Три типа мелодична текстура. Текстура, музикална структура, текстурна трансформация на хармония, неакордови звуци

Какво става музикална текстура

1. Текстурата като начин за представяне на музика.
2. Различни опции за изпълнение на текстура (използвайки примера на фрагменти от музикална нотация)
3. Едногласна текстура (по примера на Първата песен на Леля от операта „Снежанката“ от Н. Римски-Корсаков).
4. Мелодия с акомпанимент (по примера на романса на С. Рахманинов „Люляк“).
5. „Текстуриран модел“: визуално сходство на текстурирания модел в акомпанимента с формата на люляково цвете.

Музикален материал:

1. Н. Римски-Корсаков. Първата песен на Леля от операта „Снежната девойка” (слушане);
2. С. Рахманинов, стихове на Е. Бекетова. "Люляк" (слушане);
3. Г. Струве, стихове на С. Маршак. „Пожелания към приятели” (пеене);
4. Е. Крилатов, стихове на Ю. Ентин. „Какъв прогрес дойде!“ (пеене).

Описание на дейностите:

1. Изследвайте разнообразието и спецификата на текстурните въплъщения в музикалните произведения.
2. Сравнете музикални произведения от гледна точка на тяхното текстурно въплъщение.
3. Намерете асоциативни връзки между художествени образимузика и визуални изкуства.

От основните средства музикална изразителностсе формира „лицето” на всяко музикално произведение. Но всяко лице може да има много изражения. А „изражението на лицето“ „отговаря“ за допълнителни средства. Текстурата е една от тях.

Буквално „фактура“ означава „обработка“. Знаем, че тъканта има текстура, например. Чрез допир и текстура можете да различите една тъкан от друга. Всяко музикално произведение също има своя собствена „звукова тъкан“. Когато чуем красива мелодия или необичайна хармония, ни се струва, че тези средства са изразителни сами по себе си. Но за да звучи изразително една мелодия или хармония, композиторите използват различни техники и методи на обработка. музикален материал, различни видовемузикална текстура.

Преди да разберем какво означава изразът „музикална текстура“, нека да разгледаме музикални примери.

Виждаме, че всички примери се различават по своето графично представяне.

Първият пример е вертикални „стълбове на акорди“, вторият е вълнообразна линия, третият е вид триетажна структура, четвъртият е подобен на кардиограма (кардиограма - графично изображениеработа на сърцето) музикално рисуване.

Начинът, по който се представя музиката, се нарича текстура.

Може би защото текстурата най-ясно изразява областта на музикалното изкуство - линии, рисунки, музикална графика - тя е получила много различни определения.

„Музикална тъкан“, „модел“, „орнамент“, „контур“, „текстурирани слоеве“, „текстурирани подове“ - тези фигуративни определения показват визуалност, живописност, пространственост на текстурата.

Изборът на определена текстура зависи от много причини - от музикално съдържание, от където се изпълнява тази музика, от тембровата композиция. Например, полифонична музика, предназначена да се изпълнява в храм, изисква значителни текстурирано пространство. Лирическата музика, свързана с предаването на човешки чувства, обикновено е монофонична. Неговият звук представлява компресирането на текстурата до един глас, който пее своята самотна песен.

Понякога монофонично представяне на мелодия се използва от композиторите, за да изразят красотата на определен тембър. Така солата на овчарския рог във въведението към Първата песен на Леля от операта на Н. Римски-Корсаков „Снежната девойка“, въвеждайки слушателя в атмосферата на прекрасна езическа приказка.

Младият овчар Лел е олицетворение на музикалното изкуство и слънчевата, неустоимо привлекателна сила на любовта. Любовта и изкуството са даровете на Ярила и в същото време израз на неизчерпаемостта творчески силичовек.
Това, че Лел е прост овчар, това, че песните му са народни, е лъжа дълбок смисъл. В образа на Леля стават известни Островски и Римски-Корсаков народно творчествои подчерта жизнеутвърждаващата му същност. Неслучайно Лел, единственият от водещите героиопери, характеризиращи се почти изключително с песни - солови и хорови, където се изявява като водещ певец. Инструментална страна музикални характеристикиЛеля е представена от множество овчарски песни. Някои от тях са истински народни.
Звукът на дървени духови инструменти и най-често соло кларинет (имитация на овчарски рог) придава на музиката на Лел ярък фолклорен колорит.
Първата песен на Lelya, „Ягода, ягода“, е провлачена, тъжна песен. В него Римски-Корсаков предаде характера и музикални характеристикилиричен народни песни: плавно пеене, честа вокализация, непълни (без трети) съзвучия и унисони в края на фразите. На песента се придава страхотен чар и оригиналност от множество „разводи“ - мелодии на флейта и английски хорнс тяхната народна темброва окраска.

