Описание на картината. Живописта е вид изобразително изкуство, което включва създаване на картини и платна.

Броят на стиловете и тенденциите е огромен, ако не и безкраен. Основната характеристика, по която произведенията могат да бъдат групирани в стилове, са общите принципи художествено мислене. Замяната на един метод на художествено мислене с друг (редуване на видове композиции, методи на пространствено изграждане, цветови характеристики) не е случайна. Нашето възприемане на изкуството също се е променило исторически.
Чрез изграждането на система от стилове в йерархичен ред ще се придържаме към европоцентричната традиция. Най-важното понятие в историята на изкуството е понятието епоха. Всяка епоха се характеризира с определена „картина на света“, която се състои от философски, религиозни, политически идеи, научни идеи, психологически характеристики на мирогледа, етични и морални стандарти, естетически критерии на живота, по които една епоха се отличава от друга. Това са Първобитната епоха, ерата Древен свят, Античност, Средновековие, Ренесанс, Ново време.
Стиловете в изкуството нямат ясни граници, те плавно преминават един в друг и са в непрекъснато развитие, смесване и противопоставяне. В рамките на един исторически художествен стил винаги се ражда нов, който от своя страна преминава в следващия. Много стилове съществуват едновременно и следователно изобщо няма „чисти стилове“.
В една и съща историческа епоха могат да съществуват няколко стила. Например класицизъм, академизъм и барок през 17 век, рококо и неокласицизъм през 18 век, романтизъм и академизъм през 19 век. Стилове като класицизма и барока се наричат ​​велики стилове, защото се отнасят за всички видове изкуство: архитектура, живопис, декоративни и приложни изкуства, литература, музика.
Необходимо е да се прави разлика между: художествени стилове, направления, течения, школи и особености на индивидуалните стилове на отделните майстори. В рамките на един стил може да има няколко художествени движения. Художественото направление се състои както от типични характеристики на дадена епоха, така и от уникални методи на художествено мислене. Стилът Арт Нуво например включва редица течения от началото на века: постимпресионизъм, символизъм, фовизъм и др. От друга страна, концепцията за символизма като художествено течение е добре развита в литературата, докато в живописта е твърде неясна и обединява художници, които са толкова различни стилово, че често се тълкуват само като мироглед, който ги обединява.

По-долу ще бъдат дадени дефиниции на епохи, стилове и направления, които по един или друг начин са отразени в съвременното изобразително и декоративно изкуство.

