Японски модерни картини. Тихо Ашима и нейната сюрреалистична вселена

Харийо Марита е роден през 1945 г. в префектура Сайтама.

От ранна детска възраст учи японско класическо рисуване при майстор Хусуки. Той също така запозна Харийо Марита с живописните композиции, които направиха японските изображения толкова популярни в Япония и на Запад.

През 1960 г. нейните творби са признати за най-добрите на конкурс, организиран в префектурата.

След обучение като студентка Харийо работи около 10 години като дизайнер на кимоно и в резултат на това развива свой собствен стил, в който успява да комбинира класическото японско изкуство и собствената си представа за модерна японска живопис. Заедно с кимоното, дизайнът на Харийо Марита включва и разработването на канзаши. В съответствие с историческата японска традиция, комбинацията от елементи на канзаши трябваше да отразява смяната на сезоните и да варира от месец на месец.

През 1977 г. художничката се премества в Лондон и провежда самостоятелни изложби на творбите си в Лондон, Ню Йорк, Хонолулу, Лос Анджелис, Саудитска Арабия и Токио. Любителите на изкуството наистина харесаха работата й.

По-късно Харийо Марита се премества в Австралия, където много харесва климата, който според художника е идеален за нейната работа.

В своите картини Харийо Марита изобразява гейши, юджо и благородни дами от епохата Хейан (794 - 1185).

Благородни дами от епохата Хейан

Японките можеха да се демонстрират само в два случая: извън стените на собствения си дом, заобиколени от членове на домакинството и/или съпрузи, или гейшите можеха да направят това, т.к. Още в епохата Хейан възниква обичай, според който знатните дами трябва да покриват лицата си на обществени места.

Идеален женска красотаот онова време в Япония: кръгло лице, високо чело, бяла кожа. Жените плътно избелваха лицата си с оризов прах оширой, който беше доста труден за измиване. Естествените вежди се смятаха за вулгарни; те бяха обръснати и вместо тях бяха нарисувани къси дебели черни линии на челото. По-късно японските красавици започнаха да скубят веждите си. Очите бяха очертани с черно или червено, устните бяха боядисани с червено червило. Жените също можеха да използват черна спирала, за да подчертаят линията на косата, която трябваше да се събира в триъгълник на челото. Това създаде илюзията за гъста коса.

Най-важната характеристика на красотата на жената Хейан била нейната коса. Косата трябваше да е гъста, катранено черна, гладка и много дълга до петите. Те трябва да са свободни и да лежат по гърба в една тъмна плътна маса. Тази прическа се нарича kurokami. Тази мода започна като реакция срещу вносната китайска мода, където прическите бяха много по-къси и включваха конски опашки. Според легендата, рекордьорът за най-дълга коса през периода Хейан е жена с коса дълга 7 метра.

гейша

Гейша е момиче, което забавлява клиентите си (гости, посетители) с японски танци, пеене, провеждане на чаена церемония и разговори на всякакви теми, обикновено облечено в кимоно и носещо традиционен грим и прическа.

„Истинската гейша никога няма да опетни репутацията си, като бъде на разположение на мъжете.“

Гейша със сигурност знаеше много за приложната психология. Една гейша можеше да чете мисли, чувства, емоции и много повече от лицето на своя събеседник. Но най-важното, най-великото нещо, което правеше гейшите специални - те бяха щастливи жени. И гостите и клиентите ги възприемаха като такива. Те излъчваха радост и светлина. Винаги има усмивка на лицето ви. Тонът на гласа е музикален и мелодичен. Движенията са плавни, като котка, доволна от себе си. Мислите са само светли, весели, енергични. Голямо значение се отдаваше на тази умствена дисциплина.

Желание да се наслаждавате на живота във всичко и винаги. Било то просто пиене на саке с клиент или изтънчен разговор на чаша чай. Било то разходка в дъжда по улицата. Поглед, хвърлен към птица, летяща в небето. Изпитвайте удоволствие от всичко. Превърнете дори една дреболия в приятно събитие. Това са учили момичетата в истинските училища за гейши.

Юджо

Юджо е единственият тип японски жени, чийто колан е вързан отпред. Юджо от най-високата категория се наричат ​​таю.

Юджо имаше всички права на свободно и понякога упорито разположение и можеше да откаже да работи с клиент. Благоволението ми трябваше да бъде спечелено.

Любопитният свят е подготвил за вас селекция от картини на Харийо Марита, в които художникът е изобразил всички тези красиви и толкова различни японки.

японски класическа живописима дълга и интересна история. Изобразителното изкуство на Япония е представено в различни стиловеи жанрове, всеки от които е уникален по свой начин. Древни рисувани фигурки и геометрични мотиви, открити върху бронзови камбани дотаку и керамични парчета, датират от 300 г. сл. Хр.

Будистка ориентация на изкуството

Изкуството на стенната живопис е доста добре развито в Япония; през 6 век изображенията на тема будистка философия са особено популярни. По това време в страната се строят големи храмове, чиито стени навсякъде са украсени с фрески, рисувани въз основа на сцени от будистки митове и легенди. Древни образци на стенописи все още се съхраняват в храма Хорюджи близо до японския град Нара. Стенописите на Хорюджи изобразяват сцени от живота на Буда и други богове. Художественият стил на тези стенописи е много близък до изобразителната концепция, популярна в Китай по време на династията Сун.

Стилът на рисуване на династията Тан придобива особена популярност в средата на периода Нара. Стенописите, открити в гробницата Такамацузука, датират от около 7 век сл. н. е. от този период. Художествена техника, формиран под влиянието на династията Тан, впоследствие формира основата на живописния жанр на кара-е. Този жанр запазва своята популярност до появата на първите произведения в стила Ямато-е. Повечето стенописи и живописни шедьоврипринадлежат на четката неизвестни автори, днес много от произведенията от този период се съхраняват в съкровищницата на Сесоин.

Нарастващото влияние на новите будистки школи като Тендай повлия на по-широката религиозна ориентация изобразително изкуствоЯпония през 8-ми и 9-ти век. През 10-ти век, когато се наблюдава особен напредък в японския будизъм, се появява жанрът raigozu, „картини за добре дошли“, които изобразяват пристигането на Буда в Западния рай. Ранни образци на райгозу, датиращи от 1053 г., могат да се видят в храма Бедо-ин, който оцелява в град Уджи, префектура Киото.

Смяна на стилове

В средата на периода Хейан заменен китайски стил Kara-e идва от жанра Yamato-e, който за дълго време се превръща в един от най-популярните и търсени жанрове на японската живопис. Новият изобразителен стил се използва главно при рисуване на сгъваеми паравани и плъзгащи се врати. С течение на времето ямато-е също се премести в хоризонтални свитъци емакимоно. Художниците, които са работили в жанра emaki, се опитаха да предадат в своите произведения цялата емоционалност на избрания сюжет. Свитъкът Genji Monogatari се състоеше от няколко епизода, нанизани заедно, като художниците от онова време използваха бързи движения с четка и ярки, изразителни цветове.

E-maki е един от най-старите и най-много изключителни примери otoko-e, образен жанр мъжки портрети. Женските портрети се класифицират като отделен жанр, onna-e. Всъщност между тези жанрове, както между мъжете и жените, се виждат доста съществени разлики. Стилът onna-e е колоритно представен в дизайна на „Приказката за Генджи“, където основните теми на рисунките са романтични истории, сцени от дворцовия живот. Мъжки стил otoko-e е преобладаващо художествен образисторически битки и други важни събитияв живота на империята.

Класическата японска художествена школа се превърна в благодатна почва за развитието и популяризирането на идеите на съвременното изкуство в Япония, в което ясно се вижда влиянието на поп културата и анимето. Един от най-известните японски художници на нашето време може да се нарече Такаши Мураками, чиято работа е посветена на изобразяването на сцени от японския живот. следвоенен периоди концепцията за максимално сливане на изящното изкуство и мейнстрийма.

От известни японски художници класическо училищеможем да назовем следното.

Напрегнат Xubun

Сюбун работи в началото на 15 век, отделяйки много време за изучаване на произведенията китайски майсториерата на династията Сонг, този човек стои в началото на японския визуален жанр. Шубун се счита за основател на стила суми-е, монохромно рисуване с мастило. Той полага много усилия за популяризиране на новия жанр, превръщайки го в една от водещите области на японската живопис. Учениците на Сюбун бяха много, които по-късно станаха известни артисти, включително Сешу и основателя на известната художествена школа Кано Масанобу. Много пейзажи са приписвани на Xubun, но най-известната му творба традиционно се счита за „Четене в бамбукова горичка“.

