Картини на деца от японски художници. Mariko Mori и рационализирани форми

Японската живопис е абсолютно уникално движение в световното изкуство. Съществува от древни времена, но като традиция не е загубила своята популярност и способност да изненадва.

Внимание към традициите

Изтокът не е само пейзажи, планини и изгряващо слънце. Това са и хората, създали историята му. Това са хората, които поддържат традицията жива Японска живописв продължение на много векове, развивайки и усъвършенствайки своето изкуство. Тези, които имат значителен принос в историята Японски художници. Благодарение на тях съвременните са запазили всички канони на традиционната японска живопис.

Начин на изпълнение на картините

За разлика от Европа, японските художници предпочитат да рисуват по-близо до графиката, отколкото до живописта. В такива картини няма да намерите грубите, небрежни маслени удари, които са толкова характерни за импресионистите. Каква е графичната природа на такова изкуство като японски дървета, скали, животни и птици - всичко в тези картини е нарисувано възможно най-ясно, с плътни и уверени мастилени линии. Всички обекти в композицията трябва да имат контур. Запълването вътре в контура обикновено се извършва с акварел. Цветът се измива, добавят се други нюанси, някъде остава цветът на хартията. Декоративността е това, което отличава японската живопис от изкуството на целия свят.

Контрасти в живописта

Контрастът е друга характерна техника, използвана от японските художници. Това може да е разлика в тона, цвета или контраста на топли и студени нюанси.

Художникът прибягва до тази техника, когато иска да подчертае някакъв елемент от обекта. Това може да е вена на растение, отделно венчелистче или ствол на дърво срещу небето. След това се изобразява светлата, осветена част от обекта и сянката под него (или обратното).

Преходи и цветови решения

При рисуването на японски картини често се използват преходи. Те могат да бъдат различни: например от един цвят в друг. На венчелистчетата на водните лилии и божурите можете да забележите прехода от светъл нюансдо богат, ярък цвят.

Преходите се използват и в изображението на водната повърхност и небето. Плавният преход от залез към тъмен, задълбочаващ се здрач изглежда много красив. При рисуване на облаци се използват и преходи от различни нюанси и рефлекси.

Основни мотиви на японската живопис

В изкуството всичко е взаимосвързано с реалния живот, с чувствата и емоциите на участващите в него. Както в литературата, музиката и други прояви на творчество, в живописта има няколко вечни теми. това исторически предмети, изображения на хора и природа.

Японските пейзажи се предлагат в много разновидности. Често в картините има изображения на езера - любима мебел за японците. Декоративно езерце, няколко водни лилии и бамбук наблизо - така изглежда обикновена картина 17-18 век.

Животните в японската живопис

Животните също са често повтарящ се елемент в азиатската живопис. Традиционно това е приклекнал тигър или домашна котка. Като цяло азиатците са много любители и затова техните представители се срещат във всички форми на ориенталското изкуство.

Светът на фауната е друга тема, която следва японската живопис. Птици - жерави, декоративни папагали, луксозни пауни, лястовици, незабележими врабчета и дори петли - всички те се срещат в рисунките на ориенталски майстори.

Риби е също толкова актуална тема за японските художници. Кои шаранът е японската версия на златната рибка. Тези същества живеят в Азия във всички езера, дори в малки паркове и градини. Кои шаранът е вид традиция, която принадлежи специално на Япония. Тези риби символизират борба, решителност и постигане на вашата цел. Не напразно те са изобразени плаващи по течението, винаги с декоративни гребени на вълните.

Японски картини: изобразяване на хора

Хората в японската живопис са специална тема. Художниците изобразяват гейши, императори, воини и старейшини.

Гейшите са изобразени заобиколени от цветя, винаги облечени в сложни роби с много гънки и елементи.

Мъдреците са изобразявани седнали или обясняващи нещо на своите ученици. Образът на стария учен е символ на историята, културата и философията на Азия.

Воинът е представян като страшен, понякога ужасяващ. Дългите бяха подробно нарисувани и приличаха на тел.