	- художествен стил, който се развива в страните от Западна и Централна Европа през 12-15 век. Това е резултат от многовековната еволюция на средновековното изкуство, неговият най-висок етап и същевременно първият общоевропейски, международен художествен стил в историята. Обхвана всички видове изкуства – архитектура, скулптура, живопис, стъклопис, дизайн на книги, декоративно-приложни изкуства. Основата на готическия стил беше архитектурата, която се характеризира със заострени арки, насочени нагоре, многоцветни витражи и визуална дематериализация на формата. Елементи на готическото изкуство често могат да бъдат намерени в съвременния интериорен дизайн, по-специално в стенописи и по-рядко в стативи. От края на миналия век съществува готическа субкултура, ясно проявяваща се в музиката, поезията и дизайна на облеклото.
	(Renaissance) - (фр. Renaissance, италиан. Rinascimento) Епоха в културното и идеологическото развитие на редица страни от Западна и Централна Европа, както и някои страни от Източна Европа. Основните отличителни черти на ренесансовата култура: светски характер, хуманистичен мироглед, обръщение към древното културно наследство, един вид негово „възраждане“ (оттук и името). Ренесансовата култура има специфични особеностипреходна епоха от средновековието към новото време, в която старото и новото, преплитайки се, образуват уникална, качествено нова сплав. Труден въпрос са хронологическите граници на Ренесанса (в Италия - 14-16 век, в други страни - 15-16 век), неговото териториално разпределение и национални характеристики. Елементи от този стил в модерното изкуство често се използват в стенописи, по-рядко в стативна живопис.
	- (от италиански maniera - техника, начин) движение в европейското изкуство от 16 век. Представителите на маниеризма се отдалечиха от ренесансовото хармонично възприемане на света, хуманистичната концепция за човека като съвършено творение на природата. Острото възприемане на живота беше съчетано с програмно желание не да се следва природата, а да се изрази субективна „вътрешна идея“ художествен образ, роден в душата на художник. Най-ярко се прояви в Италия. За италианския маниеризъм от 1520-те. (Понтормо, Пармиджанино, Джулио Романо) се характеризират с драматична острота на образите, трагичен мироглед, сложност и преувеличена експресия на пози и мотиви на движение, удължени пропорции на фигурите, колористични и светлинни дисонанси. Напоследък започва да се използва от историците на изкуството за обозначаване на явления в съвременното изкуство, свързани с трансформацията на историческите стилове.
	- исторически художествен стил, който стана широко разпространен първоначално в Италия в средата. XVI-XVII век, а след това във Франция, Испания, Фландрия и Германия през XVII-XVIII век. В по-широк план този термин се използва за определяне на непрекъснато обновяващите се тенденции на неспокойна, романтична нагласа, мислене в експресивни, динамични форми. И накрая, във всяко време, в почти всеки исторически художествен стил, може да се намери свой собствен „бароков период“ като етап на най-висок творчески подем, напрежение на емоциите, експлозивност на формите.
	- художествен стил в западноевропейско изкуство XVII – ран XIX век и на руски XVIII - нач. XIX, адресиране древно наследствокато идеал за следване. Проявява се в архитектурата, скулптурата, живописта, декоративните и приложни изкуства. Класическите художници смятат античността най-високо постижениеи го превърнаха в свой стандарт в изкуството, който се стремяха да имитират. С времето то се изроди в академизъм.
	- посока в европейското и руското изкуство от 1820-1830 г., която замени класицизма. Романтиците подчертават индивидуалността, противопоставяйки идеалната красота на класиците с „несъвършената“ реалност. Художниците бяха привлечени от ярки, редки, необикновени явления, както и от образи от фантастична природа. В изкуството на романтизма острото индивидуално възприятие и опит играят голяма роля. Романтизмът освобождава изкуството от абстрактните класически догми и го обръща към националната история и образите на фолклора.
	- (от латински sentiment - чувство) - посока в западното изкуство от втората половина на 18 век, изразяваща разочарованието от „цивилизацията“, основана на идеалите на „разума“ (идеология на Просвещението). С. провъзгласява чувство, самотен размисъл, простота селски живот “малко човече" Ж. Ж. Русо се счита за идеолог на С.
	- направление в изкуството, което се стреми да изобрази с най-голяма истина и достоверност както външната форма, така и същността на явленията и нещата. Как творческият метод съчетава индивидуални и типични черти при създаване на изображение. Най-дългата съществуваща посока, развиваща се от примитивна епохадо днес.
	- посока в европейската художествена култура от края на 19 и началото на 20 век. Възникнал като реакция на господството на нормите на буржоазния „здрав разум“ в хуманитарната сфера (във философията, естетиката - позитивизъм, в изкуството - натурализъм), символизмът се оформя предимно в френска литературакрая на 1860-70-те години, по-късно става широко разпространен в Белгия, Германия, Австрия, Норвегия, Русия. Естетически принциписимволизмът до голяма степен се върна към идеите на романтизма, както и към някои доктрини на идеалистичната философия на А. Шопенхауер, Е. Хартман, отчасти Ф. Ницше, към творчеството и теоретизирането немски композиторР. Вагнер. Символизмът противопоставя живата реалност на света на виденията и мечтите. Универсален инструмент за разбиране на мистериите на битието и индивидуално съзнаниесе смяташе за символ, генериран от поетично прозрение и изразяващ отвъдното, скрито от обикновено съзнаниезначението на явленията. Художникът-творец се възприема като посредник между реалното и свръхсетивното, навсякъде откривайки „знаци” на световната хармония, пророчески отгатвайки признаци на бъдещето както в съвременните явления, така и в събитията от миналото.
	- (от френски импресия - впечатление) посока в изкуството на последното трети на XIX- началото на 20 век, който възниква във Франция. Името е въведено от художествения критик Л. Лерой, който пренебрегна изложбата на художници през 1874 г., където, наред с други, беше представена картината "Изгрев" на К. Моне. Впечатление“. Импресионизмът насърчава красотата реален свят, подчертавайки свежестта на първото впечатление и променливостта на средата. Преобладаващото внимание към решаването на чисто изобразителни проблеми намали традиционната идея за рисуване като основен компонент на произведение на изкуството. Импресионизмът оказва силно влияние върху изкуството европейски държавии САЩ, предизвика интерес към разкази от реалния живот. (Е. Мане, Е. Дега, О. Реноар, К. Моне, А. Сислей и др.)
	- движение в живописта (синоним на дивизионизъм), развило се в рамките на неоимпресионизма. Неоимпресионизмът възниква във Франция през 1885 г. и се разпространява също в Белгия и Италия. Неоимпресионистите се опитаха да приложат в изкуството най-новите постижения в областта на оптиката, според които рисуването, направено с отделни точки от основни цветове във визуалното възприятие, дава сливане на цветове и цялата гама на живописта. (J. Seurat, P. Signac, C. Pissarro).
	Постимпресионизъм- условно сборно наименование на основните направления Френска живописГлава XIX - 1-ва четвърт ХХ век Изкуството на постимпресионизма възниква като реакция на импресионизма, който се фокусира върху предаването на момента, върху усещането за живописност и загубения интерес към формата на предметите. Сред постимпресионистите са П. Сезан, П. Гоген, В. Гог и др.
	- стил в европейското и американското изкуство в началото на 19-20 век. Модернизмът интерпретира и стилизира характеристиките на изкуството от различни епохи и развива свои собствени художествени техники, основани на принципите на асиметрията, орнаменталността и декоративността. Естествените форми също стават обект на стилизиране на модерността. Това обяснява не само интереса към флоралните орнаменти в модернистичните произведения, но и самата им композиционна и пластична структура - изобилието от криволинейни очертания, плаващи нерви, нови контури, напомнящи растителни форми. Тясно свързан с модерността е символизмът, който служи като естетическа и философска основа на модерността, разчитайки на модерността като пластична реализация на своите идеи. Арт Нуво имаше в различни държавиразлични имена, които по същество са синоними: Арт Нуво – във Франция, Сецесион – в Австрия, Арт Нуво – в Германия, Либерти – в Италия.
	- (от френски модерен - модерен) общото наименование на редица художествени движения от първата половина на 20-ти век, които се характеризират с отрицание традиционни формии естетиката на миналото. Модернизмът е близък до авангарда и противоположен на академизма.
	- име, което обединява набор от художествени течения, разпространени през 1905-1930 г. (фовизъм, кубизъм, футуризъм, експресионизъм, дадаизъм, сюрреализъм). Всички тези направления са обединени от желанието за обновяване на езика на изкуството, преосмисляне на задачите му и получаване на свобода на художественото изразяване.
	- направление в изкуството от XIX - н.е. XX век, базиран на творческите уроци на френския художник Пол Сезан, който свежда всички форми в изображението до най-простите геометрични форми, а цвят - към контрастни конструкции от топли и студени тонове. Сезан служи като една от отправните точки на кубизма. До голяма степен сезанизмът повлия и на местната реалистична школа в живописта.
	- (от fauve - див) авангардно движение във френското изкуство AD. ХХ век Името „див“ е дадено от съвременните критици на група художници, които се представят през 1905 г. в Парижкия салон на независимите, и е иронично. Групата включваше А. Матис, А. Марке, Ж. Руо, М. дьо Вламинк, А. Дерен, Р. Дюфи, Ж. Брак, К. ван Донген и др. Фовистите бяха обединени от влечението си към лаконичната изразителност на формите и интензивните колористични решения, търсенето на импулси в примитивното творчество, изкуството на Средновековието и Изтока.
	- умишлено опростяване на визуалните средства, имитация на примитивни етапи от развитието на изкуството. Този термин се отнася до т.нар. наивно изкуство на художници, които не са получили специално образование, но са били включени в общия художествен процес края на XIX - началото. ХХ век. Творбите на тези художници - Н. Пиросмани, А. Русо, В. Селиванов и др. - се характеризират с особена детинщина в интерпретацията на природата, комбинация от обобщена форма и дребна буквалност в детайлите. Примитивизмът на формата съвсем не предопределя примитивността на съдържанието. Често служи като източник за професионалисти, заимствайки по същество от народа примитивно изкуствоформи, образи, методи. Н. Гончарова, М. Ларионов, П. Пикасо, А. Матис черпят вдъхновение от примитивизма.
	- посока в изкуството, която се развива въз основа на следването на каноните на античността и Ренесанса. Той е често срещан в много европейски художествени школи от 16-ти до 19-ти век. Академизмът се обърна класически традициив система от „вечни“ правила и разпоредби, които ограничават творческо търсене, се опита да противопостави несъвършената жива природа на „високо” подобрените, ненационални и вечни форми на красота, доведени до съвършенство. Академизмът се характеризира с предпочитание към предмети от антична митология, библейски или исторически теми от съвременния живот на художника.
	- (фр. cubisme, от куб - куб) посока в изкуството от първата четвърт на 20 век. Пластичният език на кубизма се основава на деформацията и разлагането на обекти върху геометрични равнини, пластична промяна на формата. Раждането на кубизма се случи през 1907-1908 г. - в навечерието на Първата световна война. Безспорният лидер на тази тенденция беше поетът и публицистът Г. Аполинер. Това движение беше едно от първите, които въплътиха водещите тенденции по-нататъшно развитиеизкуство на ХХ век. Една от тези тенденции беше доминирането на концепцията над художествената стойност на картината. Ж. Брак и П. Пикасо се считат за бащи на кубизма. Фернан Леже, Робер Делоне, Хуан Грис и други се присъединиха към възникващото движение.
	- движение в литературата, живописта и киното, възникнало през 1924 г. във Франция. Той значително допринесе за формирането на съзнанието на съвременния човек. Основните фигури на движението са Андре Бретон, Луис Арагон, Салвадор Дали, Луис Бунюел, Жоан Миро и много други художници от цял ​​свят. Сюрреализмът изрази особено идеята за съществуване отвъд реалното важна ролятук абсурдът, несъзнаваното, мечтите, мечтите поемат. Един от характерните методи на художника сюрреалист е оттеглянето от съзнателното творчество, което го превръща в инструмент, по различни начиниизвличане причудливи образиподсъзнание, подобно на халюцинации. Сюрреализмът преживя няколко кризи, преживя Втората световна война и постепенно се слива с популярна култура, пресичащ се с трансавангарда, навлязъл като неразделна част от постмодернизма.
	- (от лат. futurum - бъдеще) литературно и художествено движение в изкуството от 1910-те години. Отреждайки си ролята на прототип на изкуството на бъдещето, футуризмът като основна програма излага идеята за разрушаване на културните стереотипи и вместо това предлага апология на технологиите и низостта като основни знаци на настоящето и бъдещето . Важна художествена идея на футуризма беше търсенето на пластичен израз на скоростта на движение като основен знак за темпото на съвременния живот. Руската версия на футуризма се нарича кубофутуризъм и се основава на комбинация от пластичните принципи на френския кубизъм и европейските общи естетически инсталации на футуризма.

