Художници, работещи в жанра на голото тяло. Шокиращи шедьоври на класическата живопис

Ако си мислите, че всички велики артисти са в миналото, тогава нямате представа колко грешите. В тази статия ще научите за най-известните и талантливи художници на нашето време. И, повярвайте ми, техните произведения ще останат в паметта ви не по-малко дълбоко от произведенията на майстори от минали епохи.

Войчех Бабски

Войчех Бабски е съвременен полски художник. Завършва обучението си в Силезийския политехнически институт, но се свързва с. Напоследък рисува предимно жени. Фокусира се върху изразяването на емоции, стреми се да постигне възможно най-голям ефект с прости средства.

Обича цветовете, но често използва нюанси на черно и сиво, за да постигне най-добро впечатление. Не се страхува да експериментира с различни нови техники. Напоследък набира все по-голяма популярност в чужбина, предимно във Великобритания, където успешно продава свои творби, които вече се намират в много частни колекции. Освен от изкуство се интересува от космология и философия. Слуша джаз. В момента живее и работи в Катовице.

Уорън Чанг

Уорън Чанг е съвременен американски художник. Роден през 1957 г. и израснал в Монтерей, Калифорния, той завършва с отличие Art Center College of Design в Пасадена през 1981 г., където получава бакалавърска степен. През следващите две десетилетия той работи като илюстратор за различни компании в Калифорния и Ню Йорк, преди да започне кариера като професионален художник през 2009 г.

Неговите реалистични картини могат да бъдат разделени на две основни категории: биографични интериорни картини и картини, изобразяващи хора по време на работа. Интересът му към този стил на рисуване датира от работата на художника от 16-ти век Йоханес Вермеер и се простира до теми, автопортрети, портрети на членове на семейството, приятели, студенти, интериори на ателиета, класни стаи и домове. Целта му е да създаде настроение и емоция в своите реалистични картини чрез манипулиране на светлината и използване на приглушени цветове.

Чанг стана известен, след като премина към традиционното изобразително изкуство. През последните 12 години той спечели множество награди и отличия, най-престижната от които е Master Signature от Американските художници с маслени бои, най-голямата общност за рисуване с маслени бои в Съединените щати. Само един човек от 50 има възможност да получи тази награда. В момента Уорън живее в Монтерей и работи в студиото си, а също така преподава (известен като талантлив учител) в Академията по изкуства в Сан Франциско.

Аурелио Бруни

Аурелио Бруни е италиански художник. Роден в Блеър на 15 октомври 1955 г. Получава диплома по сценография от Института по изкуство в Сполето. Като художник той е самоук, тъй като самостоятелно е „построил къща на знанието“ върху основата, поставена в училище. Започва да рисува с маслени бои на 19 години. В момента живее и работи в Умбрия.

Ранните картини на Бруни се коренят в сюрреализма, но с течение на времето той започва да се фокусира върху близостта на лиричния романтизъм и символизма, засилвайки тази комбинация с изящната изтънченост и чистота на своите герои. Анимираните и неодушевените обекти придобиват еднакво достойнство и изглеждат почти хиперреалистични, но в същото време не се крият зад завеса, а ви позволяват да видите същността на душата си. Многостранност и изтънченост, чувственост и самота, замисленост и плодотворност са духът на Аурелио Бруни, подхранван от великолепието на изкуството и хармонията на музиката.

Александър Балос

Алкасандър Балос е съвременен полски художник, специализиран в маслената живопис. Роден през 1970 г. в Гливице, Полша, но от 1989 г. живее и работи в САЩ, в Шаста, Калифорния.

Като дете учи изкуство под ръководството на баща си Ян, самоук художник и скулптор, така че от ранна възраст артистичната дейност получава пълната подкрепа и на двамата родители. През 1989 г., на осемнадесет години, Балос напуска Полша и отива в Съединените щати, където неговата учителка и художник на непълно работно време Кати Гаглиарди насърчава Алкасандър да се запише в училище по изкуства. След това Балос получава пълна стипендия за университета в Милуоки, Уисконсин, където учи живопис при професора по философия Хари Росин.

