Италиански ренесанс. Велики ренесансови художници Известни ренесансови художници
Имената на ренесансовите художници отдавна са заобиколени от всеобщо признание. Много съждения и оценки за тях са се превърнали в аксиоми. И все пак критичното отношение към тях е не само право, но и задължение на историята на изкуството. Само тогава тяхното изкуство запазва истинското си значение за потомството.
От ренесансовите майстори от средата и втората половина на 15 век е необходимо да се спрем на четирима: Пиеро дела Франческа, Мантеня, Ботичели, Леонардо да Винчи. Те са били съвременници на широко разпространеното установяване на сеньории и са се занимавали с княжески дворове, но това не означава, че тяхното изкуство е било изцяло княжеско. Те взеха от господарите каквото можеха да им дадат, платиха с таланта и усърдието си, но останаха наследници на „бащите на Ренесанса“, помнеха техните завети, увеличиха постиженията им, стремяха се да ги надминат и наистина понякога ги превъзхождаха. През годините на постепенна реакция в Италия те създават прекрасно изкуство.
Пиеро дела Франческа
Пиеро дела Франческа доскоро беше най-малко познат и признат. Правилно е отбелязано влиянието на флорентинските майстори от началото на 15 век върху Пиеро дела Франческа, както и неговото обратно влияние върху неговите съвременници и наследници, особено върху венецианската школа. Въпреки това изключителната, изключителна позиция на Пиеро дела Франческа в италианската живопис все още не е достатъчно осъзната. Предполага се, че с течение на времето признанието му само ще се увеличи.
Пиеро дела Франческа (ок. 1420-1492) италиански художник и теоретик, представител на Ранния Ренесанс
Пиеро дела Франческа притежаваше всички постижения на „новото изкуство“, създадено от флорентинците, но не остана във Флоренция, а се върна в родината си, в провинцията. Това го спаси от патрицианските вкусове. Спечелва слава с таланта си и дори папската курия му дава задачи. Но той не стана придворен художник. Той винаги оставаше верен на себе си, на своето призвание, на своята очарователна муза. От всички негови съвременници той е единственият художник, който не е познавал раздора, двойствеността или опасността да се подхлъзне по грешния път. Той никога не се стреми да се конкурира със скулптурата или да прибягва до скулптурни или графични изразни средства. Всичко е казано на неговия език на живописта.
Неговата най-голяма и най-красива творба е цикъл от стенописи на тема „Историята на кръста” в Арецо (1452-1466). Работата е извършена според волята на местния търговец Бачи. Може би духовник, изпълнител на волята на починалия, е участвал в разработването на програмата. Пиеро дела Франческа разчита на т. нар. „Златна легенда“ на Й. да Вораджине. Имал е и предшественици сред художниците. Но основната идея очевидно принадлежеше на него. В него ясно прозира мъдростта, зрелостта и поетичната чувствителност на художника.
Едва ли единственият живописен цикъл в Италия от онова време, „Историята на кръста“, има двойно значение. От една страна, тук е представено всичко, което се разказва в легендата за това как е израснало дървото, от което е направен Голготският кръст, и как по-късно се е проявила неговата чудодейна сила. Но тъй като отделните картини не са в хронологичен ред, този буквален смисъл изглежда остава на заден план. Художникът е подредил картините по такъв начин, че те дават представа за различни форми на човешки живот: за патриархалния - в сцената на смъртта на Адам и при пренасянето на кръста от Ираклий, за светския, придворния , градски - в сцените на Савската царица и в Намирането на кръста, и накрая за военните, битки - в "Победата на Константин" и в "Победата на Ираклий". По същество Пиеро дела Франческа обхваща почти всички аспекти на живота. Неговият цикъл включва: история, легенди, живот, творчество, картини от природата и портрети на съвременници. В град Арецо, в църквата Сан Франческо, политически подчинена на Флоренция, се намира най-забележителният фресков цикъл от италианския Ренесанс.
Изкуството на Пиеро дела Франческа е по-реално, отколкото идеално. В него царува разумно начало, но не и рационалност, която може да заглуши гласа на сърцето. И в това отношение Пиеро дела Франческа олицетворява най-ярките, най-плодотворните сили на Ренесанса.
Андреа Мантеня
Името на Мантеня се свързва с идеята за художник хуманист, влюбен в римските антики, въоръжен с обширни познания по антична археология. През целия си живот той служи на херцозите на Мантуа д'Есте, беше техен придворен художник, изпълняваше техните инструкции, служеше им вярно (макар че те не винаги му даваха това, което заслужаваше). Независим, отдаден на своя висок идеал за древна доблест, фанатично верен на своето желание да придаде на творбите си бижутерска прецизност. Изкуството на Мантеня е сурово, понякога жестоко и в това то се различава от изкуството на Пиеро дела Франческа и се доближава до Донатело.
Андреа Мантеня. Автопортрет в параклиса Оветари
Ранни фрески от Мантеня в църквата Еремитани в Падуа за живота на Св. Яков и неговото мъченичество са прекрасни примери за италианска стенопис. Мантеня изобщо не мислеше да създаде нещо подобно на римското изкуство (картината, която стана известна на Запад след разкопките на Херкулан). Неговата древност не е златният век на човечеството, а железният век на императорите.
Той прославя римската доблест, почти по-добре, отколкото самите римляни. Неговите герои са бронирани и статуи. Неговите скалисти планини са прецизно изсечени от длето на скулптор. Дори облаците, плаващи по небето, изглеждат като излети от метал. Сред тези вкаменелости и отливки действат калени в битки герои, смели, сурови, упорити, отдадени на чувството за дълг, справедливост и готови на саможертва. Хората се движат свободно в пространството, но когато се наредят в редица, образуват нещо като каменни релефи. Този свят на Мантеня не омагьосва окото, той смразява сърцето. Но не може да не се признае, че тя е създадена от духовния импулс на художника. И затова решаващо значение тук имаше хуманистичната ерудиция на художника, не съветите на неговите учени приятели, а мощното му въображение, неговата страст, обвързана с воля и уверено умение.
Пред нас е едно от значимите явления в историята на изкуството: великите майстори със силата на своята интуиция застават в една линия с далечните си предци и постигат това, което не са успели по-късните художници, изучаващи миналото, но неспособни да се равняват на тях.
Сандро Ботичели
Ботичели е открит от английските прерафаелити. Въпреки това, дори в началото на 20-ти век, с цялото възхищение от таланта му, те не му „простиха“ за отклонения от общоприетите правила - перспектива, светлосенки, анатомия. Впоследствие беше решено, че Ботичели се е върнал към готиката. Вулгарната социология обобщава своето обяснение за това: „феодалната реакция“ във Флоренция. Иконологичните интерпретации установяват връзките на Ботичели с кръга на флорентинските неоплатонисти, особено очевидни в неговите известни картини „Пролет“ и „Раждането на Венера“.
Автопортрет на Сандро Ботичели, фрагмент от олтарната композиция "Поклонението на маговете" (около 1475 г.)
