Картини на съвременни японски художници. Обитател на психиатрична болница от Япония е най-скъпият жив артист

Изкуство и дизайн

2904

01.02.18 09:02

Днешната арт сценаЯпония е много разнообразна и провокативна: гледайки творбите на майстори от Страната на изгряващото слънце, ще решите, че сте пристигнали на друга планета! Тук живеят иноваторите, които промениха „пейзажа“ на индустрията в в световен мащаб. Ето списък с 10 съвременни японски художници и техните творения, от невероятните създания на Такаши Мураками (който днес празнува рождения си ден) до цветната вселена на Кусама.

От футуристични светове до пунктирани съзвездия: съвременни японски художници

Такаши Мураками: традиционалист и класик

Да започнем с героя на повода! Такаши Мураками е един от най-емблематичните съвременни художници на Япония, работещ върху картини, мащабни скулптури и модни облекла. Стилът на Мураками е повлиян от манга и аниме. Той е основател на движението Superflat, което подкрепя японските художествени традиции и следвоенната култура на страната. Мураками популяризира много от колегите си съвременници и ние също ще се срещнем с някои от тях днес. „Субкултурните“ творби на Такаши Мураками са представени на арт пазарите на модата и изкуството. Неговият провокативен My Lonesome Cowboy (1998) беше продаден в Ню Йорк на Sotheby's през 2008 г. за рекордните 15,2 милиона долара. Мураками си сътрудничи със света известни маркиМарк Джейкъбс, Луи Вюитон и Иси Мияке.

Тихо Ашима и нейната сюрреалистична вселена

Член на арт продуцентската компания Kaikai Kiki и движението Superflat (и двете основани от Такаши Мураками), Чичо Ашима е известна със своите фантастични градски пейзажи и странни поп същества. Художникът създава сюрреалистични сънища, обитавани от демони, призраци, млади красавици, изобразени на фона на необичайна природа. Творбите й обикновено са мащабни и отпечатани на хартия, кожа и пластмаса. През 2006 г. този съвременен японски художник участва в Art on the Underground в Лондон. Тя създава 17 последователни арки за платформата - магическият пейзаж постепенно се превръща от дневен в нощен, от градски в селски. Това чудо цъфна на метростанция Gloucester Road.

Чихару Шима и безкрайните нишки

Друг художник, Чихару Шиота, работи върху мащабни визуални инсталации за конкретни забележителности. Родена е в Осака, но сега живее в Германия – в Берлин. Централни теми в нейното творчество са забравата и паметта, мечтите и реалността, миналото и настоящето, а също и конфронтацията на тревожността. Най-много известни произведения Chiharu Shiota - непроницаеми мрежи от черни нишки, покриващи много домашни и лични предмети - като стари столове, булчинска рокля, изгоряло пиано. През лятото на 2014 г. Шиота завърза подарени обувки и ботуши (които бяха повече от 300) с нишки червена прежда и ги окачи на куки. Първата изложба на Чихару в германската столица се проведе по време на Берлинската седмица на изкуствата през 2016 г. и предизвика сензация.

Хей Аракава: навсякъде, никъде

Хей Аракава е вдъхновен от състояния на промяна, периоди на нестабилност, елементи на риск и неговите инсталации често символизират теми за приятелство и работа в екип. Кредото на съвременния японски художник се определя от перформативното, неопределено „навсякъде, но никъде“. Творенията му изскачат на неочаквани места. През 2013 г. творбите на Аракава бяха изложени на Венецианското биенале и в изложбата на Япония съвременно изкуствов Музея на изкуствата Мори (Токио). Инсталацията Hawaiian Presence (2014) беше съвместен проектс нюйоркската художничка Кариса Родригес и участва в биеналето на Уитни. Също през 2014 г. Аракава и неговият брат Тому, изпълнявайки дуо, наречено United Brothers, предложиха на посетителите на Frieze London своята „работа“ „The This Soup Taste Ambivalent“ с „радиоактивни“ кореноплодни зеленчуци от Фукушима дайкон.