Обикновено всички детайли на бронята се изясняват с мастило. Често голи воини са украсени с татуировки, изобразяващи източен дракон. Това е символ на сила и военна мощЯпония.

Изобразявани са владетели за императорски семейства. Красиви халати, декорациите в косите на мъжете са това, с което изобилстват подобни произведения на изкуството.

Пейзажи

Традиционен японски пейзаж - планини. Азиатските художници са успели да изобразят различни пейзажи: те могат да изобразят един и същ връх в различни цветове, с различна атмосфера. Единственото, което остава непроменено, е задължителното присъствие на цветя. Обикновено, заедно с планините, художникът изобразява някакво растение на преден план и го рисува в детайли. Планините и черешов цвят. И ако рисуват падащи листенца, картината предизвиква възхищение от тъжната си красота. Контрастът в атмосферата на картината е друго прекрасно качество на японската култура.

йероглифи

Често композицията на картина в японската живопис се комбинира с писане. Йероглифите са подредени така, че композиционно да изглеждат красиво. Те обикновено се рисуват отляво или отдясно на картината. Йероглифите могат да представят това, което е изобразено на картината, нейното заглавие или името на художника.

Япония е една от най-богатите на история и култура страни. В целия свят японците обикновено се смятат за педантични хора, които намират естетика в абсолютно всички прояви на живота. Следователно японските картини винаги са много хармонични по цвят и тон: ако има пръски от някакъв ярък цвят, то е само в семантичните центрове. Използвайки картини на азиатски художници като пример, можете да изучавате теория на цветовете, правилно представяне на формата с помощта на графики и композиция. Техника на изпълнение Японски картинитолкова високо, че може да служи като пример за работа с акварел и извършване на „измиване” на графични произведения.

Всяка държава има своите герои съвременно изкуство, чиито имена са известни, чиито изложби привличат тълпи от почитатели и любопитни, а творбите им се продават в частни колекции.

В тази статия ще ви запознаем с най-популярните съвременни художнициЯпония.

Кейко Танабе

Родена в Киото, Кейко печели много победи като дете. арт състезания, Но висше образованиеВ областта на изкуството изобщо не го разбрах. Работила е в отдела за международни отношения на японска общинска търговска организация в Токио, голяма адвокатска кантора в Сан Франциско и частна консултантска фирма в Сан Диего и е пътувала много. От 2003 г. тя напуска работата си и след като изучава основите на акварелната живопис в Сан Диего, се посвещава изключително на изкуството.

Икенага Ясунари

Японският художник Икенага Ясунари рисува портрети модерни женив древни Японска традициярисуване с четка Menso, минерални пигменти, сажди, мастило и лен като основа. Героите му са жени от нашето време, но благодарение на стила на Нихонга, имате усещането, че са дошли при нас от незапомнени времена.

Абе Тошиюки

Абе Тошиюки е художник реалист, който е овладял акварелна техника. Абе може да се нарече художник-философ: той принципно не рисува известни забележителности, предпочита субективни композиции, отразявайки вътрешни състояниячовекът, който ги гледа.

Хироко Сакай

Кариерата на художника Hiroko Sakai започва в началото на 90-те години в град Фукуока. След като завършва университета Seinan Gakuin и френското училище за интериорен дизайн Nihon по дизайн и визуализация, тя основава Atelier Yume-Tsumugi Ltd. и успешно управлява това студио в продължение на 5 години. Много от нейните творби украсяват болнични фоайета и офиси. големи корпорациии някои общински сгради в Япония. След като се мести в Съединените щати, Хироко започва да рисува с маслени бои.

Риусуке Фукахори

Триизмерните творби на Риусуки Фукахори приличат на холограми. Те са готови акрилна боя, нанесен на няколко слоя, и прозрачна смоляна течност - всичко това, без да изключва традиционните методи като рисуване на сенки, омекотяване на ръбове, контролиране на прозрачността, позволява на Riusuki да създава скулптурна живописи придава на произведението дълбочина и реализъм.

