Как се казваше първият театър в Англия? Театър, опера и балет във Великобритания

Произходът на английското театрално изкуство се връща към древните ритуални игри, оцелели в английските села до 19 век. Сред най-популярните им били „Майските игри” – ритуални тържества в чест на настъпването на пролетта, чиито герои са постоянни от 15 век. бяха Робин Худ и неговите смелчаци. През Средновековието в Англия се разпространяват жанровете на църковната драма - мистерия и нравствени пиеси. В тези жанрове, по-специално, се проявява характерният английски вкус към хумора и ярките житейски подробности. И така, основната фигура на английските нравствени пиеси - религиозни алегорични пиеси - беше шегаджия Син, весел чревоугодник и пияница, един от предците на Фалстаф на Шекспир. По време на Ренесанса ренесансовата драма в Англия, за разлика от редица други европейски страни, не скъсва със средновековните традиции. Възникнал през първата половина на 16 век, той бързо излиза от училищата и университетите на сцената на обществения театър и се опира на неговия опит (вж. Средновековен театър, Ренесансов театър, У. Шекспир).

Театър Глобус. Външен вид.



Дейвид Гарик като Ричард III в едноименната трагедия на Уилям Шекспир. Театър Друри Лейн. Лондон. От гравюра от 18 век.



Друри Лейн. Сграда на театъра. От гравюра от 18 век.



Друри Лейн. Аудитория. От гравюра от 18 век.



Джордж Бърнард Шоу.



Чарлз Лотън като Галилей в пиесата на Б. Брехт „Животът на Галилей“. 1947 г



Лорънс Оливие като Ричард III в едноименната трагедия на Уилям Шекспир.



“The Importance of Being Earnest” от О. Уайлд на сцената на Old Vic Theatre в Лондон.



Пол Скофийлд (вляво) като Салиери в пиесата „Амадеус” от П. Шефър.

В края на 16 - началото на 17в. Театралното изкуство на Англия преживява епоха на бурен разцвет. В Лондон една след друга се появяват актьорски трупи, които играят за обикновените хора, първо в дворовете на хотелите, а след това в специални театрални сгради, първата от които е построена през 1576 г. и се нарича „Театър“. Тогава в английската столица се появиха други театри със звучни имена - „Лебед”, „Късмет”, „Надежда”. Пиесите на Уилям Шекспир са поставени на сцената на прочутия „Глоуб“, а трагикът Ричард Бърбидж (ок. 1567–1619) става първият в световното изкуство, който играе Хамлет, Отело и Лир.

У. Шекспир е най-великият от английските драматурзи на Ренесанса. Но би било погрешно да го смятаме за самотен гений. Творчеството му е предшествано от пиесите на група драматурзи (Дж. Лили, Р. Грийн, Т. Кид, К. Марлоу), в чиито комедии, исторически хроники и трагедии идеите на ренесансовия хуманизъм са съчетани с традициите на народния очила. Заедно с Шекспир бяха майсторът на социалната сатира Б. Джонсън, авторът на философските трагедии Дж. Чапман и създателите на романтични трагикомедии Ф. Бомонт и Дж. Флетчър. По-младите съвременници на Шекспир са Дж. Уебстър, който пише кървави трагедии на ужасите, и Дж. Шърли, автор на битови комедии от живота в Лондон.

През 20-30-те години. XVII век Театралното изкуство на Английския ренесанс навлиза в период на криза и по време на буржоазната революция през 1642 г. театрите са затворени по заповед на парламента. Те възобновяват дейността си едва след възстановяването на монархията през 1660 г. Но сега вместо откритата сцена на площадния театър се появява тристранно затворена сцена (по модела на италианския и френския театри), която все още съществува в театър.

От драматичните жанрове комедията се развива най-плодотворно през епохата на възстановяването на монархията. Писателите на комедии У. Конгрив, У. Уичърли, Дж. Фаркер създават ефективно изградени творби, пълни с блестящо, макар и донякъде цинично остроумие. Под перото на тези драматурзи възниква типично английски жанр - „комедии на остроумието“, където диалогът, парадоксален и бърз, като размяна на удари с меч, става почти по-важен от хода на сюжета; съдбата му е да се прероди два века по-късно в творчеството на О. Уайлд и Б. Шоу.

Комедията продължава да бъде един от основните жанрове в английската драма през 18 век, по време на Просвещението. Операта на просяка (1728) от Джон Гей (1685–1732) съчетава литературна и музикална пародия с политическа сатира. Ранните творби на Хенри Филдинг (1707–1754) включват трогателни политически пиеси, написани през 1730-те години. и съдържащи критика към благородството и правителството („Съдията в собствения си капан“, „Дон Кихот в Англия“ и др.). В отговор на появата на тези смели обвинителни комедии управляващите кръгове на Англия въвеждат строга театрална цензура. Г. Филдинг е автор на политически прегледи под формата на комедия („Исторически календар за 1736 г.“, 1737 г.; и др.). Брилянтни по форма, комедиите на Оливър Голдсмит (1728–1774; „Нощта на грешките“, 1773) и Ричард Шеридън (1751–1816; „Съперниците“, 1775; „Училището на скандала“, 1777; и др.) са насочени срещу безнравствеността на „висшия“ свят, лицемерието на буржоазните отношения, съчетават социална сатира с реалистична яркост на героите.

Принципите на класицизма (виж Класицизъм) не са установени на английската сцена, която гравитира към реалистична автентичност. За разлика от класическата трагедия, в английската драма се развива буржоазната драма на Дж. Лило и Дж. Мур, изобразяваща живота на буржоазно-филистински кръгове. Просвещенският реализъм в английския театър достига своя връх в творчеството на актьора Дейвид Гарик (1717–1779), който не само удивлява съвременниците си с проницателността и психологизма на изпълнението на Шекспирови роли, но и извършва редица реформи в тази област. на поставяне на спектакли и организиране на трупата. Той смята театъра за възпитател на обществото.

19 век е време на упадък на английската драма и възход на английския роман. Пропастта между нивото на романа и драмата, като цяло присъща на литературата от 19 век, се оказва особено очевидна в Англия. Основата на репертоара на най-големите английски актьори от 19 век. Е. Кийн (виж Едмънд Кийн), У. Макреди, Ч. Кийн, Е. Тери, Г. Ървинг композират пиесите на Шекспир. През 19 век На английската сцена се развива тип Шекспиров спектакъл, основан на използването на исторически точни декори, детайлни фолклорни сцени и изобилие от технически ефекти. Продукциите на пиесите на Шекспир от Чарлз Кийн в Princess Theatre, S. Phelps в Sadler's Wells Theatre и G. Irving в Lyceum Theatre доближиха появата на режисьорското изкуство. Когато обаче на границата на 19 и 20в. Когато се заражда английското режисьорско изкуство, то преди всичко се опитва да скъса с историческото ежедневие на театъра от миналия век в името на поезията и условността, присъщи на природата на сценичното изкуство. Например известният режисьор Гордън Крейг (1872–1966) се стреми да изгради театрално представление като движение от поетични метафори, разгърнати във времето, въплътени в цвят, светлина и трансформации на театралното пространство.

Оскар Уайлд (1854–1900) се представя брилянтно в английската драма с ироничните си комедии, осмиващи лицемерното уважение на висшите класи („Ветрилото на лейди Уиндърмиър“, 1892; „Идеален съпруг“, 1895; „Важността да бъдеш сериозен“, 1899 ) и Бърнард Шоу (1856–1950), чиито произведения, изпълнени със смели социални идеи и убийствена антибуржоазна критика, се превърнаха в драматична класика на нашия век (Къщата на вдовеца, 1892; Професията на г-жа Уорън, 1894; Майор Барбара , 1905; Пигмалион), 1913; „Количка с ябълки“, 1929; „Милионер“, 1936 г. и др.).

През първите десетилетия на 20в. В Англия се заражда система на комерсиален театър, която все още е в сила и е изцяло фокусирана върху забавлението на буржоазната публика. Но най-плодотворните театрални проучвания се провеждат в Англия извън комерсиалния театър - на сцените на репертоарните театри на Бирмингам, Манчестър, в Shakespeare Memorial Theatre в Стратфорд на Ейвън и особено в Old Vic Theatre в Лондон, който преживя голяма революция през 30-те години. време на бърз просперитет. През тези години на сцената на Old Vic се появи цяло съзвездие от актьори: Джон Гилгуд, Лорънс Оливие, Пеги Ашкрофт и др. Те създават сценичен стил, който се основава на националните традиции в театралното изкуство, но в същото време изразява драматичния мироглед на британците, преживели ужасите на Първата световна война (1914–1918). Това отношение е най-последователно изразено в изпълнението на ролята на Хамлет от Д. Гилгуд и в образите, създадени от творбите на Чехов: пиесите на А. П. Чехов, особено „Вишнева градина“, станаха неразделна част от репертоара на английския театър.

През 30-те години. В Англия и в чужбина добиха популярност пиесите на Джон Бойнтън Пристли (1894–1984), съчетаващи остротата на сюжета със социално обвинителен смисъл („Опасен обрат“, „Времето и семейство Конуей“).

След Втората световна война английският театър преживява период на криза. Изходът му от кризата през 50-те години. свързан с дейността на група английски писатели, известни като Angry Young Men. Те изразиха недоволството на по-младото поколение от буржоазната действителност. Тази група включва драматурзите Д. Осборн ("Погледнете назад в гняв", 1956), С. Делейни ("Вкус на мед", 1958) и др. През 60-70-те години. принципите на социално-психологическата драма започват да се развиват от Д. Арден (Танцът на сержант Масгрейв, 1961), Д. Мърсър (Флинт, 1970), Х. Пинтър (Пазачът, 1960; Ничия земя, 1975).

След обновяването на драматургията идва и обновяването на английската сцена. Започва нов етап в театралната история на Шекспир. Пиесата "Крал Лир", поставена от П. Брук, с Пол Скофийлд в главната роля, предаде трагичния и трезв мироглед на съвременното човечество, преживяло ужасите на войната и фашизма. Хрониките на Шекспир на сцената на Кралския Шекспиров театър (както Мемориалният театър в Стратфорд на Ейвън става известен от 1961 г.), режисиран от П. Хол, разкрива социалните корени на английската история с безпощадна яснота.

През 60-70-те години. Младежко театрално движение, наречено „край“ („странична линия“) и свързано с търсенето на политически активно изкуство, пряко свързано със социалната борба, се разпространява в цяла Англия. В рамките на периферията се формира ново поколение английски актьори, които след това през 80-те години излизат на сцената на Кралския Шекспиров театър и Националния театър (създаден през 1963 г.). Може би това поколение ще трябва да каже нова дума в английското театрално изкуство.

Ако обичате театъра, Лондон е за вас. Тук ще видите най-добрите постановки на опера и балет, най-добрите мюзикъли и най-добрата драма - все пак авторът на най-добрите драматични постановки на всички времена Уилям Шекспир е поставял пиесите си в Лондон.