Коки Танака: Връзки и повторения

През 2015 г. Коки Танака беше признат за „Артист на годината“. Танака изследва споделения опит на творчеството и въображението, насърчава обмена между участниците в проекта и се застъпва за нови правила за сътрудничество. Инсталацията му в японския павилион на Венецианското биенале през 2013 г. се състоеше от видеоклипове на обекти, които превърнаха пространството в платформа за артистичен обмен. Инсталациите на Коки Танака (да не се бърка с неговия пълен съименник актьор) илюстрират връзката между обекти и действия, например видеото съдържа записи на прости жестове, изпълнявани с обикновени предмети (нож, който реже зеленчуци, бира, която се налива в чаша , отваряне на чадър). Нищо съществено не се случва, освен натрапчиво повтаряне и внимание до най-малките детайлинакарайте зрителя да оцени светското.

Mariko Mori и рационализирани форми

Друг съвременен японски художник, Марико Мори, „създава” мултимедийни обекти, съчетавайки видео, снимки и предмети. Тя се характеризира с минималистична футуристична визия и елегантни сюрреалистични форми. Повтаряща се тема в работата на Мори е съпоставянето на западната легенда с Западна култура. През 2010 г. Марико основава Фондация Фау, образователна културна организация с нестопанска цел, за която създава серия от арт инсталации в чест на шестте населени континента. Съвсем наскоро постоянната инсталация на Фондацията „Пръстен: Едно с природата“ беше издигната над живописен водопад в Резенде близо до Рио де Жанейро.

Ryoji Ikeda: синтез на звук и видео

Ryoji Ikeda е нов медиен артист и композитор, чиято работа основно се занимава със звук в различни „сурови“ състояния, от синусоиди до шум, използвайки честоти на ръба на човешкия слух. Неговите завладяващи инсталации включват компютърно генерирани звуци, които се трансформират визуално във видео прожекции или цифрови модели. Аудиовизуалното изкуство на Икеда използва мащаб, светлина, сянка, обем, електронни звуци и ритъм. Известното тестово съоръжение на художника се състои от пет проектора, които осветяват площ с дължина 28 метра и ширина 8 метра. Настройката преобразува данни (текст, звуци, снимки и филми) в баркодове и двоични модели на единици и нули.

Тацуо Мияджима и LED броячи

Съвременният японски скулптор и инсталационен художник Tatsuo Miyajima използва в своето изкуство електрически схеми, видео, компютри и други джаджи. Основните концепции на Miyajima са вдъхновени от хуманистични идеии будистки учения. Светодиодните броячи в неговите инсталации мигат непрекъснато в повторение от 1 до 9, символизирайки пътуването от живота към смъртта, но избягвайки окончателността, която е представена от 0 (нулата никога не се появява в работата на Тацуо). Вездесъщите числа в мрежи, кули и диаграми изразяват интереса на Мияджима към идеите за непрекъснатост, вечност, връзка и потока на времето и пространството. Наскоро "Стрелата на времето" на Мияджима беше показана на встъпителната изложба "Незавършени мисли, видими в Ню Йорк".

Нара Йошимото и злите деца

Нара Йошимото създава картини, скулптури и рисунки на деца и кучета – теми, които отразяват детските чувства на скука и разочарование и яростната независимост, която е естествена за малките деца. Естетиката на работата на Йошимото напомня на традиционната книжни илюстрации, е смесица от неспокойно напрежение и любовта на изпълнителя към пънк рока. През 2011 г. първият лична изложбаЙошимото, озаглавена "Йошитомо Нара: Никой не е глупак", обхващаща 20-годишната кариера на съвременния японски художник. Експонатите бяха тясно свързани със световните младежки субкултури, тяхното отчуждение и протест.

Яйои Кусама и пространството, прерастващо в странни форми

невероятно творческа биографияЯйой на Кусама обхваща седем десетилетия. През това време невероятната японка успява да учи в областта на живописта, графиката, колажа, скулптурата, киното, гравирането, екологичното изкуство, инсталацията, както и литературата, модата и дизайна на облекло. Кусама разработи много отличителен стил на изкуство на точки, който се превърна в нейна запазена марка. Илюзорни видения, представени в творбите на 88-годишния Кусама (когато светът изглежда покрит с разпръснати необичайни форми), е резултат от халюцинации, които е изпитвала от детството си. Стаите с цветни точки и „безкрайни“ огледала, отразяващи техните групи, са разпознаваеми и не могат да бъдат объркани с нищо друго.