Нацуки Отани

Нацуки Отани е талантлив японски илюстратор, който живее и работи в Англия.

Макото Мурамацу

Макото Мурамацу избра печеливша тема за основа на своето творчество - той рисува котки. Картините му са популярни по целия свят, особено под формата на пъзели.

Тецуя Мишима

Повечето от картините са модерни японски художникМишима се прави в масло. Тя се занимава професионално с рисуване от 90-те години и има няколко лични изложбиИ голям бройколективни изложби, както японски, така и чуждестранни.

Хокусай, японски художник от 18-ти век, създава главозамайващо число произведение на изкуството. Хокусай работи до дълбока старост, неизменно заявявайки, че „всичко, което е направил преди 70-годишна възраст, не си струва и не заслужава внимание“.

Може би най-известният японски художник в света, той винаги се е отличавал от своите колеги съвременници с интереса си към ежедневието. Вместо да изобразява бляскави гейши и героични самураи, Хокусай рисува работници, рибари и градски жанрови сцени, които все още не са били обект на интерес Японско изкуство. Той също възприема европейски подход към композицията.

Ето кратък списък от ключови термини, които да ви помогнат малко да се ориентирате в работата на Хокусай.

1 Ukiyo-e са щампи и картини, популярни в Япония от 1600-те до 1800-те години. Движение в японското изобразително изкуство, развило се от периода Едо. Този термин идва от думата "ukyo", което означава "променлив свят". Uikiye е намек за хедонистичните радости на процъфтяващата търговска класа. В тази посока Хокусай е най-известният художник.

Хокусай използва най-малко тридесет псевдонима през целия си живот. Въпреки факта, че използването на псевдоними е обичайна практика сред японските художници от онова време, той значително надхвърля други големи автори в броя на псевдонимите. Псевдонимите на Хокусай често се използват за периодизиране на етапите от работата му.

2 Периодът Едо е времето между 1603 и 1868 г Японска история, тогава се отбелязва икономически растеж и нов интерес към изкуството и културата.

3 Shunrō е първият от псевдонимите на Хокусай.

4 Шунга буквално означава „картина на пролетта“, а „пролет“ е японски жаргон за секс. Следователно това са гравюри с еротичен характер. Те са създадени от най-уважаваните художници, включително Хокусай.

5 суримоно. Последните „суримоно“, както бяха наречени тези персонализирани щампи, имаха огромен успех. За разлика от отпечатъците на укийо-е, които са предназначени за масова публика, суримоно рядко се продават на широката публика.

6 Планината Фуджи е симетрична планина, която се оказва най-високата в Япония. През годините тя е вдъхновявала много художници и поети, включително Хокусай, който публикува поредицата укийо-е Тридесет и шест изгледа към планината Фуджи. Тази серия включва най-известните отпечатъци на Хокусай.

7 Японизмът е трайното влияние, което Хокусай оказва върху следващите поколения западни художници. Japonisme е стил, вдъхновен от живите цветове на щампи ukiyo-e, липса на перспектива и композиционно експериментиране.

Монохромната живопис на Япония е едно от уникалните явления на източното изкуство. На него са посветени много работа и изследвания, но често се възприема като нещо много конвенционално, а понякога дори декоративно. Това не е така, духовният свят на японския художник е много богат и той държи не толкова на естетическия, колкото на духовния.

Изкуството на Изтока е синтез на външно и вътрешно, явно и имплицитно.

В тази публикация бих искал да обърна внимание не на историята на монохромната живопис, а на нейната същност. Ето за това ще говорим.

Това, което виждаме в монохромните картини, е резултат от взаимодействието на художника с основната триада: хартия, четка, мастило. Следователно, за да разберете правилно работата, трябва да разберете самия художник и неговото отношение.