Един от най-авторитетните интерпретатори на "Пролетта" Ботичели призна, че тази картина остава шарада, лабиринт. Във всеки случай може да се счита за установено, че при създаването му авторът е познавал стихотворението „Турнир“ на Полициано, в което се прославя Симонета Веспучи, любимата на Джулиано де Медичи, както и древни поети, по-специално началните редове за царството на Венера в поемата на Лукреций „За природата на нещата” . Очевидно той познаваше и произведенията на М. Вичино, които бяха популярни през онези години във Флоренция. Мотивите, заимствани от всички тези творби, са ясно различими в картината, придобита през 1477 г. от Л. де Медичи, братовчед на Лоренцо Великолепни. Но остава въпросът: как са се появили тези плодове на ерудицията? Няма надеждна информация за това.
Четейки съвременните научни коментари за тази картина, е трудно да се повярва, че самият художник е могъл да навлезе толкова дълбоко в митологичния сюжет, за да стигне до всякакви тънкости в интерпретацията на фигури, които дори и днес не могат да бъдат разбрани с един поглед , но в старите времена, очевидно, са били разбрани само в чашата на Медичите. По-вероятно е те да са били подсказани на художника от някой ерудит и той е успял да постигне факта, че художникът е започнал междуредово да превежда словесната последователност във визуалната. Най-възхитителното в картината на Ботичели са отделните фигури и групи, особено групата на Трите грации. Въпреки факта, че е бил възпроизвеждан безкраен брой пъти, той не е загубил своя чар и до днес. Всеки път, когато я видите, изпитвате нов пристъп на възхищение. Наистина, Ботичели успя да придаде вечна младост на своите творения. Един от учените коментатори на картината предполага, че танцът на грациите изразява идеята за хармония и раздор, за които флорентинските неоплатоници често говорят.
Ботичели притежава ненадминати илюстрации към Божествената комедия. Всеки, който е виждал неговите листове, неизменно ще ги помни, когато чете Данте. Той, като никой друг, е пропит с духа на поемата на Данте. Някои от рисунките към Данте имат характер на точен графичен индекс към поемата. Но най-красиви са тези, в които художникът измисля и композира в духа на Данте. Това са най-често срещаните сред илюстрациите на небето. Изглежда, че рисуването на рая е било най-трудното нещо за ренесансовите художници, които толкова обичат уханната земя и всичко човешко. Ботичели не се отказва от ренесансовата перспектива, пространствените впечатления в зависимост от ъгъла на гледане. Но в рая той се издига до точката на предаване на неперспективната същност на самите обекти. Фигурите му са безтегловни, сенките изчезват. Светлината прониква през тях, пространството съществува извън земните координати. Телата се вписват в кръг като символ на небесната сфера.
Леонардо да Винчи
Леонардо е един от общопризнатите гении на Ренесанса. Мнозина го смятат за първия художник от онова време, във всеки случай името му идва на първо място, когато става въпрос за забележителните хора на Ренесанса. И затова е толкова трудно да се отклоним от обичайните мнения и да разгледаме безпристрастно неговото художествено наследство.
Автопортрет, където Леонардо се представя като стар мъдрец. Рисунката се съхранява в Кралската библиотека в Торино. 1512
Дори съвременниците му се възхищават от универсалността на неговата личност. Вазари обаче вече изрази съжаление, че Леонардо обръща повече внимание на своите научни и технически изобретения, отколкото на художественото творчество. Славата на Леонардо достига своя апогей през 19 век. Неговата личност се превръща в някакъв мит, той се възприема като въплъщение на „фаустовския принцип“ на цялата европейска култура.
Леонардо беше велик учен, проницателен мислител, писател, автор на Трактата и изобретателен инженер. Неговата всеобхватност го издига над нивото на повечето художници от онова време и в същото време му поставя трудна задача - да съчетае научно-аналитичния подход със способността на художника да вижда света и директно да се отдаде на чувството. Тази задача впоследствие занимава много художници и писатели. За Леонардо той придоби характера на неразрешим проблем.
Нека забравим за малко всичко, което ни нашепва прекрасният мит за художника-учен, и нека съдим за неговата живопис така, както съдим за живописта на други майстори от неговото време. С какво работата му се отличава от тяхната? На първо място, бдителност на визията и висока артистичност на изпълнение. Те носят отпечатъка на изящно майсторство и най-фин вкус. В картината на своя учител Верокио „Кръщението“ младият Леонардо рисува един ангел толкова възвишено и възвишено, че до него красивият ангел Верокио изглежда селски и долнопробен. През годините „естетическата аристокрация“ се засилва още повече в изкуството на Леонардо. Това не означава, че в дворовете на суверените изкуството му става придворно и придворно. Във всеки случай неговите мадони никога не могат да бъдат наречени селянки.
Той принадлежеше към същото поколение като Ботичели, но говореше неодобрително, дори подигравателно за него, смятайки го за изостанал от времето. Самият Леонардо се стреми да продължи търсенето на своите предшественици в изкуството. Не се ограничава в пространството и обема, той си поставя задачата да овладее светлинно-въздушната среда, която обгръща предметите. Това означава следваща стъпка в художественото осмисляне на реалния свят и до известна степен отваря пътя за колоризма на венецианците.
Би било погрешно да се каже, че страстта му към науката пречи на художественото творчество на Леонардо. Гениалността на този човек беше толкова огромна, умението му толкова високо, че дори опитът да се „изправи до гърлото на песента му“ не можеше да убие творчеството му. Неговата дарба на художник непрекъснато пробиваше всички ограничения. Завладяващото в неговите творения е безпогрешната прецизност на погледа, яснотата на съзнанието, покорството на четката и виртуозната техника. Те ни пленяват с чара си, като мания. Всеки, който е гледал La Gioconda, си спомня колко трудно е да се откъснеш от нея. В една от залите на Лувъра, където се озовава до най-добрите шедьоври на италианската школа, тя триумфира и гордо властва над всичко, което витае около нея.
Картините на Леонардо не образуват верига, както много други художници от Ренесанса. В ранните му творби, подобно на Мадоната на Беноа, има повече топлина и спонтанност, но и в тях експериментът се усеща. „Поклонение“ в Уфици - и това е отлична основа, темпераментен, жив образ на хора, благоговейно обърнати към елегантна жена с бебе в скута. В „Мадоната от скалите“ ангелът, къдрокос младеж, който гледа от картината, е очарователен, но странната идея да пренесеш идилията в мрака на пещерата е отблъскваща. Известната „Тайната вечеря“ винаги е радвала с подходящата характеристика на героите: нежния Йоан, суровия Петър и злодейския Юда. Но фактът, че такива живи и развълнувани фигури са подредени по три в редица, от едната страна на масата, изглежда като неоправдана условност, насилие над живата природа. Въпреки това, това е великият Леонардо да Винчи и щом той е нарисувал картината по този начин, това означава, че я е възнамерявал така и тази мистерия ще остане за векове.