След като завършва през 1995 г. с бакалавърска степен, Балос се премества в Чикаго, за да учи в Училището за изящни изкуства, чиито методи се основават на работата на Жак-Луи Давид. Фигуративният реализъм и портретът формират по-голямата част от творчеството на Балос през 90-те и началото на 2000-те. Днес Балос използва човешката фигура, за да подчертае характеристиките и недостатъците на човешкото съществуване, без да предлага никакви решения.

Сюжетните композиции на неговите картини са предназначени да бъдат самостоятелно интерпретирани от зрителя, само тогава картините ще придобият своето истинско времево и субективно значение. През 2005 г. художникът се премества в Северна Калифорния, оттогава предметът на неговата работа се разширява значително и сега включва по-свободни методи на рисуване, включително абстракция и различни мултимедийни стилове, които помагат да се изразят идеи и идеали за съществуване чрез рисуване.

Алиса Монкс

Алиса Монкс е съвременна американска художничка. Роден през 1977 г. в Риджууд, Ню Джърси. Започнах да се интересувам от рисуване още като дете. Учила е в The New School в Ню Йорк и Montclair State University и завършва Бостънския колеж през 1999 г. с бакалавърска степен. В същото време тя учи живопис в Академията Лоренцо де Медичи във Флоренция.

След това продължава обучението си в магистърската програма в Нюйоркската академия по изкуствата, в катедрата по фигуративно изкуство, която завършва през 2001 г. Завършила е колежа Фулъртън през 2006 г. Известно време тя изнася лекции в университети и образователни институции в цялата страна, като преподава живопис в Нюйоркската академия по изкуствата, както и в Държавния университет в Монтклер и колежа по изкуствата в Лаймската академия.

„Използвайки филтри като стъкло, винил, вода и пара, изкривявам човешкото тяло. Тези филтри ви позволяват да създавате големи области с абстрактен дизайн, през които надничат цветни острови - части от човешкото тяло.

Картините ми променят съвременния поглед към вече утвърдените, традиционни пози и жестове на къпещите се жени. Те биха могли да разкажат много на внимателния зрител за такива на пръв поглед очевидни неща като ползите от плуването, танците и т.н. Моите герои се притискат към стъклото на душ прозореца, изкривяват собствените си тела, осъзнавайки, че по този начин влияят на прословутия мъжки поглед върху гола жена. Дебели слоеве боя са смесени, за да имитират отдалече стъкло, пара, вода и плът. Отблизо обаче стават очевидни невероятните физически свойства на блажната боя. Експериментирайки със слоеве боя и цвят, намирам момент, в който абстрактните мазки се превръщат в нещо друго.

Когато за първи път започнах да рисувам човешкото тяло, веднага бях очарован и дори обсебен от него и вярвах, че трябва да направя картините си възможно най-реалистични. „Изповядвах“ реализма, докато не започна да се разплита и да разкрива противоречия в себе си. Сега проучвам възможностите и потенциала на стил на рисуване, в който изобразителната живопис и абстракцията се срещат – ако и двата стила могат да съществуват едновременно в един и същи момент във времето, ще го направя.“

Антонио Финели

италиански художник – “ Наблюдател на времето” – Антонио Финели е роден на 23 февруари 1985 г. В момента живее и работи в Италия между Рим и Кампобасо. Негови творби са излагани в няколко галерии в Италия и чужбина: Рим, Флоренция, Новара, Генуа, Палермо, Истанбул, Анкара, Ню Йорк, а също могат да бъдат намерени в частни и обществени колекции.

Рисунки с молив " Наблюдател на времето„Антонио Финели ни отвежда на едно вечно пътешествие през вътрешния свят на човешката временност и свързания с него щателен анализ на този свят, чийто основен елемент е преминаването през времето и следите, които то оставя върху кожата.

Финели рисува портрети на хора от всякаква възраст, пол и националност, чиито изражения на лица показват преминаване през времето, а художникът също се надява да намери доказателства за безмилостността на времето върху телата на своите герои. Антонио определя творбите си с едно общо заглавие: „Автопортрет“, тъй като в своите рисунки с молив той не само изобразява човек, но позволява на зрителя да съзерцава реалните резултати от изтичането на времето вътре в човека.

