Vietnamské obrazy. Malba paletovým nožem od Phan Thu Trang

Vietnamci jsou kreativní lidé s vlastním přístupem k umění. Na vietnamských obrazech vyrobených z různých materiálů je spousta neobvyklých a barevných věcí. O některých z nich vám chceme povědět, protože vás možná ani nenapadlo, že by z takových odpadových materiálů mohla vzniknout umělecká díla. Dotkneme se přitom jak dávných způsobů sebevyjádření umělců, tak těch nejmodernějších.

Obrazy vyšívané hedvábím

Obrovské množství odstínů použitých k tvorbě obrazů a jemná pečlivá práce zručných řemeslnic proslavily vietnamské obrazy vyšívané hedvábím po celém světě. V obrazech ožívají přírodní krajiny a portréty lidí. Překvapivé jsou především oboustranné malby. Všechna díla se také vyznačují efektem trojrozměrnosti obrazu. Obrazy řemeslnic lze vidět v továrně na hedvábí v Dalatu. Není to jen továrna, ale nádherná výstavní síň, kde můžete obdivovat úchvatná díla vyšívaček a pokud si přejete, koupit si svůj oblíbený obraz. Kromě toho mohou návštěvníci přímo v sálech vidět, jak dívky pracují na vytváření těchto úžasných obrazů.

Lakované obrazy

Lak je odolný, voděodolný materiál a Vietnamci s ním vytvářejí krásné obrazy a zdobí krabice, podnosy, zástěny a další předměty lakovými obrázky. Práce s lakem vyžaduje určité dovednosti, protože tento materiál rychle tvrdne. Řemeslníci musí jednat rychle a přesně. Lakované malby můžete vidět v dílně v Ho Či Minově Městě, kde se vydáte na okružní jízdu. Dílna má různé předměty od velkých komod až po malé krabice, které lze zakoupit jako suvenýry.

Obrazy z kuřecího peří

Taková jedinečná díla jsou k vidění ve starobylé čtvrti Hoi An, vytvořil je umělec jménem Dinh Thong. Od dětství se zajímal o výtvarné umění, kreslil tradičními barvami a tužkami, vyráběl koláže z papíru a pak se rozhodl vnést do své tvorby něco zcela nového a neobvyklého a vytvořil svůj první obraz z kuřecího peří. Umělec obvykle používá peří z vietnamských ptáků a jsou k dispozici ve čtyřech barvách: černé, bílé, hnědé a šedé. Dinh Thong lepí peříčka na karton, čímž vytváří krajiny, portréty nebo abstraktní kompozice. Tyto neobvyklé obrazy se vyznačují odolností, barevnou stálostí a hlavně originalitou.

Basreliéfní rytina skla SOVA

Tento druh umění není starobylý. Objevila se poté, co byly do Vietnamu přivezeny skleněné mozaiky z Evropy. Obrazy na sklo SOVA byly vynalezeny díky Fan Hong Vin. Byl to on, kdo vyvinul novou techniku basreliéfního rytí na sklo. Pomocí této techniky umělec proměňuje obyčejné skleněné dlaždice v umělecká díla. Vinh vynalezl speciální pískovací stroj, který se používá ke zpracování matného skla, a také přišel s metodou zakalení křišťálových výrobků. Gravírování se používá nejen k vytváření běžných obrazů, ale také k výrobě různých prvků výzdoby místnosti: dveře, stěny, příčky. Když světlo dopadne na sklo, vytvoří se krásný efekt: prostor se rozzáří! Obrazy zobrazují květiny a rostliny, zvířata, lidi nebo přírodní krajiny.

Rýžové obrazy

Jak víte, rýže pro Vietnamce je nejdůležitější obilovina a produkt na stole. Vietnamci si rýže váží a respektují ji. Není divu, že se rýže dostala i na pole výtvarného umění. Umělci pracující v dílně Huu Cuong Nguyena pomocí zrn rýže vytvářejí jedinečné obrazy, které zobrazují přírodu Vietnamu a lidi žijící a pracující v zemi. Pro práci si řemeslníci vybírají silná zrna stejné velikosti. Aby boby získaly různé odstíny, praží se při různých teplotách. Zkušení profesionálové dokážou vyrobit více než deset odstínů rýže. K nalepení rýže na základnu se používá viskózní mléko. Hotové obrazy se suší na slunci. Řemeslníci stráví výrobou jednoho obrazu šest až dvanáct dní.

Obrazy motýlích křídel

Obrazy z motýlích křídel vytváří vietnamský profesor Bui Cong Hien. Této práce se ujal poté, co opustil pedagogickou fakultu na Biologické fakultě Hanojského institutu. Spolu s inženýrem Dang Ngoc Anhem začali chovat motýly, aby vytvořili obrazy. Při práci se používá speciální, speciálně vyvinutý typ lepidla, které zachovává přirozenou jemnost motýlích křídel. Nyní profesor a inženýr vymýšlejí nápad naučit rolníky chovat motýly a vytvářet úžasné a neobvyklé obrazy, aby mohli zvýšit svůj příjem.

Obrazy z různých přírodních materiálů

V některých interiérových luxusních vietnamských obchodech můžete vidět originální obrazy vytvořené skupinou studentů Ourway. Jsou vyrobeny z přírodních materiálů a člověk by hned nehádal, že řemeslníci ke svým dílům používali skořápky od vajec, kořeny rostlin, seno, piliny a slámu. Je zajímavé, že studenti se snaží materiály pro své obrazy nenatírat. Nacházejí barevné piliny a využívají skořápky nejen slepičích vajec, ale i kachních a křepelčích vajec. V počáteční fázi je náčrt aplikován na základnu tužkou, poté je budoucí obrázek pokryt lepidlem, na které jsou aplikovány různé materiály. Všechny obrazy jsou originální a nejsou si navzájem podobné, což je jejich zvláštní hodnota.

Tradiční malba ve Vietnamu

Vietnamskou tradiční malbu lze rozdělit do několika typů: portréty, krajiny, žánrové a náboženské malby. Obrazy byly malovány na hedvábný nebo rýžový papír barvami na vodní bázi a inkoustem.