Наблюдението и бдителността, към които Леонардо призовава художниците в своя Трактат, не ограничават творческите му възможности. Той съзнателно се стремеше да развихри въображението си, като гледаше стените, напукани от годините, в които зрителят можеше да си представи всякакъв сюжет. В известната уиндзорска рисунка на сангвиника „Гръмотевична буря“ на Леонардо е предадено това, което се разкрива пред погледа му от някакъв планински връх. Серия от рисунки на Уиндзор на тема Потопа е доказателство за едно наистина блестящо прозрение на художника-мислител. Художникът създава знаци, които нямат отговор, но предизвикват чувство на удивление, примесено с ужас. Рисунките са създадени от великия майстор в някакъв вид пророчески делириум. Всичко е казано в тях на мрачния език на виденията на Йоан.
Вътрешният раздор на Леонардо в залеза на дните му се усеща в две от творбите му: „Йоан Кръстител“ от Лувъра и автопортретът от Торино. В късния торински автопортрет художникът, достигнал дълбока старост, се оглежда в огледалото с отворен поглед иззад смръщените си вежди – той вижда в лицето му чертите на отпадналост, но вижда и мъдрост, знак за „есента на живота“.
С класическа пълнота Ренесансът се реализира в Италия, в ренесансовата култура на която има периоди: проторенесансови или времена на предренесансови явления („ерата на Данте и Джото“, около 1260-1320), частично съвпадащи с периода на Дученто (13 век), както и Треченто (14 век), Куатроченто (15 век) и Чинкуеченто (16 век). По-общи периоди са Ранният Ренесанс (14-15 век), когато новите тенденции активно взаимодействат с готиката, преодоляват и творчески я трансформират.
Както и Високият и Късният Ренесанс, чиято специална фаза е маниеризмът. По време на епохата Куатроченто флорентинската школа, архитекти (Филипо Брунелески, Леона Батиста Алберти, Бернардо Роселино и други), скулптори (Лоренцо Гиберти, Донатело, Якопо дела Куерчиа, Антонио Роселино, Дезидерио да Сетиняно), художници (Мазачио) стават фокус на иновациите във всички видове изкуство, Филипо Липи, Андреа дел Кастаньо, Паоло Учело, Фра Анджелико, Сандро Ботичели), които създават пластично цялостна концепция за света с вътрешно единство, която постепенно се разпространява в цяла Италия (работата на Пиеро дела Франческа през Урбино, Виторе Карпачо, Франческо Коса във Ферара, Андреа Мантеня в Мантуа, Антонело да Месина и братята Джентиле и Джовани Белини във Венеция).
Естествено е, че времето, отдало централно значение на „божественото” човешко творчество, изведе в изкуството личности, които с цялото изобилие от тогавашни таланти се превърнаха в олицетворение на цели епохи от националната култура (лични „титани”, както ги наричат романтично по-късно). Джото се превръща в олицетворение на Проторенесанса; противоположните аспекти на Куатроченто - конструктивна строгост и прочувствен лиризъм - са изразени съответно от Мазачо, Анджелико и Ботичели. „Титаните“ от Средния (или „Високия“) Ренесанс Леонардо да Винчи, Рафаело и Микеланджело са художници, които са символи на големия обрат на Новото време като такова. Най-важните етапи от италианската ренесансова архитектура - ранен, среден и късен - са монументално въплътени в произведенията на Ф. Брунелески, Д. Браманте и А. Паладио.
През Ренесанса средновековната анонимност е заменена от индивидуално, авторско творчество. Теорията на линейната и въздушна перспектива, пропорциите, проблемите на анатомията и моделирането на светлината и сенките са от голямо практическо значение. Центърът на ренесансовите нововъведения, художественото „огледало на епохата“ е илюзорната натурална живопис, в религиозното изкуство тя заменя иконата, а в светското изкуство поражда самостоятелни жанрове пейзаж, битова живопис и портрет; последните изиграха първостепенна роля във визуалното утвърждаване на идеалите на хуманистичната добродетел). Изкуството на гравирането на дърво и метал, станало наистина широко разпространено по време на Реформацията, придобива окончателната си присъща стойност. Рисуването от работна скица се превръща в отделен вид творчество; индивидуалният стил на щрих, щрих, както и текстурата и ефектът на незавършеност (non-finito) започват да се оценяват като независими художествени ефекти. Монументалната живопис също става живописна, илюзорна и триизмерна, придобивайки по-голяма визуална независимост от масата на стената. Сега всички видове изобразително изкуство по един или друг начин нарушават монолитния средновековен синтез (където доминира архитектурата), придобивайки сравнителна независимост. Формират се видове абсолютно кръгли статуи, конни паметници и портретни бюстове (в много отношения възраждащи античната традиция) и се появява напълно нов тип тържествена скулптурна и архитектурна надгробна плоча.
По време на Високия Ренесанс, когато борбата за хуманистични ренесансови идеали придобива интензивен и героичен характер, архитектурата и изобразителното изкуство са белязани от широтата на социалното звучене, синтетичната обобщеност и силата на образите, изпълнени с духовна и физическа активност. В сградите на Донато Браманте, Рафаел, Антонио да Сангало перфектната хармония, монументалност и ясна пропорционалност достигат своя апогей; Хуманистична пълнота, смел полет на художественото въображение, широта на реалността са характерни за творчеството на най-големите майстори на изобразителното изкуство от тази епоха - Леонардо да Винчи, Рафаело, Микеланджело, Джорджоне, Тициан. От втората четвърт на 16 век, когато Италия навлиза във време на политическа криза и разочарование в идеите на хуманизма, работата на много майстори придобива сложен и драматичен характер. В архитектурата на Късния Ренесанс (Джакомо да Виньола, Микеланджело, Джулио Романо, Балдасаре Перуци) нараства интересът към пространственото развитие на композицията и подчиняването на сградата на широк градски план; в богато и сложно развитите обществени сгради, храмове, вили и палацо, ясната тектоника на Ранния Ренесанс отстъпи място на интензивния конфликт на тектоничните сили (строежи на Якопо Сансовино, Галеацо Алеси, Микеле Санмикели, Андреа Паладио). Живописта и скулптурата на Късния Ренесанс са обогатени от разбирането за противоречивата природа на света, интереса към изобразяването на драматични масови действия, в пространствената динамика (Паоло Веронезе, Якопо Тинторето, Якопо Басано); Психологическите характеристики на образите в по-късните произведения на Микеланджело и Тициан достигат безпрецедентна дълбочина, сложност и вътрешна трагедия.
Венецианско училище
Венецианската школа, една от основните живописни школи в Италия, с център в град Венеция (отчасти и в малките градове на Тераферма - райони на континента, съседни на Венеция). Венецианската школа се характеризира с преобладаването на изобразителния принцип, специално внимание към проблемите на цвета и желанието да се въплъти чувствената пълнота и колоритността на живота. Тясно свързана със страните от Западна Европа и Изтока, Венеция черпи от чуждата култура всичко, което може да послужи за нейната украса: елегантността и златния блясък на византийските мозайки, каменната околност на мавритански сгради, фантастичната природа на готическите храмове. В същото време тя развива свой оригинален стил в изкуството, гравитиращ към церемониалната колоритност. Венецианската школа се характеризира със светско, жизнеутвърждаващо начало, поетично възприемане на света, човека и природата и фин колоритизъм.