През 17 век е въведено разделение на жанровете в живописта на „високи“ и „ниски“. Първият включва исторически, бойни и митологични жанрове. Вторият включва светски жанрове на живописта от ежедневието, например битов жанр, натюрморт, анималистична живопис, портрет, голо тяло, пейзаж.

Исторически жанр

Историческият жанр в живописта не изобразява конкретен предмет или човек, а конкретен момент или събитие, случило се в историята на минали епохи. Включва се в осн жанрове на живопистав изкуството. Портретът, битката, ежедневието и митологичните жанрове често са тясно преплетени с историческия.

"Завладяването на Сибир от Ермак" (1891-1895)
Василий Суриков

Художниците Никола Пусен, Тинторето, Йожен Делакроа, Питър Рубенс, Василий Иванович Суриков, Борис Михайлович Кустодиев и много други рисуват своите картини в историческия жанр.

Митологичен жанр

Приказки, древни легенди и митове, фолклор - изобразяването на тези теми, герои и събития е намерило своето място в митологичния жанр на живописта. Може би може да се различи в картините на всеки народ, защото историята на всяка етническа група е пълна с легенди и традиции. Например, такъв сюжет от гръцката митология като тайна романтикаБогът на войната Арес и богинята на красотата Афродита са изобразени в картината "Парнас" на италиански художник на име Андреа Мантеня.

"Парнас" (1497)
Андреа Мантеня

Митологията в живописта окончателно се формира през Ренесанса. Представители на този жанр, освен Андреа Мантеня, са Рафаел Санти, Джорджоне, Лукас Кранах, Сандро Ботичели, Виктор Михайлович Васнецов и др.

Боен жанр

Баталната живопис описва сцени от военния живот. Най-често се илюстрират различни военни кампании, както и морски и сухопътни битки. И тъй като тези битки често са взети от реалната история, битката и историческият жанр намират своята пресечна точка тук.

Фрагмент от панорамата „Битката при Бородино“ (1912 г.)
Франц Рубо

През времето се оформя баталната живопис Италиански ренесансв творбите на художниците Микеланджело Буонароти, Леонардо да Винчи, а след това Теодор Жерико, Франсиско Гоя, Франц Алексеевич Рубо, Митрофан Борисович Греков и много други художници.

Всекидневен жанр

Сцени от ежедневието, обществения или личния живот на обикновените хора, било то градски или селски живот, изобразява битов жанр в живописта. Като много други жанрове на живопистаежедневните картини рядко се срещат в своя собствена форма, ставайки част от жанра на портрета или пейзажа.

„Продавач на музикални инструменти“ (1652)
Карел Фабрициус

Произход битова живописсе появява през 10 век на Изток и се премества в Европа и Русия едва през 17-18 век. Ян Вермеер, Карел Фабрициус и Габриел Мецу, Михаил Шибанов и Иван Алексеевич Ерменев са най-известните художници домашни картинипрез този период.

Анималистичен жанр

Основни обекти животински жанрса животни и птици, както диви, така и домашни, и изобщо всички представители на животинския свят. Първоначално рисуването на животни е част от жанровете на китайската живопис, тъй като за първи път се появява в Китай през 8 век. В Европа живописта с животни се формира едва през Ренесанса - животните по това време са изобразявани като въплъщение на човешките пороци и добродетели.

"Коне на поляната" (1649)
Паулус Потър

Антонио Пизанело, Паулус Потър, Албрехт Дюрер, Франс Снайдерс, Алберт Кейп са основните представители на анималистичната живопис в изобразително изкуство.

Натюрморт

Жанрът натюрморт изобразява предмети, които заобикалят човек в живота. Това са неодушевени предмети, обединени в една група. Такива предмети могат да принадлежат към един и същ род (например на снимката са изобразени само плодове) или да са различни (плодове, прибори, музикални инструменти, цветя и др.).

„Цветя в кошница, пеперуда и водно конче“ (1614)
Амброзиус Бошарт Стари

Натюрморт като самостоятелен жанрсе оформя през 17 век. Особено се отличават фламандската и холандската школи за натюрморт. Представители на голямо разнообразие от стилове рисуваха своите картини в този жанр, от реализъм до кубизъм. Някои от най-известните натюрморти са рисувани от художниците Амброзиус Босхарт Стари, Албертус Йона Бранд, Пол Сезан, Винсент Ван Гог, Пиер Огюст Реноар, Вилем Клаес Хеда.

Портрет

Портретът е жанр в живописта, който е един от най-разпространените в изобразителното изкуство. Целта на портрета в живописта е да изобрази човек, но не само външния му вид, но и да предаде вътрешните чувства и настроението на изобразения човек.

Портретите могат да бъдат единични, двойки, групови, както и автопортрет, който понякога се обособява като отделен жанр. И може би най-известният портрет на всички времена е картината на Леонардо да Винчи, наречена „Портрет на мадам Лиза дел Джокондо“, известна на всички като „Мона Лиза“.

"Мона Лиза" (1503-1506)
Леонардо да Винчи

Първите портрети се появяват преди хиляди години в Древен Египет- това бяха изображения на фараони. Оттогава повечето артисти на всички времена са се пробвали в този жанр по един или друг начин. Портретът и историческите жанрове на живописта също могат да се пресичат: изобразяването на велик историческа личностще се счита за произведение от исторически жанр, въпреки че в същото време ще предаде външния вид и характера на този човек като портрет.

гола

Целта на жанра голо тяло е да изобрази голото човешко тяло. Периодът на Ренесанса се счита за момент на възникване и развитие на този вид живопис, като основен обект на рисуване тогава най-често става женско тяло, който олицетворява красотата на епохата.

"Селски концерт" (1510)
Тициан

Тициан, Амедео Модилиани, Антонио да Кореджо, Джорджоне, Пабло Пикасо са най-много известни артистикойто рисува голи картини.

Пейзажи

Основната тема на пейзажния жанр е природата, околната среда - град, провинция или пустиня. Първите пейзажи се появяват в древни времена при рисуване на дворци и храмове, създаване на миниатюри и икони. Пейзажът започва да се обособява като самостоятелен жанр през 16 век и оттогава се превръща в един от най-популярните жанрове. жанрове на живописта.

Присъства в творчеството на много художници, като се започне от Питър Рубенс, Алексей Кондратиевич Саврасов, Едуард Мане, продължи се с Исак Илич Левитан, Пит Мондриан, Пабло Пикасо, Жорж Брак и се стигне до много съвременни художници на 21 век.

"Златна есен" (1895)
Исак Левитан

Сред пейзажна живописМожете да различите такива жанрове като морски и градски пейзажи.