Фламиния Карлони

Фламиния Карлони е 37-годишна италианска художничка, дъщеря на дипломат. Тя има три деца. Живяла е в Рим дванадесет години и три години в Англия и Франция. Завършила е история на изкуството от BD School of Art. Тогава тя получава диплома за реставратор. Преди да открие призванието си и да се отдаде изцяло на рисуването, тя работи като журналист, колорист, дизайнер и актриса.

Страстта на Фламиния към рисуването възниква в детството. Нейната основна среда е маслото, защото тя обича да „coiffer la pate“ и също да си играе с материала. Тя разпозна подобна техника в творбите на художника Паскал Торуа. Flaminia е вдъхновена от велики майстори на живописта като Balthus, Hopper и François Legrand, както и от различни артистични движения: улично изкуство, китайски реализъм, сюрреализъм и ренесансов реализъм. Любимият й художник е Караваджо. Нейната мечта е да открие терапевтичната сила на изкуството.

Денис Чернов

Денис Чернов е талантлив украински художник, роден през 1978 г. в Самбир, Лвовска област, Украйна. След като завършва Харковското художествено училище през 1998 г., той остава в Харков, където живее и работи в момента. Учи и в Харковската държавна академия за дизайн и изкуства, катедра Графични изкуства, която завършва през 2004 г.

Той редовно участва в художествени изложби, досега има повече от шестдесет от тях, както в Украйна, така и в чужбина. Повечето от творбите на Денис Чернов се съхраняват в частни колекции в Украйна, Русия, Италия, Англия, Испания, Гърция, Франция, САЩ, Канада и Япония. Част от произведенията бяха продадени в Christie's.

Денис работи в широк спектър от графични и живописни техники. Рисунките с молив са един от най-любимите му методи за рисуване, много разнообразни са и пейзажи, портрети, голи тела, илюстрации на книги, литературни и исторически възстановки и фантазии.

.
Този художник, завършил Тверското училище по изкуства през 1994 г. със специалност графичен дизайн, удивлява въображението с изключителния си стил и красиви композиции.

Създател е на наистина уникални илюстрации с ретро привкус. Валдемар Казак е художник с чувство за хумор, той има специално виждане за ежедневието, умее да се смее на ежедневието, често се подиграва със смисъла на детските приказки, на политиците и съвременните младежи.

Модерен илюстратор работи в ежедневния жанр с акцент върху карикатурата. Героите от произведенията на Казак са трудни за незабелязване и запомняне. Всички те са много цветни, изразителни и ярки.

Неговите спиращи дъха композиции са изпълнени със стила на следвоенната естетика, наложил се през 50-те години на ХХ век; ретро блясъкът се проявява буквално във всичко: от избора на тема на картината до избора на цветове.

Ето какво казва самият Валдемар Казак за своя стил:

Като всеки човек (или творец) имам собствен почерк. Но аз не го възпитавам, защото ме е страх да не изпадна в маниери. Освен това на пазара се търси ярко индивидуално писане. Да, всъщност всички вече знаят това.

Зашеметяващо ярки, вълнуващи, грабващи окото арт рисунки в ретро стила на Валдемар Казак няма да оставят никого безразличен!

В изкуството има вечни теми. Една от тях е темата за жената, темата за майчинството. Всяка епоха има свой собствен идеал за жена, цялата история на човечеството се отразява в това как хората са виждали жена, какви митове я заобикалят и са помогнали за нейното създаване. Едно е сигурно – във всички векове и времена Женският характер е привличал, привлича и ще продължава да привлича особено внимание на творците.

Образите на жените, създадени в портретното изкуство, носят поетическия идеал в хармоничното единство на неговите духовни качества и външен облик. От портретите можем да преценим как външният вид на жената и нейната психика са повлияни от социални събития, мода, литература, изкуство и самата живопис.