Венецианската школа достига своя най-голям разцвет в епохата на Ранния и Високия Ренесанс, в творчеството на Антонело да Месина, който разкрива за своите съвременници изразителните възможности на маслената живопис, създателите на идеално хармонични образи на Джовани Белини и Джорджоне, най-големият колорист Тициан, който въплъщава в своите платна жизнерадостта и колоритността, присъщи на изобилието на венецианската живопис. В произведенията на майсторите на венецианската школа от втората половина на 16 век виртуозността в предаването на многоцветния свят, любовта към празничните зрелища и разнообразната тълпа съжителстват с очевидна и скрита драма, тревожно усещане за динамика и безкрайност на Вселената (картини на Паоло Веронезе и Якопо Тинторето). През 17 век традиционният за венецианската школа интерес към проблемите на цвета в творчеството на Доменико Фети, Бернардо Строци и други художници съжителства с техниките на бароковата живопис, както и с реалистичните течения в духа на караважизма. Венецианската живопис от 18-ти век се характеризира с разцвета на монументалната и декоративна живопис (Джовани Батиста Тиеполо), битовия жанр (Джовани Батиста Пиацета, Пиетро Лонги), документално точен архитектурен пейзаж - vedata (Джован Антонио Каналето, Бернардо Белото) и лиричен, фино предаващ поетичната атмосфера на ежедневието на градския пейзаж на Венеция (Франческо Гуарди).
училище във Флоренция
Флорентийска школа, една от водещите италиански художествени школи от Ренесанса, съсредоточена в град Флоренция. Формирането на флорентинската школа, която окончателно се оформя през 15 век, е улеснена от разцвета на хуманистичната мисъл (Франческо Петрарка, Джовани Бокачо, Лико дела Мирандола и др.), Която се обръща към наследството на античността. Основател на флорентинската школа през Проторенесанса е Джото, който придава на своите композиции пластична убедителност и житейска автентичност.
През 15 век основоположници на ренесансовото изкуство във Флоренция са архитектът Филипо Брунелески, скулпторът Донатело, художникът Мазачио, последвани от архитекта Леон Батиста Алберти, скулпторите Лоренцо Гиберти, Лука дела Робия, Дезидерио да Сетиняно, Бенедето да Майано и други майстори. В архитектурата на флорентинската школа през 15 век се създава нов тип ренесансови палацо и започва търсенето на идеалния тип храмова сграда, която да отговаря на хуманистичните идеали на епохата.
Изобразителното изкуство на флорентинската школа от 15 век се характеризира с увлечение по проблемите на перспективата, желание за пластично ясно изграждане на човешката фигура (творби на Андреа дел Верокио, Паоло Учело, Андреа дел Кастаньо) и за мн. на своите майстори - особена одухотвореност и интимно лирично съзерцание (живопис на Беноцо Гоцоли, Сандро Ботичели, Фра Анджелико, Филипо Липи,). През 17 век флорентинската школа запада.
Справочните и биографични данни на „Художествената галерия „Small Bay Planet““ са изготвени въз основа на материали от „История на чуждестранното изкуство“ (под редакцията на М. Т. Кузмина, Н. Л. Малцева), „Художествена енциклопедия на чуждестранното класическо изкуство“, „Велико руско Енциклопедия“.
За начало на ренесансовата живопис се смята ерата на Дученто, т.е. края на 13 век. Проторенесанса все още е тясно свързан със средновековния романски. Готически и византийски традиции. Художници от края на XIII - началото на XIV век. все още са далеч от научното изследване на заобикалящата ни действителност. Те изразяват представите си за него, като използват и условни изображения от византийската изобразителна система - скалисти хълмове, символични дървета, условни кули. Но понякога външният вид на архитектурните структури е толкова точно възпроизведен, че това показва наличието на скици от живота. Традиционните религиозни персонажи започват да се изобразяват в свят, надарен със свойствата на реалността - обем, пространствена дълбочина, материална субстанция. Започва търсенето на методи за предаване на равнината на обема и триизмерното пространство. Майсторите от това време възраждат познатия от древността принцип на светлосенчесто моделиране на формите. Благодарение на него фигурите и сградите придобиват плътност и обем.
Очевидно първият, който използва древната перспектива, е флорентинецът Чени ди Пепо (информация от 1272 до 1302 г.), наречен Чимабуе. За съжаление най-значимото му произведение - поредица от картини на теми от Апокалипсиса, живота на Мария и апостол Петър в църквата "Сан Франческо" в Асизи е достигнало до нас в почти разрушено състояние. Неговите олтарни композиции, които се намират във Флоренция и в музея Лувър, са по-добре запазени. Те също се връщат към византийските прототипи, но ясно показват чертите на нов подход към религиозната живопис. Чимабуе се връща от италианската живопис от 13 век, възприела византийските традиции, към техния непосредствен произход. В тях той усеща това, което остава недостъпно за съвременниците му - хармоничното начало и възвишената елинска красота на образите.
Големите творци се явяват като смели новатори, които отхвърлят традиционната система. Такъв реформатор в италианската живопис от 14 век трябва да бъде признат Джото ди Бондоне(1266-1337). Той е създателят на нова изобразителна система, великият трансформатор на цялата европейска живопис, истинският основоположник на новото изкуство. Това е гений, който се издига високо над своите съвременници и много от своите последователи.
Флорентинец по произход, той работи в много градове на Италия: от Падуа и Милано на север до Неапол на юг. Най-известното от произведенията на Джото, достигнали до нас, е цикъл от картини в параклиса Арена в Падуа, посветен на евангелските истории за живота на Христос. Този уникален живописен ансамбъл е едно от знаковите произведения в историята на европейското изкуство. Вместо разединени отделни сцени и фигури, характерни за средновековната живопис, Джото създава един епичен цикъл от 38 сцени от живота на Христос и Мария („Среща на Мария и Елизабет“, „Целувката на Юда“, „Оплакване“ и др.). чрез езика на живописта се свързват в единен разказ. Вместо обичайния златист византийски фон, Джото въвежда пейзажен фон. Фигурите вече не се реят в пространството, а намират твърда почва под краката си. И въпреки че все още не са активни, те показват желание да предадат анатомията на човешкото тяло и естествеността на движението.
Реформата, извършена от Джото в живописта, направи дълбоко впечатление на всички негови съвременници. Единодушни отзиви за него като велик художник, изобилие от клиенти и меценати, почетни поръчки в много градове на Италия - всичко това подсказва, че неговите съвременници са разбирали отлично значението на неговото изкуство. Но следващите поколения подражават на Джото като плахи ученици, заимствайки подробности от него.
Влиянието на Джото придобива своята сила и плодотворност едва век по-късно. Художниците на Quattrocento изпълниха задачите, поставени от Джото.
Славата на основателя на живописта Quattrocento принадлежи на флорентинския художник Мазачио, който умира много млад (1401-1428). Той е първият, който решава основните проблеми на ренесансовата живопис - линейна и въздушна перспектива. В стенописите му в параклиса Бранкачи във флорентинската църква Санта Мария дел Кармине фигурите, изрисувани според законите на анатомията, са свързани помежду си и с пейзажа.
