Popularita výtvarného umění v moderním světě. Výtvarné umění v moderním světě
Óda „Felitsa“ (1782) je první báseň, která proslavila jméno Gavrily Romanovič Derzhavin a stala se příkladem nového stylu v ruské poezii.
Óda dostala své jméno podle hrdinky „Příběhu prince Chlora“, jejímž autorem byla sama Kateřina II. Tímto jménem, které v latině znamená štěstí, je také pojmenována v Derzhavinově ódě, oslavující císařovnu a satiricky charakterizující její prostředí.
Historie této básně je velmi zajímavá a objevná. Byla napsána rok před vydáním, ale sám Derzhavin ji nechtěl vydat a dokonce autorství tajil. A najednou, v roce 1783, se kolem Petrohradu rozšířila zpráva: objevila se anonymní óda „Felitsa“, kam byli přivedeni v komiksové podobě neřesti slavných šlechticů blízkých Kateřině II., jíž byla óda věnována. Obyvatelé Petrohradu byli odvahou docela překvapeni neznámý autor. Snažili se ódu získat, přečíst a přepsat. Princezna Dashkova, blízká spolupracovnice císařovny, se rozhodla ódu publikovat, a to právě v časopise, kde spolupracovala sama Kateřina II.
Druhý den našla Daškovová carevnu v slzách a v jejích rukou držel časopis s Derzhavinovými ódami. Císařovna se zeptala, kdo napsal báseň, ve které ji, jak sama řekla, vylíčil tak přesně, že ji dojal k slzám. Takto Derzhavin vypráví příběh.
Derzhavin skutečně porušuje tradice žánru pochvalné ódy a široce do něj zavádí hovorovou slovní zásobu a dokonce i lidovou řeč, ale co je nejdůležitější, nekreslí slavnostní portrét císařovny, ale zobrazuje její lidský vzhled. Proto óda obsahuje každodenní scény a zátiší:
Aniž bych napodoboval své Murzy,
Často chodíte
A jídlo je nejjednodušší
Děje se u vašeho stolu.
Klasicismus zakazoval spojovat v jednom díle vysokou ódu a satiru patřící k nízkým žánrům. Derzhavin je ale ve své charakteristice ani nekombinuje různé osoby, napsaný v ódách, dělá něco na tu dobu naprosto nevídané. „Boží“ Felitsa, stejně jako ostatní postavy v jeho ódách, je také zobrazena obyčejným způsobem („Často chodíš pěšky...“). Takové detaily přitom nesnižují její image, ale dělají ji opravdovější, lidštější, jakoby přesně okopírovanou ze života.
Ne každému se ale tato báseň líbila tak jako císařovně. Mnoho Derzhavinových současníků to mátlo a znepokojovalo. Co na něm bylo tak neobvyklého a dokonce nebezpečného?
Na jedné straně v ódě „Felitsa“ zcela tradiční obraz„Boží princezna“, která ztělesňuje básníkovu myšlenku ideálu pravého reverenda monarchy. Derzhavin, který si zjevně idealizuje skutečnou Kateřinu II., zároveň věří v obraz, který namaloval:
Poraď mi, Felitso:
Jak žít velkolepě a pravdivě,
Jak zkrotit vášně a vzrušení
A být na světě šťastný?
Na druhé straně básníkovy básně vyjadřují nejen myšlenku moudrosti moci, ale také lehkomyslnosti umělců, kteří se starají o vlastní zisk:
Svádění a lichotky žijí všude,
Luxus utlačuje každého.
Kde žije ctnost?
Kde roste růže bez trnů?
Tato myšlenka sama o sobě nebyla nová, ale za obrazy šlechticů nakreslenými v ódě se jasně vynořily rysy skutečných lidí:
Moje myšlenky se točí v chimérách:
Pak ukradnu zajetí od Peršanů,
Pak mířím šípy na Turky;
Když jsem pak snil, že jsem sultán,
Děsím vesmír svým pohledem;
Pak najednou, sveden oblečením,
Jdu ke krejčímu pro kaftan.
V těchto obrazech současníci básníka snadno poznali císařovnina oblíbeného Potěmkina, její blízké spolupracovníky Alexeje Orlova, Panina a Naryškina. Derzhavin, když kreslil jejich jasně satirické portréty, prokázal velkou odvahu - koneckonců každý ze šlechticů, které urazil, by se za to mohl s autorem vypořádat. Pouze Catherinin příznivý postoj zachránil Derzhavin.
Ale i císařovně se odváží poradit: řídit se zákonem, jemuž podléhají králové i jejich poddaní:
Ty sám jsi jen slušný,
Princezno, vytvoř světlo z temnoty;
Harmonické rozdělení chaosu do sfér,
Svaz posílí jejich integritu;
Od nesouhlasu k dohodě
A z prudkých vášní štěstí
Můžete pouze tvořit.
Tato oblíbená myšlenka na Derzhavina zněla odvážně a byla vyjádřena jednoduše a jasným jazykem.
Báseň končí tradiční chválou císařovny a přáním všeho nejlepšího:
Prosím o nebeskou sílu,
Ano, jejich safírová křídla se roztáhla,
Drží vás neviditelně
Od všech nemocí, zla a nudy;
Nechť jsou zvuky tvých skutků slyšet v potomstvu,
Jako hvězdy na nebi budou zářit.
Ve filmu „Felitsa“ tedy Derzhavin vystupoval jako odvážný inovátor, který kombinoval styl pochvalné ódy s individualizací postav a satirou. vysoký žánródy na prvky nízkých stylů. Následně básník sám definoval žánr „Felitsa“ jako „smíšenou ódu“. Derzhavin tvrdil, že na rozdíl od tradiční ódy na klasicismus, která chválila vládní úředníci, vojenští vůdci, oslavili slavnostní událost „smíšenou ódou“, „básník může mluvit o všem“.