Но на първо място.

Кралската опера Ковънт Гардън е една от най-старите оперни театри в света. Тук се поставят най-добрите продукции както от местни трупи, така и от гостуващи артисти, например от Ла Скала в Милано или Болшой театър в Москва. Ако сте в Лондон през април - май и обичате опера, съветвам ви непременно да гледате Травиата на Верди (19 април - 20 май 2014 г.) или Тоска на Пучини (10 май - 26 юни 2014 г.). Ако дойдете в Лондон през лятото, гледайте още една от оперите на Пучини, La bohème. А за любителите на руския балет Мариинският театър обикаля Лондон през юли и август и представя три класически балетни постановки на Ромео и Жулиета, Лебедово езеро и Пепеляшка (от 28 юли до 16 август).

Кралската опера Ковънт Гардън е много популярна сред британците, особено от висшите среди. Тук често можете да срещнете известни политици и английската аристокрация. Когато през 2009 г. Кралската опера постави постановка за отбелязване на стогодишнината от „Руски балети“ на Сергей Дягилев, успях да седя на сергиите до покойната Маргарет Тачър.

Билетите за Кралската опера трябва да бъдат закупени предварително - за предпочитане няколко месеца предварително. Те могат да бъдат закупени директно от сайта на театъра чрез плащане с банкова карта. Билетите за опера струват средно £120-200 на човек, билетите за балет са малко по-евтини - £70-110.

Невъзможно е да пренебрегнем известния лондонски Уест Енд - родното място на всички лондонски мюзикъли. Това е един от най-големите мюзикъли центрове в света след Бродуей в Ню Йорк. Уест Енд се превръща в театрален център през 19-и век и много продукции все още се играят в среда от викторианската епоха. Огромен брой мюзикъли са базирани на музиката на съвременни (и не толкова модерни) изпълнители, така че ако сте фен например на Майкъл Джексън, Бийтълс, Queen, Abba, не забравяйте да си купите билет, печелите не съжалявам. Това е забавен театър, това е театър, от който излизаш, зареден с енергията на музиката и танца. Тъй като не съм голям фен на Майкъл Джексън, успях някак да присъствам на мюзикъла Трилър. През по-голямата част от продукцията танцувах близо до стол, докакто и повечето други зрители. СЪСбеше невъзможно да се ходи!

Има категория мюзикъли, които са толкова популярни, че се въртят по кината от години. Например мюзикълътКлетниците ” („Les Miserables”) е на 28 години и „Фантомът от операта “(„Фантомът от операта“) в продължение на 27 години. Билетите за мюзикъли струват средно 50 - 100 паунда на човек. Билети за тези и други мюзикъли могат да бъдат закупени.

Мюзикълът "Les Miserables" в Queen's Theatre в Лондон

Рядко мюзикълът остава на сцената повече от няколко години. Но английската продукция на Les Misérables ще отпразнува своята 30-годишнина догодина...

Първият театър в Лондон, наречен Theatre, е открит през 1577 г. от актьора Джеймс Бърбидж в Шордич. Няколко месеца по-късно наблизо отвори врати втори театър, наречен „Завесата“. Скоро Бърбидж и неговият син Томас, който стана по-известен от баща си, организираха театъра "Черните братя" - в чест на доминиканския монашески орден, тъй като сцената беше поставена в трапезарията на стария манастир. Въпреки това, всички театри бяха постоянно атакувани от властите в Лондон, които проклинаха тези институции като демон и източник на нещастие, място на безделие и разврат, сборище на злобни хора, развълнувани от вида на момчета в женски дрехи - с други думи, място за онези, които предпочитат да следват звука на тръба, вместо да отидат да слушат проповед, докато звъни камбаната.

В Southwark актьорите имаха повече свобода, отколкото в града, където животът на театрите беше силно ограничен от правилата, установени от властите. Освен това до Тула може лесно да се стигне с лодка или мост. По време на затварянето на манастирите част от Саутуарк, който преди е принадлежал на манастира Бермондси и манастира на Света Богородица, става собственост на краля. През 1550 г. е продаден на града за около хиляда лири. Непродадени са само два парцела, останали извън юрисдикцията на града. На единия имаше затвор, другият се наричаше („Парижка градина“); Именно на тези два сайта по време на управлението на кралица Елизабет се появиха театри, освободени от забраните и цензурата на Лондон. Rose Theatre, построен през 1587 г., е мястото, където за първи път са поставени пиесите на Марлоу и талантът на Едуард Алейн разцъфтява на тази сцена. Тогава се появяват театрите "Лебед" (през 1596 г.), "Глобус" (през 1599 г.; една десета от него принадлежи на Шекспир), а през 1613 г. се появяват "Надежда".

Лондончани бяха привлечени в тези и други театри от силни тръби и развети знамена. Парите от посетителите се събираха точно в театъра и се поставяха в специална кутия, която след това беше заключена в малка стая - касата (в „касата“). Публиката седна на столове, подредени на нива около сцената, или на пейки направо на сцената и представлението започна под съпровода на техните бурни възгласи. Актьорите изиграха ролите си, а публиката ги прекъсваше с възмутени или одобрителни викове, обиди или похвали. Това продължи до края на акта, след което сцената се изпълни с танцьори, жонгльори и акробати; амбулантни търговци с подноси и кошници, провлачени по пътеките между седалките на зрителите, продаващи пайове, плодове, билкови лекарства и брошури; мъжете бяха мили с жените. Работниците в театъра често пушеха, въздухът беше пълен с тютюнев дим, дървените столове често се запалваха и публиката се втурваше към вратите. изгоря в годината, когато отвори Надежда; Пострадал е само един човек - пламнали са му панталоните, но той бързо ги е загасил, като е налял бира от бутилка.

В близост до театрите имало градини с мечки, арени за примамка на вързан бик с кучета, площадки за боеве с петли, които привличали разнообразна публика - богати и бедни, благородници и простолюдие. Наслаждавайки се на изпълнението на "Отело" или "Едуард II", на следващия ден публиката отиде да види мечката, която беше отровена от кучета в Парижката градина, бойните петли, които, пуснали шпорите си, покриха пясъка на арената с кръв и пера, на кучетата, летящи далеч от удари на побеснели бикове (кучетата бяха хванати в плетени капани, за да не се наранят при падане и да продължат да се бият), върху хора, секащи с мечове, отрязващи един на друг с ушите и пръстите си за шумното одобрение на тълпата.

Театри в Уест Енд

Обликът на улиците на Уест Енд се промени драматично. Много сгради от 18 век. са преустроени както отвън, така и отвътре в съответствие с вкуса на епохата. И така, на улица Графтън (сега салонът на Елена Рубинщайн), г-жа Артър Джеймс показа богатството си с впечатляващо обновяване на къща, проектирана през 1750-те години. Сър Робърт Тейлър.

В много сгради от георгиански, регентски и викториански стил се помещаваха нови театри, като Театъра на херцога на Йорк, Новия театър, Скала, Паладиум, Театърът на Нейно Височество, Лондонският павилион и дворецът, Аполо, Уиндхамс, Хиполром , Strand, Aldwych, Globe, Queen's и Coliseum. Всички те са построени през последните десет години от управлението на кралица Виктория и деветте години от управлението на самия Едуард.

Стотици стари сгради бяха разрушени, за да направят място за магазини, грандиозни търговски пасажи с пищни витрини от плоско стъкло и инкрустирани с месинг махагонови врати. През 1901 г. теракотените стени на универсалния магазин Harrods на Brompton Road започват да се издигат. След него бързо започнаха да се строят нови магазини на улицата в преувеличен бароков стил, например Wearing and Gillows (1906), колосални по размери, като по-специално величествената сграда, която търговецът започна да строи през 1909 г. от Уисконсин Хари Селфридж.

По времето, когато магазинът на Selfridge е завършен, Риджънт Стрийт се е променила напълно; Aldwych Loop пресичаше лабиринт от улици на север от Strand срещу Somerset House, с редици от монументални сгради, появяващи се по нея, а Kingsway се простираше на север към Holborn.

Една от многото атракции на Манчестър е древна сграда, разположена в центъра на града. Той е ярък представител на сгради от викторианската епоха. Първоначално тук е имало търговска борса за продажба на памук. По време на Втората световна война сградата е силно повредена, възстановяването й отнема няколко години. В резултат на това търговският етаж стана много по-малък, а нивата на часовниковата кула бяха много по-прости. Когато търговията на фондовата борса е спряна през 1968 г., сградата е застрашена от разрушаване. Стои празен до 1973 г., когато театрална компания го наема.

През 1976 г. в сградата е създаден Кралският театър. Входът на театъра е представен от полукръгла арка с коринтски колони и пиластри, в ниша се издига мраморна статуя на Уилям Шекспир. В интериора на сградата богато украсените тавани очароват с красотата си.

Градски театър

Една от основните забележителности на Манчестър е Гражданският театър, който се намира на Оксфорд Стрийт. Първоначално е наречен Grand Old Lady и тържественото му откриване се състоя на 18 май 1891 г. Строителните работи бяха оценени на £40 000. В първите години от дейността си заведението работи на загуба, тъй като не печели популярност сред широката публика. Скоро театърът разшири обхвата на своите представления, към балетните постановки бяха добавени програми на известни изпълнители и институцията скоро постигна колосален успех. В началото на 20-ти век тук се изявяват известни личности като Дани Кей, Грейси Фийлдс, Чарлз Лоутън и Джуди Гарланд.

През септември 1940 г. театърът е силно повреден от немски бомбардировки. Сградата постепенно се разпада, тъй като няма достатъчно средства за реставрация. През 1970 г. театърът е заплашен от закриване. През 1980 г. е извършена основна реставрация на сградата по инициатива и със средства на местния Художествен съвет.

В момента театърът е домакин на мюзикъли, опери и балети с участието на световно известни артисти. Първоначалният капацитет на театъра е бил 3675 зрители, но сега е намален на 1955.

Театър Dancehouse

Една от основните културни забележителности на Манчестър е Dancehouse, разположена на Oxford Road. Разполага с прекрасна сцена, оборудвана с най-новите светлинни и звукови уреди, както и ултрамодерна зала, чиито места са разположени под формата на три каскади, падащи под доста голям ъгъл.

Интериорът на заведението е направен в пастелни цветове с преобладаване на праскова и нежно розово. Осветлението в залата зависи от естеството на постановката; ако на сцената се показва бърз, възпламенителен танц, светят всички лампи и полилеи, а ако на сцената се показва трогателна любовна сцена, залата е в здрач. Общият капацитет на заведението е около 700 човека, включително тераси.

Инфраструктурата на Dancehouse включва бюфет, разположен на приземния етаж, и голяма просторна зала с огледала в цял ръст. По принцип всички танцови събития в града се провеждат тук; не е необичайно да срещнете звезди от световна класа в Dancehouse. Посещавайки тук, вие ще получите много положителни емоции и значително ще повишите културното си ниво.

