Меню
Началопрически

Хартиената архитектура като социален феномен. Замъци във въздуха: най-известните хартиени архитектурни проекти

Какво е хартиена архитектура? Това е много интересен феномен, който не може да се опише с няколко думи. И все пак бих искал да ви запозная с хартиената архитектура, особено след като много гении са израснали на тази почва.

За първи хартиени архитекти се смята италианецът Джовани Батиста Пиранези (построил само една църква през целия си живот, но станал известен с архитектурните си идеи).

Пиранези

Портрет на Пиранези

Има и доста френски неокласици, например Етиен-Луи Буле (който също е построил малко, но е създал повече от 100 проекта на хартия).


По отношение на съветския авангард терминът започва да се използва пейоративно: от края на 20-те години утопичните хартиени проекти са осъдени, включително за „отделяне от реалността“. Това значение остана: „хартиена архитектура“ беше името, дадено на невъзможни проекти.



Това е дело на Александър Бродски и Иля Уткин, основните идеолози на движението.

Но не мина много време, преди тази фраза да придобие съвсем различно значение. Това се случи в началото на 80-те години.


Тогава възпитаниците на Московския архитектурен институт намериха начин да представят своите проекти на международни конкурси за архитектурни идеи и започнаха да печелят награди в тях (общо те получиха повече от 50 награди).

Александър Бродски и Иля Уткин

Появи се неформална група от млади архитекти, около 50 души, които така или иначе нямаха възможност да реализират идеите си, така че започнаха да създават проекти, които първоначално бяха утопични и абсолютно безплатни.

Александър Бродски и Иля Уткин

Оттогава “Хартиената архитектура” е проекти, създадени с цел търсене на нови форми без цел тяхното последващо материализиране. Имаше много остроумие, мрачна ирония, елегантни конструкции и имплицитна меланхолия, всичко това беше далеч от реалността и не се стремеше към нея.

Информационен пазар или светилище на 11 оракула.

Апартамент за семейство на островитянин.

„Атриум или пространство, където всеки може да бъде голям и малък“

Музей на конната скулптура без ездачи. 1983 г

„Надгробен небостъргач или градски самоиздигащ се колумбарий“, (съвместно с Юрий Аввакумов) 1983 г.

Театър на самотната червена дама.

Архитект: Михаил Филипов

Съпротивителен вал. 1985 г

Вавилонската кула. 1989 г

Атриум. Първа награда на международен конкурс 1985г

Информационен пазар. Почетно отличие на международния конкурс 1986 г

Паметник 2001г. Почетно отличие на международния конкурс 1987 г

Архитекти: Александър Бродски и Иля Уткин

Иля Уткин и Александър Бродски

Къща за кукла

Дом за Мечо Пух.

Музей на изчезналите къщи (Колумбариум) - първа страница.

Музей на изчезналите къщи (Колумбариум) - втора страница.

Дупка планина.

Вила Наутилус

Мост над бездната

Градска костенурка

Кристален дворец на ХХ век.

Музей на градската скулптура. Остров на стабилността.

Мост град.

Купол. 1990 г

Театър без сцена или скитаща се зала. 1986 г

Безименна река.

Кораб на глупаците.

Опера Бастилия.

Музей на архитектурата.

Храмов град.

Вилата е клаустрофобична.

Стъклен паметник.

Без заглавие.

Форум на хилядата истини 1987

Паметник 2000г

Филипов Михаил Анатолиевич. РРоден през 1954 г. в Ленинград.

образование:

През 1979 г. завършва Ленинградския държавен академичен институт по живопис, скулптура и архитектура. И. Е. Репин.
През 1983 г. се присъединява към Съюза на архитектите на Русия, през 1984 г. - в Съюза на художниците на Русия.

Проекти за градско развитие:

  1. . 2009.
  2. (Московска област).

