Současní japonští umělci a jejich obrazy. Umělci Japonska - od starověku až po současnost

Umění a design

2904

01.02.18 09:02

dnešní umělecká scéna Japonsko je velmi rozmanité a provokativní: při pohledu na práci mistrů ze Země Vycházející slunce, rozhodnete, že jste dorazili na jinou planetu! Zde žijí inovátoři, kteří změnili „krajinu“ průmyslu v celosvětovém měřítku. Představujeme vám seznam 10 současných japonských umělců a jejich výtvorů – od neuvěřitelná stvoření Takashi Murakami (který dnes slaví narozeniny) do barevného vesmíru Kusama.

Od futuristických světů po tečkovaná souhvězdí: současní japonští umělci

Takashi Murakami: tradicionalista a klasik

Začněme hrdinou této příležitosti! Takashi Murakami je jedním z nejikoničtějších japonských současných umělců, pracuje na malbách, rozsáhlých sochách a módním oblečení. Murakamiho styl je ovlivněn mangou a anime. Je zakladatelem hnutí Superflat, které podporuje japonské umělecké tradice a poválečnou kulturu země. Murakami povýšil mnoho svých kolegů současníků a s některými se dnes také setkáme. „Subkulturní“ díla Takashi Murakamiho jsou prezentována na uměleckých trzích módy a umění. Jeho provokativní My Lonesome Cowboy (1998) se v roce 2008 prodal v New Yorku v Sotheby's za rekordních 15,2 milionu dolarů. Murakami spolupracoval se světem slavných značek Marc Jacobs, Louis Vuitton a Issey Miyake.

Tiše Ashima a její neskutečný vesmír

Chicho Ashima, členka umělecké produkční společnosti Kaikai Kiki a hnutí Superflat (oba založil Takashi Murakami), je známá svými fantastickými městskými scenériemi a podivnými popovými stvořeními. Umělec vytváří surrealistické sny obývané démony, duchy, mladými kráskami, zobrazené na pozadí cizí přírody. Její díla jsou obvykle velkoplošná a tištěná na papír, kůži a plast. V roce 2006 se tento současný japonský umělec podílel na Art on the Underground v Londýně. Pro nástupiště vytvořila 17 na sebe navazujících oblouků – magická krajina se postupně proměnila z denní do noční, z městské na venkovskou. Tento zázrak vykvetl na stanici metra Gloucester Road.

Chiharu Shima a nekonečná vlákna

Další umělec, Chiharu Shiota, pracuje na rozsáhlých vizuálních instalacích pro konkrétní památky. Narodila se v Ósace, ale nyní žije v Německu – v Berlíně. Ústřední témata jejím dílem je zapomnění a paměť, sny a realita, minulost a přítomnost a také konfrontace úzkosti. Nejvíce slavných děl Chiharu Shiota - neproniknutelné sítě černé nitě, pokrývající mnoho domácích a osobních předmětů - jako jsou staré židle, svatební šaty, spálený klavír. V létě 2014 Shiota svázala darované boty a holínky (kterých bylo více než 300) prameny červené příze a zavěsila je na háčky. První výstava Chiharu v německé metropoli se konala během Berlínského týdne umění v roce 2016 a vyvolala senzaci.

Hej Arakawa: všude, nikde

Hei Arakawa je inspirován stavy změn, obdobími nestability, prvky rizika a jeho instalace často symbolizují témata přátelství a týmové práce. Krédo současného japonského umělce je definováno performativním, neurčitým „všude, ale nikde“. Jeho výtvory se objevují na nečekaných místech. V roce 2013 byla Arakawova díla vystavena na Bienále v Benátkách a na výstavě Japonců současné umění v Mori Art Museum (Tokio). Byla to instalace Hawaiian Presence (2014). společný projekt s newyorskou umělkyní Carissou Rodriguez a zúčastnila se Whitney Biennial. Také v roce 2014 Arakawa a jeho bratr Tomu, vystupující jako duo s názvem United Brothers, nabídli návštěvníkům Frieze London své „dílo“ „The This Soup Taste Ambivalent“ s „radioaktivní“ kořenovou zeleninou Fukushima daikon.