Огата Корин (1658-1716)

Огата Корин е един от най-големите художници в историята на японската живопис, основател и един от най-ярките представители артистичен стилримпа. Корин смело се отдалечи от традиционните стереотипи в творбите си, формирайки свой собствен стил, чиито основни характеристики бяха малки форми и ярък импресионизъм на сюжета. Корин е известен със специалното си умение да изобразява природата и да работи с абстрактни цветни композиции. „Сливов цвят червен и бял” е един от най-много известни произведенияИзвестни са и Огата Корина, картините му „Хризантеми“, „Вълните на Мацушима“ и редица други.

Хасегава Тохаку (1539-1610)

Тохаку е основател на японската художествена школа Хасегава. За ранен периодТворчеството на Тохаку се характеризира с влиянието на известната школа на японската живопис Кано, но с течение на времето художникът формира свой собствен уникален стил. В много отношения работата на Тохаку е повлияна от произведенията на признатия майстор Сешу; Хосегава дори се смяташе за петия наследник на този велик майстор. Получи картината на Хасегава Тохаку „Борове“. световна слава, известни са и произведенията му “Явор”, “Борове и цъфтящи растения” и др.

Кано Ейтоку (1543-1590)

Стилът на училището Кано доминира във визуалните изкуства на Япония в продължение на около четири века, а Кано Ейтоку е може би един от най-известните и видни представителитова училище по изкуствата. Ейтоку беше облагодетелстван от властите, покровителството на аристократи и богати покровители не можеше да не допринесе за укрепването на неговата школа и популярността на неговите произведения, без съмнение много талантлив художник. Плъзгащият се параван от осем панела Cypress, рисуван от Eitoku Kano, е истински шедьовър и ярък примеробхвата и силата на стила Монояма. Не по-малко интересни изглеждат и други произведения на майстора, като „Птици и дървета от четирите сезона“, „Китайски лъвове“, „Отшелници и фея“ и много други.

Кацушика Хокусай (1760-1849)

Хокусай – най-големият майсторжанр на укийо-е (японска дърворезба). Работата на Хокусай е получила световно признание, славата му в други страни не е сравнима с популярността на повечето азиатски художници, работата му " Голяма вълнав Канагава“ се превърна в нещо като визитна картичка на японското изобразително изкуство на световната арт сцена. На себе си творчески пътХокусай използва повече от тридесет псевдоними; след шестдесет години художникът се посвещава изцяло на изкуството и това време се смята за най-плодотворния период от неговата работа. Творбите на Хокусай повлияха върху работата на западните майстори на импресионизма и постимпресионистичния период, включително работата на Реноар, Моне и ван Гог.

Яйои Кусама едва ли ще може да отговори какво е в основата на нейната кариера като художник. Тя е на 87 години, изкуството й е признато в цял свят. Скоро ще има големи изложби на нейни творби в САЩ и Япония, но тя все още не е разказала на света всичко. „Все още е на път. Ще създам това в бъдеще“, казва Кусама. Наричат ​​я най-успешният художник в Япония. Освен това тя е най-скъпият жив художник: през 2014 г. нейната картина „Бяло № 28“ беше продадена за 7,1 милиона долара.

Кусама живее в Токио и доброволно лежи в психиатрична болница почти четиридесет години. Веднъж на ден тя оставя стените му да боядиса. Тя става в три часа сутринта, не може да заспи и иска да прекарва времето си продуктивно на работа. „Вече съм стар, но тепърва ще творя повече работаи най-добрите работи. Повече, отколкото съм правил в миналото. Умът ми е пълен с картини“, казва тя.

(Общо 17 снимки)

Яйои Кусама на изложба на негови творби в Лондон през 1985 г. Снимка: NILS JORGENSEN/REX/Shutterstock

От девет до шест Кусама работи в триетажното си студио, без да става инвалидна количка. Тя може да ходи, но е твърде слаба. Жена работи върху платно, поставено върху маси или фиксирано към пода. Студиото е пълно с нови картини, ярки творби, изпъстрени с малки петна. Художничката нарича това "самозаглушаване" - безкрайно повторение, което заглушава шума в нейната глава.

Преди наградите за изкуство Praemium Imperiale през 2006 г. в Токио. Снимка: Sutton-Hibbert/REX/Shutterstock

Нова галерия се отваря скоро от другата страна на улицата, а друг музей на нейното изкуство се изгражда на север от Токио. Освен това се откриват две големи изложби на нейно творчество. „Yayoi Kusama: Infinity Mirrors“, ретроспекция на нейната 65-годишна кариера, беше открита в музея Hirshhorn във Вашингтон на 23 февруари и продължава до 14 май, преди да отпътува за Сиатъл, Лос Анджелис, Торонто и Кливланд. Експозицията включва 60 картини на Кусама.

Нейните полка точки покриват всичко - от роклите на Louis Vuitton до автобусите в родния й град. Творбите на Кусама редовно се продават за милиони долари и могат да бъдат намерени по целия свят, от Ню Йорк до Амстердам. Изложбите на творбите на японския художник са толкова популярни, че са необходими мерки за предотвратяване на тълпи и безредици. Например в Хиршхорн се продават билети за изложбата определено времеза да се регулира по някакъв начин потокът от посетители.

Представяне на съвместния дизайн на Louis Vuitton и Yayoi Kusama в Ню Йорк през 2012 г. Снимка: агенция Били Фарел/REX/Shutterstock

Но Кусама все още се нуждае от външно одобрение. На въпрос в интервю дали е постигнала целта си да стане богата и известна преди десетилетия, тя каза изненадано: „Когато бях малка, ми беше много трудно да убедя майка си, че искам да стана художник. Вярно ли е, че съм богат и известен?

Кусама е роден в Мацумото, в планините на централна Япония, през 1929 г. в богато и консервативно семейство, което продава разсад. Но това не беше щастлив дом. Майка й презираше измамения й съпруг и изпрати малката Кусама да го шпионира. Момичето вижда баща си с други жени и това й създава отвращение към секса за цял живот.

Витрина на бутик Louis Vuitton, проектирана от Кусама през 2012 г. Снимка: Джо Шилдхорн/BFA/REX/Shutterstock

Като дете тя започва да изпитва зрителни и слухови халюцинации. Първият път, когато видя тиквата, тя си представи, че й говори. Бъдещата художничка се справяше с виденията, създавайки повтарящи се шарки, за да заглуши мислите в главата си. Още на толкова млада възраст изкуството се превръща в своеобразна терапия за нея, която тя по-късно ще нарече „арт медицина“.

Творба на Yayoi Kusama, изложена в музея за съвременно изкуство Whitney през 2012 г. Снимка: агенция Били Фарел/REX/Shutterstock

Майката на Кусама беше категорично против желанието на дъщеря си да стане художник и настояваше момичето да следва традиционния път. „Тя не ми позволи да рисувам. Тя искаше да се оженя“, каза художникът в интервю. - Тя изхвърли работата ми. Исках да се хвърля под влак. Всеки ден се карах с майка ми и затова умът ми беше повреден.”

През 1948 г., след края на войната, Кусама отива в Киото, за да изучава традиционната японска живопис нихонга със строги правила. Тя мразеше този вид изкуство.

Един от експонатите от изложбата Yayoi Kusama в Музея за съвременно изкуство Whitney през 2012 г. Снимка: агенция Били Фарел/REX/Shutterstock

Когато Кусама живееше в Мацумото, тя намери книга на Джорджия О'Кийф и беше изумена от картините в нея. Момичето отиде в американското посолство в Токио, за да намери статия за О’Кийф в указателя там и да разбере адреса й. Кусама й написа писмо и й изпрати няколко рисунки и за нейна изненада, американски художникотговори й.

„Не можех да повярвам на късмета си! Тя беше толкова мила, че отвърна на внезапния изблик на чувства на едно скромно японско момиче, което никога не беше срещала в живота си и дори не беше чувала за него“, пише художничката в автобиографията си „Infinity Net“.

Yayoi Kusama във витрината на нейния бутик Louis Vuitton в Ню Йорк през 2012 г. Снимка: Нилс Йоргенсен/REX/Shutterstock

Въпреки предупрежденията на О'Кийф, че животът е много труден за младите артисти в Съединените щати, да не говорим за самотните млади момичета в Япония, Кусама беше неудържим. През 1957 г. тя успява да получи паспорт и виза. Тя пришиваше долари в роклите си, за да заобиколи строгия следвоенен валутен контрол.

