Съвременните художници: гении или луди? Забрава и триумфално завръщане.

Известни художници на нашето време, на които им липсваха четките и боите, за да изразят гениалността си, възхищават и шокират не само с творбите си, но и с това как точно са ги създали.

Бои, моливи, четки и платно - това е може би всичко, от което се нуждаете, за да създадете зашеметяващо произведение на изкуството. О, да, още талант! Тези артисти несъмнено го имат. В крайна сметка те дори не се нуждаеха от обикновени материали, за да напишат уникални шедьоври. Вижте какво може да се случи, когато един гений се заеме със задачата да рисува.

1. Реактивно изкуство от Таринан фон Анхалт

Принцесата от Флорида Таринан фон Анхалт не използва четки за своите картини. Те са създадени с помощта на... самолет. Как го прави? Всъщност художникът просто хвърля бутилки с боя, а реактивната тяга на двигателя на самолета „създава“ уникален модел върху платното. Трябваше ли да мислите за нещо подобно? Но реактивното изкуство не е нейна идея. Принцесата „взаимства“ техниката на джет арт от съпруга си Юрген фон Анхалт. Създаването на такива снимки не е толкова лесно, а понякога дори животозастрашаващо: въздушните потоци достигат огромна скорост и сила, могат да бъдат сравнени с ураганни ветрове, а температурата на такъв „ураган“ може да надхвърли 250 градуса по Целзий. Рискът, съчетан с креативността, позволява на принцесата да получи около 50 000 долара за едно от своите творения.

2. Ани Кей и артистичните терзания

Индийският художник Ани Кей рисува копие на картината „Тайната вечеря” на великия Леонардо да Винчи на своя език. Използвани са най-обикновени бои. В резултат на много години творчество, Ани постоянно отравя тялото си, изпитвайки симптоми на интоксикация: главоболие, гадене и слабост. Но упоритият индиец е готов да приеме мъченията в името на изкуството отново и отново.

3. Кървави рисунки от Виниций Кесада

Винисиус Кесада е скандален бразилски художник, чиито картини са му подарени буквално със собствената му кръв и... урина. Трицветните шедьоври на бразилеца струват много за самия него: на всеки 60 дни Винисия харчи 450 милилитра кръв, за да нарисува картини, които шокират и учудват публиката.

4. Произведения на менструалното изкуство от Лани Белозо

И пак - кръв. Хавайският художник също не приема цветове. Нейните картини са създадени със собствената й менструална кръв. Колкото и странно да звучи, творбите на Лани са наистина женствени, какво да кажа. Всичко започна от отчаяние. Един ден младо момиче, страдащо от менорагия, решавайки да разбере колко кръв всъщност губи по време на патологично тежка менструация, започна да рисува картина от собствените си секрети. В продължение на цяла година, по време на всяка менструация, тя правеше едно и също нещо, създавайки цикъл от 13 картини.

5. Бен Уилсън и дъвчащите шедьоври

Художникът Бен Уилсън от Лондон решава да не използва обикновени бои или платно и започва да създава картините си от дъвки, които намира по улиците на Лондон. Сладките творения на „майстора на дъвки“ украсяват сивия асфалт на града, а портфолиото на Бен съдържа снимки на необичайните му картини.

6. Изкуство с пръсти от Джудит Браун

Тази художничка просто се забавлява, създавайки такива необичайни картини с малки частици въглен и пръстите си, тя дори не смята работата си за изкуство. Но пръсти вместо четки и въглен вместо боя - толкова необичайно и, разбирате ли, красиво. Красиво е и името на поредицата от картини на Джудит – Диамантен прах.

7. Самоук художник Паоло Троило

Майсторът на монохрома също рисува с пръсти, използвайки акрилни бои. Някога успешен италиански бизнесмен, Паоло Троило беше избран за най-добър творец на Италия за 2007 г. Без нито една четка той рисува толкова реалистични картини, че понякога са неразличими от черно-белите снимки.

8. Автомобилни шедьоври от Иън Кук

Не напразно казват, че във всеки гений живее малко дете. Ярко потвърждение за това е младият художник от Великобритания Иън Кук. Той рисува картини, сякаш си играе с управлението на кола играчка. 40 цветни платна, изобразяващи автомобили, са създадени с помощта на бои, но вместо четки в ръцете на художника има играчки с дистанционно управление на колела.