Яйои Кусама едва ли ще може да отговори какво е в основата на нейната кариера като художник. Тя е на 87 години, изкуството й е признато в цял свят. Скоро ще има големи изложби на нейни творби в САЩ и Япония, но тя все още не е разказала на света всичко. „Все още е на път. Ще създам това в бъдеще“, казва Кусама. Наричат ​​я най-успешният художник в Япония. Освен това тя е най-скъпият жив художник: през 2014 г. нейната картина „Бяло № 28“ беше продадена за 7,1 милиона долара.

Кусама живее в Токио и е доброволец от почти четиридесет години. психиатрична болница. Веднъж на ден тя оставя стените му да боядиса. Тя става в три часа сутринта, не може да заспи и иска да прекарва времето си продуктивно на работа. „Вече съм стар, но все още ще създавам още творби и най-добрите работи. Повече, отколкото съм правил в миналото. Умът ми е пълен с картини“, казва тя.

(Общо 17 снимки)

Яйои Кусама на изложба на негови творби в Лондон през 1985 г. Снимка: NILS JORGENSEN/REX/Shutterstock

От девет до шест Кусама работи в триетажното си студио, без да става инвалидна количка. Тя може да ходи, но е твърде слаба. Жена работи върху платно, поставено върху маси или фиксирано към пода. Студиото е пълно с нови картини, ярки творби, изпъстрени с малки петна. Художничката нарича това "самозаглушаване" - безкрайно повторение, което заглушава шума в нейната глава.

Преди наградите за изкуство Praemium Imperiale през 2006 г. в Токио. Снимка: Sutton-Hibbert/REX/Shutterstock

Отсреща ще отвори скоро нова галерия, а друг музей на нейното изкуство се строи северно от Токио. Освен това се откриват две големи изложби на нейно творчество. „Yayoi Kusama: Infinity Mirrors“, ретроспекция на нейната 65-годишна кариера, беше открита в музея Hirshhorn във Вашингтон на 23 февруари и продължава до 14 май, преди да отпътува за Сиатъл, Лос Анджелис, Торонто и Кливланд. Експозицията включва 60 картини на Кусама.

Нейните полка точки покриват всичко - от рокли на Louis Vuitton до автобуси в нея роден град. Творбите на Кусама редовно се продават за милиони долари и могат да бъдат намерени по целия свят, от Ню Йорк до Амстердам. Изложбите на творбите на японския художник са толкова популярни, че са необходими мерки за предотвратяване на тълпи и безредици. Например в Hirshhorn билетите за изложбата се продават за определено време, за да се регулира по някакъв начин потокът от посетители.

Представяне на съвместния дизайн на Louis Vuitton и Yayoi Kusama в Ню Йорк през 2012 г. Снимка: агенция Били Фарел/REX/Shutterstock

Но Кусама все още се нуждае от външно одобрение. На въпрос в интервю дали е постигнала целта си да стане богата и известна преди десетилетия, тя каза изненадано: „Когато бях малка, ми беше много трудно да убедя майка си, че искам да стана художник. Вярно ли е, че съм богат и известен?

Кусама е роден в Мацумото, в планините на централна Япония, през 1929 г. в богато и консервативно семейство, което продава разсад. Но това не беше щастлив дом. Майка й презираше измамения й съпруг и изпрати малката Кусама да го шпионира. Момичето вижда баща си с други жени и това й създава отвращение към секса за цял живот.

Витрина на бутик Louis Vuitton, проектирана от Кусама през 2012 г. Снимка: Джо Шилдхорн/BFA/REX/Shutterstock

Като дете тя започва да изпитва зрителни и слухови халюцинации. Първият път, когато видя тиквата, тя си представи, че й говори. Бъдещата художничка се справяше с виденията, създавайки повтарящи се шарки, за да заглуши мислите в главата си. Още на толкова млада възраст изкуството се превръща в своеобразна терапия за нея, която тя по-късно ще нарече „арт медицина“.

Творба на Yayoi Kusama, изложена в музея за съвременно изкуство Whitney през 2012 г. Снимка: агенция Били Фарел/REX/Shutterstock

Майката на Кусама беше категорично против желанието на дъщеря си да стане художник и настояваше момичето да следва традиционния път. „Тя не ми позволи да рисувам. Тя искаше да се оженя“, каза художникът в интервю. - Тя изхвърли работата ми. Исках да се хвърля под влак. Всеки ден се карах с майка ми и затова умът ми беше повреден.”