Въпреки това, изключително монофоничната текстура е доста рядко явление. Много по-често виждаме друг вид текстура - мелодия с акомпанимент, които като правило се допълват взаимно. Спомнете си песента на Ф. Шуберт „По пътя“. Той съдържа не само весела мелодия, но и въртене на воденичен камък в пиано партия, създавайки ярко визуално впечатление.

Песента на Ф. Шуберт „По пътя” открива цикъла „Красивата жена на мелничаря”. Разказва за това как мелничарят тръгва на пътешествие, за любовта на млад, простодушен герой - това е друг романтична историясамотна душа Щастието на човека е толкова близо, надеждите му са толкова ярки, но не им е писано да се сбъднат и само потокът, който от първите минути стана приятел на мелничаря, го утешава, скърбейки с него. Той сякаш влачи младия мъж със себе си по време на пътуването. На фона на това мърморене звучи проста, народна мелодия.

Богатство музикални изображенияви позволява да използвате различни техники за текстура. Така в романса на С. Рахманинов „Люляк“ моделът на акомпанимента има чисто визуална прилика с формата на люляково цвете. Музиката на романса е лека и чиста, като младостта, като цветовете на пролетна градина:

Сутрин, призори, върху росната трева
Ще отида и ще дишам свеж на сутринта;
И в ароматната сянка,
Където люляците са претъпкани,
Отивам да си търся щастието...
В живота ми е писано да намеря само едно щастие,
И това щастие живее в люляците;
На зелени клони
На ароматни четки
Моето бедно щастие цъфти.

Писателят Юрий Нагибин в историята „Люляк“ пише за едно лято, което седемнадесетгодишният Сергей Рахманинов прекарва в имението Ивановка. В онова странно лято люляците цъфнаха „изведнъж, за една нощ завряха и в двора, и в алеите, и в парка”. В памет на това лято, на една ранна сутрин, когато композиторът срещна първата си млада любов, той написа може би най-нежния и емоционален романс „Люляк“.

Какво друго, какви чувства и настроения карат текстурата или да се свие, след това да се оформи в пространството, или да приеме формата на прекрасно пролетно цвете?

Вероятно отговорът на този въпрос трябва да се търси в живото очарование на образа, в неговото дихание, цветове, неповторим облик и най-важното – в преживяването на образа, което самият композитор внася в своята музика. Музикантът никога не засяга тема, която не му е близка и не резонира в душата му. Неслучайно много композитори признаха, че никога не са писали за това, което не са преживели или почувствали сами.

Ето защо, когато люлякът цъфти или земята е покрита със сняг, когато слънцето изгрява или потоците от бърза вода започват да играят с цветни отражения, художникът изпитва същите чувства, които милиони хора са изпитвали по всяко време.

Той също е щастлив, тъжен, възхищава се и се възхищава на безграничната красота на света и неговите прекрасни трансформации. Той въплъщава чувствата си в звуците, цветовете и дизайна на музиката, изпълвайки я с дъх на живот.

И ако музиката му вълнува хората, това означава, че тя не само улавя ярко образи на люляк, утринно слънце или река, но и улавя преживяванията, които хората са изпитвали от незапомнени времена, когато са имали контакт с красотата.

Затова може би няма да е преувеличено да се каже, че всяка подобна творба, колкото и интимни да са чувствата, вдъхновили автора, е паметник на всички цветове на света, на всичките му реки и изгреви, на всичко неизмеримо човешко възхищениеи любов.

Въпроси и задачи:

1. Какво означава думата „текстура“ в музиката?
2. За какво се отнасят образните определения различни видоветекстури?
3. Защо се използва монофонична текстура в Първата песен на Леля от операта „Снежната девойка“ от Н. Римски-Корсаков?
4. Как съдържанието на музикално произведение влияе върху неговия текстурен запис? Разкажете ни, като използвате примера на романса „Люляк” от С. Рахманинов.

Презентация

Включено:
1. Презентация, ppsx;
2. Звуци на музика:
Дебюси. Паспиер (от цикъла Бергамаска сюита), mp3;
Денисов. Плач-тревога (от цикъла Плач), mp3;
Месиен. Етюд № 2 (от цикъла 4 ритмични етюда), mp3;
Рахманинов. Люляк. (на испански от Т. Синявская), mp3;
Римски-Корсаков. Първата песен на Леля (от операта "Снежанка"), mp3;
Шостакович. Прелюдия в до мажор (от цикъла от 24 прелюдии и фуги), mp3;
Шуберт. На път (от поредицата Красивата мелничарска жена), mp3;
3. Придружаваща статия, docx.

(речник)

Текстура– характерът на представяне на музикалния материал на произведението (неговата музикална тъкан).

регистър, асортимент, принадлежност към музикален склад и др.