Koki Tanaka: Vztahy a opakování

V roce 2015 byl Koki Tanaka uznán jako „Umělec roku“. Tanaka zkoumá sdílené zkušenosti kreativity a představivosti, podporuje výměnu mezi účastníky projektu a obhajuje nová pravidla spolupráce. Jeho instalace v japonském pavilonu na Benátském bienále 2013 sestávala z videí objektů, které proměnily prostor v platformu pro uměleckou výměnu. Instalace Kokiho Tanaky (nezaměňovat s jeho plnohodnotným hercem jmenovce) ilustrují vztah mezi předměty a akcemi, například video obsahuje záznamy jednoduchých gest prováděných běžnými předměty (nožem krájející zeleninu, nalévání piva do sklenice , otevření deštníku). Neděje se nic podstatného, ​​ale obsedantní opakování a pozornost do nejmenších detailů přimět diváka ocenit světské.

Mariko Mori a aerodynamické tvary

Další současná japonská umělkyně Mariko Mori „kouzlí“ multimediální objekty, kombinuje videa, fotografie a objekty. Vyznačuje se minimalistickou futuristickou vizí a uhlazenými surrealistickými formami. Opakujícím se tématem v Moriho díle je srovnání západní legendy s západní kultura. V roce 2010 Mariko založila nadaci Fau Foundation, vzdělávací kulturu nezisková organizace, pro kterou vytvořila sérii svých uměleckých instalací na počest šesti obydlených kontinentů. Nejnověji byla nad malebným vodopádem v Resende poblíž Rio de Janeira vztyčena stálá instalace nadace „Ring: One with Nature“.

Ryoji Ikeda: syntéza zvuku a videa

Ryoji Ikeda je umělec a skladatel nových médií, jehož tvorba se zabývá především zvukem v různých „surových“ stavech, od sinusových vln až po hluk využívající frekvence na hranici lidského sluchu. Jeho pohlcující instalace zahrnují počítačem generované zvuky, které jsou vizuálně transformovány do videoprojekcí nebo digitálních vzorů. Audiovizuální umění Ikeda využívá měřítko, světlo, stín, hlasitost, elektronické zvuky a rytmus. Slavné umělcovo testovací zařízení se skládá z pěti projektorů, které osvětlují plochu 28 metrů dlouhou a 8 metrů širokou. Nastavení převádí data (text, zvuky, fotografie a filmy) na čárové kódy a binární vzory jedniček a nul.

Tatsuo Miyajima a LED počítadla

Současný japonský sochař a umělec instalací Tatsuo Miyajima používá ve svém umění elektrická schémata, video, počítače a další gadgety. Základní koncepty Miyajimy jsou inspirovány humanistické myšlenky a buddhistické učení. LED počítadla v jeho instalacích nepřetržitě blikají v opakování od 1 do 9, což symbolizuje cestu od života ke smrti, ale vyhýbají se definitivnosti, kterou představuje 0 (nula se v Tatsuově díle nikdy neobjevuje). Všudypřítomná čísla v mřížkách, věžích a diagramech vyjadřují Miyajimův zájem o myšlenky kontinuity, věčnosti, spojení a toku času a prostoru. Nedávno byl Mijadžimův „Šíp času“ uveden na zahajovací výstavě „Unfinished Thoughts Visible in New York“.

Nara Yoshimoto a zlé děti

Nara Yoshimoto vytváří obrazy, sochy a kresby dětí a psů – předměty, které odrážejí dětské pocity nudy a frustrace a zuřivou nezávislost, která je pro batolata přirozená. Estetika Yoshimotova díla připomíná tradiční knižní ilustrace, je směsí neklidného napětí a umělcovy lásky k punk rocku. V roce 2011 hostilo Asia Society Museum v New Yorku Yoshimotovu první samostatnou výstavu s názvem „Yoshitomo Nara: Nobody's Fool“, která pokrývá 20letou kariéru současného japonského umělce. Exponáty úzce souvisely s globálními subkulturami mládeže a jejich odcizením protest.

