Poslouchejte americké rádio. Dva nezávislé styly

Funk - jako nezávislý hudební styl, zrozená ze soulové hudby. Jedno ze základních hnutí afroamerické hudby. Funk, za prvé, je taneční hudba co to definuje hudební rysy: extrémní synkopace partů všech nástrojů (synkopovaná basa se nazývá „funky“), pulzující rytmus, ječící vokály, opakované opakování krátkých melodických frází.

Historie funku

Od roku 1967 se v rámci soulové hudby rozvíjí samostatný směr zvaný „funk“. Termín sám se objevil v hudebním použití zpět v 50. letech. Obzvláště ho milovali někteří jazzmani, kteří se snažili oprostit se od suchosti bebopu a cool jazzu; od nastupujícího trendu k intelektualizaci jazzová hudba. Jejich hlavní touhou byl návrat k folkovým kořenům, nikoli však ke starému venkovskému blues, ale k emotivní a zároveň nekomplikované moderní hudbě černošských ghett. velká města.

Snad první, kdo tento termín použil, byl bubeník, stálý vůdce souboru Jazz Messagers a také klavírista a skladatel Horace Silver, který založil hudební základy jazz funk (ještě v roce 1953 nazval jednu ze svých skladeb "Opsude Funk").

Zpočátku "funk"- v žargonu obyvatel černých ghett - je to vůně lidské tělo v okamžiku sexuálního vzrušení. Tím, že svou hudbu takto nazývali, její interpreti jakoby specificky zdůrazňovali svou příslušnost k nižším společenským vrstvám a nezávislost na estetice establishmentu, svou nechuť se přizpůsobovat a působit vznešeněji. Tento termín obsahuje jistou ironii, hořkost a náznak zvláštní sexuality tohoto typu hudby.

Od roku 1967 zaujímá pojem „funk“ v životech černošských soulových hudebníků stále důležitější místo a symbolizuje určitý nový přístup k rytmu, aranžmá a samotné energii vystoupení.

Objevila se móda pojmenovávat písně novým způsobem:

"Funky Broadway"
"Funky Street"
"Funky Wolk" atd.

Funk se konečně oddělil od soulu díky vlivu bílé kalifornské psychedelické rockové hudby a acid rocku zvláště. V roce 1966 vznikla v San Francisku černošská skupina „Slay & Family Stone“, kterou vedl Sylvester Stewart, který si zvolil pseudonym Slay Stone. Její styl zvaný „psychedelic funk“ měl výrazný vliv jak na fanoušky bílého progresivního rocku, tak na řadu černošských soulových skupin, jako jsou Temptations.

Jedním z ideologů a propagátorů funku byl zpěvák, skladatel a producent, který vytvořil několik skupin v tomto stylu: „Parlament“, „Funkadelic“, „Funkenshtain“ a další. Na funk se díval jako na životní filozofie, jako elixír života a odpověď na všechny problémy světa. Na obalech jeho desek z konce 70. let byl vždy náznak funku - písmeno "U" ("jednota" - jednota) zvednutá pěst s nataženou ukazováček a malíček), stejně jako funkový slogan

"Jeden národ sjednocený pod drážkou!"

"Jeden národ, spojený v jednom impulsu"

Jméno George Clintona bylo následně spojeno se stylem punk-funk.

King of Soul James Brown - Otec Funku

Stále však zůstává nejmocnější a nejvlivnější postava funkové hudby, která již koncem 60. let měla světovou proslulost jako soulový umělec. Podle požadavků doby udělal svou hudbu tvrdší a rytmicky ostřejší. Stalo se tak v těsné souvislosti s měnící se povahou boje o rovná právačernoši v USA, s nástupem hnutí „Black Power“ a aktivací agresivních organizací „Black Muslims“ a „Black Panthers“. Vrchol popularity Jamese Browna jako funkového umělce nastal v polovině 70. let, kdy vydával desky: jak "Sex Machine Today", "Body Hit". Způsob jeho zpěvu a charakter orchestrace ovlivnily celou generaci funkových hudebníků, což je patrné na skladbách takových skupin, jako je např. "Cool and de Gang", "Hráči z Ohia", "Blackbirds", "Air, Wind & Fire"...

Funkův vliv na bílý rock a pop music, stejně jako jazz rock a jeho pozdější formy - fúze, se rozšířil v druhé polovině 70. a v 80. letech.

Přesně jazzových hudebníků, černobílý, přispěl k rozvoji nových, speciálních instrumentálních technik a zlepšení umění funkové orchestrace. V tomto ohledu si nelze nevzpomenout

bubeníci: Billy Cobham a Steve Gadd
baskytaristé: Paul Jackson, Stanley Clarke a Jaco Pastorius
saxofonisté: Michael Breaker a David Sanborn
skladatelé a aranžéři: Herbie Hancock, George Duke a Quincy Jones

Ale také samozřejmě jeden z hlavních ideologů jazz-funk trumpetista a skladatel Miles Davis.

Masivní šílenství po funku vedlo ke vzniku bílé a smíšené soubory hrát tímto stylem, zejména: "Everege White Band" nebo "Věž moci". Protože funk byl součástí soulové hudby, bílý funk se také začal nazývat „blueside soul“.

Rytmický základ soulu, zejména raného období, je založen především na rhythm and blues a formách pop music, které vytvořil. Harmonická struktura většiny písní v tomto stylu nese otisk náboženské protestantské hudby Spojených států s jednoduchým vztahem mezi tonikem, dominantou a subdominantou.

Jedním z hlavních charakteristických rysů soulové hudby je styl zpěvu po technické i emocionální stránce. V tradičním venkovském blues, prostoupeném hořkostí a beznadějí, byly výrazové prostředky vokálu podřízeny hlavní myšlence - stěžovat si a vytvářet vhodnou náladu.