Представяме ви разнообразие от изображения на жени в картини от различни посоки

РЕАЛИЗЪМ

Същността на посоката е да улови реалността възможно най-точно и обективно. Раждането на реализма в живописта най-често се свързва с творчеството на френския художник Гюстав Курбе, който открива своята лична изложба „Павилион на реализма“ в Париж през 1855 г. Обратното на романтизма и академизма. През 1870-те години реализмът се разделя на две основни направления - натурализъм и импресионизъм. Натуралистите са художници, които се стремят да уловят реалността възможно най-точно и фотографски.

Иван Крамской "Неизвестен"

Серов "Момиче с праскови"

АКАДЕМИЗЪМ

Академизмът израства чрез следване на външните форми на класическото изкуство. Академизмът въплъщава традициите на античното изкуство, в което образът на природата е идеализиран. Руският академизъм от първата половина на 19 век се характеризира с възвишени теми, висок метафоричен стил, гъвкавост, многофигурност и пищност. Популярни са библейски сцени, салонни пейзажи и церемониални портрети. Въпреки ограничената тематика на картините, произведенията на академиците се отличаваха с високо техническо майсторство.

Бугро "Плеяди"

Бугро "Настроение"

Кабанел "Раждането на Венера"

ИМПРЕСИОНИЗЪМ

Представителите на стила се стремяха да уловят реалния свят в неговата мобилност и променливост по най-естествения и безпристрастен начин и да предадат своите мимолетни впечатления. Френският импресионизъм не повдига философски въпроси. Вместо това импресионизмът се фокусира върху повърхностността, плавността на момент, настроение, осветление или ъгъл на гледане. Техните картини представят само положителните аспекти на живота, не нарушават социалните проблеми и избягват проблеми като глад, болести и смърт. Библейски, литературни, митологични и исторически теми, присъщи на официалния академизъм, бяха отхвърлени. Бяха заснети теми на флирт, танци, посещение на кафене и театър, разходки с лодка, плажове и градини. Съдейки по картините на импресионистите, животът е поредица от малки празници, партита, приятни забавления извън града или в приятелска среда.

Болдини "Мулен Руж"

Реноар "Портрет на Жана Самари"

Мане "Закуска на тревата"

Майо "РозаБрава"

Лотрек "Жена с чадър"

СИМВОЛИКА

Символистите коренно промениха не само различни видове изкуство, но и самото отношение към него. Техният експериментален характер, желание за иновация и космополитизъм са се превърнали в модел за повечето съвременни арт движения. Те използваха символи, подценяване, алюзии, мистерия, енигма. Основното настроение често е песимизъм, достигащ до отчаяние. За разлика от други течения в изкуството, символизмът вярва в изразяването на „недостижими”, понякога мистични идеи, образи на Вечността и Красотата.

Редон "Офелия"

Франц фон Щук "Саломе"

Уотс "Надежда"

Росети "Персефона"

МОДЕРЕН

Модернизмът се стреми да съчетае художествените и утилитарните функции на създадените произведения, да въвлече всички сфери на човешката дейност в сферата на красотата. В резултат на това има интерес към приложните изкуства: интериорен дизайн, керамика, книжна графика. Арт нуво художниците черпят вдъхновение от изкуството на Древен Египет и древните цивилизации. Най-забележимата характеристика на Арт Нуво беше изоставянето на правите ъгли и линии в полза на по-плавни, извити линии. Арт нуво художниците често са вземали орнаменти от растителния свят като основа за своите рисунки.

Климт "Портрет на Адел Блох-Бауер I"

Климт "Даная"

Климт "Трите възрасти на жената"

Муха "Плод"

ЕКСПРЕСИОНИЗЪМ

Експресионизмът е едно от най-влиятелните художествени движения на 20 век. Експресионизмът възниква като реакция на острата криза от първата четвърт на 20 век, Първата световна война и последвалите революционни движения, грозотата на буржоазната цивилизация, която води до желание за ирационалност. Използват се мотиви за болка и писък, изразният принцип започва да надделява над изображението.

Модилиани. Използвайки телата и лицата на жените, той се опитва да проникне в душите на героите си. „Интересувам се от човешкото същество. Лицето е най-великото творение на природата. Използвам го неуморно“, повтори той.