Първата спирка беше Сиатъл, където тя направи изложба в малка галерия. Тогава Кусама отиде в Ню Йорк, където беше горчиво разочарована. „За разлика от следвоенния Мацумото, Ню Йорк във всеки смисъл беше зло и изпълнено с насилие място. Оказа се твърде стресиращо за мен и скоро затънах в невроза.” За да влоши нещата, Кусама се оказа в пълна бедност. Една стара врата й служи като легло и тя лови рибени глави и гнили зеленчуци от кофите за боклук, за да прави супа.

Инсталация Infinity Mirror Room - Love Forever („Стая с безкрайни огледала - любов завинаги“). Снимка: Тони Кириаку/REX/Shutterstock

Тази трудна ситуация накара Кусама да се потопи още повече в работата си. Тя започва да създава първите си картини от серията Infinity Net, покривайки огромни платна (едно от тях е високо 10 метра) с хипнотизиращи вълни от малки бримки, които сякаш нямат край. Самата художничка ги описва по следния начин: „Бели мрежи, обгръщащи черните точки на тихата смърт на фона на безнадеждния мрак на нищото“.

Инсталация от Yayoi Kusama при откриването на новата сграда на Музея за съвременно изкуство „Гараж“ в Централния парк на културата и културата „Горки“ в Москва през 2015 г. Снимка: David X Prutting/BFA.com/REX/Shutterstock

Това обсесивно-компулсивно повторение помагаше да се прогони неврозата, но не винаги спасяваше. Кусама постоянно страдаше от пристъпи на психоза и се озова в болница в Ню Йорк. Бидейки амбициозна и целеустремена и с радост приела ролята на екзотична азиатка в кимоно, тя се присъедини към тълпата от влиятелни личности в изкуството и общува с такива признати творци, като Марк Ротко и Анди Уорхол. По-късно Кусама каза, че Уорхол е имитирал нейната работа.

Кусама скоро придоби известна слава и излагаше в претъпкани галерии. Освен това славата на художника стана скандална.

През 60-те години на миналия век, докато Кусама беше обсебена от полка точките, тя започна да организира хепънинги в Ню Йорк, насърчавайки хората да се събличат голи на места като Сентръл парк и Бруклинския мост и да рисува телата си с полка точки.

Предварителна изложба в Art Basel в Хонг Конг през 2013 г. Снимка: Били Фарел/BFA/REX/Shutterstock

Десетилетия преди движението "Окупирай Уолстрийт", Кусама организира хепънинг във финансовия район на Ню Йорк, заявявайки, че иска да "унищожи мъжете на Уолстрийт с полка точки". По това време тя започва да покрива различни предмети - стол, лодка, количка - с фалически изглеждащи издатини. „Започнах да създавам пениси, за да излекувам чувството си на отвращение към секса“, пише художникът, описвайки как това творчески процеспостепенно превръщайки ужасното в нещо познато.

Инсталация "Отминаваща зима" в галерия Тейт в Лондон. Снимка: Джеймс Гурли/REX/Shutterstock

Кусама никога не се е женила, въпреки че е имала подобна на брак връзка с художника Джоузеф Корнел в продължение на десет години, докато живее в Ню Йорк. „Не харесвах секса, а той беше импотентен, така че си паснахме много добре“, каза тя в интервю за Art Magazine.

Кусама става все по-известна със своите лудории: тя предлага да спи с американския президент Ричард Никсън, ако той сложи край на войната във Виетнам. „Нека се украсим един друг с полка точки“, пише тя в писмо до него. Интересът към нейното изкуство избледня, тя се оказа в немилост и паричните проблеми започнаха отново.

Яйои Кусама по време на ретроспекция на нейната работа в Музея за модерно изкуство Уитни в Ню Йорк през 2012 г. Снимка: Стив Айхнер/Penske Media/REX/Shutterstock

Новините за приключенията на Кусама достигат до Япония. Започнаха да я наричат ​​„национална катастрофа“, а майка й каза, че би било по-добре дъщеря й да умре от болестта в детството. В началото на 70-те години, обеднял и пропаднал, Кусама се завръща в Япония. Регистрира се в психиатрия, където живее и до днес, и потъна в артистична неизвестност.

През 1989 г. Центърът за съвременно изкуство в Ню Йорк организира ретроспекция на нейното творчество. Това беше началото, макар и бавно, на възраждане на интереса към изкуството на Кусама. Тя изпълни огледална стая с тикви за инсталация, която беше изложена на Венецианското биенале през 1993 г. и имаше голяма изложба в MoMa в Ню Йорк през 1998 г. Това е мястото, където тя веднъж организира хепънинг.

В изложбата My Eternal Soul вечна душа") в Националния арт център в Токио, февруари 2017 г. Снимка: Масатоши Окаучи/REX/Shutterstock

През последните няколко години Yayoi Kusama се превърна в международен феномен. Модерна галерияТейт в Лондон и музеят Уитни в Ню Йорк проведоха големи ретроспективи, които привлякоха огромни тълпи от посетители, а нейният емблематичен модел на точки стана силно разпознаваем.

На изложбата My Eternal Soul в Националния арт център в Токио, февруари 2017 г. Снимка: Масатоши Окаучи/REX/Shutterstock

Художничката няма намерение да спира да работи, но е започнала да мисли за своята смъртност. „Не знам колко дълго мога да оцелея дори след смъртта. Има бъдещо поколение, което следва моите стъпки. За мен ще бъде чест, ако хората се радват да гледат работата ми и ако бъдат трогнати от изкуството ми.”

На изложбата My Eternal Soul в Националния арт център в Токио, февруари 2017 г. Снимка: Масатоши Окаучи/REX/Shutterstock

Въпреки комерсиализацията на нейното изкуство, Кусама мисли за гроба в Мацумото, а не за него семейна крипта, тя вече го получи от родителите си - и как да не я превърнат в убежище. „Но аз още не умирам. Мисля, че ще живея още 20 години“, казва тя.

На изложбата My Eternal Soul в Националния арт център в Токио, февруари 2017 г. Снимка: Масатоши Окаучи/REX/Shutterstock

Всяка страна има свои собствени герои на съвременното изкуство, чиито имена са известни, чиито изложби привличат тълпи от фенове и любопитни хора и чиито творби се продават в частни колекции.

В тази статия ще ви запознаем с най-популярните съвременни артисти в Япония.

Кейко Танабе

Родена в Киото, Кейко печели много конкурси по изкуство като дете, но висше образованиеВ областта на изкуството изобщо не го разбрах. Работила е в отдела за международни отношения на японска общинска търговска организация в Токио, голяма адвокатска кантора в Сан Франциско и частна консултантска фирма в Сан Диего и е пътувала много. От 2003 г. тя напуска работата си и след като изучава основите на акварелната живопис в Сан Диего, се посвещава изключително на изкуството.

Икенага Ясунари

Японският художник Икенага Ясунари рисува портрети на съвременни жени в древността Японска традициярисуване с четка Menso, минерални пигменти, сажди, мастило и лен като основа. Героите му са жени от нашето време, но благодарение на стила на Нихонга, имате усещането, че са дошли при нас от незапомнени времена.

Абе Тошиюки

Абе Тошиюки е художник реалист, който перфектно владее акварелната техника. Абе може да се нарече художник-философ: той принципно не рисува известни забележителности, предпочитайки субективни композиции, които отразяват вътрешните състояния на човека, който ги наблюдава.

Хироко Сакай

Кариерата на художника Hiroko Sakai започва в началото на 90-те години в град Фукуока. След като завършва университета Seinan Gakuin и френското училище за интериорен дизайн Nihon по дизайн и визуализация, тя основава Atelier Yume-Tsumugi Ltd. и успешно управлява това студио в продължение на 5 години. Много от нейните творби украсяват болнични фоайета и офиси. големи корпорациии някои общински сгради в Япония. След като се мести в Съединените щати, Хироко започва да рисува с маслени бои.

Риусуке Фукахори

Триизмерните творби на Риусуки Фукахори приличат на холограми. Те са готови акрилна боя, нанесен на няколко слоя, и прозрачна смоляна течност - всичко това, без да изключва традиционните методи като рисуване на сенки, омекотяване на ръбове, контролиране на прозрачността, позволява на Riusuki да създава скулптурна живописи придава на произведението дълбочина и реализъм.

Нацуки Отани

Нацуки Отани е талантлив японски илюстратор, който живее и работи в Англия.

Макото Мурамацу

Макото Мурамацу избра печеливша тема за основа на своето творчество - той рисува котки. Картините му са популярни по целия свят, особено под формата на пъзели.