Vokál v rhythm and blues se energeticky zcela odlišil, odrážel veškerou tvrdost černošské existence v ghettech velkých měst a převzal funkci zmírnění fyzického napětí a nespokojenosti té nejskromnější části černošské populace Spojených států. Zpěv se stal typickým pro rhythm and blues "křičet" (výkřik).

Duše, který si hodně vzal evangelium, získal trochu jinou emocionální konotaci - extáze, charakteristická pro náboženské rituály, ale plná nového obsahu (počínaje sexem, konče výzvou k národní jednotě).

Změnil se i styl zpěvu. Použití falzetu, přecházejícího do kvičení, polorecitativní na výkřik, obecné zvýšení tessitura zpěvu je definováno zvláštním pojmem "výkřik" (výkřik).

Soulová hudba často používá princip předaný z gospelové tradice. "otázka-odpověď", realizované formou sing-alongs, kdy sólistovi neustále ozývá malá vokální skupina. Hyper-emocionální, až zdánlivě hysterický styl zpěvu soulových umělců pochází od průkopníka černého rock and rollu Malý Richard, což mělo jasný dopad na kreativitu James Brown, Otis Redding, Wilson Pickett, Aretha Franklinová a mnoho dalších.

Nicméně souloví zpěváci vnesli do moderních vokálů jemné nuance a nivelizaci zvuku, celou řadu speciální techniky zdobný zpěv, specifický "pull-up" a melismas.

Pozoruhodný příklad K tomu může sloužit umění vynikajícího zpěváka a skladatele.

Povídání o rozdílech mezi styly duše A funk, nutno podotknout, že leží spíše v oblasti instrumentace a výkonu než ve vokální kultuře.

Jestliže se v rhythm and blues, blues rocku a soulové hudbě obvykle zdůrazňují slabé údery taktu (2. a 4.), pak se funk vyznačuje plynulým drivem a dokonce posunem důrazu k silným úderům. Rytmický základ se tak stal monotónnějším, ale také sofistikovanějším – kvůli důrazu na drobné a ostré synkopy.

Důležité upozornění

a co funk, vzdalující se od tripletového základu rhythm and blues, se stalo hudbou nikoli v 8/8, ale v 16/16, tedy se synkopou ve vztahu k osminovým tónům. Je příznačné, že rozvoj funku nebyl spojen s komplikací harmonických vzorců, jak bylo pozorováno v některých oblastech jazzové a rockové hudby.

Funk instrumentalisté se naučili vytvářet složité textury, aniž by překročili jeden akord pro mnoho taktů. Tato textura připomíná tkanou látku vyrobenou z vícebarevné nitě.

Bicí, baskytara, klávesy a dechové nástroje zabírat hudební prostor tak, aby se co nejvíce nepřekrývaly. Tohoto efektu lze dosáhnout pouze použitím krátkých, ostré fráze a ostinátní vzory, předem promyšlené aranžérem. To bylo mezi funkovými hudebníky to zvláštní baskytarová technika - "políček" když (na rozdíl od obvyklého způsobu hraní konečky prstů nebo trsátkem) je zvuk produkován úderem dovnitř palec, staccato.

Dva nezávislé styly

Již od 70. let duše A funk vyvinuté v USA zcela nezávisle a odděleně, jsouc protikladem k bílé kytarové rockové hudbě. Kytara se proto v těchto žánrech uplatňuje častěji jako doprovodný, rytmický nástroj a dominantní role při vytváření rytmické a harmonické textury postupně přešla na různé druhy klávesových nástrojů.

Čas postupně stíral hranice mezi bílou rockovou hudbou a černošským funkem. Nové generace mládeže počátku 80. let, zejména v evropské země, kde nejsou žádné rasové problémy, začal zaměňovat bílý funk za moderní rock.

Pozoruhodným příkladem toho je Anglická skupina.

Funk - otec moderních stylů

Funk, se ve svých nejmarkantnějších projevech stala hudbou, která vyžaduje od interpretů i posluchačů obrovské nervové vypětí a velkou návratnost energie.

Když první vlna vášně pro tento styl poněkud opadla, ukázalo se, že jen málokdo se může považovat za opravdového funkmana. Časem se to shodovalo s podobným poklesem zájmu značné části mladých lidí o pravé formy rocková hudba: na art rock, hard rock, folk rock, blues rock, psychedelický a jeho další projevy. Masový spotřebitel chtěl něco jednoduššího a hlavně tiššího.

A pak se v polovině 70. let objevila hudba "disko", který nevygeneroval rock, ale konkrétně funk, a ne jako jeho pokračování, ale spíše jako jeho antipod, mající jen vnější podobnost s původním zdrojem.

Ve většině publikací věnovaných rockové hudbě - v rockových encyklopediích, almanaších, časopisech atd. – mezi rockové interprety a rockové skupiny patří i ti, kteří s pojmem „rock“ přímo nesouvisí. To platí pro zástupce žánrů soul, funk a reggae. Navíc jsou zahrnuty i některé hvězdy pop music, řekněme disco stylu, což vnáší zmatek do myslí čtenářů, kteří již mylně považují za rockovou hudbu vše, co je rytmické, kde zpívají na elektrické kytary a jiné elektrické hudební nástroje.