Индивидуални обекти:

  1. Реконструкция на GUTA Bank (Москва). Диплом на фестивала “Зодчество-97” - 1996-1997 г.;
  2. Изпълнително имение (Москва, улица Б. Афанасиевски) 1998 г.;
  3. Държавен музикален еврейски театър (Москва, пл. Таганская) - 1997 г. Диплом от квадриеналето в Прага (1999 г.), диплом II степен на фестивала Зодчество-97, диплом I степен на фестивала Зодчество-98, награда Златно сечение на MOCA (1997 г. ), диплома от Съюза на дизайнерите (1998). Номинация за Държавна награда;
  4. Представителен комплекс (с. Горки Ленинские, Московска област) - 1998 г. Диплом на фестивала “Архитектура-98”;
  5. Проект за реконструкция на морския терминал и пристанищната зона на град Сочи 2000 - 1999 г.;

Състезания:

  • "Музей на скулптурата", Централно стъкло, Токио. Втора награда – 1983 г.;
  • "Стил 2001", JA, Токио. Първа награда – 1984 г.;
  • “Атриум”, Централно стъкло (за решение на атриумното пространство), Токио. Първа награда – 1985 г.;
  • "Shaft of Resistance", JA, Токио. Honorable Mention – 1985 г.;
  • „Информационният пазар“, Central Glass, Токио. Honorable Mention – 1986 г.;
  • "Паметник 2001", JA, Токио. Honorable Mention – 1987 г.;
  • „Остров“, Moscomarchitecture (по поръчка на Академията за архитектура на Руската федерация). Диплома - 1998г.

Основни изложби:

  • Миланско триенале – 1988 г.;
    Държавен руски музей, Санкт Петербург (персонален) - 1992 г.;
  • Миланско триенале – 1996 г.;
  • Държавен музей на архитектурата на името на. А. В. Шчусева, Москва (личен) -1998 г.;
  • VII Венецианско международно архитектурно биенале (самостоятелна изложба „Руините на рая” в руския павилион). 2000 г.;
  • "Мармомак-2000", Верона (личен). 2000 г.;
  • Държавен музей на архитектурата на името на. А. В. Шчусева, Москва. 2000 г.;
  • „10 години – 10 архитекти“, Кралски институт на британските архитекти (RIBA), Лондон. "10-те най-добри архитекти на Русия." 2002 г.;

Творческо кредо:

„Архитектура на каноничен ред — архитектура на постконсуматорското общество"

Хартиена архитектура: утопични фантазии върху ватман

Пренебрегването на цензурата, успешното позициониране на световната творческа арена, желанието за разреждане на монотонната сива реалност - това е движението „Хартиена архитектура“. Днес този феномен би се нарекъл проект, но тогава - през 80-те години, в края на съветската власт - той се превърна в ясна проява на постмодернистични настроения, които се основаваха на отхвърлянето и преосмислянето на ценностите на модерността.

Както пише архитектът и теоретикът на архитектурата Александър Рапапорт, младите професионалисти, уморени от „постното меню“, навлязоха в нова ера, която той нарича фразата „пост-пост“: „Част от свойствата на хартиената архитектура съвпаднаха с стремежите на мнозина Съветски архитекти, изтощени от аскетизма на официалната архитектурна идеология, на чиито знамена беше написано - „спестявания, спестявания и още веднъж спестявания“, пише той в едно от проучванията.

„Хартиената архитектура“ е сфера на фантазията, която се появява извън социокултурния контекст и времевите концепции. Това е един вид игра, глезотия, чиито граници самите архитекти не начертаха, а цензурата пренебрегна, защото не видя очевидни заплахи.

Как започна всичко? Именно като движение „хартиената архитектура“ се появява в СССР през 80-те години на миналия век, въпреки че изолирани случаи са имали преди това в други страни. През този период амбициозните майстори започват да участват в големи международни конкурси (OISTAT, UNESCO, Architectural Design, списания Japan Architect) и стават победители, впечатлявайки журито с мащаба на своите идеи. Проекти, направени само на ватман, никога не могат да бъдат реализирани, което отчасти допринася за факта, че архитектите могат да изобразяват и най-лудите идеи, превръщайки ги в пълноценни произведения на изкуството.