Църквата Санта Мария дел Кармине се превръща в своеобразна академия, в която учат поколения художници, повлияни от Мазачио: Паоло Учело, Андрей Кастаньо, Доменико Венициано и много други до Микеланджело.
Флорентинската школа остава водеща в италианското изкуство за дълго време. В него имаше и по-консервативно движение. Някои художници от това течение са били монаси, поради което в историята на изкуството са били наричани монашески. Един от най-известните сред тях беше fra (т.е. брат - обръщението на монасите един към друг) Джовани Беато Анджелико да Фиезоле(1387-1455). Неговите образи на библейски герои са написани в духа на средновековните традиции, те са изпълнени с лиризъм, спокойно достойнство и съзерцание. Пейзажният му фон е пропит с усещането за joie de vivre, характерно за Ренесанса.
Един от най-известните художници на Куатроченто - Сандро Ботичели(1445-1510) - изразител на естетическите идеали на двора на известния тиранин, политик, филантроп, поет и философ Лоренцо Медичи, наричан Великолепния. Дворът на този некоронован суверен беше център на художествената култура, обединяващ известни философи, учени и художници.
Ранният Ренесанс продължава около век. Завършва с Високия Ренесанс, който продължава само около 30 години. Рим става основен център на художествения живот по това време.
До края на XV-XVI век. се отнася до началото на дългосрочна външна намеса в Италия, разпокъсването и поробването на страната, загубата на независимост на свободните градове и засилването на феодално-католическата реакция. Но патриотичното чувство нараства сред италианския народ, насърчавайки политическата активност и растежа на националното съзнание и желанието за национално обединение. Този възход на народното съзнание създава широка народна основа за културата на Високия Ренесанс.
Краят на Чинкуеченто се свързва с 1530 г., когато италианските държави губят свободата си, превръщайки се в плячка на мощни европейски монархии. Социално-политическата и икономическата криза на Италия, която се основава не на индустриалната революция, а на международната търговия, е подготвяна дълго време. Откриването на Америка и новите търговски пътища лиши италианските градове от предимства в международната търговия. Но, както е известно, в историята на културата периодите на разцвет на изкуството не съвпадат с общото социално-икономическо развитие на обществото. И в период на икономически упадък и политическо поробване, в трудни времена за Италия, започва един краткотраен век на италианския Ренесанс - Високият Ренесанс. По това време хуманистичната култура на Италия става световно достояние и престава да бъде местен феномен. Италианските художници започват да се радват на общоевропейската популярност, която наистина заслужават.
Ако изкуството на Куатроченто е анализ, търсения, открития, свежест на младежки мироглед, то изкуството на Високия Ренесанс е резултат, синтез, мъдра зрялост. Търсенето на художествен идеал през периода Куатроченто доведе изкуството до обобщение, до откриване на общи закономерности. Основната разлика между изкуството на Високия Ренесанс е, че то изоставя подробности, детайли, детайли в името на обобщен образ. Целият опит, всички търсения на предшественици са компресирани от великите майстори на Cinquecento в грандиозно обобщение.
Реалистичният метод на художниците от Високия Ренесанс е уникален. Те са убедени, че значимото може да съществува само в красива черупка. Затова те се стремят да виждат само изключителни явления, които се извисяват над ежедневието. Италианските художници създават образи на героични личности, красиви и волеви хора.
Това е ерата на ренесансовите титани, които дават на световната култура творчеството на Леонардо, Рафаело и Микеланджело. В историята на световната култура тези трима гении, въпреки всичките си различия и творческа индивидуалност, олицетворяват основната ценност на италианския Ренесанс - хармонията на красотата, силата и интелигентността. Съдбите на тези художници (чиято мощна човешка и артистична индивидуалност ги кара да се държат като съперници и да се отнасят враждебно) имат много общо. И тримата се формират във флорентинската школа, а след това работят в дворовете на покровители на изкуствата, главно папите. Животът им е доказателство за промяната в отношението на обществото към творческата личност на художника, характерна за епохата на Възраждането. Майсторите на изкуството станаха забележими и ценни фигури в обществото; с право бяха смятани за най-образованите хора на своето време.
Тази характеристика, може би повече от други фигури от Ренесанса, подхожда Леонардо да Винчи(1452-1519). Той съчетаваше артистичен и научен гений. Леонардо беше учен, който изучаваше природата не в името на изкуството, а в името на науката. Ето защо толкова малко завършени произведения на Леонардо са достигнали до нас. Започва да рисува и ги изоставя веднага щом проблемът му изглежда ясно формулиран. Много от неговите наблюдения предвиждат развитието на европейската наука и живопис с цели векове. Съвременните научни открития подклаждат интереса към неговите научнофантастични инженерни чертежи. Теоретичните размисли на Леонардо върху цветовете, които той очерта в своя Трактат за живописта, предвиждат основните предпоставки на импресионизма от 19 век. Леонардо пише за чистотата на звука на цветовете само от светлата страна на обекта, за взаимното влияние на цветовете, за необходимостта от рисуване на открито. Тези наблюдения на Леонардо изобщо не са използвани в неговата картина. Той беше повече теоретик, отколкото практик. Едва през 20 век започва активното събиране и обработка на огромното му ръкописно наследство (около 7000 страници). Неговото изследване несъмнено ще доведе до нови открития и обяснения на мистериите на легендарното творчество на този ренесансов титан.
Нов етап в изкуството е рисуването на стената на трапезарията на манастира Санта Мария деле Грацие на тема Тайната вечеря, която е рисувана от много художници на Куатроченто. "Тайната вечеря" е крайъгълният камък на класическото изкуство; тя осъществява програмата на Високия Ренесанс. Въздейства с абсолютна обмисленост, съгласуваност на частите и цялото и силата на духовната си концентрация.
Леонардо работи върху това произведение в продължение на 16 години.
Една от най-известните картини в света е "Джоконда" на Леонардо. Този портрет на съпругата на търговеца дел Джокондо е привличал вниманието от векове, за него са написани стотици страници коментари, той е бил откраднат, подправен, копиран и са му приписвани магьоснически сили. Неуловимото изражение на лицето на Джоконда не подлежи на точно описание и възпроизвеждане. Най-малката промяна в нюансите (която може просто да зависи от осветлението на портрета) в ъглите на устните, в преходите от брадичката към бузата, променя характера на лицето. В различни репродукции Джоконда изглежда малко по-различна, понякога малко по-мека, понякога по-иронична, понякога по-замислена. Има неуловимост в самия външен вид на Мона Лиза, в нейния проницателен поглед, сякаш неотлъчно следващ зрителя, в нейната полуусмивка. Този портрет се превръща в шедьовър на ренесансовото изкуство. За първи път в историята на световното изкуство портретният жанр стои на същото ниво като композиции на религиозна тема.
