Jak se divadlo vyvíjelo? Kde se objevilo první divadlo? Počátek divadelního života ve staré Číně

První divadlo se objevilo v Athénách v roce 497 př.nl. V Římě se první kamenné divadlo objevilo až v roce 55 před naším letopočtem. . Předtím se herci a diváci spokojili pouze s provizorními dřevěnými stavbami.
Výkony minulých let se jen málo podobaly tomu, co rozumíme představením dnes. Na jevišti mohl být jen jeden herec, který si měnil masky a hrál několik rolí najednou. Potřeba masek byla dána velkou velikostí divadel, kam se vešlo deset nebo i sedmnáct tisíc lidí. Bylo téměř nemožné rozeznat rysy obličeje herce z velké vzdálenosti a masky tento problém snadno vyřešily.

Stáhnout:

Náhled:

Chcete-li používat náhledy prezentací, vytvořte si účet Google a přihlaste se k němu: https://accounts.google.com

Popisky snímků:

Pedagog – Dementieva S.A. Přípravná skupina MDOU d/s "Pohádka".

William Shakespeare - vynikající anglický básník a dramatik. Roky života: 1564 – 1616. Skvělý dramatik William Shakespeare řekl: "Celý svět je jeviště a lidé v něm jsou herci."

První divadlo se objevilo v Athénách v roce 497 př.nl

V Římě se první kamenné divadlo objevilo až v roce 55 před naším letopočtem. . Předtím se herci a diváci spokojili pouze s provizorními dřevěnými stavbami. Výkony minulých let se jen málo podobaly tomu, co chápeme pod pojmem představení dnes. Na jevišti mohl být jen jeden herec, který si měnil masky a hrál několik rolí najednou. Potřeba masek byla dána velkou velikostí divadel, kam se vešlo deset nebo i sedmnáct tisíc lidí. Bylo téměř nemožné rozeznat rysy obličeje herce z velké vzdálenosti a masky tento problém snadno vyřešily.

Divadlo je sjednocením všech umění, zahrnuje hudbu, architekturu, malířství, kino, fotografii atd.

V Rusku nebylo divadlo až do 17. století. V průběhu staletí byla tato kulturní nika naplněna rituály a lidové svátky, která zahrnovala prvky divadelní akce a bubáky, hudebníky, tanečníky, loutkáře a průvodce medvědů.

Druhy divadla

17. října 1672 se konalo první představení. Car Alexej Michajlovič byl tak potěšen, že během představení nevstal ze svého sedadla 10 hodin v kuse. Bojaři stáli: nesměli sedět v přítomnosti panovníka. Den předtím přijal panovník požehnání svého zpovědníka arcikněze Andreje Savinova, který ujistil, že byzantští císaři pořádali divadelní představení. Trvalo dlouho přesvědčit Alexeje, aby povolil použití hudby, bez níž by nebylo možné zorganizovat sbor. Král neochotně souhlasil. Dvorní divadlo nemělo stálé prostory. Úřady nešetřily na výdajích za kostýmy pro herce a kulisy pro divadelní inscenace, ale šetřily na placení ruských herců.

Car Alexej Michajlovič

Portrét zakladatele prvního dvorního divadla Artamona Sergejeviče Matveeva. 1801.

První evropská divadelní představení vznikla v 6. století před naším letopočtem. z náboženských svátků zasvěcených bohu vína a plodnosti Dionýsovi. Herci maskami ukázali emoce postav a také aby bylo divákům jasné, jakého pohlaví a věku postava byla, když se objevila na jevišti. Tisíciletá tradice, která ženám zakazovala vystupovat na jevišti, pochází ze starověkého řeckého divadla.

Za prvního herce je považován Řek Thesipus, který vyhrál básnickou soutěž na počest Dionýsa.

Ve 3. století př. Kr. Římané, inspirováni řeckým divadlem, vytvořili vlastní verze starověkých řeckých her a začali je hrát na improvizovaných scénách. Herci v těchto představeních byli otroci. Ženy směly pouze hrát vedlejší role. Protože římská divadla musela soutěžit o pozornost diváků zvyklých na gladiátorské boje, veřejné popravy a závody vozů, hry stále více obsahovaly scény násilí a hrubého humoru. S rozšířením křesťanství takové myšlenky skončily.

Vznik divadla ve středověku

Ačkoli byla divadelní představení ve středověké Evropě považována za hříšná, divadelní tradice rozvinutý. Minstreli vymýšleli a předváděli balady a loutkáři, akrobaté a vypravěči vystupovali na jarmarcích. Během Velikonoční bohoslužba kněží předváděli záhady – divadelní příběhy, které umožnily negramotným lidem pochopit význam toho, co se dělo.

Později se při dalších náboženských svátcích začaly hrát záhady, které představovaly různé biblické příběhy.

Renesanční divadlo

Během renesance (XIV-XVII století) se objevil zájem o oživení klasického řeckého a římského divadla. Na rozhraní tradic antického a středověkého divadla vznikla světská divadelní představení a objevila se commedia dell'arte - improvizovaná podívaná vytvořená několika maskovanými herci. Tyto hry byly poprvé od římských dob, kdy se ženy mohly vrátit na jeviště.

V roce 1576 byla v Londýně postavena první divadelní budova, předtím se všechny hry hrály v hotelech, na výstavištích nebo uprostřed sálů zámků a šlechtických domů. Anglická královna Alžběta I. zaštítila divadelní umění, v době nesoucí její jméno se objevili první profesionální dramatici, z nichž nejznámější je velký Shakespeare, herci, tradice používání rekvizit a převlékání kostýmů při představeních. Klasické divadlo se nakonec zformovalo v polovině 18. století.

Matrjošky jsou považovány za originální ruský suvenýr, a proto jsou tak oblíbené mezi turisty přijíždějícími do Ruské federace z různých zemí. O to zajímavější je, že tyto dřevěné malované figurky elegantních krásek, zasazené do sebe, mají daleko k ruským kořenům.

První ruská hnízdící panenka

Prototyp veselé ruské dívky s kulatým obličejem, ztělesněný v klasických hnízdících panenkách, byl do Ruska přivezen na začátku z Japonska XIX století. Suvenýr ze země slunce tvořily dřevěné figurky japonského starého mudrce Fukurumy, zasazené do sebe. Byly krásně malované a stylizované v duchu tradic země praotců moderní hnízdící panenky.

Jakmile byl japonský suvenýr v Moskevské hračkářské dílně, inspiroval místního soustružníka Vasilije Zvezdochkina a umělce Sergeje Malyutina k vytvoření podobných hraček. Řemeslníci vyřezávali a malovali podobné postavy vnořené do sebe. První obdobou japonského suvenýru byla dívka v šátku a slunečních šatech znázorňující roztomilé legrační děti - chlapce a dívky na poslední, osmé hnízdící panence, bylo nakresleno zavinuté dítě; S největší pravděpodobností dostal své jméno na počest rozšířeného v té době ženské jméno Matryona.

Sergiev Posad hnízdící panenky

Po uzavření dílny v Moskvě začali v roce 1900 řemeslníci v Sergiev Posad ve školicí a předváděcí dílně vyrábět hnízdící panenky. Tento druh lidového řemesla se rozšířil nedaleko hlavního města;

Postupem času si tato suvenýrová hračka získala takovou oblibu, že ji začali objednávat cizinci od ruských řemeslníků: Francouzů, Němců atd. Takové hnízdící panenky nebyly levné, ale bylo co obdivovat! Malba těchto dřevěných hraček se stala barevnou, ozdobnou a rozmanitou. Umělci zobrazovali ruské krásné dívky v dlouhých slunečních šatech a malovaných šátcích, s kyticemi květin, košíky a svazky. Na počátku dvacátého století byla zavedena hromadná výroba hnízdících panenek pro zahraničí.

Později se objevily mužské hnízdící panenky, např. znázorňující pastýře s dýmkami, kníraté ženichy, vousaté starce s holemi atd. Dřevěné hračky byly sestavovány podle různých principů, ale zpravidla byl vždy viditelný vzor - například matrjošky-ženichové byli spárováni s panenkami-nevěstami a příbuznými.