През 1948 г., след края на войната, Кусама отива в Киото, за да изучава традиционната японска живопис нихонга със строги правила. Тя мразеше този вид изкуство.

Един от експонатите от изложбата Yayoi Kusama в Музея за съвременно изкуство Whitney през 2012 г. Снимка: агенция Били Фарел/REX/Shutterstock

Когато Кусама живееше в Мацумото, тя намери книга на Джорджия О'Кийф и беше изумена от картините в нея. Момичето отиде в американското посолство в Токио, за да намери статия за О’Кийф в указателя там и да разбере адреса й. Кусама й написа писмо и й изпрати няколко рисунки и за нейна изненада, американски художникотговори й.

„Не можех да повярвам на късмета си! Тя беше толкова мила, че отговори на внезапния изблик на чувства от скромния Японски момичета, когото никога не е срещала през живота си и дори не е чувала за него“, пише художничката в автобиографията си „Infinity Net“.

Yayoi Kusama във витрината на нейния бутик Louis Vuitton в Ню Йорк през 2012 г. Снимка: Нилс Йоргенсен/REX/Shutterstock

Въпреки предупрежденията на О'Кийф, че животът е много труден за младите артисти в Съединените щати, да не говорим за самотните млади момичета в Япония, Кусама беше неудържим. През 1957 г. тя успява да получи паспорт и виза. Тя пришиваше долари в роклите си, за да заобиколи строгия следвоенен валутен контрол.

Първата спирка беше Сиатъл, където тя направи изложба в малка галерия. Тогава Кусама отиде в Ню Йорк, където беше горчиво разочарована. „За разлика от следвоенния Мацумото, Ню Йорк във всеки смисъл беше зло и изпълнено с насилие място. Оказа се твърде стресиращо за мен и скоро затънах в невроза.” За да влоши нещата, Кусама се оказа в пълна бедност. Тя служи като легло стара врата, и тя лови рибени глави и гнили зеленчуци от кофите за боклук, за да направи супа.

Инсталация Infinity Mirror Room - Love Forever („Стая с безкрайни огледала - любов завинаги“). Снимка: Тони Кириаку/REX/Shutterstock

това трудна ситуациянакара Кусама да се потопи още повече в работата си. Тя започва да създава първите си картини от серията Infinity Net, покривайки огромни платна (едно от тях е високо 10 метра) с хипнотизиращи вълни от малки бримки, които сякаш нямат край. Самата художничка ги описва по следния начин: „Бели мрежи, обгръщащи черните точки на тихата смърт на фона на безнадеждния мрак на нищото“.

Инсталация от Yayoi Kusama при откриването на новата сграда на Музея за съвременно изкуство „Гараж“ в Централния парк на културата и културата „Горки“ в Москва през 2015 г. Снимка: David X Prutting/BFA.com/REX/Shutterstock

Това обсесивно-компулсивно повторение помагаше да се прогони неврозата, но не винаги спасяваше. Кусама постоянно страдаше от пристъпи на психоза и се озова в болница в Ню Йорк. Бидейки амбициозна и целеустремена и с радост приела ролята на екзотична азиатка в кимоно, тя се присъедини към тълпата от влиятелни личности в изкуството и общува с такива признати творци, като Марк Ротко и Анди Уорхол. По-късно Кусама каза, че Уорхол е имитирал нейната работа.

Кусама скоро придоби известна слава и излагаше в претъпкани галерии. Освен това славата на художника стана скандална.

През 60-те години на миналия век, докато Кусама беше обсебена от полка точките, тя започна да организира хепънинги в Ню Йорк, насърчавайки хората да се събличат голи на места като Сентръл парк и Бруклинския мост и рисуваха телата си с полка точки.