Идеите на монументалното изкуство на Ренесанса намериха ярък израз в творчеството Рафаел Санти(1483-1520). Леонардо създава класическия стил, Рафаел го одобрява и популяризира. Изкуството на Рафаело често се определя като "златната среда". Композицията му превъзхожда всичко създадено в европейската живопис с абсолютната си хармония на пропорциите. В продължение на пет века изкуството на Рафаело се възприема като най-високата отправна точка в духовния живот на човечеството, като един от примерите за естетическо съвършенство. Творчеството на Рафаело се отличава с класически качества - яснота, благородна простота, хармония. В своята цялост тя е свързана с духовната култура на Възраждането.
Най-забележителните монументални произведения на Рафаел са картините на ватиканските апартаменти на папата. Многофигурни мащабни композиции покриват всички стени на три зали. Учениците на Рафаело му помагат в рисуването. Той изпълни най-добрите стенописи, като например „Атинската школа“, със собствените си ръце. Сюжетите на картината включват фрескови алегории на основните сфери на човешката духовна дейност: философия, поезия, теология и правосъдие. В картините и стенописите на Рафаело има идеално възвишено изобразяване на християнски образи, древни митове и човешка история. Той знаеше как да съчетава ценностите на земното съществуване и идеалните идеи като никой друг от ренесансовите майстори. Историческата заслуга на неговото изкуство е, че той свързва два свята в едно - християнския и езическия. От този момент нататък новият художествен идеал се установява здраво в религиозното изкуство на Западна Европа.
Яркият гений на Рафаело беше далеч от психологическата дълбочина във вътрешния свят на човека, като Леонардо, но той беше още по-чужд на трагичния мироглед на Микеланджело. В творчеството на Микеланджело се отбелязва крахът на ренесансовия стил и се появяват кълновете на нов художествен мироглед. Микеланджело Буонароти(1475-1564) живее дълъг, труден и героичен живот. Неговият гений се проявява в архитектурата, живописта, поезията, но най-ярко в скулптурата. Той възприемаше света пластично, във всички области на изкуството той е преди всичко скулптор. Човешкото тяло му се струва най-достойният предмет за изобразяване. Но това е човек от специална, мощна, героична порода. Изкуството на Микеланджело е посветено на възхвалата на човешкия борец, на неговата героична дейност и страдание. Изкуството му се характеризира с гигантомания, титанично начало. Това е изкуството на площадите, обществените сгради, а не дворцовите зали, изкуството за народа, а не за придворните аристократи.
Най-амбициозната му творба е изписването на свода на Сикстинската капела. Микеланджело извърши наистина титанична работа - в рамките на четири години той сам рисува площ от около 600 квадратни метра. метра. Ден след ден той пише на височина от 18 метра, стоейки на скеле и хвърляйки глава назад. След като завършва картината, здравето му е напълно подкопано, а тялото му е обезобразено (гърдите му се свиват, тялото му се извива, гушата му нараства; дълго време художникът не може да гледа право напред и да чете, докато вдига книга над главата си ). Грандиозната картина е посветена на сцени от свещената история, започвайки от сътворението на света. Микеланджело рисува около 200 фигури и фигурални композиции на тавана. Никога и никъде не е имало нещо, сравнимо с плана на Микеланджело по обхват и цялост. На свода на Сикстинската капела той създава химн в чест на героичното човечество. Неговите герои са живи хора, в тях няма нищо свръхестествено, но в същото време те са прекрасни, силни, титанични личности. Майсторите на Куатроченто, много преди Микеланджело, илюстрират различни епизоди от църковната традиция върху стените на параклиса; Микеланджело иска да представи съдбата на човечеството преди изкуплението върху свода.
Всяка идея, че снимката е самолет, изчезва. Фигурите се движат свободно в пространството. Стенописите на Микеланджело пробиват равнината на стената. Тази илюзия за пространство и движение е огромно постижение на европейското изкуство. Откритието на Микеланджело, че декорацията може да избута напред или да принуди назад стените и таваните, по-късно използва декоративното изкуство на барока.
Изкуството, вярно на традициите на Ренесанса, продължава да живее и през 16 век във Венеция, градът, запазил най-дълго своята независимост. В тази богата патрицианско-търговска република, която отдавна е поддържала търговски отношения с Византия и арабския Изток, ориенталските вкусове и традиции се обработват по свой начин. Основното въздействие на венецианската живопис е в нейния необикновен колорит. Любовта към цвета постепенно доведе художниците от венецианската школа до нов изобразителен принцип. Обемът и материалността на образа се постигат не чрез отсечено моделиране, а чрез изкуството на цветното моделиране.
Народите на Европа се стремят да възродят съкровищата и традициите, изгубени поради безкрайните войни на изтребление. Войните отнеха хората и великите неща, които хората създадоха от лицето на земята. Идеята за възраждане на високата цивилизация на древния свят поражда философията, литературата, музиката, възхода на естествените науки и най-вече разцвета на изкуството. Епохата изисква силни, образовани хора, които не се страхуват от никаква работа. Именно в тяхната среда стана възможно появата на онези няколко гении, които се наричат „титани на Ренесанса“. Точно онези, които наричаме само по име.
Ренесансът е предимно италиански. Ето защо не е изненадващо, че именно в Италия изкуството през този период достига своя най-висок възход и разцвет. Именно тук има десетки имена на титани, гении, велики и просто талантливи художници.
МУЗИКА НА ЛЕОНАРДО.
Какъв късметлия! – ще кажат мнозина за него. Той беше надарен с рядко здраве, красив, висок и със сини очи. В младостта си носеше руси къдрици, гордата му фигура приличаше на Свети Георги на Донател. Имаше нечувана и смела сила и мъжка доблест. Той пееше страхотно и композираше мелодии и стихотворения пред публиката. Той свиреше на всякакви музикални инструменти, освен това сам ги създаде.
За изкуството на Леонардо да Винчи съвременници и потомци никога не са намирали други определения освен „блестящо“, „божествено“ и „велико“. Същите думи се отнасят и за научните му откровения: изобретил е танк, багер, хеликоптер, подводница, парашут, автоматично оръжие, водолазен шлем, асансьор, решил е най-сложните проблеми на акустиката, ботаниката, медицината, космографията. , създава проект за кръгъл театър, изобретен век по-рано от Галилей, часовниковото махало, начертава сегашните водни ски, развива теорията на механиката.
Какъв късметлия! - ще кажат мнозина за него и ще започнат да си спомнят любимите му принцове и крале, които са търсили запознанство с него, представления и празници, които той е измислял като художник, драматург, актьор, архитект и им се е забавлявал като дете.
Дали обаче беше щастлив неудържимият столетник Леонардо, чийто всеки ден даряваше на хората и света видения и прозрения? Той предвиди ужасната съдба на своите творения: унищожаването на Тайната вечеря, разстрела на паметника на Франческа Сфорца, ниската търговия и подлата кражба на неговите дневници и работни книги. Общо само шестнадесет картини са оцелели до днес. Малко скулптури. Но имаше много рисунки, кодирани рисунки: като героите на съвременната научна фантастика, той промени детайл в своя дизайн, сякаш за да не може друг да го използва.