Matrjošky z provincie Nižnij Novgorod

K polovině 20. století se hnízdící panenka rozšířila daleko za hranice Sergieva Posadu. Tak se v provincii Nižnij Novgorod objevili řemeslníci, kteří vyráběli hnízdící panenky v podobě štíhlých, vysokých dívek v jasných šálách. A řemeslníci Sergiev Posad vyrobili tyto hračky ve formě podsaditých a štíhlých mladých dam.

Moderní panenky

Matrjoška je dodnes považována za jeden ze symbolů ruské kultury. Moderní hnízdící panenky jsou vyráběny ve většině různé žánry: kromě klasických kreseb obsahují portréty slavných politických osobností, televizních moderátorů, filmových a popových hvězd.

V Sergiev Posad, v Muzeu hraček, jsou sbírky hnízdících panenek od různých mistrů počátku a poloviny 20. století, stejně jako první malovaná panenka slavný umělec Sergej Maljutin.

Video k tématu

Konflikt je střet protichůdných názorů, zájmů a názorů. Je navržen tak, aby pomohl uspokojit potřeby. V konfliktní situace Každá strana se snaží dosáhnout svého cíle a vyřešit své problémy.

Hlavní příčiny rodinných konfliktů: - neuspokojená potřeba sebepotvrzení - touha manželů realizovat osobní potřeby v manželství - neschopnost vzájemně komunikovat - přítomnost nafouknutého sebevědomí; nesoulad v názorech na výchovu - nesoulad v představách o roli manžela, manželky, otce, matky atd. - neochota k dialogu - žárlivost; jednoho z manželů - cizoložství - špatné návyky; následující důvody konflikty v týmech: 1. Omezené zdroje. Materiální, finanční a pracovní zdroje jsou vždy omezené. Úkolem manažera je optimálně je rozdělit mezi různé strukturální divize organizace. Ale protože je to kvůli svévolné povaze distribučních kritérií poměrně obtížné, takové omezené zdroje nevyhnutelně vedou k různým druhům konfliktů.2. Vzájemná závislost úkolů. Všechny podniky se skládají ze vzájemně závislých prvků, to znamená, že práce jednoho zaměstnance závisí na práci druhého. Pokud jednotlivý pracovník nebo jedno oddělení nepodává správný výkon, může tato vzájemná závislost způsobit konflikt.3. Rozdíly v představách, cílech a hodnotách. Typicky v organizačních strukturách v průběhu času dochází k procesu specializace, tedy činnosti v úzkém oboru. V důsledku toho se dřívější strukturální divize začínají dělit na menší specializované jednotky. Takové struktury formulují nové cíle a začnou se zaměřovat na jejich dosažení, což zvyšuje pravděpodobnost konfliktů.4. Rozdíly v životních zkušenostech a vzorcích chování. Lidé se od sebe liší. Existují příliš agresivní, autoritářské osobnosti, které jsou vůči ostatním lhostejné. Právě ty nejčastěji provokují konflikty. Rozdíly ve zkušenostech, vzdělání, délce služby a věku zvyšují možnost kolizí.5. Špatná komunikace. Ke vzniku konfliktu může přispět informační přetížení, neuspokojivá zpětná vazba a zkreslení zpráv. Drby v týmu dávají konfliktu zvláštní naléhavost. Mohou působit jako katalyzátor a bránit jednotlivým pracovníkům v pochopení skutečné situace. Jiné běžné komunikační problémy – nejsou dobře rozvinuté pracovní povinnosti zaměstnanců, prezentace vzájemně se vylučujících pracovních požadavků.

Zdroje:

Konflikty v týmu: zlo nebo dobro

Tip 4: Původ vašeho příjmení: jak zjistit historii

Každý si váží svého příjmení. Každý člověk chce dříve nebo později odhalit tajemství jeho původu. Pojďme zjistit, co dělají odborníci, aby odhalili tajemství původu příjmení.

Dějiny divadla jsou světem lidstva

Divadlo starověkého Řecka

Počátky starověkého řeckého dramatu a divadla.

Vzniku dramatu v Řecku předcházelo dlouhé období, během něhož dominantní místo zaujímala nejprve epika a poté lyrika. Všichni známe bohaté hrdinské epické básně „Illias“ a „Odyssey“, didaktické (poučné) epické básně Hésiodovy (7. století př. n. l.); Jde o díla lyrických básníků 6. století. př.n.l

Zrození řeckého dramatu a divadla je spojeno s rituálními hrami, které byly věnovány patronům bohů zemědělství: Demeter, její dceři Kore a Dionýsovi. Z rituálních her a písní na počest Dionýsa vyrostly tři žánry starověkého řeckého dramatu: tragédie, komedie a satyrská komedie (pojmenovaná podle sboru sestávajícího ze satyrů).

Tragédie odrážela vážnou stránku dionýského kultu.
Komedie - karnevalově-satirická.
Satirovskaja drama se zdálo být průměrným žánrem. Veselá hravá postava a šťastný konec určilo své místo o svátcích na počest Dionýsa: satyrské drama bylo inscenováno jako závěr představení tragédií.

Role tragických myšlenek ve společensko-politické a etické výchově byla obrovská. Již ve druhé polovině 6. století př. Kr. Tragédie dosáhla výrazného rozvoje. Starověká historie uvádí, že prvním athénským tragickým básníkem byl Thespis (VI. století před naším letopočtem). První inscenace jeho tragédie (její název není znám) se uskutečnila na jaře roku 534 před naším letopočtem. na svátek Velkého Dionýsia. Tento rok je považován za rok zrodu světového divadla.

V komedii, mnohem širší než v tragédii, se mísily všední motivy s mytologickými, které se postupně staly převládajícími nebo dokonce jedinými, ačkoli obecně komedie byla stále považována za zasvěcenou Dionýsovi. Improvizované scénky byly základní formou lidového divadla frašek a nazývaly se mimy (v překladu „imitace“, „reprodukce“; interpretům těchto scének se také říkalo mimové). Hrdiny mimů byly tradiční masky lidové divadlo: rádoby válečník, zloděj trhu, šarlatánský vědec, prosťáček oblbující každého atd.

Divadlo v Aténách.

Starověké řecké divadelní umění dosáhlo největšího rozkvětu v dílech tří velkých tragédií 5. století př. n. l. - Aischyla, Sofokla, Euripida a komika Aristofana, jejichž činnost trvala na počátku 4. století. př.n.l Ve stejné době psali i jiní dramaturgové, ale z jejich děl se k nám dostaly jen malé úryvky a někdy jen jména a skrovné informace.

Divadlo helénistické éry.

V helénistické éře (VI-I století před naším letopočtem) prošlo řecké divadlo klasické éry významnými změnami, pokud jde o drama, herectví a architekturu divadelní budovy. Tyto změny jsou spojeny s novými historickými podmínkami. Komedie a tragédie se stále hrají na divadle helénistické éry. Ale z tragédií 4. stol. př.n.l Dochovaly se pouze malé fragmenty a umělecké přednosti helénistické tragédie byly zjevně malé. Pro posuzování komedie je k dispozici mnohem více údajů, protože se dochovala pouze jedna hra a několik úryvků z jiných her největšího komika té doby Menandera.

Komedie helénistické éry se nazývá nová attická (nebo neo-attická) komedie. Motiv lásky hraje v nové komedii velkou roli. Autoři nové attické komedie hojně využili psychologickou teorii Aristotelova žáka Theofrasta, podle níž se všechny povahové rysy projevují ve vzhledu člověka a v jeho jednání. Fyziognomické popisy Theofrasta nepochybně ovlivnily design masek, které pomohly divákům rozpoznat tu či onu postavu. V nové komedii je patrný vliv Euripida. Životní blízkost mnoha jeho hrdinů, odhalení jejich emocionálních zážitků – to si nová komedie vzala od Euripida.

Architektura je starobylá Řecké divadlo.

Zpočátku bylo místo pro představení nastaveno velmi jednoduše: sbor se svými zpěvy a tanci vystupoval na kulatém kompaktním platformovém orchestru (od slovesa orheomai - „tančím“), kolem kterého se shromáždilo publikum. Ale jako význam divadelního umění na veřejnosti a kulturní životŘecko, a jak se drama stávalo složitějším, byla nezbytná zlepšení. Kopcovitá krajina Řecka navrhla nejracionálnější uspořádání jeviště a diváckých míst: orchestr se začal nacházet na úpatí kopce a publikum bylo umístěno podél svahu.