Při čtení básně „Felitsa“ jste přesvědčeni, že Derzhavin skutečně dokázal vnést do poezie odvážně převzatou ze života nebo vytvořenou představivostí jednotlivé postavy skuteční lidé zobrazeni na pozadí barevně zobrazeného každodenního prostředí. Díky tomu jsou jeho básně jasné, zapamatovatelné a srozumitelné nejen pro lidi své doby. A nyní můžeme se zájmem číst básně tohoto úžasného básníka, kterého od nás dělila obrovská vzdálenost dvou a půl století.
Óda "Felitsa" od Derzhavin, shrnutí který je uveden v tomto článku je jedním z nejvíce slavných děl tento Rus básník XVIII století. Napsal ji v roce 1782. Po zveřejnění se Derzhavinovo jméno stalo slavným. Navíc se óda proměnila v jasný příklad nového stylu v ruské poezii.
Derzhavinova óda „Felitsa“, jejíž shrnutí právě čtete, dostala svůj název podle jména hrdinky „Příběhů prince Chlora“. Autor tohoto díla- císařovna Kateřina II.
Derzhavin ve svém díle nazývá tímto jménem samotnou vládkyni Ruska. Mimochodem, překládá se jako „štěstí“. Podstata ódy se scvrkává do oslavování Kateřiny (její zvyky, skromnost) a karikaturní, až posměšné zobrazení jejího pompézního okolí.
Na obrázcích, které Derzhavin popisuje v ódě „Felitsa“ (souhrn nelze najít na „Brifley“, ale je v tomto článku), můžete snadno rozpoznat některé z lidí blízkých císařovně. Například Potěmkin, který byl považován za jejího oblíbence. A také hrabata Panin, Orlov, Naryshkin. Básník dovedně vykresluje jejich posměšné portréty, přičemž prokazuje určitou odvahu. Koneckonců, kdyby se jeden z nich hodně urazil, mohl by si to s Derzhavinem snadno vyřídit.
Jediné, co ho zachránilo, bylo, že se tato óda Catherine II opravdu líbila a císařovna se začala k Derzhavinovi chovat příznivě.
Navíc i v samotné ódě „Felitsa“, jejíž stručné shrnutí je uvedeno v tomto článku, se Derzhavin rozhodl dát císařovně radu. Zejména básník radí, aby dodržovala zákon, stejný pro všechny. Óda končí chválou císařovny.
Jedinečnost díla
Po přečtení stručného obsahu ódy „Felitsa“ lze dojít k závěru, že autor porušuje všechny tradice, ve kterých byla taková díla obvykle napsána.
Básník aktivně zavádí hovorovou slovní zásobu a nevyhýbá se ani nespisovným výpovědím. Ale nejdůležitější rozdíl je v tom, že vytváří císařovnu v lidské podobě a opouští její oficiální image. Je pozoruhodné, že mnozí byli tímto textem zmateni a rozrušeni, ale samotná Kateřina II z něj byla nadšená.
Obrázek císařovny
V Derzhavinově ódě „Felitsa“, jejíž stručné shrnutí obsahuje sémantickou kvintesenci díla, se před námi císařovna zpočátku objevuje v obvyklém božském obrazu. Pro spisovatelku je příkladem osvíceného panovníka. Zároveň zdobí její vzhled a pevně věří v vyobrazený obraz.
Básníkovy básně přitom obsahují úvahy nejen o moudrosti moci, ale také o nepoctivosti a nízkém vzdělání jejích vykonavatelů. Mnohým z nich jde pouze o vlastní prospěch. Stojí za to uznat, že tyto myšlenky se objevily již dříve, ale nikdy předtím nebyly skutečné historické postavy nebyly tak rozpoznatelné.
V Derzhavinově ódě „Felitsa“ (Brifley zatím nemůže nabídnout shrnutí) se před námi básník objevuje jako odvážný a odvážný objevitel. Tvoří úžasnou symbiózu, doplňující pochvalné ódy individuální rysy postavy a vtipná satira.
Historie stvoření
Básníkovi udělala jméno Derzhavinova óda „Felitsa“, jejíž stručné shrnutí je vhodné pro obecné seznámení s dílem. O vydání této básně autor původně neuvažoval. Nereklamoval to a své autorství tajil. Vážně se bál pomsty vlivných šlechticů, kteří nebyli in lepší světlo vyobrazený v textu.
Teprve v roce 1783 se dílo rozšířilo díky princezně Dashkové. Blízký spojenec císařovny to zveřejnil v časopise „Rozhovor milovníků ruského slova“. Mimochodem, svými texty do ní přispěla sama vládkyně Ruska. Podle Derzhavinových memoárů byla Catherine II tak dojatá, když poprvé četla ódu, že dokonce začala plakat. V tak pohnutých pocitech ji objevila samotná Dashkova.
Císařovna jistě chtěla vědět, kdo je autorem této básně. Zdálo se jí, že vše je v textu vykresleno co nejpřesněji. Jako vděčnost za Derzhavinovu ódu „Felitsa“, jejíž shrnutí a rozbor je uveden v tomto článku, poslala básníkovi zlatou tabatěrku. Obsahoval 500 chervonetů.
Po tak velkorysém královském daru přišla pro Derzhavin literární sláva a úspěch. Žádný básník před ním neznal takovou popularitu.
Tematická rozmanitost Derzhavinovy tvorby
Při charakteristice Deržavinovy ódy „Felitsa“ je třeba poznamenat, že samotné představení je vtipným skečem ze života ruského panovníka, jakož i jí zvláště blízkých šlechticů. Text zároveň nastoluje důležité otázky na státní úrovni. To je korupce, odpovědnost úředníků, jejich starost o státnost.