9. Tom's Otman и Delicious Art

Просто искате да вземете тези снимки и да ги оближете. В крайна сметка те са написани не с бои, а с истински сладолед. Създателят на такава „вкусна“ картина е жителят на Багдад Осман Тома. Вдъхновен от деликатеса, художникът снима готовите си произведения заедно с „бои“: портокал, горски шоколад.

10. Елизабета Рогаи – изтънчеността на отлежалото вино

Италианската художничка Елизабета Рогаи също използва вкусни цветове за своите творения. В арсенала й има бяло и червено вино и платно. Какво излиза от това? Невероятни картини, които променят оттенъците си с времето, точно както старо, отлежало вино променя аромата и вкуса си. Работи на живо!

11. Петнистите картини на Хонг И

Какво може да е по-лошо за образцовата домакиня от следи от чаши за кафе върху бяла покривка? Но, както изглежда, художникът от Шанхай Хонг И не е примерна домакиня. Когато създава своите картини, тя непрекъснато оставя петна като тези върху платното. И не защото обича да пие кафе, докато работи, а защото така рисува, без да използва четки и бои.

12. Рисуване на кафе и изкуство на бира от Карен Еланд

Художничката Карън Еланд също се опита да рисува с кафе вместо бои. И тя го направи доста добре. Репродукциите на най-известните произведения, направени с течност от кафе, изглеждат като истински картини. Единствената разлика са кафявите нюанси и знакът на Карън под формата на чаша кафе на всяка работа.

Впоследствие експериментирайки с ликьор, бира и чай (не, тя не ги е пила), Еланд заключава, че нейните картини излизат най-добре от бира. Бутилка опияняващо питие замества акварелите за едно платно.

13. Целувки от Натали Айриш

Трябва да обичате изкуството толкова много, че без да спирате да творите, от време на време целувате работата си! Точно такива чувства изпитва Натали Айриш. Голяма любов – няма как по друг начин да се опишат нейните картини, рисувани не с четки и бои, а с устни и червило. Няколко десетки нюанса на червилото, няколкостотин целувки - и такива шедьоври се получават.

14. Kira Ein Warzeji - гърди вместо ръце

Американката Кира Ейн Варзеджи също влага много любов в изкуството – магическите й картини са нарисувани с нейните гърди. Трудно е дори да си представим колко много цветове художникът изля върху гърдите си. Но не напразно!

15. Секс изкуство от Тим ​​Пач

Той взема платното и боите, но без четки. А какво мислите, че използва австралийският художник, за да рисува своите платна? Да, точното място, от което той изобщо не се срамува. Мъжествеността на Тим е подходяща. Поне снимките му, нарисувани с члена му, са прекрасни. Трябва да се каже, че художникът използва не само главния мъжки полов орган, но и „петата точка“ като инструмент за рисуване. С нейна помощ Тим проектира фона на картината. Самият майстор не приема работата си на сериозно и дори псевдонимът му е несериозен - Прикасо. Подражавайки на екстравагантността на брилянтния Пикасо, художникът шокира посетителите на изложби не само с картините си, но и с яснотата на процеса на тяхното създаване.

Казаха, че играел ролята на градския луд. Играх, за да оцелея и да не попадна под пързалката на репресиите. Приживе той не продава творбите си, дава ги на деца и казва, че пише за бъдещ зрител.

Художникът развива свой собствен оригинален стил на рисуване, понякога наричан „фантастичен експресионизъм“. Сега неговите картини се оценяват - 15 000-26 000 долара.

Като факир, магьосник и магьосник, той лесно можеше да създаде истинско чудо от обикновени неща. Неговите декорации за представления в театъра. Абай в Алмати превърна обикновено местно представление в шоу с изключителна яркост и публиката винаги очакваше с нетърпение появата на новите му творби. Целият му живот е театър и художникът щедро го украсява с всички средства, достъпни за ума му.

Трудно е да си представим Алма-Ата през 40-60-те години без този човек. Разхождайки се из града в странни, нелепи тоалети, той беше неразделна част от столицата. Брилянтен художник или градски луд? Известният жител на Алмати Сергей Калмиков беше двусмислена и противоречива фигура. Но въпреки това неговите картини сега украсяват музеите на много градове.