Portréty

Malířské portréty, podobně jako ty sochařské, vznikaly z paměti nebo z popisů a vzpomínek. Malé množství portrétů císařů, hodnostářů a představitelů šlechty se dochovalo v pagodách, zádušních chrámech královských rodin a rodinných hrobkách velkých feudálů. Mezi nejstarší díla tohoto druhu patří portrét Nguyen Chaie z 15. století, portrét vědce Phung Khac Khoana (17. století) a portréty dvou princů Nguyen Quy Duc a Nguyen Quy Canh (střed. 18. století). Umělec pečlivě nakreslil rysy obličeje a detaily oblečení, spoléhal se na popisy příbuzných nebo své vlastní vzpomínky, takže vnější podobnost byla velmi přibližná. Nové trendy v portrétním žánru, které se teprve později (v tvorbě vietnamských umělců 30. let 20. století) projevily ve větší míře, se poprvé promítly do tvorby umělce Le Van Miena.

Krajiny

Jedním z oblíbených druhů malby mezi vietnamskými umělci byly tradičně krajiny, oslavující krásu jejich rodné přírody. Hedvábné svitky, které se k nám dostaly (XVIII - XIX století), představují sérii krajin vytvořených tradičním čínským způsobem, dodržující principy zákulisní konstrukce prostoru a jemné barevné nuance. Nejběžnějším charakteristickým rysem vietnamské krajinomalby je, že obraz přírody je vnímán jako idealizovaný, abstraktní a výraznější pro umělcovu náladu než okolní realita. Následně, zejména od počátku 20. století, jak jsme se více seznamovali s evropskou malbou, procházela krajinomalba výraznými změnami.

Žánrové malby

Náměty děl tohoto druhu byly velmi omezené a malby sloužily převážně k dekorativním účelům. Hlavními postavami, kromě přírodních prvků, jsou v tehdejších uměleckých dílech lidé: „vědec, rolník, řemeslník, ctihodný stařec, rybář, dřevorubec, oráč, pastýř“. Klasickým příkladem takové žánrové malby je obraz „Rybář zaneprázdněn chytáním ryb“. Vietnamskou malbu tohoto období charakterizují statické, dvourozměrné obrazy.

Obrázky kultovního obsahu

Náboženské obrazy se malovaly také vodovými barvami na hedvábí, rýžový papír nebo dřevo. Vyznačují se jemnou a pečlivou technikou psaní, mimořádnou péčí o ty nejmenší detaily oblečení a vybavení. To lze vysvětlit zejména tím, že to byly určité oděvy a různé atributy, které pomáhaly orientovat se ve složité hierarchii kultovních postav. Kromě toho se každý mistr snažil zdůraznit vysoce ceněnou důkladnost provedení, jemnost provedení a ladnost tahu štětcem.

Lubok – lidová malba

Lubokové zaujímají zvláštní místo ve výtvarném umění Vietnamu. Vietnamská lidová malba je variantou ruského lidového tisku. Obraz je vyražen na dřevěné desce (klišé), poté malován a nakonec vytištěn na speciální vláknitý papír „kei zo“. Barvy byly vyrobeny z popela z hořících bambusových listů, slámy (černá), kůry stromů dyp (bílá), žlutého kamene (červená), květů Sophora (žlutá), indigowortu (modrá) a měděné rzi (zelená). Charakteristickým rysem dlahy Dongho byl barevný podklad, získaný přidáním odvaru lepkavé rýže smíchaného s drceným práškem z mořských mušlí do barviva. Díky této jedinečné povrchové úpravě byl papír odolnější a perleťový prášek dodal malbě mírný šmrnc. Takzvané Hanojské oblíbené tisky jsou dlouhé, malebné svitky. Tradičně byly na svitky aplikovány hieroglyfy a kresby. Vietnamci typicky vytvářeli cykly obrazů: „Čtyři roční období“, „Květiny a ptáci“, „Cesta na Západ“. Někdy bylo na jednom obrázku zobrazeno několik vzájemně propojených kreseb („24 příkladů synů zbožnosti“).

Lubki se obvykle dělaly na různé svátky, ale hlavně na Nový rok (podle lunárního kalendáře) svátek Tet, který je jarem i hlavním svátkem roku. Existují značné rozdíly mezi oblíbenými tisky vytvořenými před francouzským dobytím a po něm, kdy se rozšířil papír jiné kvality a formátu a nové barvy. Jméno mistra nebylo nikdy uvedeno na prvních populárních tiscích a teprve od 20. století. známe jména nejslavnějších mistrů: Nguyen The Thyc, Vuong Ngoc Long, Tiong Manh Tung atd. Zpravidla se tomuto řemeslu věnovaly celé rodiny a své dovednosti si předávaly z generace na generaci. Mezi předměty populárních tisků patří různá přání u příležitosti Tet, vyjádřená tradičně pomocí obrázků různých květin, ovoce, zvířat, předmětů symbolizujících prosperitu, četné ctnosti: broskev - dlouhověkost, granátové jablko - početné potomstvo, páv - mír a prosperita, prase - hojnost atd. Kromě toho byly populární tisky povznášející, historické, náboženské (zobrazující Buddhu a tělesné satvy, různé duchy) a tisky zobrazující krajinu a čtyři roční období.

Lakonický a expresivní styl lidových lidových tisků, jejich zvláštní figurativní struktura, jejich vlastní optimismus a osobitý humor se nepochybně staly výrazem určitých rysů národního charakteru. A již v prvních desetiletích 20. století, kdy se objevil zájem o studium vlastních uměleckých tradic, začaly lidové lidové grafiky právem dostávat důstojné místo v národním dědictví.

Lakování

Evropa se o mimořádné vietnamské lakované malbě dozvěděla v roce 1931, kdy návštěvníci Světové výstavy v Paříži viděli práce studentů a absolventů Vyšší umělecké školy v Indočíně. Po mnoho staletí se míza z lakového stromu, který roste všude ve Vietnamu, používá jako materiál pro vytváření děl tohoto typu malby. Lakové zástěny, vázy, podnosy, krabice a další předměty byly pokryty lesklou vrstvou laku. Barevná škála laku byla omezena na černou, červenou a hnědou, proto byly jako ozdobné doplňky použity zlaté a stříbrné pudry, intarzie s perletí a vaječnou skořápkou a rytina. Umělci-malíři, kteří ve dvacátých letech studovali na Vyšší škole výtvarných umění, iniciovali pokusy přenést kouzlo malby lakem do malířského stojanu. A omezení barevných možností laku bylo jednou z nejtěžších překážek. Tento problém se však postupně vyřešil. V paletě se objevily modré, žluté a zelené odstíny a kombinace barviv obohatily lakovou malbu o fialové, lila, růžové a šarlatové barvy. Technologie lakování je však dodnes velmi pracná.