Леонардо да Винчи работи в различни видове и жанрове изкуство, но най-голяма слава му носи живописта.
Една от най-ранните картини на Леонардо е Мадоната на цветето или Мадоната на Беноа. Вече тук художникът действа като истински новатор. Той преодолява рамките на традиционния сюжет и придава на образа по-широк, универсален смисъл, каквито са майчината радост и любов. В тази работа ясно се проявяват много характеристики на изкуството на художника: ясна композиция от фигури и обем на формите, желание за краткост и обобщение, психологическа изразителност.
Продължението на започнатата тема беше картината „Мадона Лита“, където ясно се разкри друга особеност на творчеството на художника - игра на контрасти. Завършването на темата беше картината „Мадона в пещерата“, която отбеляза идеалното композиционно решение, благодарение на което изобразените фигури на Мадоната, Христос и ангелите се сливат с пейзажа в едно цяло, надарено със спокоен баланс и хармония .
Един от върховете на творчеството на Леонардо е фреската "Тайната вечеря" в трапезарията на манастира Санта Мария Дела Грацие. Това произведение удивлява не само с цялостната си композиция, но и с точността си. Леонардо не само предава психологическото състояние на апостолите, но го прави в момента, когато то достига критична точка, превръща се в психологически взрив и конфликт. Този взрив е предизвикан от думите на Христос: „Един от вас ще Ме предаде. В тази работа Леонардо използва напълно техниката на специфично сравнение на фигури, благодарение на което всеки герой се явява като уникална индивидуалност и личност.
Вторият връх на творчеството на Леонард беше известният портрет на Мона Лиза или Джоконда. Тази творба бележи началото на жанра на психологическия портрет в европейското изкуство. При създаването му великият майстор блестящо използва целия арсенал от средства за художествено изразяване: резки контрасти и меки полутонове, замръзнала неподвижност и обща плавност и променливост, най-фините психологически нюанси и преходи. Целият гений на Леонардо се крие в удивително живия поглед на Мона Лиза, нейната тайнствена и загадъчна усмивка, мистичната мъгла, покриваща пейзажа. Това произведение е един от най-редките шедьоври на изкуството.
Всеки, който е видял „Джоконда“, донесена от Лувъра в Москва, си спомня моментите на пълна глухота край това малко платно, напрежението на най-доброто в себе си. Джоконда изглеждаше като „марсианец“, представител на неизвестното - вероятно бъдещето, а не миналото на човешкото племе, въплъщение на хармонията, за която светът не се е уморил и никога няма да се умори да мечтае.
За него може да се каже още много. Изненадан, че това не е измислица или фантазия. Например, можете да си спомните как той предложи да преместите катедралата Сан Джовани - такава работа ни учудва, жителите на ХХ век.
Леонардо каза: „Добрият художник трябва да може да нарисува две основни неща: човек и представяне на неговата душа. Или това се казва за „Колумбина“ от Ермитажа в Санкт Петербург? Някои изследователи наричат нея, а не платното от Лувъра, „Джоконда“.
Момчето Нардо, така се казваше във Винчи: незаконен син на нотариус, който яде писма, който смяташе птиците и конете за най-добрите създания на Земята. Любими от всички и самотни, които огъваха стоманени мечове и рисуваха обесени хора. Той измисли мост над Босфора и идеален град, по-красив от тези на Корбюзие и Нимайер. Той пееше с мек баритон и караше Мона Лиза да се усмихва. В един от последните си тетрадки този късметлия пише: „Струваше ми се, че се уча да живея, но се учех да умирам“. След това обаче той го обобщи: „Добре изживеният живот е дълъг живот.“
Възможно ли е да не се съгласим с Леонардо?
САНДРО БОТИЧЕЛИ.
Сандро Ботичели е роден във Флоренция през 1445 г. в семейството на кожар.
Първото оригинално произведение на Ботичели се счита за „Поклонението на маговете“ (около 1740 г.), където основните свойства на оригиналния му маниер - мечтателност и фина поезия - вече са напълно отразени. Той беше надарен с вродено чувство за поезия, но ясна нотка на съзерцателна тъга минаваше през него буквално във всичко. Дори Свети Севастиан, измъчван от стрелите на своите мъчители, изглежда замислен и откъснат от него.
В края на 1470-те години Ботичели се сближава с кръга на фактическия владетел на Флоренция Лоренцо Медичи, наричан Великолепния. В луксозните градини на Лоренцо се събра общество от хора, вероятно най-просветените и талантливи във Флоренция. Там е имало философи, поети и музиканти. Цареше атмосфера на възхищение от красотата и се оценяваше не само красотата на изкуството, но и красотата на живота. Античността се смята за прототип на идеалното изкуство и идеалния живот, възприемани обаче през призмата на по-късните философски пластове. Без съмнение под влиянието на тази атмосфера е създадена първата голяма картина на Ботичели „Примавера (Пролет)“. Това е мечтателна, изящна, невероятно красива алегория на вечния кръговрат, постоянното обновяване на природата. Той е пронизан от сложен и причудлив музикален ритъм. Фигурата на Флора, украсена с цветя, и танцуващите грации в райската градина представляват образи на красота, които все още не са били виждани по онова време и поради това създават особено завладяващо впечатление. Младият Ботичели веднага заема видно място сред майсторите на своето време.
Високата репутация на младия художник му осигурява поръчка за библейски фрески за Сикстинската капела във Ватикана, която той създава в началото на 1480 г. в Рим. Той пише „Сцени от живота на Моисей“, „Наказанието на Корей, Датан и Авирон“, демонстрирайки удивително композиционно майсторство. Класическото спокойствие на старинните сгради, на фона на които Ботичели развива действието, контрастира рязко с драматичния ритъм на изобразените герои и страсти; движението на човешките тела е сложно, объркващо, наситено с експлозивна сила; създава се впечатлението за разтърсваща хармония, беззащитност на видимия свят пред бързия натиск на времето и човешката воля. Стенописите на Сикстинската капела за първи път изразиха дълбокото безпокойство, което живееше в душата на Ботичели, което се засили с времето. Същите тези фрески отразяват удивителния талант на Ботичели като портретист: всяко от многото нарисувани лица е напълно оригинално, уникално и незабравимо...
През 1480-те години, завръщайки се във Флоренция, Ботичели продължава да работи неуморно, но спокойната яснота на Примера вече е далеч назад. В средата на десетилетието той написва знаменитото си „Раждането на Венера“. Изследователите отбелязват в по-късните произведения на майстора необичаен преди това морализъм и религиозна екзалтация.
Може би по-значими от късната живопис са рисунките на Ботичели от 90-те години - илюстрации към Божествената комедия на Данте. Рисува с явна и неприкрита наслада; Визиите на великия поет са предадени с любов и внимание чрез съвършените пропорции на многобройни фигури, обмислена организация на пространството, неизчерпаема находчивост в търсене на визуални еквиваленти на поетичното слово...