Те свикнаха с Калмиков - със самоделните му панталони с разноцветни крачоли, с алената му барета, с фантастичното му сако, за което бяха завързани празни кутии, тенекиите дрънчаха при ходене. С течение на времето той се превърна в уникална част от градския пейзаж на Алмати, като колибри в сибирската тайга. Той нарече себе си, не без ирония, „последният авангарден художник от първото повикване“... в крайна сметка той всъщност се оказа почти единственият представител на блестящата култура на Сребърния век, оцелял по чудо чак до размразяването на Хрушчов.

1896 г., сем. Подписано на гърба: „Баща ми, мама, Леля, Шура! Ние с Ваня, най-малката. Помня как ни снимаха. С Ваня бяхме облечени в червени копринени ризи. Шура е гимназист!“

Сергей Иванович Калмиков е роден през 1891 г. в Самарканд. Скоро семейството му се премества в Оренбург, където Серьожа Калмиков учи в гимназията, след това в училището по живопис, скулптура и архитектура. В младостта си той беше затворен, необщителен човек. През 1910 г. заминава за Петербург и 4 години посещава училището на В.Н. Званцева, където са преподавали известни художници като Добужински, Петров-Водкин, Бакст.

Тогава двадесетгодишен младеж създава невероятната картина „Къпането на червените коне“. Петров-Водкин високо оцени работата на ученика, като каза за него: „той е като млад японец, който току-що се е научил да рисува“.

Година по-късно самият Кузма Петров-Водкин написа своя прочут „Червен кон“, който се превърна в символ на руския авангард. По този повод Калмиков си спомня: „Жълтото момче, което прилича на японец и седи на червен кон, съм аз. Само краката ми не са толкова къси. Петров-Водкин е написал това от по-нисък ъгъл. Краката ми ще станат по-дълги.”

Връщайки се в Оренбург, Калмиков работи много, след Октомврийската революция той става един от най-активните оренбургски художници. Участва в проектирането на революционни празници, обществени сгради, изнася лекции. Неговите картини, графика и скулптура привличат общественото внимание. През 20-те години Калмиков участва в художественото оформление на представления на Оренбургския театър и цирк, в разработването на скици на театрални костюми и плакати. По това време той пътува много с Пътуващата опера на Средна Волга като главен художник, в същото време Калмиков се идентифицира като художник-декоратор и решава да свърже творческия си живот с театъра.

три грации

През 1935 г. Калмиков е поканен в Казахстан, за да работи в новосъздадения музикален театър (сега Държавен театър за театър и театър Абай). Тук той самостоятелно оформя оперите „Аида”, „Княз Игор”, „Фауст”, „Флория Тоска” и др.

„Казахстанская правда“ от 30 октомври 1935 г. пише за пиесата „Княз Игор“: „Художниците Калмиков и Михеев успешно решават дизайна на сцената, заслужено предизвиквайки аплодисменти от публиката. Пейзажът, изрисуван в приятни цветове, с голямо чувство за мярка, без претрупване на сцените, както обикновено, и сполучливите костюми показват, че художниците внимателно са изучавали епохата и умело са използвали наличния материал. В Алма-Ата рисува и пише много, но не излага, не издава и не продава творбите си.

Арт центърът в момента е в главата ми, написа художникът.

През 1936 г. Сергей Иванович става член на Съюза на художниците на Казахстан. Успоредно с работата си в театъра, Калмиков извършва и самостоятелна художествена работа в областта на рисунката, живописта и гравюрата. Участва в почти всички художествени изложби на съюза. През 1946 г. напуска работа по здравословни причини. През 1952 г. се завръща в театъра и работи като декоратор.

автопортрет

Така писателят Юрий Домбровски описва първата си среща с художника: „...и тогава видях художника над статива. Вече съм чувал за този ексцентрик. Преди месец той подаде обяснение в полицията (съседите се оплакаха) и се подписа така: „Гений от 1-ви ранг на Земята и Галактиката, декоратор, артист-постановчик на Театъра за опера и балет. Абай СЕРГЕЙ ИВАНОВИЧ КАЛМИКОВ.<…>

Освен това беше облечен не за хората, а за Галактиката. На главата му лежеше плоска и нещо като бърза барета, а на тънките му рамене висеше синьо наметало с дрънкулки, а изпод него блестеше нещо невероятно ярко и отчаяно - червено-жълто-люляково. Художникът работеше. Хвърли един щрих върху платното, друг, трети - всичко това небрежно, обикаляйки, играейки - после отстъпи настрани, рязко свали четката си - тълпата се отдръпна, художникът я пробва, огледа се и изведнъж изхвърли своята ръка - веднъж! - и черно, мазно петно ​​падна върху платното. Заби някъде отдолу, косо, неумело, сякаш съвсем не на място, но после имаше още щрихи, и още няколко щрихи и докосвания на четката - тоест петна - жълти, зелени, сини - и сега върху платното от цветна мъгла започна да се появява нещо, сгъстява се, появява се. И се появи парче от пазара: прах, жега, пясък, нагорещен до бял звук, и каруца, натоварена с дини...”