Музикален склад– най-характерният начин на представяне на материала.

(монодия,от гръцки. (гръцкиполи- много, телйо- (гръцкиhomos– равен) -

монос– един и ода-пеене) звук) – съчетание на водещ глас с хармоничен

точно независим, придружен

сложен -крилата образна дефиниция за върховенството на вертикала

лосове- представяне на мело-.- разделение - Уважавам разговора - над хоризонт.

Направи си парал. на интервали, говорейки си и не прекъсвайки -

акорди (удебелени аз-приятелприятел на събеседниците). Разнообразие -

лодия, мелодичен слой) (Условно) първичността на хоризонталата акорд-хармония-

чадъри над вертикалата. химическискладът е ак-

текстура на шнура с

Два вида полифония: липса на изразителност

контрастиращи(интонационен водещ глас. отделни гласове), .

имитация(имитация),

общи мелодични обороти.

хетерофония(междинна структура между полифония и сложна монофония. Виж по-долу от 50-51).

В произведенията на инструменталната музика (по-специално пиано) се отличават от хомофоничен тип 4 вида трансформация на текстурирана хармония(може да се каже, 4 вида хармонични текстури), (Ю. Тюлин. Кратък теоретичен курс на хармонията. М., 1960):

- хармонична фигурация, - всички видове арпеджио. (Това е структурата на повечето лирични пиеси и романси).

- ритмична фигурация,- повторение на акорди в определен ритъм, определен от жанра (Шопен. Prelude e moll).

- цветно наслояване,- дублиране на звуци на акорд (от 5-6 гласа на хармонична тъкандо 16 (-цис минор Рахманинов прелюдия, реприза) и повече).

- мелодична фигурация- мелодизация на хармоничната тъкан чрез въвеждане на тематично значими отгласи. (Шуман. Фантастични пиеси. Защо?.)

В една тема може да има смесица от видове щети. текстури (видове текстурна трансформация на хармонията).

Средствата на мелодичната фигурация са неакордови звуци.

(Мелодиите, изградени само от звуци на акорди, са малко на брой).

4 вида неакт. звуци.

При силно време (мярка или показател

акции) – задържане, - не забавяне на звука

поява на акордов тон:

Н
и слабо време - спомагателни,

–
певица:

- преминаване, – не звук стъпка по стъпка

(
гама-образно) движение:

- асансьор, – не звук се появява

преди акорда му:

Всички неакордови звуци са съседни (т.е. по отношение на секунди) на акордовия.

Видове полифония на руските народни песни

Лит.: L.S.Mukharinskaya. В търсене на модерна визия. Сов.муз..1969.с.93-96.

В.М.Щуров. Основните видове полифония на руската народна песен. Тбилиси, 1985 г.

Н. Вашкевич. Хетерофония. Ръкопис. Метод. офис 1997г

Burdonnoe(гайда) пеене, пеене на продължителен (педален) звук. Ранна форма на полифония.

Хетерофония(от гръцкихетерос-други; различен звук , раздор), - полифония, образувана от подгласове от вариантно-орнаментален или мелизматичен тип към основната мелодия. Хетерофонията е най-старият и най-стабилен тип полифония на руската селска народна песен, която запазва водещото си значение и до днес.

Почти всички полифонични песни на DV диска IVAN KUPALA (1999) са хетерофонични. Това са народни песни, записани от селски фолклорни ансамбли различни региониРусия (от Архангелска област до Астраханска област) и представена с музикален съпровод на синтезатор (забележителен пример за използване на народни песни в поп музиката, пример за популяризиране на фолклора).

Стратификацията на мелодичната линия, „размиването“ на мелодичния контур, „вибриращият“ звук на вторите „набъбвания“ е уникален колоритен феномен на хетерофоничната полифония на руската селска песен. Но цветът е външната страна. Семантика на хетерофонията в др. Често хетерофоничните „кичури“ подчертават метро ритъма на песнопението. IN лирически песнидисонансът им концентрира напрежението на трохечните интонации. В песни с драматично съдържание хетерофоничното наслояване „се възприема като акцент“, отбелязва I.I. Земцовски, - като вид устен „курсив“ на най-значимите фрагменти от текста.

Сватбената песен „Във входа“ (район Нелидовски, запис на И. Н. Некрасова) е пример за така наречената „точкова“ хетерофония:

В „Систематизиран сборник с песни“ ( http://intoclassics.net/news/2010-10-16-19094) това са песните: „Сред плоската долина“, „Надолу по река Волга“, „Ивушка“.

В учебниците по теория субгласността е вид полифония – полифонията на народнопесенното многогласие. За разлика от това, хетерофонията се класифицира като монофонична композиция или по-скоро сложна монофония (образуваща, така да се каже, удебелена мелодия, мелодичен комплекс, мелодичен слой).