Vietnamští historikové umění se domnívají, že touha umělců vyjádřit se k tvorbě malířského malířského stojanu dostala příležitost k realizaci až po srpnové revoluci v roce 1945. Vlastenečtí lidoví umělci odráželi ve své tvorbě novou socialistickou realitu. Mezi prvními experimentátory, kteří pracovali s lakovými barvami, byl Chan Van Kang, nyní uznávaný umělec v olejové i lakové malbě. Jeho rané lakované obrazy měly úspěch na výstavě v Hanoji v roce 1935. Jako velký mistr evropské techniky olejomalby se Chan Van Kang ve svých lakovacích pracích projevil jako hluboce národní umělec. Na výstavě v Hanoji v roce 1958 se laková malba poprvé představila jako nová forma umění.

Důsledný realista a subtilní textař Phan Ke An staví svůj obraz „Vzpomínky na večer v severozápadním Vietnamu“ (1955) na kontrastní kombinaci průsvitných modrozelených tónů se světle žlutým neprůhledným zlacením. Tento obraz je významný svým pojetím a romantický provedením. Na pozadí hor zalitých večerním sluncem se jasně vyjímá řetěz vojáků v modrých uniformách sestupujících z průsmyku do nížiny horské soutěsky. Kráčejí čelem ke slunci a zachycují jeho poslední paprsky, než odejdou do temnoty noci. Tři základní barvy žlutá, modrá, zelená (nepočítaje malé množství černého laku) zprostředkovávají bohatství umělcova emocionálního záměru díky speciální hře textur a různé hloubce odražené barvy.

Zlatý lesk tmavého lakovaného povrchu se nejorganičtěji projevil v kompozici jednoho z nejsilnějších mistrů lakové malby, Le Quoc Loc, „Through a Familiar Village“ (obraz byl vystaven v Moskvě na mezinárodní výstavě výtvarného umění socialistické země v roce 1958). Obraz „Noční procházka“ od umělce Nguyen Hiem demonstruje schopnosti malby lakem při vytváření pocitu tajemství a romantiky. Použití intarzie ke zvýšení dekorativního efektu lze ocenit na malbě Nguyen Kim Dong „Ceramic Craft“ (1958), zobrazující dva hrnčíře při práci. Střídání širokých rovin intarzie vaječných skořápek (bílá stěna pece a bílé šaty hrnčířů) s nejjednoduššími barevnými siluetami kompozici natolik zobecňuje, že obraz působí téměř jako mozaika či reliéf.

Popis vietnamské lakové malby by byl neúplný bez zmínky o technice vyřezávaného (rytého) laku, která byla oblíbená zejména mezi mistry 20.-30. let minulého století. Obvykle se používal k vytváření dekorativních panelů, obrazovek a dalších detailů interiéru. Tato technika se používá dodnes. Na černém nebo červeném pozadí lakového povlaku je vyříznut vzor (až na zem), který je vyplněn různými barvivy. Příkladem je obraz Guyna Van Thuana „Vinh-mok Village“. Ostrá rytina, zvýrazněná jemnými světlými tóny, vytváří ostrý kontrast s lesklým a hladkým černým pozadím. Kompozice obrazu s vysoce vyvýšeným horizontem umožňuje rozvinout celé panorama života v rybářské vesnici.

Zvýšená dekorativnost textury lakových barev, která umožňuje inlay s jinými materiály, dává tomuto obrazu zvláštní expresivitu. Vietnamská laková malba se vyvinula z dekorativní malby do stojanových tematických kompozic. Zpřístupnily se jí všechny žánry a všechna témata olejomalby. Přímořská krajina, obraz vojenského tažení v džungli, obraz uhelného dolu, vesnická scéna, obraz ocelárny nebo prasečí farmy, dokonce i zátiší a portrét. Malba, která se zformovala v krutých válečných letech, odrážející národní sen o štěstí a míru, žije a rozvíjí se v dnešním socialistickém Vietnamu jako estetické vyjádření vysokého lidského ducha.

Vietnamské výtvarné umění vždy zahrnovalo materiál jako nedílný prvek krásy díla. Není náhodou, že v tradičním vietnamském výtvarném umění doznala profese řemeslníka zvláštního rozvoje a každý mistr byl specialistou ve svém oboru: byli to mistři ve výrobě laků, perleťových předmětů, řemeslníci ve zpracování drahých kovy, perly, měď, dřevo a hedvábí.

Malování vodovými barvami na hedvábí

Vietnamští umělci vytvořili mnoho uměleckých děl na bázi hedvábí. Mezi úspěšnými mistry pracujícími s hedvábím a živě odrážejícími skutečný život stojí za zmínku: Chan Wang Kang „Dítě čte své matce“ (1954); Nguyen Phan Chan „Dívka se myje“, „Po kontrakci“, „Péče o dítě“ (1962, 1970), „Pijte čaj“ (1967); Nguyen Trong Kiem "Návštěva" (1958); Nguyen Van De "Letní odpoledne"; Fan Hong "Chůze v dešti" (1958); Nguyen Van Trung "Měsíční svit na písku" (1976); Tran Dong Luon "Dívky pracovní skupiny" (1958); Ta Thuc Binh "Sklízení rýže" (1960); Nguyen Thi Hang "vietnamské dcery" (1963); Vu Giang Huon "Ryba" (1960); Nguyen Thu „Návštěva vesnice“ (1970), „Déšť“ (1972), „Tkaní“ (1977); Kim Bak „Ovoce vlasti“ atd.

Inovace spočívala v tom, že pomocí zobecněných metod ztělesněných na hedvábí zprostředkovaly skutečný život. Umělci hluboce a úspěšně prozkoumali téma produktivní práce. Nejvýraznější díla tohoto období patří Nguyenu Phan Chanovi: vytváří ve svých dílech nový duchovní život, zobrazuje šťastné ženy, děti, rodiny ve dnech míru atd. V díle „Portrét Chy Dong Tu“ (1962) Nguyen Phan Chan ukazuje krásu ženského těla na měkkém hedvábí, což dokazuje její hluboký výzkum v umění.Dalším mistrem tohoto směru v malbě je Nguyen Hu (nar. 1930). Ve své tvorbě zprostředkovává průhlednost horského vzduchu, prostor a prostor své rodné země. Příroda a člověk jsou hlavními postavami jeho obrazů. Nguyen Hu významně přispěl k rozvoji moderní technologie hedvábné grafiky.