Модилиани "Спящо голо"

Шиле "Жена в черни чорапи"

КУБИЗЪМ

Кубизмът е модернистично движение в изобразителното изкуство (главно живопис) от 1-вата четвърт на 20-ти век, което подчертава формалната задача за изграждане на триизмерна форма върху равнина, минимизирайки визуалните и когнитивните функции на изкуството. Възникването на кубизма традиционно се отнася към 1906-1907 г. и се свързва с творчеството на Пабло Пикасо и Жорж Брак. Като цяло кубизмът е скъсване с традицията на реалистичното изкуство, развило се през Ренесанса, включително създаването на визуална илюзия за света в равнина. Работата на кубистите беше предизвикателство към стандартната красота на салонното изкуство, неясните алегории на символизма и нестабилността на импресионистичната живопис. Влизайки в кръга на бунтарските, анархистични, индивидуалистични движения, кубизмът се откроява сред тях с влечението си към аскетизма на цвета, към простите, тежки, осезаеми форми и елементарни мотиви.

Пикасо "Плачещата жена"

Пикасо "Свири на мандолина"

Пикасо "Les Demoiselles d'Avignon"

СЮРЕАЛИЗЪМ

Основната концепция на сюрреализма, сюрреалност- комбинация от мечта и реалност. За да постигнат това, сюрреалистите предлагат абсурдна, противоречива комбинация от натуралистични образи чрез колаж и преместване на обект от нехудожествено пространство в артистично, поради което обектът се разкрива от неочаквана страна, свойства, които не са забелязани отвън в него се появява художественият контекст. Сюрреалистите бяха вдъхновени от радикалната лява идеология, но те предложиха да започнат революцията със собственото си съзнание. Те смятаха изкуството за основен инструмент за освобождение. Това направление се развива под голямото влияние на теорията на Фройд за психоанализата. Сюрреализмът се корени в символизма и първоначално е повлиян от художници символисти като Гюстав Моро и Одилон Редон. Много от популярните художници са били сюрреалисти, включително Рене Магрит, Макс Ернст, Салвадор Дали, Алберто Джакомети.

Появиха се жанрове на живописта, придобиха популярност, изчезнаха, появиха се нови и започнаха да се разграничават подвидове в рамките на съществуващите. Този процес няма да спре, докато човек съществува и се опитва да улови света около себе си, било то природа, сгради или други хора.

Преди това (до 19 век) е имало разделение на жанровете в живописта на така наречените "високи" жанрове (фр. grand genre) и "ниски" жанрове (фр. petit genre). Това разделение възниква през 17 век. и се основаваше на това какъв предмет и сюжет са изобразени. В това отношение високите жанрове включват: битка, алегоричен, религиозен и митологичен, а ниските жанрове включват портрет, пейзаж, натюрморт, анимализъм.

Разделението на жанрове е доста произволно, т.к елементи от два или повече жанра могат да присъстват в една картина едновременно.

Анимализъм или анималистичен жанр

Анимализъм или анималистичен жанр (от латинското животно - животно) е жанр, в който основният мотив е образът на животно. Можем да кажем, че това е един от най-древните жанрове, тъй като... рисунки и фигури на птици и животни са присъствали в живота на първобитните хора. Например в известната картина на I.I. „Сутрин в борова гора“ на Шишкин, природата е изобразена от самия художник, а мечките са изобразени от съвсем друг художник, който е специалист в изобразяването на животни.

И.И. Шишкин „Сутрин в борова гора“

Как може да се разграничи подвид? Жанр хипопотам(от гръцки hippos - кон) - жанр, в който центърът на картината е образът на кон.

НЕ. Сверчков „Кон в конюшнята“

Портрет

Портрет (от френската дума portrait) е картина, в която централното изображение е на човек или група хора. Портретът показва не само външна прилика, но и отразява вътрешния свят и предава чувствата на художника към човека, чийто портрет рисува.

Т.Е. Репин Портрет на Николай II

Портретният жанр се дели на индивидуален(изображение на един човек), група(изображение на няколко души), по естеството на изображението - до входната врата, когато човек е изобразен в цял ръст на изявен архитектурен или пейзажен фон и камера, когато човек е изобразен до гърдите или кръста на неутрален фон. Група портрети, обединени по някакъв признак, образуват ансамбъл или портретна галерия. Пример за това са портрети на членове на кралското семейство.