Yayoi Kusama a prostor rostoucí do podivných forem

Úžasný tvůrčí biografie Kusama's Yayoi trvá sedm desetiletí. Během této doby stihla úžasná Japonka vystudovat obory malba, grafika, koláž, sochařství, kino, rytina, environmentální umění, instalace, ale i literatura, móda a oděvní design. Kusama vyvinula velmi osobitý styl dot art, který se stal její obchodní značkou. Iluzorní vize prezentované v dílech 88letého Kusamy (kdy se zdá, že svět je pokrytý rozlehlým výstřední formy), je výsledkem halucinací, které prožívala od dětství. Místnosti s barevnými tečkami a „nekonečnými“ zrcadly odrážejícími jejich shluky jsou rozpoznatelné a nelze je zaměnit s ničím jiným.

Má velmi bohatou historii; jeho tradice je rozsáhlá a jedinečná pozice Japonska ve světě výrazně ovlivňuje dominantní styly a techniky japonských umělců. Známý fakt To, že Japonsko bylo po mnoho staletí zcela izolované, je způsobeno nejen geografií, ale také dominantním japonským kulturním sklonem k izolaci, který poznamenal historii země. Během staletí toho, co bychom mohli nazvat „japonskou civilizací“, se kultura a umění vyvíjely odděleně od těch ve zbytku světa. A to je dokonce patrné v praxi japonské malby. Například obrazy Nihonga patří mezi hlavní díla japonské malířské praxe. Vychází z více než tisícileté tradice a malby jsou obvykle vytvářeny štětci buď na vashi (japonský papír) nebo egina (hedvábí).

Japonské umění a malba však byly ovlivněny zahraničními umělecké postupy. Za prvé to bylo čínské umění 16. století a čínská malba a čínská umělecká tradice, která byla v několika aspektech zvláště vlivná. Od 17. století bylo ovlivněno i japonské malířství Západní tradice. Zejména v předválečném období, které trvalo od roku 1868 do roku 1945, byla japonská malba ovlivněna impresionismem a Evropský romantismus. Japonci přitom významně ovlivnili i nová evropská umělecká hnutí umělecké techniky. V dějinách umění se tento vliv nazývá „japonství“ a je zvláště významný pro impresionisty, kubisty a umělce spojené s modernismem.

Dlouhý příběh Japonské malířství lze chápat jako syntézu několika tradic, které tvoří součásti uznávané japonské estetiky. Za prvé, buddhistické umění a malířské techniky, stejně jako náboženská malba, zanechal výraznou stopu v estetice japonských obrazů; malba krajiny vodou tuší v tradici čínské literární malby - další důležitý prvek, uznávaný v mnoha slavných japonských obrazech; obrazy zvířat a rostlin, zejména ptáků a květin, jsou běžně spojovány s japonskými kompozicemi, stejně jako krajiny a výjevy z každodenní život. A konečně, starověké představy o kráse z filozofie a kultury měly velký vliv na japonskou malbu Starověké Japonsko. Wabi, což znamená přechodnou a drsnou krásu, sabi (krása přirozené patiny a stárnutí) a yugen (hluboká milost a jemnost) nadále ovlivňují ideály v praxi japonského malířství.

Na závěr, když se soustředíme na výběr deseti nejslavnějších japonských mistrovských děl, musíme zmínit ukiyo-e, které je v Japonsku jedním z nejpopulárnějších uměleckých žánrů, i když patří ke grafice. Dominoval japonské umění ze 17. - 19. století, přičemž umělci spadající do tohoto žánru vytvářeli dřevoryty a malby s předměty jako např. krásné dívky, herci Kabuki a zápasníci sumo, stejně jako scény z historie a lidové pohádky, cestovatelské scény a krajiny, flóra a fauna a dokonce i erotika.

Sestavit seznam je vždy těžké nejlepší obrazy z uměleckých tradic. Mnoho úžasných děl bude vyloučeno; tento seznam však obsahuje deset nejznámějších japonských obrazů na světě. Tento článek představí pouze obrazy vytvořené od 19. století do současnosti.