„Вероятно така обикновените хора си представят гения. Това са най-големите заплати. Популярност. Растяща слава, пари. Ние, скромните професионални гении, знаем: геният е скъсан панталон. Това са тесни чорапи. Това е износено палто“, написа художникът.

„Калмиков беше смятан от всички за талантлив художник“, каза по-късно един от колегите на художника. „Това беше признато от много компетентни хора, но много странности в поведението му не му позволиха да постигне позицията, която заслужаваше. И така, той може да нарисува най-великолепната скица или картина по поръчка, но след това да покрие всичко и да напише нещо неудобно. Например, той може да напише Венера Милоска, да нарисува ръцете й и да постави печка в тях.

Или изобразете в скица актьор в абсурден костюм, който не отговаря на ситуацията и дизайна. Маса от различни теории винаги беше претъпкана в главата му: или искаше да построи необичайни ракети, или коридор, свързващ Москва с Алма-Ата. Или е работил върху дисертацията си „Свързващи шевове на черепа“. Още тогава неговите идеи за величие ясно се проявяват. Наричаше себе си космически гений, гениален художник и казваше, че всеки трябва да му целува петите...

През последните години не му беше възложена самостоятелна работа, често правеше напълно нелепи неща, разваляше ги. Междувременно много от неговите творби, с които целият му апартамент е пълен, бяха видени от московски художници и го смятаха за най-добрия художник в града. Винаги беше небрежен, не се интересуваше от външния си вид и дрехите си. Той започна да маже косата си с блажна боя, обяснявайки, че трябва да има черна коса за дълголетие... Имаше собствена хранителна система: ядеше само хляб (в младостта си през цялото време дъвчеше френски кифлички), но на в същото време, когато той отиде на гости, изядох всичко, което ми дадоха. Тогава се хранеше основно с мляко, сирене и извара, но без хляб. Не ядеше месо и беше вегетарианец. Той каза, че горещият чай и храната са вредни за здравето, електрическата светлина е вредна за очите, така че той няма газ, а вечер работи на свещи или седи на тъмно.

Ежедневната бедност го следваше по петите; той знаеше какво е недохранване и глад. Година след година млякото и хлябът формират диетата му. „Мебелите“ в неговия развъдник бяха изградени от връзки стари вестници, вързани с канап.

Когато от Съюза на артистите му подариха палто, той го разпори и мушна клинове. Оттогава той започна да носи нелепи тоалети, странни дрехи, които преработваше от различни стари боклуци. Той вярваше, че прави революция в световния моделизъм. Смяташе себе си за писател и пишеше много под измислени имена. Не познаваше жени, водеше дневници, в които пишеше за сексуалните си преживявания. Никой не знаеше дали някога е посещавал банята. Спах на пода върху вестници. Напоследък не пускам никого, не приемам помощ от съседи.”

Важна тема на руския космизъм беше пространствената архитектура, така че Сергей Калмиков изгражда своите Вавилонски кули, издигащи се в небето, и проектира някои пилотирани космически кораби. Понякога в неговите „космически пасторали“ внезапно се появява жаба, която скоро трябва да се превърне в красива принцеса и това е лесно обяснимо, защото художникът, който живееше сам, разбира се, мечтаеше за приятелка, но не за „Венера с Primus”, както той кръсти една от рисунките си за мила и красива дама.

Заглавията на произведенията на Калмиков са пълни с претенциозност: романът „Последните дни от обиколката на легендарния Касфикис, или Апотеозът на Сергей Калмиков“, автопортретът „Претендентът за абсолютно безсмъртие - С. Калмиков“, „Извънредно Параграфи”, запазени са негови ръкописи, есета, произведения по история на изкуството, философски дискусии и романи: „Гълъбова книга”, „Зелена книга”, „Фабрика за бум”, „Лунен джаз” и др.