Откроява се отделно автопортрет, в който художникът изобразява себе си.

К. Брюллов Автопортрет

Портретът е един от най-старите жанрове – първите портрети (скулптурни) са съществували още в древен Египет. Такъв портрет действаше като част от култ към задгробния живот и беше „двойник“ на човек.

Пейзажи

Пейзажът (от френски paysage – страна, местност) е жанр, в който централен образ е образът на природата – реки, гори, поля, море, планини. В пейзажа основната точка е, разбира се, сюжетът, но не по-малко важно е да се предаде движението и живота на заобикалящата природа. От една страна природата е красива и буди възхищение, но от друга страна е доста трудно това да се отрази в картина.

К. Моне „Поле с макове в Аржантьой“

Подвид на пейзажа е морски пейзаж или яхтено пристанище(от френски marine, италиански marina, от латински marinus - море) - изображение на морска битка, море или други събития, развиващи се в морето. Виден представител на маринистите е К.А. Айвазовски. Трябва да се отбележи, че художникът е написал много от детайлите на тази картина по памет.

И.И. Айвазовски "Деветата вълна"

Въпреки това, художниците често се стремят да рисуват морето от живота, например У. Търнър за картината си „Blizzard. Параходът на входа на пристанището дава сигнал за помощ, след като влезе в плитка вода“, прекара 4 часа вързан за капитанския мостик на кораб, плаващ в буря.

У. Търнър „Blizzard. Параход на входа на пристанището дава сигнал за помощ, след като влезе в плитка вода."

Водната стихия е изобразена и в речен пейзаж.

Отделно разпределете градски пейзаж, в който основен обект на изображение са градски улици и сгради. Вид градски пейзаж е Ведута– изображение на градски пейзаж под формата на панорама, където мащабът и пропорциите са със сигурност запазени.

А. Каналето „Пиаца Сан Марко“

Има и други видове пейзаж - селски, промишлени и архитектурни. В архитектурната живопис основната тема е изображението на архитектурния пейзаж, т.е. сгради, конструкции; включва изображения на интериори (вътрешна декорация на помещения). Понякога Интериор(от френски intérieur - вътрешен) се обособява като отделен жанр. Друг жанр се отличава в архитектурната живопис — Капричио(от италиански capriccio, каприз, каприз) - архитектурен фантастичен пейзаж.

Натюрморт

Натюрмортът (от френски nature morte – мъртва природа) е жанр, посветен на изобразяването на неодушевени предмети, които са поставени в обща среда и образуват група. Натюрмортът се появява през 15-16 век, но като отделен жанр се обособява през 17 век.

Въпреки факта, че думата „натюрморт“ се превежда като мъртва природа, в картините има букети от цветя, плодове, риба, дивеч, ястия - всичко изглежда „като живо“, т.е. като истинско нещо. От момента на появата си до днес натюрмортът е важен жанр в живописта.

К. Моне “Ваза с цветя”

Като отделен подвид можем да обособим Ванитас(от латински Vanitas - суета, суета) е жанр на живописта, в който централното място в картината е заето от човешки череп, чието изображение има за цел да напомня за суетата и крехкостта на човешкия живот.

Картината на Ф. дьо Шампан представя три символа на крехкостта на съществуването - Живот, Смърт, Време чрез образите на лале, череп, пясъчен часовник.

Исторически жанр

Историческият жанр е жанр, в който картините изобразяват важни събития и обществено значими явления от миналото или настоящето. Трябва да се отбележи, че картината може да бъде посветена не само на реални събития, но и на събития от митологията или, например, описани в Библията. Този жанр е много важен за историята, както за историята на отделните народи и държави, така и за човечеството като цяло. В живописта историческият жанр е неотделим от другите видове жанрове – портрет, пейзаж, батален жанр.

Т.Е. Репин „Казаците пишат писмо до турския султан“

К. Брюлов “Последният ден на Помпей”

Боен жанр

Баталният жанр (от френски bataille - битка) е жанр, в който картините изобразяват кулминацията на битка, военни действия, момент на победа, сцени от военния живот. Баталната живопис се характеризира с изобразяването на голям брой хора в картината.