Ведута

Ведута е пейзаж, чиято цел е да изобрази облика на една градска зона и да предаде нейната красота и колорит. По-късно, с развитието на индустрията, градският пейзаж се превръща в индустриален пейзаж.

"Площад Сан Марко" (1730)
Каналето

Можете да оцените градските пейзажи, като се запознаете с произведенията на Каналето, Питър Брьогел, Фьодор Яковлевич Алексеев, Силвестър Феодосиевич Шчедрин.

Марина

Морски пейзаж или яхтено пристанище изобразява природата на морския елемент, неговото величие. Най-известният маринист в света е може би Иван Константинович Айвазовски, чиято картина „Деветата вълна“ може да се нарече шедьовър на руската живопис. Разцветът на яхтеното пристанище настъпва едновременно с развитието на ландшафта като такъв.

„Платоходка в буря“ (1886)
Джеймс Бътърсуърт

Кацушика Хокусай, Джеймс Едуард Бътърсуърт, Алексей Петрович Боголюбов, Лев Феликсович Лагорио и Рафаел Монлеон Торес също са известни със своите морски пейзажи.

Ако искате да научите още повече за това как са се появили и развили живописните жанрове в изкуството, гледайте следното видео:

Вземете го за себе си и кажете на приятелите си!

Прочетете също на нашия уебсайт:

Покажи повече

- това е един от основните видове изобразително изкуство; представлява художествен образ обективен святцветни бои по повърхността. Живописта се дели на: стативна, монументална и декоративна.

- представени основно от извършени работи маслени боивърху платно (картон, дървени дъски или голо). Това е най-популярният вид рисуване. Този тип обикновено се прилага към термина " живопис".

е техника за рисуване върху стени при декориране на сгради и архитектурни елементив сгради. Особено разпространено в Европа фреска - монументална живопис върху мокра мазилка с водоразтворими бои. Тази техника на рисуване е добре позната от древността. По-късно тази техника е използвана при проектирането на много християнски религиозни църкви и техните сводове.

Декоративна живопис - (от латинска думаот decoro - за украса) е начин за рисуване и прилагане на изображения върху предмети и интериорни детайли, стени, мебели и други декоративни предмети. Отнася се за декоративно-приложните изкуства.

Възможностите на изобразителното изкуство са особено ясно разкрити от стативната живопис от 15 век, след масовото използване на маслени бои. Именно в него има специално разнообразие от съдържание и дълбоко развита форма. Основата на изобразителните художествени средства са цветовете (възможностите на боите), в неразривно единство с chiaroscuro и линия; цветът и светлотеницата се развиват и развиват от живописни техники с пълнота и яркост, недостъпни за други видове изкуство. Това определя съвършенството на обемното и пространствено моделиране, присъщо на реалистичната живопис, яркото и точно предаване на реалността, възможността за реализиране на сюжетите, замислени от художника (и методите за изграждане на композиции) и други визуални предимства.

Друга разлика в разликите между видовете боядисване е техниката на изпълнение според видовете бои. Не винаги достатъчно общи чертиза определение. Границата между живописта и графиката във всеки отделен случай: например произведенията, направени в акварел или пастел, могат да принадлежат към двете области, в зависимост от подхода на художника и задачите, които поставя. Въпреки че рисунките върху хартия се класифицират като графики, използването на различни техники за рисуване понякога заличава разликата между живопис и графика.

Трябва да се има предвид, че самият семантичен термин „живопис“ е дума на руски език. Използва се като термин по време на формирането на изобразителното изкуство в Русия през епохата на барока. Използването на думата "живопис" по това време се отнася само за определен типреалистични картини. Но първоначално идва от църковната техника за рисуване на икони, която използва думата „пиша“ (свързана с писане), защото тази дума е превод на значението в гръцките текстове (те са „изгубени в превода“). Собствено развитие в Русия художествено училищеи наследството на европейското академично знание в областта на изкуството, разработиха обхвата на руската дума „живопис“, като я включиха в образователната терминология и книжовен език. Но в руския език се формира особеност на значението на глагола „да пиша“ във връзка с писането и рисуването на картини.

Жанрове на живописта

В хода на развитието на изобразителното изкуство се формират няколко класически жанра живопис, които придобиват свои собствени характеристики и правила.

Портрете реалистично изображение на човек, в което художникът се опитва да постигне прилика с оригинала. Един от най-популярните жанрове в живописта. Повечето клиенти използват таланта на художниците, за да увековечат собствения си образ или, искайки да получат образ на любим човек, роднина и др. Клиентите се стремят да получат портретна прилика (или дори да я украсят), оставяйки визуално въплъщение в историята. Портрети различни стиловеса най-масовата част от експозицията на повечето художествени музеи и частни колекции. Този жанр включва и такъв тип портрет като автопортрет - изображение на самия художник, нарисувано от самия него.

Пейзажи- един от популярните живописни жанрове, в който художникът се стреми да изобрази природата, нейната красота или особеност. Различните видове природа (настроението на сезона и времето) оказват силно емоционално въздействие върху всеки зрител - това е психологическа характеристика на човек. Желанието да се получи емоционално впечатление от пейзажите направи този жанр един от най-популярните в художественото творчество.

- този жанр е в много отношения подобен на пейзажа, но има ключова характеристика: Картините изобразяват пейзажи, включващи архитектурни обекти, сгради или градове. Специален акцент са уличните изгледи на градове, които предават атмосферата на дадено място. Друга посока на този жанр е изобразяването на красотата на архитектурата на определена сграда - нейния външен вид или изображения на нейния интериор.

- жанр, в който е основната тема на картините историческо събитиеили неговата интерпретация от художника. Интересното е, че принадлежи към този жанр огромно количествокартини на библейска тема. Тъй като през Средновековието библейските сцени се считат за „исторически“ събития и основните клиенти на тези картини са църквата. „Исторически“ библейски сюжети присъстват в творчеството на повечето художници. Второто раждане на историческата живопис се случва по времето на неокласицизма, когато художниците се обръщат към известни исторически сюжети, събития от древността или национални легенди.

- отразява сцени от войни и битки. Особеността е не само желанието да се отрази историческо събитие, но и да се предаде на зрителя емоционалното възвишение на подвига и героизма. Впоследствие този жанр става и политически, позволявайки на художника да предаде на зрителя своя възглед (своето отношение) към случващото се. Подобен ефект от политическия акцент и силата на таланта на художника можем да видим в творчеството на В. Верешчагин.

е жанр на рисуване с композиции от неодушевени предмети, използващи цветя, продукти и ястия. Този жанр е един от най-новите и се формира в холандската школа по живопис. Може би появата му е причинена от особеностите на холандското училище. Икономическият бум от 17-ти век в Холандия доведе до желание за достъпен лукс (картини) сред значителна част от населението. Тази ситуация привлича голям брой художници в Холандия, предизвиквайки силна конкуренция между тях. Моделите и работилниците (хора в подходящи дрехи) не бяха достъпни за бедните художници. Когато рисуваха картини за продажба, те използваха импровизирани средства (предмети) за композиране на картините. Тази ситуация в историята на холандското училище е причината за развитието на жанровата живопис.

Жанрова живопис — темата на картините са ежедневни сцени от ежедневието или празници, обикновено с участието на обикновени хора. Също като натюрморта, той става широко разпространен сред холандските художници през 17 век. През периода на романтизма и неокласицизма този жанр придоби ново раждане; стремят се не толкова да отразяват ежедневието, колкото да го романтизират, да внесат определен смисъл или морал в сюжета.