Предварителна изложба в Art Basel в Хонг Конг през 2013 г. Снимка: Били Фарел/BFA/REX/Shutterstock

Десетилетия преди движението "Окупирай Уолстрийт", Кусама организира хепънинг във финансовия район на Ню Йорк, заявявайки, че иска да "унищожи мъжете на Уолстрийт с полка точки". По това време тя започва да покрива различни предмети - стол, лодка, количка - с фалически изглеждащи издатини. „Започнах да създавам пениси, за да излекувам чувството си на отвращение към секса“, пише художникът, описвайки как това творчески процеспостепенно превръщайки ужасното в нещо познато.

Инсталация "Отминаваща зима" в галерия Тейт в Лондон. Снимка: Джеймс Гурли/REX/Shutterstock

Кусама никога не се е женила, въпреки че е имала подобна на брак връзка с художника Джоузеф Корнел в продължение на десет години, докато живее в Ню Йорк. „Не харесвах секса, а той беше импотентен, така че си паснахме много добре“, каза тя в интервю за Art Magazine.

Кусама става все по-известна със своите лудории: тя предлага да спи с американския президент Ричард Никсън, ако той сложи край на войната във Виетнам. „Нека се украсим един друг с полка точки“, пише тя в писмо до него. Интересът към нейното изкуство избледня, тя се оказа в немилост и паричните проблеми започнаха отново.

Яйои Кусама по време на ретроспекция на нейната работа в Музея за модерно изкуство Уитни в Ню Йорк през 2012 г. Снимка: Стив Айхнер/Penske Media/REX/Shutterstock

Новините за приключенията на Кусама достигат до Япония. Започнаха да я наричат ​​„национална катастрофа“, а майка й каза, че би било по-добре дъщеря й да умре от болестта в детството. В началото на 70-те години, обеднял и пропаднал, Кусама се завръща в Япония. Регистрира се в психиатрия, където живее и до днес, и потъна в артистична неизвестност.

През 1989 г. Центърът за съвременно изкуство в Ню Йорк организира ретроспекция на нейното творчество. Това беше началото, макар и бавно, на възраждане на интереса към изкуството на Кусама. Тя изпълни огледална стая с тикви за инсталация, която беше изложена на Венецианското биенале през 1993 г. и имаше голяма изложба в MoMa в Ню Йорк през 1998 г. Това е мястото, където тя веднъж организира хепънинг.

На изложбата My Eternal Soul в Националния арт център в Токио, февруари 2017 г. Снимка: Масатоши Окаучи/REX/Shutterstock

През последните няколко години Yayoi Kusama се превърна в международен феномен. Модерна галерияТейт в Лондон и музеят Уитни в Ню Йорк проведоха големи ретроспективи, които привлякоха огромни тълпи от посетители, а нейният емблематичен модел на точки стана силно разпознаваем.

На изложбата My Eternal Soul в Националния арт център в Токио, февруари 2017 г. Снимка: Масатоши Окаучи/REX/Shutterstock

Художничката няма намерение да спира да работи, но е започнала да мисли за своята смъртност. „Не знам колко дълго мога да оцелея дори след смъртта. Има бъдещо поколение, което следва моите стъпки. За мен ще бъде чест, ако хората се радват да гледат работата ми и ако бъдат трогнати от изкуството ми.”

На изложбата My Eternal Soul в Националния арт център в Токио, февруари 2017 г. Снимка: Масатоши Окаучи/REX/Shutterstock

Въпреки комерсиализацията на нейното изкуство, Кусама мисли за гроба в Мацумото, а не за него семейна крипта, тя вече го получи от родителите си - и как да не я превърнат в убежище. „Но аз още не умирам. Мисля, че ще живея още 20 години“, казва тя.

На изложбата My Eternal Soul в Националния арт център в Токио, февруари 2017 г. Снимка: Масатоши Окаучи/REX/Shutterstock

Японската класическа живопис има дълъг и интересна история. Изобразителното изкуство на Япония е представено в различни стиловеи жанрове, всеки от които е уникален по свой начин. Древни рисувани фигурки и геометрични мотиви, открити върху бронзови камбани дотаку и керамични парчета, датират от 300 г. сл. Хр.

Будистка ориентация на изкуството

Изкуството на стенната живопис е доста добре развито в Япония; през 6 век изображенията на тема будистка философия са особено популярни. По това време страната се гради големи храмове, а стените им навсякъде бяха украсени с фрески, изрисувани въз основа на сцени от будистки митове и легенди. Древни образци на стенописи все още се съхраняват в храма Horyuji близо до японски градНара. Стенописите на Хорюджи изобразяват сцени от живота на Буда и други богове. Художественият стил на тези стенописи е много близък до визуална концепция, популярен в Китай по време на династията Сун.