Йоркски кралски театър

Една от значимите атракции на Йорк е Кралският театър. Сградата е построена през 1744 г. на мястото на средновековната болница Сейнт Леонард. В края на 19 век театърът е реновиран във викториански стил. Новата готическа фасада е украсена със скулптура на Елизабет I и герои от пиесите на Шекспир.

Луксозното фоайе е обновено в модернистичен стил през 1967 г., при последния основен ремонт. Две големи стълби го свързват с аудитория на две нива, която побира 847 зрители. Репертоарът на театъра е много разнообразен, провеждат се концерти на класическа музика, театрални представления, джаз и фолклорни фестивали, както и различни развлекателни събития с участието на британски и чуждестранни изпълнители. Освен това тук се провеждат ежегодни конкурси за млади таланти, включително театър, танци, музика и поезия. Всички интересни и оригинални идеи са подкрепени от известни артисти.

Посетителите могат да се насладят на уютен ресторант и кафене, разположени на втория етаж на сградата. Кралският театър е исторически паметник, популярен сред местните жители и туристите.

Театър Ейлсбъри Уотърсайд

Една от значимите забележителности на Aylesbury е Aylesbury Waterside Theatre. Основан е през 2010 г. в резултат на трансформацията на развлекателния център Civic Hall. Сградата на театъра е модерна сграда с елегантен дизайн. Интериорът на театъра съдържа предимно елементи от грузински стил. Масивните дървени колони и панели на сградата са украсени със сложни резби.

Основната зала на театъра се състои от три нива и е предназначена за 1200 зрители. Използва модерна електроакустична система, която регулира качеството на звука за симфонични и хорови изпълнения. Театърът е домакин на турнета на британски и международни изпълнители, включително театър, опера, балет, мюзикъли и други музикални събития. Детските предавания са много популярни тук, отвеждайки малките зрители в света на приказките и приключенията.

Втората зала на театъра разполага с 220 места и е предназначена за концерти на камерна класическа музика, както и за бизнес срещи, семинари и конференции.

Театърът Aylesbury Waterside е популярно място за местните жители и туристите.

Ливърпулски драматичен театър

Драматичният театър в Ливърпул измина дълъг път от концертна зала и музикална зала до модерен театър с богат и понякога необичаен репертоар. Историята му започва през 1866 г. като Star Music Hall, проектирана от Едуард Дейвис. Предшественикът на музикалната зала беше концертна зала „Стар“, която беше разрушена за ново строителство. През 1895 г. театърът променя фокуса си и е преименуван на Star Variety Theatre.

Съвременната конструкция на театъра носи следи от множество модификации и реставрации. Глобалните промени започват през 1898 г., когато Хари Пърсивал построява нова аудитория и луксозно фоайе. Но още през 1911 г. театърът има нови собственици, които преработват аудиторията и фоайето на мазето и отново преименуват театъра на Ливърпулския репертоарен театър. И накрая, последната вълна от глобални промени, достъпни за съвременния посетител, застигна театъра през 1968 г., когато беше направено голямо разширение в северната част, за да се организират нови фоайета, барове и съблекални.

Драматичният театър сега се управлява от Градския съвет на Ливърпул и е обединен в тръст с Everyman Theatre. Театърът предлага на публиката оригинални и понякога дръзки постановки на големи пиеси в триетажната основна сграда, както и миниатюрни, интимни пиеси в малкото студио със 70 места.

Кралски Шекспиров театър

Кралският Шекспиров театър продуцира пиеси от Уилям Шекспир и е домакин на годишни фестивали, посветени на великия драматург. Театърът се отличава със силна драматургия, както и с актьорско майсторство на високо ниво, което го прави по-професионален и посещаван.

Театърът отваря врати за зрители през 1879 г. Една жена архитект, Елизабет Скот, работи върху проекта за театър. До 1961 г. се е наричал Shakespeare Memorial Theatre. През годините в театъра са работили режисьори: Бенсън, Пейн, Куейл, Нън, Ричардсън и др. Сега театърът се управлява от Royal Shakespeare Company.

След реставрация през 2010 г. театърът стана още по-удобен и красив. Намира се срещу река Ейвън и е заобиколен от градини. Има наблюдателна площадка с ресторант и бар на покрива.

Театър Мейфлауър

Една от забележителностите на Саутхемптън е театърът Мейфлауър, разположен в центъра на града и открит през 1928 г. Това е един от най-големите театри на южното крайбрежие на Англия. През 1995 г. е извършена цялостна реконструкция и модернизация на театъра, в резултат на което зрителната зала е значително разширена. Интериорът на театъра, който е по-скоро в американския стил, е доминиран от комбинация от бели и сини цветове. Луксозното фоайе е проектирано в стила на океански кораб и е облицовано с мрамор. Няколко парадни стълбища го свързват с аудитория на три нива с капацитет 2300 места.

Театърът е уникален културен комплекс, който е домакин на концерти на класическа музика, театрални представления, джаз и фолклорни концерти и различни развлекателни събития с участието на британски и международни изпълнители. Във фоайето на театъра понякога се провеждат безплатни концерти на камерни ансамбли, изпълнители на народна и джаз музика, поети и драматични актьори на добро професионално ниво. Вратите на уютния ресторант и кафене са винаги отворени за посетителите на втория етаж на сградата. Театър Мейфлауър несъмнено е един от най-добрите провинциални театри в Обединеното кралство.

Кралски театър

Кралският театър, съществуващ повече от 200 години, е един от най-важните театри в Англия. Открит е през 1805 г. Побира публика от 900 души. Театърът предлага целогодишна програма от висококачествени оперни, танцови и комедийни постановки. В момента част от Кралския театър е Театърът за млади зрители „Яйцето“.

Кралският театър се намира близо до центъра на Бат. Сградата е отличен пример за грузинска архитектура. Интериорът на стаята е умело декориран с циментова замазка, червени и позлатени детайли; огромни полилеи и високи тавани на залата му придават величественост и мистерия.

През своята история театърът е реконструиран няколко пъти, но оригиналният му блясък е грижливо запазен и до днес. Театърът на младия зрител е открит през 2005 г. и е в непосредствена близост до сградата на Кралския театър и предлага богата програма от професионални представления и културни събития за деца и младежи на възраст от 1 до 18 години.

Кралски обменен театър

Голяма част от историята на Манчестър се върти около производството на текстил по време на индустриалната революция. Като мълчалив свидетел на някогашното „памучно” величие на града е останала сградата на Кралската борса. Някога приблизително 80% от целия памук в света се е търгувал тук.

Манчестър през викторианската епоха често е наричан „Памуковата столица“ и „Градът на складовете“. В Австралия, Нова Зеландия и Южна Африка терминът "Манчестър" все още се използва за обозначаване на спално бельо: чаршафи, калъфки за възглавници, кърпи. Сградата на борсата е построена между 1867 и 1874 г., след което е реконструирана няколко пъти, в резултат на което операционната става най-голямата в Англия. Кралската борса е сериозно повредена по време на Втората световна война, но търговията не спира до 1968 г.

От 1976 г. в него се помещава Royal Exchange Theatre. Аудиторията му е интересна с това, че кръглата сцена е разположена в средата, а от нея се издигат места за зрители, което много напомня на театъра на Древна Гърция. Част от сградата е заета от търговски павилиони и множество кафенета.

Операта

Операта е построена през 1912 г. и е проектирана от архитектите Farquharson, Richardson и Gill. Всъщност операта получава своя статут едва през 1920 година. Той нямаше постоянна актьорска трупа и на неговата сцена по правило се изнасяха представления от гастролиращи групи. През 1979 г. сградата е превърната в игрална зала, но за щастие това погрешно решение е отменено след пет години. Оттогава Операта радва публиката с нови постановки на оперни и балетни спектакли, мюзикъли и детски представления.

Сградата на Операта е направена в класически стил: фасадата е разделена от йонийски колони в уникални ниши, а на фронтона има полукръгъл релеф, изобразяващ древна конска колесница. По долната част на фронтона има орнаментна ивица от дялан камък.

Аудиторията на театъра има полукръгла форма, която не е обичайна за оперните театри - тя е малко издължена, а над сергиите висят два просторни конзолни балкона. От двете страни на сцената има луксозно декорирани ложи на три нива. В декорацията на залата преобладават златни, зелени стени и червени кадифени столове. Той може да побере 1920 зрители и трябва да се каже, че почти всички представления на театъра са разпродадени.

Английският ренесансов театър се ражда и развива на пазарния площад, което определя неговия национален британски колорит и демократичност. Най-популярните жанрове на публичните сцени са моралите и фарсовете. По време на управлението на Елизабет Тюдор мистериите са забранени. От началото на 16 век английското театрално изкуство се приближава до нов етап - началото на развитието на хуманистичната драма, която започва да се оформя на фона на политическата борба между кралската власт и католическата църква.

От сцената на театъра идва неприкрита остра критика и пропаганда на нова хуманистична идеология, облечена в одеждите на познати интермедии и нравоучителни пиеси. В пиесата на хуманиста Джон Растел „Интерлюдия за природата на четирите елемента“ (1519), в допълнение към традиционните фигури за морални пиеси, има следните герои: Жажда за знание, Лейди Природа, Опит и, за разлика от тях за тях дяволът Невежество и блудницата Жажда за удоволствия. Непримиримата борба на тези герои в пиесата завършва с победата на просвещението над мракобесието и невежеството.

Джон Бейл е видна фигура на английската Реформация и известен писател, автор на пиесата Крал Джон. Добавяйки социални теми към нравствената пиеса, той поставя началото на драматургията в жанра на историческата хроника.

Новият театър се ражда от средновековния фарс. Придворният поет, музикант и организатор на колоритни спектакли Джон Гейуд доразвива фарса, като пише сатирични интермедии. В тях той осмива измамата на монасите и продавачите на индулгенции, интригите на духовенството, алчно за печалба, и хитрите трикове на свещениците, които прикриват греховете си с показно благочестие. В допълнение към главния герой - мошеник - и отрицателни герои - духовници - простодушни и добродушни обикновени хора участваха в кратки битови сцени. Сатиричните интерлюдии от началото на 16 век стават връзката между средновековния фарсов театър и зараждащия се драматичен театър.

Запознаването на англичаните с италианската култура и изкуство допринесе за активното възприемане и популяризиране на древната култура и постиженията на древната цивилизация. Интензивното изучаване на латинския език и произведенията на Сенека и Плавт доведе до преводи на антични трагедии и комедии на английски език. Спектаклите по тези преводи стават много популярни в аристократичната и университетска среда.

В същото време аристократите и просветената публика се възхищаваха на сонетите на Петрарка и стиховете на Ариосто. Новелите на Бокачо и Бандело са известни сред разнородното общество. В кралския двор маскарадите са въведени като забавление и развлекателни събития, на които се разиграват сцени от италиански пасторали.