Марина- вид пейзаж, който изобразява морски гледки, крайбрежни пейзажи с изглед към морето, изгреви и залези в морето, кораби или дори морски битки. Въпреки че има отделен боен жанр, морските битки все още принадлежат към жанра „марина“. Развитието и популяризирането на този жанр може да се отдаде и на холандската школа от 17 век. Той беше популярен в Русия благодарение на работата на Айвазовски.

— особеност на този жанр е сътвор реалистични картини, изобразяващи красотата на животните и птиците. Един от интересни функцииТози жанр е наличието на картини, изобразяващи несъществуващи или митични животни. Наричат ​​се художници, които се специализират в изображения на животни анималисти.

История на живописта

Необходимостта от реалистични изображения е съществувала от древни времена, но е имала редица недостатъци поради липсата на технологии, систематични училища и образование. В древни времена по-често могат да се намерят примери за приложна и монументална живопис с техниката на рисуване върху гипс. В древни времена по-голямо значение се придаваше на таланта на изпълнителя; художниците бяха ограничени в технологията на правене на бои и възможността да получат системно образование. Но още в древността се формират специализирани знания и трудове (Витрувий), които ще бъдат основа за нов разцвет европейско изкуствопрез Ренесанса. Декоративната живопис получава значително развитие през гръцката и римската античност (школата е загубена през Средновековието), чието ниво е достигнато едва след 15 век.

Рисуване на римска фреска (Помпей, 1 век пр. н. е.), пример за нивото на технологията на древната живопис:

„Тъмните векове“ на Средновековието, войнственото християнство и инквизицията водят до забрани за изучаване на художественото наследство на античността. Огромният опит на древните майстори, знанията в областта на пропорциите, композицията, архитектурата и скулптурата са забранени, а много художествени съкровища са унищожени поради посвещението им на древни божества. Връщане към ценностите на изкуството и науката в Европа се случва едва през Ренесанса (прераждане).

Художниците от ранния Ренесанс (възраждане) трябваше да наваксат и възродят постиженията и нивото на античните художници. Това, на което се възхищаваме в произведенията на художниците от ранния Ренесанс, е нивото на майсторите на Рим. Ярък пример за загубата на няколко века развитие на европейското изкуство (и цивилизация) през „тъмните векове“ на Средновековието, войнственото християнство и инквизицията - разликата между тези картини от 14 век!

Появата и разпространението на технологията за изработване на маслени бои и техниката на рисуване с тях през 15 век дава началото на развитието на стативната живопис и особен вид произведения на художника - цветни картини с маслени бои върху грундирано платно или дърво.

Живописта получава огромен скок в качественото развитие през Ренесанса, до голяма степен благодарение на работата на Леон Батиста Алберти (1404-1472). Той е първият, който излага основите на перспективата в живописта (трактатът „За живописта“ от 1436 г.). Към него (трудовете му по систематизация научно познание) Европейската художествена школа е длъжна на появата (възраждането) на реалистична перспектива и естествени пропорции в картините на художниците. Известна и позната рисунка на Леонардо да Винчи "Витрувиански човек"(човешки пропорции) от 1493 г., посветен на систематизирането на древните знания на Витрувий за пропорциите и композицията, е създаден от Леонардо половин век по-късно от трактата на Алберти „За живописта“. И работата на Леонардо е продължение на развитието на европейската (италианска) художествена школа на Ренесанса.

Но живописта получава ярко и широко развитие от 16-17 век, когато техниката на маслената живопис става широко разпространена, появяват се различни технологии за производство на бои и се формират школи по живопис. Именно системата от знания и художествено образование (техники на рисуване), съчетана с търсенето на произведения на изкуството сред аристокрацията и монарсите, доведоха до бързия разцвет на изобразителното изкуство в Европа (периода на барока).

Неограничените финансови възможности на европейските монархии, аристокрации и предприемачи станаха отлична почва за по-нататъшното развитие на живописта през 17-19 век. И отслабването на влиянието на църквата и светския начин на живот (умножено от развитието на протестантството) позволи раждането на много теми, стилове и движения в живописта (барок и рококо).

В хода на развитието на изобразителното изкуство художниците са развили много стилове и техники, които водят до най-високо ниво на реализъм в техните произведения. До края на 19 век (с появата на модернистичните движения) в живописта започват интересни трансформации.

Наличието на художествено образование, масовата конкуренция и високите изисквания към уменията на творците от публиката (и купувачите) пораждат нови насоки в методите на изразяване.

Изящното изкуство вече не е ограничено само от нивото на техниката, художниците се стремят да внасят специални значения, начини на „гледане“ и философия в произведенията. – изглед на изображението, изобразено върху равнина; pr-e is-va, изработени с бои, нанесени върху всякакви повърхности. Предимство: изобразяване на човек в многообразните му връзки с околната среда. Zh-s е в състояние да предаде обем и пространство в равнина, разкриването му е трудно. светът на чувствата и характерите на хората. Изобразителният подход е изобразяване на обект във връзка със заобикалящата го пространствена светлинно-въздушна среда, в най-фина градация на тонални преходи.

Видове рисуване от цел: монументална (най-старият тип) и монументално-декоративна, стативна, миниатюрна, иконописна, театрално-декоративна, художествени занаяти. Иконопис и миниатюра (ил ръкописна книга) – средновековни ж-с. Станково изкуство – Възраждане.

Типове по технология. Монументални живописни техники: фреска(техника на рисуване с водни бои върху мокра мазилка; стенопис); панел(изображение за декориране на стена или таван); мозайка(изображение или модел на частици от хомогенни или различни материали: камък - камъчета, смалт - стъклена сплав, керамични плочки); стъклопис(композиции от цветно стъкло); гризайл(създаване на илюзията за облекчение). Техники на стативно рисуване:друго оборудване енкаустика(восъчно рисуване, извършено по горещ метод с разтопени бои); темпера(основният метод на иконопис е боя върху яйчен жълтък); маслож-с (материална осезаемост на образа – Възраждане); пастел(използвайте сухи, меки цветни моливи без ръбове); акварел(с бои на водна основа, изискващи бърза и прецизна работа); гваш(използвайте водни бои с добавка на лепило и бяло; когато изсъхнат, тоновете стават по-светли).

майната ти теми: религиозно-митологични и светски. Системата от жанрове в светската литература от 17 век: портрет– индивидуални, двойни и групови, обредни и интимни, психологически и жанрови, извън средата и в средата. среда, автопортрет. Изкуството на портрета датира от древната ритуална култура (култура Фаюм). Пейзажи– като самостоятелен жанр се появява в египетската живопис. Разцвет - изкуството на 19 век: романтично и реалистично - национален пейзаж (лирически и епически), пленер, настроение, философски. Селско и градско (veduta - венецианско градско селище от 18 век - Canaletto, Guardi) село, море. Натюрморт- изображения на неодушевени предмети и природни форми - плодове, цветя, ястия. Разцвет на жанра: фламандски (жанр магазин), холандски (жанр закуска ванита- „суета на суетите“, изображение с череп) и испанското изкуство от 17 век. → в авангардното изкуство. Анималистиченжанр – изобразяване на живи същества, птици, риби (исторически, алегорични, батални, битови жанрове). гола– изобразяване на голо тяло: връща се към митологичната история. Импресионизмът е смесица от жанрове.