Umělecké rysy ódy "Felitsa"
Derzhavin pracoval v žánru klasicismu. Tento směr přísně zakazoval kombinovat několik žánrů, například vysokou ódu a satiru. Básník se ale rozhodl pro takový odvážný experiment. Navíc je ve svém textu nejen spojil, ale udělal pro literaturu té velmi konzervativní doby něco nevídaného.
Derzhavin jednoduše ničí tradice pochvalné ódy a ve svém textu aktivně používá redukovanou, hovorovou slovní zásobu. Dokonce používá upřímnou lidovou mluvu, která v těch letech v literatuře v zásadě nebyla vítána. Nejdůležitější je, že kreslí císařovnu Kateřinu II obyčejný člověk, opouští svůj klasický ceremoniální popis, který se v podobných dílech aktivně používal.
Proto v ódách najdete popisy každodenních scén a dokonce i literární zátiší.
Derzhavinova inovace
obyčejný, každodenní obraz Felicia, za níž lze snadno rozeznat císařovnu, je jednou z hlavních Derzhavinových inovací. Zároveň se mu daří tvořit text tak, aby nezmenšoval její obraz. Naopak, básník to dělá skutečným a lidským. Někdy se zdá, že to básník píše ze života.
Při čtení básně „Felitsa“ si můžete být jisti, že se autorce podařilo vnést do poezie jednotlivé charakteristiky skutečných historických postav, převzatých ze života nebo vytvořených fantazií. To vše bylo zobrazeno na pozadí každodenního života, který byl zobrazen co nejpestřeji. To vše učinilo ódu srozumitelnou a zapamatovatelnou.
Výsledkem je, že v ódě „Felitsa“ Derzhavin dovedně kombinuje styl pochvalné ódy s individualizací skutečné hrdiny, vnáší i prvek satiry. Nakonec v ódě, která patří vysoký styl, ukázalo se, že existuje mnoho prvků nízkých stylů.
Sám Derzhavin definoval její žánr jako smíšenou ódu. Argumentoval: od klasické ódy se liší tím, že ve smíšeném žánru má autor jedinečnou příležitost mluvit o všem na světě. Básník tedy boří kánony klasicismu, báseň otevírá cestu nová poezie. Tato literatura je rozvinuta v díle autora další generace - Alexandra Puškina.
Význam ódy "Felitsa"
Sám Derzhavin přiznal, že bylo velkou zásluhou, že se rozhodl pro takový experiment. Slavný průzkumník o svém díle Chodasevič poznamenává, že Deržavin byl nejvíce hrdý na to, že byl prvním z ruských básníků, kteří mluvili „vtipnou ruskou slabikou“, jak to sám nazýval.
Ale básník si byl vědom, že jeho óda bude ve skutečnosti prvním uměleckým ztělesněním ruského života a stane se zárodkem realistického románu. Chodasevič také věřil, že kdyby se Deržavin dožil vydání Evžena Oněgina, nepochybně by v něm našel ozvěny své práce.
Historie stvoření. Óda „Felitsa“ (1782), první báseň, která proslavila jméno Gabriela Romanoviče Deržavina. To se stalo nápadným příkladem nového stylu v ruské poezii. Podtitul básně upřesňuje: „Óda na moudrou kyrgyzsko-kaisackou princeznu Felici, kterou napsal tatar Murza, který se dlouho usadil v Moskvě a živí se svým obchodem v Petrohradě. Přeloženo z arabštiny." Váš neobvyklé jméno Toto dílo obdržela jménem hrdinky „Příběhy prince Chlora“, jejichž autorkou byla sama Kateřina II. Tímto jménem, které v latině znamená štěstí, je také pojmenována v Derzhavinově ódě, oslavující císařovnu a satiricky charakterizující její prostředí. Je známo, že Derzhavin nejprve nechtěl tuto báseň zveřejnit a dokonce skryl její autorství, protože se bál pomsty vlivných šlechticů, které jsou v ní satiricky vyobrazeny. V roce 1783 se však rozšířila a za pomoci princezny Daškovové, blízkého spolupracovníka císařovny, byla publikována v časopise „Rozhovor milovníků ruského slova“, na kterém spolupracovala sama Kateřina II. Následně si Derzhavin vzpomněl, že tato báseň se císařovny dotkla natolik, že ji Dashkova našla v slzách. Catherine II chtěla vědět, kdo napsal báseň, ve které ji tak přesně zobrazila. Jako vděčnost autorovi poslala zlatou tabatěrku s pěti sty chervonety a výrazným nápisem na obalu: „Od Orenburgu od Kirgizské princezny po Murzu Derzhavin.“ Od toho dne přišla k Deržavinovi literární sláva, kterou předtím žádný ruský básník neznal. Hlavní témata a myšlenky. Báseň „Felitsa“, napsaná jako vtipný náčrt ze života císařovny a jejího doprovodu, zároveň vyvolává velmi závažné problémy. Na jedné straně v ódě „Felitsa“ vzniká zcela tradiční obraz „božské princezny“, který ztělesňuje básníkovu představu o ideálu osvíceného panovníka. Derzhavin, zjevně idealizující skutečnou Kateřinu II., zároveň věří v obraz, který namaloval: Na druhou stranu básníkovy básně zprostředkovávají myšlenku nejen moudrosti moci, ale také lehkomyslnosti umělců, kteří se starají o vlastní prospěch. : Tato myšlenka sama o sobě nebyla nová, ale za obrazy šlechticů nakreslenými v ódách se jasně objevily rysy skutečných lidí: V těchto obrazech současníci básníka snadno poznali oblíbence císařovny Potěmkin, jejích blízkých