Първите образци на националната комедия и трагедия на театралната сцена се появяват в средата на 16 век. Никълъс Удал, авторът на първата английска комедия, Ралф Ройстър Дойстър (ок. 1551 г.), е образован организатор на дворцови забавления и чрез творбите си се опитва да научи хората на „добри правила за живот“.

Пиесата "Horboduc" (1562) от Томас Нортън и Томас Секуил е представена за първи път в двора на кралица Елизабет и се смята за първата английска трагедия. Ясно демонстрира имитацията на римската трагедия: разделянето на пиесата на 5 действия, хорово пеене и монолози на пратеници, кървави престъпления, но сюжетът се основава на исторически факт от средновековната история. Моралът на трагедията се крие в алегоричната пантомима и интерлюдиите, които артистите представят между действията, обяснявайки неочакваните обрати на сюжета.

След фарсовата мистерия и примитивните фарсове, на основата на античната и италианската драма, възниква нова английска драма, в която има композиционна основа, пропорционалност на частите, логика в развитието на действието и героите.

Почти всички от новото поколение драматурзи са с висше образование и произхождат от демократична среда. Обединени в творческа група, наречена „Университетски умове“, в своите творби те се опитаха да синтезират високата хуманистична култура на аристократите и народната мъдрост с нейния фолклор.

Предшественикът на Уилям Шекспир, известният английски драматург Джон Лили (ок. 1554-1606), е придворен поет. В най-интересната си комедия „Александър и Кампаспе“ (1584), написана по разказ на гръцкия историк Плиний, той показва щедростта на Александър Велики, който, виждайки любовта на своя приятел, художника Апелес, към пленен Кампаспе, я предаде на своя приятел. Така в борбата между дълг и чувство дългът победи. Идеализираният образ на Александър в пиесата е противопоставен на скептичната фигура на философа Диоген, чиято народна мъдрост и здрав разум тържествуват над самочувствието и арогантността на монарха и неговото обкръжение.

Джон Лили полага основите на така наречената романтична комедия. Той въведе лирическия елемент в драматичното действие, придавайки на прозаичната реч ярък поетичен привкус. Той посочи пътя за бъдещото сливане на два комедийни жанра - романтичен и фарсов.

Истинският основател на английската ренесансова драма е Кристофър Марлоу (1564-1593), известен драматург, автор на произведения с философско и атеистично съдържание. Син на обущар, постигнал с упоритостта си научната степен магистър, той се отличавал със смелост и свободомислие. К. Марлоу предпочете работата на актьор в театрална трупа пред кариерата на свещеник, която се отвори пред него след дипломирането на университета в Кеймбридж. Първата му драматична творба, Тамерлан Велики, е наситена с атеистични идеи. Това монументално произведение в две части е написано в продължение на две години (част I през 1587 г. и част II през 1588 г.). "Тамерлан Велики" е драматизирана биография на известния източен завоевател от края на 14 век Тимур. Марлоу даде на своя герой силата и външния вид на легендарен герой. И което е особено важно, той направи благороден феодал, какъвто всъщност беше Тимур, „пастир с ниско потекло“, който само със силата на волята, енергията и интелигентността си се издигна над законните владетели.

Пиесата на К. Марлоу „Трагичната история на доктор Фауст“ (1588) ( ориз. 22) разкрива друга страна на човешкия живот. Отхвърлянето на аскетичните принципи и безусловното подчинение на висшата сила в името на жаждата за знание и радост от живота е облечено в образа на атеиста Доктор Фауст. Драмата на освободеното съзнание на Доктор Фауст и последвалата самота го водят до покаяние, освобождавайки огромна енергия в борбата за свобода на мисълта.

Последната трагедия на К. Марлоу, „Едуард II“, написана върху материал от исторически хроники, стана основата на английската драма, която У. Шекспир успешно разви в своите творби.

Кралят и неговата свита смятат, че К. Марлоу и неговите произведения представляват сериозна заплаха за властта. В тази връзка е дадена заповед драматургът да бъде физически ликвидиран. На 30 май 1593 г. Марлоу е убит от агент на тайния съвет на краля.

Едновременно с пиесите на К. Марлоу, на сцената са поставени пиеси на други драматурзи от групата "Университетски умове": Томас Кид - "Испанската трагедия" (1587) и Робърт Грийн - "Монах Бейкън и брат Бонгай", " Джеймс IV“ и „Джордж Грийн“, пазач на полето в Уейкфийлд“ (1592).

Творческата общност на драматурзите от групата „Университетски умове” предшества нов етап в развитието на националната драматургия – възникването на възрожденската трагедия и комедия. Постепенно се очертава образът на нов герой - дързък и смел, отдаден на хуманистичния идеал.

В края на 16-ти век английският народен театър привлича огромни тълпи от хора на своите представления, поглъщайки всички революционни идеи и подражавайки на смелите герои, които защитават човешкото си достойнство в борбата. Броят на театралните трупи непрекъснато нараства; представленията от дворовете на хотелите и градските площади се преместват в специално построените за тази цел театри.

През 1576 г. в Лондон е построен първият театър от Джеймс Бърбидж, наречен „Театър“. Последва построяването на няколко театрални сгради: Завеса, Блекфрайърс, Роза и Лебед ( ориз. 23). Въпреки факта, че градският съвет на общините със своя заповед забранява поставянето на театрални представления в самия Лондон през 1576 г., театрите са разположени на южния бряг на Темза, в район, който е извън правомощията на съвета на общините.

Големите дървени обществени театрални сгради имаха различни форми: кръгли, квадратни или осмоъгълни. Сградата нямаше покрив, а само малка козирка над сцената. Тези театри могат да поберат до 2000 зрители. По-голямата част от публиката, състояща се от обикновени хора, гледаше представлението изправени. Богатите граждани заемаха места в галериите, които бяха разположени на три нива в кръглите стени на театъра.

През 1599 г. е построен театър "Глобус", където работи У. Шекспир. Сградата имаше осмоъгълна форма, сцената беше трапецовидна, основата й стърчеше в зрителната зала. Функционалното пространство беше разделено на три части: предната част на сцената - просцениум; задната част, която беше разделена от две колони, поддържащи сламен навес; горният е балкон над задната сцена. Тази сложна структура беше завършена от малка кула, на която беше окачено знаме по време на представлението. Сцената обикновено беше украсена с килими и рогозки, а завесата, в зависимост от жанра (комедия или трагедия), можеше да бъде синя или черна. Сградата на първия театър "Глоуб" е унищожена от пожар през 1613 г. След реставрация съществува до 1645 г. ориз. 24).

Повечето актьори в лондонските театри, без да се броят известните, които се радваха на покровителството на благородници, бяха хора с ниски доходи и безсилие. Кралският указ приравнява артистите с бездомните скитници и предвижда наказание за трупи, които нямат богати покровители. Въпреки суровото отношение към театрите от страна на властите, популярността им нараства от година на година и броят им се увеличава.

Формата на организация на театралните трупи по това време е от два вида: взаимно партньорство на актьори със самоуправление и частно предприятие, ръководено от предприемач, който притежава реквизита и купува правата за поставяне на пиесата от драматурзите. Един частен предприемач може да наеме всяка трупа, поставяйки актьорите в робство на своите капризи.

Трупата, ръководена от У. Шекспир ( ориз. 25) и неговия приятел, известният актьор Ричард Бърбидж ( ориз. 26), се наричаше „Хората на лорд-шамбелана“. Приходите на трупата се разпределяха между драматурга и водещите актьори на театъра в съответствие с техните дялове.

Количественият състав на трупата беше не повече от 10-14 души, които трябваше да изпълняват няколко роли от репертоара на театъра. В женските роли се превъплътиха симпатични млади мъже, постигнали автентични изпълнения чрез пластиката на движенията и лиричността на гласовете си. Общият начин на игра на актьорите преживява етап на преход от епичен стил и висок патос към сдържана форма на вътрешна драма. Водещите актьори на трагичния жанр в епохата на У. Шекспир са Ричард Бърбидж и Едуард Алейн ( ориз. 27).

Главните роли в своите трагедии У. Шекспир поверява на своя близък приятел и помощник Ричард Бърбидж. Бърбидж, отлично владеещ гласа си, не само майсторски изпълни монолозите си, но и засили емоционалното оцветяване на ролята с поглед и жестове. В комедийния жанр актьорите Робърт Армин и Уилям Кемп ( ориз. 28) и Ричард Тарлтън. Най-характерният комик е Робърт Армин, който играе ролята на шут, изпълнен с философски смисъл и драматично съдържание, в пиесите на Шекспир „Както ви харесва“ и „Крал Лир“.

Като драматург и режисьор У. Шекспир синтезира в творчеството си всички постижения на театралното изкуство, създадено преди него, и доведе това изкуство до съвършенство. Той определя нейната основна насока, която е постигане на огледален образ на същността на човешката природа, в каквито и форми да се проявява.

Сценичните изкуства от този период се характеризират със значителна емоционална интензивност на актьорската игра. Тонът на пиесата се задава не от шумна рецитация и активни жестове, а от богатото въображение на актьора и способността му да предаде състоянието, което изпитва. Съветите към актьорите, които У. Шекспир е изказал през устата на Хамлет в своята трагедия, са вечен пътеводител за всички поколения творци, докато е живо реалистичното театрално изкуство. В творчеството на великия английски драматург драматичният театър на европейския Ренесанс достига върха на своето развитие. Творчеството на Шекспир разшири обичайните граници и показа на следващите поколения актьори начините за развитие и усъвършенстване на драматичното изкуство за разкриване на духовния свят на човека.

В средата на 17 век в Англия завършва дълга буржоазно-пуританска революция, която води до установяването на пуританството в обществото. Една от пуританските догми, която твърди, че човек не трябва фаталистично да се подчинява на съдбата си, се превърна в негово идеологическо знаме. В страната по това време, според съвременници, царуват разврат и морален упадък. Приятелството, съвестта и общественият дълг напълно загубиха смисъл. В края на 17-ти - началото на 18-ти век либертинизмът или свободомислието става водеща тенденция в английската философия, която оказва голямо влияние върху драмата и театъра. По-късно тази посока придоби специфична форма и стана известна като остроумие. След възстановяването на монархията на Стюарт в Англия, остроумието беше на доста голяма почит сред аристократичната общност. Постепенно, в съответствие с факта, че се формира нова буржоазна идеология, се променя и отношението към остроумието, то става все по-критично. Това не можеше да не се отрази на изкуството. От гледна точка на привържениците на остроумието животът е сложно изкуство, което изисква предпазливост и проницателност от човек. Лъжата трябва умело да се съчетава с истината, а честността и прямотата трябва да се съчетават с хитрост и измама. Църковният брак се смятал за окова, което свидетелствало за робството на мъжа.

Неморалните принципи предизвикаха справедливо възмущение от страна на уважавани буржоа, както и на писатели и философи. С укрепването на властта на буржоазията и нарастването на нейното влияние тя активно започва да атакува „остроумните“ хора. Това се изразява преди всичко в нейната борба с английския театър.