Експрес. сряда: рисунка (линия), цвят (цвят), светлотенце, композиция. Цвят– цветова структура на pr-I, характер на връзката на цветовите елементи. Има топло-студени, светло-тъмни, спокойни-интензивни цветове. Рисуване– статив пр-е ж-си, който има самостоятелно значение. Източният тип живопис е традиционната форма на свободно висящ разгънат копринен свитък (хоризонтален или вертикален). Картината се състои от основа (платно - ленено платно, дървена дъска, картон), върху която е нанесен грунд за подготовка. специален слой състав (лепило, масло, емулсия) и слой боя. Може да се използва еднослойно или многослойно. Според текстурата (хар-ру върху боядисания слой) се разграничават стойностИ пастообразенуау Valeur е тонален нюанс, фина разлика в лекотата на първия цвят, предава връзката на фигури, предмети със светлина и въздух (Д. Веласкес, Ян Вермеер от Делфт, Ж. Б. Шарден, К. Коро, В. Суриков). Пастообразна боя - за работа с плътни слоеве, текстура, релеф, обем на боя (Тициан, Рембранд, В. ван Гог). Композиция на картината: разделяне на близък, среден и далечен план, пирамидална композиция (класицизъм); диагонал (барок, романтизъм, реализъм); разделяне на основни и второстепенни елементи или липса на това разделение (импресионизъм). Персонал- второстепенни елементи на живописна композиция - изображения на малки фигури на хора или животни, които не играят сюжетна роля.