Пеене с очна линия- хорово дву- или тригласно с горна, контрастна основна мелодия, с водещ глас, който контрапунктира основната мелодия (често оспорвайки с нея ролята на водещия глас).

Пример за очна линия е „Ето идва дръзката тройка“, текст на Ф. Глинка; „Герой Чапаев мина през Урал.“

пее "втора"(повтаряне в трета) - най-простата лентова трета (по-рядко, в шеста) двугласна.

Вторите примери са „Тънка офика“, „Зорка-Венера“, „На разсъмване, на разсъмване“, „Не вятърът огъва клона“.

Предполага се, че последните три вида полифония (подгласност, подгласност, вторая) се появяват в народната песен сравнително наскоро (преди 3-4 века) и са установени под влиянието на градската песен и практиката на пеене на храмови парти.

Cant складпеене, хомофонично, с акордово-хармоничен резонанс за всеки тон от мелодията. Кант е жанр на градския фолклор. Кантовото пеене се развива под влиянието на западноевропейската музикална (първоначално полска) култура. За кант е типичен 3-глас с паралел. в терца чрез движението на горните гласове и баса, създавайки хармонична подкрепа. Кант се характеризира с квадратни структури. Примери за мелодии, близки до песента: „Войници, браво момчета“,

„Браво Донец“, „Реете се като орли, соколи“,

В края на 19-ти и 20-ти век се появяват нови форми на полифония. Стилово те са разнородни:

Фолклористите отбелязват, че в наши дни можете да чуете изпълнението народни певицидревна песен в две версии: в присъщото й монофонично звучене и в полифонична „съвременна“.

С цялото разнообразие от текстури е възможно да се идентифицират и систематизират типични форми на представяне въз основа на един или друг специфичен принцип. Такива форми се наричат ​​музикални складове. Необходимо е да се разграничат четири основни вида: монодични, полифонични, акордови, хомофонични. Този или онзи склад може да се поддържа през цялата работа или през по-голямата част от нея, или може да се извършва епизодично, заменен с друг склад. В инструменталната музика често има комбинация различни начинипрезентация, оформяне на смесени складове или безплатна фактура. Монодичната структура е едногласно (унисон или с октавно удвояване) мелодично движение без съпровод. Характерни в това отношение са едногласните народни песни. Полифоничната структура е многогласие, при което гласовете като цяло имат еднаква изразителна стойност. Всеки глас е индивидуализиран в една или друга степен и образува самостоятелен мелодичен модел. Тази независимост не означава пълна свобода, но е косвено подчинена на хармоничната последователност на звука. Структурата на акорда се характеризира с такава хармонична комбинация от звуци, която образува акорди като монолитно цяло. Това монолитно качество се създава главно от ритмичната хомогенност на всички гласове. Хомофоничният глас се характеризира с комбинация от солов глас и акомпанимент. Така, за разлика от други складове, той се основава на двуплоскостна конструкция. Произхождащи от фолк музика – в пеенетос инструментален съпровод хомофоничният склад премина в светската ежедневна музика на Средновековието в нейния в проста форма. Естествено, той не намира своето място в тогавашната църковна музика, която култивира хоровото полифонично многогласие. Има хомофонно-хармонична структура (в най-простата си форма съпроводът е ясно изразена хармония). По-горе обсъдихме музикалните складове в техните характерна форма. Но много често има комбинация и взаимно проникване на различни методи на представяне, което води до усложнени и смесени складове. Например смесен акорд-полифонична структура, хомофонно-акорд, хомофонно-полифоничен.

Възраждане

Ренесансът или Ренесансът е период в историята на културата, обхващащ приблизително XIV-XVI век. Този период е получил името си във връзка с възраждането на интереса към древно изкуство, който се е превърнал в идеал за културните дейци на съвремието. Композитори и музикални теоретици - J. Tinktoris.,

Й. Царлино и др. – изучавали старогръцки музикални трактати; в произведенията на Жоскен Депре, който е сравняван с Микеланджело, според съвременниците „се възражда изгубеното съвършенство на музиката на древните гърци“: което се появява в края на 16 век началото на XVII в V. операта се ръководеше от законите на античната драма.

Развитието на ренесансовата култура е свързано с възхода на всички аспекти на обществото. Ражда се нов светоглед – хуманизъм (от лат. „humanos” – „човек”). Разкрепостяването на творческите сили води до бързо развитие на науката, търговията, занаятите, оформят се нови, капиталистически отношения в икономиката. Изобретяването на печата допринесе за разпространението на образованието. страхотно географски откритияи хелиоцентричната система на света на Н. Коперник промени представите за Земята и Вселената.