Тецуя Мишима

Повечето от картините на съвременния японски художник Мишима са направени с маслени бои. Тя рисува професионално от 90-те години и има няколко самостоятелни изложби и голям брой колективни изложби, както в Япония, така и в чужбина.

"Картоиграчи"

Автор

Пол Сезан

държава Франция
Години живот 1839–1906
стил постимпресионизъм

Художникът е роден в южната част на Франция в малкото градче Екс-ан-Прованс, но започва да рисува в Париж. Истинският успех идва при него след лична изложба, организирана от колекционера Амброаз Волар. През 1886 г., 20 години преди заминаването си, той се премества в покрайнините на родния си град. Младите художници нарекоха пътуванията до него „поклонение в Екс“.

130х97 см
1895 г
цена
250 милиона долара
продаден през 2012 г
на частен търг

Творчеството на Сезан е лесно за разбиране. Единственото правило на художника беше директното прехвърляне на обект или сюжет върху платното, така че картините му не предизвикват недоумение у зрителя. Сезан комбинира в своето изкуство две основни френски традиции: класицизъм и романтизъм. С помощта на цветни текстури той придаде на формата на предметите невероятна пластичност.

Поредицата от пет картини „Картоиграчи“ е рисувана през 1890–1895 г. Сюжетът им е един и същ - няколко души ентусиазирано играят покер. Творбите се различават само по броя на играчите и размера на платното.

Четири картини се съхраняват в музеи в Европа и Америка (Музей д'Орсе, Метрополитен музей на изкуствата, Фондация Барнс и Института за изкуство Курто), а петата доскоро беше украса на частната колекция на гръцкия милиардер корабособственик Георг Ембирикос. Малко преди смъртта си, през зимата на 2011 г., той решава да го пусне за продажба. Потенциални купувачи на „безплатната“ работа на Сезан бяха търговецът на изкуство Уилям Аквавела и световноизвестният собственик на галерия Лари Гагосиан, които предложиха около 220 милиона долара за нея. В резултат на това картината отиде при кралското семейство на арабската държава Катар за 250 милиона. Най-голямата сделка за изкуство в историята на живописта беше сключена през февруари 2012 г. Това съобщи журналистката Александра Пиърс във Vanity Fair. Тя разбра цената на картината и името на новия собственик, а след това информацията проникна в медиите по целия свят.

През 2010 г. в Катар бяха открити Арабският музей на модерното изкуство и Националният музей на Катар. Сега колекциите им растат. Може би петата версия на The Card Players е била придобита от шейха за тази цел.

Най-многоскъпа картинав света

Собственик
Шейх Хамад
бин Халифа ал-Тани

Династията ал-Тани управлява Катар повече от 130 години. Преди около половин век тук бяха открити огромни запаси от нефт и газ, което моментално превърна Катар в един от най-богатите региони в света. Благодарение на износа на въглеводороди тази малка страна има най-големия БВП на глава от населението. Шейх Хамад бин Халифа ал Тани пое властта през 1995 г., докато баща му беше в Швейцария, с подкрепата на членове на семейството. Заслугата на сегашния управляващ според експертите е в ясната стратегия за развитие на страната и в създаването на успешен имидж на държавата. Сега Катар има конституция и министър-председател, а жените имат право да гласуват на парламентарни избори. Между другото, именно емирът на Катар основа новинарския канал Al-Jazeera. Властите на арабската държава обръщат голямо внимание на културата.

2

"номер 5"

Автор

Джаксън Полък

държава САЩ
Години живот 1912–1956
стил абстрактен експресионизъм

Джак Пръскалото - това беше прякорът, даден на Полък от американската публика за неговата специална техника на рисуване. Художникът изоставя четката и статива и излива боя върху повърхността на платното или фазера при непрекъснато движение около и вътре в тях. СЪС ранни годинитой обичаше философията на Джиду Кришнамурти, чието основно послание е, че истината се разкрива по време на свободно „изливане“.

122х244 см
1948 г
цена
140 милиона долара
продаден през 2006г
на търг Сотбис

Стойността на работата на Полък не се крие в резултата, а в процеса. Неслучайно авторът е нарекъл изкуството си „екшън живопис“. С неговата лека ръка той се превърна в основния актив на Америка. Джаксън Полок смесва боя с пясък и счупено стъкло и рисува с парче картон, нож за палитра, нож и кофичка за боклук. Художникът беше толкова популярен, че през 50-те години имитатори се намериха дори в СССР. Картината "Номер 5" е призната за една от най-странните и най-скъпите в света. Един от основателите на DreamWorks, Дейвид Гефен, го закупи за частна колекция и през 2006 г. го продаде на търг на Sotheby's за 140 милиона долара на мексиканския колекционер Дейвид Мартинес. Въпреки това адвокатската кантора скоро издаде прессъобщение от името на своя клиент, в което се посочва, че Дейвид Мартинез не е собственик на картината. Само едно нещо се знае със сигурност: мексиканският финансист наистина е вътре напоследъксъбрани произведения на модерното изкуство. Малко вероятно е той да пропусне такава „голяма риба“ като „Номер 5“ на Полок.

3

"Жена III"

Автор

Вилем де Кунинг

държава САЩ
Години живот 1904–1997
стил абстрактен експресионизъм

Родом от Холандия, той имигрира в Съединените щати през 1926 г. През 1948 г. се състоя лична изложбахудожник. Критиците на изкуството оцениха сложните, нервни черно-бели композиции, признавайки автора им за велик художник-модернист. През по-голямата част от живота си страда от алкохолизъм, но радостта от създаването на ново изкуство се усеща във всяка творба. Де Кунинг се отличава с импулсивността на живописта си и широките щрихи, поради което понякога образът не се вписва в границите на платното.

121х171 см
1953 г
цена
137 милиона долара
продаден през 2006г
на частен търг

През 50-те години на миналия век в картините на де Кунинг се появяват жени с празни очи, масивни гърди и грозни черти на лицето. „Жена III“ стана последна работаот тази серия, участващи в търга.

От 70-те години на миналия век картината се съхранява в Техеранския музей за модерно изкуство, но след въвеждането на строги морални правила в страната се опитват да се отърват от нея. През 1994 г. творбата е изнесена от Иран, а 12 години по-късно нейният собственик Дейвид Гефен (същият продуцент, който продаде „Номер 5“ на Джаксън Полок) продава картината на милионера Стивън Коен за 137,5 милиона долара. Интересно е, че след една година Гефен започва да разпродава колекцията си от картини. Това породи много слухове: например, че продуцентът е решил да купи вестник Los Angeles Times.

На един от арт форумите беше изразено мнение за приликата на „Жена III“ с картината „Дама с хермелин“ на Леонардо да Винчи. Зад зъбната усмивка и безформената фигура на героинята, познавачът на живописта видя благодатта на човек от кралска кръв. Това се доказва и от зле нарисуваната корона, увенчаваща главата на жената.

4

„Портрет на АделБлох-Бауер I"

Автор

Густав Климт

държава Австрия
Години живот 1862–1918
стил модерен

Густав Климт е роден в семейството на гравьор и е второто от седем деца. Трима сина на Ърнест Климт станаха художници, но само Густав стана известен по целия свят. Прекарва по-голямата част от детството си в бедност. След смъртта на баща си той поема отговорността за цялото семейство. По това време Климт развива своя стил. Всеки зрител замръзва пред неговите картини: откровената еротика е ясно видима под тънките щрихи на златото.

138х136 см
1907 г
цена
135 милиона долара
продаден през 2006г
на търг Сотбис

Съдбата на картината, която наричат ​​„австрийската Мона Лиза“, лесно може да стане основа за бестселър. Работата на художника стана причина за конфликт между цяла държава и една възрастна дама.

И така, „Портрет на Адел Блох-Бауер I“ изобразява аристократка, съпругата на Фердинанд Блок. Последното й желание било да предаде картината на австриеца държавна галерия. Блок обаче отменя дарението в завещанието си и нацистите експроприират картината. По-късно галерията трудно купи Златната Адел, но тогава се появи наследница - Мария Алтман, племенницата на Фердинанд Блок.

През 2005 г. започна високопоставеният процес „Мария Алтман срещу Република Австрия“, в резултат на което филмът „замина“ с нея за Лос Анджелис. Австрия предприе безпрецедентни мерки: водени са преговори за заеми, населението дарява пари за закупуване на портрета. Доброто никога не побеждава злото: Алтман вдигна цената до 300 милиона долара. По време на процеса тя е на 79 години и влиза в историята като човекът, променил завещанието на Блок-Бауер в полза на лични интереси. Картината е закупена от Роналд Лаудер, собственик на " Нова галерия“ в Ню Йорк, където се намира и до днес. Не за Австрия, за него Алтман намали цената на 135 милиона долара.