Стилът на рисуване на династията Тан придобива особена популярност в средата на периода Нара. Стенописите, открити в гробницата Такамацузука, датират от около 7 век сл. н. е. от този период. Художествена техника, формиран под влиянието на династията Тан, впоследствие формира основата на живописния жанр на кара-е. Този жанр запазва своята популярност до появата на първите произведения в стила Ямато-е. Повечето стенописи и живописни шедьоврипринадлежат на четките на неизвестни автори; днес много от произведенията от този период се съхраняват в съкровищницата на Сесоин.

Нарастващото влияние на новите будистки школи като Тендай повлия на по-широката религиозна ориентация изобразително изкуствоЯпония през 8-ми и 9-ти век. През 10-ти век, когато се наблюдава особен напредък в японския будизъм, се появява жанрът raigozu, „картини за добре дошли“, които изобразяват пристигането на Буда в Западния рай. Ранни образци на райгозу, датиращи от 1053 г., могат да се видят в храма Бедо-ин, който оцелява в град Уджи, префектура Киото.

Смяна на стилове

В средата на периода Хейан заменен китайски стилкара-е идва жанрът Ямато-е, който за дълго време се превръща в един от най-популярните и търсени жанрове Японска живопис. Новият изобразителен стил се използва главно при рисуване на сгъваеми паравани и плъзгащи се врати. С течение на времето ямато-е също се премести в хоризонтални свитъци емакимоно. Художниците, които са работили в жанра emaki, се опитаха да предадат в своите произведения цялата емоционалност на избрания сюжет. Свитъкът Genji Monogatari се състоеше от няколко епизода, нанизани заедно, като художниците от онова време използваха бързи движения с четка и ярки, изразителни цветове.

E-maki е един от най-старите и най-много изключителни примери otoko-e, образен жанр мъжки портрети. Женски портрети са подчертани в отделен жанронна-ъ-ъ. Всъщност между тези жанрове, както между мъжете и жените, се виждат доста съществени разлики. Стилът onna-e е колоритно представен в дизайна на „Приказката за Генджи“, където основните теми на рисунките са романтични истории, сцени от дворцовия живот. Мъжки стил otoko-e е преобладаващо художествен образисторически битки и други важни събитияв живота на империята.

Класическата японска художествена школа се превърна в благодатна почва за развитието и популяризирането на идеите на съвременното изкуство в Япония, в което ясно се вижда влиянието на поп културата и анимето. Един от най-известните японски художници на нашето време може да се нарече Такаши Мураками, чиято работа е посветена на изобразяването на сцени от японския живот. следвоенен периоди концепцията за максимално сливане изобразително изкуствои мейнстрийм.

От известни японски художници класическо училищеможем да назовем следното.

Напрегнат Xubun

Сюбун работи в началото на 15 век, отделяйки много време за изучаване на произведенията китайски майсториерата на династията Сонг, този човек стои в началото на японския визуален жанр. Шубун се счита за основател на стила суми-е, монохромно рисуване с мастило. Той полага много усилия за популяризиране на новия жанр, превръщайки го в една от водещите области на японската живопис. Учениците на Сюбун бяха много, които по-късно станаха известни артисти, включително Сешу и основателя на известната художествена школа Кано Масанобу. Много пейзажи са приписвани на Xubun, но най-известната му творба традиционно се счита за „Четене в бамбукова горичка“.

Огата Корин (1658-1716)

Огата Корин е един от най-големите художници в историята на японската живопис, основоположник и един от най-ярките представители на художествения стил римпа. Корин смело се отдалечи от традиционните стереотипи в творбите си, формирайки свой собствен стил, чиито основни характеристики бяха малки форми и ярък импресионизъм на сюжета. Корин е известен със специалното си умение да изобразява природата и да работи с абстрактни цветни композиции. „Сливов цвят червено и бяло” е една от най-известните творби на Огата Корин, известни са и неговите картини „Хризантеми”, „Вълните на Мацушима” и редица други.