Достигнал невиждан просперитет изобразително изкуство, архитектура, литература. Новото отношение се отразява в музиката и трансформира нейния облик. Тя постепенно се отдалечава от нормите на средновековния канон, стилът се индивидуализира и за първи път се появява самото понятие „композитор“. Текстурата на творбите се променя, броят на гласовете се увеличава до четири, шест "или повече (например, известен е канонът с 36 гласа, приписван на най-големия представител на холандската школа J. Ockeghem). В хармония доминират съгласните съзвучия , използването на дисонанси е строго ограничено от специални правила за мажор и минор и ритмична система, характерна за по-късната музика.

Всички тези нови средства са използвани от композиторите, за да предадат особената структура на чувствата на ренесансовия човек - възвишени, хармонични, спокойни и величествени.

В епохата на Ренесанса (Ренесанса) професионалната музика губи характера на чисто църковното изкуство и се повлиява народна музика, е пропит от нов хуманистичен мироглед. Високо нивоИзкуството на вокалната и вокално-инструменталната полифония е постигнато в творчеството на представители на "Ars nova" ("Новото изкуство") в Италия и Франция от 14 век, през н. полифонични школи- английски (XV век), холандски (XV-XVI век), римски, венециански, френски, немски, полски, чешки и др. (XVI век).

Появи се различни жанровесветски музикално изкуство-- frottola и villanella в Италия, villancico в Испания, балада в Англия, мадригал, произхождащ от Италия (L. Marenzio, J. Arkadelt, Gesualdo da Venosa), но станал широко разпространен, френска полифонична песен (C. Janequin, C. Лежен). Ренесансът завършва с появата на нови музикални жанрове - солова песен, кантата, оратория и опера, които допринасят за постепенното утвърждаване на хомофоничен стил.

Преведено от италианска дума"toccata" означава "докосване", "удар". През Ренесанса това е името, дадено на празничните фанфари за духови инструменти и тимпани; през 17 век - фанфарни въведения към опери и балети.

Токата също е виртуозна пиеса за лютня, клавир и орган. Първоначално токата за клавишни инструментие композиран като въведение (прелюдия) към хорово творчество, например, мотет, и беше жанр на църковната музика, а след това става независим концертен жанр светска музика. Композиторите я включват в сюита и я правят начална част от полифоничен цикъл (токата и фуга в ре минор за орган от Й. С. Бах).

Токата и фуга в ре минор за орган от Й. С. Бах

Токатата се характеризира с текстура, която отразява стила на пръста, игра на клавиатура, т.е. свирене с акорди, пасажи, мелодични и хармонични фигури. Акордови и пасажни части се редуват с имитативни полифонични. В токатите на Бах красотата на формата и безпрецедентната виртуозност са съчетани с дълбочина и значимост на съдържанието.

През XIX--XX век. Токата се развива като самостоятелна виртуозна пиеса от етюден план (токати за пиано от Р. Шуман, К. Черни, К. Дебюси, М. Равел, С. С. Прокофиев, А. И. Хачатурян). Токата като част от цикъла се намира в 5-ия концерт за пиано на Прокофиев, в сюитата „Пулчинела“ от И. Ф. Стравински.

Музика на Ренесанса.

Музикалната естетика на Ренесанса се развива от композитори и теоретици толкова интензивно, колкото и в другите форми на изкуството. Все пак как Джовани Бокачовярваше, че Данте със своето творчество е допринесъл за завръщането на музите и е вдъхнал живот на мъртвата поезия, точно както Джорджо Вазари говори за възраждането на изкуствата, а Жозефо Зарлино в своя трактат „Установяване на хармонията“ (1588) пише:

„Въпреки това, независимо дали това е по вина на коварното време или на човешката небрежност, хората започнаха да ценят малко не само музиката, но и другите науки, и, издигната до най-големите висоти, тя падна до крайно ниско; нечувана чест, тя започна да се смята за жалка, незначителна и толкова малко почитана, че дори учените хора едва я разпознаваха и не искаха да й отдадат дължимото.”

В началото на 13-14 век в Париж е публикуван трактатът „Музика“ на майстора на музиката Джон де Грохео, в който той критично преразглежда средновековните идеи за музиката. Той пише: „Онези, които са склонни да разказват приказки, казват, че музиката е измислена от музите, които са живели близо до водата. .. Той казва в своята книга, че началото на музиката е открито от Питагор, тъй като музиката е била вродена за тях, както твърдят Платон и Боеций, но основите на пеенето и музиката са били неизвестни до времето на Питагор. ..."

Джон де Гроео обаче не е съгласен с разделянето на музиката на три вида на Боеций и неговите последователи: световна музика, човешка музика, инструментална музика, защото никой дори не е чул хармонията, причинена от движението на небесните тела; Като цяло „не е работа на музикант да интерпретира ангелско пеене, освен ако не е теолог или пророк“.