Преди възстановяването на монархията в Англия, по време на управлението на Кромуел, театърът е забранен със специален парламентарен указ. Пуританското правителство смяташе театъра за развъдник на неморалност, греховност и порок. Общинските съвети повдигнаха множество обвинения срещу театрални трупи, понякога несвързани нито с актьорите, нито с пиесите. Репутацията на театрите беше толкова ниска, че жителите на града спряха да ги посещават. За да избегнат глада, актьорите бяха принудени да напуснат градовете в отдалечени провинции, където могат да спечелят нещо. Театралните трупи и училищата се разпадат, учителите по ораторско изкуство и сценични изкуства, музика и танци напускат града. Провинциалните власти бяха лоялни към аматьорските представления, организирани от собствениците на замъци. А в градовете театърът се възражда в музикално-драматични представления (маскаради).

След възстановяването на монархията на Стюарт в Англия започва благоприятен период за възраждане на театъра. Публиката на градските театри се състоеше изключително от аристокрацията и градското благородство. Драматичното изкуство изразява антипуританския и антибуржоазен дух, който проби след дълги години на преследване и принудително мълчание. В многобройни сатирични комедии ролята на глупав прост или рогоносен съпруг неизменно се възлага на нещастния буржоа.

Театърът от епохата на Реставрацията е възстановен за дълъг период от време и промените, настъпили в него през този период, са значителни. В Англия се формира театрален монопол. Издаден е кралски патент за правото да организира театрална трупа и да създава театър. А лорд-шамбеланът отговаряше за цензурата, която обхващаше и дейността на театралната трупа. Броят на актьорските компании и театралните зали в Лондон се контролира и регулира от английското правителство. Особено внимание беше отделено на репертоара на театъра.

По време на периода на Реставрацията в Англия е построена специална сграда за демонстриране на представления и за настаняване на театрални трупи и реквизит. Това беше правоъгълно закрито помещение със значителни размери, в което зрителите бяха в по-удобни условия в сравнение с периода преди реставрацията. Сега театърът имаше задкулисие и просцениум, който се простираше в сергиите и беше заобиколен от двоен ред ложи. Отначало в такива театри особено знатните зрители бяха настанени на столове точно на сцената, в непосредствена близост до актьорите. Това създаде известно неудобство за изпълнителите.

За сценичните представления бяха специално направени декори, както и различни устройства, които позволяваха да се симулират полети и различни трансформации. Актриси излязоха на сцената в женски роли, за да заменят момчетата от театъра на Шекспир. Сред най-талантливите актриси от периода на Реставрацията е Нел Гуин ( ориз. 29), Мери Нап, Елизабет Бари (фиг. 30), Елинор Лий и други революционни актриси. По-широк е и обхватът на самото театрално представление. Освен традиционната драма, в представлението може да се въведе пантомима или фарс. Музикалните танцови паузи бяха много популярни. По-късно в репертоара на театъра са включени баладични опери. Класическите трагедии се радват на голям успех през този период.

Различните промени в политическия и социалния живот, които Англия преживя през тази епоха, на свой ред бяха отразени в репертоара на лондонските театри. Буржоазията уверено дойде на власт и публиката от третото имение дойде в театъра. Тази публика, заемаща повечето евтини места в залата, можеше решително и шумно да изрази мнението си за представлението, да го одобри или освирква.

В обществото все по-често започва да възниква възмущение от представления, които представят човешките пороци и безнравственост в привлекателна светлина. Книгата на реакционния проповедник Джереми Колиър „Кратък очерк на неморалността и безбожието на английската сцена“ предизвика вълна от реакции и възмущение в театралната общност. Въпреки факта, че книгата беше остро критикувана от театралните работници, тя даде осезаеми положителни резултати. Променен е репертоарът, който вече включва драматургии с теми, утвърждаващи буржоазните добродетели: благочестие, пестеливост и почтеност.

Гражданските общества за поправяне на нравите строго следяха съдържанието на произведенията, които лондонските театри поставяха. На представленията присъстваха специални агенти, които наблюдаваха хода на изпълнението и записваха всички атаки срещу морала. Цензорите изправяха предприемачи и актьори на съд за тези нарушения. Не само части, предизвикали недоверие от страна на цензурата, но и цели актове бяха безмилостно изрязани от текстовете на пиесите. Водещ актьор на английската сцена от периода на възстановяването Томас Бетертън ( ориз. 31), който беше заплашен със смърт за неморална игра, беше принуден да преразгледа своята интерпретация на много роли, така че да съответстват на новата ценностна система.

В началото на 18-ти век английският театър се променя, като преразглежда своите морални и етични ценности. Най-голямо внимание беше отделено не само на човешките пороци, но и на опитите да се разбере техният произход и социален произход. В театъра човек можеше да се посмее на недодяланите аристократи и буржоазни новопостъпили, придворни лицемери и новобогаташи търговци. Гледайки живота на някой друг на сцената, зрителят се замисли за своя собствен и тогава бяха намерени необходимите отговори на много от житейските въпроси.

Театърът беше своеобразно училище, в което зрителят се научи да разпознава истинската добродетел и порок. Използвайки примерите на драматични герои, той развива своята жизнена позиция и начин на поведение. Театърът от тази епоха е неразделна част от националната култура на Англия. Обръщането към социална тема, изобличаването на човешките и държавните пороци до най-малкия детайл се е превърнало в традиция на английския театър, оцеляла и до днес. Именно в тази традиция са виждали своя произход и генетични корени великите английски драматурзи и театрални дейци.

В Англия, в периода след възстановяването на монархията на Стюартите, театърът и творчеството на драматурзите се развиват в няколко посоки, основната от които е класицизмът. Само формално имитиращи древни произведения, английските драматурзи характеризират действието по-емоционално, пропити пиесите с ежедневни тънкости, подчертавайки националните черти на характера и ненужните подробности за произхода на героите от тези пиеси. Имаше и размисли за променливостта на техните цели, желания и настроения.

Най-видният класицист от този период може да се нарече Джон Драйдън (1631-1700) - поет, драматург и литературен критик ( ориз. 32). Написал е 27 пиеси, включително трагедии, комедии и трагикомедии. Смятан е и за създател на жанра героична драма. Критическите си възгледи за драматургията той изразява главно в поетични пролози и епилози към свои и чужди пиеси.

Пиесите на Драйдън кипят от бурни страсти, лъхат от любов към свободата и високи стремежи. Той сравнява драматургията с античната скулптура. Според него драматургичното творчество, отразявайки природата, трябва да я надмине, за да бъде тя правилно възприета от зрителя от сценична гледна точка.

През периода 1664-1675 г. той написва най-добрите образци на английската героична драма: „Кралицата на индианците“, „Императорът на индианците или завладяването на Мексико от испанците“, „Тиранична любов“ и „Завоеванието“. на Гранада от испанците” с изсечена поетична форма на текста и изложение на концепциите му за чест и дълг. Няколко от трагедиите на драматурга засягат темата за суетата на съществуването и илюзията за земно щастие.

Една от най-добрите му пиеси „Дон Себастиан” разкрива темата за илюзорността на любовното щастие и измамността на любовното блаженство. Младият португалски крал Себастиан, който бил пленен, се влюбил във варварската кралица Алмейда. Любовта го накара да забрави за всичко. Себастиан скоро научи, че тази, която му даде щастието на любовта и го освободи от плен, се оказа неговата сестра. Илюзията за щастие изчезна и нещастните влюбени доброволно се оттеглиха в манастир.

В допълнение към пиесите на Драйдън, репертоарът на всеки английски театър задължително включва произведения на други двама известни актьори и драматурзи - Натаниел Лий (1653-1692) и Томас Отуей (1652-1685). Пиесата на Н. Лий „Rival Queens, или смъртта на Александър Велики“ направи силно впечатление на руския император Петър I по време на престоя му в Лондон през 1698 г. Популярни са и драмите му Митридат и Теодосий.

Томас Отуей е известен в историята на английския театър като автор на „домашни трагедии“ за живота на средната класа. Най-известните от тях са „Сиракът, или нещастен брак“ и „Спасената Венеция, или разкритият заговор“. Умението на Отуей се състои в изобразяването на разрушителната сила на страстите и слепотата на чувствата към човека.

Пиесите на творческото дуо Джон Флетчър (1579-1625) и Франсис Бомонт (1584-1616) бяха много популярни. Първото издание на сборник с техните пиеси, съдържащ 34 произведения, датира от 1647 г. Пиесите „Филастър“, „Кралят и не кралят“, „Трагедията на едно момиче“ са преиздавани няколко пъти. Тези пиеси майсторски изобразяват любовта и всички човешки страсти, които я съпътстват. Комедиите на тези автори бяха наистина забавни, а трагедиите ви караха да се чувствате тъжни и тревожни заедно с героите.

Английският език в творбите на Бомонт и Флетчър е доведен до съвършенство. По-късно това беше многократно обсъждано от литературните критици, които смятаха, че всички думи, влезли в ежедневната реч след смъртта на тези драматурзи, са ненужни. Техни пиеси се играят на сцените на английските театри вече 40 години с постоянен успех. Освен това във всеки нов театрален сезон репертоарът им със сигурност включва пиесите „Своенравният стотник“, „Как да управляваме жена“, „На лов на ловеца“, „Кралят и не кралят“, „Филастър“, които се изпълняват в оригинал, без съкращения или промени.

През 18 век в Англия се развива двусмислено отношение към У. Шекспир. Изтъкнати педагози Джоузеф Адисън ( ориз. 33) и Ричард Стийл ( ориз. 34), които се борят за формирането на национален английски театър и срещу господството на чуждестранна, по-специално италианска опера, и се изказват в защита на нейното творческо наследство. Но някои критици, като Томас Раймър, нарекоха трагедиите му „фарс без вкус“.

Ето защо много пиеси на Шекспир са преработени от авторите, за да отговарят на съвременните вкусове. Т. Отуей преработва пиесата на У. Шекспир "Ромео и Жулиета", променяйки заглавието на "Животът и падението на Кай Мария", а Д. Драйдън - "Антоний и Клеопатра" ("Всичко за любовта"). И въпреки че името на Шекспир продължава да се появява на плакатите, промяната на текста на пиесата е толкова значителна, че представлението няма нищо общо с оригинала. Много от пиесите на известния драматург бяха представени на лондонските сцени през същия сезон, както в оригинал, така и в преработен вид, а публиката се забавлява да гледа и двете версии на пиесата „Ромео и Жулиета“: с трагичния край на У. Шекспир и щастливият на Джеймс Хауърд.

Социалната, остро сатирична комедия на нравите също се проведе в репертоара на английския театър. Ранен представител на този тип творчество може да се нарече Джордж Етеридж (1634-1691), който е смятан за присмехулник на морала на века и създава няколко пиеси, влезли в историята на театралното изкуство в Англия: „Комично отмъщение, или Любов в бъчва“, „Тя щеше, ако“ можеше“ и „Роб на модата“. По-късно този тип комедия в театрознанието се нарича „комедия от епохата на Реставрацията“.