А.А. Дейнека "Отбраната на Севастопол"

Религиозен жанр

Религиозен жанр е жанр, в който основната сюжетна линия в картините е библейска (сцени от Библията и Евангелието). Темата е свързана с религиозната и иконописта, разликата между тях е, че картините с религиозно съдържание не участват в богослуженията, а за иконата това е основното предназначение. Иконописпреведено от гръцки. означава "молитвен образ". Този жанр беше ограничен от строгата рамка и законите на живописта, т.к има за цел не да отразява реалността, а да предаде идеята за Божия принцип, в който творците търсят идеал. В Русия иконописът достига своя връх през 12-16 век. Най-известните имена на иконописци са Теофан Гръцки (фрески), Андрей Рубльов, Дионисий.

А. Рубльов “Троица”

Как се откроява преходният етап от иконопис към портрет Парсуна(изкривено от лат. persona - човек, човек).

Парсун на Иван Грозни. Неизвестен автор

Всекидневен жанр

Картините изобразяват сцени от ежедневието. Често художникът пише за онези моменти от живота, на които е съвременник. Отличителните черти на този жанр са реализмът на картините и простотата на сюжета. Картината може да отразява обичаите, традициите и структурата на ежедневието на даден народ.

Битовата живопис включва такива известни картини като „Шлепани на Волга“ от И. Репин, „Тройка“ от В. Перов, „Неравен брак“ от В. Пукирев.

И. Репин „Шлепове на Волга“

Епично-митологичен жанр

Епично-митологичен жанр. Думата мит идва от гръцки. "mythos", което означава традиция. Картините изобразяват събития от легенди, епоси, традиции, древногръцки митове, древни приказки, сюжети от фолклорни произведения.

П. Веронезе "Аполон и Марсий"

Алегоричен жанр

Алегоричен жанр (от гръцки allegoria - иносказание). Картините са рисувани по такъв начин, че да имат скрит смисъл. Несъществени идеи и понятия, невидими за окото (сила, добро, зло, любов), се предават чрез образите на животни, хора и други живи същества с такива присъщи характеристики, които имат символика, която вече е фиксирана в съзнанието на хората и помагат за разбират общия смисъл на произведението.

Л. Джордано “Любовта и пороците обезоръжават справедливостта”

Пасторал (от френски pastorale - пастирски, селски)

Жанр в живописта, който прославя и поетизира простия и спокоен селски живот.

Ф. Баучер “Есенен пасторал”

Карикатура (от италиански caricare - преувеличавам)

Жанр, в който при създаването на изображение умишлено се използва комичен ефект чрез преувеличаване и изостряне на черти, поведение, облекло и т.н. Целта на карикатурата е да обиди, за разлика например от карикатурата (от френския такса) , чиято цел е просто да се подиграват. Тясно свързани с термина „карикатура“ са понятия като популярен печат и гротеска.

Гол (от френски nu - гол, съблечен)

Жанрът, в който картините изобразяват голото човешко тяло, най-често е женски.

Тициан Вечелио "Венера от Урбино"

Измама, или trompe l'oeil (от френски. trompe-l'œil -оптична илюзия)

Жанр, чиито характерни черти са специални техники, които създават оптична илюзия и позволяват да се изтрие границата между реалност и изображение, т.е. подвеждащото впечатление, че един обект е триизмерен, когато е двуизмерен. Понякога blende се отличава като подвид на натюрморта, но понякога в този жанр се изобразяват и хора.

Пер Борел дел Касо "Бягане от критиката"

За да завършите възприемането на примамките, препоръчително е да ги разгледате в оригинала, т.к репродукцията не е в състояние да предаде напълно ефекта, който художникът е изобразил.

Якопо де Барбери "Яребица и железните ръкавици"

Тематична картина

Смес от традиционни жанрове на живописта (битова, историческа, битка, пейзаж и др.). По друг начин този жанр се нарича фигуративна композиция, нейните характерни черти са: главната роля се играе от човек, задължително се показват наличието на действие и социално значима идея, взаимоотношения (конфликти на интереси / герои) и психологически акценти. .