Připomínám, že v první kapitole knihy byly zkoumány černé kořeny rokenrolu, zejména blues a jeho městská varieta - rhythm and blues. Černošský základ se stal jádrem bluesrockového stylu, jehož hlavními nositeli byli bílí američtí interpreti, později mistři britského blues. Od konce 50. let se tedy souběžně s linií „blues – rhythm and blues – rock and roll – blues rock“ rozvíjí další odvětví americké černé hudby, nazývané „duše“. Má pověst populární hudby, která baví jak černé, tak bílé publikum, ale není to vždy pravda. Na konci 60. let se soul, i když zůstal tancem a aplikovanou hudbou, stal také silným exponentem vážné myšlenky, přispěl k růstu národního vědomí mezi černošským obyvatelstvem Spojených států. Právě ústy talentovaných soulových zpěváků byli černoši poprvé schopni tak široce deklarovat svá práva a své duchovní touhy. Ne nadarmo se jeden z předních amerických badatelů, Arnold Shaw, domnívá, že soul je produktem fúze rhythm and blues a gospelové hudby (Gospel).

Je těžké si představit, jak by tak mohla vzniknout syntéza různé kultury: nízká, drsná, každodenní hudba tanečních sálů, klubů a jídelen - s duchovními písněmi, které dříve zaznívaly pouze při náboženských obřadech. Přesto se tak stalo, protože existovala řada objektivních společenských předpokladů, byla připravena půda. Za prvé, rhythm and blues, částečně reinkarnované jako rokenrol, se v těch letech stalo běžným jevem v americké společnosti a postoj horlivců církevní víry vůči němu zmírnil. Za druhé, modlitby zpívané v gospelovém stylu mezi černošskou komunitou byly již docela transformovány ve směru rytmu. Faktem je, že ve Spojených státech ve 20. letech, v období „Velké deprese“, byla gospelová hudba oživena a vzkvétala na novém základě. V afroamerických protestantských církvích, zejména baptistických, začal být zpěv gospelových textů a modliteb doprovázen rytmickým doprovodem na klavír či varhany, na tamburíny, ale i tleskáním a dupáním. Jako refrén se v určitém rytmu opakovaly věty: „Ano, Pane!“, „Ó, Ježíši!“, „Aleluja!“, „Chvalte jeho jméno!“, „Kaž to, bratře!“... Evangelium hudba se stala hudebním představením, kde vystupují horliví umělci všichni přítomní, díky čemuž je dosaženo stavu univerzální duchovní extáze.

Samotné slovo „duše“ („duše“) bylo poprvé použito v hudební sféře jazzmany (zejména saxofonistou Julianem „Cannonball“ Adderleym a kontrabasistou Charlesem Mingusem) a odkazovalo tak na nový typ jazzu, otevřenější a emotivnější. než cool nebo bebop, ale také více harmonicky zjednodušené. V Evropě a zejména v SSSR bylo kdysi běžným omylem věřit, že soul je „hudba oduševnělá“, to znamená, že se hraje s citem, „s duší“. Pro samotné černé občany Spojených států má pojem „duše“ mnohem více hluboký význam A smutný příběh spojené s otroctvím, s lynčováním. Dokonce i na úsvitu otroctví ve Spojených státech se bílí rasisté, mezi nimiž bylo mnoho věřících a dokonce zbožných lidí, snažili nějak ospravedlnit zabíjení černých otroků. Za tímto účelem byla vynalezena údajně vědecká teorie, že černoši nejsou lidé, ale zvířata s lidským tělem a nemají duši. Zabití černocha tedy neporušuje přikázání „Nezabiješ“ a není hříchem. Takže otázka duše se pro černochy stala otázkou života a smrti a vzniklo hnutí hájící jejich sounáležitost s lidstvem, s animovanými bytostmi. Jednou z forem tohoto hnutí byla duševní bratrstva – společenství černých „bratrů a sester duše“. Mezi americkými černochy se stalo tradicí říkat si „bratr duše“ nebo „sestra duše“. A později začali Američané hovorově nazývat každého černocha „duší“. Ne náhodou se tedy soulová hudba zrodila z fúze rhythm and blues, jako mocný fenomén, který se může stát nositelem jakékoli myšlenky, a gospelu jako myšlenky samotné, která má hluboké duchovní kořeny v soulovém bratrství. hnutí.

Jedním z prvních, kdo se odvážil spojit gospel s rhythm and blues, byl Ray Charles. Jeho metoda byla jednoduchá – na melodii oblíbené duchovní písně začal zpívat slova zcela každodenního obsahu. Tak, evangelijní píseň „Můj Ježíš je vše“ svět to Me“ („Můj Ježíš je pro mě celý svět“) v roce 1955 v podání Raye Charlese přeměněno v píseň „I’ve Got a Woman“. Když byly duchovní a náboženské texty nahrazeny milostnými a erotickými, zůstala dokonce zachována slova a fráze typické pro modlitby, jako například v písni „Hallelujah, I Love Her So“... Černá veřejnost na takové novinky zpočátku reagovala negativně. Slavný bluesman Big Bill Broonzy odsoudil Raye Charlese za rouhavé spojení blues s duchovní hudbou. A společnost Atlantic se neodvážila zveřejnit Charlesovy nahrávky, protože se obávala negativní reakce náboženských černochů a jejich církve. Ale vytrvalost Raye Charlese a hlavně honba za novými formami zisku v hudebním byznysu zvítězila. Album „What Woud I Say“ dosáhlo v roce 1959 milionu kopií.