През този период комедиите са много популярни. Актьорите особено обичаха да играят в пиесите на Уилям Уичерли (1640-1716) ( ориз. 35), които се отличаваха с хумор и ярко сценично присъствие. В някои театрални сезони няколко театри поставяха пиесата му „Селската съпруга“ наведнъж, а след това между собствениците на театри избухна истинска конкурентна борба за публиката. За комедиите на Уилям Конгрив ( ориз. 36), които се радваха на постоянен успех сред публиката, много поколения английски актьори усъвършенстваха сценичните си умения. В пиесите „Старият ерген”, „Двойна игра” и „Любов за обич” на първо място е даден социален анализ, базиран на удачни битови характеристики.

Най-новата комедия на Конгрив „Това е, което правиш в света“ разкрива портрет на един човек от модерното време – Мирабела. Предимството на героя се крие в неговите здрави, логични разсъждения и духовна доброта. Езикът на пиесата е много елегантен, лишен от празна игра на думи и помпозни фрази.

През 18 век репертоарът на драматичните театри значително се разширява. Спектаклите се състоят от няколко действия и след представлението се допълват от фарс, пантомима, музикален дивертисмент или изпълнения на клоуни и акробати. Финалът на представлението може да бъде украсен и с пародия на популярна пиеса или опера. Години наред се играеха едни и същи известни фарсове, независимо от програмата на цялата вечер. Най-популярни в театралния репертоар са музикалните дивертисменти или интерлюдии. Това могат да бъдат инструментални концерти или вокални изпълнения, които са били литературни сюжети с хумористично съдържание, поставени на музика и носещи хумористични имена „Любов и халба за бира“. Засрамен Денди”, „Професор” шега науки” и др.

В допълнение към баладичните опери, фарсовете и интерлюдиите, през 18 век се появява феноменът на театралните представления като „живи картини“ и „церемониални шествия“ през октомври 1727 г. в пиесата „Ричард III“ в театър „Друри Лейн“ в Лондон. , публиката видя това за първи път”, който описва тържествената церемония по коронясването на Ан Болейн, втората съпруга на крал Хенри VIII. Той спечели огромна популярност сред публиката и беше поставен независимо от тематиката на представленията, които се играят този ден.

Централното ядро ​​на едно многочасово театрално представление винаги е била пиеса, която се избира главно от театралната трупа и се репетира дълго време. Поради повишената конкуренция, собствениците на театри се опитаха да вземат предвид изискванията на масовата публика. До 1868 г. репертоарът се разпределя между театрите от лорд-шамбелана, който отговаря за кралското домакинство и дава разрешение за поставяне на пиесата. Тази система позволи на театрите да развият индивидуален стил. Театърът на херцога в Лондон беше известен със своя смесен репертоар, докато в Кралския театър се предпочитаха У. Шекспир и Б. Джонсън ( ориз. 3 7). Автори на новите пиеси са както професионални драматурзи, така и аматьори, които пишат пиеси не само за пари, но и от любов към театъра. Джентълмен драматург, който не е служил в театъра, с други думи, „външен автор“, по споразумение с театъра преработва известни пиеси или съставя пролози и епилози за представления. Всеки театър имаше свои собствени драматурзи и „външни автори“. Много известни актьори създават и нови спектакли, в които трупата участва с удоволствие.

Монарсите често поръчват пиеси, предлагайки собствени сюжети, които понякога се раждат импровизирано, а понякога по съвет на дворцови благородници. Наред с талантливи и сериозни пиеси, в театрите бяха донесени огромен брой ръкописи на нискокачествена драма, които бяха подложени на строг подбор, което предизвика недоволството на много автори.

Пиесата, която беше одобрена от театралната група, трябваше да получи разрешение от кралския цензор за постановка в театъра. В кралския двор задълженията на главен цензор са възложени на лорд-шамбелана и главния церемониалмайстор, които оглавяват институцията на държавната цензура. Пиесите могат да бъдат забранени, ако изобразяват насилствена смърт на монарси или неподходящо използват цитати от Библията. Сцена, която се занимава с подкупите, които процъфтяват в кралския двор, ако бъде разрешена от цензурата, може да събуди гнева на краля и да доведе до затварянето на цензора, който е пропуснал бунта. В историята на английската драма е имало такива случаи.

Когато в края на 17 век дейността на многобройни дружества за корекция на морала се активизира, театралната цензура също се засилва, което в периода на изостряне на политическата борба между вигите и торите в страната приема крайни форми. . През 1737 г. правителството издава Закон за цензурата. Той се превърна в Закон за лицензиране на театрите, според който могат да съществуват само театри, които имат кралски лиценз. Всички пиеси, без изключение, трябваше да бъдат цензурирани от лорд-шамбелана. В пиесите на авторите беше забранено да засягат политически въпроси и да критикуват държавни служители.

В резултат на този закон се появи държавен монопол върху театрите, т.е. всички театри в Лондон бяха затворени, с изключение на централните - Ковънт Гардън и Друри Лейн. Репертоарът от злободневен и критичен характер изчезна от сцената, липсваха импровизационни пиеси, засягащи проблемите на външната и вътрешната политика. Но въпреки всички мерки на цензурата, драматурзите и актьорите, използвайки специфични театрални техники и алегории, предават на публиката това, което не могат да изразят открито.

Двама художествени консултанти на крал Джордж II, известни драматурзи и предприемачи Уилям Давенант (1606-1683) и Томас Килигрю (1612-1683), след като през 1660 г. получиха кралски патент за монополното право да откриват театри, разделиха лондонските актьори помежду си. Трупата на Килигрю става известна като трупата на краля, а трупата на Давенант се превръща в трупата на херцога на Йорк. Тези трупи не са имали собствени сгради и са заемали различни помещения, пригодени за представления.

В самото начало на 17-ти век Red Bull Theatre е построен в югоизточните покрайнини на Лондон на St. John Street. Това е открит тип театър без покрив, което прави работата на трупата зависима от метеорологичните условия. Това помещение беше наето от различни трупи, някои от които нямаха лицензи, а театърът периодично беше затварян за нарушаване на закона. В театралната среда на Red Bull цареше безпорядък и скандали, а в залата не се събраха дори стотици зрители. Актьорите в бедни костюми играеха посредствено, а понякога и напълно некомпетентно. През 70-те години Red Bull престава да съществува и сградата е поета от клуба по фехтовка.

Изграждането на театъра Cockpit също датира от началото на 17 век. Това беше доста просторна тухлена сграда, разположена в централната част на Друри Лейн. Второто си име - "Феникс" - театърът получава след пожар през 1617 г. и бързо възстановяване. Театърът е просъществувал около 60 години и е разрушен поради факта, че вече не отговаря на съвременните изисквания.

В първите години на Реставрацията, а именно през 1629 г., е построен третият театър в Лондон - Salisbury Court. През 1652 г. негов собственик става видният театрален деец в Англия Уилям Бийстън, който въпреки строгата забрана успява да постави няколко представления по време на суровия режим на Оливър Кромуел и се смята за един от най-добрите театрални учители. Той започна реконструкцията на сградата на театъра, която беше доведена в окаяно състояние по време на революцията. По негов проект покривът е повдигнат на 30 фута, а в стаята над сцената е монтиран танцов клас. Кутиите и сергиите, които бяха заобиколени от галерии, бяха значително разширени. Сградата на театъра не оцеля след лондонския пожар от 1666 г.

На 7 май 1663 г. отваря врати прочутият английски театър Друри Лейн, който и днес е водещият театър в Лондон. Първото представление, което се състоя на неговата сцена, беше пиесата „Своенравният центурион“ от Ф. Бомонт и Д. Флетчър. Театърът е построен между Drury Lane и Bridges Street.

Сградата имаше кръгла форма. Театърът имаше просторни сегии и луксозно декорирани ложи. Арката на авансцената беше украсена с изящна украса. Въпреки твърде голямото разстояние от сцената до ложите, тесните проходи в сергиите и неудачното разположение на оркестъра, този театър имаше значителни предимства пред своите предшественици. В сергиите пейките бяха подредени в концентрични полукръгове, образувайки амфитеатър. Сергиите бяха заобиколени от две нива кутии, разделени с прегради и съдържащи няколко реда удобни столове. По това време на жените беше позволено да бъдат в кутиите с мъжете.

По-голямата част от публиката беше настанена в сергиите, които бяха осветени през деня през огромен стъклен купол, който увенчаваше горната част на сградата. По време на един от силните проливни потоци потоци вода паднаха върху главите на зрителите, което предизвика бурно възмущение сред обществеността. Вечерта сергиите бяха осветени със свещи. Пейките на сергиите бяха покрити със зелен плат.

В центъра на долния етаж на сергиите имаше кралска кутия, която беше украсена с позлатена фигура на Аполон и държавния герб на Англия. Когато членовете на кралското семейство не присъстваха на представлението, билетите за кралската ложа се продаваха на всички.

На 25 ноември 1672 г. в театъра избухва пожар, който унищожава напълно както театралните помещения, така и прилежащите сгради. Кралският театър, принуден няколко години да събира средства за ново помещение, едва през 1674 г. получава сграда, проектирана от известния архитект Кристофър Рен. Стаята не се открояваше с нищо особено и беше проста и неизкусна. Сергиите имаха формата на амфитеатър, в който зрителите бяха насядали на пейки, тапицирани с плат и без облегалки. Хората седяха заедно: благородни дами и господа, както и дами с лекота, които флиртуваха и разговаряха по време на представлението; някои играеха карти, без да обръщат внимание на актьорите. Непосредствено пред сцената, под навеса на долната галерия, бяха разположени най-скъпите места, а най-бедните зрители бяха натъпкани в горната галерия.

За трупата на херцога на Йорк през 1671 г., по проект на същия Кристофър Рен, е построен театър в квартал Дорсет Гардън в Лондон, в който се помещава драма и опера. Отличава се със своята архитектура и лукс на украса. Фасадата на театъра гледаше към Темза и беше украсена с герба на херцога на Йорк. Последният етаж е предназначен за апартаментите на известни английски актьори.

Театърът побира около 1200 зрители и удивлява с красотата на интериора си. Арката на просцениума е издълбана в бароков стил от известния дърворезбар Гринлинг Гибънс и щедро позлатена. Интериорът на залата беше много по-красив от най-добрите театрални интериори във Франция и имаше по-удобно оформление. В сергиите, които имаха формата на амфитеатър, почти не се чуваше шум. Партерът беше заобиколен от седем кутии, в които можеха да се настанят 20 души, последвани от 7 кутии на първия етаж и още по-високи - стелажите.

В самото начало на 18 век, през 1705 г., в Лондон драматургът Джон Ванбру ( ориз. 38) е построена първата опера, която става известна като Операта на кралицата в чест на кралица Ан. Огромната сцена за тези представления и специфичната акустика не са подходящи за драматични представления, така че в театъра се настаняват певци и музиканти. Този театър съществува почти 85 години. Без да избягва съдбата на много лондонски театри, той е унищожен от пожар, избухнал в складовете му на 17 юни 1789 г.