В. Суриков “Боярина Морозова”

Китайският художник и фотограф Dong Hong-Oai е роден през 1929 г. и почина през 2004 г. на 75-годишна възраст. Той остави след себе си невероятни произведения, създадени в стил пикториализъм - невероятни фотографии, подобни на произведения на традиционната китайска живопис.

Dong Hong-Oai е роден през 1929 г. в Гуанджоу, провинция Гуангдонг, Китай. Той напуска страната на седем години след неочакваната смърт на родителите си.

Като най-малкото от 24 деца, Донг отива да живее в китайската общност в Сайгон, Виетнам. По-късно посещава няколко пъти Китай, но никога повече не живее в тази страна.

След като пристига в Сайгон, Донг става чирак във фотографско студио на китайски имигранти. Там той научава основите на фотографията. Увлича се и по фотографирането на природата, което често прави с един от фотоапаратите на студиото. През 1950 г., на 21-годишна възраст, той постъпва във Виетнамския национален университет по изкуствата.

През 1979 г. се отваря кървава граница между Социалистическа република Виетнам и Китайската народна република. Виетнамското правителство започна репресивна политика срещу етническите китайци, живеещи в страната. В резултат на това Донг стана един от милионите „хора с лодки“, които избягаха от Виетнам в края на 70-те и началото на 80-те години.

На 50-годишна възраст, без да говори английски и без семейство или приятели в Съединените щати, Донг пристига в Сан Франциско. Той дори успя да закупи малка стая за проявяване на снимки.

Продавайки снимките си на местни улични панаири, Донг успява да спечели достатъчно пари, за да се връща периодично в Китай, за да снима.

Нещо повече, той имаше възможност да учи известно време под ръководството на Лонг Чин-Сан в Тайван.

Лонг Чин-Сан, който почина през 1995 г. на 104-годишна възраст, разработи стил на фотография, базиран на традиционни китайски изображения на природата.

От векове китайските художници са създавали величествени едноцветни пейзажи, използвайки прости четки и мастило.

Тези картини не трябваше да изобразяват точно природата, те трябваше да предадат емоционалната атмосфера на природата. В последните години на Империята Сун и началото на Империята Юан художниците започнаха да комбинират три различни форми на изкуство върху едно платно... поезия, калиграфия и живопис.

Смята се, че този синтез на форми позволява на художника да се изрази напълно.

Лонг Чин-Сан, роден през 1891 г., изучава именно тази класическа традиция в живописта. В някакъв момент от дългата си кариера Лун започва да експериментира с пренасянето на импресионистичния стил на изкуство във фотографията.

Докато поддържаше многослоен подход към мащаба, той разработи метод за наслагване на негативи, който съответства на три нива на разстояние. Лунг научи този метод на Донг.

В опит да имитира още по-близо традиционния китайски стил, Донг добавя калиграфия към снимките.

Новите творби на Донг, базирани на древни китайски рисунки, започват да привличат критично внимание през 90-те години.

Вече не трябваше да продава снимките си на улични панаири; сега той е представляван от агент и работата му започва да се продава в галерии в Съединените щати, Европа и Азия.

Вече не трябваше да зависи от отделни клиенти; сега работата му беше търсена не само от частни колекционери на изкуство, но и от корпоративни купувачи и музеи. Той беше на около 60 години, когато постигна някакво ниво на финансов успех за първи път в живота си.

Пикториализмът е движение във фотографията, което се появява около 1885 г. след обширното представяне на фотографския процес върху мокри печатни форми. Движението достига своя връх в самото начало на 20 век, а периодът на упадък настъпва през 1914 г., след появата и разпространението на модернизма.

Термините "пикториализъм" и "пикториалист" навлизат широко в употреба след 1900 г.

Пикториализмът се занимава с идеята, че художествената фотография трябва да имитира живописта и гравюрата от онзи век.

Повечето от тези снимки бяха в черно-бели тонове или сепия. Сред използваните техники бяха: нестабилен фокус, специални филтри и покритие на лещите, както и екзотични процеси на печат.