Všechna starověká řecká divadla byla otevřená a mohla se ubytovat obrovské množství diváků. Například Athénské divadlo Dionýsa mohlo pojmout až 17 tisíc lidí, divadlo v Epidauru až 10 tisíc. V 5. stol př.n.l V Řecku se vyvinul stabilní typ divadelní struktury, charakteristický pro celou éru starověku. Divadlo mělo tři hlavní části: orchestr, theatron (sedadla pro diváky, od slovesa teaomai – „koukám“) a skene (skene – „stan“, později dřevěná nebo kamenná konstrukce).

Velikost divadla byla určena průměrem orchestru (od 11 do 30 m). Přední stěna skene-proskenium, která měla obvykle podobu kolonády, znázorňovala průčelí chrámu nebo paláce. Ke skene přiléhaly dvě boční budovy zvané paraskenia. Paraskenia sloužila jako místo pro ukládání kulis a dalšího divadelního majetku. Mezi skenem a sedadly pro diváky, která zabírala o něco více než polovinu kruhu, byly průchody, kterými diváci vstupovali do divadla před začátkem představení a poté do orchestru vcházeli sbor a herci. V divadle klasické éry se pozornost diváků soustředila na vývoj akce, na osudy hrdinů, nikoli na vnější efekty. Uspořádání řeckého divadla zajistilo dobrou slyšitelnost. V některých divadlech byly navíc mezi sedadly diváků umístěny rezonanční nádoby pro zesílení zvuku. Ve starověkém řeckém divadle nebyla opona, i když je možné, že v některých hrách byly některé části proskenia dočasně pro diváky uzavřeny.

římské divadlo

Počátky římského divadla.

Počátky římského divadla a dramatu sahají stejně jako v Řecku k rituálním hrám bohatým na karnevalové prvky. Takový je například svátek Saturnálie – na počest italského božstva Saturna. Zvláštností tohoto svátku bylo „obrácení“ navyklých společenských vztahů: z pánů se dočasně stali „otroci“ a otroci se stali „pány“.

Jedním z počátků římského divadla a dramatu byly venkovské dožínky. Dokonce i v dávných dobách, kdy byl Řím malou komunitou Latia, slavily vesnice svátky spojené s koncem sklizně. O těchto svátcích se zpívaly veselé, drsné písně-fescenniny. Stejně jako v Řecku obvykle vystupovaly dva polosbory a vyměňovaly si vtipy, někdy až žíravé.

Fescenniné, kteří vznikli během klanového systému, existovali i v následujících staletích a v nich se podle Horacea odrážel sociální boj mezi plebejci a patriciy. Tak vznikly saturas (v překladu „směs“). Saturas byly dramatické scény každodenní a komické povahy, včetně dialogu, zpěvu, hudby a tance.

Dalším typem dramatického představení komického charakteru byli atellani, kteří byli vypůjčeni od jiných kmenů obývajících Apeninský poloostrov, s nimiž Řím vedl nepřetržité války. Mladí lidé se o tyto hry začali zajímat a začali je pořádat o prázdninách. Atellan představoval čtyři stálé komické postavy: Makk, Bukkon, Papp a Dossin. Atellani neměli tvrdý text, takže při jejich provedení byl široký prostor pro improvizaci. Mime se také vrací k lidovému dramatu. Stejně jako v Řecku mim reprodukoval výjevy z lidového života a někdy parodoval mýty a vykresloval bohy a hrdiny jako šaška. V Římě tedy byly přibližně stejné rituální hry jako v Starověké Řecko. Rozvoj lidového divadla ale nepřekročil slabé začátky činohry. To se vysvětluje konzervativním způsobem římského života a silným odporem kněží. Proto v Římě neexistovala nezávislá mytologie, která v Řecku sloužila jako „půda a arzenál“ umění, včetně dramatu.

Římské divadlo republikánské éry.

Římané převzali literární drama v hotové podobě od Řeků a přeložili je do latiny a přizpůsobili je svým představám a vkusu. Po vítězném konci první punské války bylo na slavnostních hrách roku 240 př. n. l. rozhodnuto o dramatickém představení. Produkcí byl pověřen Řek Livius Andronicus, který byl zotročen římským senátorem, který mu dal Latinský název Livy. Po propuštění zůstal v Římě a začal učit řečtinu a latinu syny římské šlechty. Tento učitel inscenoval na hrách tragédii a pravděpodobně i komedii, jím upravenou podle řecké předlohy nebo snad jednoduše přeloženou z Řecký jazyk do latiny. Tato inscenace dala první impuls k rozvoji římského divadla.

Od roku 235 př.n.l Dramatik Gnaeus Nevius začíná inscenovat své hry na jevišti. Naeviův mladší současník Titus Maccius Plautus. Jeho práce sahá až do období, kdy se Řím transformoval ze zemědělské komunity na nejsilnější stát – nejprve Apeninského poloostrova a poté celé pánve Středozemní moře. Publius Terentius Afr, který stejně jako Plautus pracoval v žánru palliata, patřil k další generaci dramatiků. Terence lze nazvat předchůdcem nového evropského dramatu. Evropské divadlo se k jeho tvorbě opakovaně obracelo. V Molierově díle je cítit vliv jeho komedií "Formion" a "Brothers".

Římské divadlo císařské éry.

V 1. století př. n. l. padla republika v Římě. Po zavraždění Caesara a vítězství nad Antoniem v roce 31 př.n.l. Octavianus se stal císařem v Římě a následně získal čestnou přezdívku Augustus („Posvátný“). August pochopil dobře veřejný význam divadla a všemožně přispěl k jeho rozvoji. Augustus chtěl především oživit tragédii řeckého typu na římské scéně, viděl v ní prostředek ke zlepšení a výchově mravů svých občanů. Tyto Augustovy aspirace byly podpořeny jedním z vynikajících římských básníků Horaciem a odrazily se v jeho „Vědě o poezii“. Veškeré Augustovy snahy o oživení vážného žánru na římské scéně však byly neúspěšné.

Z tragédie císařské éry se k nám nedostalo nic kromě tragédií filozofa Senecy. Lucius Annaeus Seneca byl vychovatelem císaře Nerona, svého času zastával nejvyšší funkce ve státě, ale poté byl obviněn ze spiknutí proti císaři a na Neronův rozkaz spáchal sebevraždu podřezáním žil. Seneca začal psát tragédie v posledních letechživota, kdy se Neronův postoj k němu změnil a byl nucen pečlivěji vyjadřovat své názory na stávající řád.

Organizace divadelních představení.

Představení se konala v Římě během různých státních svátků. Hry se hrály na festivalu patricijů - Římských hrách, které se konaly v září na počest Jupitera, Juno a Minervy; na Apollo Games - v červenci. V Římě až do poloviny 1. století nebyla stálá divadelní budova. př. n. l.; proti jeho výstavbě se postavil konzervativní Senát. Pro vystoupení byla na fóru obvykle postavena dřevěná plošina poloviční výšky muže. Do prostoru jeviště vedlo úzké schodiště o 4-5 stupních, po kterém herci stoupali na jeviště.

Při tragédii se akce odehrála před palácem. V komediích kulisy téměř vždy znázorňovaly městskou ulici s průčelími dvou nebo tří domů a děj se odehrával před domem. Publikum sedělo na lavičkách před pódiem. Někdy však Senát zakázal uspořádání sedadel v těchto dočasných divadlech: sezení na představeních bylo podle názoru Senátu projevem zženštilosti. Vše stavěné pro divadelní hry konstrukce se zhroutila ihned po jejich dokončení.

Událostí pro Řím bylo objevení se prvního stálého divadla postaveného z kamene. Toto divadlo bylo postaveno v roce 55 před naším letopočtem. Gnaeus Pompeius Veliký a mohl pojmout až 40 tisíc lidí. Na konci 1. stol. př.n.l V Římě byla postavena další dvě kamenná divadla: Balbusovo divadlo a Marcellovo divadlo. Z posledně jmenovaného se dodnes dochovaly zbytky vnější zdi, rozdělené do tří pater, která odpovídají třem vnitřním vrstvám.

Divadlo středověku

Liturgické a pololiturgické drama.

Jednou z forem divadelního umění raného středověku bylo církevní drama. V boji proti pozůstatkům antického divadla, proti venkovským hrám se církev snažila využít účinnosti divadelní propagandy pro své účely.