Kromě Raye Charlese stojí u zrodu soulové hudby Sam Cooke a James Brown. Cook, který zpíval v jednom z chicagských kostelů v rodinné kvarteto jeho otec se po ukončení školy začal zajímat o rhythm and blues a do svých písní zavedl gospelové melodie. Poté, co se Sam Cooke v roce 1957 přesunul do popového byznysu, nahrával nějakou dobu pod jiným jménem, aby nepřišel o práci gospelového umělce u Specialty Records. Zemřel brzy v roce 1964 byl zastřelen v motelu pro mnoho svých fanoušků a následovníků zůstal legendou. Ale pokud byl Cook obrazem vyrovnaného, uhlazeného černého popového umělce, James Brown byl přesný opak. Výbušný, agresivní styl zpěvu a pohybu na pódiu, kolosální energie, široká škála témat – od explicitního sexu po sociální problémy– přinesl Brownovi popularitu, která přesahovala černé publikum. Od roku 1956 do roku 1971 vyšlo přes padesát jeho disků, z nichž devatenáct se dostalo na první a druhé místo v černé hitparádě. V roce 1962 se James Brown prohlásil „americkým duševním bratrem č. 1“. (foto: Glava 7, James Brown) Měl obrovský vliv na černošskou mládež a nejednou pomohl svým vystoupením v televizi uklidnit nepokoje v ulicích Bostonu a Washingtonu a vyzval černošské demonstranty ke klidu.

Po překonání odmítnutí ze strany dobře vychované části černošské komunity se soulová hudba okamžitě rozšířila prostřednictvím popového obchodního stroje a stala se nedílnou součástí americké černé kultury. Na jedné straně se soul stal černou pop music, na straně druhé mocným dirigentem myšlenek rostoucího sebeuvědomění černošské mládeže. Vznik soulové hudby a slogan černošského hnutí 60. let za rovná práva „Black is beautiful“ („Černá je krásná“) jsou články ve stejném řetězci. Pro Afroameričany došlo k velmi důležité změně: jejich populární zpěváci a důležitější roli převzali hudebníci, kteří byli dříve především baviči pro bílé i černé publikum sociální smysl role. Zpěváci duší se stali kazateli jednoty lidí své rasy a jejích symbolů. V roce 1968 byla píseň Jamese Browna „Say it Loud: I am Black and I am Proud“ příkladem vyhlášení vnitřní černošské nezávislosti.

Historie soulové hudby ve Spojených státech je spojena s aktivitami dvou nahrávacích společností - Motown v Detroitu a Stax v Memphisu. Každý z nich dokázal vytvořit svůj vlastní zvuk, vlastní směr. Produkty Motown se vyznačují harmonickou propracovaností, tanečností a zaměřením na velkoměstské publikum. Navzdory tomu, že Motown vytvořil černoch Berry Gordy, jeho hudba, i když zůstala v rámci soulu, byla od počátku silně zaměřena na standardy bílé pop music, na bílé publikum je často charakterizován styl Motown jako „pop-soul“ nebo „po-gospel“. Naproti tomu Stax, otevřený v roce 1959 v Memphisu bratry a sestrou bělošských obchodníků Jimem Stewartem a Eastellem Axtonem (slovo „Stax“ se skládá z počátečních písmen jejich příjmení), vždy spoléhal na přímou, jižanskou černošskou verzi. soulu a přitahoval převážně černošské publikum. A hudba vydaná pod jejím labelem byla více osobní povahy a méně závislá na komerčních standardech.

Uvedu jen některé umělce zastupující tyto společnosti. Jedním z prvních, kdo udělal Motown populární, byl zpěvák a skladatel Smokey Robinson, člen skupiny Miracles. Velký podíl na vytvoření specifického zvuku Motown měly také skupiny „Supremes“ (s hlavní zpěvačkou Dianou Ross), „Temporations“, „Commodors“, „Four Poros“. Mezi „hvězdy“, které pravidelně nahrávaly pro Motown, patřili Gladys Knight, Marvin Gaye, Stevie Wonder a Lionel Richie. Druhá generace „Motown family“ zahrnuje Jackson Five, skupinu pěti bratrů Jacksonových, z nichž nejmladšímu Michaelovi, který se později stal jednou z nejslavnějších černošských popových hvězd, bylo v roce 1968 pouhých deset let.

Staxův speciální přístup k aranžmá a nahrávací technice dal vzniknout tzv. „memрhis soundu“, který se vyznačuje aktivní přítomností dechové sekce v orchestraci, kombinací typických country-westernových basových linek s gospelovým klavírním doprovodem. . Nejzářivějšími „domorodci“ ze „Stax“ jsou zpěváci Otis Redding, Isaac Hayes, Wilson Pickett, Ruphas Thomas, Albert King (bratr B.B. Kinga) a duo „Sam a Dave“. Dodám, že kromě Motown a Stax nahrávali souloví umělci v jiných společnostech, především Columbia a Atlantic.

Aniž bychom mohli v jedné kapitole podrobně mluvit o všech představitelích soulové hudby, vyzdvihneme jednu z nejzářivějších zpěvaček - Arethu Franklin. Dcera duchovního od dětství zpívala v baptistickém chrámovém sboru. Poté, co ji opustila vlastní matka, byla Aretha adoptována Clarou Ward, slavnou gospelovou zpěvačkou. Od roku 1967 se singlem „I Never Loved a Man“ začaly nahrávky Arethy Franklin vstupovat do hitparád, její popularita a autorita neustále rostly a nakonec se zpěvačce začalo říkat Lady Soul.

V prosinci 1967 došlo k události, kterou slavný historik rockové kultury Stefan Barnard nazval osudovým okamžikem ve vývoji soulové hudby – letecké neštěstí, které přerušilo život a rychle rostoucí popularitu zpěváka Otise Readinga. Čtení, vstřebání nejlepší tradiceČerné rytmy a blues a půjčování si od bílých country hvězd, jako je Hank Williams, si získal obrovský respekt u bílého publika. Svědčí o tom i to, že byl pozván na první mezinárodní rock-popový festival v roce 1967 do Monterrey spolu s další černošskou hvězdou Jimi Hendrixem. Společnost Stax, se kterou Otis Reding spolupracoval od roku 1962, začala mít po jeho smrti finanční potíže a postupně zanikla a sloučila se s jinými nahrávacími společnostmi.