5

"писък"

Автор

Едвард Мунк

държава Норвегия
Години живот 1863–1944
стил експресионизъм

Първата картина на Мунк, станала известна в целия свят, „Болното момиче“ (има пет копия) е посветена на сестрата на художника, която почина от туберкулоза на 15-годишна възраст. Мунк винаги се е интересувал от темата за смъртта и самотата. В Германия тежката му маниакална живопис дори предизвика скандал. Но въпреки депресивните сюжети, картините му носят особен магнетизъм. Вземете например "Scream".

73,5х91 см
1895 г
цена
119,992 милиона долара
продаден в 2012 г
на търг Сотбис

Пълното заглавие на картината е Der Schrei der Natur (в превод от немски „викът на природата“). Лицето на човек или извънземно изразява отчаяние и паника - същите емоции, които зрителят изпитва, когато гледа картината. Един от ключови работиекспресионизмът предупреждава за теми, които са станали остри в изкуството на 20 век. Според една версия художникът го е създал под влияние психично разстройствокоето страдал през целия си живот.

Картината е крадена два пъти от различни музеи, но тя беше върната. Леко повреден след кражбата, Викът е реставриран и отново е готов за излагане в Музея на Мунк през 2008 г. За представителите на поп културата произведението се превърна в източник на вдъхновение: Анди Уорхол създаде серия от печатни копия от него, а маската от филма „Писък“ беше направена по образ и подобие на героя на картината.

За една тема Мунк пише четири версии на творбата: тази, която е в частна колекция, е направена в пастели. Норвежкият милиардер Петер Олсен го пусна на търг на 2 май 2012 г. Купувач беше Леон Блек, който не пожали рекордна сума за „Писък“. Основател на Apollo Advisors, L.P. и Lion Advisors, L.P. известен с любовта си към изкуството. Блек е патрон на Dartmouth College, Музея за модерно изкуство, Lincoln Art Center и Metropolitan Museum of Art. Той има най-голямата колекциякартини съвременни художниции класически майстори от миналите векове.

6

„Голо на фона на бюст и зелени листа“

Автор

Пабло Пикасо

държава Испания, Франция
Години живот 1881–1973
стил кубизъм

Той е испанец по произход, но по дух и място на пребиваване е истински французин. Пикасо отваря собствено художествено студио в Барселона, когато е едва на 16 години. След това отиде в Париж и прекара повечето отживот. Затова фамилията му е с двойно ударение. Стилът, изобретен от Пикасо, се основава на отричането на идеята, че обектът, изобразен върху платно, може да се гледа само от един ъгъл.

130х162 см
1932 г
цена
106,482 милиона долара
продаден през 2010г
на търг Кристи

По време на работата си в Рим художникът се запознава с танцьорката Олга Хохлова, която скоро става негова съпруга. Той сложи край на скитничеството и се нанесе при нея в луксозен апартамент. По това време признанието беше намерило героя, но бракът беше унищожен. Един от най скъпи картинисвят е създаден почти случайно - от голяма любов, който, както винаги при Пикасо, беше краткотраен. През 1927 г. той се интересува от младата Мари-Терез Валтер (тя е на 17 години, той на 45). Тайно от съпругата си той заминава с любовницата си в град близо до Париж, където рисува портрет, изобразяващ Мария-Терез в образа на Дафне. Платното е закупено от нюйоркския дилър Пол Розенберг, който през 1951 г. го продава на Сидни Ф. Броуди. Броди показаха картината на света само веднъж и само защото художникът навършваше 80 години. След смъртта на съпруга си г-жа Броуди изложи творбата на търг в Christie’s през март 2010 г. За шест десетилетия цената се е увеличила повече от 5000 пъти! Неизвестен колекционер го купи за 106,5 милиона долара. През 2011 г. във Великобритания се проведе „изложба на една картина“, където тя беше пусната за втори път, но името на собственика все още не е известно.

7

"Осем Елвиси"

Автор

Анди Уорхол

държава САЩ
Години живот 1928-1987
стил
поп изкуство

„Сексът и партитата са единствените места, където трябва да се появиш лично“, каза култовият поп арт художник, режисьор, един от основателите на списание Interview, дизайнерът Анди Уорхол. Работил е с Vogue и Harper's Bazaar, проектирал е обложки на плочи и е проектирал обувки за компанията I.Miller. През 60-те години на миналия век се появяват картини, изобразяващи символи на Америка: супа Campbell's и Coca-Cola, Пресли и Монро - което го превръща в легенда.

358х208 см
1963 г
цена
100 милиона долара
продаден през 2008г
на частен търг

Уорхол 60-те е името, дадено на ерата на поп изкуството в Америка. През 1962 г. той работи в Манхатън в студиото Factory, където се събират всички бохеми на Ню Йорк. Неговите видни представители: Мик Джагър, Боб Дилън, Труман Капоти и други известни личности в света. В същото време Уорхол изпробва техниката на копринен печат - многократно повторение на едно изображение. Той използва този метод и при създаването на „Осемте Елвиси“: зрителят сякаш вижда кадри от филм, където звездата оживява. Тук има всичко, което художникът обичаше толкова много: печеливш публичен образ, сребрист цвят и предчувствие за смърт като основно послание.

Има двама търговци на изкуство, които рекламират работата на Уорхол на световния пазар днес: Лари Гагосян и Алберто Муграби. Първият похарчи 200 милиона долара през 2008 г., за да придобие повече от 15 творби на Уорхол. Вторият купува и продава картините му като коледни картички, само че на по-висока цена. Но не те, а скромният френски арт консултант Филип Сегало помогна на ценителя на римското изкуство Анибале Берлингиери да продаде „Осемте Елвиси” на неизвестен купувач за рекордната за Уорхол сума – 100 милиона долара.

8

„Портокал,червено, жълто"

Автор

Марк Ротко

държава САЩ
Години живот 1903–1970
стил абстрактен експресионизъм

Един от създателите на цветната полева живопис е роден в Двинск, Русия (сега Даугавпилс, Латвия), в голямо семейство на еврейски фармацевт. През 1911 г. емигрират в САЩ. Ротко учи в художествения факултет на Йейлския университет и печели стипендия, но антисемитските настроения го принуждават да напусне обучението си. Въпреки всичко, изкуствоведите идолизираха художника, а музеите го преследваха през целия му живот.

206х236 см
1961 г
цена
86,882 милиона долара
продаден през 2012 г
на търг Кристи

Първите художествени експерименти на Ротко са със сюрреалистична ориентация, но с течение на времето той опрости сюжета до цветни петна, лишавайки ги от всякаква обективност. Отначало те имаха ярки нюанси, а през 60-те години станаха кафяви и лилави, сгъстявайки се до черни към момента на смъртта на художника. Марк Ротко предупреди да не се търси смисъл в картините му. Авторът искаше да каже точно това, което каза: само цвят, разтварящ се във въздуха, и нищо повече. Той препоръча творбите да се гледат от разстояние 45 см, така че зрителят да бъде „увлечен” в цвета като във фуния. Бъдете внимателни: гледането по всички правила може да доведе до ефекта на медитация, тоест постепенно идва осъзнаването на безкрайността, пълното потапяне в себе си, релаксацията и пречистването. Цветът в неговите картини живее, диша и има най-силно влияние. емоционално въздействие(казват, че понякога е лечебно). Художникът заявява: „Зрителят трябва да плаче, докато ги гледа“ и такива случаи наистина се случват. Според теорията на Ротко в този момент хората живеят по същия начин духовен опит, че и той е в процес на работа по картината. Ако сте успели да го разберете на толкова фино ниво, няма да се изненадате, че тези произведения на абстрактното изкуство често се сравняват от критиците с икони.

Творбата „Оранжево, червено, жълто“ изразява същността на живописта на Марк Ротко. Първоначалната му цена на търга на Christie’s в Ню Йорк е 35-45 милиона долара. Неизвестен купувач предложи цена два пъти по-висока от прогнозната. Името на щастливия собственик на картината, както често се случва, не се разкрива.

9

"Триптих"

Автор

Франсис Бейкън

държава
Великобритания
Години живот 1909–1992
стил експресионизъм

Приключенията на Франсис Бейкън, пълен съименник и също така далечен потомък на великия философ, започват, когато баща му се отказва от него, неспособен да приеме хомосексуалните наклонности на сина си. Бейкън отива първо в Берлин, след това в Париж, а след това следите му се объркват в цяла Европа. Приживе творбите му са излагани във водещи културни центровесвят, включително музея Гугенхайм и Третяковската галерия.