Již v 9. století byla mše zdramatizována a rozvíjen rituál čtení epizod z legend o životě Krista, jeho pohřbu a vzkříšení. Z těchto dialogů se rodí rané liturgické drama. Byly dva cykly takového dramatu – vánoční, vyprávějící o narození Krista, a velikonoční, přinášející příběh o jeho vzkříšení. Ve vánočním liturgickém dramatu byl uprostřed chrámu umístěn kříž, poté byl zabalen do černé látky, což znamenalo pochování těla Páně.

Postupem času se liturgické drama stává složitějším, kostýmy „herců“ jsou rozmanité a „režisérské pokyny“ jsou vytvářeny s přesnými pokyny pro zkoušku a pohyby. To vše dělali sami kněží. Organizátoři liturgických představení nasbírali inscenační zkušenosti a začali lidu dovedně ukazovat nanebevstoupení Krista a další evangelijní zázraky. Liturgické drama přiblížením se k životu a využitím produkčních efektů již nepřitahovalo, ale odvádělo farníky od bohoslužby. Vývoj žánru skrýval jeho sebezničení. Církevní úřady, které se nechtějí vzdát služeb divadla a nemohou si s tím poradit, přesouvají liturgické drama zpod oblouků kostelů na verandu. Rodí se pololiturgické drama. A pak církevní divadlo, formálně v moci kléru, upadl pod vliv městského davu. Teď už mu diktuje své choutky, nutí ho podávat výkony ve veletržní dny, a ne církevní svátky, zcela přejít na rodný jazyk, který je srozumitelný davu. V obavách o úspěch si duchovenstvo začalo vybírat více každodenních témat a materiálem pro pololiturgické drama se stalo biblické příběhy podléhající každodennímu výkladu. Biblické legendy postupem času podléhají poetickému zpracování. Zavádějí se také technické novinky: konečně je zaveden princip simultánní scenérie, kdy je zobrazeno několik akčních scén současně; počet triků se zvyšuje. Církevní drama si však přes to všechno nadále udržovalo úzké spojení s církví. Činohra bylo inscenováno na pavlači, z církevních prostředků, jeho repertoár sestavovali duchovní (i když účastníci představení spolu s kněžími a laiky). Církevní drama tak, složitě spojující vzájemně se vylučující prvky, existovalo po dlouhou dobu.

Světské drama.

Začátek realistického pohybu

První výhonky nového realistického pohybu jsou spojeny se jménem trouvère (trubadúra) Adama de La Halle (asi 1238-1287) z francouzského města Arras. De La Al byl vášnivý pro poezii, hudbu a divadlo. Žil v Paříži a Itálii (na dvoře Karla z Anjou) a stal se poměrně široce známým jako básník, hudebník a dramatik.

Ve 13. století byl proud komedie již přehlušen divadlem zázraku, které mělo jako téma také životní události, ale bylo adresováno náboženství.

Zázrak.

Samotný název Miracle pochází latinské slovo"zázrak". A skutečně všechny konflikty, někdy velmi ostře odrážející rozpory života, v tomto žánru byly vyřešeny díky zásahu božských sil - Mikuláše, Panny Marie atd. Samotný čas - 14. století, plné válek, lidové nepokoje a nelidské represálie – vysvětluje vývoj tak kontroverzního žánru, jakým je zázrak. Není náhodou, že zázrak, který obvykle začínal usvědčujícím obrazem skutečnosti, vždy končil kompromisem, aktem pokání a odpuštění, což prakticky znamenalo smíření se s pouze ukázanými zvěrstvy, neboť předpokládalo možného spravedlivého v každém darebák. To vyhovovalo jak měšťanskému povědomí, tak církvi.

Tajemství.

Rozkvět divadla záhad bylo 15.–16. století, doba rychlého růstu měst a zhoršení sociální rozpory. Město již z velké části překonalo feudální závislost, ale ještě nespadlo pod vládu absolutního panovníka. Tajemství bylo výrazem rozkvětu středověkého města a jeho kultury. Vyrostl z takzvaných „mimických mystérií“ – městských průvodů na počest náboženských svátků, na počest slavnostních cest králů. Z těchto slavností se postupně formovalo čtvercové mystérium, využívající rané zkušenosti středověkého divadla. Mysteriózní představení nepořádala církev, ale městské cechy a obce. Autory byly postavy nového typu – teologové, právníci, lékaři. Navzdory skutečnosti, že představení byla v režii městské vyšší buržoazie, byly mysteriózní hry masovým veřejným amatérským uměním. Představení se zúčastnily stovky lidí.

Tajemství ukázalo stvoření světa, vzpouru Lucifera proti Bohu a biblické zázraky. Mystery rozšířilo tematické spektrum středověkého divadla a nashromáždilo obrovské jevištní zkušenosti, které využívaly následující žánry středověku. Vykonavatelem záhady byl městský lid. Jednotlivé epizody obrovského divadelní představení provedli zástupci různých městských dílen. Tajemství zároveň dávalo každému povolání možnost se co nejúplněji projevit. Záhady se rozvinuly divadelní technika, utvrdil lidový vkus pro divadlo a připravil některé rysy renesančního dramatu. Ale v roce 1548 bylo mysteriózním společnostem, zvláště rozšířeným ve Francii, zakázáno promítat mysteriózní hry: kritická komediální linie mysteriózního divadla se stala příliš nápadnou. Důvodem její smrti je také to, že se jí nedostalo podpory od nových, pokrokových sil společnosti.

Reformační hnutí

Antifeudální charakter

Reformace se v Evropě rozvinula v 16. století. Měl protifeudální charakter a měl podobu boje proti ideologické podpoře feudalismu – katolické církvi.

Reformační hnutí potvrzuje princip „osobní komunikace s Bohem“, princip osobní ctnosti. V rukou bohatých měšťanů se morálka stává zbraní boje jak proti feudálům, tak proti chudým městským masám. Touha předat svatost buržoaznímu světonázoru vede k morálnímu divadlu.

Morálka.

Moralita osvobodila moralizování od náboženských předmětů i každodenních rušivých vlivů a po izolaci získala stylovou jednotu a větší didaktickou orientaci.

Fraška.

Čtvercová fraška se od 2. poloviny 15. století stala samostatným divadelním žánrem. Předtím však prošel dlouhou cestou skrytého vývoje. Samotný název pochází z latinského farta („náplň“). A skutečně, organizátoři mystérií často psali: "Sem vložte frašku." Veselé představení Maslenitsa a lidová vystoupení dávají vzniknout „hloupým korporacím“ – sdružení drobných soudních úředníků, různorodé městské bohémy, školáků a seminaristů. V 15. století se klaunské společnosti rozšířily po celé Evropě. V Paříži byly čtyři velké organizace a pořádaly se pravidelné přehlídky jejich fraškovitých vystoupení. V těchto přehlídkách byly zesměšňovány projevy biskupů, debaty soudců a vstup králů do města. V reakci na to světské a duchovní úřady pronásledovaly Farsery, vyhnaly je z města a uvrhly do vězení. Fraška směřuje celým svým obsahem i výtvarnou strukturou ke skutečnosti. Zesměšňuje loupeživé vojáky, mnichy prodávající odpustky, arogantní šlechtice a lakomé obchodníky. Ostře postřehnuté a nastíněné charakterové rysy nesou satiricky zostřený životní materiál. Hlavními principy herectví pro frašky byly charakterizace, dovedená až k parodické karikatuře, a dynamičnost, vyjadřující aktivitu a veselost samotných interpretů. Panovnická a církevní vrchnost stále více útočila na městské volnomyšlenkářství a jednu z jeho forem – fraškové divadlo.

Fraška měla velký vliv na další vývoj divadla západní Evropa. V Itálii se z frašky zrodila commedia dell'arte; ve Španělsku - dílo „otce španělského divadla“ Lope de Rueda; a v Anglii John Heywood napsal svá mezihra jako frašku v Německu, Hans Sachs; ve Francii fraškovitá tradice živila umění skvělého Moliera a velkého Shakespeara.

Právě fraška se stala spojnicí mezi starým a novým divadlem.

Nové divadlo

Divadlo (z řeckého theatron - místo pro podívanou, podívanou). Obecný koncept divadlo se dělí na druhy divadelního umění: činoherní divadlo, opera, balet, divadlo pantomimy atd. Původ termínu souvisí se starověkou řečtinou antické divadlo, kde se jednalo o názvy sedadel v hledišti. Dnes je však význam tohoto termínu velmi různorodý.