Архитектите, ограничени от идеологически и политически рамки, създават на хартия нов свят, в който няма етикети и граници – пълна свобода и независимост, утопично паралелно пространство.

За основатели на движението се считат Александър Бродски, Иля Уткин, Михаил Белов и Максим Харитонов. Локомотивът на „портфейлите“ беше Юрий Аввакумов, благодарение на когото движението придоби пълноценни форми и излезе на бял свят. Именно той събира архиви с произведения и организира изложби, курира и ръководи архитекти.

Архитектите винаги първоначално представят проект за бъдещ обект и едва след това, ако бъде одобрен, започва етапът на изпълнение. Защо създадените през този период скици се превърнаха в отделна посока? Факт е, че архитектите първоначално разбраха, че техните идеи никога няма да се осъществят, така че те подходиха към дизайна на хартия Whatman от художествена гледна точка, придавайки на работата специално графично качество и символика. Конкурсите, в които майсторите успяха да се изразят, предизвикаха вниманието на световната общност към съветските архитекти. Техни творби бяха изложени на Запад като част от проекти, посветени на това, което предизвика интерес в чужбина.

Невъзможно е да се определи стилът и маниерът на архитектите, които работят в рамките на „хартия“ - всеки експериментира за собствено удоволствие, без да изоставя собствените си естетически принципи и насоки. Всеки проект беше придружен от обяснителна бележка, която се превърна в пълноценно литературно произведение - с герой, сюжет и специално настроение.

Фактът, че чертежите остават чертежи завинаги, позволи на самия проект да бъде перфектен. Често при изпълнението се правят корекции, които променят идеалната концепция и са свързани с технически характеристики. „Портфейлите“ не са се сблъскали с такъв проблем. „Терминът „хартия“ беше двусмислен и отчасти неточен. Не става дума само за хартия, а за ангажираност към чисти идеи, чисти форми. Въпросът е в безполезността на плана“, казва Александър Рапапорт.

В интервю в началото на 2000-те един от представителите на Paper Architecture, Иля Уткин, разказа как свърши всичко: „И свърши, когато стана интересно да реализирам всичко това със собствените си ръце... Не, не стана наистина край. Не свърши, защото си върви както обикновено. Сега правя проекти - в края на краищата, първо трябва да начертая една и съща архитектура на хартия, идея за архитектура, да предложа една или друга версия на структурата. В края на краищата това е едно и също нещо, това е скица, само след това се превръща в камък и с такава трудност. Така че сега, мисля, настъпи друг период: периодът на архитектурната практика.

През 2010 г. Юрий Аввакумов описва интересна история в своя блог: през 1983 г., заедно с Михаил Белов, те разработват проект за вертикално състезание, за да го изпратят на състезание в Япония. Рисунката беше наречена „Погребен Колумбариум“. „Изминаха 27 години и бъдещето дойде. В Мумбай се изгражда вертикално гробище. Най-после някой освен нас разбра, че това е по-умно от това да се строи върху кости при недостиг на градска земя”, каза Аввакумов.

Днес алтернативните проекти на млади съветски архитекти се превърнаха в класика, а самата посока „Хартиена архитектура“ се превърна в изкуството на утопията.


Въпреки кратката продължителност на феномена, наречен „хартиена архитектура“, общата му колекция е много обширна. Затова кураторите имат голяма степен на свобода при съчетаването на нейните творби както помежду си, така и с произведения от други епохи. Например, на следващата изложба, която се планира да се проведе в Музея на архитектурата, произведенията на „хартиените“ могат да се видят заедно с произведенията на техните предшественици - съветски архитекти от 1920-1960-те години. В настоящата изложба в музея на Пушкин кураторите Юрий Аввакумов и Анна Чудецкая поставиха 54 произведения на портфейли в „компания“ с 28 архитектурни фантазии на майстори от 17-18 век. от колекцията на музея: Пиранези, Гонзаго, Кваренги и др. Да обединим в едно пространство две епохи на фантастично-архитектурното творчество, нашите съвременници с техните „прародители“, според Аввакумов, е концептуалната идея на настоящата изложба.