През периода на Реставрацията и по-нататъшното развитие на културата в Англия в началото на 18 век театрите се променят значително. Архитектурата им стана по-сложна в съответствие с повишените изисквания. Интериорът на театрите и вътрешната декорация отразяват богатството на техните собственици. Дизайнът на сцената съчетава платформа на Шекспир и сцена с кутия с портал, който я отделя от публиката. Предната част на сцената, която продължаваше в зрителната зала, ставаше овална. Появиха се бекстейдж и декори, рисувани от художници.

Основната част от представлението се състоя на авансцената. Към края актьорите трябваше да излязат напред към овалната част на сцената, която беше по-близо до зрителя и много по-добре осветена. Вътрешността на сцената, където се намираха декорите, беше в здрач, което създаваше усещане за мистичност през целия спектакъл. Свещите, които изискваха много голям брой за достатъчно осветление, бяха скъпи и бяха лукс, който собствениците на театри си позволяваха само заради членовете на кралското семейство. Слабата мъждукаща светлина и люлеещите се сенки по стените събуждаха усещане за нещо свръхестествено в театралната постановка. Самата равнина на сцената имаше лек наклон към авансцената, която беше украсена с церемониална издълбана арка, където бяха монтирани барелефи и скулптури, а квалифицирани занаятчии издълбаха сложни орнаменти и всичко това беше покрито с позлата. По време на Реставрацията английските актьори се считат официално за кралска служба. Актьорите на кралския театър носеха униформа на кралски слуги, изработена от червен плат, украсена с червено кадифе, но всъщност в обществото те се смятаха за представители на най-ниската класа. Те получаваха малка заплата, за която трябваше да работят много.

Актьорите трябваше да имат физическа издръжливост, за да издържат дълги часове на репетиции и представления. Стаите, в които между представленията имаше по няколко души, не се отопляваха. Отделна стая с камина се предоставяше само в изключителни случаи. Често, веднага след успешна премиера, актьорската трупа трябваше да повтори представлението късно вечерта в придворния театър на кралския дворец. Само с отлична памет един актьор може за кратко време да запомни текстовете на няколко роли в едно представление или различни роли на няколко представления.

Не беше възможно да се печелят много пари по време на театралния сезон, който беше прекъснат през лятото, когато кралското семейство напусна Лондон. Работата беше прекъсната поради епидемии, пожари, наводнения, религиозни празници или траур в кралското семейство. Поради цензура или просто забележка от страна на краля или лорд-камергера, театърът също беше затворен за неопределено време.

Повечето от актьорите са наели жилище в близост до театъра, за да не харчат пари за пътуване. Богатите актьори можеха да си позволят да живеят в престижни райони на Лондон. Ако собствениците на театъра се интересуваха от определен актьор (и най-често те бяха актриси), тогава апартаментите за тях се намираха в самата сграда на театъра или в съседни сгради.

Английските закони винаги са били на страната на богатите хора в техните битки или дуели с актьори, въпреки че случаите, които са били разглеждани в съдилищата, са възникнали по тяхна вина. Не струва нищо да обидиш или унижиш актьора. Това се смяташе за нормално сред благородническата класа.

По време на Реставрацията на сцената на английския театър се появяват актриси, които заменят женствени млади мъже, облечени в женски костюми. За да играят женски роли, младите мъже трябваше да учат няколко години. Първите актриси трябваше да имат достатъчно воля и гражданска смелост, за да излязат на сцената в такава пуританска страна като Англия и да представят женския образ в целия му чар.

Първите актриси идват в театъра от частни пансиони. Всички те бяха от нисък произход и учеха грамотност, дикция, музика и танци в интернати. Момичета от буржоазната класа идваха в театъра с препоръки от учители по танци и ръководители на частни хора. Много прекрасни актриси дойдоха от актьорската среда. Във време, когато женското образование беше на много ниско ниво, професията на актрисата започна да изглежда обещаваща и изкушаваща за много момичета.

Театърът им отваря пътя към свят, свободен от домашна тирания и предоставящ значителни възможности за личностно развитие. Но в същото време младите таланти, неспособни да си осигурят минимум средства за живот, попаднаха под влиянието на богатите господа и станаха техни поддържани жени. Актриса на заплатата на богат джентълмен - това явление беше много често и напълно законно. Самите млади актриси се стремяха да станат държани жени и често момичета, които са били обучени да действат в театъра в продължение на няколко години, напускат театъра за 1-2 години такава поддръжка, след което в повечето случаи намират подслон в лондонските бордеи. На сцената останаха само отдадените с цялото си сърце на актьорската професия. Предимно това бяха съпругите на актьорите.

Английските актьори често трябваше да пътуват до други страни, за да изкарват прехраната си. Понякога тези пътувания бяха много животозастрашаващи. Актьорите често трябваше да гладуват и да изпитват всякакви трудности. Те се представяха, като правило, на площади и пазари на открито. Въпреки разликите в езика, английските актьори бяха приети много добре в различните европейски страни; класическият им начин на игра и актьорско майсторство предизвикваха възхищение сред съвременниците им. През Ренесанса английските актьори демонстрират уменията си в Германия, Холандия, Дания и Франция.

Освен драматични актьори, английски акробати, мимове и танцьори отидоха на турне във Франция. Братята Уултън, с разрешението на френското правителство, откриха цирк в Дижон. Известният актьор Томас Бетертън посети Франция от името на английското правителство. Трябваше да се запознае с репертоара и структурата на театрите.

Френски актьори също дойдоха на турне в Англия, но изисканата лондонска публика се отнасяше към техните изпълнения с известно пренебрежение. Театралният реквизит и антуражът на гост-изпълнителите бяха непретенциозни, а представленията се оказаха скучни и безинтересни. Това се дължи на факта, че обиколките са предимно актьори с ниски доходи.

Артистите на куклените театри са първите, които идват от Италия в Англия. Изпълнението им силно впечатлява краля и той награждава главния актьор от куклената трупа с медал и златна верига. Италианските актьори, които дойдоха на турне, се радваха на специалното благоволение на краля. За представления те получиха Уайтхол в кралския дворец. През 18 век италианската опера пуска корени в Лондон и се посещава главно от лондонското благородство. Нейният репертоар, предназначен за изтънчения вкус на английската аристокрация, завладява светските среди на Лондон.

Оперите са изпълнявани за първи път на английски, но това ги прави трудни за изпълнение, което води до несъответствия между музикалната тема и английския превод на италианския текст. По-късно английски и италиански изпълнители пеят арии на собствените си езици, а още по-късно всички арии се изпълняват на италиански. Публиката разбираше малко от съдържанието и възприемаше случващото се на сцената само като механично забавление, което не предизвикваше нито съчувствие, нито размисъл. Много видни педагози в Англия смятат италианската опера за нахлуване в националната култура, причинявайки й значителна вреда.

Нови пиеси в ръкописна форма бяха донесени директно в театъра за преглед и одобрение. Обикновено първите четения се извършват от автора. Възприемането на новата пиеса от актьорите до голяма степен зависи от драматичните му способности. Авторът трябваше да прочете някои пиеси няколко пъти, за да предаде на актьорите своята идея и патос на произведението. След прочитането на автора много пиеси се нуждаеха от редакция и преработка от известни актьори, които произволно пренаписваха ролите, адаптирайки ги към нравите или характерите на своите другари. Понякога такива редакции значително подобряват пиесите, а понякога пиесите са почти напълно пренаписани, за да ги изпълнят с „живо съдържание“.

Ролите се разпределяха с прякото участие на собственика на театъра, който обикновено беше един от главните актьори. Актриса, която беше популярна през този период, беше назначена за главната роля, независимо дали тя можеше да се справи с ролята или не. Понякога изпълнението на популярна актриса в роля, нехарактерна за нейната роля, напълно разваляше впечатлението от представлението. Но се случи самият цар да участва в разпределението на ролите.

Признатите талантливи драматурзи имаха право да избират актьори, които да участват в техните представления. И са писали пиесите, съобразявайки се кой точно ще играе тази роля. Но главната роля на актьора все още беше решаваща в този въпрос. Публиката изгради определен стереотип за героя и публиката можеше да предизвика бунт в театъра, ако в пиесата не беше главният актьор, а неговият дубльор. Тогава се наложи представлението да бъде спряно, защото на сцената летяха всякакви предмети, включително и запалени свещи.

Подготовката на премиерата отне поне месец. Режисурата като такава по това време все още не съществува и по време на репетициите текстът може да бъде подложен на различни неразрешени промени. След като са гледали такива представления, драматурзите се оплакват, че са били ограбени от поне хиляда реплики. Често драматургът влизаше в ролята на режисьор на пиесата. Той се зае с продукцията и организацията на работата по ролите. Развива и мизансцена и движенията на героите в сценичното пространство до жестовете и пластиката.

Репетициите започваха сутринта и приключваха преди представлението. Те протичаха по различни начини, често шумни и объркани, но понякога се оказваха доста професионални. Вечерното време след представленията беше отделено за запаметяване на нови текстове и изучаване на танци. Много по-малко време и усилия на актьорите бяха изразходвани за възстановяване на предишна пиеса в репертоара на театъра. Това отне не повече от две седмици.

Понякога твърде прибързаната подготовка за представления доведе до факта, че актьорите не знаеха добре текста. Тогава те изнесоха такъв гег на сцената, че другарите им не можаха да устоят да се смеят силно и, излизайки от характера, нарушиха представлението. Често в театралните трупи липсваше строга дисциплина и нежеланието на някои актьори да работят върху дикцията си. В резултат на това изпълнението им предизвика раздразнение и недоволство сред публиката, тъй като в публиката беше невъзможно да се различи нито една дума, изречена от такъв актьор.

Някои актьори си позволиха да бъдат изтънчени в украсяването на авторските текстове с цветни изрази по собствена композиция. Цели пасажи от такива аматьорски автори причиниха непоправима вреда на представленията и развалиха репутацията на драматурга. Един от тези ревностни актьори, Джон Лейси, е арестуван по заповед на краля. Това беше направено, защото той спонтанно произнесе речи с голям патос и разшири регистъра на градските пороци в пиесата „Смяна на короните“, на която присъстваше Чарлз II. Някои комични актьори си позволиха да говорят с публиката няколко минути. Беше безполезно да им се забранява да правят това и авторите, като взеха предвид характеристиките на такива актьори, написаха в бележките на автора: „Продължавайте в същия дух“ или „По преценка на изпълнителя“.

В продължение на много десетилетия подготовката на представлението остава слабото място на английската драма. През 18 век започват да се практикуват платени генерални репетиции на пиеси с покана на зрители. Първо бяха въведени от оперните театри, а по-късно от драматичните театри.