spolupracovníků Alexeje Orlova. , Panin, Naryshkin. Derzhavin, když kreslil jejich jasně satirické portréty, prokázal velkou odvahu - koneckonců každý ze šlechticů, které urazil, by se za to mohl s autorem vypořádat. Pouze Catherinin příznivý postoj zachránil Derzhavin. Ale i císařovně se odváží poradit: řídit se zákonem, kterému podléhají oba králové i jejich poddaní: Tato oblíbená Derzhavinova myšlenka zněla odvážně a byla vyjádřena jednoduchým a srozumitelným jazykem. Báseň končí tradiční chválou císařovny a přáním všeho nejlepšího: Umělecká originalita. Klasicismus zakazoval spojovat v jednom díle vysokou ódu a satiru patřící k nízkým žánrům, ale Derzhavin je nejen kombinuje při charakterizaci různých osob zobrazených v ódách, ale dělá něco na tehdejší dobu zcela nevídané. Derzhavin, který porušuje tradice žánru pochvalné ódy, do něj široce zavádí hovorovou slovní zásobu a dokonce i lidovou řeč, ale co je nejdůležitější, nemaluje obřadní portrét císařovny, ale zobrazuje její lidský vzhled. Proto óda obsahuje všední výjevy, zátiší „Božský“ Felitsa se stejně jako ostatní postavy jeho ódy promítá i do každodenního života („Aniž si vážíte svého míru, / Čtete, píšete pod pokličku...“ ). Takové detaily přitom nesnižují její image, ale dělají ji opravdovější, lidštější, jakoby přesně okopírovanou ze života. Při čtení básně „Felitsa“ jste přesvědčeni, že Derzhavinovi se skutečně podařilo vnést do poezie jednotlivé postavy skutečných lidí, odvážně převzaté ze života nebo vytvořené imaginací, zobrazené na pozadí barevně vykresleného každodenního prostředí. Díky tomu jsou jeho básně jasné, zapamatovatelné a srozumitelné. Smysl práce. Sám Derzhavin následně poznamenal, že jednou z jeho hlavních zásluh bylo, že se „odvážil hlásat Felitsiny ctnosti vtipným ruským stylem“. Jak správně podotýká badatel básníkova díla V.F. Chodaseviče, Derzhavin byl hrdý „ne na to, že objevil Kateřininy přednosti, ale na to, že byl první, kdo mluvil „vtipným ruským stylem“. Pochopil, že jeho óda je prvním uměleckým ztělesněním ruského života, že je zárodkem našeho románu. A možná,“ rozvíjí své myšlenky Chodasevič, „kdyby se „stařec Deržavin“ dožil alespoň první kapitoly „Oněgina“, slyšel by v něm ozvěny svých ód.
Jeden z hlavních způsobů, jak přemýšlíme. Jeho výsledkem je utváření nejobecnějších pojmů a soudů (abstrakce). V dekorativním umění je abstrakce procesem stylizace přírodních forem.
V umělecké činnosti je abstrakce neustále přítomná; ve svém extrémním vyjádření ve vizuální kreativitě vede k abstrakci, speciální směr ve výtvarném umění 20. století, které se vyznačuje odmítáním zobrazování skutečných předmětů, extrémním zobecňováním nebo úplným odmítáním formy, neobjektivními kompozicemi (z čar, teček, skvrn, rovin atd.), experimenty s barvou, spontánní projev vnitřní svět umělec, jeho podvědomí v chaotických, neuspořádaných abstraktních formách (abstraktní expresionismus). Tento směr zahrnuje malbu ruského umělce V. Kandinského.
Zástupci některých hnutí v abstraktní umění vytvořil logicky uspořádané struktury, odrážející hledání racionální organizace forem v architektuře a designu (suprematismus ruského malíře K. Maleviče, konstruktivismus atd.) Abstrakce se v sochařství projevovala méně než v malířství.
Abstraktní umění bylo reakcí na všeobecnou disharmonii moderního světa a bylo úspěšné, protože hlásalo odmítnutí vědomí v umění a vyzývalo k „poddání se iniciativě k formám, barvám, barvám“.
Realismus
Od fr. realismus, z lat. realis - skutečný. V umění v širokém smyslu pravdivá, objektivní, komplexní reflexe reality za použití specifických prostředků vlastních typům umělecké tvořivosti.
Obecnými rysy metody realismu jsou spolehlivost při reprodukci reality. Realistické umění má přitom obrovskou rozmanitost způsobů poznávání, zobecňování, umělecká reflexe realita (G.M. Korzhev, M.B. Grekov, A.A. Plastov, A.M. Gerasimov, T.N. Yablonskaya, P.D. Korin atd.)
Realistické umění 20. století. nabývá světlé národní vlastnosti a rozmanitost forem. Realismus je opačný fenomén než modernismus.
avantgarda
Od fr. avant – pokročilý, garde – odtržení – pojem, který definuje experimentální, modernistické snahy v umění. V každé době vznikaly ve výtvarném umění inovativní fenomény, ale pojem „avantgarda“ se ustálil až na počátku 20. století. V této době se objevily takové trendy jako fauvismus, kubismus, futurismus, expresionismus a abstrakcionismus. Ve 20. a 30. letech pak surrealismus obsadil avantgardní pozice. V období 60-70 byly přidány nové druhy abstraktního umění - různé tvary akcionismus, práce s objekty (pop-art), konceptuální umění, fotorealismus, kineticismus aj. Avantgardní umělci vyjadřují svou kreativitou jakýsi protest proti tradiční kultura.