"Пейзаж" Сешу, 1398 г

Хартияза японски майстор не е лесно импровизиран материал, която той подчинява на прищявката си, а по-скоро обратното - това е „брат“ и следователно отношението към нея се е развило съответно. Хартията е част околната природа, към който японците винаги са се отнасяли с благоговение и са се опитвали да не го подчиняват, а да съжителстват мирно с него. Хартията в миналото е дърво, което е стояло в определен район, определено време, „видя“ нещо около себе си и тя го пази всичко. Така японският художник възприема материала. Често, преди да започнат работа, занаятчиите гледаха дълго време празен лист(те го съзерцаваха) и едва тогава започнаха да рисуват. Дори сега съвременните японски художници, които практикуват техниката Nihon-ga (традиционна японска живопис), внимателно избират хартия. Купуват го по поръчка от заводите за хартия. Всеки художник има определена дебелина, пропускливост на влага и текстура (много художници дори сключват споразумение със собственика на фабриката да не продават тази хартия на други художници) - следователно всяка картина се възприема като нещо уникално и живо.

"Четене в бамбукова горичка" Xubun, 1446 г

Говорейки за значението на този материал, заслужава да се спомене следното известни паметнициЯпонска литература като „Бележки до леглото“ от Сей ​​Шонагон и „Генджи Моноготари“ от Мурасаки Шикибу: както в „Бележки“, така и в „Генджи“ можете да намерите сюжети, когато придворни или любовници обменят съобщения. Хартията, върху която бяха написани тези съобщения, беше с подходящо време на годината, сянка и начинът на писане на текста съответстваше на нейната текстура.

„Мурасаки Шикибу в светилището Ишияма“ Кьосен

Четка- вторият компонент е продължение на ръката на господаря (отново това е естествен материал). Затова четките се изработвали и по поръчка, но най-често от самия художник. Той подбра космите с необходимата дължина, избра размера на четката и най-удобната дръжка. Майсторът рисува само със собствената си четка и никаква друга. (От личен опит: присъства на майсторски клас китайски художник Jiang Shilun, публиката го помоли да покаже какво могат неговите ученици, които присъстваха на майсторския клас, и всеки от тях, вдигайки четката на майстора, каза, че резултатът няма да бъде това, което са очаквали, тъй като четката не е тяхна , не са свикнали с него и не знаят как да го използват правилно).

Скица с мастило "Фуджи" от Кацушика Хокусай

Спирала- трети важен елемент. Спирала се случва различни видове: може да даде гланцов или матов ефект след изсъхване, може и с примес на сребристи или охрени нюанси, следователно правилен изборспиралата също не е без значение.

Ямамото Байцу, края на XVIII- XIX век.

Основните теми на монохромната живопис са пейзажите. Защо няма цветове в тях?

Сдвоен екран "Борове", Хасегава Тохаку

Първо, японският художник не се интересува от самия обект, а от неговата същност, определен компонент, който е общ за всички живи същества и води до хармония между човека и природата. Следователно образът винаги е намек, той е адресиран към нашите сетива, а не към зрението. Подценяването е стимул за диалог и следователно за връзка. Линиите и петната са важни в един образ – те формират художествен език. Това не е свободата на майстора, който остави смел белег там, където искаше, но на друго място, напротив, подчертава - всичко в картината има свой собствен смисъл и смисъл и не е случайно.

Второ, цветът винаги носи някаква емоционална конотация и се възприема по различен начин различни хорав различни състояния следователно емоционалната неутралност позволява на зрителя най-адекватно да влезе в диалог, да го позиционира за възприятие, съзерцание и мислене.

Трето, това е взаимодействието на ин и ян; всяка монохромна картина е хармонична от гледна точка на съотношението на мастилото към недокоснатата част на хартията.

защо повечетоНяма ли използвано място за хартия?

"Пейзаж" Xubun, средата на 15 век.

Първо, празното пространство потапя зрителя в изображението; второ, образът се създава така, сякаш е изплувал за миг на повърхността и е на път да изчезне - това е свързано с мирогледа и мирогледа; трето, в онези области, където няма мастило, текстурата и нюансът на хартията излизат на преден план (това не винаги се вижда при репродукциите, но в действителност винаги е взаимодействието на два материала - хартия и мастило).

