотека в Торино. 1512

Дори съвременниците му се възхищават от универсалността на неговата личност. Вазари обаче вече изрази съжаление, че Леонардо обръща повече внимание на своите научни и технически изобретения, отколкото на художественото творчество. Славата на Леонардо достига своя апогей през 19 век. Неговата личност се превръща в някакъв мит, той се възприема като въплъщение на „фаустовския принцип“ на цялата европейска култура.

Леонардо беше велик учен, проницателен мислител, писател, автор на Трактата и изобретателен инженер. Неговата всеобхватност го издига над нивото на повечето художници от онова време и в същото време му поставя трудна задача - да съчетае научно-аналитичния подход със способността на художника да вижда света и директно да се отдаде на чувството. Тази задача впоследствие занимава много художници и писатели. За Леонардо той придоби характера на неразрешим проблем.

Нека забравим за малко всичко, което ни нашепва прекрасният мит за художника-учен, и нека съдим за неговата живопис така, както съдим за живописта на други майстори от неговото време. С какво работата му се отличава от тяхната? На първо място, бдителност на визията и висока артистичност на изпълнение. Те носят отпечатъка на изящно майсторство и най-фин вкус. В картината на своя учител Верокио „Кръщението“ младият Леонардо рисува един ангел толкова възвишено и възвишено, че до него красивият ангел Верокио изглежда селски и долнопробен. През годините „естетическата аристокрация“ се засилва още повече в изкуството на Леонардо. Това не означава, че в дворовете на суверените изкуството му става придворно и придворно. Във всеки случай неговите мадони никога не могат да бъдат наречени селянки.

Той принадлежеше към същото поколение като Ботичели, но говореше неодобрително, дори подигравателно за него, смятайки го за изостанал от времето. Самият Леонардо се стреми да продължи търсенето на своите предшественици в изкуството. Не се ограничава в пространството и обема, той си поставя задачата да овладее светлинно-въздушната среда, която обгръща предметите. Това означава следваща стъпка в художественото осмисляне на реалния свят и до известна степен отваря пътя за колоризма на венецианците.

Би било погрешно да се каже, че страстта му към науката пречи на художественото творчество на Леонардо. Гениалността на този човек беше толкова огромна, умението му толкова високо, че дори опитът „да се изправи до гърлото на песента му“ не можеше да убие творчеството му. Неговата дарба на художник непрекъснато пробиваше всички ограничения. Завладяващото в неговите творения е безпогрешната прецизност на погледа, яснотата на съзнанието, покорството на четката и виртуозната техника. Те ни пленяват с чара си, като мания. Всеки, който е гледал La Gioconda, си спомня колко трудно е да се откъснеш от нея. В една от залите на Лувъра, където тя се озова до най-добрите шедьоври на италианската школа, тя триумфира и гордо властва над всичко, което витае около нея.

Картините на Леонардо не образуват верига, както много други художници от Ренесанса. В ранните му творби, подобно на Мадоната на Беноа, има повече топлина и спонтанност, но и в тях експериментът се усеща. „Поклонение“ в Уфици - и това е отлична основа, темпераментен, жив образ на хора, благоговейно обърнати към елегантна жена с бебе в скута. В „Мадоната от скалите“ ангелът, къдрокос младеж, който гледа от картината, е очарователен, но странната идея да пренесеш идилията в мрака на пещерата е отблъскваща. Известната „Тайната вечеря“ винаги е радвала с подходящата характеристика на героите: нежния Йоан, суровия Петър и злодейския Юда. Но фактът, че такива живи и развълнувани фигури са подредени по три в редица, от едната страна на масата, изглежда като неоправдана условност, насилие над живата природа. Въпреки това, това е великият Леонардо да Винчи и щом той е нарисувал картината по този начин, това означава, че я е възнамерявал така и тази мистерия ще остане за векове.

Наблюдението и бдителността, към които Леонардо призовава художниците в своя Трактат, не ограничават творческите му възможности. Той съзнателно се опита да развихри въображението си, като гледаше стените, напукани от годините, в които зрителят можеше да си представи всякакъв сюжет. В известната уиндзорска рисунка на сангвиника „Гръмотевична буря“ на Леонардо е предадено това, което се разкрива пред погледа му от някакъв планински връх. Серия от рисунки на Уиндзор на тема Потопа е доказателство за едно наистина блестящо прозрение на художника-мислител. Художникът създава знаци, които нямат отговор, но предизвикват чувство на удивление, примесено с ужас. Рисунките са създадени от великия майстор в някакъв пророчески делириум. Всичко е казано в тях на мрачния език на виденията на Йоан.

Вътрешният раздор на Леонардо в залеза му се усеща в две от творбите му: „Йоан Кръстител“ от Лувъра и автопортретът от Торино. В късния торински автопортрет художникът, достигнал дълбока старост, се оглежда в огледалото с отворен поглед иззад смръщените си вежди – той вижда в лицето му чертите на отпадналост, но вижда и мъдрост, знак за „есента на живота“.