Ve všech avantgardních směrech, navzdory jejich velká rozmanitost, můžeme zvýraznit společné rysy: odmítnutí norem klasického obrazu, formální novost, deformace forem, výrazu a různé hravé proměny. To vše vede ke stírání hranic mezi uměním a realitou (konfekce, instalace, prostředí), vytváření ideálu otevřenou práci umění, které přímo zasahuje do prostředí. Avantgardní umění je navrženo pro dialog mezi umělcem a divákem, aktivní interakcečlověk s uměleckým dílem, účast na kreativitě (například kinetické umění, happeningy atd.).
Díla avantgardních hnutí někdy ztrácejí svůj obrazový původ a jsou ztotožňována s objekty okolní realitu. Moderní směry avantgardy jsou úzce propojeny a tvoří nové formy syntetického umění.
Podzemí
angličtina podzemí - podzemí, kobka. Pojem znamenající „podzemní“ kulturu, která se stavěla proti konvencím a omezením tradiční kultury. Výstavy umělců daného hnutí se často konaly nikoli v salonech a galeriích, ale přímo na zemi, stejně jako v podzemních chodbách nebo metru, kterému se v řadě zemí říká underground (subway). Pravděpodobně i tato okolnost ovlivnila skutečnost, že tento směr v umění 20. stol. tento název byl zaveden.
V Rusku se pojem underground stal označením pro komunitu umělců reprezentujících neoficiální umění.
Surrealismus
Fr. surrealismus - superrealismus. Směr v literatuře a umění 20. století. vyvinuta ve 20. letech 20. století. Surrealismus se z iniciativy spisovatele A. Bretona objevil ve Francii a brzy se stal mezinárodním trendem. Surrealisté věřili, že tvůrčí energie pochází ze sféry podvědomí, která se projevuje během spánku, hypnózy, bolestivého deliria, náhlých vhledů, automatických akcí (náhodné bloudění tužky na papíře atd.)
Surrealističtí umělci na rozdíl od abstrakcionistů neodmítají zobrazovat skutečné předměty, ale prezentují je v chaosu, záměrně zbaveném logických vztahů. Nedostatek smyslu, odmítání rozumné reflexe reality je základním principem umění surrealismu. O izolaci od skutečný život Samotný název směru hovoří: „sur“ ve francouzštině „nad“; umělci nepředstírali, že odrážejí realitu, ale mentálně kladli své výtvory „nad“ realismus a vydávali klamné fantazie za umělecká díla. Ano, do počtu surrealistické obrazy zahrnovala podobná, nevysvětlitelná díla M. Ernsta, J. Miró, I. Tanguye, ale i předměty zpracované surrealisty k nepoznání (M. Oppenheim).
Surrealistické hnutí, v jehož čele stál S. Dalí, bylo založeno na iluzorní přesnosti reprodukce neskutečného obrazu, který vzniká v podvědomí. Jeho obrazy se vyznačují pečlivým způsobem malby, přesným podáním světla a stínu, perspektivou, která je typická akademické malířství. Divák, podléhající přesvědčivosti iluzivní malby, je vtažen do labyrintu klamů a neřešitelných záhad: pevné předměty se rozšiřují, husté předměty se stávají průhlednými, neslučitelné předměty se kroutí a vyvracejí, masivní objemy získávají stav beztíže a to vše vytváří obraz nemožný ve skutečnosti.
Tato skutečnost je známá. Jednou na výstavě stál divák dlouhou dobu před dílem S. Dalího, pozorně si prohlížel a snažil se pochopit význam. Nakonec v naprostém zoufalství řekl nahlas: "Nechápu, co to znamená!" Výkřik diváka slyšel S. Dali, který byl na výstavě. „Jak můžete pochopit, co to znamená, když tomu nerozumím sám,“ řekl umělec a vyjádřil tak základní princip surrealistického umění: malovat obrazy bez přemýšlení, bez přemýšlení, opuštění rozumu a logiky.
Výstavy děl surrealistů obvykle provázely skandály: diváci byli rozhořčeni nad absurdními, nepochopitelnými obrazy a věřili, že jsou klamáni a mystifikováni. Surrealisté obviňovali publikum, prohlašovali, že zaostávají a nedozráli natolik, aby dohnali tvorbu „pokročilých“ umělců.
Obecnými rysy umění surrealismu jsou fantazie absurdna, alogismus, paradoxní kombinace forem, vizuální nestabilita, proměnlivost obrazů. Umělci se obrátili k napodobování primitivní umění, tvořivost dětí a duševně nemocných.
Umělci tohoto hnutí chtěli na svých plátnech vytvořit realitu, která neodrážela realitu naznačenou podvědomím, ale v praxi to vedlo ke vzniku patologicky odpudivých obrazů, eklekticismu a kýče (německy - kýč; levná, nevkusná sériová výroba navržená pro vnější efekt).
Některé surrealistické nálezy byly použity v komerčních prostorách dekorativní umění, Například optické iluze, což vám umožní vidět dva různé obrázky nebo scény v jednom obrázku v závislosti na směru pohledu.
Díla surrealistů vyvolávají ty nejsložitější asociace a lze je v našem vnímání ztotožnit se zlem. Děsivé vize a idylické sny, násilí, zoufalství - tyto pocity se v různých podobách objevují v dílech surrealistů, aktivně působí na diváka absurdita děl surrealismu, působí na asociativní imaginaci a psychiku.
Surrealismus je kontroverzní umělecký fenomén. Mnoho skutečně vyspělých kulturních osobností, které si uvědomilo, že tento trend ničí umění, následně opustilo surrealistické názory (umělci P. Picasso, P. Klee a další, básníci F. Lorca, P. Neruda, španělský režisér L. Buñuel, který točil surrealistické filmy) . V polovině 60. let byl surrealismus nahrazen novými, ještě výraznějšími směry modernismu, ale bizarní, většinou ošklivá, nesmyslná díla surrealistů stále plní sály muzeí.