„И така, да кажем, че музиката, която е актуална сред парижаните, очевидно може да се сведе до три основни секции. Едната част е проста, или гражданска (civilis) музика, която ние също наричаме народна; другата е сложна музика (композирана - composita ), или правилен (научен - regularis), или каноничен, който се нарича мензурален. църковна музика, целящ да възхвали създателя."

Джон де Грожо изпревари времето си и нямаше последователи. Музиката, подобно на поезията и живописта, придобива нови качества едва през 15-ти и особено през 16-ти век, което е съпроводено с появата на все нови и нови трактати за музика.

Глареан (1488 - 1563), автор на есето за музиката "Дванадесетструнният човек" (1547), е роден в Швейцария, учи в университета в Кьолн в художествения факултет. майстор свободни изкуствасе занимава с преподаване на поезия, музика, математика, гръцки и латински езици, което говори за наболелите интереси на епохата. Тук той се сприятелява с Еразъм Ротердамски.

Glarean подхожда към музиката, по-специално към църковната музика, подобно на художниците, които продължават да рисуват картини и фрески в църквите, тоест музиката, подобно на живописта, трябва, извън религиозната дидактика и размисъл, преди всичко да доставя удоволствие, да бъде „майка на удоволствие.”

Glarean обосновава предимствата на монодичната музика срещу полифонията, като същевременно говори за два вида музиканти: фонисти и симфонисти: първите имат естествена склонност да композират мелодия, а вторите - да развиват мелодия за два, три или повече гласа.

Glarean, в допълнение към развитието на теорията на музиката, също разглежда историята на музиката, нейното развитие, както се оказва, в рамките на Ренесанса, напълно игнорирайки музиката на Средновековието. Той обосновава идеята за единството на музика и поезия, инструментално изпълнение и текст. В развитието на музикалната теория Глареан легитимира, с използването на дванадесет тона, еолийския и йонийския режим, като по този начин теоретично обосновава концепциите за мажор и минор.

Glarean не се ограничава до развитието на музикалната теория, а разглежда творчеството на съвременните композитори Josquin Despres, Obrecht, Pierre de la Rue. Той говори за Жоскин Депре с любов и наслада, както Вазари за Микеланджело.

Жозефо Зарлино (1517 - 1590), с чието изказване вече сме запознати, на 20 години влиза във францисканския орден във Венеция със своя музикални концертии разцвета на живописта, който събужда призванието му като музикант, композитор и музикален теоретик. През 1565 г. оглавява параклиса Св. Марка. Смята се, че в есето „Установяване на хармония“ Царлино класическа формаизрази основните принципи музикална естетикаВъзраждане.

Зарлино, който говори за упадъка на музиката, разбира се, през Средновековието, разчита на античната естетика в развитието на своята доктрина за природата музикална хармония. „Колко музиката е била прославяна и почитана като свещена, ясно свидетелстват писанията на философите и особено на питагорейците, тъй като те вярвали, че светът е създаден според музикалните закони, че движението на сферите е причината за хармонията и че нашата душата е изградена по същите закони, събужда се от песни и звуци и те сякаш оказват животворно въздействие върху нейните свойства."

Зарлино е склонен да смята музиката за основна сред либералните изкуства, тъй като Леонардо да Винчи превъзнася живописта. Но това е хоби определени видовеизкуството не трябва да ни обърква, защото говорим за хармонията като цялостна естетическа категория.

„И ако душата на света (както мислят някои) е хармония, не може ли нашата душа да бъде причината за цялата хармония в нас и нашето тяло да не бъде съединено с душата в хармония, особено когато Бог създаде човека по подобие на по-голям свят, наречен космос от гърците, тоест украшение или украсен, и когато той създаде подобие на по-малък обем, за разлика от това, наречено микрокосмос, т.е. малък свят? Ясно е, че подобно предположение не е лишено от основание“.

В Царлино християнската теология се превръща в антична естетика. Идеята за единството на микро- и макрокосмоса поражда у него друга идея - за пропорционалността на обективната хармония на света и присъщата му субективна хармония. човешка душа. Откроявайки музиката като основно свободни изкуства, Зарлино говори за единството на музиката и поезията, единството на музиката и текста, мелодията и думите. Към това се добавя „история“, която предвижда или оправдава произхода на операта. И ако има танц, както ще се случи в Париж, ще видим раждането на балета.

Смята се, че именно Зарлино е дал естетическите характеристики на мажор и минор, определяйки мажорното тризвучие като радостно и светло, а минорното тризвучие като тъжно и меланхолично. Той също така определя контрапункта като „хармонично цяло, съдържащо различни промени в звуци или пеещи гласове в определен модел на корелация и с определена мярка за време, или че това е изкуствена комбинация от различни звуци, доведени до последователност“.