147,5x198 см (всеки)
1976 г
цена
86,2 милиона долара
продаден през 2008г
на търг Сотбис

Престижни музеи се стремяха да притежават картините на Бейкън, но пъргавата английска публика не бързаше да се бръкне за такова изкуство. Легендарният британски премиер Маргарет Тачър каза за него: „Човекът, който рисува тези ужасяващи картини“.

Самият художник смята следвоенния период за начален период в своето творчество. Връщайки се от служба, той отново се занимава с рисуване и създава големи шедьоври. Преди участието в "Триптих, 1976" най-скъпата работа на Бейкън беше "Етюд за портрет на папа Инокентий X" (52,7 милиона долара). В „Триптих, 1976” художникът изобразява митичния сюжет за преследването на Орест от фуриите. Разбира се, Орест е самият Бейкън, а Фуриите са неговото мъчение. Повече от 30 години картината е била в частна колекция и не е участвала в изложби. Този факт му придава специална стойност и съответно увеличава себестойността. Но какво са няколко милиона за един ценител на изкуството, при това щедър? Роман Абрамович започва да създава колекцията си през 90-те години на миналия век, в която е значително повлиян от приятелката си Даша Жукова, която става модерна галеристка в съвременна Русия. По неофициални данни бизнесменът лично притежава произведения на Алберто Джакомети и Пабло Пикасо, закупени за суми над 100 милиона долара. През 2008 г. става собственик на Триптиха. Между другото, през 2011 г. беше придобита друга ценна творба на Бейкън - „Три скици за портрет на Лучиан Фройд“. Скрити източници казват, че Роман Аркадиевич отново става купувач.

10

"Езерце с водни лилии"

Автор

Клод Моне

държава Франция
Години живот 1840–1926
стил импресионизъм

Художникът е признат за основател на импресионизма, който „патентова“ този метод в своите картини. Първата значима работа беше картината „Закуска на тревата“ ( оригинална версияпроизведения на Едуар Мане). В младостта си той рисува карикатури и истинска живописзает по време на пътуванията си по крайбрежието и на открито. В Париж той води бохемски начин на живот и не го напуска дори след като служи в армията.

210х100 см
1919 г
цена
80,5 милиона долара
продаден през 2008г
на търг Кристи

Освен факта, че Моне беше велик художник, той беше и запален градинар и обожаваше дивата природа и цветята. В неговите пейзажи състоянието на природата е моментно, обектите изглеждат замъглени от движението на въздуха. Впечатлението се засилва от големи щрихи; те стават невидими и се сливат в текстурирано, триизмерно изображение. В картините на късния Моне темата за водата и живота в нея заема специално място. В град Живерни художникът имаше собствено езерце, където отглеждаше водни лилии от семена, които специално донесе от Япония. Когато цветята им разцъфтяха, той започна да рисува. Поредицата „Водни лилии” се състои от 60 творби, които художникът рисува в продължение на почти 30 години, до смъртта си. Зрението му се влоши с възрастта, но не спря. В зависимост от вятъра, времето на годината и времето външният вид на езерото постоянно се променяше и Моне искаше да улови тези промени. Чрез внимателна работа той стигна до разбирането на същността на природата. Някои от картините от поредицата се съхраняват във водещи галерии в света: Национален музей Western Art (Токио), Orangerie (Париж). Версия на следващото „Езерце с водни лилии“ отиде в ръцете на неизвестен купувач за рекордна сума.

11

Фалшива звезда t

Автор

Джаспър Джонс

държава САЩ
Година на раждане 1930
стил поп изкуство

През 1949 г. Джоунс постъпва в училище по дизайн в Ню Йорк. Заедно с Джаксън Полок, Вилем де Кунинг и други, той е признат за един от основните художници на 20 век. През 2012 г. той получи Президентския медал на свободата, най-високото гражданско отличие в Съединените щати.

137,2х170,8 см
1959 г
цена
80 милиона долара
продаден през 2006г
на частен търг

Подобно на Марсел Дюшан, Джоунс работи с реални обекти, изобразявайки ги върху платно и в скулптура в пълно съответствие с оригинала. За творбите си той използва прости и разбираеми предмети: бутилка бира, знаме или карти. Във филма False Start няма ясна композиция. Художникът сякаш си играе със зрителя, често „погрешно“ етикетира цветовете в картината, обръщайки самата концепция за цвят: „Исках да намеря начин да изобразя цвета, така че да може да се определи по някакъв друг метод.“ Неговата най-експлозивна и „неуверена“ картина, според критиците, е придобита от неизвестен купувач.

12

„Седналголона дивана"

Автор

Амедео Модилиани

държава Италия, Франция
Години живот 1884–1920
стил експресионизъм

Модилиани често боледуваше от детството си; по време на трескав делириум той разпозна съдбата си като художник. Учи рисуване в Ливорно, Флоренция, Венеция, а през 1906 г. заминава за Париж, където изкуството му процъфтява.

65х100 см
1917 г
цена
68,962 милиона долара
продаден през 2010г
на търг Сотбис

През 1917 г. Модилиани се запознава с 19-годишната Жана Ебютерн, която става негов модел, а след това и съпруга. През 2004 г. един от нейните портрети беше продаден за 31,3 милиона долара, последният рекорд преди продажбата на Гола седнала на диван през 2010 г. Картината е закупена от неизвестен купувач на максималната цена за Модилиани при в моментацена. Активни продажбиработата започва едва след смъртта на художника. Той умира в бедност, болен от туберкулоза, а на следващия ден Жана Ебютерн, която е бременна в деветия месец, също се самоубива.

13

"Орел на бор"

Автор

Ци Байши

държава Китай
Години живот 1864–1957
стил Гуохуа

Интересът към калиграфията накара Qi Baishi да рисува. На 28-годишна възраст става ученик на художника Ху Цинюан. Министерството на културата на Китай му присъжда титлата „Велик художник на китайския народ“, а през 1956 г. получава Международната награда за мир.

10х26 см
1946 г
цена
65,4 милиона долара
продаден през 2011г
на търг China Guardian

Ци Байши се интересуваше от тези прояви на околния свят, на които мнозина не придават значение, и това е неговото величие. Човек без образование стана професор и изключителен творец в историята. Пабло Пикасо каза за него: „Страхувам се да отида във вашата страна, защото в Китай има Qi Baishi.“ Композицията „Орел на бор“ е призната за най-голямото произведение на художника. В допълнение към платното, той включва два йероглифни свитъка. За Китай сумата, за която е закупена творбата, представлява рекорд - 425,5 милиона юана. Само свитъкът на древния калиграф Huang Tingjian беше продаден за 436,8 милиона.

14

"1949-А-№ 1"

Автор

Клайфърд Стил

държава САЩ
Години живот 1904–1980
стил абстрактен експресионизъм

На 20-годишна възраст посетих Музея на изкуствата Метрополитън в Ню Йорк и бях разочарован. По-късно той се записа на курс в Студентската лига по изкуствата, но напусна 45 минути след началото на часа - оказа се, че „не е за него“. Първата лична изложба предизвика резонанс, художникът намери себе си, а с него и признание

79х93 см
1949 г
цена
61,7 милиона долара
продаден през 2011г
на търг Сотбис

Все още завещава всичките си творби, повече от 800 платна и 1600 произведения на хартия, на американски град, където ще бъде открит музей на неговото име. Денвър стана такъв град, но само строителството беше скъпо за властите и за да го завършат, четири произведения бяха пуснати на търг. Творбите на Стил едва ли ще бъдат предложени отново на търг, което предварително увеличи цената им. Картината „1949-A-No.1“ беше продадена за рекордна за художника сума, въпреки че експерти прогнозираха продажбата за максимум 25-35 милиона долара.

15

"Супрематична композиция"

Автор

Казимир Малевич

държава Русия
Години живот 1878–1935
стил Супрематизъм

Малевич учи живопис в Киев художествено училище, след това в Московската художествена академия. През 1913 г. той започва да рисува абстрактни геометрични картини в стил, който нарича супрематизъм (от латински за „господство“).

71 х 88,5 см
1916 г
цена
60 милиона долара
продаден през 2008г
на търг Сотбис

Картината се съхранява в Градския музей на Амстердам около 50 години, но след 17-годишен спор с роднините на Малевич музеят я предава. Художникът рисува тази творба през същата година като „Манифеста на супрематизма“, така че Sotheby’s обяви още преди търга, че няма да отиде в частна колекция за по-малко от 60 милиона долара. Така и стана. По-добре е да го погледнете отгоре: фигурите на платното приличат на въздушен изглед на земята. Между другото, няколко години по-рано същите роднини експроприираха друга „Супрематична композиция“ от музея MoMA, за да я продадат на търг на Phillips за 17 милиона долара.