Zveřejněno: 4. března 2011

Paleta štěstí- Malba Vietnamu 50. let

(Hanojské muzeum výtvarných umění).

Při krátkém pohledu na díla vietnamských mistrů 50. let 20. století člověk neustále žasne nad tím, jak moderně působí obrazy vzniklé v oněch drsných dobách. Barvy samotných maleb jsou svěží, jako by odrážely rozmanitost odstínů přírody Vietnamu, s hustou zelení tropických rostlin a azurovými odstíny vln zátoky Ha Long, se zlatou září písku na oceánu. pobřeží oceánu a sluncem zalitá rýžová pole s pestrým ruchem květinových trhů...

Umělecká kultura Vietnamu od pradávna absorbovala všechny nejlepší úspěchy a vlivy zvenčí. Formování vietnamské umělecké tradice bylo silně ovlivněno konfuciánskou filozofií a buddhistickou kulturou Číny, složitými formami a obrazy hinduistického umění a později styly a směry francouzského umění. Samozřejmě, že v padesátých letech, jakkoli je to těžké uhodnout, mělo umění socialistického realismu velký vliv. Ale s tím vším se historie vietnamského malířství zdá být klubkem jasné a silné nitě, která nebyla nikdy přerušena, vytvářející látku se vzory, které vyjadřují samotnou duši Vietnamu. A proto se ve vietnamském umění 50. let pravděpodobně nedočkáme ani poučných intonací konfuciánské tradice, ani buddhistické odtažitosti, ani poněkud hrdé kultivovanosti francouzské školy, ani náznaku otevřeného „polit. agitace“, ani socialistický realistický důraz na ideologii. Vietnamská malba, pokusíte-li se ji charakterizovat doslova „ve zkratce“, vyjadřuje skrytý obdiv k nejprostšímu každodennímu životu, je to pocit štěstí zamrzlý v barvách a zároveň sen o štěstí. Obecně platí, že po letmém pohledu na obrazy 50. let ze sbírky Hanojského muzea v návštěvníkovi zanechá zvláštní pocit důvěry, že odpověď na „zatracenou“ otázku „Co je štěstí a jak ho najít? ?" konečně nalezený v hloubi mého srdce, roztavený z ledu všedního dne hřejivou paletou vietnamských mistrů.

Obraz Tran Don Luon, „Štěstí“, 1956, malba na hedvábí

Obraz od Trana Dona Luona, vytvořený v roce 1956, se nazývá „Štěstí“. Obrazy tohoto obrazu namalovaného na tenkém hedvábí jako by se vynořily z oparu ranní mlhy v horách severního Vietnamu, odkud umělec pochází. Hedvábné plátno zjemňuje odstíny, zdůrazňuje jemnost polotónů a hru světla a stínu a nasytí všechny barvy díla zlatým leskem. Umělec tak jednoduše a jasně, elegantně a upřímně vyjadřuje prastarou myšlenku šťastné rodiny, harmonických vztahů rozvíjejících se v souladu s okolním světem, s přírodou. Harmonické spojení lidského světa s přírodním světem vyjadřuje nejen děj, ale i koloristické řešení: ve vybledlém modrošedém kostýmu selské ženy se ozývá stříbřitě namodralé, částečně popelavé, polotóny hory v dálce, které v podstatě slouží jako perspektivní zázemí pro žánrovou scénu. Chudý selský život nevypadá bídně a není spojen s „těžkým břemenem“ lidu, jak by se dalo číst ve starých učebnicích. Zdůrazněná skromnost oblečení, zdrženlivost a klid v gestech a neumělost vchodu do chýše zaměřují naši pozornost na vnitřní harmonii vládnoucí v srdcích zobrazených lidí. Možná se někdo přiklání k názoru, že to vše je jen ukazatelem „primitivnosti“ a „zaostalé ekonomiky“, případně komunistické „propagandy“ dělnicko-rolnického způsobu života... Se závěry by se nemělo spěchat. Vraťme se ke staleté legendě o štěstí hrdiny jménem Chu Dong Tuai. Tento chudý rybář se jednou setkal s krásnou královskou dcerou Tien, která byla zvyklá na šaty vyšívané zlatem. Mladí lidé se do sebe zamilovali a Tien utekla z paláce, aby žila v jednoduché chýši se svým milencem, přičemž za své hlavní bohatství považovala povahu své rodné země, živé, upřímné city a její úsměvy. děti. Od té doby se věří, že láska Chu Donga a Tien sponzoruje mladé páry, aby přežily všechny těžkosti života a zachovaly své city a vztahy. A na tomto obrázku je jakoby ozvěna dávné legendy, která nám, pohlceným vírem velkoměst, připomíná, jak otevřít dveře štěstí. Ale nebyl to ani vietnamský a už vůbec ne „komunistický“ filozof Soren Kierkegaard, kdo řekl, že „dveře štěstí se neotvírají dovnitř, ale zevnitř“. Vietnamská malba je tedy v barvách vyznání i filozofie.

malba To Ngoc Van „Buffalo darováno po agrární reformě“, 1955, akvarel.