Сешу, 1446 г

Защо пейзаж?

„Съзерцание на водопад“ Гаями, 1478 г

Според японския мироглед природата е по-съвършена от човека, така че той трябва да се учи от нея, да я защитава по всякакъв начин, а не да я унищожава или подчинява.

Ето защо в много пейзажи можете да видите малки изображения на хора, но те винаги са незначителни, малки по отношение на самия пейзаж или изображения на колиби, които се вписват в пространството около тях и дори не винаги се забелязват - това са всички символи на мироглед.

В заключение искам да кажа, че монохромната японска живопис не е хаотично разпръснато мастило, не е прищявка на вътрешното его на художника - тя е цяла система от образи и символи, тя е хранилище на философска мисъл и най-важното, начин за общуване и хармонизиране на себе си и света около нас.

Мисля, че тук са отговорите на основните въпроси, които възникват у зрителя, когато се сблъска с монохромна японска живопис. Надявам се да ви помогнат да го разберете най-правилно и да го възприемете при среща.

японски класическа живописима дълга и интересна история. Изобразителното изкуство на Япония е представено в различни стиловеи жанрове, всеки от които е уникален по свой начин. Древни рисувани фигурки и геометрични мотиви, открити върху бронзови камбани дотаку и керамични парчета, датират от 300 г. сл. Хр.

Будистка ориентация на изкуството

Изкуството на стенната живопис е доста добре развито в Япония; през 6 век изображенията на тема будистка философия са особено популярни. По това време страната се изграждаше големи храмове, а стените им навсякъде бяха украсени с фрески, изрисувани въз основа на сцени от будистки митове и легенди. Древни образци на стенописи все още се съхраняват в храма Horyuji близо до японски градНара. Стенописите на Хорюджи изобразяват сцени от живота на Буда и други богове. Художественият стил на тези стенописи е много близък до визуална концепция, популярен в Китай по време на династията Сун.

Стилът на рисуване на династията Тан придобива особена популярност в средата на периода Нара. Стенописите, открити в гробницата Такамацузука, датират от около 7 век сл. н. е. от този период. Художествена техника, формиран под влиянието на династията Тан, впоследствие формира основата на живописния жанр на кара-е. Този жанр запазва своята популярност до появата на първите произведения в стила Ямато-е. Повечето стенописи и живописни шедьоврипринадлежат на четката неизвестни автори, днес много от произведенията от този период се съхраняват в съкровищницата на Сесоин.

Нарастващото влияние на новите будистки школи като Тендай повлия на по-широката религиозна ориентация изобразително изкуствоЯпония през 8-ми и 9-ти век. През 10-ти век, когато се наблюдава особен напредък в японския будизъм, се появява жанрът raigozu, „картини за добре дошли“, които изобразяват пристигането на Буда в Западния рай. Ранни образци на райгозу, датиращи от 1053 г., могат да се видят в храма Бедо-ин, който оцелява в град Уджи, префектура Киото.

Смяна на стилове

В средата на периода Хейан заменен китайски стил Kara-e идва от жанра Yamato-e, който за дълго време се превръща в един от най-популярните и търсени жанрове на японската живопис. Новият изобразителен стил се използва главно при рисуване на сгъваеми паравани и плъзгащи се врати. С течение на времето ямато-е също се премести в хоризонтални свитъци емакимоно. Художниците, които са работили в жанра emaki, се опитаха да предадат в своите произведения цялата емоционалност на избрания сюжет. Свитъкът Genji Monogatari се състоеше от няколко епизода, нанизани заедно, като художниците от онова време използваха бързи движения с четка и ярки, изразителни цветове.

E-maki е един от най-старите и най-много изключителни примери otoko-e, образен жанр мъжки портрети. Женски портретиподчертано в отделен жанронна-ъ-ъ. Всъщност между тези жанрове, както между мъжете и жените, се виждат доста съществени разлики. Стилът onna-e е колоритно представен в дизайна на „Приказката за Генджи“, където основните теми на рисунките са романтични истории, сцени от дворцовия живот. Мъжки стил otoko-e е преобладаващо художествен образисторически битки и други важни събитияв живота на империята.