Руската хартиена архитектура е доста специфично явление, което има исторически прецеденти, но не и съвременни чуждестранни аналози. Това явление е породено от специалните условия, които се развиха в домашната архитектура през последните десетилетия на съветската власт. Като артистично надарени хора, младите архитекти по добре известни причини не са имали възможност да се самореализират в професията и са преминали в „паралелното измерение“ на чисто фантастичното творчество.

Историята на руската хартиена архитектура е неразривно свързана с концептуални конкурси, провеждани от OISTAT, ЮНЕСКО, както и списанията Архитектурен дизайн, Японски архитект и „Архитектура на СССР“. Организаторите им се стремяха да търсят нови идеи, а не да намират решения на конкретни „приложни“ проблеми. И най-голям брой награди получиха участници от Съветския съюз, които успяха да привлекат вниманието към руската архитектура след дълга пауза.


За разлика от своите предшественици (предимно авангардните художници от 20-те и 60-те години), концептуалистите от 80-те години не се стремят да създават утопични образи на идеално бъдеще. В произведенията на „хартиените“ нямаше футурологичен компонент - техните учители, шейсетте, вече бяха говорили изчерпателно по тази тема. Освен това осемдесетте години са ерата на постмодернизма, т.е. реакции към модернизма, който за няколко предишни поколения беше „бъдещето“. По времето, когато хартиената архитектура процъфтява, „бъдещето“ вече е настъпило, но вместо всеобщо щастие, то носи разочарование и отвращение. Следователно „хартиеното“ творчество беше форма на бягство от сивата, скучна съветска реалност в красиви светове, създадени от богатото въображение на образовани и талантливи хора.

Спецификата на хартиената архитектура беше синтезът на изразни средства на изобразителното изкуство, архитектурата, литературата и театъра. С цялото разнообразие от стилове и творчески маниери повечето „хартиени“ проекти бяха обединени от специален език: обяснителната бележка беше под формата на литературно есе, в проекта беше въведен герой - „главният герой“, настроението и характерът на околната среда се предава чрез рисунки или комикси. Като цяло всичко това беше комбинирано в един вид uvrazh, произведение на стативна живопис или графика. Възникна специално направление на концептуализма с характерна комбинация от визуални и вербални средства. В същото време хартиената архитектура се свързва не толкова с паралелни форми на концептуално изкуство, а всъщност е една от разновидностите на постмодернизма, заимствайки както своите визуални образи, така и ирония, „знаци“, „кодове“ и други „ игри” на ума.

Името „Хартиена архитектура“ възниква спонтанно - участниците в изложбата от 1984 г., организирана от редакцията на списание „Юност“, възприеха фраза от двадесетте години, която първоначално имаше пейоративно значение. Името веднага се улови, тъй като играеше с две значения. Първо, цялата работа беше извършена на ватман. Второ, това бяха идейни архитектурни проекти, които не предполагаха изпълнение.


Особено място в дейността на „портфейлите” заема Юрий Аввакумов, който изигра ключова роля в оформянето на един (макар и ярък) епизод от културния живот на 80-те години. в пълноценно художествено явление. Именно той циментира разнородните участници в една маса. Сам активен творец, той служи като „клирингова къща“, връзка и хроникьор на движението. Събирайки архив и организирайки изложби, той извежда дейността на „хартиените” на коренно различно ниво, превръщайки я от тясно професионален в общокултурен феномен. Затова няма да е преувеличено да се каже, че Хартиената архитектура е големият кураторски проект на Аввакумов.


Въпреки това нямаше движение като такова - „портфейлите“ бяха твърде различни. За разлика, да речем, от прерафаелитите или Света на изкуството, те нямат общи творчески цели и насоки - „хартиените“ са сбор от индивидуалисти, които работят понякога заедно, понякога поотделно. Единствената тема, която ги обединяваше, беше архитектурната фантазия, което ги прави подобни на Пиранези, Юбер Робер или Яков Чернихов.