Ale o obraze To Ngoc Van s expresivním názvem „Buffalo Donated After Agrarian Reform“ by se dalo přesně říct „propaganda“, „politický řád“... a nazvat to den. No ne!!! A tady není všechno tak jednoduché! To, co na vietnamském způsobu myšlení zaráží, je především jejich samostatnost a schopnost přizpůsobit jakékoli myšlenky vlastnímu duchovnímu složení. Grafický obraz svým výtvarným provedením připomíná spíše etudu, skicu a takovýto útržkovitý charakter slouží jako výraz poezie a vnitřní dynamiky obrazu. Pocitu prudkého pohybu je dosaženo rozvojem dynamiky podél úhlopříčky kompozice. Zdá se, že buvol se na svého nového majitele dívá překvapeně. Zdrženlivý úsměv na ženské tváři vyjadřuje klid, sebedůvěru a radost. Ve staré vietnamské mytologii symbolizuje buvol strážce slunce. Jak se říká v legendách a pohádkách, v době stvoření světa bájnými hrdiny nebeský buvol nesl na rozích sluneční kotouč a začal si s ním hrát, házet s ním - když slunce skáče do výšky, pak přijde den, kdy sestoupí na rohy nebeského buvola, pak v míru přijde noc. A tento buvol darovaný mladé selské ženě je metaforou pro naděje na světlo slunce nového života, svobodného a šťastného, obraz zachycený umělcovým rychlým štětcem, který zastavil nejen moment z historie Vietnamu v r. století dvacátého, ale i motivy dávných legend a mýtů.

obraz „Dvě dívky s bratrem“ To Ngoc Van, 1954, olejomalba

To Ngoc Van ve svém obraze „Dvě dívky s bratrem“ zprostředkovává radost z duchovní blízkosti mezi lidmi, pocit štěstí ze samotného života a komunikace. Bílé šaty mladé dívky sedící na podlaze odrážejí sněhově bílé květy v pozadí, její postava symbolizuje čistotu rozkvětu mládí. Postava starší sestry vypadá nádherně, její tvář je prozářena vnitřním klidem a jasností myšlenek. Mírné blikání světelných reflexů na tvářích a oblečení dívek zvyšuje expresivitu barevného schématu obrazu. Kompoziční řešení zdůrazňuje klidný, kontemplativní charakter scény. Postavy dvou dívek a dítěte jsou vepsány do oválu, čímž je dynamika kompozice jakoby uzavřena uvnitř obrazového prostoru a vytváří zvláštní svět uvnitř obrazu, dýchajícího klidem a laskavostí. Mistrně provedené klasické kompoziční schéma však nepůsobí kanonicky ani mrazivě. Upřímnost tváří a saturace obrazu světlem, postava dítěte oblečená v jasně červené bundě, dětsky naivně jasná ve vztahu k barvě obrazu jako celku - to vše dodává vitalitu a zvláštní chuť vyobrazený výjev z každodenního života.

Malba Nguyen Duc Nun<Прядильная нить>, 1956, malba lakem

Nguyen Duc Nun ve filmu „Spinning Thread“ nelíčí pouze scénu rutinní práce přadlenů při vzniku samostatného státu Vietnam, kdy ženy musely každý den 10 nebo 12 hodin pracovat, aby splnily plán. V tradičním světonázoru Vietnamců není práce jen způsob, jak přežít, vydělat si na živobytí, není to nudná povinnost, ale něco jako kult, bohoslužba a také způsob, jak udržovat posvátné tradice, spojení a kontinuitu generací. A na obrázku je viditelné ztělesnění této filozofické, náboženské a hluboce tradiční myšlenky Vietnamu. Je zajímavé, že na rozdíl od revolucionářů v Rusku se vietnamští revolucionáři vůbec nesnažili prosadit ateistickou ideologii, pouze usilovali o národní svobodu, o politickou nezávislost. Vietnamcům to umožnilo uchovat si prapůvodní lidové duchovní hodnoty a starobylé historické památky umění, a samozřejmě hlavně tradiční způsob myšlení, neoslabený žádnými suchými ideologickými schématy. Kompozice obrazu je založena na srovnání tří plánů, perspektivně se smršťujících a jdoucích hluboko do obrazového prostoru. V popředí mladá dívka soustředěně dělá svou práci. Zářivě žlutá barva jejího svetru je symbolická - v buddhismu je to barva duchovní cesty, protože oblečení Buddhy Šákjamuniho, když se vydal na cestu putování za hledáním pravdy, když opouštěl dům svého bohatého otce, bylo přesně žluté . To je také barva mládí, sluneční paprsky, které dávají život všemu živému. Pracovitost v práci je také asketismus, osobní duchovní cesta, kterou tato mladá dívka začíná. V pozadí je starší žena v šatech zemitých barev. Jejím živlem je země, její obraz je spojen s úrodností půdy, její práce je pro blahobyt její rodné země. A třetí rovina je skutečným obrazem přírody, věčné, uchovávající život, dodávající sílu a víru. Čteme-li obraz jako otevřenou knihu, od jednoho plánu k druhému, od jednoho řádku k druhému, uvědomíme si, že nám umělec v barvách vypráví o duchovním spojení mezi generacemi, o kontinuitě vlákna života lidské kultury, věčné a nepřetržitý, jako samotný život přírody.

Chan Din To, "Dřevěný most", 1956, akvarel

Chi Ngoc, "Wooden Bridge", 1956, malba akvarelem na lepidle

Obraz mostu se často objevuje jako symbol spojení a kontinuity generací jako základ štěstí. Symbolicky, a nejen viditelně, spojuje břehy, most je metaforický, naznačuje potřebu vazeb mezi lidmi - přátelství, rodina, spolupráce, duchovní spojení, vzájemné porozumění různých generací. Shi Ngoc, zobrazující vratký dřevěný most, ukazuje, jak silný je ve větru - silný, jako stromy spojené svými kořeny s rodnou zemí a schopný být pružný, ale nelámat se pod poryvy větru. V obraze jiného umělce, Tran Dinh To, namalovaném ve stejném roce 1956 jako obraz od Chi Ngoca, se také stalo ústředním tématem most.

Kompozičně je obraz vertikálně rozdělen na tři části. Dole je řeka, symbol nestálosti a změny, pohyblivosti existence, nahoře je nebe, věčné, spojené ve vědomí se vším vznešeným a duchovním. Ať už moderní vietnamský rolník vyznává jakékoli náboženství (a ve Vietnamu vždy existoval vysoký stupeň svobody vyznání, někteří jsou nejen buddhisté nebo stoupenci učení Konfucia a Lao-c'a, ale také křesťané nebo muslimové), vždy věří v starověká moudrost, že plodnost Země je posvátným darem nebes, který lidé musí uchovávat, chránit, chránit a ctít, pracovat na zemi a tento dar neustále obdivovat. A ne náhodou zde most působí i jako metafora pro spojení nebe a země, duchovních a světských principů v lidském životě. Myšlenka jednoty duchovního a světského života se zdá být zdůrazněna barvou obrazu - barva nebes odráží barvu bahnitých vod řeky přinášející úrodné bahno do polí.