Během věku osvícení, přechod k moderní kultura. Nabíralo se tvar nový obrázekživot a myšlení, což znamená, že se změnilo i umělecké sebeuvědomění nového typu kultury. Název „osvícení“ dobře charakterizuje obecného ducha tohoto hnutí v oblasti kulturního a duchovního života, které si klade za cíl nahradit názory založené na náboženských či politických autoritách názory vyplývajícími z požadavků lidské mysli.

XVIII století dal světové kultuře tak pozoruhodné umělce a teoretiky divadelního umění jako Sheridan v Anglii, Voltaire, Diderot, Beaumarchais ve Francii, Lessing, Goethe, Schiller v Německu, Goldoni v Itálii. Převaha rozumu vedla k tomu, že umění osvícenství trpělo racionalitou, racionální analýza života vyžadovala uspořádané formy.

Osvícenci, kteří spatřovali ideál člověka v harmonické osobnosti, však nemohli opomenout ani nároky na cit, když šlo o umění. Divadlo osvícenství pozoruhodně vyjádřilo obsah i metodu nový vzhled do světa, který byl adekvátní době.

Divadlo v době osvícenství v Anglii.

Divadelní diváci 18. století se stali mnohem demokratičtějšími. Pro měšťany byly ve stáncích instalovány jednoduché lavičky. Regály byly plné služebnictva, studentů a malých řemeslníků. Během představení se diváci chovali velmi aktivně a živě reagovali na to, co bylo na jevišti předváděno.

V Anglii tak divadlo osvícenství kritizovalo neřesti vznikajícího buržoazního systému. Vzniká nová ideologická doktrína divadla: veřejné a mravní výchova divák. Tato doktrína dokonale zapadala do puritánských tradic Anglie – později puritáni zmírnili své postavení ve vztahu k divadelnímu umění a nebojovali již proti divadlu jako takovému, ale za jeho reformaci: vymýcení nemravnosti a přeměnu divadla v divadlo. společensky účelný ústav.

Programovým dokumentem divadelní reformace bylo pojednání puritánského teologa Jeremyho Colliera proti šlechtickému divadlu Stručný přehled o nemorálnosti a bezbožnosti anglické scény (1698). Toto pojednání určilo důrazné moralizování a didaktiku anglického divadla téměř po celé 18. století. Dílo takových dramatiků jako Joseph Addison (Cato, Bubeník), Richard Steele (Lhář milenec aneb Přátelství žen; Bezstarostný manžel), Samuel Johnson (Irene), Colley Cibber (Bezstarostný manžel; Poslední nabídka manželky; Podrážděný manžel) se vyvíjel tímto směrem).

V roce 1731 publikoval dramatik George Lillo v předmluvě ke své hře Londýnský kupec aneb Historie George Barnwella manifest nového estetického programu – realistickou teorii buržoazního dramatu. Staví se proti třídnímu omezení tragédie, která jako její hrdiny vynesla pouze vysoce postavené jedince. Aniž by skrýval své nepřátelství vůči aristokracii, požaduje, aby se tragédie stala dirigentem mravních idejí buržoazie. O deset let dříve, v roce 1721, se v Anglii objevila anonymní hra „Fatal Madness“, napsaná na jedno z oblíbených témat buržoazního dramatu – o katastrofálních důsledcích hráčské vášně. Pak už hra zůstala prakticky bez povšimnutí – čas na nový žánr ještě nenastal. Nyní se však mezi diváky stala velmi žádaná buržoazní témata.

Satirické tendence v dramatu úspěšně rozvinul Henry Fielding („Don Quijote v Anglii“; „Grabstreetova opera aneb pod botou manželky“; „Historický kalendář na rok 1736“). Závažnost satirické výpovědi vedla v roce 1737 k vydání vládního zákona o divadelní cenzuře, který ukončil politickou satiru. Pozornost dramatiků a pedagogů se soustředila na komedii mravů, která dávala příležitost alespoň ke společenské satiře. Většina zajímavá díla komedie o mravech tohoto období napsali Oliver Goldsmith (Dobrý; Noc omylů) a Richard Sheridan (Soupeři; Škola pro skandál).

Nejlepším představitelem anglického uměleckého umění byl slavný David Garrick (1717-1779), humanista a pedagog na jevišti. Úspěšně prosazoval Shakespearovu dramaturgii, ztvárnil role Hamleta, Leara a dalších.

Konec 18. století poznamenaný v Anglii vznikem nového žánru – tragédie „nočních můr a hrůz“, která byla předchůdcem nového estetického hnutí – romantismu. Tvůrcem tohoto žánru byl Horace Walpole. Přestože napsal pouze jednu hru „Tajemná matka“ (1768), zobrazující příběh incestní vášně, měl spisovatel velký vliv na preromantická a romantická dramata.

Francouzské divadlo 18. století.

Proces demokratizace společnosti v době osvícenství uvedl do života nový dramatický žánr - měšťanské drama, jehož tvůrci byli ve Francii D. Diderot, M. J. Seden, L. S. Mercier.

Nedostatky buržoazního dramatu a „slzivé komedie“ byly překonány v komediích P. O. Beaumarchaise „Lazebník sevillský“ (1775) a „Figarova svatba“ (1784), v nichž novou sílu Molierovy tradice ožily a byly ztělesněny nejlepší rysy výchovné estetiky.

Hrdinské a občanské aspirace výchovného dramatu byly odhaleny s největší silou během francouzské buržoazní revoluce na konci 18. století. Tragédie M. J. Cheniera, prodchnuté antifeudálním patosem (Karel IX., 1789, Jindřich VIII., 1791, Jean Calas, 1791, Caius Gracchus, 1792), byly ukázkou dramaturgie revolučního klasicismu.

Ve Francii se osvícenský filozof Voltaire obrátil ve svém dramatu k upálení veřejné záležitosti a odsuzoval despotismus, pokračoval v rozvoji žánru tragédie.

Na francouzské scéně se přitom udržela komediálně-satirická tradice. Lesage (1668-1747) tak v komedii „Turcare“ kritizoval nejen upadající šlechtu, ale i lichvářskou buržoazii. Snažil se vytvářet komedie pro masové lidové divadlo.

Další pedagog a dramatik Denis Diderot (1713-1784) hájil na jevišti pravdu a přirozenost. Kromě řady her („Zlý syn“, „Otec rodiny“ atd.) Diderot napsal pojednání „Paradox herce“, kde rozvinul teorii herectví.

V inscenacích Voltairových výchovných tragédií se objevil nový typ herců schopných vyjádřit občanský patos hrdinských a obviňujících témat.

Veletržní a bulvární divadla zaujímala velké místo ve vývoji divadla během osvícenství ve Francii. Žánrem pouťového divadla byly pantomimy, frašky, morální hry a fastachtspiely, jejichž představení byla založena na umění improvizace. Jednalo se o představení, která byla často satirická, s prvky grotesky a biflování, plná hrubého humoru. Na jarmarcích vystupovali také provazoví tanečníci, žongléři a cvičená zvířata – prototypy cirkusových herců. Hojně využívali parodii a satiru. Demokratický charakter tohoto umění způsobil útoky na něj z privilegovaných divadel.

Vznik německého divadla.

Skutečným tvůrcem německého národního divadla byl nejvýznamnější německý osvícenský spisovatel Gotthold-Efraim Lessing (1729 -1781). Vytvořil první německou národní komedii „Minna von Barnholm“, protifeudální tragédii „Emilia Galotti“ a řadu dalších dramatická díla. Ve vzdělávací tragédii „Nathan Wise“ se autor vyslovil proti náboženskému fanatismu.

Ve slavné knize „Hamburg Drama“ Lessing nastínil své názory na estetiku a teorii dramatu. G. E. Lessing je tvůrcem sociálního dramatu, národní komedie a vzdělávací tragédie, divadelním teoretikem a zakladatelem realistického hnutí v německém divadle 18. století.

Velký vliv na němčinu měly osvícenské myšlenky herecké umění, čímž se přibližuje realismu. Nejvýraznějším hercem v Německu byl v těchto letech Friedrich Ludwig Schröder (1744-1816), spojovaný s myšlenkami „buchny a stresu“. V 70. letech XVIII století V německém umění vzniklo nové hnutí nazvané „Storm and Drang“.