Хасегава Тохаку (1539-1610)

Тохаку е основател на японската художествена школа Хасегава. За ранен периодТворчеството на Тохаку се характеризира с влиянието на известната школа на японската живопис Кано, но с течение на времето художникът формира своя собствена уникален стил. В много отношения работата на Тохаку е повлияна от произведенията на признатия майстор Сешу; Хосегава дори се смяташе за петия наследник на този велик майстор. Получи картината на Хасегава Тохаку „Борове“. световна слава, известни са и произведенията му “Явор”, “Борове и цъфтящи растения” и др.

Кано Ейтоку (1543-1590)

Стилът на училището Кано доминира във визуалните изкуства на Япония в продължение на около четири века, а Кано Ейтоку е може би един от най-известните и видни представителитова училище по изкуствата. Ейтоку беше облагодетелстван от властите, покровителството на аристократи и богати покровители не можеше да не допринесе за укрепването на неговата школа и популярността на неговите произведения, без съмнение много талантлив художник. Плъзгащият се параван от осем панела Cypress, рисуван от Eitoku Kano, е истински шедьовър и ярък примеробхвата и силата на стила Монояма. Не по-малко интересни изглеждат и други произведения на майстора, като „Птици и дървета от четирите сезона“, „Китайски лъвове“, „Отшелници и фея“ и много други.

Кацушика Хокусай (1760-1849)

Хокусай – най-големият майсторжанр на укийо-е (японска дърворезба). Работата на Хокусай е получила световно признание, славата му в други страни не е сравнима с популярността на повечето азиатски художници, работата му " Голяма вълнав Канагава“ се превърна в нещо като визитна картичка на японското изобразително изкуство на световната арт сцена. На себе си творчески пътХокусай използва повече от тридесет псевдоними; след шестдесет години художникът се посвещава изцяло на изкуството и това време се смята за най-плодотворния период от неговата работа. Творбите на Хокусай повлияха върху работата на западните майстори на импресионизма и постимпресионистичния период, включително работата на Реноар, Моне и ван Гог.

Което обхваща много техники и стилове. През цялата история на своето съществуване тя е претърпяла голям бройпромени. Добавени са нови традиции и жанрове, а оригиналните японски принципи са останали. Заедно с невероятна историяЯпонската живопис също е готова да представи много уникални и интересни факти.

Древна Япония

Първите стилове се появяват в най-древния исторически период на страната, дори преди новата ера. д. Тогава изкуството е било доста примитивно. Първо, през 300 г. пр.н.е. д. различни геометрични форми, които се изпълняваха върху глинени съдове с пръчки. Такова откритие на археолозите като украса върху бронзови камбани датира от по-късно време.

Малко по-късно, вече през 300 г. сл. Хр. д. се появяват скални рисунки, които са много по-разнообразни от геометричните модели. Това вече са пълноценни изображения с изображения. Те са намерени в крипти и вероятно хората, които са изрисувани върху тях, са били погребани в тези гробища.

През 7 век от н.е д. Япония възприема писмеността, която идва от Китай. Горе-долу по същото време оттам идват първите картини. Тогава живописта се появява като отделна сфера на изкуството.

Едо

Едо далеч не е първата и не е последната картина, но донесе много нови неща в културата. Първо, това е яркостта и колоритността, които бяха добавени към обичайната техника, изпълнена в черно и сиви тонове. Повечето изключителен художникТози стил се счита за сотасу. Той създаде класически картини, но героите му бяха много колоритни. По-късно той преминава към природата и повечето от неговите пейзажи са рисувани на позлатен фон.

Второ, през периода Едо се появява екзотиката, жанрът намбан. Използва модерни европейски и китайски техники, които се преплитат с традиционни японски стилове.

И на трето място се появява школата Нанга. В него художниците първо напълно имитират или дори копират произведенията на китайски майстори. След това се появява нов клон, който се нарича bunjing.

Период на модернизация

Периодът Едо отстъпва място на Мейджи и сега японската живопис е принудена да го направи нов етапразвитие. По това време жанрове като уестърн и други подобни стават популярни по света, така че модернизацията на изкуството се превръща в обичайно състояние на нещата. Но в Япония, страна, в която всички хора почитат традициите, дадено времеситуацията беше значително различна от това, което се случваше в други страни. Тук конкуренцията между европейски и местни техници е ожесточена.