Класическата японска художествена школа се превърна в плодородна почва за развитие и популяризиране на идеи съвременно изкуствоЯпония, в която влиянието на поп културата и анимето е доста ясно видимо. Един от най-известните японски художници на нашето време може да се нарече Такаши Мураками, чиято работа е посветена на изобразяването на сцени от японския живот. следвоенен периоди концепцията за максимално сливане изобразително изкуствои мейнстрийм.

От известни японски художници класическо училищеможем да назовем следното.

Напрегнат Xubun

Сюбун работи в началото на 15 век, отделяйки много време за изучаване на произведенията китайски майсториерата на династията Сун, този човек стои в началото на японския език визуален жанр. Шубун се счита за основател на стила суми-е, монохромно рисуване с мастило. Той полага много усилия за популяризиране на новия жанр, превръщайки го в една от водещите области на японската живопис. Учениците на Сюбун бяха много, които по-късно станаха известни артисти, включително Sesshu и основателят на известния художествено училищеКано Масанобу. Много пейзажи са приписвани на Xubun, но най-известната му творба традиционно се счита за „Четене в бамбукова горичка“.

Огата Корин (1658-1716)

Огата Корин е един от най-големите художници в историята на японската живопис, основател и един от най-ярките представители артистичен стилримпа. Корин смело се отдалечи от традиционните стереотипи в творбите си, формирайки свой собствен стил, чиито основни характеристики бяха малки форми и ярък импресионизъм на сюжета. Корин е известен със специалното си умение да изобразява природата и да работи с абстрактни цветни композиции. „Сливов цвят червен и бял” е един от най-много известни произведенияИзвестни са и Огата Корина, картините му „Хризантеми“, „Вълните на Мацушима“ и редица други.

Хасегава Тохаку (1539-1610)

Тохаку е основател на японската художествена школа Хасегава. За ранен периодТворчеството на Тохаку се характеризира с влиянието на известната школа на японската живопис Кано, но с течение на времето художникът формира своя собствена уникален стил. В много отношения работата на Тохаку е повлияна от произведенията на признатия майстор Сешу; Хосегава дори се смяташе за петия наследник на този велик майстор. Получи картината на Хасегава Тохаку „Борове“. световна слава, известни са и произведенията му “Явор”, “Борове и цъфтящи растения” и др.

Кано Ейтоку (1543-1590)

Стилът на училището Кано доминира във визуалните изкуства на Япония в продължение на около четири века, а Кано Ейтоку е може би един от най-известните и видни представителитова училище по изкуствата. Ейтоку беше облагодетелстван от властите, покровителството на аристократи и богати покровители не можеше да не допринесе за укрепването на неговата школа и популярността на неговите произведения, без съмнение много талантлив художник. Плъзгащият се параван от осем панела Cypress, рисуван от Eitoku Kano, е истински шедьовър и ярък примеробхвата и силата на стила Монояма. Не по-малко интересни изглеждат и други произведения на майстора, като „Птици и дървета от четирите сезона“, „Китайски лъвове“, „Отшелници и фея“ и много други.

Кацушика Хокусай (1760-1849)

Хокусай – най-големият майсторжанр на укийо-е (японска дърворезба). Креативността на Хокусай е получена световно признание, славата му в други страни не е сравнима с тази на повечето азиатски художници, работата му " Голяма вълнав Канагава“ стана нещо подобно визиткаЯпонското изобразително изкуство на световната арт сцена. На себе си творчески пътХокусай използва повече от тридесет псевдоними; след шестдесет години художникът се посвещава изцяло на изкуството и това време се смята за най-плодотворния период от неговата работа. Творбите на Хокусай повлияха върху работата на западните майстори на импресионизма и постимпресионистичния период, включително работата на Реноар, Моне и ван Гог.