Рисуване- вид изобразително изкуство, свързано с предаване на визуални образи чрез нанасяне на бои върху твърда или гъвкава повърхност. Има два вида живопис: стативна и монументална. Станковата живопис включва произведения, които съществуват независимо от мястото на създаване. По принцип това са картини, създадени върху статива (т.е. машината) на художника. В стативната живопис преобладават произведенията, изпълнени с маслени бои, но други бои (темпера, акрилни боии т.н.). Картините обикновено се рисуват върху платно, опънато върху рамка или залепено върху картон, в миналото са били широко използвани дървени дъски, могат да се използват всякакви плоски материали. Монументалната живопис се изпълнява директно върху стените и таваните на сгради и други конструкции. В миналото е преобладавало рисуването с водни бои върху мокра мазилка (стенопис). В Италия до началото на 16 век се е практикувало да се регистрират детайли в темпера върху изсъхнала „чиста фреска“. Техниката „чиста фреска“ изисква специално умение от художника, така че са използвани и други технологии, например не толкова стабилно рисуване върху суха мазилка - по-късните картини са направени с маслени бои, които не са много подходящи за монументална живопис. Цветните изображения върху хартия (акварел, гваш, пастел и др.) формално (например според мястото им в колекцията) се класифицират като графика, но тези произведения често се считат за живопис. Всички други методи за цветни изображения се класифицират като графики, включително изображения, създадени с помощта на компютърна технология. Най-често срещаните произведения на изкуството са тези, изпълнявани върху плоски или почти плоски повърхности, като платно, дърво, опънато на носилка бельо, обработени стенни повърхности и др. Съществува и тясно тълкуване на термина живопискато работи, направени с маслени бои върху платно, картон, фазер и други подобни материали. Руска дума живописпоказва реализма на това изкуство в епохата на барока, когато в Русия започват да рисуват в западен стил, главно с маслени бои. В иконописта се използва глаголът „да пиша“, както и в гръцки. В същото време „живопис“ може да се разбира като енергичен, оригинален начин на писане, тоест като вид писане. Във връзката между рисуване и писане семиотиците виждат и определен начин на създаване на знаци. История на живопистасе развива и се лута именно в тези два смисъла: във фигуративност, реализъм и символизъм: от иконата (образа) до абстракцията. Техники и направления на рисуване: маслени бои; емайл; тъй като художникът използва хартията като основен материал, характерен за графичните видове изкуство; това се доказва и от използването на последната за рисуване. създаване на монохромни произведения (за тази техника е вярна забележка, подобна на тази, направена по отношение на предишната); в този случай, както и в предишните две, не може да се припише недвусмислено на графиката; на Изток, например, калиграфията, която използва най-вече този материал, традиционно се счита за живопис, точно както академичната китайска живопис използва предимно мастило - ахроматична гама); живопис върху мазилка: фреска и сфумато живопис; рисуване с восък: енкаустика, восъчна темпера и студен метод(восъчни бои върху терпентин); рисуване с керамични бои; боядисване със силикатни бои; акварелна живопис (акварелните техники са различни, някои техники са по-близки до живописта, други до графиката; затова неслучайно тезаурусът съдържа следната фраза: „рисувайте с акварел“) суха четка; акрил; смесена техника; Техниките за рисуване са почти неизчерпаеми. Всичко, което оставя някаква следа върху нещо, строго погледнато е живопис: живописта е създадена от природата, времето и човека. Това вече е отбелязано от Леонардо да Винчи. Традиционни техники за рисуване: енкаустика, темпера (с яйце), стена (вар), лепило и други видове. От 15-ти век маслената живопис става популярна; през 20 век се появяват синтетични бои с полимерно свързващо вещество (акрил, винил и др.). Боите могат да бъдат приготвени от естествени и изкуствени пигменти, акварел, китайско мастило и техника полурисунка - пастел - също се класифицират като живопис. Рисуването може да се извършва на всякаква основа: върху камък, гипс, върху платно, коприна, върху хартия, върху кожа (включително върху тялото на животно или човек - татуировки), върху метал, върху асфалт, бетон, стъкло, керамика, и т.н., и т.н., и т.н. Живописта се среща и съжителства с пластичните изкуства, включително архитектурата, скулптурата; може да участва във формирането на изкуствената и естествената среда. Живописта, както и другите изобразителни изкуства, е илюзорна: тя е имитация на триизмерно пространство в равнина, постигната чрез линейна и цветна перспектива. Но нейният визуален, а също и цветен аспект (окото възприема почти безкрайна информация за един миг) определя изключителното място на живописта сред всички изобразителни изкуства. В същото време развитието на изкуството, визуалните методи и изразни средства отдавна е надхвърлило разбирането на основните му задачи - „възпроизвеждане на реалността“. Плотин също казва: „Не копирайте природата, а се учете от нея”; и този принцип е ръководил много художници в продължение на много векове. Следователно задачите на рисуването предполагат не само такава организация на пространството в равнината, която се ръководи и ограничава от пресъздаването на триизмерна среда върху него, освен това някои методи отдавна се възприемат като „задънени улици“ в развитие на изкуството (в контекста на разбирането и преосмислянето на адекватността на възприятието). Равномерността, подобно на цвета, има независима цялост и стойност; заедно те диктуват своите условия в синтеза на формите и на равнината като такава и във взаимодействието с триизмерното времево пространство. Художникът вече не може да се задоволи с набор от илюзорни техники („илюзионизъм“), той следва нуждите на новото разбиране на красотата, изоставяйки неуместните методи за себеизразяване и въздействие върху зрителя, търси нови форми на такова, диалектически се връща към най-доброто от отхвърленото и по този начин стига до разбиране и прилагане на нови ценности. Такова разбиране на методите и техническите, изразителни задачи на изкуството се култивира сред други теоретици и майстори В. А. Фаворски и Фр. Павел Флоренски и впоследствие независимо разработен от самия В. А. Фаворски. Разбира се, това не е единственият „правилен” път на развитие. съвременно изкуствои живопис, въпреки това много от разпоредбите на такава визия са много убедителни и продуктивни. Що се отнася до заблудата на строгото изключване на живописта от пластичните изкуства, дори теорията на „ортодоксалната” художествена критика също отдавна е преоценена. Ето какво пише не в някакво измислено концептуално изследване, а в Popular художествена енциклопедия“: „Пластическите изкуства се делят от своя страна на изящни и непредставителни. Първите включват живопис, скулптура, графика, монументално изкуство... Неизобразителното изкуство включва архитектура, декоративно-приложни изкуства и художествен дизайн... Границите между изобразителното и неизящни изкустване са абсолютни...” Функции на живописта. Подобно на други видове изкуство, живописта може да изпълнява познавателни, естетически, религиозни, идеологически, философски, социално-образователни или документални функции. Но основното и първостепенно изразително и смислово значение в живописта има цветът, който сам по себе си е носител на идея (включително поради психологически фактори на въздействие и възприятие). Това е много убедително обяснено и показано, например, от теорията на И. Итен. Неслучайно съществува такова понятие като „литературност“, когато живописта по една или друга причина, нямайки достатъчно пластични и изразителни качества, привлича в арсенала си чисто повествователен, „литературен“ компонент. Въпреки това, развивайки се заедно с човека и целия свят, живописта придобива както нова интерпретация, така и ново разбиране на задачите. По този начин, първоначално с ясни признаци на независим пластични характеристики(неслучайно един от основните параметри, разделящи живописните техники от графичните, е мазкът на четката, който предоставя широк спектър от пластични възможности - в най-голяма степен, разбира се, за най-разпространения вид - маслената живопис, но също така, разбира се, за много от новите му видове и техники, предполагащи синтез на форми). Представа за начините и задачите на рисуването, като всички средства и методи за себеизразяване, история на изкуството и творческа среда- изпитаха очевидното влияние на развитието на общия познавателен процес, но естествено и самите те го повлияха, докосвайки много аспекти на мирогледа и човешката дейност. Преосмислянето на функциите на живописта, както и на всяко творчество, премина през отричането на нейната целесъобразност като такава („Само като осъзнаеш, че тя е напълно безсмислена, можеш да започнеш да твориш“, казва Р.-М. Рилке); - чрез осъзнаването, че “това е дълбок ирационален процес” - не само Р.-М. Рилке и правилно възприетият и добре разбран от него П. Клее, но и много художници и философи; Нещо повече, самото им развитие подготви ново разбиране за изкуството и неговите задачи: беше невъзможно цялата мимолетна битова, техническа и технологична, а накрая и социална и морална трансформация да се вмести в прокрустовото ложе на идеологически и академични догми и клишета, жречески изолиращи изкуство от самото развитие на живота, свеждайки се именно до „добре разбрани и отдавна познати“ функции, тази дълбока творчески процес. Отличава се живописта, създадена от хора, които в различна степен неадекватно възприемат заобикалящата реалност, в чиито творби липсва опит за доближаване до нейното реалистично отражение. В някои случаи такива картини се създават от хора с психични отклонения от общоприетата норма и дори от пациенти на лечебни заведения. Жанрове на живописта. Портрет.Портретът е изображение на човек или група хора, които съществуват или са съществували в действителност „Портретът изобразява външния вид (а чрез него и вътрешния свят) на определена, реална личност, съществувала в миналото или съществуваща в миналото. настояще.“ [Границите на портретния жанр са много гъвкави и често самият портрет може да се комбинира в една творба с елементи от други жанрове. Исторически портрет- изобразява фигура от миналото и е създадена от спомените или въображението на майстора. Посмъртен (ретроспективен) портрет- направени след смъртта на изобразените хора, въз основа на техните приживе изображения или дори напълно композирани. Портретна живопис- портретуваният е представен в смислова и сюжетна връзка със света на заобикалящите го неща, природата, архитектурните мотиви и другите хора. Портретна разходка- образът на ходещ човек на фона на природата възниква в Англия през 18 век и става популярен в ерата на сантиментализма Портретен тип- събирателен образ, структурно близък до портрета Костюмен портрет- човек е представен като алегоричен, митологичен, исторически, театрален или литературен персонаж. Автопортрет- обичайно е да се отделя в отделен поджанр. Религиозен портрет (дарител или меценат)- древна форма на портрет, когато човекът, който е направил дарението, е изобразен на снимка (например до Мадоната) или на една от вратите на олтара (често коленичил). По естеството на изображението: Церемониален портрет- като правило включва показване на човек в пълен растеж. Полурокля- има същата концепция като церемониален портрет, но обикновено има кройка до кръста или коляното и доста развити аксесоари. Камерен портрет - използвани са изображения до кръста, гърдите, раменете. Фигурата често се показва на неутрален фон. Интимен портрет -е рядък тип камера с неутрален фон. Изразява доверителна връзка между художника и портретуваното лице. Малък формат и миниатюрни портрети,изпълнено с акварел и туш. Пейзажи- жанр на живописта, в който основният предмет на изображението е девствената природа или природата, трансформирана в една или друга степен от човека. Съществува от древността, но губи значението си през Средновековието и се появява отново през Ренесанса, като постепенно се превръща в един от най-важните живописни жанрове. Марина- жанр на изобразителното изкуство, изобразяващ морска гледка, както и сцена на морска битка или други събития, случващи се в морето. Това е вид пейзаж. Като независим вид пейзажна живопис Марина се открои в началото на XVII ввек в Холандия. Историческа живопис -жанр в живописта, който възниква през Ренесанса и включва произведения не само базирани на реални събития, но и митологични, библейски и евангелски картини. Изобразява важно за отделни хораили всички минали събития на човечеството. Бойна живопис -жанр в изобразителното изкуство, посветен на темите за войната и военния живот. Основното място в бойния жанр заемат сцени от сухопътни, морски битки и военни кампании. Художникът се стреми да улови особено важен или характерен момент от битката, да покаже героизма на войната, а често и да разкрие историческия смисъл на военните събития. натюрморт -изобразяване на неодушевени предмети в изобразителното изкуство. Възниква през 15-16 век, но като самостоятелен жанр се оформя едва през 17 век в творчеството на холандците и Фламандски художници. Оттогава това е важен жанр в живописта, включително в творчеството на руските художници. Жанрова живописе част от битовия жанр в изобразителното изкуство. От древни времена битовите сцени са обект на рисуване, но като отделен жанр жанрова живописсе развива едва през Средновековието, като получава особено силно развитие в ерата на социалните промени на Новото време. Архитектурна живопис.живопис, основна темакойто не беше природен, а архитектурен пейзаж. Включва не само изображения на архитектурни структури, но и изображения на интериори. Живопис с животниТова е картина, чиято основна тема е изображението на животни. Furry art е изображение на антропоморфни животни. Декоративна живопис.Монументалната живопис е част от монументалното изкуство, рисуване върху сгради и съоръжения. Театралната и сценична живопис е скици на сцени и костюми за театрални представленияи филми; скици на отделни мизансцензи. Декоративна живопис - декоративни и предметни композиции, създадени чрез рисуване върху различни части на архитектурни конструкции, както и върху продукти на декоративното и приложното изкуство.