Japonské malířství má mimořádně bohatou historii. Po staletí japonští umělci rozvinutý velký počet unikátní techniky a styly, které jsou nejcennějším příspěvkem Japonska do světa umění. Jednou z těchto technik je sumi-e. Sumi-e doslova znamená „kresba tuší“ a spojuje kaligrafii a malbu tuší, aby vytvořila vzácnou krásu štětcem kreslených kompozic. Tato krása je paradoxní – starověká, ale moderní, jednoduchá a přitom složitá, odvážná a přitom tlumená, nepochybně odráží duchovní základ umění v zen buddhismu. Buddhističtí kněží zavedli do Japonska pevné inkoustové bloky a bambusové štětce z Číny v šestém století a za posledních 14 století Japonsko rozvinulo bohaté dědictví malby tuší.

Přejděte dolů a prohlédněte si 10 mistrovských děl japonského malířství

1. Katsushika Hokusai „Sen rybářovy ženy“

Jedním z nejznámějších japonských obrazů je „Sen rybářovy ženy“. Psal se rok 1814 slavný umělec Hokusai. Podle přísné definice nelze toto úžasné Hokusaiovo dílo považovat za malbu, neboť se jedná o dřevoryt žánru ukiyo-e z knihy Young Pines (Kinoe no Komatsu), což je třísvazková kniha šunga. Kompozice zobrazuje mladého potápěče ama sexuálně propleteného s párem chobotnic. Tento obraz byl velmi vlivný v 19. a 20. století. Práce ovlivnila více pozdní umělci jako Félicien Rops, Auguste Rodin, Louis Aucock, Fernand Knopf a Pablo Picasso.

2. Tessai Tomioka „Abe no Nakamaro píše nostalgickou báseň při sledování Měsíce“

Tessai Tomioka je pseudonym slavného japonského umělce a kaligrafa. Je považován za posledního velkého umělce v tradici bunjingu a jednoho z prvních velkých umělců stylu Nihonga. Bunjinga byla škola japonského malířství, která vzkvétala v pozdní éře Edo mezi umělci, kteří se považovali za literáty nebo intelektuály. Každý z těchto umělců, včetně Tessayi, vyvinul svůj vlastní vlastní styl a technologie, ale všichni byli velkými fanoušky čínské umění a kultura.

3. Fujishima Takeji „Východ slunce nad východním mořem“

Fujishima Takeji byl japonský umělec známý svou prací na rozvoji romantismu a impresionismu v uměleckém hnutí jógy (západního stylu) v roce konec XIX- začátek 20. stol. V roce 1905 odcestoval do Francie, kde byl ovlivněn tehdejšími francouzskými hnutími, zejména impresionismem, jak je vidět na jeho obraze Sunrise Over Východní moře“, která byla napsána v roce 1932.

4. Kitagawa Utamaro „Deset typů ženských tváří, sbírka vládnoucích krás“

Kitagawa Utamaro byl významný japonský umělec, který se narodil v roce 1753 a zemřel v roce 1806. Určitě je nejlépe známý pro sérii s názvem „Deset typů ženské tváře. Sbírka vládnoucích krásek, námětů velká láska klasická poezie“ (někdy nazývaná „Zamilované ženy“, obsahující samostatné rytiny „Nahá láska“ a „Zamyšlená láska“). Je jedním z nejvýznamnějších umělců spadajících do žánru ukiyo-e woodblock print.

5. Kawanabe Kyosai „Tiger“

Kawanabe Kyosai byl jedním z nejznámějších japonských umělců období Edo. Jeho umění bylo ovlivněno dílem Tohakua, umělce ze školy Kano ze 16. století, který jako jediný umělce své doby maloval obrazovky výhradně inkoustem na jemné pozadí z práškového zlata. Přestože je Kyosai známý jako karikaturista, napsal některé z nich nejvíce slavné obrazy PROTI Japonská historie umění 19. století století. "Tiger" je jedním z těch obrazů, které Kyosai vytvořil akvarelem a inkoustem.

6. Hiroshi Yoshida „Fuji from Lake Kawaguchi“

Hiroshi Yoshida je známý jako jeden z nejvíce velké postavy Styl Shin-hanga (Shin-hanga je umělecké hnutí v Japonsku na počátku 20. století, během období Taisho a Showa, které oživilo tradiční umění ukiyo-e, které mělo své kořeny v obdobích Edo a Meiji ( 17. - 19. století)). Vyučil se v tradici západní olejomalby, která byla převzata z Japonska v období Meidži.