Modernismus
Fr. modernismus, z lat. modernus - nový, moderní. Souhrnné označení pro všechny nejnovější trendy, směry, školy a aktivity jednotlivých mistrů umění 20. století, bořící tradici, realismus a za základ považují experiment kreativní metoda(fauvismus, expresionismus, kubismus, futurismus, abstrakcionismus, dadaismus, surrealismus, pop art, op art, kinetické umění, hyperrealismus aj.). Modernismus je významově blízký avantgardě a protiklad akademismu. Modernismus byl sovětskými uměleckými kritiky hodnocen negativně jako krizový fenomén v buržoazní kultuře. Umění má svobodu si vybrat historické cesty. Rozpory modernismu jako takového je třeba posuzovat nikoli staticky, ale v historické dynamice.
Pop art
angličtina pop art, z populárního umění - populární umění. Umělecké hnutí v západní Evropě a USA od konce 50. let. Rozkvět pop-artu nastal v bouřlivých 60. letech, kdy v mnoha zemích Evropy a Ameriky vypukly nepokoje mládeže. Mládežnické hnutí nemělo jediný cíl – spojoval ho patos popírání.
Mladí lidé byli připraveni hodit vše přes palubu minulá kultura. To vše se odráží v umění.
Charakteristickým rysem pop artu je kombinace výzvy a lhostejnosti. Všechno je stejně cenné nebo stejně bezcenné, stejně krásné nebo stejně ošklivé, stejně hodné nebo nehodné. Snad jedině reklamní podnikání založené na stejném nezaujatém a obchodním přístupu ke všemu na světě. Není náhodou, že reklama měla na pop art obrovský vliv a řada jejích představitelů působila a působí v reklamních centrech. Tvůrci reklamních pořadů a pořadů jsou schopni stříhat na kousky a kombinovat v kombinaci, kterou potřebují prací prášek A slavné mistrovské dílo umění, zubní pasta a Bachova fuga. Pop art dělá totéž.
Motivy masové kultury využívá pop art různými způsoby. Prostřednictvím koláže či fotografií jsou do malby vnášeny reálné předměty, většinou v nečekaných či zcela absurdních kombinacích (R. Rauschenberg, E. War Hall, R. Hamilton). Malba může napodobovat kompoziční techniky a billboardovou technologií lze komiksový obraz zvětšit na velikost velkého plátna (R. Lichtenstein). Sochu lze kombinovat s figurínami. Například umělec K. Oldenburg vytvořil podobnosti pro vystavení modelů potravinářské výrobky obrovské velikosti vyrobené z neobvyklých materiálů.
Mezi sochařstvím a malířstvím často není hranice. Dílo pop-artu má často nejen tři rozměry, ale zaplňuje i celou výstavní místnost. Vlivem takových proměn se původní obraz objektu masové kultury proměňuje a vnímá zcela jinak než v reálném každodenním prostředí.
Hlavní kategorie pop art není umělecký obraz, ale jeho „označení“, které zbavuje autora uměle vytvořeného procesu jeho tvorby, obrazu něčeho (M. Duchamp). Tento proces byl zaveden s cílem rozšířit pojem umění o mimoumělecké aktivity, „výstup“ umění do oblasti masové kultury. Pop art umělci byli iniciátory takových forem, jako jsou happeningy, objektové instalace, prostředí a další formy konceptuálního umění. Podobná hnutí: underground, hyperrealismus, op art, readymade atd.
Op art
angličtina op art, zkráceně z optického umění - optické umění. Hnutí v umění 20. století, které se rozšířilo v 60. letech 20. století. Op art umělci používali různé zrakové iluze, vycházející ze zvláštností vnímání plochých a prostorové postavy. Efektů prostorového pohybu, slučování a vznášení forem bylo dosaženo zavedením rytmických opakování, ostrých barevných a tónových kontrastů, průnikem spirálových a mřížkových konfigurací a kroucených linií. V op artu se často uplatňovaly instalace měnících se světelných a dynamických struktur (podrobněji v sekci kinetické umění). Iluze plynoucího pohybu, sekvenční proměny obrazů, nestabilní, neustále se přeskupující formy se v op artu objevují pouze ve vnímání diváka. Směr pokračuje v technické linii modernismu.
Kinetické umění
Od gr. kinetikos – uvedení do pohybu. Pohyb v současném umění spojený s rozšířeným používáním pohyblivých struktur a dalších dynamických prvků. Kinetika jako samostatný směr se formovala v druhé polovině 50. let, předcházely mu však experimenty s vytvářením dynamické plastiky v ruském konstruktivismu (V. Tatlin, K. Melnikov, A. Rodčenko) a dadaismu.
Dříve lidové umění také nám ukázali ukázky pohyblivých předmětů a hraček, například dřevěné ptáčky štěstí z Archangelské oblasti, mechanické hračky simulující pracovní procesy z vesnice Bogorodskoye atd.
V kinetické umění pohyb je uváděn různými způsoby; některá díla jsou dynamicky transformována samotným divákem, jiná kolísáním vzduchu a další jsou poháněna motorem nebo elektromagnetickými silami. Škála použitých materiálů je nepřeberná – od tradičních přes ultramoderní technické prostředky až po počítače a lasery. V kinetických kompozicích se často používají zrcadla.
V mnoha případech je iluze pohybu vytvářena měnícím se osvětlením – zde se setkává kineticismus s op artem. Kinetické techniky jsou široce používány při pořádání výstav, veletrhů, diskoték a při navrhování náměstí, parků a veřejných interiérů.
Kinetika usiluje o syntézu umění: pohyb předmětu v prostoru může být doplněn světelnými efekty, zvukem, světelnou hudbou, filmem atd.