Soulový styl, stejně jako jiné formy černé hudby, zvládli a proměnili bílí interpreti. A ačkoli přívrženci černé hudby věřili, že mezi bílými nemohou být žádní skuteční bluesmani a soulmani, že „pocit blues“ mají v krvi pouze Afroameričané, přesto vznikla celá hnutí – jako například britské blues, bílý blues-rock, blueyed soul soul). Všichni bílí soulmani začali spadat pod druhý termín (v překladu „modrooká duše“). Poprvé byl termín „blueside soul“ aplikován na vokální duet „Righteous Brothers“ bílých Američanů Billa Madleyho a Bobbyho Hetfielda. V roce 1964 se jeho nahrávky objevily v černých hitparádách a byly vysílány „černými“ rozhlasovými stanicemi. Navíc jejich diskžokejové a posluchači si Madeley a Hetfielda nejprve spletli s jejich vlastními černochy. Další bílá vokálně-instrumentální skupina 60. let, pracující v tradici soulu, se jmenovala „Young Rascals“. A duet Delaney a Bonnie se stal jednou z prvních bílých kapel, které nahrály se Staxem. Toto duo, začínající v blue soulové hudbě, se pak dostalo do kontaktu s bílými rockovými hudebníky. V roce 1968 zorganizovali skupinu „Friends“ pro velké turné po USA a Anglii, které zahrnovalo různé časy zahrnovaly takové vynikající hudebníci, jako Eric Clapton, Dave Mason, Leon Russell a George Harrison. Ve skutečnosti Delaney a Bonnie založili nový směr – gospel rock. Také vokálně-instrumentální duo „Hall and Oates“, které se objevilo na konci 60. let a je někdy známé jako „Blueyed Soul Brothers“, získalo velkou slávu koncem 70. a začátkem 80. let, kdy spolupracovalo především s černošskými hvězdami.

Nejzářivějším fenoménem americké bílé soulové hudby byla zpěvačka Janis Joplin. Vzhledem k tomu, že Janice od dětství uctívala černou klasickou bluesovou hvězdu Bessie Smith, zdálo se, že pronikla do samotné podstaty černošského vokálu. S vrozeným citem pro blues představila Janice soulovou hudbu bělošskému publiku své generace. Její kariéra byla krátká - „vyhořela“ z přepětí a zemřela ve věku 27 let v roce 1970 pod vlivem velkých dávek drog.
Mezi angličtí zpěváci Do kategorie „blueide soul“ patří především Joe Cocker, kterého v mládí výrazně ovlivnili Chuck Berry a Ray Charles. Na počátku 60. let, kdy vystupoval na koncertních turné s Rolling Stones, Manfredem Mannem a Hollies, měl Cocker blíže k bílému blues rocku. Ale poté, co se během koncertů na amerických vojenských základnách ve Francii setkal s černošským publikem, začal se více zaměřovat na černošské publikum a zorganizoval vlastní „Big Blues Band“. Po vystoupení v USA na rockovém festivalu Woodstock v roce 1969 se Cocker stal široce známým mezi americkými posluchači.

Abychom pochopili rysy soulové hudby, podívejme se na její jednotlivé složky. Rytmický základ soulu, zejména raného období, je založen především na rhythm and blues a formách pop music, které vytvořil. Harmonická struktura většiny písní v tomto stylu nese otisk náboženské protestantské hudby Spojených států s jednoduchým vztahem mezi tonikem, dominantou a subdominantou. Jedním z hlavních charakteristických rysů soulové hudby je styl zpěvu, a to jak jeho technická, tak emocionální stránka. V tradičním venkovském blues, prostoupeném hořkostí a beznadějí, byly výrazové prostředky vokálu podřízeny hlavní intonaci - stížnosti a navození patřičné nálady. Vokál v rhythm and blues se energeticky zcela odlišil, odrážel veškerou tvrdost života v černošských ghettech velkých měst a převzal funkci zmírnění fyzického napětí a nespokojenosti té nejskromnější části černošské populace Spojených států. Typickým pro rhythm and blues se stal zpěv za křiku – „výkřik“1. Naproti tomu soul, který si hodně vzal z gospelové hudby, vyvinul jiný emocionální tón - extázi, charakteristický pro náboženské rituály, ale naplněný novým obsahem (od sexu po volání po národní jednotě). Změnil se i způsob zpěvu - zejména používání falzetu v duši, přecházejícího ve skřeky, polorecitativní na výkřik, celkový nárůst tessitura zpěvu zvláštní termín"křičet" 2.

Soulová hudba často využívá princip „otázky a odpovědi“ převzatý z gospelové hudby, implementovaný ve formě sing-alongs, kdy je sólista neustále ozvěnou malé vokální skupiny. Hyperemotivní, až trochu hysterický styl zpěvu soulových umělců pochází od průkopníka černého rokenrolu Little Richarda, který měl jasný vliv na tvorbu Jamese Browna, Otise Reddinga, Wilsona Picketta, Arethy Franklin a mnoha dalších. S tím vším však souloví zpěváci vnesli do moderního vokálu jemné nuance a nivelizaci zvuku, řadu speciálních technik zdobného zpěvu, specifické „výtahy“ a melismata. Nápadným příkladem toho je umění vynikajícího zpěváka a skladatele Stevieho Wondera.