Odráželo hnutí nejvyspělejších, revolučně smýšlejících kruhů buržoazie, které bojovaly proti feudalismu a absolutismu. Na tomto hnutí se podíleli největší němečtí básníci a dramatici Goethe a Schiller. V roce 1777 bylo otevřeno Mannheimské národní divadlo, které se stalo jedním z největších německých divadel 80.–90. V 18. století se zde rozvinula činnost herce, režiséra a dramatika A.V. Na mannheimské jeviště implantoval buržoazně-filistánskou dramaturgii (vlastní hry i hry A. Kotzebue), která určovala kreativní člověk divadlo

Na konci 18. stol. Rozvoj německého divadla je spojen s působením velkých německých dramatiků J. W. Goetha a F. Schillera ve výmarském divadle. Zde byla poprvé v Německu uvedena největší díla světového klasického dramatu (Goethe, Schiller, Lessing, Voltaire a další), byly položeny základy režijního umění, princip hereckého souboru podřízeného jediné umělecký design.

Goethe ve svém teoretickém programu a umělecké praxi potvrdil principy vytvoření monumentálního divadla splňujícího přísná měřítka starověké umění. „Výmarská škola“ herectví byla opakem mannheimské školy a měla blíže ke klasicistní.

italské divadlo.

Navzdory své ekonomické a politické zaostalosti se Itálie vyznačovala bohatstvím a rozmanitostí svého divadelního života. Do 18. stol Itálie měla nejlepší hudební divadlo na světě, ve kterém se rozlišovaly dva typy - vážná opera a komická opera (opera buffa). Bylo tam loutkové divadlo a všude se hrála představení commedia dell'arte.

Nicméně reforma činoherní divadlo se vaří už dlouho. V době osvícenství už improvizovaná komedie nesplňovala požadavky doby. Bylo potřeba nové, vážné, literární divadlo. Komedie masek nemohla existovat ve své předchozí podobě, ale její výdobytky bylo třeba zachovat a pečlivě do ní přenést nové divadlo.

Pronikání osvětových myšlenek do italské divadlo provázel dlouhý boj s formalismem a nedostatkem nápadů na divadelní scéně. Inovátorem v Itálii byl pozoruhodný dramatik Carlo Goldoni (1707 -1793). On vytvořil nová komedie postavy. Místo improvizace bylo představení založeno na literárním textu.

Druhá polovina 18. století vešla do italských dějin jako doba divadelních válek. Opat Chiari, průměrný a tudíž neškodný dramatik proti němu vystoupil, ale jeho hlavním protivníkem, talentem jemu rovným, se stal Carlo Gozzi. Gozzi hájil divadlo masek a dal si za úkol obnovit tradici improvizované komedie. A v určité fázi se zdálo, že se mu to podařilo. A přestože Goldoni ve svých komediích nechal prostor pro improvizaci a sám Gozzi nakonec téměř všechna jeho dramatická díla sepsal, jejich spor byl krutý a nekompromisní. Protože hlavním nervem konfrontace mezi dvěma velkými Benátčany je jejich neslučitelnost veřejné pozice, v různých pohledech na svět a člověka.

Carlo Gozzi (1720-1806) byl talentovaný dramatik. Ve snaze postavit svůj repertoár do kontrastu s Goldoniho komediemi rozvinul Gozzi žánr divadelních pohádek. Jsou to jeho hry „Láska ke třem pomerančům“, „Král jelenů“, slavná „Princezna Turandot“, „Hadí žena“ a další. Gozziho talentované divadelní pohádky jsou díky své bohaté ironii a bohatému humoru oblíbené dodnes.

Největším autorem tragédií byl Vittorio Alfieri. S jeho jménem je spojen zrod italské repertoárové tragédie. Téměř sám vytvořil občanskou tragédii. Alfieri, vášnivý vlastenec, který snil o osvobození své vlasti, se postavil proti tyranii. Všechny jeho tragédie jsou prodchnuty hrdinským patosem boje za svobodu.

Alfieri tvrdil, že lid by měl dostat svobodu z rukou aristokracie, prosazoval svobodu lidské osoby, jejíž vůle je podřízena pouze rozumu a smyslu pro povinnost. Alfieri ve svém pojednání „O princi a literatuře“ (1778-86) definoval úkol dramatické poezie jako probuzení pocitů ctnosti a lásky ke svobodě. Alfieriho tragédie Saul, Filip, Virginie, Brutus I. a Brutus II přispěly k rozvoji italského divadla.

Dánské divadlo osvícenství.

Profesionální divadlo v Dánsku vzniklo v 18. století, jeho vznik způsobily hospodářské a kulturní rozvoj zemí. 23. září 1722 bylo v Kodani otevřeno divadlo Dánská scéna hrou „Lakomec“ a zanedlouho se konala premiéra první komedie L. Holberga „Plechový mužíček-politik“.

V roce 1728 dosáhli zástupci dvorských kruhů uzavření dánské scény. Divadlo bylo obnoveno až v roce 1748 (v prostorách na Královském náměstí). V roce 1770 dostal název Royal a dostal se pod jurisdikci ministerstva soudu. V druhé polovině 18. stol. Divadlo uvádělo zpěvohry, komedie J. Ewalda, tragédie Voltaira a jeho dánských epigonů, ale základem repertoáru divadla zůstala i nadále Holbergova dramaturgie.

Významnou roli v prosazování myšlenek osvícenství v Dánsku sehrálo dílo I. X. Wessela, autora parodické tragédie „Láska bez punčochy“ (1772), který navazoval na tradice Holberga.

Divadlo osvícenství je jedním z nejvýraznějších a nejvýznamnějších fenoménů v dějinách světové kultury; toto je silný zdroj evropského divadelního umění – pro všechny časy. Nové divadlo se zrodilo z potřeby nalít mladou energii do akce. A pokud si položíte otázku, do jaké sféry umění měla tato akce, toto moře zábavy vyústit, pak je odpověď jasná: samozřejmě do sféry divadla.

Během 18. století žilo evropské divadlo velkým a těžký život. Estetické normy, považované za absolutní, ztratily během této doby svůj dřívější význam. V průběhu století byly názory a vkus v neustálém rozporu a hlediště se nejednou změnilo v arénu veřejných střetů. Autoři byli političtí odpůrci, kteří poprvé poznali, že v jejich umění může být i urputný boj.

Divadlo jako forma umění není zachováno v tak hmotných památkách, jako je malířství a sochařství, stejně jako literární a hudební díla. Ale historie divadla vypráví o velkých hercích minulosti, jak hráli, jaké aspirace svých současníků ztělesňovali ve svém herectví, na jaké požadavky doby reagovali.

Divadelní život Rusko XIX století.

Na počátku 19. století se vytvořila síť Rusů Císařská divadla které byly spravovány
"Ministerstvo dvora Jeho císařského Veličenstva." Soudu byla podřízena tři divadla v Petrohradě – Alexandrinský, Mariinský a Michajlovský – a dvě v Moskvě – Velké a Malé divadlo.

S příchodem her A.N. Ostrovský, I.S. Turgeněv, próza F.M. Dostojevskij, Nekrasovova poezie, realismus přišel do ruské kultury.

Herecké umění se měnilo spolu s dramaturgií a nabourávalo staré představy o tom, co je pravda na jevišti. 16. listopadu 1859 byla v Malém divadle premiéra Ostrovského hry „Bouřka“. Kolem představení se strhla bouřka. Prvním představitelem role Kateřiny byla nádherná herečka L.P. Nikulina - Kositskaya. S Ostrovského hrami vtrhly na scénu prvky ruského života, nové, šťavnaté a moderní jazyk. Malyho herci zářili v Ostrovského hrách po celá následující desetiletí. G.N. Fedotová, M.N. Ermolová je skvělá herečka Malého divadla.

Ruští umělci první poloviny 19. století M.S. Ščepkin, P.S. Mochalov, V.A. Karatygin zůstal v paměti potomků jako postavy z legend. Ščepkin ztvárnil téměř 600 rolí ve hrách Shakespeara, Moliera, Gogola, Ostrovského a Turgeněva. Byl jedním z prvních, kdo prosadil realismus v ruském divadle, vytvořil pravdu na ruské scéně.

Mochalov je přímým opakem Ščepkina. Hrál hlavní role ve hrách ruského a západního dramatu - Shakespearův Hamlet, Karl Moor v Schillerově dramatu Loupežníci, Chatsky v Běda z vtipu.