Съдбата на спектакъла зависи от много обстоятелства, но успехът му е предопределен изцяло от деня на премиерата. Най-богатите си хонорари театърът получи в периода от ноември до февруари. Денят на премиерата е избран специално. Проверихме дали през този ден в Лондон няма други масови събития, които да обрекат театъра на пълна липса на зрители в залата. Събота се смяташе за най-добрия ден за премиерата.

На суфльора беше отделено доста важно място в подготовката на представлението. Той четливо преписваше всяка роля поотделно за актьорите и срещу заплащане подвързваше листовете под формата на книга с корици. На страниците на тези книги суфльорите правеха бележки и коментари за актьорите, правейки свои корекции в хода на представлението. В допълнение към хартията, писалките и мастилото, инвентарът на суфлера винаги включваше звънец и свирка. Звукът на свирката раздвижи и раздвижи декора, а камбаната уведоми оркестъра за музикалното въведение.

Музиката беше важен структурен елемент на представлението. Тя създаде особена емоционална атмосфера, сплотяваща изпълнителите с публиката. Чрез промяна на музикалната тема на произведението по време на изпълнението беше възможно да му се придадат различни нюанси на значение. Много драматурзи са работили специално с композитори, за да създадат музикални номера за своите пиеси, разбирайки колко важна е ролята на музиката и звука на отделните музикални инструменти.

Драматурзите особено обичаха цигулката, флейтата и обоя. Лондонската аристокрация предпочиташе китарата, на която се свиреше в пиеси от светски веселяци и дамски мъже. Броят на цигулките в театралните оркестри понякога достигаше 24. Винаги присъстваше клавесин.

Местоположението на оркестъра в театъра се променя няколко пъти. Отначало се намираше над сцената, в дълбините на сценичното пространство. Публиката не можа да види музикантите. Мястото, където бяха музикантите, се наричаше „музикална мансарда“. По-късно той се премести надолу и се позиционира между сцената и сергиите, а още по-късно потъна на долното ниво, под сцената. Позицията на оркестъра в театъра се променя няколко пъти, преминавайки от долното ниво към горното и обратно.

Но нито едно представление не се проведе без музикален съпровод. Там, където представлението даде и най-малката възможност за музикален номер, тя със сигурност беше оползотворена. Музикални вложки, вокални арии и танцови сцени се появяват в пиесите на Шекспир и други по-ранни автори. Използването на музика оживи продукцията. За да украсят представлението, драматурзите специално написаха ролите на цигани, скитащи певци или весели гости, които пееха и танцуваха, предизвиквайки радостно оживление на публиката.

Преди началото на представленията винаги звучеше приятна музика, за да освободи публиката от скуката на чакането. Много зрители специално дойдоха предварително, за да се насладят на отличното изпълнение на музикални произведения.

Музикална увертюра (задължително „във френски стил“) предшестваше пролога на спектакъла. „Мелодия на завесата“ завършваше всяко действие. Тази мелодия започва по време на последните реплики на героите. Следващото действие започна с музикално въведение. Краят на представлението често се отбелязваше с общ танц на актьорите, които танцуваха популярния в Англия танц чакона. Музика съпровождаше поклоните на актьорите и заминаващите зрители, докато в залата не остана никой.

Броят на музикалните номера в пиесата варира в зависимост от жанра на пиесата. Една трагедия включва не повече от две песни, комедията може да има повече от пет. Музиката трябваше да се свири в сцени на празници, сватби и погребения. В комедията на Томас Дърфи имаше повече от двадесет музикални номера. През тази епоха възниква нов тип драматично представление, което в наше време се нарича „оперета“.

Влюбените страдаха под серенади, слугите композираха сатирични куплети за своите господари, епичните герои пееха балади, а уличните таралежи пееха пародии на богатите. Всичко това разшири границите на жанра, обогати представлението с нови детайли, придавайки допълнителен колорит на актьорските изпълнения. Музиката, функционално преплетена с диалозите на героите, изигра ролята на психологическа кулминация на представлението. Подобно изпълнение не можеше да не докосне най-дълбоките чувства на човек, като същевременно събуди мислите му.

Танцовите миниатюри бяха също толкова неразделна част от драматичното представление, колкото и музиката. И няма значение дали е трагедия или комедия, обикновен фарс или пародийна пиеса. Тези танцови миниатюри по-късно се развиват в балет, който се превръща в независима форма на драматично изкуство.

Драматурзите и собствениците на театри придават голямо значение на танцовия репертоар не само на представленията, но и на антрактите. По време на антрактите, привличайки публиката с огнени мелодии, администрацията поддържаше спокойна атмосфера в театъра, като по този начин отвличаше вниманието на най-запалените зрители от неизбежните сбивания.

В лондонските афиши, наред с името на пиесата, са посочени и имената на танците, които ще бъдат предложени на публиката. Националните танци бяха популярни, сред които шотландски, испански, ирландски джиг и комични танци получиха специално внимание. Хореографията беше неразделна част от умението на драматичния актьор. И зрителят все повече предпочиташе да гледа забавно музикално шоу с песни и танци, без да обръща внимание на сюжета на пиесата. Основната цел на театъра - да възпитава чувства и да развива мисленето - отстъпи място на забавлението и развлечението.

През Средновековието, няколко дни преди началото на представлението, хоругви или глашатаи тичали из града с идентификационни знамена, викайки името на пиесата-чудо, която трябвало да се играе от пътуваща театрална трупа. Дълго време се запазва устната форма на поканите, чиито текстове се римуват и произнасят в съпровод на музикални инструменти. В Лондон силните шумови ефекти, придружаващи театралните съобщения, бяха забранени, но в провинциалните градове глашатаите с тромпет и барабан винаги привличаха много повече зрители в своите театри, отколкото църковната камбана в църквата. Повече от хиляда зрители можеха да се съберат за представление на пътуващи актьори за няколко минути.

Древните традиции за оповестяване на предстоящо театрално представление продължават до края на 18 век. Барабанистът и викащият бяха неразделна част от вкуса на провинциална Англия от онази епоха. Докато барабанистът привличаше вниманието на жителите на града със сложното си свирене на барабани, глашатаят извикваше цялата информация за предстоящото представление и раздаваше програми, които посочваха името на пиесата и началния час на представлението.

В Лондон над сградата на театъра беше издигнато знаме в деня, когато трябваше да има представление. Часът на началото му се съобщаваше от тръба, а тръбач от прозореца на тавана на театъра свиреше три тръби през определени интервали.

Първият театрален плакат се появява във Франция през втората половина на 16 век. В Англия плакатите се появяват много по-късно, едва през 1564 г. Ръкописните плакати обикновено бяха окачени на стълбове близо до театъра, на портите на колежи и учебни заведения, в гъсто населени райони. На афиша с големи букви изпъкнаха името на театъра и представлението. В горната му част имаше държавният герб с надпис на латински „Да живее царят!“ През 18 век афишът започва да указва състава на актьорите, участващи в пиесата, и началния час на представлението. Името на драматурга се появява за първи път в афиш през 1699 г. Това беше името на автора на комедията "Двойна игра" Уилям Конгрив. През 1700 г. Великият съд на Лондон забранява на театрите да разлепват свои афиши в града и околностите му.

Вестниците започнаха да публикуват съобщения за предстоящи спектакли, техните автори и актьорски състав. Там, наред с рекламната информация, можеше да се намери и адресът на книжарницата, в която се продаваше текстът на пиесата. Daily Courant редовно пуска такива реклами през 1702 г., последван от Daily Post и Daily Journal през 20-те години. По това време театралните съобщения съдържаха, в допълнение към информацията за самото представление, такива подробности като по чие желание (някой от кралските особи или благородна дама) е дадено представлението, цени за места в сергии, ложи и галерии, и т.н. В някои случаи собствениците на театри поискаха от издателите да включат няколко реда, характеризиращи изпълненията на актьорите или свързани със съдържанието на пиесата.

През 1702 г. забраната за поставяне на афиши в Лондон е премахната. По улиците на града отново започнаха да се появяват черно-червени плакати. Червените бяха по-скъпи и се отпечатваха по правило в деня на премиерата или бенефиса.

По улиците можеше да се купи малък плакат от продавач на портокали и срещу малък подкуп тя съобщаваше последните новини от театъра или носеше писмо на някоя от актрисите. Собствениците на театри специално наемаха тези търговци да продават плодове и сладкиши по време на антрактите и им начисляваха определена такса за това. Такива търговци бяха най-ценните източници на информация за задкулисния живот на театъра и най-сръчните и изобретателни от тях успяха да направят значително състояние за себе си чрез търговия и сделки с вестникарите.

Театралните програми в лондонските театри се появяват през 60-те години на 18 век след редовни турнета на френски актьори. Тяхната колоритно оформена програма на 18 страници представя подробно описание на машината, с която героят на пиесата Орфей слиза в ада. Текстът на корицата показваше откъде е взет сюжетът, както и кой и къде точно ще представи това представление. В програмите на английски, за да се спести време, можеха да се дават текстове на дълги писма, които публиката можеше да прочете предварително, и по този начин действието на пиесата не притесняваше публиката с принудително скучни сцени. Понякога прологът и епилогът на пиесата се отпечатват на отделни листове и се продават преди началото на представлението. В края на всяко представление се обявяваше следващото представление. Реакцията на публиката (одобрение или възмущение) на предложението на театралната управа предопредели съдбата на предстоящия спектакъл.

Театралните вестникарски хроники описваха всичко, което се случи на сцените на театрите и зад кулисите, до най-малкия детайл. Фокусът беше и върху събитията, които се разиграха в залата, включително сбивания между пияни гуляйджии. Той също така съдържаше указите на лорд-шамбелана и коментарите на кралската цензура, а също така отразяваше посещенията в театрите на високопоставени чуждестранни сановници, които бяха чести гости на лондонските театри.

Театралната зала, пълна с хора, представляваше огледален образ на английското общество. Беше място за бизнес срещи и любовни срещи. Младите хора можеха да се похвалят със своите заслуги и таланти, а родителите можеха да покажат дъщерите си като момичета за женене. Гостуващите селски богаташи, нагледали се достатъчно на столичните модници, донесоха нови впечатления и модни тоалети в домовете си.

В театъра се събраха хора от различни съсловия, страстно и искрено запалени по драматургията, понякога в най-неочаквани и колоритни комбинации. Най-добрите места в сергиите винаги са били заети от знатни хора и критици. Публиката в сергиите беше смесена и затова сергиите често се превръщаха в място на шумни спорове и битки, които често преминаваха в дуели.

Средната галерия беше запазена за жени с леко поведение, които се появиха в театъра, покрили лицата си с маски. В горната галерия имаше слуги, които придружаваха господата и свободните зрители.

Беше трудно да се предвиди реакцията на толкова разнообразна публика към представлението, а още по-трудна беше задачата на актьорите да подчинят вниманието на публиката. Но това вероятно е магическото въздействие на театралното изкуство, когато майсторството и емоциите на актьорите пленяват и пренасят със себе си в пространството на спектакъла този партер, понякога необуздан в своите страсти и галерия, далеч от изтънчените чувства.