Od roku 1967 se v soulové hudbě rozvíjí nezávislý směr zvaný „funk“. Poddruhem tohoto termínu je slovo „funky“, přeložené jako „funky“ nebo „funky“. Samotný termín se objevil v 50. letech. Přijali ho jazzmani, kteří se snažili oprostit se od suchosti bebopu, cool jazzu a od tendence k intelektualizaci jazzové hudby. Vedla je touha vrátit se k folkovým kořenům, nikoli však k venkovskému blues, ale k emotivní a zároveň jednoduché hudbě černošských ghett velkoměst. Snad první, kdo tento termín použil, byli bubeník Art Blakey, stálý vůdce souboru Jazz Messengers, a také pianista a skladatel Horace Silver – ten samozřejmě položil hudební základy jazzfunku (Horace, v roce 1953, tzv. jeho her "Orus de Funk"). „Funk“ je slovo ze slangu černošských ghett, má několik významů, často neslušných. Jedním z nich je pach lidského těla při sexuálním vzrušení. Tím, že svou hudbu takto nazývají její interpreti, jako by specificky zdůrazňovali svou angažovanost v nižších společenských vrstvách a zároveň nezávislost na estetice establishmentu, neochotu působit vznešeněji. Výraz „funk“ obsahuje hořkost, ironii a náznak zvláštní sexuality tohoto typu hudby. Od roku 1967 tento termín zaujímá stále důležitější místo v životech černošských soulových hudebníků a stává se symbolem nového přístupu k rytmu, aranžmá a energii vystoupení. To se odrazilo v názvech mnoha písní: „Funky Broadway“, „Funky Streat“, „Funky Walk“ atd. Dalším faktorem, který vedl ke vzniku funku ze soulové hudby, byl vliv bílé kalifornské psychedelické rockové hudby, zejména acid rocku. V roce 1966 vznikla v San Francisku černošská skupina „Sly and the Family Stone“, kterou vedl Sylvester Stewart, který si zvolil pseudonym Sly Stone. Její styl zvaný „psychedelický funk“ měl významný vliv jak na fanoušky bílého progresivního rocku, tak na černé soulové skupiny, jako jsou Temptations.

Funk se jako samostatný fenomén stal obzvláště aktivním v roce 1971, kdy se v hitparádách objevilo mnoho písní a dokonce i CD se slovem „funk“ v názvu. Jedním z ideologů a propagátorů tohoto stylu byl zpěvák, skladatel a producent George Clinton, který vytvořil kapely „Parlament“, „Funkadelic“, „Funkenstain“ a další. Snažil se dát funku více společenský význam, považoval ho za životní filozofii, jako elixír života, všelék na všechny neduhy světa. Obaly jeho desek z konce 70. let obsahovaly „znak funku“ – písmeno „U“ (zvednutá pěst s ukazováčkem a roztaženými malíčky3) a funkový slogan „One Nation United under the Grove!“4. Později bylo jméno George Clintona spojeno se stylem punk-funk.
Nejmocnější a nejvlivnější postavou funkové hudby však stále zůstává James Brown, který už koncem 60. let proslavil světovou slávu jako soulový umělec. V duchu doby učinil svou hudbu tvrdší a rytmicky ostřejší – reagoval tak na atentát na Martina Luthera Kinga, zintenzivnění boje za práva černochů ve Spojených státech, vznik hnutí Black Power a aktivace agresivních černošských muslimských organizací a „Black Panthers“. Brownova sláva funkového umělce vyvrcholila v polovině 70. let, kdy vyšly jeho nahrávky Sex Machine Today a Body Heat. Jeho styl zpěvu a charakter jeho orchestrace ovlivnily celou generaci funkových hudebníků, což je patrné ve skladbách skupin „Cool and The Gang“, „Ohio Players“, „Crusaders“... Black Masters novou hudbužárlili na to, že bílí umělci to zvládli. Vzpomínám si na rozhovor v časopise Down Beat se dvěma nejzarytějšími a nejoblíbenějšími funkmany - bratry Johnsonovými, bubeníkem a baskytaristou. Klidně odpovídali na všechny otázky o své hudební ideologii, dokud se nezeptali, jak se cítí k funkové skupině Average White Band. Byli nervózní a řekli, že takový tým neznají. Zde zradili svou duši - tato skupina bílých mladých lidí byla velmi známá a mezi černými fanoušky funku. Začínám hrát funk, tohle bílá kompozice poslal své nahrávky některým černým rozhlasovým stanicím. Diskžokejové začali hrát svou hudbu a publikum začalo poslouchat, aniž by tušilo, že hrají běloši. Stanice začala dostávat žádosti o opakování těchto nahrávek, skupina získávala na oblibě, ale co do barvy pleti zůstala jakoby inkognito. Poté, jako by tečka na i, hudebníci pojmenovali svou skupinu „Average White Band“, což v překladu znamená „Average White Orchestra“. Postupně i ve funku přestala barva pleti sloužit jako znak žánru. Objevilo se poměrně dost smíšených funky fusion kapel, jako například Tower of Power. Později se tato hudba rozšířila do zámoří a stala se populární v Evropě. V Anglii vznikly skupiny jako „Linx“, „Shakatak“ a „Level 42“, na Islandu „Mezza Forte“, v SSSR „Arsenal“, v Polsku „Extra Ball“, v Dánsku „Entrance“, ve Finsku "Pirpaukke".