V inscenacích her vytvářeli ruští herci obrazy, které se zapsaly do dějin divadelního umění. Veřejnost obdivovala Jekatěrinu Semjonovou a Alexeje Jakovleva. Tito herci se zcela proměnili v osobu, kterou představovali. Postupně se Malé divadlo začalo specializovat na činoherní inscenace a Velký na operu a balet.

Velké Petrovské divadlo 1825-1853

Otevření Velkého Petrovského divadla 6. ledna 1825 bylo velmi slavnostní. Diváci, kteří toho večera navštívili nové divadlo, byli šokováni noblesou architektonického řešení a jeho realizace, nebývalým měřítkem budovy a krásou výzdoby jejího hlediště.

Spisovatel Sergej Aksakov vzpomínal: „Velké Petrovské divadlo, které se vynořilo ze starých, ohořelých ruin... mě ohromilo a potěšilo... Nádherná obrovská budova, zasvěcená výhradně mému oblíbenému umění, už jen svým vzhledem mě přiváděla do radostného vzrušení. ..“

Před začátkem představení povolali diváci na scénu divadelního stavitele Osipa Boveho a ocenili ho potleskem.

Jednoho zamračeného mrazivého rána 11. března 1853 z neznámé příčiny v divadle začal hořet. Plameny okamžitě zachvátily celou budovu, ale největší silou zuřil oheň na jevišti a v hledišti. „Bylo děsivé dívat se na tohoto obra pohlceného ohněm,“ popsal oheň očitý svědek. „Když hořel, zdálo se nám, že umírá osoba nám drahá, která nás obdařila těmi nejkrásnějšími myšlenkami a pocity. před našima očima...“

Dva dny Moskvané bojovali s plameny a třetí den budova divadla připomínala ruiny římského Kolosea. Zbytky budovy doutnaly asi týden. Divadelní kostýmy sbírané od konce 18. století, vynikající kulisy pro představení, archiv souboru, část hudební knihovny a vzácné hudební nástroje byly nenávratně ztraceny při požáru.

Návrh nové divadelní budovy, vypracovaný profesorem A. Michajlovem, byl schválen císařem Alexandrem I. v roce 1821 a jeho výstavbou byl pověřen architekt Osip Bova.

Jedno z největších divadel v Evropě bylo postaveno na místě spálené divadelní budovy, ale průčelí směřovalo k náměstí Teatralnaja...

Velké divadlo (1856–1917)

20. srpna 1856 bylo obnoveno Velké divadlo otevřeno za přítomnosti o královská rodina a zástupci všech států s operou V. Belliniho „Puritans“ v provedení italského souboru. Moskevský balet tohoto období vděčí za své úspěchy talentu Francouze Mariuse Petipy, který se usadil v Petrohradě. Choreograf několikrát přijel do Moskvy na divadelní představení. Nejvýznamnějším z jeho moskevských děl byl „Don Quijote“ od L. Minkuse, poprvé uveden v roce 1869. Petipa následně přenesl moskevské vydání tohoto baletu na petrohradskou scénu.

Velký význam pro rozvoj divadelní kultury mělo dílo P. Čajkovského. Skladatelovy debuty v operní hudbě - "The Voevoda" (1869) a baletní hudbě - " Labutí jezero„(1877) se odehrál na jevišti Velkého divadla. Zde se skutečně zrodila opera „Eugene Onegin“ (1881), první pokus velká scéna po produkci konzervatoře 1879; Poprvé byla vydána opera „Mazeppa“ (1884), jeden z vrcholů skladatelovy operní kreativity; konečné vydání opery „Kovář Vakula“, která v představení z roku 1887 získala nové jméno „Cherevichki“.

První představení 16. prosince 1888 se stalo památným představením v divadelních letopisech. lidové drama I. Musorgskij "Boris Godunov". První z oper N. Rimského-Korsakova, která spatřila světlo jeviště Velkého divadla, byla „Sněhurka“ (1893) a poté „Noc před Vánocemi“ (1898). Ve stejném roce 1898 divadlo poprvé představilo publiku operu A. Borodina „Princ Igor“ ao dva roky později se milovníci choreografického umění seznámili s baletem A. Glazunova „Raymonda“.

Operní soubor divadla z konce 19. a počátku 20. století zahrnuje mnoho vynikajících pěvců. Mezi zvučná jména minulých let patří Eulalia Kadmina, Anton Bartsal, Pavel Khokhlov, Naděžda Salina, Ivan Gryzunov, Margarita Gunova, Vasilij Petrov aj. Na divadelních prknech se v těchto letech objevili pěvci, jejichž jména se brzy dostala do povědomí nejen v r. Rusko, ale i zahraničí - Leonid Sobinov, Fjodor Chaliapin, Antonina Nezhdanova.

Činnost v divadle Sergeje Rachmaninova, který se u dirigentského pultu také prohlásil za skvělého hudebníka, byla plodná. Rachmaninov zlepšil kvalitu zvuku ruštiny operní klasiky v divadle. Mimochodem, jméno Rachmaninova je spojeno s přemístěním dirigentské konzole na místo, kde dříve stál dirigent za orchestrem čelem k jevišti;

V roce 1899 byla Šípková Růženka poprvé uvedena ve Velkém divadle. Nastudování tohoto baletu, které navázalo partnerství hudby a tance v ruském baletním divadle, bylo pro choreografa, libretistu a pedagoga Alexandra Gorského začátkem dlouhé a šťastné práce v Moskvě. Spolupracovala s ním velká skupina talentovaných umělců - Ekaterina Geltserová, Vera Caralli, Sofia Fedorova, Alexandra Balashova, Vasilij Tikhomirov, Michail Mordkin, dirigent a skladatel Andrei Arende a další Na návrhu nové inscenace baletu Don Quijote (1900), Gorsky poprvé pozval mladé lidi na umělce Konstantina Korovina a Alexandra Golovina, budoucí velké mistry divadelní malby.

1911 V soutěži na obnovu divadelní budovy zvítězil záměr předložený Albertem Kavosem.

Kavos při zachování dispozice a objemu budovy Beauvais zvýšil výšku, změnil proporce a přepracoval architektonickou výzdobu. Po stranách budovy byly vybudovány zejména štíhlé litinové ochozy s lampami. Současníci zaznamenali zejména vzhled této kolonády krásné večery, když se na to podíváte z dálky, řada hořících lamp působí jako diamantová nit táhnoucí se podél divadla.

Alabastrová skupina Apollo, která zdobila divadlo Beauvais, byla zničena požárem. K vytvoření nového pozval Kavos slavného ruského sochaře Pjotra Klodta (1805-1867), autora slavných čtyř jezdeckých skupin na Aničkovově mostě přes řeku Fontanka v Petrohradě.

Klodt vytvořil s Apollónem dnes světově proslulé sousoší. Byl odlit v továrnách vévody z Lichtenbergu z kovové slitiny pokovené červenou mědí.

Kavos při rekonstrukci hlediště změnil tvar sálu, zúžil ho směrem k jevišti a prohloubil orchestřiště. Za stánky, kde bývala galerie, postavil amfiteátr. Rozměry hlediště se staly: téměř stejná hloubka a šířka - asi 30 metrů, výška - asi 20 metrů. Hlediště začalo pojmout přes 2000 diváků.

V této podobě se Velké divadlo s výjimkou drobných vnitřních a vnějších přestaveb dochovalo dodnes.

Divadlo je zázrakem lidského světa.

Země a národy. Otázky a odpovědi Kukanova Yu.

Kde se objevilo první divadlo?

První divadlo se objevilo ve starověkém Řecku. Jednalo se o poměrně velkou stavbu pod širým nebem, kde byla místa pro diváky umístěna v půlkruhu nad jevištěm.

V tehdejších dobách divadlo uvádělo hry pouze dvou žánrů – tragédie a komedie, které byly psány na historické resp mytologické příběhy. Ne vždy bylo ženám umožněno navštěvovat taková představení a většinou seděly odděleně.

Na divadelní scéně nebyly žádné dekorace a všechny role hráli muži, vystupující v obrovských maskách a buskinech – vysokých botách, které dodávaly postavám herců majestát.