Жозефо Зарлино, подобно на Тициан, с когото е свързан, придобива широка слава и е избран за член на Венецианската академия на славата. Естетиката изяснява състоянието на музиката през Ренесанса. Основател Венецианска школамузика е Адриан Вилаерт (между 1480/90 - 1568), холандец по рождение. Царлино учи музика при него. Венецианската музика, подобно на живописта, се отличаваше с богата звукова палитра, която скоро придоби барокови черти.

Освен венецианската школа, най-големи и влиятелни са римската и флорентинската. Ръководител на Римската школа е Джовани Палестрина (1525 – 1594).

Общността на поети, учени хуманисти, музиканти и любители на музиката във Флоренция се нарича Камерата. Ръководена е от Винченцо Галилей (1533 - 1591). Мислейки за единството на музиката и поезията, и същевременно с театъра, с действието на сцената, членовете на Камерата създадоха нов жанр- опера.

Първите опери се считат за „Дафне” от Й. Пери (1597) и „Евридика” по текстове на Ринучини (1600). Тук е направен преход от полифоничен стил към хомофоничен. Тук за първи път са изпълнени ораторията и кантатата.

Музиката на Холандия от 15-16 век е богата на имена на велики композитори, сред които Жоскен Депре (1440-1524), за когото пише Зарлино и който е служил във френския двор, където се развива френско-фламандската школа. Те мислят най-високо постижениеХоландските музиканти се превърнаха в акапелна хорова меса, съответстваща на възходящия тласък на готическите катедрали.

Органното изкуство се развива в Германия. Във Франция са създадени параклиси в двора и са организирани музикални фестивали. През 1581г Хенри IIIутвърди длъжността "главен интендант на музиката" в двора. Първият „главен интендант на музиката“ е италианският цигулар Балтазарини де Белгиозо, който поставя „Комедийния балет на кралицата“, представление, в което музиката и танцът за първи път са представени като сценично действие. Така възниква придворният балет.

Клеман Жанекен (ок. 1475 - ок. 1560), изключителен композитор Френски ренесанс, е един от създателите на жанра полифонична песен. Това са 4-5-гласови произведения, като фентъзи песни. Светската полифонична песен - шансон - получава широко разпространение извън Франция.

През Ренесанса широко развитие инструментална музика. Сред основните музикални инструментинаричани лютня, арфа, флейта, обой, тромпет, органи различни видове(позитиви, преносими), видове клавесин; имаше цигулка народен инструмент, но с разработването на нови струни лъкови инструментиПодобно на виолата, цигулката става един от водещите музикални инструменти.

Ако настроението нова ерапърво се пробужда в поезията, получава блестящо развитие в архитектурата и живописта, след това в музиката, започвайки с народна песен, прониква във всички сфери на живота. Дори църковната музика вече се възприема в по-голяма степен, както и картините на художници библейски теми, не като нещо свято, а нещо, което носи радост и удоволствие, за което са се грижили самите композитори, музиканти и хорове.

С една дума, както в поезията, в живописта, в архитектурата, в развитието на музиката настъпва повратна точка, с развитието на музикалната естетика и теория, със създаването на нови жанрове, особено синтетични форми на изкуството, като операта и балет, който трябва да се възприема като ренесансов, пренесен през вековете. Музиката на Ренесанса звучи в архитектурата като хармония на части и цялото, вписана в природата, и в интериора на дворците, и в картините, в които винаги виждаме представление, спрял епизод, когато гласовете са замлъкнали, и всички герои слушаха заглъхналата мелодия, която ние сякаш чувах...

Музикална текстура(лат. фактура -устройство , структура) – метод на представяне, структура на музикалната тъкан, музикален склад.

Исторически в музиката е имало три основни вида текстура:

Полифония (лат. полифонияот гръцки πολυφωνία - полифония) - мелодична полифония, състояща се от едновременния звук на относително независими мелодични линии. Полифоничната текстура се развива през Средновековието. Има три основни вида полифония: контрастна, подражателна (канон, мотет, инвенция, фуга), субвокална (или вариантна хетерофония, характерна за народната полифония).

Омофония или хомофонно-хармонична текстураАводи началото си от полифонията. Местният музиколог Асафиев го нарече „охладената лава на готическата полифония“. В рамките на хомофонията се прави разлика между акорд (протестантски хорал) и хомофонично-хармонична текстура, която се състои от няколко слоя (например мелодия и акомпанимент).

Един от начините за динамизиране и оцветяване на хомофонично-хармоничната текстура е хармонична фигура – последователно, а не едновременно представяне на звуците на акорда. Има доста разновидности на хармонична фигурация. Ето някои от тях:

1) арпеджно представяне на акорди (Й. С. Бах. Прелюдия в до мажор, HTC, том I)

2) акомпанимент на валс (Ф. Шуберт. Валс op.77, № 2)

3) Албертийски баси, кръстени на италиански композиторДоменико Алберти (1710-1740) в Соната в до мажор, K.545 от В. Моцарт

Реклами

Бележки по елементарна теория на музиката. Съдържание
Текстура в музиката(от лат. factura - устройство, структура,обработка, съхранение) – начин на представяне, музикално съхранение, структура на музикалната тъкан.