obraz od Fan Ke An<Уборка урожая во Вьетбаке>, 1953, malba lakem

Touha oslavit úrodnost polí, krásu rodné země a svůdnou mystickou rozlohu vysokého nebe se odráží v obraze Phan Ke An „Sklízení ve Viet Bac“. Umělec pracoval v tradiční jihovýchodní asijské technice malby lakem, ale výtvarný a vizuální systém v tomto díle vychází z principů evropské realistické malby. Phan Ke An preferoval, jako mnoho dalších řemeslníků ve Vietnamu, aby si barvy pro svá díla vyráběl sám. To je tajemství nepolapitelné krásy a originality odstínů, jedinečnosti polotónů a melodiky barevných kombinací. Smícháním drcených výhonků a větví sofory v různých poměrech k vytvoření žluté barvy umělec dosahuje různých odstínů žluté, které realisticky zprostředkovávají bohatství čerstvé úrody a naplňují obrazový prostor pocitem radosti ze života. Nazelenalé barvy je dosaženo použitím oxidu mědi a borovicové pryskyřice, efektu vnitřního vyzařování je dosaženo přidáním jemně drcené perleti do vrstvy laku. Původně byla řešena vícefigurální kompozice v perspektivní redukci. Postavy pracujících rolníků se v prudkém pohybu postupně vzdalují od diváka do hlubin vesmíru, stávají se sotva znatelnými body blíže k úpatí vysokých hor, kde je hranice úrodného pole, a jako by se slévaly v jediném proudu. s rytmem života přírody, tvořící s ní jednotu a tím ztělesňující skutečnou harmonii existence. Tváře rolníků nejsou pro diváka viditelné, individualismus je Vietnamcům obecně cizí, ale na diváka je zprostředkována mocná energie těchto lidí, jejichž výrazné postavy jsou prodchnuty pocitem štěstí z tvůrčí práce a pocitem jednoty; a blízkost své přirozené povaze.

Wan Bin, malování<Единство народов севера и юга>, 1956, malba vodovými barvami na lepidlo

Obraz jednoty a přátelství mezi národy Vietnamu je ztělesněn ve Van Binhově obrazu „Přátelství národů severu a jihu“. Obraz byl vytvořen složitou technikou, která kombinuje tradice vietnamské lakové malby a západoevropských akvarelů. Barvy na vodní bázi umělec nanáší na lak-adhezivní základ, který je pro ně speciálně připraven. Po zaschnutí akvarelových barev umělec nanesl navrch nové vrstvy transparentního lepidla, které dodává barvě malby jemný lesk a zvláštní ladnost odstínů. S obrazy dvou dívek, symbolizujících jednotu Severu a Jihu, se také pojí nejen historické peripetie 50. let, ale i legendy dávných časů. Pro ty, kteří znají starověkou historii a legendy Vietnamu, jsou obrazy těchto dívek jako ozvěna legend legendárních sester Trungových, které v prvním století našeho letopočtu shromáždily mocnou armádu a porazily čínské vládce, čímž dosáhly, i když na krátkou dobu, nezávislost pro svůj lid . Van Binh tímto obrazem zprostředkovává velmi jasnou metaforu – výzvu, aby se sever a jih jako dvě legendární sestry spojily a dosáhly absolutního osvobození území Vietnamu. Abychom lépe pochopili, o čem zde mluvíme, připomeňme si krátce historii dělení Vietnamu. Myšlenka bratrství a jednoty národů Vietnamu se stala obzvláště aktuální v 50. letech, protože v roce 1954 bylo území Vietnamu rozděleno podél sedmnácté rovnoběžky na dvě části - severní Vietnam, který dosáhl nezávislosti, a jižní Vietnam, kde byla posílena proamerická „loutková“ vláda. Ve Washingtonu bylo rozhodnuto spolehnout se na Ngo Dinh Diem, který byl napojen na CIA, který byl samozřejmě ne bez podpory amerických zpravodajských služeb nominován na post premiéra loutkové vlády v jižním Vietnamu. , protože Spojené státy chtěly proměnit Jižní Vietnam v kolonii nového typu. V říjnu 1955 Diem zbavil moci císaře Bao Daie pomocí podvodných voleb, po kterých vyhlásil vznik suverénní Vietnamské republiky, což bylo objektivní porušení Ženevských dohod. Vyhlídka na znovusjednocení Vietnamu tak byla záměrně odložena na neurčito. Diemovou závažnou strategickou chybou bylo zrušení vesnické samosprávy na jihu, čímž byly porušeny staleté vietnamské tradice, zejména tradice jihovietnamského venkovského způsobu života. V důsledku toho se ukázalo, že rolnictvo, které tvořilo většinu obyvatel Jižního Vietnamu, bylo proti Diemově vládě, která zahájila mimo jiné represe proti komunistickému podzemí, které v zemi zůstalo po roce 1954, i když byl slabý a nepředstavoval pro něj skutečnou hrozbu. Bez ohledu na to, jak moc se proamerické kruhy snažily rozdělit lid Vietnamu, nebylo to možné a v prosinci 1960 vytvořily vlastenecké síly Jižního Vietnamu Frontu národního osvobození, která měla bojovat za nezávislost a sjednocení země (připomeňme, že sever a jih Vietnamu se nakonec sjednotil v roce 1976). Van Binhova malba byla, jak se nyní říká, „tématem dne“, přičemž zůstala v úzkém spojení s tradičními obrazy, které odrážejí legendy a staletou historii Vietnamu.

Lyrické, nasycené zářením světla a rozmanitostí barev, jsou obrazy Luong Xuan Ni. Krajinu naplňuje kontemplativní klid, zobrazující jednoduchou vesnici na břehu řeky. Obraz na první pohled působí opuštěně, postavy lidí jsou pouze konvenčně naznačeny v pozadí. Zdá se však, že samotná příroda je obdařena lidskostí, duchovností a pocitem štěstí. Luong Xuan Ni maluje oleji, hlásí se k tradicím francouzské školy, a proto jeho barvy někdy připomínají paletu Cezanna nebo Renoira.

Jemnost vnímání barev je pro umělce stejně důležitá jako přesnost sluchu pro hudebníka. A jakoby rafinovaná krásná melodie, od noty k notě, od akordu k akordu, přenášející pohyby duše, zní barevné schéma krajiny. Buď se na vodě a listí mihne žluté odlesky, pak měkká zelená zeleň spojí všechny barvy se smaragdovou září a uvolní náš pohled, pak hustá zeleň a nahnědlé kmeny stromů zdůrazní barvu tropické flóry.