Официалната критика не признава работата на Калмиков;

"Светът е болен. И не е изненадващо, че само артистите могат да поведат света към спасение". - написа Сергей Калмиков

Сега обаче неговите творения висят в музеи в Санкт Петербург, Москва, Астана и Алмати. Картините се съхраняват и в частни колекции. Някои от картините на Сергей Калмиков също са http://bonart.kz/kalmyikov-s.html И един от американските колекционери основава Фондация Сергей Калмиков.

През 1962 г. Сергей Калмиков се пенсионира и е освободен от работа в театъра. За активното си участие в постановката и обществената работа на театъра Калмиков многократно е награждаван с грамоти на Върховния съвет на КазССР (през 1940, 1945, 1959 г.).

През март 1967 г. Калмиков е откаран с линейка в болницата в тежко състояние, където е направено заключението: „Изтощен, говор несвързан, походка нестабилна. Параноична заблуда. дистрофия". На 27 април 1967 г. Сергей Калмиков умира. Преди смъртта си, в болничната си стая, той се възхищава на вкуса на топлата храна. Мястото му на почивка е неизвестно. Справедливо е да се каже: планетата Земя.

Според най-грубите оценки Калмиков е оставил след себе си повече от една и половина хиляди творби (рисунки, графики, картини) и около десет хиляди страници ръкописи. Тези ръкописи сами по себе си представляват своеобразен „самиздат”: зашити, подшити и подвързани книги, богато илюстрирани. Без изключение всички текстове са написани на ръка, всяка буква е рисунка, всяка страница съдържа цялостна композиция.

В материала са използвани снимки от Централния държавен архив на Република Казахстан.

източници,

Адолф-Уилям Бугеро (Бюгро)(1825-1905) - един от най-талантливите френски художници на 19 век, най-големият представител на салонния академизъм, който рисува повече от 800 платна. Но се случи така, че неговото име и блестящо художествено наследство бяха подложени на остра критика и бяха оставени в забрава за почти век.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/bugro-0002.jpg" alt=" „Жена от Червар и нейното дете.” Автор: Уилям Бугеро." title="„Черварчанката и нейното дете“.

Талантът на бъдещия художник се проявява напълно в началното училище: всичките му тетрадки са буквално пълни с рисунки и различни скици. Но поради финансови проблеми в семейството, много младият Уилям беше даден на грижите на 27-годишния чичо Южен, който вдъхна на младия талант интерес към философията, литературата, митологията и религията.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/bugro-0033.jpg" alt="Младият Йоан Кръстител. Автор: Адолф Уилям Бугро." title="Младият Йоан Кръстител.

Скоро мечтата се сбъдна и Уилям Бугеро стана един от най-добрите ученици в това училище. В стремежа си да научи колкото се може повече за бъдещата си професия, той посещава курсове по история на костюма, учи археология и участва в анатомични дисекции.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/bugro-0028.jpg" alt=""Италианско момче с парче хляб." Автор: Уилям Бугеро." title=""Италианско момче с парче хляб."

И когато художникът се върна в Париж, популярността му нямаше граници.
Бугеро работи неуморно върху своите творения. Той идваше в работилницата си рано сутринта и излизаше от къщи след полунощ. Като всички велики художници, той се характеризираше с постоянно недоволство от себе си и неутолимо желание за съвършенство. За това неговите съвременници му дават прозвището „Сизиф на 19 век“.

Талантливият художник е сравняван и с Рембранд. Те казаха това „Рембранд улови душата на старостта, докато Бугеро улови душата на младостта.“Безупречно познаване на анатомията на човешкото тяло, прецизни детайли, невероятно подбрани цветове - всичко това направи платната на Уилям Бугеро необичайно реалистични.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/bugro-0003.jpg" alt=" „Девицата на утехата.” (1877). Автор: Уилям Бугеро." title=""Богородица на утехата" (1877).

И за да забрави по някакъв начин за тежката загуба, художникът се отдаде изцяло на работата си. Той рисува портрети и картини на исторически, митологични, библейски и алегорични сюжети, където преобладават голотата на женските тела и безделието, което предизвиква недоволство у мнозина.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/bugro-0004.jpg" alt=""Ореади".

Но Бугро продължава да пише по свой собствен начин и когато новите модни тенденции и тенденции бързо започват да се изливат в изкуството, той не ги приема и им се противопоставя с цялото си творчество.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/bugro-00113.jpg" alt="Елизабет Гарднър е втората съпруга на художника. (1879). Автор: Уилям Бугеро." title="Елизабет Гарднър е втората съпруга на художника. (1879).