Techniky moderního (avantgardního) umění
Hyperrealismus
angličtina hyperrealismus. Hnutí v malířství a sochařství, které vzniklo v USA a stalo se událostí světového výtvarného umění 70. let 20. století.
Jiný název pro hyperrealismus je fotorealismus.
Umělci tohoto hnutí napodobovali fotografie malířskými prostředky na plátně. Zobrazovaly svět moderní město: výlohy a restaurace, stanice metra a semafory, obytné budovy a kolemjdoucí na ulicích. Ve stejnou dobu zvláštní pozornost aplikuje se na lesklé povrchy, které odrážejí světlo: sklo, plast, leštěnka na auta atd. Hra odlesků na takových površích vytváří dojem vzájemného pronikání prostorů.
Cílem hyperrealistů bylo zobrazit svět nejen autenticky, ale superpodobně, superskutečně. Využívali k tomu mechanické metody kopírování fotografií a jejich zvětšování na velikost velkého plátna (diaprojekce a měřítko mřížky). Barva byla zpravidla nastříkána airbrushem, aby se zachovaly všechny rysy fotografického obrazu a vyloučil se projev individuálního rukopisu umělce.
Návštěvníci výstav tohoto typu se navíc mohli v sálech setkat s lidskými postavami z moderních polymerových hmot v nadživotní velikosti, oblečenými do konfekce a namalovanými tak, že byly od publika zcela k nerozeznání. To způsobilo spoustu zmatku a šokovalo lidi.
Fotorealismus si dal za úkol zbystřit naše vnímání všedního dne, symbolizovat moderní prostředí, odrážet naši dobu ve formách " technické umění“, které se v naší době rozšířily technický pokrok. Fixování a exponování moderny, skrývání autorových emocí, fotorealismus se ve svých programových dílech ocitl na hranici výtvarného umění a téměř ji překročil, protože se snažil konkurovat životu samotnému.
Hotový
angličtina ready made - ready made. Jedna z běžných technik moderního (avantgardního) umění, která spočívá v tom, že předmět průmyslová výroba se vymyká z běžného každodenního prostředí a je vystaven v výstavní síň.
Význam readymade je tento: když se změní prostředí, změní se i vnímání objektu. Divák v objektu vystaveném na pódiu nevidí věc užitkovou, ale umělecký předmět, výraznost formy a barvy. Název readymade poprvé použil v letech 1913 - 1917 M. Duchamp v souvislosti se svými „hotovými předměty“ (hřeben, kolo jízdního kola, sušička lahví). V 60. letech se readymade rozšířil v různé směry avantgardní umění, zejména dadaismus.
Instalace
Z angličtiny instalace - instalace. Prostorová kompozice vytvořená umělcem z různé prvky- předměty pro domácnost, průmyslové výrobky a materiály, přírodní předměty, textové nebo vizuální informace. Zakladateli instalace byli dadaista M. Duchamp a surrealisté. Vytvářením neobvyklých kombinací obyčejných věcí jim umělec dává nové symbolický význam. Estetický obsah instalace ve hře sémantické významy, které se mění podle toho, kde se předmět nachází – v běžném každodenním prostředí nebo ve výstavní síni. Instalaci vytvořili mnozí avantgardní umělci R. Rauschenberg, D. Dine, G. Uecker, I. Kabakov.
Instalace je umělecká forma rozšířená ve 20. století.
Prostředí
angličtina prostředí - okolí, prostředí. Rozsáhlá prostorová kompozice, která diváka objímá jako reálné prostředí, jedna z forem charakteristických pro avantgardní umění 60. a 70. let. Sochy D. Segala, E. Kienholze, K. Oldenburga a D. Hansona vytvářely naturalistická prostředí, která napodobují interiér s lidskými postavami. Takové opakování reality by mohlo zahrnovat prvky klamné fikce. Dalším typem prostředí je herní prostor, který zahrnuje určité akce diváků.
Happening
angličtina děje – děje se, děje. Typ akcionismu, nejběžnější v avantgardním umění 60. a 70. let. Happening se vyvíjí jako událost, spíše provokovaná než organizovaná, ale iniciátoři akce do ní nutně zapojují publikum. Happeningy se objevily na konci 50. let jako forma divadla. Umělci v budoucnu nejčastěji pořádají happeningy přímo v městském prostředí nebo v přírodě.
Považují tuto formu za jakousi pohyblivou práci, ve které prostředí, předměty nehrají o nic menší roli než živí účastníci akce.
Akce happeningu provokuje svobodu každého účastníka a manipulaci s předměty. Všechny akce se vyvíjejí podle předem naplánovaného programu, ve kterém však skvělá hodnota se věnuje improvizaci, dává průchod různým nevědomým impulsům. Happeningy mohou obsahovat prvky humoru a folklóru. Happening jasně vyjádřil touhu avantgardy spojit umění s proudem samotného života.
A nakonec nejpokročilejší pohled současné umění- Superplochý
Superplochý
Superflat je termín, který vytvořil současný japonský umělec Takashi Murakami.
Pojem Superflat vznikl pro vysvětlení nového vizuálního jazyka, který aktivně používá mladá generace japonští umělci, jako je Takashi Murakami: „Přemýšlel jsem o realitě Japonská kresba a malba a jak se od nich liší západní umění. Pro Japonsko je důležitý pocit plochosti. Naše kultura nemá 3D formy. 2D formy schválené v historii Japonská malba, podobný jednoduchému, plochému vizuálnímu jazyku moderní animace, komiks a grafický design."