Исторически три вида текстура:

Съществува три основни типа полифония : контрастна, подражателна (канон, мотет, инвенция, фуга), хетерофония (характерна за народната полифония).

3. Хомофонно-хармонична текстураводи началото си от полифонията. Местният музиколог Асафиев го нарече „охладената лава на готическата полифония“. Те всъщност различават текстура на акорда(протестантски хор) и хомофонно-хармоничен, който е разделен на няколко слоя (например мелодия и съпровод).

15 май

Музикалната практика - композиция, изпълнение, възприемане, анализ на музикални произведения - е свързана с осъзнаването на различни форми на представяне. Това изисква разбиране за това как е организирана (или как трябва да бъде организирана) музикалната тъкан във всеки конкретен случай. Това разбиране се осигурява от анализа на текстурата: определяне на броя на гласовете, степента на тяхната индивидуализация на ритъма и интонацията, взаимоотношения помежду им, функции (роли) в музикалната тъкан (мелодия, бас, среден хармоничен глас, ехо, и т.н.). Съпоставянето на резултатите от този анализ с критериите за текстурна класификация дава възможност да се определят структурните особености на музикалната тъкан във всеки конкретен случай.

Анализът на текстурата започва с определяне на нейния тип. Класификацията на видовете музикална текстура се основава на два критерия: 1) броят на гласовете, 2) броят на мелодично значимите гласове.

Според първия критерий се разграничава монофонично или полифонично (с повече от един глас) представяне. В същото време, определяне на броя на гласовете в музикално произведение, трябва да се има предвид, че понякога в монофонията, с нейната специална организация на височината, се появяват скрити мелодични линии. В резултат на това се образува специален вид монофонична тъкан - със скрита полифония. В съотношенията на скритите мелодични линии може да се познае логиката например на паралелни двугласи, където ясно се чуват скрити паралелни сексти: индиректни двугласи: паралелни и индиректни тригласи:

Обратното е, когато полифоничната музикална тъкан е организирана по такъв начин, че изглежда сгъната в уплътнена, „удебелена“ едногласна линия. Това се случва, когато мелодията се удвоява (утроява и т.н.) от други гласове на определен интервал или интервали.

Нека припомним, че анализът на текстурата според втория критерий включва определяне на броя на мелодично значимите гласове, които съдържа. Мелодично значимият глас (или гласове) има интонационна характеристика, развита мелодична линия и разнообразен ритъм. Идентифицирането на такива гласове ни позволява да направим заключение за степента на мелодизация на музикалната тъкан: всички или не всички нейни гласове са мелодично значими. В този случай се разграничават два основни вида текстура: полифонична (ако всички гласове на музикалната тъкан са мелодично значими) и хомофонична (ако има един мелодично значим глас). Съществува и смесен тип изложение, съчетаващо характеристиките на двата основни: поне два мелодично значими гласа - с също хармоничен съпровод.

Полифония

Терминът "полифония" идва от гръцки думиполи – много и телефон – звук. Буквалното му значение е полифония. Но не всяка полифония се нарича полифонична, а само тази, в която, както вече беше казано, всички гласове са мелодично значими. Ето защо полифонията иначе се нарича "ансамбъл от мелодии".

ПодглотиченПолифонията възниква, когато една мелодия и нейният подгласов вариант (или подгласови варианти) се представят едновременно. Ехото, като правило, запазва интонационната основа на мелодията, от която се разклонява, и може да бъде близко до нея в ритъм и интонация в различна степен. Поддържащият глас е по-близо до водещата мелодия, колкото по-дълго се движи с нея равноритмично, успоредно, и колкото по-далеч от нея, толкова по-големи са разликите между тях.

Контрастнивид полифония се формира чрез едновременно представяне на различни мелодии.

Разликите между тях са преди всичко ритмични, но и в оформлението на мелодичната линия.

Имитация(лат. imitatio - подражание) вид полифония, която се образува чрез повтаряне на обикновено кратка мелодична тема, която току-що е била чута в друг глас.

Често различните видове полифония си взаимодействат. Например в примера по-долу горният и средният глас са темата и ехото, а долният им контрастира.

В контрастната полифония, както вече беше отбелязано, едновременно се преследват различни теми. В имитативна полифония основен глас– представяне на темата, като тази функция се редува от един глас на друг. След като прехвърли темата на друг глас, първият става подчинен - ​​сега той води акомпанимента (контракцията) към темата.