7. Takashi Murakami „727“

Takashi Murakami je pravděpodobně nejpopulárnější japonský umělec současnosti. Jeho díla se prodávají za astronomické ceny. velké aukce a kreativita již inspiruje nové generace umělců nejen v Japonsku, ale i v zahraničí. Murakamiho umění zahrnuje celou sérii prostředí a je obvykle popisován jako superplane. Jeho práce je známá tím, že používá barvy a zahrnuje motivy z japonské tradiční a populární kultury. Obsah jeho obrazů je často popisován jako „roztomilý“, „psychedelický“ nebo „satirický“.

8. Yayoi Kusama „Dýně“

Yaoi Kusama je také jedním z nejznámějších japonských umělců. Tvoří v různé techniky, včetně malby, koláže, scatové sochy, performance, environmentálního umění a instalace, z nichž většina demonstruje její tematický zájem o psychedelické barvy, opakování a vzory. Jedna z nejznámějších sérií tohoto seriálu velký umělec je série Pumpkin. Pravidelná dýně v jasně žluté barvě, pokrytá puntíkovaným vzorem, je prezentována na pozadí sítě. Všechny tyto prvky společně tvoří vizuální jazyk, který je neomylně věrný autorovu stylu a byl vyvíjen a zdokonalován po desetiletí pečlivé výroby a reprodukce.

9. Tenmyoya Hisashi „Japonský duch č. 14“

Tenmyoya Hisashi je současný japonský umělec, který je známý svými neo-nihongovými obrazy. Podílel se na oživení stará tradice Japonská malba, která je úplným opakem moderní japonské malby. V roce 2000 také vytvořil svůj nový styl butouha, který svými obrazy demonstruje silný postoj k autoritativnímu uměleckému systému. "Japonský duch č. 14" byl vytvořen jako součást umělecké schéma"BASARA", vykládáno v japonská kultura jako vzpurné chování nižší aristokracie během období Válčících států s cílem zbavit úřady schopnosti dosáhnout ideální obrázekživot, oblékání do bujných a luxusních šatů a jednání ze svobodné vůle, ne v souladu s jejich společenskou třídou.

10. Katsushika Hokusai „Velká vlna z Kanagawy“

Konečně, " Velká vlna v Kanagawě“ je pravděpodobně nejznámější japonská malba kdy bylo napsáno. Je to vlastně nejslavnější umělecké dílo vytvořené v Japonsku. Zobrazuje obrovské vlny ohrožující lodě u pobřeží prefektury Kanagawa. Ačkoli je někdy mylně považována za tsunami, vlna, jak název obrazu napovídá, je s největší pravděpodobností prostě abnormálně vysoká. Obraz je vyroben v tradici ukiyo-e.

Každá země má své hrdiny současné umění, jejíž jména jsou známá, jejíž výstavy přitahují davy fanoušků a zvědavců a jejichž díla jsou prodávána do soukromých sbírek.

V tomto článku vám představíme ty nejoblíbenější současných umělců Japonsko.

Keiko Tanabe

Keiko se narodila v Kjótu a jako dítě vyhrála mnoho vítězství. výtvarné soutěže, Ale vysokoškolské vzdělání V oblasti umění jsem to vůbec nepochopil. Pracovala v oddělení mezinárodních vztahů japonské městské obchodní organizace v Tokiu, velké právnické firmě v San Franciscu a soukromé poradenské firmě v San Diegu a hodně cestovala. Počínaje rokem 2003 opustila zaměstnání a po vystudování základů akvarelu v San Diegu se věnovala výhradně umění.

Ikenaga Yasunari

Japonský umělec Ikenaga Yasunari maluje portréty moderní ženy ve starověku Japonská tradice malba pomocí štětce Menso, minerálních pigmentů, sazí, inkoustu a lnu jako podkladu. Její postavy jsou ženy naší doby, ale díky Nihonga stylu máte pocit, že k nám přicházely odnepaměti.

Abe Toshiyuki

Abe Toshiyuki je realistický umělec, který zvládl technika akvarelu. Abe lze nazvat umělcem-filozofem: zásadně nemaluje slavné památky, dává přednost subjektivní kompozice, odrážející vnitřní stavy osoba, která je sleduje.