Umění a moderna
4. Význam umění v moderním světě a perspektivy jeho rozvoje
Otázka, jakou roli hraje umění v životě člověka, je stejně stará jako první pokusy o jeho teoretické pochopení. Pravda, na samém úsvitu estetického myšlení, někdy vyjádřeného v mytologické formě, ve skutečnosti nebylo vůbec žádné otázky. Koneckonců, náš vzdálený předek si byl jistý, že propíchnout obraz bizona skutečným nebo nataženým šípem znamená zajistit úspěšný lov a předvést válečný tanec jistě znamená porazit nepřátele. Nabízí se otázka: jaké by mohly být pochybnosti o praktické účinnosti umění, pokud by do něj bylo organicky vetkáno praktický život lidí, bylo neoddělitelné od řemesla, které vytvářelo svět předmětů a věcí nezbytných pro existenci lidí, bylo spojeno s magické rituály, díky kterému se lidé snažili ovlivňovat realitu kolem sebe? Ve více pozdní období Tato otázka byla vznesena mnohokrát, ale odpovědi na ni nebyly jasné. V dnešní době je odpověď na otázku po smyslu umění ještě obtížnější. Dnes jsou všichni vědci rozděleni do dvou táborů.
Zástupci první věří, že moderní společnost se radikálně liší od všech předchozích forem lidská existence. A jak kdysi napsal Ortega y Gasset, „vzniká éra bez standardů, která za sebou nevidí nic příkladného, nic pro sebe přijatelného byly vymazány všechny příklady, vzorky, standardy.
Dnes, ve světě elektronických médií, komunikačních prostor, zábavních parků, kde je mezilidská komunikace nahrazována a symbolizována zbožím, zažívá jedinec jakési vakuum subjektivity. Nejenže necítí svou národní identitu, ale stává se jakýmsi „dutým“ subjektem, postrádajícím jakékoli stabilní vlastnosti a duchovní vodítka.
Vědci svědčí o ztrátě veškeré naděje nejen na změny ve společnosti, ale i na její pochopení. Hlavní aspirací je touha žít přítomný okamžik pro sebe osobně, ne pro slávu mých předků a ne pro budoucí generace. „Ztrácíme smysl pro historickou extenzi,“ píše americký filozof Christopher Lash, „pocit sounáležitosti s generacemi, které se narodily v minulosti a sahají do budoucnosti. Tento určující trend ve společnosti nazývá „kolektivní narcismus“. A protože společnost nemá budoucnost, je normální žít současným okamžikem a soustředit pozornost na naši „osobní reprezentaci“. V tomto případě je touha po osobním přežití jedinou strategií. Toto zaměření na sebe utváří morální klima moderní společnost.
Badatelé patřící do první skupiny se tedy domnívají, že moderní člověk nejenže nevyrábí umělecké předměty pro současnou a budoucí generaci, ale neobrací se ani na umělecké předměty z předchozích epoch. A to zase povede k tomu, že umění ve svém obecný koncept brzy přestane vůbec existovat.
Představitelé druhého tábora říkají, že v podmínkách moderní společnosti roste role kultury a umění jako nejdůležitějších mechanismů seberozvoje a sebepoznání člověka v jeho interakci s vnějším světem, jako prostředku shromažďování a asimilaci těchto znalostí jako způsob generování a výběru specifických hodnotových systémů jednotlivce a kolektivní existence lidí.
Umění a moderna
Umění představuje vyšší forma estetická činnost, vyčleňuje to krásné do zvláštního předmětu. Komunikace s uměleckými díly do značné míry formuje estetický vkus, která je tenčí...
Morální hodnoty a estetika v životě moderní muž
Náboženství (z latinského religio - zbožnost, zbožnost, svatyně, předmět uctívání) je forma světonázoru, ve kterém se vývoj světa uskutečňuje jeho zdvojením do nadpozemského - „pozemského“, přirozeného, vnímaného smysly. ..
Základy etiky a estetiky
Druhy umění: - Užité umění - Cirkus - Architektura - Dekorativní umění - Malba a grafika - Sochařství - Literatura - Divadlo - Hudba - Choreografie - Fotografie - Kino -...
Příprava na recepce. Typy protokolových technik
Nejdůležitější nedílnou součástí Protokolem každé země je pořádání diplomatických recepcí, jejich obřad a etiketa...
Předmět a vývoj estetiky
Historicky se vyvíjející podoba každého uměleckého díla je dokladem nejen dovednosti a uměleckých tradic doby, ale také zdrojem našich znalostí o člověku: jak se měnily způsoby jeho vnímání a smyslnosti...
Předmět estetiky, jeho podstata a obsah
Rozmanitost kulturního procesu naší doby. Elitní a populární kultura. Elitní kultura, jako kultura, která vytváří něco zásadně nového, jako kultura vysokých hodnot, jako kreativita. Masová kultura...
Původ starověká řecká tragédie a estetická kategorie "tragický"
Tragédie na cestě svého vzniku prochází řadou etap, vyvíjejících se podle většiny badatelů z dithyrambické sborové tvorby obyvatel starověkého Peloponésu...
Vznik a vývoj morálky
Každé silné sociální hnutí formuluje svůj postoj k morálce, pozn. I.L. Zelenková a E.V. Beljajev, - a proletariát 19. století si také vytvořil svůj vlastní pohled na věc. Samotný způsob života dělníka, vyplývající ze společné práce...
Sociální povaha umění
Vybrané vědy a obory duchovní a praktické činnosti ovládají různé aspekty světa, umožňují formování a naplňování té či oné stránky osobnosti. Umění je garantem vnímání světa v jeho celistvosti...
Podstata a složky kultury služeb
Dnes jsou v praxi ruských služeb zřejmé pozitivní změny v následujících směrech: ¦ poskytovatelé služeb si uvědomují důležitost spotřebitelů v rozvoji podnikání a hospodářské soutěži; probíhá boj o spotřebitele; ¦ jsou přeměněny na lepší...