Смъртта на сина му напълно подкопава здравето на господаря. А потиснатото настроение, натрупаната умора, огромната зависимост към алкохола и тютюнопушенето се отразиха пагубно на сърцето му. И на 79-годишна възраст си отиде гениалният художник.

Забрава и триумфално завръщане

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/bugro-00115.jpg" alt=" Данте и Вергилий в ада. (1850). Автор: Уилям Бугро." title="Данте и Вергилий в ада. (1850 г.).

В продължение на почти цял век неговото име и художествено наследство изпадат в забвение и само в критичната литература може да се намери отрицателно споменаване на Уилям Бугро като художник на голия жанр. Неговите картини, изпратени в музейните складове, се съхраняват във влажни мазета и тавани през всичките тези години.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/bugro-0017.jpg" alt="„Прекрасно бреме“.

През 1984 г. с подкрепата на Музея за изящни изкуства в Монреал в Париж е организирана първата ретроспективна изложба на брилянтния художник.
С голяма трудност организаторите му успяват да съберат и представят наследството на Уилям Бугро. Много творения трябваше да бъдат възстановени, тъй като беше изминал почти цял век, а помещенията, в които се съхраняваха, изобщо не съответстваха на специални складове.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/219412167.jpg" alt=""Молитва".

При първите продажби на търг през 1977 г. цената на картините на Уилям Бугро не надвишава 10 хиляди долара, но вече през 1999 г. имаше само една картина"Амур и Психея" было продано на аукционе Christie’s за 1,76 миллиона долларов. Ну а к 2005 году стоимость его работ превысила отметку в 23 миллиона долларов. Это было воистину триумфальным возвращением гениального художника.!}

Този художник може да бъде разпознат по една особеност. Само в черно
линия, начертана по стената в коридора.
К. Сапгир

Левитан е прекрасен. Коровин, Репин, Суриков са уникални... Но едва след като се запознах с творчеството на художника Анатолий Зверев, видях в документален филм и прочетох в мемоарите му как работи, разбрах какво е гений.

Анатолий Зверев може да се нарече наш съвременник (1931-1986). Но колко хора, които не са свързани с изкуството, знаят това име? Но целият му живот е легенда.

Световноизвестният музикант В. Варшавски стоеше зад Анатолий Зверев с поднос водка, докато художникът, ръмжейки и отърсвайки се от дяволите, рисува дъщеря си и съпругата си.
Професор Пински, който знаеше Шекспир в оригинала наизуст, плахо слушаше какво ще каже Зверев за звучността на руския превод.
Отделна история е любовта му към Оксана (Ксения) Асеева (Синякова), вдовицата на поета Николай Асеев, близък приятел на Маяковски, Есенин, звезда от Сребърния век. Кой не познаваше сестрите Синякови!

Къде са Пугачова и Галкин? Анатолий Зверев беше два пъти по-млад от любимата си жена! Когато се запознаха, той беше на 37, а тя на 76!!! Любовта им беше нереална и легендарна - за нея се въртяха митове в бохемските среди...

А ето и импровизираните думи, които той й написа:

Паднали листа (от златно време);
- възмущавам се - и - изнемогвам в душата си; -
какво искаш - попита листото -
Дъб“, а аз отговорих: „Мисля, че...
О - Ней!

Най-доброто е: ... вятър и - „топлина“,
Какво е “при мен”... на цвят - “синьо”;...
Това са есенни листа... „надпреварващи се едно с друго”;...
Те пеят песента "Есенин"...
За Асеева - Оксана - пролет,
Какво се крие във "влажната трева"...
И „не отрова“ - дървото „звяр“.

Роден в селско семейство, Анатолий Тимофеевич Зверев удивлява околните с рисунките си от детството. Без да е завършил пълен курс на гимназия, той имаше абсолютна грамотност. Живееше, без изобщо да се интересува от благополучието си. Продаваше произведенията си за жълти стотинки. Многократно е даван на властите за паразитизъм. Пиеше безсрамно. Той се скиташе из московските апартаменти на приятели и познати, а в топло време дори можеше да се установи на булеварда. Не е имал собствена работилница. Където е рисувал картини, там ги е оставял. Тоест не е бил от този свят. „Ренегат, отпаднал, художник, добър само за боядисване на ограда“, според официалните художници. Анатолий Зверев ценеше свободата повече от всичко друго и никога не я предаваше.