Hiroko Sakai

Kariéra umělkyně Hiroko Sakai začala na počátku 90. let ve městě Fukuoka. Po absolvování Seinan Gakuin University a francouzské Nihon School of Interior Design v oboru designu a vizualizace založila Atelier Yume-Tsumugi Ltd. a úspěšně řídil tento ateliér 5 let. Mnohé z jejích děl zdobí nemocniční vestibuly a kanceláře. velké korporace a některé obecní budovy v Japonsku. Po přestěhování do Spojených států začala Hiroko malovat oleji.

Riusuke Fukahori

Trojrozměrná díla Riusukiho Fukahoriho připomínají hologramy. Jsou hotové akrylová barva, nanášený v několika vrstvách a průhledná pryskyřičná kapalina - to vše, aniž by vyjímalo tradiční metody, jako je kreslení stínů, změkčování okrajů, kontrola průhlednosti, umožňuje Riusuki vytvářet sochařská malba a dává dílu hloubku a realističnost.

Natsuki Otani

Natsuki Otani je talentovaný japonský ilustrátor žijící a pracující v Anglii.

Makoto Muramatsu

Makoto Muramatsu si jako základ pro svou kreativitu vybral téma, které je pro všechny strany výhodné – kreslí kočky. Jeho obrázky jsou oblíbené po celém světě, zejména ve formě hlavolamů.

Tetsuya Mishima

Většina obrazů je moderní japonský umělec Mishima se vyrábí v oleji. Malování se věnuje profesionálně od 90. let a má jich několik osobní výstavy a velké množství kolektivních výstav, japonských i zahraničních.

Monochromatická malba Japonska je jedním z jedinečných fenoménů východního umění. Bylo tomu věnováno mnoho práce a výzkumů, ale často je vnímán jako velmi konvenční, někdy i dekorativní. Není tomu tak. Duchovní svět japonského umělce je velmi bohatý a nezáleží mu ani tak na estetické složce jako na té duchovní.

Umění Východu je syntézou vnějšího a vnitřního, explicitního a implicitního.

V tomto příspěvku bych chtěl věnovat pozornost nikoli historii monochromní malby, ale její podstatě. O tom si budeme povídat.

obrazovka "Pines" Hasegawa Tohaku, 1593

To, co vidíme na monochromatických obrazech, je výsledkem umělcovy interakce se základní triádou: papír, štětec, inkoust. Proto, abyste správně pochopili dílo, musíte pochopit samotného umělce a jeho postoj.

"Krajina" Sesshu, 1398 Papír pro japonského mistra to není snadné improvizovaný materiál , kterou podřizuje svému rozmaru, ale spíše naopak - je to „bratr“, a proto se podle toho vyvinul i postoj k ní. Papír je součástí okolní přírody , ke kterému se Japonci vždy chovali s úctou a snažili se ji nepodmanit, ale mírumilovně s ní koexistovat. Papír byl v minulosti strom, který stál v určité oblasti, určitý čas , „viděla“ něco kolem sebe a ona si to všechno nechala. Japonský umělec tak materiál vnímá. Často se řemeslníci před zahájením práce dlouho dívali prázdný list

(přemýšleli o tom) a teprve potom začali malovat. I nyní moderní japonští umělci, kteří praktikují techniku ​​Nihon-ga (tradiční japonská malba), pečlivě vybírají papír. Kupují to na zakázku z papíren. Každý umělec má určitou tloušťku, propustnost vlhkosti a texturu (mnoho umělců dokonce uzavírá s majitelem továrny dohodu, že tento papír nebude prodávat jiným umělcům) – proto je každý obraz vnímán jako něco jedinečného a živého.

„Čtení v bambusovém háji“ Xubun, 1446. Když už mluvíme o významu tohoto materiálu, stojí za zmínku následující slavných památek

Japonská literatura jako „Notes at the Bedside“ od Sei Shonagona a „Genji Monogotari“ od Murasaki Shikibu: v „Notes“ i „Genji“ můžete najít zápletky, když si dvořané nebo milenci vyměňují zprávy. Papír, na kterém byly tyto vzkazy napsány, byl vhodného ročního období, odstínu a způsob psaní textu odpovídal jeho textuře.