16

"Къпещи се"

Автор

Пол Гоген

държава Франция
Години живот 1848–1903
стил постимпресионизъм

До седемгодишна възраст художникът живее в Перу, след което се завръща във Франция със семейството си, но спомените от детството постоянно го тласкат към пътуване. Във Франция започва да рисува и става приятел с Ван Гог. Той дори прекара няколко месеца с него в Арл, докато Ван Гог не му отряза ухото по време на кавга.

93,4х60,4 см
1902 г
цена
55 милиона долара
продаден през 2005г
на търг Сотбис

През 1891 г. Гоген организира разпродажба на своите картини, за да използва приходите, за да пътува дълбоко до остров Таити. Там създава произведения, в които се усеща тънката връзка между природата и човека. Гоген живееше в сламена колиба, а върху платната му цъфтеше тропически рай. Съпругата му беше 13-годишната таитянка Техура, което не попречи на художника да се занимава с безразборни връзки. След като се разболява от сифилис, той заминава за Франция. Там обаче беше пренаселено за Гоген и той се върна в Таити. Този период се нарича "втори таитянски" - тогава е нарисувана картината "Къпещите се", една от най-луксозните в творчеството му.

17

"Нарциси и покривка в сини и розови тонове"

Автор

Анри Матис

държава Франция
Години живот 1869–1954
стил фовизъм

През 1889 г. Анри Матис получава пристъп на апендицит. Когато се възстановяваше от операция, майка му му купи бои. Отначало от скука Матис копира цветни пощенски картички, след това копира произведения на велики художници, които вижда в Лувъра, а в началото на 20 век създава стил - фовизъм.

65,2х81 см
1911 г
цена
46,4 милиона долара
продаден през 2009г
на търг Кристи

Картина „Нарциси и покривка в синьо и розови тонове» дълго време принадлежеше на Ив Сен Лоран. След смъртта на кутюрието цялата му колекция от произведения на изкуството преминава в ръцете на неговия приятел и любовник Пиер Бергер, който решава да я предложи на търг в Christie’s. Перлата на продадената колекция беше картината „Нарциси и покривка в сини и розови тонове”, нарисувана върху обикновена покривка, вместо върху платно. Като пример за фовизъм, той е изпълнен с енергията на цвета, цветовете сякаш експлодират и крещят. От известната поредица картини, рисувани върху покривки, днес тази творба е единствената, която се намира в частна колекция.

18

"Спящо момиче"

Автор

РойЛий

htenstein

държава САЩ
Години живот 1923–1997
стил поп изкуство

Художникът е роден в Ню Йорк и след като завършва училище, заминава за Охайо, където посещава курсове по изкуство. През 1949 г. Лихтенщайн получава магистърска степен по изящни изкуства. Интересът му към комикса и способността му да използва ирония го превърнаха в култов художник на миналия век.

91х91 см
1964 г
цена
44,882 милиона долара
продаден през 2012 г
на търг Сотбис

Един ден в ръцете на Лихтенщайн попаднала дъвка. Той преначертава картината от вложката върху платно и става известен. Тази история от неговата биография съдържа цялото послание на поп изкуството: потреблението е новият бог и няма по-малко красота в опаковката на дъвка, отколкото в Мона Лиза. Неговите картини напомнят комикси и карикатури: Лихтенщайн просто увеличава готовото изображение, рисува растери, използва ситопечат и копринен печат. Картината „Спящото момиче“ е принадлежала на колекционерите Беатрис и Филип Герш почти 50 години, чиито наследници я продадоха на търг.

19

„Победа. буги-вуги"

Автор

Пит Мондриан

държава Холандия
Години живот 1872–1944
стил неопластизъм

моя истинско име– Корнелис – художникът се променя на Мондриан, когато се премества в Париж през 1912 г. Заедно с художника Тео ван Дусбург основава движението Неопластицизъм. Програмният език Piet е кръстен на Мондриан.

27х127 см
1944 г
цена
40 милиона долара
продаден през 1998 г
на търг Сотбис

Най-„музикалният“ от художниците на 20-ти век изкарва прехраната си с акварелни натюрморти, въпреки че става известен като неопластичен художник. Той се премества в САЩ през 40-те години и прекарва остатъка от живота си там. Джазът и Ню Йорк го вдъхновяват най-много! Картина „Победа. Boogie-Woogie" е най-добрият пример за това. Подписаните спретнати квадрати бяха постигнати с помощта на лепяща лента, любимият материал на Мондриан. В Америка го наричат ​​„най-известният имигрант“. През шейсетте години Yves Saint Laurent пусна световноизвестните рокли на Mondrian с голям цветен кариран печат.

20

"Композиция № 5"

Автор

ВасилийКандински

държава Русия
Години живот 1866–1944
стил авангард

Художникът е роден в Москва, а баща му е от Сибир. След революцията той се опитва да сътрудничи на съветското правителство, но скоро разбира, че законите на пролетариата не са създадени за него и не без затруднения емигрира в Германия.

275х190 см
1911 г
цена
40 милиона долара
продаден през 2007г
на търг Сотбис

Кандински е един от първите, които напълно изоставят предметната живопис, за което получава титлата гений. По време на нацизма в Германия картините му са класифицирани като „изродено изкуство“ и не са излагани никъде. През 1939 г. Кандински приема френско гражданство и в Париж участва свободно художествен процес. Картините му „звучат“ като фуги, поради което много от тях се наричат ​​„композиции“ (първата е написана през 1910 г., последната през 1939 г.). „Композиция № 5” е една от ключовите творби в този жанр: „Думата „композиция” ми прозвуча като молитва”, каза художникът. За разлика от много свои последователи, той планира какво ще изобрази върху огромно платно, сякаш пише бележки.

21

„Изследване на жена в синьо“

Автор

Фернан Леже

държава Франция
Години живот 1881–1955
стил кубизъм-постимпресионизъм

Леже получава архитектурно образование и след това посещава Ecole des Beaux-Arts в Париж. Художникът се е смятал за последовател на Сезан, бил е апологет на кубизма, а през 20 век е успешен и като скулптор.

96,5х129,5 см
1912–1913 г
цена
39,2 милиона долара
продаден през 2008г
на търг Сотбис

Дейвид Норман, президент на международния отдел за импресионизъм и модернизъм в Sotheby's, смята огромната сума, платена за „Дамата в синьо” за напълно оправдана. Картината принадлежи към известната колекция Леже (художникът е нарисувал три картини на една и съща тема, като последната от тях днес е в частни ръце. - Ред.), а повърхността на платното е запазена в оригиналния си вид. Самият автор даде тази работа на галерия Der Sturm, след това тя попадна в колекцията на Херман Ланг, немски колекционер на модернизма, и сега принадлежи на неизвестен купувач.

22

„Улична сцена. Берлин"

Автор

Ернст ЛудвигКирхнер

държава Германия
Години живот 1880–1938
стил експресионизъм

За немския експресионизъм Кирхнер става емблематична личност. Местните власти обаче го обвиниха в придържане към „изроденото изкуство“, което трагично се отрази на съдбата на неговите картини и живота на художника, който се самоуби през 1938 г.

95х121 см
1913 г
цена
38,096 милиона долара
продаден през 2006г
на търг Кристи

След като се премества в Берлин, Кирхнер създава 11 скици на улични сцени. Той беше вдъхновен от смут и нервност голям град. В картината, продадена през 2006 г. в Ню Йорк, тревожното състояние на художника се усеща особено остро: хората на берлинска улица приличат на птици - грациозни и опасни. Това беше последната творба от известната серия, продадена на търг; останалите се съхраняват в музеи. През 1937 г. нацистите се отнасят жестоко с Кирхнер: 639 негови творби са извадени от германски галерии, унищожени или продадени в чужбина. Художникът не можеше да преживее това.

23

"Летовник"танцьор"

Автор

Едгар Дега

държава Франция
Години живот 1834–1917
стил импресионизъм

Историята на Дега като художник започва с работата му като копист в Лувъра. Той мечтаеше да стане „известен и непознат“ и в крайна сметка успя. В края на живота си, глух и сляп, 80-годишният Дега продължава да посещава изложби и аукциони.