Vliv stylu funky na jazz, rock a pop music se nejvíce projevil v druhé polovině 70. a v 80. letech. Od poloviny 70. let jsem to zažil na vlastní kůži, se svým jazzrockovým souborem „Arsenal“ od prvních experimentů chicagské skupiny až po pozdější příklady fusion. Podle mého názoru došlo k přechodu od rané jazzrockové hudby k tomu, čemu se začalo říkat „fusion“, když se změnil rytmický a texturní základ. Totiž, když v jazz-rocku rytmus a blues texturu nahradil funk. Pokud byla hudba „Chicaga“ podobná rocku díky tomu, jak tam hrála rytmická sekce a kytara, pak „Mahavishnu Orchestra“, „Weather Report“, „Return to Forever“ nebo nahrávky Herbieho Hancocka (počínaje tzv. disk "Head Hunters") ") ani nelze nazvat jazz-rockem - na rozdíl od některých nešťastných muzikologů. Není tam cítit rocková hudba – vlastně už je to jazz-funk. Je také charakteristické, že jazz-rock s nárůstem podílu funku postupně „černal“, ale ne úplně, protože mnoho bílých interpretů se naučilo hrát funk. Zároveň byla tendence k tomu, aby hudebníci rhythm and blues opouštěli jazz-rock. Fusion music dále rozvíjeli především jazzmani, kteří měli dobrý cit pro funk. Mezi profesionály byl termín „jazzrock“ postupně nahrazován fusion, někdy i funky fusion a jména skupin, interpretů a desek tohoto trendu se začala častěji zmiňovat v jazzových médiích než v rockových publikacích.

Když už mluvíme o rozdílech mezi soulovými a funkovými styly, je třeba poznamenat, že leží spíše v oblasti instrumentace a výkonu než ve vokální kultuře. Jestliže se v rhythm and blues, blues rocku a soulové hudbě obvykle zdůrazňují slabé údery taktu (2. a 4.), pak se funk vyznačuje plynulým drivem a dokonce posunem důrazu k silným úderům. Rytmický základ se tak stal monotónnějším, ale také sofistikovanějším, kvůli důrazu na drobné a ostré synkopy. Je také důležité poznamenat, že funk, který se vzdaluje od tripletového základu rhythm and blues, se stal hudbou nikoli v 8/8, ale v 16/16, tedy se synkopou ve vztahu k osminovým tónům. Rozvoj funku nebyl spojen s komplikací harmonických vzorů, jak bylo pozorováno v některých oblastech jazzové a rockové hudby. Funkoví instrumentalisté se naučili vytvářet složité a ne nudné textury, aniž by na dlouhou dobu překračovali jeden akord. Tato textura připomíná tkanou látku vyrobenou z vícebarevných nití, které se objevují na různých místech hudebního plátna a vytvářejí celý obraz. Buben, baskytara, klávesy a dechové nástroje zabírají hudební prostor tak, aby se co nejvíce nepřekrývaly. Tohoto efektu lze dosáhnout pouze použitím krátkých, ostrých frází a neustále se opakujících vzorů, předem promyšlených aranžérem.

Právě mezi funkovými muzikanty vznikla speciální technika hry na baskytaru – „slaр“5, kdy (na rozdíl od běžného způsobu hry – brnkaním na strunu konečky prstů nebo trsátkem) vzniká zvuk úderem do vnitřku. palce, staccato. Zavedení slapu do orchestrální hry postupně radikálně změnilo tvář moderní hudba, ovlivňující především způsob hry na bicí, klávesy a elektrickou kytaru. Móda hrát slap k nám přišla, ale kupodivu se ukázalo, že je velmi obtížné zvládnout tuto techniku bez ukázky, podle sluchu. Pamatuji si, jak baskytarista Anatolij Kulikov, který přišel do Arsenalu v roce 1978, jako první přišel na to, jak se tento plácavý zvuk vyrábí. A v každém velkém městě, které jsme navštívili, po koncertech mnoho muzikantů, užaslých nová technologie hry, se doslova vrhl na Kulikova a požádal ho, aby ukázal, v čem spočívá tajemství. Kulikov se netajil svými znalostmi a zpočátku byly jeho hotelové pokoje ráno přeplněné.

Od 70. let se soul a funk vyvíjely nezávisle a odděleně v USA, což je v protikladu k bílé kytarové rockové hudbě. Proto kytara v těchto žánrech častěji začala znít v pozadí, jako doprovodný, rytmický nástroj, popř hlavní roli při vytváření rytmické a harmonické textury postupně přešla na různé druhy klávesových nástrojů. Čas smazal hranice mezi bílou rockovou hudbou a černošským funkem a již mladí lidé na počátku 80. let, zejména v evropských zemích, kde nejsou rasové problémy, začali zaměňovat bílý funk za moderní rock.

Na konci 70. let došlo nová vlna zájem o funk v souvislosti se vznikem jeho odrůdy „punk funk“. Jak je patrné ze samotného termínu, souviselo to se vznikem punkového hnutí. V této hudbě se k obvyklému funku přidaly všechny atributy punkové kultury – agresivní nihilismus, zvýšené excentrické chování na pódiu, šokující témata písní, ale i punkové účesy a oblečení. Vznik popových forem punk funku je spojen se jménem Ricka Jamese. A v avantgardním improvizačním jazzu, punk-funk, kupodivu, vyvinuli následovníci Ornette Colemana, jednoho z nejstálejších a nejpřísnějších avantgardních umělců. Černí instrumentální virtuosové Blood Ulmer a Ronald Shenon-Jackson převzali Colemanovu polytonální harmonickou teorii a aplikovali ji na tvrdý, punkový funkový styl. Vzniklo to velmi zajímavý fenomén v hudbě fúze zcela odlišných rasově různorodých kontrakultur.

Od roku 1980 se zvukový obraz funkové hudby začal znatelně měnit směrem k přechodu k čistě elektronickému zvuku s použitím nových elektronicky syntetizovaných zvuků nahrazujících bicí a baskytaru, se stále větší rolí klávesové nástroje, sekvencery, zvukové moduly, zvukové procesory a mnoho dalšího. To bylo usnadněno nahrávkami takových zpěváků jako Michael Jackson, Prince, Marvin Gaye, Chaka Kahn. Zároveň to byli oni, kdo udělal z „funku“ typ pop music, který mu dal lehké a přístupné formy.