Правителството на този етап дава предимство на младите творци, които се подчиняват големи надеждиза подобряване на уменията в западните стилове. Затова ги изпращат в училища в Европа и Америка.

Но това беше само в началото на периода. Въпросът е, че известни критицидоста критикуван западно изкуство. За да избегнете голям шум по този въпрос, европейски стиловеи техниките започват да се забраняват на изложби, показването им спира, както и популярността им.

Появата на европейски стилове

Следва периодът Тайшо. По това време млади художници, които заминаваха да учат в чужди училища, да се върнат в родината си. Естествено, те носят със себе си нови стилове на японската живопис, които много приличат на европейските. Появяват се импресионизъм и постимпресионизъм.

На този етап се формират множество школи, в които антич Японски стилове. Но е невъзможно напълно да се освободим от западните тенденции. Затова се налага да комбинираме няколко техники, за да зарадваме както любителите на класиката, така и почитателите на модерната европейска живопис.

Някои училища се финансират от държавата, благодарение на което е възможно да се запазят много от националните традиции. Частните собственици са принудени да следват примера на потребителите, които искат нещо ново; те са уморени от класиката.

Живопис от Втората световна война

След настъпването на войната японската живопис известно време остава настрана от събитията. Развива се отделно и самостоятелно. Но това не можеше да продължава вечно.

С течение на времето, когато политическата ситуация в страната се влошава, високите и уважавани фигури привличат много артисти. Някои от тях започват да творят в патриотичен стил още в началото на войната. Останалите започват този процес само по заповед на властите.

Съответно японското изобразително изкуство не може да се развие особено по време на Втората световна война. Следователно, за боядисване може да се нарече застоял.

Вечната суибокуга

Японската сума-е живопис или суибокуга буквално означава „рисуване с мастило“. Това определя стила и техниката на този чл. Дойде от Китай, но японците решиха да го нарекат свои. И първоначално техниката нямаше никаква естетическа страна. Използван е от монасите за самоусъвършенстване, докато изучават дзен. Нещо повече, те първо рисуваха картинки и впоследствие тренираха концентрацията си, докато ги гледаха. Монасите вярвали, че строгите линии, размазаните тонове и сенките - всичко, което се нарича монохромно - помагат за подобряване.

Японска живопис с туш въпреки голямо разнообразиеживопис и техники не е толкова сложно, колкото може да изглежда на пръв поглед. Базира се само на 4 сюжета:

1. Хризантема.
2. Орхидея.
3. Сливов клон.
4. Бамбук.

Малкият брой сюжети не прави овладяването на техниката бързо. Някои майстори вярват, че ученето продължава цял живот.

Въпреки факта, че суми-е се появи отдавна, той винаги е в търсенето. Освен това днес можете да срещнете майстори от тази школа не само в Япония, тя е широко разпространена далеч извън нейните граници.

Модерен период

След края на Втората световна война изкуството в Япония процъфтява само през големи градове, селяни и селянистига грижи. В по-голямата си част художниците се опитаха да се отвърнат от загубите от военното време и да изобразят съвременния живот върху платно. градски животс всичките му украшения и характеристики. Европейските и американските идеи бяха успешно възприети, но това състояние на нещата не продължи дълго. Много майстори започнаха постепенно да се отдалечават от тях към японските училища.

Винаги остава модерен. Следователно съвременната японска живопис може да се различава само по техниката на изпълнение или материалите, използвани в процеса. Но повечето художници не възприемат добре различните иновации.

Невъзможно е да не споменем модата модерни субкултури, като аниме и подобни стилове. Много художници се опитват да размият границата между класиката и това, което се търси днес. В по-голямата си част това състояние на нещата се дължи на търговията. Класиката и традиционните жанрове практически не се купуват, следователно е неизгодно да работите като художник в любимия си жанр, трябва да се адаптирате към модата.

Заключение

Несъмнено японската живопис е съкровищница на изобразителното изкуство. Може би въпросната държава беше единствената, която не последва западните тенденции и не се адаптира към модата. Въпреки многото удари по време на появата на нови техники, японските художници все още успяха да защитят националните традиции в много жанрове. Вероятно затова картините, направени в класически стил, са високо ценени на изложбите днес.