64х59 см
1879 г
цена
37,043 милиона долара
продаден през 2008г
на търг Сотбис

„Балерините винаги са били за мен само извинение да изобразявам тъкани и да улавям движение“, каза Дега. Сцените от живота на танцьорите изглежда са шпионирани: момичетата не позират на художника, а просто стават част от атмосферата, уловена от погледа на Дега. "Почиващата танцьорка" беше продаден за 28 милиона долара през 1999 г., а по-малко от 10 години по-късно беше купен за 37 милиона долара - днес той е най-много скъпа работахудожник, предлаган някога на търг. Дега обърна голямо внимание на рамките, сам ги проектира и забрани да се променят. Чудя се каква рамка е монтирана на продадената картина?

24

"живопис"

Автор

Джоан Миро

държава Испания
Години живот 1893–1983
стил абстрактно изкуство

По време на Гражданската война в Испания художникът е на страната на републиканците. През 1937 г. той бяга от фашисткия режим в Париж, където живее в бедност със семейството си. През този период Миро рисува картината „Помощ за Испания!”, привличайки вниманието на целия свят към господството на фашизма.

89х115 см
1927 г
цена
36,824 милиона долара
продаден през 2012 г
на търг Сотбис

Второто заглавие на картината е „Синя звезда“. Художникът я рисува през същата година, когато обявява: „Искам да убия рисуването“ и безмилостно се подиграва с платната, драскайки боята с нокти, залепвайки пера върху платното, покривайки творбите с боклук. Неговата цел беше да развенчае митовете за тайнството на живописта, но след като се справи с това, Миро създаде свой собствен мит - сюрреалистичната абстракция. Неговата „Живопис” принадлежи към цикъла „съновни картини”. На търга четирима купувачи се бориха за нея, но едно инкогнито телефонно обаждане разреши спора и „Картина“ стана най-скъпата картина на художника.

25

"Синя роза"

Автор

Ив Клайн

държава Франция
Години живот 1928–1962
стил монохромно рисуване

Художникът е роден в семейство на художници, но изучава ориенталски езици, навигация, занаят на позлатител на рамки, дзен будизъм и много други. Неговата личност и нахални лудории бяха в пъти по-интересни от монохромни картини.

153x199x16 см
1960 г
цена
36,779 милиона долара
продаден през 2012г
на търг на Christie's

Първата изложба на монохромни жълти, оранжеви и розови творби не предизвика обществен интерес. Клайн се обиди и следващия път представи 11 еднакви платна, рисувани с ултрамарин, смесен със специална синтетична смола. Той дори патентова този метод. Цветът влезе в историята като „международен синьоКлайн." Художникът също така продава празнота, създава картини, като излага хартията на дъжд, подпалва картон, прави отпечатъци на тялото на човек върху платно. С една дума, експериментирах, доколкото можах. За да създам “Синя роза” използвах сухи пигменти, смоли, камъчета и естествена гъба.

26

„В търсене на Мойсей“

Автор

Сър Лорънс Алма-Тадема

държава Великобритания
Години живот 1836–1912
стил неокласицизъм

Самият сър Лоурънс добавя префикса „алма“ към фамилията си, за да може да бъде изброен на първо място в каталозите за изкуство. Във Викторианска Англия неговите картини бяха толкова търсени, че художникът беше удостоен с рицарско звание.

213,4х136,7 см
1902 г
цена
35,922 милиона долара
продаден през 2011г
на търг Сотбис

Основната тема на творчеството на Алма-Тадема е античността. В картините той се опита да най-малките детайлиза да изобрази епохата на Римската империя, за това той дори провежда археологически разкопки на Апенинския полуостров, а в къщата си в Лондон той възпроизвежда историческия интериор от онези години. Друг източник на вдъхновение за него стават митологичните сюжети. Художникът беше много търсен приживе, но след смъртта му бързо беше забравен. Сега интересът се възражда, както се вижда от цената на картината „В търсене на Моисей“, която е седем пъти по-висока от оценката преди продажбата.

27

"Портрет на спящ гол чиновник"

Автор

Лучиан Фройд

държава Германия,
Великобритания
Години живот 1922–2011
стил фигуративна живопис

Художникът е внук на Зигмунд Фройд, бащата на психоанализата. След установяването на фашизма в Германия семейството му емигрира във Великобритания. Творбите на Фройд се намират в музея Wallace Collection в Лондон, където никой съвременен художник не е излагал досега.

219,1х151,4 см
1995 г
цена
33,6 милиона долара
продаден през 2008г
на търг Кристи

чао модни артисти 20-ти век създава положителни „цветни петна по стената“ и ги продава за милиони; Фройд рисува изключително натуралистични картини и ги продава за още повече. „Улавям виковете на душата и страданието на избледняващата плът“, каза той. Критиците смятат, че всичко това е „наследството“ на Зигмунд Фройд. Картините бяха толкова активно изложени и продадени успешно, че експертите започнаха да се съмняват: имат ли хипнотични свойства? Портретът на голо спящо длъжностно лице, продаден на търг, според Sun, е бил закупен от ценител на красотата и милиардер Роман Абрамович.

28

"Цигулка и китара"

Автор

Xедин Грис

държава Испания
Години живот 1887–1927
стил кубизъм

Роден в Мадрид, където завършва училище за изкуства и занаяти. През 1906 г. се премества в Париж и влиза в кръга на най-влиятелните художници на епохата: Пикасо, Модилиани, Брак, Матис, Леже, а също така работи със Сергей Дягилев и неговата трупа.

5х100 см
1913 г
цена
28,642 милиона долара
продаден през 2010г
на търг Кристи

Грис, от по мои собствени думи, се занимаваше с „планарна, цветна архитектура“. Картините му са прецизно обмислени: той не е оставил нито един случаен удар, което прави творчеството подобно на геометрията. Художникът създава своя собствена версия на кубизма, въпреки че много уважава Пабло Пикасо, основателят на движението. Наследникът дори му посвещава първата си творба в кубистичен стил „Почит към Пикасо“. Картината „Цигулка и китара“ е призната за изключителна в творчеството на художника. Приживе Грис е известен и предпочитан от критици и изкуствоведи. Негови творби са изложени в най-големите световни музеи и се съхраняват в частни колекции.

29

„ПортретПолетата на Елюар"

Автор

Салвадор Дали

държава Испания
Години живот 1904–1989
стил сюрреализъм

„Сюрреализмът съм аз“, каза Дали, когато беше изключен от групата на сюрреалистите. С течение на времето той става най-известният художник сюрреалист. Работата на Дали е навсякъде, не само в галериите. Например, именно той измисли опаковката на Chupa Chups.

25х33 см
1929 г
цена
20,6 милиона долара
продаден през 2011г
на търг Сотбис

През 1929 г. поетът Пол Елюар и неговата руска съпруга Гала идват на гости на големия провокатор и кавгаджия Дали. Срещата е началото на една любовна история, продължила повече от половин век. По време на това историческо посещение е нарисувана картината „Портрет на Пол Елюар“. „Почувствах, че ми е поверена отговорността да уловя лицето на поета, от чийто Олимп откраднах една от музите“, каза художникът. Преди да срещне Гала, той беше девствен и се отвращаваше от мисълта за секс с жена. Любовен триъгълниксъществува до смъртта на Елюар, след което се превръща в дует Дали-Гала.

30

"Годишнина"

Автор

Марк Шагал

държава Русия, Франция
Години живот 1887–1985
стил авангард

Мойше Сегал е роден във Витебск, но през 1910 г. емигрира в Париж, сменя името си и се сближава с водещите авангардни художници на епохата. През 30-те години на миналия век, по време на завземането на властта от нацистите, той заминава за Съединените щати с помощта на американския консул. Той се завръща във Франция едва през 1948 г.

80х103 см
1923 г
цена
14,85 милиона долара
продаден 1990г
на търг на Sotheby's

Картината „Юбилей“ е призната за една от най-добрите творби на художника. Той съдържа всички характеристики на неговото творчество: физическите закони на света са изтрити, усещането за приказка е запазено в декорите на буржоазния живот, а любовта е в центъра на сюжета. Шагал не рисува хора от живота, а само от паметта или въображението. Картината „Юбилей” изобразява самия художник и съпругата му Бела. Картината е продадена през 1990 г. и оттогава не е била предлагана на търг. Интересното е, че Нюйоркският музей за модерно изкуство MoMA съхранява точно същия, само че под името „Рожден ден“. Между другото, тя е написана по-рано - през 1915 г.

подготви проекта
Татяна Паласова
рейтингът е съставен
според списъка www.art-spb.ru
tmn списание №13 (май-юни 2013 г.)