Въпреки всякакви душевни бури и кризи, Ботичели остава велик художник, майстор на своето изкуство до самия край (умира през 1510 г.). Това ясно се доказва от благородната скулптура на лицето в „Портрет на млад мъж“, изразителната характеристика на модела, която не оставя съмнение за нейните високи човешки заслуги, солидната рисунка на майстора и неговия доброжелателен поглед.
Възраждане, който процъфтява през 15-16 век, служи като нов кръг в развитието на изкуството и по-специално на живописта. Има и френско име за тази епоха - Възраждане. Сандро Ботичели, Рафаело, Леонардо да Винчи, Тициан, Микеланджело са някои от известните имена, които представят този период от време.
Ренесансовите художници изобразяват героите в своите картини възможно най-точно и ясно.
Психологически контекстпървоначално не е включен в изображението. Художниците си поставят за цел да постигнат яркост в това, което изобразяват. Независимо дали динамиката на човешкото лице или детайлите на заобикалящата природа трябваше да бъдат предадени в боя възможно най-точно. С течение на времето обаче психологическият аспект става ясно видим в ренесансовите картини, например от портретите може да се направят изводи за чертите на характера на изобразения човек.
Постижение на художествената култура на Възраждането
Безспорното постижение на Ренесанса беше геометрично правилен дизайн на картината. Художникът изгражда образа с помощта на разработените от него техники. Основното за художниците от онова време е да поддържат пропорциите на предметите. Дори природата попадна под математическите техники за изчисляване на пропорционалността на изображението с други обекти в картината.
С други думи, художниците през Ренесанса се стремят да предадат точно изображение, например, човек на фона на природата. Ако го сравним със съвременните техники за пресъздаване на видяно изображение върху някакво платно, тогава най-вероятно фотографията с последващи корекции ще помогне да се разбере към какво са се стремили ренесансовите художници.
Ренесансовите художници са вярвали, че имат правото да коригират недостатъци на природата, тоест, ако човек имаше грозни черти на лицето, художниците ги коригираха по такъв начин, че лицето да стане сладко и привлекателно.
Геометричен подходв изображенията води до нов начин за изобразяване на пространствеността. Преди да пресъздаде изображенията върху платно, художникът маркира тяхното пространствено разположение. Това правило се налага с времето сред художниците от онази епоха.
Зрителят трябваше да бъде впечатлен от образите в картините. например, Рафаелпостигна пълно съответствие с това правило, като създаде картината „Атинската школа“. Сводовете на сградата са поразителни със своята височина. Има толкова много пространство, че започвате да разбирате размера на тази структура. А изобразените мислители на античността с Платон и Аристотел в средата показват, че в древния свят е имало единство от различни философски идеи.
Сюжети на ренесансовата живопис
Ако започнете да се запознавате с ренесансовата живопис, можете да направите интересно заключение. Темите на картините са базирани главно на събития, описани в Библията. По-често художниците от онова време изобразяват истории от Новия завет. Най-популярното изображение е Богородица с младенеца- малкият Исус Христос. 
Героят беше толкова жив, че хората дори се покланяха на тези изображения, въпреки че хората разбираха, че това не са икони, те се молеха на тях и молеха за помощ и защита. В допълнение към Мадоната, ренесансовите художници много обичат да пресъздават образи Исус Христос, апостоли, Йоан Кръстител, както и евангелски епизоди. например, Леонардо да Винчисъздава световноизвестната картина „Тайната вечеря“.
Защо ренесансовите художници са използвали сюжети? от Библията? Защо не са се опитали да изразят себе си, създавайки портрети на своите съвременници? Може би по този начин са се опитвали да изобразят обикновените хора с присъщите им черти на характера? Да, художниците от онова време се опитват да покажат на хората, че човекът е божествено същество.
Изобразявайки библейски сцени, ренесансовите художници се опитват да изяснят, че земните прояви на човека могат да бъдат изобразени по-ясно, ако се използват библейски сюжети. Можете да разберете какво е падението, изкушението, адът или раят, ако започнете да се запознавате с творчеството на художниците от онова време. същото изображение на Мадонапредава ни красотата на жената, а също така носи разбиране за земната човешка любов.
Леонардо да Винчи
Ренесансът стана такъв благодарение на многото творчески личности, живели по това време. Известен в цял свят Леонардо да Винчи (1452 - 1519)създаде огромен брой шедьоври, чиято цена възлиза на милиони долари, а ценителите на неговото изкуство са готови да съзерцават картините му дълго време. 
Леонардо започва обучението си във Флоренция. Първата му картина, нарисувана около 1478 г., е "Мадона Беноа". Тогава имаше такива творения като „Мадона в пещерата“, "Мона Лиза", гореспоменатата „Тайна вечеря” и куп други шедьоври, написани от ръката на титан на Ренесанса.
Строгостта на геометричните пропорции и точното възпроизвеждане на анатомичната структура на човек - това е, което характеризира картините на Леонард да Винчи. Според неговите убеждения изкуството да се изобразяват определени образи върху платно е наука, а не просто някакво хоби.
Рафаел Санти
Рафаел Санти (1483 - 1520)известен в света на изкуството като Рафаел създава своите творби в Италия. Картините му са пропити с лиризъм и изящество. Рафаело е представител на Ренесанса, който изобразява човека и неговото съществуване на земята и обича да рисува стените на ватиканските катедрали.
Картините предават единството на фигурите, пропорционалното съответствие на пространството и образите и благозвучието на цвета. Чистотата на Девата е в основата на много от картините на Рафаело. Първият му изображение на Дева Мария- Това е Сикстинската Мадона, която е нарисувана от известен художник през 1513 г. Портретите, създадени от Рафаел, отразяват идеалния човешки образ.
Сандро Ботичели
Сандро Ботичели (1445 - 1510)също ренесансов художник. Една от първите му творби е картината „Поклонението на маговете“. Изтънчената поезия и мечтателността са първоначалните му маниери в областта на предаването на художествени образи.
В началото на 80-те години на 15 век великият художник рисува стените на Ватиканския параклис. Стенописите, направени от неговата ръка, все още са удивителни.
С течение на времето неговите картини се характеризират със спокойствието на античните сгради, живостта на изобразените герои и хармоничността на образите. Освен това е известна страстта на Ботичели към рисунки за известни литературни произведения, което също само добави известност към творчеството му.
Микеланджело Буонароти
Микеланджело Буонароти (1475 - 1564)- италиански художник, творил и през Ренесанса. Този човек, познат на много от нас, направи всичко възможно. И скулптура, и живопис, и архитектура, а също и поезия.
Микеланджело, подобно на Рафаело и Ботичели, рисува стените на ватиканските църкви. В крайна сметка само най-талантливите художници от онези времена са участвали в такава важна работа като рисуването на изображения по стените на католическите катедрали.
Повече от 600 квадратни метра от Сикстинската капелатой трябваше да го покрие с фрески, изобразяващи различни библейски сцени.
Най-известната творба в този стил ни е известна като "Страшният съд". Смисълът на библейския разказ е изразен пълно и ясно. Такава прецизност в предаването на изображения е характерна за цялото творчество на Микеланджело.
ВНИМАНИЕ!За всяко използване на материали от сайта е необходима активна връзка към!