Произведенията на хартиената архитектура, уви, не са много достъпни за широката публика. Една от причините е фундаменталната невъзможност за тяхното постоянно или дори често излагане: за разлика от платното, хартията е много чувствителна към светлина. Докато не настъпи технологична революция в тази област, хипотетичният Музей на хартиената архитектура ще бъде виртуален, което по принцип е близко до самия му феномен.


Оказва се, че колкото по-рядко се провеждат изложби на Paper Architecture, толкова по-ценни са те. В този контекст трябва да разгледаме и сегашния, в Музея за изящни изкуства, който заема уютна стая зад гръцкия двор. Въпреки интимния си характер обаче изложбата е доста обемна. Много произведения са събрани като „хитове“ („Къща-експонат за музей на 20 век“ от Михаил Белов и Максим Харитонов, „Кристален дворец“ и „Стъклена кула“ от Александър Бродски и Иля Уткин, „Вторият дом на гражданина“ ” от Олга и Николай Каверини), както и такива, които не са били излагани досега („Къщата на таралежа” от Андрей Челцов) или са излагани рядко (творби на Вячеслав Петренко и Владимир Тюрин). Всеки експонат изисква внимателно разглеждане, съзерцание, потапяне в него; зад всяка творба стои цяла история, ако не и цял свят. Капричио от стари майстори, включително известният „Затвор“ на Пиранези, заемат централното пространство на залата, а картините „портфейли“ ги обграждат по периметъра. Изборът на Аввакумов е донякъде субективен - някои от „портфейлите“ не присъстват (например Алексей Бавыкин или Дмитрий Величкин), а някои са представени по-скромно, отколкото заслужават (имам предвид преди всичко Михаил Филипов, който в моя мнение , създава най-добрите си творби в сътрудничество с Надежда Бронзова през този период).


С първата част от заглавието на изложбата всичко е ясно. Но как да разбираме второто - „Краят на историята”? В края на краищата, „погребението“ на хартиената архитектура се състоя още в началото на деветдесетте години. Обединявайки представители на две различни епохи в едно пространство, кураторите искаха да начертаят символична линия под петвековната ера на хартията (масивният преход от пергамент се случи преди около 500 години). По ирония на съдбата последният му акорд беше руската хартиена архитектура. През 90-те години настъпи нова компютърна ера, която радикално преразгледа не само процеса на проектиране, но и цялото архитектурно творчество. Така че бъдещата хартиена архитектура ще бъде хартия само в алегоричен смисъл. Поне докато изгаснат лампите.

Спонсор на изложбата е AVC Charity.

Фантазия

За някои може да се стори странно, че много листове от колекцията от хартиена архитектура носят подписите на няколко автора. Но ако си спомним, че хартиената архитектура е преди всичко проекти, а проектирането се извършва в екипи, тогава е ясно, че хартиената архитектура имитира частни архитектурни бюра, които липсват в съветската действителност. Второ, това е кухненската архитектура, тъй като повечето от конкурсните проекти са създадени не в работилници (малцина са ги имали), не на работа (не е прието), а в домовете, където интелектуалният навик за кухненски разговори е в сила в онези години. А за разговори трябва компания. Оттук Бродски – Уткин, Буш – Хомяков – Подяполски, Кузембаев – Иванов... Там, където има само един автор – Мизин, Зосимов, Морозов – често трябва да се търси не проект, а фантазия.

Архитектурната фантазия, или иначе capriccio, е изобретена през 18 век, естествено, в Италия, където модата за древни руини е създадена от велики художници, главно в живописта и декорацията, като жанр не на дизайна, а на представянето. Във „Фантастичните картини на затворите“ на Джовани Пиранези има повече зловещо, отколкото инженерно изтезание; „101 архитектурни фантазии“ на Яков Чернихов съдържа повече илюстративна, забавна геометрия, отколкото технически изобретения.

Фантазията или, с други думи, дейността на въображението е забранена дейност в антиутопичния роман на Евгений Замятин Ние. В тоталитарното общество хората са лишени от въображение от раждането си, а онези малцина, в които се пробужда този атавизъм, са насилствено лишени от способността да си представят. Фантазията в романа е болест; тя се лекува с радиация. Според Замятин носителите на фантазията са „луди, отшелници, еретици, мечтатели, бунтовници, скептици“ - всички трябва да бъдат изолирани от здравото общество.