Dalším obrazem Luong Xuan Ni je zátiší. Květiny ve váze jsou jako ztělesnění snu o rozkvětu rodné země nebo prostě sen o štěstí.

Vzory ubrusů připomínají naivní a dynamické vzory na obrazech Henriho Matisse, ale nemluvíme o napodobování, ale spíše o kontinuitě tradic. Vietnamští umělci nikdy nekopírovali francouzské mistry, ale pouze si vypůjčovali a přejímali rysy, které se jim líbili, a interpretovali je na základě svého vlastního pohledu na svět. Květiny ve váze jsou tak jednoduché a nádherné a stejně poetické a elegantní. Připomínám si věty vietnamského básníka Mana Giaca z 11. století: „Jara pominou, stovky květin padají, stovky květin kvetou s novým jarem.“ Květiny jsou symboly proměnlivosti a pomíjivosti života a zároveň naděje na znovuzrození ve víru existence.

Mai Long, který v 50. letech teprve začínal svou uměleckou kariéru, zobrazil scénu ze života v národní autonomní oblasti Tai Meo v severozápadním Vietnamu. Tato oblast je prakticky odříznuta od hlavních obchodních a kulturních center Vietnamu vysokými horami a lesy, díky nimž si lidé Tai Meo zachovali svou vlastní jedinečnou kulturu. Zamilovaný mladík věnuje melodii bambusové flétny khen své přítelkyni. Světlé šaty dívky ve své vnitřní záři odrážejí barvu úplňku, což vyvolává představy z vietnamské lidové poezie, kdy je krása ženy často přirovnávána k tváři měsíce osvětlujícího temnotu noci. Tak jako měsíc dává světlo noční krajině, tak krása dívky osvětluje život mladého muže svým milostivým světlem. Pocit chladu noci se přenáší v mihotavých namodralých odlescích a zdá se, že celý svět, vrcholky vzdálených hor a tenké kmeny stromů napjatě naslouchají melodii, která proniká nočním tichem a ohřívá vzduch. noci a dívčina srdce.

"Kdykoli nebyla zlá zima, svět zapomněl na jaro..." Těmito slovy můžeme završit naši povídku o vietnamské malbě 50. let, která se na pozadí válečných útrap jevila jako barevné ztělesnění samotné myšlenky štěstí. Toto jsou řádky ze slavného „vězeňského deníku“ Ho Či Mina, napsaného během let tvrdého boje za nezávislost vietnamského lidu. Tehdy, ve 40. letech, Nguyen Ai Quoc (v překladu Nguyen Patriot, skutečné jméno bylo Nguyen Tat Thanh), vězněný za svůj boj, budoucí vůdce svobodného Vietnamu, přijal pseudonym, pod nímž získal celosvětovou slávu. V překladu jméno Ho Či Min znamená obdařený moudrostí. Moudrost, jako kombinace životní zkušenosti a pozorování, projev přirozeného talentu a opravdové lidskosti, ztělesnění duchovnosti, laskavosti a soucitu, je právě moudrostí, která vede ke štěstí a svobodě ve filozofickém, a nejen politickém porozumění. Zdá se, že vůdce národně osvobozeneckého hnutí ve Vietnamu, který přijal tak zvučný pseudonym, skromný a inteligentní, ale zároveň odhodlaný a nesmiřitelný v boji, potvrzuje myšlenku, že moudrostí je třeba se řídit nejen ve věcech vlády, ale i v překonávání strmých zvratů osudu. Moudrost Vietnamců při hledání štěstí se vždy odrážela ve výtvarném umění. Malířské umění 50. let svými barvami jakoby zvěstovalo příchod „jara“ – obrodu nezávislého Vietnamu po kruté „zimě“ válek a deprivací.

Abychom shrnuli stručný přehled děl vietnamského malířství 50. let ze sbírky Hanojského muzea, dalo by se říci, jakou roli sehrála v dějinách vietnamského umění konkrétně a ve světové umělecké kultuře vůbec, nebo jak blízko si obrazy jsou spojené , vytvořené umělci, s historickými událostmi těchto let as historickou a kulturní národní tradicí. Pravděpodobně však bude stačit jen nahlédnout do vlastní duše - a to je výsledek seznamování se s uměním Vietnamu v těch letech, které jsou nám již poměrně vzdálené. Je to, jako bychom se stali nějak bohatšími a moudřejšími, když jsme ponořili své oči a pocity do palety štěstí.

Lukashevskaya Yana Naumovna, historička umění, nezávislá kritička umění, kurátorka výstavy.

© web, 2011

Od: Biryukova Irina, Zveřejněno: 15. června 2006

O trendech ve vývoji krajinomalby v moderním Vietnamu. Rysy uměleckého života země v moderních ekonomických a politických podmínkách.

Podzimní mlha na hoře We-lin
obklopuje stromy.
Různé barvy bylin, nesčetné množství květin
zdobí smrtelný svět.

Nguyen Zy „Rozhovor v Kim Hoa o poezii“ XVI. století.

Současná malba ve Vietnamu udivuje rozmanitostí uměleckých stylů. Zároveň neexistuje jasné rozdělení na styly a žánry - styl každého umělce je jedinečný ve své individualitě, ale zároveň se všichni mistři snaží najít a vyjádřit přesně národní vietnamský ideál. Od pradávna se Vietnamci cítili nedílnou součástí přírody, poslouchali její rytmy a obdivovali její sílu a krásu. Dosažení souladu s přírodou je pro Vietnamce nejen kontemplativní a filozofický koncept, ale také naléhavá nutnost. Geografové někdy Vietnam nazývají „balkonem Tichého oceánu“. Vlhké klima a neustálé záplavy nutily obyvatele těchto zemí hledat příležitost, jak se přizpůsobit tak těžkým podmínkám. Tvrdá práce a zodpovědnost Vietnamců jim pomohla rozvíjet tyto země, které zpočátku nebyly vhodné pro zemědělství. Vietnamci jsou na tuto skutečnost náležitě hrdí. Mají přísloví: „V Kambodži jedí rýži, v Laosu s ní obchodují a ve Vietnamu ji pěstují. Rýže pěstovaná ve Vietnamu má nyní nejcennější nutriční vlastnosti, a proto je pro ekonomiku této země stejně důležitým faktorem jako ropa a plyn pro mnoho dalších zemí.