Създал е десетки хиляди произведения, които се намират в Третяковската галерия, най-добрите музеи в света, частни колекции в Париж, Лондон, Рим, Вашингтон и др. Няколко хиляди негови творби изгоряха при пожар в дачата на Г. Костакис, приятел на художника и известен колекционер, откривател и спасител на богатото наследство на руските авангардни художници, който сам е легенда. Пред вас е портрет на дъщеря му. Но една репродукция не може да предаде цялото очарование на тази творба, всеки сантиметър от която излъчва чувственост и страст!

Именно за Анатолий Зверев Фалк каза: „Всяко докосване на четката му е ценно“.
Именно за него Пикасо каза: „Това е най-добрият руски чертожник“.
Само с няколко движения на четката Сикейрос връчва на Зверев най-високата награда на конкурс за изкуства на Международния младежки фестивал в Москва през 1957 г.
През 1959 г. репродукции на картини на Анатолий Зверев са публикувани в най-известните американски списания, а Музеят за модерно изкуство в Ню Йорк се сдобива с три акварела.
През 1965 г. се организират лични изложби в Париж и Женева. Другите ни артисти тогава дори не можеха да мечтаят за това.
Когато се опитаха да изнесат произведенията му в чужбина, служители казаха: „Всички други автори, но не и Зверев. Картините му не се издават в чужбина.”
Те бяха извадени. По дипломатически път.

За час и половина можеше да напише 20-30 статии! Стотици рисунки с мастило, илюстриращи Златното магаре на Апулей, бяха завършени за една нощ.
Рисувах с всичко, което ми попадне: нямаше бои и моливи - с парче цвекло, пръст, паста за зъби, фасове и т.н. Според мемоарите му „рисува с пепел, домати, вино, разлива боя по стени и паркет, зрители и модели, създава портрети, без да може да стане от пода“.
Картина, започната с бои, може да бъде завършена с прах за зъби!
Или ето още един.
„Красиво момиче седи неподвижно на стол и позира. И напразно се опитва да не мърда. Художникът нито веднъж не я погледна по време на сеанса. С изкривено от напрежение лице той излива боя от буркан върху хартията, трескаво я маже с памук и драска линиите с нокти. Портретът е готов."

Алла Борисовна и Максим живеят тихо в мръсотията си, но Анатолий Зверев и Оксана Асеева имаха такива страсти!
Овдовялата Оксана живееше в къща, облицована с паметни плочи. Неустоимият й чар се противопостави на времето, тя разпали най-луда любов в сърцето на артиста Зверев. Той страдаше, ревнуваше, организираше грандиозни погроми в елитния апартамент на съратника на Маяковски, изхвърляйки томове от цялата съветска класика през прозореца. Той събори снимки, изпепелявайки омразното име на мъртвия си съперник.
Оксана Михайловна беше уплашена до точката на шок от пристъпите на гняв на Зверев, но когато се осмели да се заключи с ключ и да не го пусне вътре, той откъсна дъбовата врата на апартамента на добър писател и тя излетя в полета на стълби. Експресивните му сбивания бяха публични и артистични, той не се смущаваше от елитните съседи на Оксана Асеева и те не се поколебаха да извикат полиция.
В такива ситуации Оксана Михайловна беше изключително притеснена. Когато служителите на реда, двама „чичо Фьодор“, опаковаха кавгаджия в асансьора, вдовицата на поета ги изпрати с молитва и сълзи на очи, кършейки ръце:
„Другари полицаи, внимавайте с него. Той е велик руски артист, моля, не го наранявайте. Моля, погрижете се за ръцете му!“ Полицаите се усмихнаха съчувствено на милата възрастна дама.
И той рисува и рисува лицето й... Връзката им продължава до смъртта на Асеева през 1985 г. Тя му липсваше много и той сам почина година по-късно.

Всъщност именно заради неговото поетично творчество пиша тази статия, защото... За пореден път се убеждавам, че талантливият човек е талантлив във всичко.
Запознайте се и с някои от тях. Авторът, повтарям, не само „не е завършил академия“, но и не е завършил десетте си години.

Сиво-люляк
Тъмно и тъжно
Познава Лермонтов
Изречена поезия
И в люляковите храсти
Тъмните очи на гадателката
Погледнахме...