Снимката е предоставена от Юрий Аввакумов

Кула

Както знаете, в действителност всички времена са вечно настоящи, а миналото, настоящето и бъдещето живеят като страниците на книга под една корица. Хората са свикнали да четат книгата от първата до последната страница, но в действителност това изобщо не е необходимо. Някои художници могат да отворят книга навсякъде, както на прочетена, така и на непрочетена страница. Вавилонската кула в картината на Питер Брьогел е представена и като човешки проект - да построи кула към небето, и като божи проект - да спре кощунственото строителство; строителите монтират и демонтират съграденото едновременно. Всички на този строеж са заети, но какво - транспортират камък до строежа или крадат, както в Колизеума за лични нужди, независимо дали строежът трябва да завърши в девствена пустиня или, след като преодолее комуникационния хаос, да стигне до небето, ние, публиката, не знаем. В офорта на Бродски - Стъклената кула на Уткин, кулата е завършена и се разпада на фрагменти едва по-късно. Но от начина, по който се срути - не вертикално, отпечатвайки плана си върху земята, а на североизток, разпростирайки фасадата си в равнината, може да се предположи както че разрушителният ефект е бил мигновен и силен, така и че прозрачната кула все още стои невредима , и виждаме дългата му сянка в лъчите на залязващото слънце. Не, това не може да бъде - вижте, много по-материалните сенки от близкия град се простират строго на юг - две слънца не могат да стоят над Земята. И слънцето, противно на законите на природата, не може да свети от север, което означава, че този град е или мираж, или небесният огън току-що се е разлял извън графичната рамка и след секунда градът и неговите жители ще летят след него сенките. Освен ако, разбира се, не се случи в южното полукълбо. Има различни закони.

Снимката е предоставена от Юрий Аввакумов

китайска топка

За декемврийския брой на Decorative Arts от 1987 г. група хартиени архитекти бяха помолени да напишат своите творчески манифести. В манифеста на Буш-Хомяков-Подяполски творческият метод е описан като китайска топка - „това е пример за пространствено и декоративно единство и емоционална хармония“. И още: „Това, което провокира изучаването и разбирането на Топката, е безкрайното пречистване, освобождаването от излишното, желанието за пространствена логика и най-важното – за простота.“ Техният проект „Кубът на безкрайността“, вътре в който кръстовидна структура се умножава безкрайно в огледални витражи, изпълвайки изцяло куба, сякаш илюстрира този манифест. Как би могло да се илюстрира с проекта на Владимир Тюрин „Интелектуален пазар“, който е гъба на Менгер, геометричен фрактал или „система от форми от край до край, които нямат площ, но с безкрайни връзки, всеки елемент от които е заменен от собствения си вид." Или проектът на Сергей и Вера Чуклови „Пространството на цивилизацията на 21 век“ с концентрични квадрати, увити в спирала: „Прониквайки по-дълбоко в природата, ние оставяме след себе си геометричен пейзаж. 21 век: камък, хвърлен във вода, създава квадрати. Във всички примери божествената геометрия на реда се противопоставя на хаоса на човешката суета и израства от околния хаос, така както утопията израства от антиутопията.

Снимката е предоставена от Юрий Аввакумов

Архитектурата е китайска топка. Това е като кукла за гнездене, състояща се от поредица от подобни черупки; тя е като кабалистична сфера, в която Всемогъщият е спуснал тънка линия светлина; и си остава архитектура, независимо дали я изобразяваме като куклена къща или универсален храм, макет или сграда.

Цялата вселена е китайска топка. Материята, както вече е доказано, е хомогенна и изотропна, тоест няма оси на въртене, йерархия, разпределена е равномерно в пространството, не зависи от мястото на наблюдение, което означава, че архитектурата на Вселената е до голяма степен хомогенна и китайската топка, ако си я представите безкрайно голяма, тази ситуация илюстрира. Ако архитектурата на Вселената е изотропна, тогава защо човешката архитектура да не бъде изотропна? Дори и в специфичните си проявления да е в йерархични, симетрични, недемократични форми, ако зависи от гледната точка на наблюдателя и зависи от времето на гледане, като цяло, някъде там, архитектурата се стреми към чистота и простота.