Funk se ve svých nejmarkantnějších projevech ukázal jako hudba, která od interpretů i posluchačů vyžadovala obrovské nervové vypětí a velkou návratnost energie. Když opadla první vlna vášně pro tento styl, ukázalo se, že skutečných funkmanů je jen velmi málo. To se shodovalo s poklesem zájmu mladých lidí o skutečné formy rockové hudby: art rock, hard rock, blues rock, folk rock, psychedelický a další jeho projevy. Masový spotřebitel nové generace chtěl něco jednoduššího a hlavně tiššího. A od poloviny 70. let se objevila „disco“ hudba, kterou neplodil rock, ale funk. A ne jako jeho pokračování, ale spíše jako jeho antipod, pouze navenek podobný původnímu zdroji. Samotný styl funky fusion byl zjednodušen, stal se stále více komerčním, lehkým a technologicky vyspělejším. Převládalo „Kalifornské křídlo“, které sdružovalo hudebníky působící v Hollywoodu hudební byznys. V 90. letech se lehčí typ fusion hudby nazýval „cool jazz“. Výraz „kul“ se tedy znovu začal používat, ale s jiným významem. Pokud v roce 1949, s lehká ruka Miles Davis, který vydal album „Birth of The Cool“, použil toto slovo ve významu „cool“ jazz, ale od 90. let „cool“ znamená ve slangu „módní“, ne-li „cool“. A samotný cool jazz, v osobě Davida Sanborna, Grovera Washingtona, Kennyho G, Lee Ritenoura, Boba Jamese a mnoha dalších, se stal formou doprovodné hudby, i když rafinovanou. Došlo k další transformaci kultury na kulturu masovou.

poznámky pod čarou:
1 Výkřik – výkřik.
2 Výkřik – výkřik.
3 Takzvaná „koza“, používaná především „metalisty“, neznamená rohy ďábla, jak se někdy soudí, ale písmeno „U“, první ve slově „Unity“ – jednota. Tedy volání po sjednocení.
4 "Jeden národ, spojený jedním citem." Groove je černošský slangový výraz, který označuje vzrušení z rytmu, „rostlina“, „pohon“.
5 Slар – výprask, facka.

Rádio „Old School Funk and Soul“ - poslouchejte hudbu z 50.-80
„Old School Funk & Soul“ vysílání populární oldschoolové hudby z USA, New York City. Poslouchejte klasické funkové a soulové písně.
Vynikající vokální hlasy Funk a Soul interpreti potěší posluchače příjemnými melodiemi a krásným doprovodem s prvky prvních elektronických zvuků.

Umělci Funk/FUNK music:

Parlament Funkadelic
Princ 1958-2016
George Clinton 1941
James Brown 1933-2006
Bootsy Collins 1951
Bobby Baird 1934-2007
Funkadelický
Rufus
Sly Stone 1943
Fatback Band
Betty Davis 1945
Larry Graham 1946
Donald Baird 1932-2013
Curtis Mayfield 1942-1999
Maceo Parker 1943
Dazz Band
Isaac Hayes 1942-2008
Herbie Hancock 1940
Captain Sky 1957
Leon Haywood 1942-2016
The Gap Band
Měřiče
Con Funk Shun
Nevěsty z Funkensteinu
Společnost Funk, Inc.
Roy Ayers 1940
Steve Arrington 1956
Bratři Johnsonové
The Bar-Kays
Junie Morrison 1954
Mandrill
Cymande
Hlavní nádraží Graham
B. T. Express
Cameo
Jimmy Castor 1940-2012
Pee Wee Ellis 1941
Art Neville 1937
Chaka Khan 1953
Morris Day 1957
Kleeer
Baby Huey 1944-1970
Michael Brecker 1949-2007
Eddie Hazel 1950-1992
Faze-O
Tady přicházejí mumie
Keňa Burke 1953
Marvin Gaye 1939-1984
Komodorové
Lyn Collins 1948-2005
George Duke 1946-2013

Interpreti soulové hudby: Soul:

James Brown 1933-2006
Aretha Franklin 1942 -
Otis Redding 1941-1967
Marvin Gaye 1939-1984
Sam Cooke 1931-1964
Ray Charles 1930-2004
Al Green 1946
Sam a Dave
Curtis Mayfield 1942-1999
Amy Winehouse 1983 - 2011
Isaac Hayes 1942-2008
Erykah Badu 1971
Bobby Womack 1944-2014
Michael Jackson 1958-2009
Di Angelo 1974
Stevie Wonder 1950
Vandross, Luther 1951-2005
John Legend 1978
Chi-Lites
Čtyři vrcholy
Solomon Burke 1940-2010
Gene Chandler 1937
Delfonici
Komodorové
Roberta Flack 1939
Major Lance 1939-1994
Ben King 1938-2015
Whitney Houston 1963-2012
Dramatika
Donny Hathaway 1945-1979
Anita Baker 1958
Bratři Isleyové
Indie.Ari 1975
Bobby Bland 1930-2013
Etta James 1938-2012
Alicia Keys 1981 -
Barbara Acklin 1943-1998
Carl Carlton 1952
Jill Scott 1972
Martha a Vandelovi
Patti LaBelle 1944
Dwele 1978
Adele 1988
Aloe Black 1979
Tina Marie 1956 - 2010
Maxine Brown 1939
Lauryn Hill 1975
Edwin Starr 1942-2003
Des'ri 1968
The Spinners
Archie Bell & the Drells

Poslouchejte oldschoolovou funk a soulovou hudbu v rádiu online zdarma a bez registrace. Datum aktualizace: 4. 1. 2018 Radio Tunes Old School Funk & Soul music online

Poslouchejte americké rádio

Relaxační hudba SPA, jemná instrumentální jazz poslouchejte online živě pro relaxaci a relaxaci - Mellow smut jazz. Úžasné zvuky A