Лермонтов
(от автобиография в стихове)

Без съмнение
- Аз съм гений
Нужен е Юриевич...

И така, под - "вечеря" -
Той се появи със своите
"дузина"
Стихове, -
Стихове и всякакви
"Елементарно".

Всичките ми истории:
„Вадим“ - (добре, ще изчакаме)
- Руса -
- брюнетка -
- (Това сонет ли е, нали?)
- ПОЕТ!..

"Герой на нашето време" -
И забременях
Поезия
Веднага, -
"очи в очи"
- И веднага:
Бърз, страстен
И честно казано -
И "точно така" -
До степента -
Вяра в триумфа
Господи - Боже!..

малък
замърсени
жалко
слаб
и гърбав
и тъмно
всички хрема
мръсен
и летаргичен
изтощен
гладен
болен
изтощен
бити
и проклет
изнасилена
и глупав
като жив труп
че сянката на оградата
отнети
изхвърлени
той е изтощен
скита
не спи не спи
и хленчи нещо
устната му се движи тихо
изглежда странно усмихнат
името му е алкохолик
като слаба плъзгаща се сянка
покрай пълничките и грациозни
покрай празни кутии
той минава
Бог да ме прости

Използвана литература:
книга „Анатолий Зверев в мемоарите на съвременниците си“.
Прочетох го, купих останалия тираж в „Млада гвардия“ и го раздадох на приятели.

Първо, трябва веднага да кажем, че геният е мит, възникнал сравнително наскоро и успешно функциониращ за решаване на конкретни проблеми, които едва ли са свързани с аспектите на реалността, които ни интересуват.

Ако заменим въпроса с по-адекватния „талантлив артист-деец ли е Павленски“, тогава вече можем да разсъждаваме.

Проблемът с артистичния активизъм е, че той съчетава две области: изкуство и политически активизъм. Не е много етично да се говори за Павленски като активист, тъй като той наистина прави смели неща, утвърждава прости, разбираеми и разумни идеи и носи отговорност за тях. Още повече, че активизмът му несъмнено е много по-амбициозен от всяко пикетиране и окачване на транспаранти, за което несъмнено заслужава уважение.

От друга страна, може да се говори за Павленски като художник. Отношението на философската критика към него като цяло варира от сдържано положително до (в повечето случаи, както се усеща) ентусиазирано; проблемът е, че повечето от тях споделят политическите му възгледи и се получава ситуация, в която критиката към Павленски се отъждествява с подкрепа за режима и всеобщо мракобесие.

Всяко художествено действие включва два аспекта: естетическа и концептуална обмисленост и ефект. Акциите на Павленски са много разнородни. Така най-успешната работа „Труп“ (гол художник се качи в намотка от бодлива тел, заседна в нея, беше спасен от полицията, която веднага го арестува), в която той педантично инсценира ситуация на променящи се състояния на опасност -беззащитност-сигурност-наказание, не получи същия отзвук като по-прямото и глупаво действие на заковаването на скротума: неговият социален патос беше напълно убит от вълнуващия образ на художника.

Действието по подпалването на вратата е умерено интересно: най-важният резултат от него (освен много красивите снимки) бяха действията на служителите на ФСБ, които затвориха повредената врата с метални листове, като по този начин разкриха удивителен страх от унищожаване на собствените си почтеност. Имаше такова заклеймяване на безплодието, беше разкрито желание да се премахнат всякакви следи от външна намеса, дори с цената на ограничаване на собствената свобода. Може да се сравни с действието на човек, който, смутен от драскотина по лицето си, превързва цялата си глава, като по този начин губи способността си да вижда.

Контрастът между намерение и резултат става доста очевиден, ако погледнете акциите на Pussy Riot (и двете от които във всеки случай принадлежат на артистите). И така, те направиха едно и също нещо няколко пъти (на Лобное место, на покрива на тролейбус, в метрото, в KhHS). Всеки път това е по същество една и съща работа, но именно „фурорът“ на действието в катедралата „Христос Спасител“ изведе творчеството им на съвсем различно ниво.

Обобщавайки, убеден съм, че Пьотър Павленски е много добър художник, с малко неравномерно творчество, сред чиито дялове има както изключителни творби, така и сносни неща.

Той влезе в историята, но няма да създаде своя школа.

Защо в картините на т.нар Няма ли модерното изкуство същото ниво на детайлност като класическата живопис?