Снимката е предоставена от Юрий Аввакумов

По-малкото е повече

„По-малкото е повече“ - тази заповед се приписва на Лудвиг Мис ван дер Рое от 1947 г. „По-малко е повече“ определя философията на минимализма в изкуството и архитектурата като постигане на по-голям ефект с по-малко средства. Фразата е използвана и от Бъкминстър Фулър в неговото определение за „ефимеризация“ като способността на технологичния прогрес да създава „все повече и повече с все по-малко усилия, докато в крайна сметка можете да направите всичко от нищото“. На английски изразът „по-малкото е повече“ е използван за първи път в стихотворението на Робърт Браунинг „Безупречният художник“ през 1855 г. Поетичното изпревари замисъла със сто години. Честно казано, дори преди Браунинг, „по-малкото е повече“ или Und minder ist oft mehr... е казано от немския поет от епохата на рококо Кристоф Мартин Виланд през 1774 г., така че не е съвсем ясно от кой език е Мис ван дер Рое заимства известния афоризъм - от родния си немски или международния английски. Самият Мис си спомня (на английски), че за първи път е чул тази фраза от Петер Беренс (тоест на немски), когато е работил в неговата работилница в края на 1900 г., но в Беренс тя се отнася само до броя на ненужните скици, завършени от млад, енергичен чирак.

В моята дипломна работилница на Трубная, в самия разцвет на постмодернизма, измислих лозунга: „Градът е, когато има много!“ Ръководителят на отдела по градоустройство Николай Николаевич Улас погледна в купето, прочете слогана, каза рязко: „Град е, когато няма достатъчно!“, помисли и обобщи: „Град е, когато е точно! ”

За нас

Когато влязохме в архитектурния институт през 70-те години, не мислехме, че ще станем последното поколение съветски архитекти - както знаете, през 1991 г. Съветският съюз се разпадна. Когато се научихме да изобразяваме нова архитектура с молив, мастило, писалка, боя, не предполагахме, че ще бъдем последните, на които ще бъде предадено това занаятчийско умение - сега архитектурата се изобразява с помощта на компютърни програми. Когато през 80-те години започнахме да участваме в конкурси за архитектурни идеи и да получаваме международни награди, не предполагахме, че тези творби ще попаднат в колекциите на Руския музей, Третяковската галерия или Центъра Помпиду... Всичко това подсказва, че архитектите са маловажни визионери. Но в представените тук проекти има бъдеще. Бъдещето, в което живеем или бихме могли да живеем. Бъдещето, представено с графични средства на миналото. Частна утопия в тотална антиутопия.

Снимката е предоставена от Юрий Аввакумов

За мен

Не съм измислил хартиената архитектура - тя съществува, откакто архитектурните проекти започнаха да се изобразяват на хартия. Този израз се използва във Франция и Италия по времето на Пиранези, Леду и Буле, той също беше в обращение в Русия през 1920-1930-те години, беше използван, когато учех в института. Всичко това, разбира се, са различни „архитектури“. Моята заслуга може би е, че след като си присвоих името, го приложих към специфично явление, което тогава се появи в съветската архитектура. Така се случи, че за мнозина бях популяризатор и организатор на участие в международни конкурси за архитектурни идеи, а след това и участие в изложби, вътрешни и международни. Самите проекти и награди са заслуга на голяма група или както започнаха да казват „група” от млади архитекти от едно поколение, към което принадлежа и аз.

Колекцията от архитектурни проекти и фантазии в тази публикация не претендира да бъде изключително пълна и методологично чиста - в много отношения тя характеризира вкусовете на своя колекционер и затова се нарича антология или „колекция от цветя, цветна градина“ на гръцки, а не антология. Това не е урок.