Nguyen Thi Tam, „Village Scene“, Hanojské muzeum, hedvábí, akvarel, 60x45, 90. léta.

Každý Vietnamec je skutečně patriotem své země, zná jména téměř každé hory nebo řeky, každé krásné květiny. Když vietnamští umělci malují přírodu, snaží se nekopírovat žádnou krajinu z přírody, ale zprostředkovat své osobní zážitky z rozjímání nad krásami své rodné země, vyjádřit svou upřímnou lásku k nekonečné vznešenosti a rozmanitosti přírody. Krajinomalba na hedvábí má nejznamenitější umělecké kvality. Samotný materiál vám umožňuje ukázat nejjemnější barevné nuance a zprostředkovat změny, ke kterým dochází v krajině v důsledku povětrnostních jevů. Nguyen Thi Tam ve své „Village Scene“ zobrazuje ranní krajinu po dešti. Stromy se odrážejí v bahnité jílové vodě zálivu a čáru horizontu skrývá mlžný opar. V popředí obrázku jsou dřevěné vratké lávky vedoucí ke skromným vesnickým domkům. Před námi je poetický obraz rozmarné přírody, s níž jsou Vietnamci zvyklí žít v souladu. Domy jsou prakticky zaplavené vodou a děti se bezstarostně baví houpáním na mostech.

Chu Thi Thanh, "Folk Festival v severozápadním Vietnamu", Hanojské muzeum, hedvábí, akvarel, 70x65 cm.

Typickou krajinomalbou na hedvábí z 90. let je „Folk Festival v severozápadním Vietnamu“. Umělec Chu Thi Thanh zde dosahuje skutečné organické syntézy krajinomalby a žánrové malby. Lidový svátek koreluje mistr s přírodními prvky. Zdá se, jako by se na oslavě podílela sama příroda: větve stromů, ohýbané větrem, odrážejí hladké pohyby vesnických tanečníků a hory slouží jako přirozená kulisa této radostné scény. V barvení malby nejsou žádné místní barvy. Světlé odstíny zelené, šedavě modré a citronově žluté vytvářejí jedinečnou hlavní barevnou jednotu.

Le Kim My, “Severní Vietnam”, Hanojské muzeum, hedvábí, akvarel, 60x45 cm.

Umělec Le Kim My maluje severovietnamský pohled se stejnou inspirací, ale neláká ho sváteční zábava, ale každodenní práce. V krajině „Severní Vietnam“ zobrazuje dívky kráčející po okraji rýžového pole a nesoucí za zády proutěné košíky. Kmeny stromů jsou graficky namalovány mistrem, což evokuje asociace s tradiční malbou Číny a Koreje. V barevném schématu dominují odstíny zelené, které zprostředkovávají svěžest listů nasycených vlhkostí. Krajinná olejomalba se stala populární na začátku nového 21. století, ale inklinuje spíše k dekorativnosti než k opravdové malebnosti. Hedvábí je pro vietnamské malíře známým materiálem, jehož lehkost, hladkost a průhlednost jim pomáhá plně demonstrovat bohatost jejich palety. Vietnamští umělci začali malovat olej na plátno až v polovině 20. století. Práce v této technice dlouho nepřekračovala studentské pokusy o zvládnutí nové malířské metody. Teprve nyní začali umělci obracející se k olejomalbě aktivně hledat vizuální prostředky k ztělesnění vietnamských uměleckých ideálů. Pro každého vietnamského umělce je důležité zdůraznit zvláštní barevnost, která odlišuje povahu jeho rodné země. Jestliže v malbě na hedvábí mistři vytvářejí různé barvy díky nádherným jemným kombinacím poněkud tlumených barev, pak v olejomalbě umělci odhalují vizuální a dekorativní vlastnosti obvykle místních jasných barev.

Le Thanh, "Stromy na podzim", soukromá galerie v Hanoji, olej na plátně, 60x75 cm.

Bezvadnou krásu žluté a modré barvy můžeme obdivovat na obraze „Stromy na podzim“, namalovaném olejem umělcem jménem Le Thanh. Někteří současní vietnamští umělci jsou tak nadšení krásou místních květin, že vytvářejí celé sezónní cykly krajin. Jde například o Lam Dak Manha, který vytvořil cyklus více než dvaceti obrazů zachycujících centrální ulici v Hanoji v různých denních a ročních obdobích. Barva umožňuje charakterizovat barvy určitého ročního období, zprostředkovat divákovi pocit horkého léta nebo chladné zimy. Taková díla jsou mezi evropskými a americkými sběrateli a podnikateli velmi žádaná, a proto téměř každá galerie v Hanoji zaměstnává mistra, který dokáže na zakázku vyrobit jakýkoli typ, který zákazníka zaujme v určitém barevném provedení. Bohužel ne vždy má takto zhotovený obraz rysy skutečně vysokého umění. Sluší se však uznat, že zákazník i výtvarník jsou většinou obdařeni dobrým vkusem, takže vietnamský umělecký průmysl málokdy klesne na úroveň ručních prací. Kupci vietnamského umění jsou především evropští intelektuálové a velcí francouzští podnikatelé, potomci šlechtických rodů těch vlivných osobností, které v asijské kolonii podnikaly. Může se zdát velmi zvláštní, že bývalí agresoři a okupanti investují značné finanční prostředky do vietnamské ekonomiky a projevují Vietnamu přátelštější pozornost než bývalí stejně smýšlející lidé a partneři. Například ve Francii se téměř každý rok konají výstavy a veletrhy vietnamských umělců.

Lam Dak Manh, "Ulice v Hanoji", Hanoj, galerie umělců, 60x65 cm.

Současná vietnamská malba, která si uchovala jedinečné kouzlo orientálních tradic a vstřebala zvláštní smysl pro modernost, je důležitou součástí světové kultury. Úžasná vnitřní harmonie charakteristická pro tento silný a ušlechtilý lid, který důstojně odolal hrůzám ničivých válek, dala vzniknout jasnému a originálnímu umění, naplněnému vysoce poetickými obrazy.

Od: Oleg Volkov,