Въведение………………………………………………………………………………….3

1. Рисуването като форма на изкуство…………………………………………….4

2. Вид изобразително изкуство – графика……………………………4

3. Древна форма на изкуство - скулптура…………………...6

4.Архитектура - изкуството да се проектира и строи………………………7

5. Основни направления и техники на съвременното изкуство…………..9

6. Кинетично изкуство……………………………………………..14

Заключение……………………………………………………………….16

Списък с препратки…………………………………………………………...17

Въведение

Понятието „изкуство“ е художественото творчество като цяло: литература, архитектура, скулптура, живопис, графика, декоративно-приложни изкуства, музика, танц, театър, кино и други видове човешка дейност, обединени като художествено-образни форми на отразяване на реалност.

В историята на естетиката същността на изкуството се тълкува като подражание (мимезис), чувствен израз на свръхсетивното и др.

Естетиката разглежда изкуството като форма на обществено съзнание, специфичен вид духовно-практическо усвояване на света, като органично единство на творчество, знание, оценка и човешко общуване, в тесен смисъл - изобразително изкуство, висока степен на умение, майсторство във всяка област на човешката дейност.

Основни видове изкуство: живопис, графика, скулптура, архитектура, литература, кино, театър.

Нека разгледаме основните понятия на някои видове, направления и техники на съвременното изобразително изкуство.

1. Рисуването като форма на изкуство

Рисуването е много древно изкуство, което се е развило в продължение на много векове от скални рисунки до най-новите тенденции в живописта през 11 век. Живописта има широк спектър от възможности за реализиране на идеи от реализъм до абстракционизъм. В хода на нейното развитие са натрупани огромни духовни съкровища.

В края на XIX-XXв. развитието на живописта става особено сложно и противоречиво. Различни реалистични и модернистични движения печелят правото си на съществуване.

Появява се абстрактната живопис (авангард, абстрактно изкуство, ъндърграунд), която бележи отхвърлянето на фигуративността и активното изразяване на личното отношение на художника към света, емоционалността и условността на цвета, преувеличението и геометризирането на формите, декоративността и асоциативност на композиционните решения.

През 20 век Търсенето на нови цветове и технически средства за създаване на картини продължи, което несъмнено доведе до появата на нови стилове в живописта, но маслената живопис все още остава една от най-любимите техники на художниците.

2. Вид изобразително изкуство – графика

Графиката (от гр. grapho - пиша, рисувам) е вид изобразително изкуство, което се свързва с изображения върху плоскост. Графиката съчетава рисунката, като самостоятелна област, и различни видове печатна графика: дърворезба (дърворез), метална гравюра (офорт), литография, линогравюра, гравюра на картон и др.

Рисунката се класифицира като уникална графика, защото всяка рисунка е единствена по рода си. Произведенията на печатната графика могат да бъдат възпроизвеждани (тиражирани) в множество еквивалентни екземпляри – отпечатъци. Всеки отпечатък е оригинал, а не копие на произведението.

Рисунката е в основата на всички видове графика и други видове изобразително изкуство. По правило графичното изображение се прави на лист хартия. Понякога много прости средства са достатъчни за един художник - графитен моливили химикал, за да направите графична рисунка. В други случаи той използва сложни устройства за създаване на своите произведения: печатна преса, литографски камъни, резачки за линолеум или дърво и много други.

Терминът "графика" първоначално е бил използван само във връзка с писане и калиграфия. Изкуството на шрифта е свързано с графиката от древни времена. Тя получава нов смисъл и разбиране в края на 19 - началото на 20 век, когато графиката се обособява като самостоятелна форма на изкуство.

Езикът на графиката и нейните основни изразни средства са линия, щрих, контур, петно ​​и тон. Белият лист активно участва в създаването на цялостното впечатление от графичното произведение. Можете да постигнете изразителен дизайн, дори когато използвате само черно. Ето защо графиката често се нарича изкуството на черното и бялото. Това обаче не изключва използването на цвят в графиките.

Границите между графиката и живописта са много подвижни, например техниката акварел, пастел, а понякога и гвашът се класифицира като един или друг вид изкуство, в зависимост от това до каква степен е използван цвят, какво преобладава в произведението - линия или петно, какво е предназначението му.

Една от отличителните черти на графиката е специалното отношение на изобразения обект към пространството. Чисто белият фон на листа, незает с изображения, и дори фонът на хартията, прозиращ под цветния слой, условно се възприемат като пространство. Това може да се види особено ясно в книжната графика, когато изображение, поставено на празна страница, се възприема като разположено в пространството на интериор, улица, пейзаж в съответствие с текста, а не върху заснежено поле.

Художествените изразителни предимства на графиката се състоят в нейния лаконизъм, капацитет на изображения, концентрация и строг подбор на графични средства. Някакво подценяване, условно обозначение на обект, сякаш намек за него, представляват специалната стойност на графичното изображение, те са предназначени за активна работа на въображението на зрителя.

В това отношение не само внимателно нарисуваните графични листове, но и бързите скици, скици от природата, скици на композицията имат самостоятелна художествена стойност.

Графиката се предлага в различни жанрове (портрет, пейзаж, натюрморт, исторически жанр и др.) и има почти неограничени възможности за изобразяване и образно тълкуване на света.

.3. Древна форма на изкуство – скулптура

Скулптурата е една от най-древните форми на изкуството. Скулптурата (лат. sculptura, от sculpo - изрязвам, изрязвам, извайвам, пластика) е вид изобразително изкуство, чиито произведения имат материален триизмерен обем. Самите тези произведения (статуи, бюстове, релефи и други подобни) също се наричат ​​скулптура.

Скулптурата е разделена на два вида: кръгла, свободно разположена в реално пространство, и релефна (барелеф и висок релеф), в която триизмерните изображения са разположени в равнина. Според предназначението си скулптурата бива стативна, монументална, монументално-декоративна. Отделно се откроява скулптурата на малките форми. По жанр скулптурата се разделя на портретна, битова (жанрова), анималистична, историческа и др. Пейзажите и натюрмортите могат да бъдат пресъздадени със скулптурни средства. Но основният обект за скулптора е човек, който може да бъде въплътен в различни форми (глава, бюст, статуя, скулптурна група).

Технологията за изработване на скулптурата обикновено е сложна и многоетапна и включва много физически труд. Скулпторът издълбава или издълбава своето произведение от твърд материал (камък, дърво и др.), като премахва излишната маса. Друг процес на създаване на обем чрез добавяне на пластична маса (пластилин, глина, восък и др.) се нарича моделиране (пластика). Скулптурите също създават своята работа чрез отливане от вещества, които могат да преминат от течно в твърдо състояние ( различни материали, гипс, бетон, пластмаса и други подобни). Неразтопеният метал за създаване на скулптура се обработва чрез коване, щамповане, заваряване и рязане.

През 20 век Възникват нови възможности за развитие на скулптурата. Така в абстрактната скулптура се използват нетрадиционни методи и материали (тел, надуваеми фигури, огледала и др.). Художници от много модернистични движения обявяват ежедневните предмети за произведения на скулптурата.

Цветът, който отдавна се използва в скулптурата (античност, Средновековие, Ренесанс), днес се използва активно за подобряване на художествената изразителност на стативната скулптура. Обръщането към полихромия в скулптурата или изоставянето й, връщането към естествения цвят на материала (камък, дърво, бронз и др.) са свързани с обща посокаразвитието на изкуството в дадена страна и в дадена епоха