"Murasaki Shikibu ve svatyni Ishiyama" KyosenŠtětec - druhá složka je pokračováním mistrovy ruky (opět, toto je). Štětce se proto vyráběly také na zakázku, nejčastěji však samotným umělcem. Vybral chloupky požadované délky, zvolil velikost kartáče a nejpohodlnější rukojeť. Mistr maluje pouze vlastním štětcem a žádným jiným. (Z osobní zkušenost: navštěvoval mistrovský kurz čínský umělec Jiang Shilun, publikum ho požádalo, aby ukázal, co dokážou jeho studenti, kteří byli přítomni na mistrovské třídě, a každý z nich, když zvedl mistrův štětec, řekl, že výsledek nebude takový, jaký očekávali, protože štětec nebyl jejich. , nebyli na to zvyklí a nevědí, jak to správně používat).

"Fuji" inkoustová skica od Katsushika Hokusai

Řasenka- třetí důležitý prvek. Řasenka se stane různé typy: po zaschnutí může dát lesklý nebo matný efekt, možná s příměsí stříbrných nebo okrových odstínů, proto správná volbařasenka také není nedůležitá.

Yamamoto Baitsu, konec XVIII- XIX století.

Hlavním námětem monochromní malby jsou krajiny. Proč v nich nejsou žádné barvy?

Spárovaná obrazovka "Pines", Hasegawa Tohaku

Za prvé, japonského umělce nezajímá objekt samotný, ale jeho podstata, určitá složka, která je společná všemu živému a vede k harmonii mezi člověkem a přírodou. Obraz je tedy vždy nápovědou, je adresován našim smyslům, nikoli zraku. Podcenění je podnětem k dialogu, a tedy spojení. Linie a skvrny jsou v obraze důležité – tvoří se umělecký jazyk. To není svoboda mistra, který zanechal tučnou stopu, kde chtěl, ale na jiném místě naopak podkreslil - vše na obrázku má svůj význam a význam a není náhodné.

Za druhé, barva v sobě vždy nese nějakou emocionální konotaci a je vnímána jinak různí lidé v různých stavech proto emocionální neutralita umožňuje divákovi co nejpřiměřeněji vstoupit do dialogu, umístit ho pro vnímání, kontemplaci a myšlení.

Za třetí, jedná se o interakci jin a jang, jakýkoli monochromatický obraz je harmonický z hlediska poměru inkoustu k nedotčené ploše papíru.

Proč většina Není použit žádný papírový prostor?

"Krajina" Xubun, polovina 15. století.

Za prvé, prázdný prostor ponoří diváka do obrazu; za druhé vzniká obraz, jako by na okamžik vyplaval na povrch a chystal se zmizet – to souvisí se světonázorem a světonázorem; za třetí, v těch oblastech, kde není inkoust, vystupuje do popředí textura a odstín papíru (ne vždy je to na reprodukcích vidět, ale ve skutečnosti jde vždy o interakci dvou materiálů - papíru a inkoustu).

Sesshu, 1446

Proč krajina?

"Kontemplace o vodopádu" Gayami, 1478

Podle japonského světonázoru je příroda dokonalejší než člověk, proto se z ní musí poučit, všemožně ji chránit a neničit a nepodrobovat.

Proto v mnoha krajinách můžete vidět malé obrazy lidí, ale vždy jsou bezvýznamné, malé ve vztahu ke krajině samotné, nebo obrazy chat, které zapadají do prostoru, který je obklopuje, a dokonce nejsou vždy patrné - to vše jsou symboly světonázor.

"Roční období: Podzim a zima" Sesshu. "Krajina" Sesshu, 1481

Závěrem chci říci, že monochromní japonská malba není chaoticky rozstříknutý inkoust, není to rozmar vnitřního ega umělce - je to celý systém obrazů a symbolů, je to úložiště filozofického myšlení, a co je nejdůležitější, způsob komunikace a harmonizace sebe a světa kolem nás. Zde jsou, myslím, odpovědi na hlavní otázky, které v divákovi vyvstávají, když čelí monochromatickému obrazu Japonská malba