Z knihy 100 velkých divadel světa autor Smolina Kapitolina Antonovna

Divadlo RSFSR. První a Meyerholdovo divadlo (TIM) První divadlo RSFSR je poměrně fantastický podnik, zrozený z revoluce roku 1917. Fantastické, protože jeho sláva byla velmi rozsáhlá, navzdory skutečnosti, že pouze jednu sezónu (1920–1921) toto divadlo

Z knihy Nejnovější kniha faktů. Svazek 1 [Astronomie a astrofyzika. Geografie a další vědy o Zemi. biologie a lékařství] autor

Kde a kdy se objevilo první paleontologické muzeum? První paleontologické muzeum bylo založeno v Římě na příkaz císaře Augusta (63 př. n. l. - 14 n. l.), kterému nebyla cizí fascinace starožitnostmi. Pro muzeum v Věčné město postavený speciální budova, V

Z knihy Nejnovější kniha faktů. Svazek 3 [Fyzika, chemie a technologie. Historie a archeologie. Smíšený] autor Kondrašov Anatolij Pavlovič

Kdy se objevil první penzijní fond? V roce 27 př. n. l. nařídil římský císař Augustus, aby byla z měsíčních platů vojáků odečtena určitá částka. Na konci vojenská kariéra důchodce dostal buď nastřádanou částku ve stříbře nebo pozemek odpovídající ceně

Z knihy Všechno o všem. Svazek 3 autor Likum Arkady

Kdy se v Americe objevil první černoch? Pravděpodobně jste slyšeli, že jedinými skutečnými Američany jsou Indové. Všichni ostatní mají předky, kteří sem přišli z jiných zemí. Černoši sem přišli i z jiných zemí. Ale většina lidí ne

Z knihy Nejnovější kniha faktů. Svazek 1. Astronomie a astrofyzika. Geografie a další vědy o Zemi. Biologie a medicína autor Kondrašov Anatolij Pavlovič

Kdy se objevila první univerzita? Ve středověku byla univerzita jakákoli komunita nebo skupina organizovaná k ochraně společné zájmy. Proto první vzdělávací univerzity byly jen společenství učitelů a studentů vytvořená pro ně

Z knihy Kdo je kdo ve světě umění autor Sitnikov Vitalij Pavlovič

Z knihy Kdo je kdo světové dějiny autor Sitnikov Vitalij Pavlovič

Kdy se v Rusku objevil první časopis? Za první zábavný časopis je považována „Knihovna pro čtení“, měsíčník vycházející v Petrohradě v letech 1834 až 1865. Iniciátorem vydání publikace byl slavný knihkupec A. Smirdin. V roce 1833 pozval publicistu a

Z knihy Kdo je kdo ve světě objevů a vynálezů autor Sitnikov Vitalij Pavlovič

Kdy se objevila první polonéza? Je těžké najít člověka, který by neznal tak nádherné hudební dílo, jako je Oginského „Polonéza“, která je známá také jako „Sbohem vlasti“. Krásná, smutná melodie proniká do duše a je snadno zapamatovatelná.

Z knihy Kdo je kdo v ruských dějinách autor Sitnikov Vitalij Pavlovič

Kde a jak se lidové divadlo vzalo? Přemýšleli jste někdy o tom, jak a kdy vzniklo ruské divadlo Jeho počátky sahají do staletí? Prvky divadelního představení byly obsaženy v kalendářních rituálních hrách na Vánoce a Maslenici. Hráli je mumři - lidé oblečení v

Z autorovy knihy

Jak vzniklo Malé divadlo? „Předchůdcem“ Malého divadla bylo divadlo na Moskevské univerzitě. Jeho soubor byl vytvořen v roce 1756 na základě výnosu císařovny Alžběty Petrovny, který znamenal zrod profesionální divadlo v naší zemi: „Nyní jsme přikázali založit

Z autorovy knihy

Když se objevil loutkové divadlo? Loutkové divadlo je jednou z těch uměleckých forem, které jsou zastoupeny téměř ve všech zemích světa. Jeho historie sahá mnoho tisíc let a sahá až do dávných dob. Podle všeho vzniklo loutkové divadlo

Z autorovy knihy

Kdy a kde se objevil první člověk? Na různých místech na Zemi vědci našli a nacházejí kosti dávných lidí. Všeobecně známé jsou vykopávky v údolí u vesnice Neander (Německo). Později pozůstatky lidských bytostí, připomínající ty, které byly dříve nalezeny v Neanderovi,

Z autorovy knihy

Jak se objevil první revolver? Po dlouhou dobu se zbrojaři z různých zemí pokoušeli vytvořit víceranné ruční zbraně. Přišli s mnoha návrhy, ale nejúspěšnějším z nich byl revolver, který vynalezl americký konstruktér S. Colt

Z autorovy knihy

Kdy se objevila první dámská objednávka? Za Petra I. vzniklo několik řádů, ale jeden z nich se stal prvním ženským vyznamenáním v r Ruské impérium. Dostal název Řád Svaté Velké mučednice Kateřiny, ačkoli se původně jmenoval Řád osvobození

Z autorovy knihy

Kdy se v Rusku objevil první „tlustý“ časopis? Za první zábavný časopis je považována „Knihovna pro čtení“, měsíčník vycházející v Petrohradě v letech 1834 až 1865. Iniciátorem vydání byl slavný knihkupec A. Smirdin V roce 1833 pozval

Slovo „divadlo“ zná každý, i ty nejmenší děti. Kdo z nás nemiloval chodit do loutkového divadla, kde najednou ožily hračky bez tváře? ve schopných rukou loutkář a proměnil se v kouzelné živé bytosti... Když jsme vyrostli, při výběru mezi divadlem a kinem často dáváme přednost tomu druhému. Ale jen v divadle je cítit živá síla vycházející z herců, jen divadlo dokáže diváka uchvátit svou nádherou.

Jak se objevil?
První divadlo se objevilo v Athénách v roce 497 př.nl. Jeho podoba byla spojena se soutěžemi zpěváků, básníků a herců na počest svátku boha Dionýsa. Diváci neměli žádné speciální vybavení, ale to jim nevadilo a seděli na kopci, aby sledovali soutěž. Pro herce byla vyrobena dřevěná pódia, která však později nahradila pohodlnější aréna.

Účastníci soutěže předváděli své výkony na pódiu obehnaném nízkou zídkou, díky které bylo možné schovat nepotřebné rekvizity a dekorace. Pro řečníky byl připraven i stan, kde se mohli převléknout. Vzhledem k tomu, že svátek byl zasvěcen Dionýsovi, není divu, že uprostřed místa byl oltář pro boha a kolem něj se odehrávalo veškeré dění.

O něco později se starověké řecké divadlo změnilo. Diváci se konečně mohli posadit na „skutečné“ místa – byla pro ně postavena sedadla z mramoru (pro čestné hosty) a kamene (pro jednodušší diváky). Mezi diváckými sedadly byly rezonanční nádoby, které zajišťovaly zesílení zvuku.

V Římě se první kamenné divadlo objevilo až v roce 55 před naším letopočtem. Předtím se herci a diváci spokojili pouze s provizorními dřevěnými stavbami.

Výkony minulých let se jen málo podobaly tomu, co chápeme pod pojmem představení dnes. Na jevišti mohl být jen jeden herec, který si měnil masky a hrál několik rolí najednou. Potřeba masek byla dána velkou velikostí divadel, kam se vešlo deset nebo i sedmnáct tisíc lidí. Bylo téměř nemožné rozeznat rysy obličeje herce z velké vzdálenosti a masky tento problém snadno vyřešily. Herci starověkého Řecka byli váženými lidmi, pouze svobodný člověk se mohl stát hercem, na rozdíl od jeho římských „kolegů“. Římští herci pocházeli z řad otroků nebo propuštěnců.

Ve starověkých řeckých divadlech byla představení založena na mýtech, které si herci a autoři her vykládali po svém. Římské divadlo téměř úplně převzalo spiknutí z Řecké drama, zpracovávající je pro římské diváky.

Rozkvět starověké řecké drama sahá až do pátého století před naším letopočtem. Byly to časy Aischyla, Sofokla a Euripida. K rozvoji římského divadla výrazně přispěl Řek Livius Andronicus, který učil syny římské šlechty řečtinu a latinu. Slavný je také Gnaeus Naevius, který se proslavil díky svým komediím. Představiteli dalších generací římských dramatiků byli Titus Maccius Plautus, Publius Terence a poté Horác a Seneca.