Současní umělci Španělska. Deset nejslavnějších Španělů
Obrázek - sen, způsobený letem, o, jeden, včela, kolem, jeden, granátové jablko, sekunda, předtím, než se probudí.
Rok vzniku - 1944,
Olej na plátně 51×40,5 cm
Muzeum Thysenna-Barnemisza, Madrid
Pokud věříte Dalího příběhům, podřimoval u stojanu a v ruce držel klíč, štětec nebo lžíci. Když předmět vypadl a narazil na talíř, který byl předem položený na podlaze, řev umělce probudil. A hned se dal do práce, až zmizel stav mezi spánkem a realitou.
Dali o obraze řekl: „Cílem bylo poprvé znázornit typ dlouhého, propojeného spánku objeveného Freudem, způsobeného okamžitým nárazem, ze kterého dochází k probuzení.
Freud to popsal jako sen, jehož děj je způsoben nějakým dráždidlem zvenčí: podvědomí spícího člověka toto dráždidlo identifikuje a přemění ho na obrazy, které mají určitou podobnost se zdrojem podráždění. Pokud dráždidlo ve skutečnosti představuje hrozbu, pak ve snu získá hrozivý vzhled, který vyvolá probuzení.
Dole na obrázku je spící nahá žena, jako by se vznášela nad kamennou deskou, kterou omývá moře. Moře v Dalího díle znamená věčnost. Freud přirovnal lidskou psychiku k ledovci, z devíti desetin ponořeným v moři nevědomí.
Žena na obrázku je Gala, kterou umělec považoval za svou inspiraci a druhé já. Vidí sen zobrazený na obrázku a je na pomezí dvou světů - skutečného a iluzorního, současně je přítomna v obou.
Žena ve snu slyší bzučet včely nad granátovým jablkem. Obraz granátového jablka v antické a křesťanská symbolika znamená znovuzrození a plodnost.
„Veškerá životodárná biologie pochází z praskajícího granátového jablka,“ komentoval obraz sám umělec.
Podvědomí signalizuje, že hmyz může být nebezpečný, a mozek reaguje tím, že vyvolává představy řvoucích tygrů. Jedno zvíře vyskočí z tlamy druhému a pak se zase vynoří z otevřené tlamy ryby vynořující se z obrovského granátového jablka, které visí nad spícím. Ostré drápy a zuby jsou symbolem strachu z bodnutí hmyzem, stejně jako pistole s bajonetem, která se chystá vrazit ženě do ruky.
„Berniniho slon v pozadí nese obelisk a atributy papeže,“ narážel umělec na sen o papežově pohřbu, který měl Freud kvůli zvonění zvonů a který psychiatr uvedl jako příklad. bizarní spojení mezi zápletkou a vnějším podnětem.
Slona z Piazza Minerva v Římě, který vytvořil barokní mistr Giovanni Lorenzo Bernini jako podstavec pro staroegyptský obelisk, později Dali více než jednou ztvárnil na obrazech a sochách. Nohy s tenkými klouby jsou symbolem křehkosti a neskutečnosti spánek.
Pablo Picasso, Guernica
Malba - Guernica
Rok vytvoření: 1937.
Olej na plátně. Rozměr 349 x 776 cm
Reina Sofía Arts Center, Madrid
Obraz byl namalován v květnu 1937 na příkaz vlády Španělské republiky pro španělský pavilon u Světová výstava v Paříži.
Picassovo expresivní plátno se stalo veřejným protestem proti nacistickému bombardování baskického města Guernica, kdy bylo na město během tří hodin svrženo několik tisíc bomb; V důsledku toho byla zničena šestitisícová Guernica, asi dva tisíce obyvatel bylo uvězněno pod troskami.
Picassova malba je plná osobních pocitů utrpení a násilí.
Na pravé straně obrazu utíkají postavy z hořící budovy, z jejíhož okna padá žena; nalevo vzlykající matka drží své dítě v náručí a vítězný býk zadupe padlého válečníka.
Zlomený meč, rozdrcená květina a holubice, lebka (skrytá uvnitř těla koně) a póza padlého válečníka podobná ukřižování, to vše jsou obecné symboly války a smrti.
Na rukou mrtvého vojáka jsou viditelná stigmata (bolestivé krvácející rány, které se otevírají na těle některých hluboce věřících lidí – těch, kteří „trpěli jako Ježíš.“ Býk symbolizuje zlo a krutost a kůň symbolizuje utrpení nevinných.
Někteří Španělé vykládají býka, symbol tradičních španělských býčích zápasů, jako samotné Španělsko, které se otočilo zády k tomu, co se dělo v Guernici (odkaz na Franca, který povolil bombardování svého města).
Dohromady tyto zběsilé postavy tvoří jakousi koláž, proti které se rýsují siluety tmavé pozadí, jasně osvětlené ženou s lampou a okem s žárovkou místo zornice. Monochromní malba připomínající novinové ilustrace a ostrý kontrast světla a tmy umocňují silný emocionální dopad.
Francisco de Goya, nahá Maha
Malba - Akt Maha
Rok vytvoření - 1795-1800.
Olej na plátně. Rozměry 98 x 191 cm
Muzeum Prado, Madrid
V obrazu majy - španělské měšťanky 18.-19. století umělkyně na rozdíl od přísných akademických kánonů ztělesňovala typ atraktivní, přírodní krásy. Maha je žena, jejímž smyslem života je láska. Svůdné, temperamentní swingy zosobňovaly španělské chápání přitažlivosti.
Goya vytvořil podobu nové Venuše své současné společnosti, mistrovsky ukázal mládí, živý šarm a tajemnou smyslnost svůdné modelky.
Mladá žena je zobrazena na tmavém pozadí, takže veškerou pozornost diváka upoutá provokativní nahota její hedvábné pleti, která se ve skutečnosti stává hlavní a jediné téma obrazy.
Podle výrazu Francouzský spisovatel a historika umění Andrého Malrauxe, toto dílo „není ani tak smyslné, jako spíše erotické, a proto nemůže nechat žádného více či méně smyslného člověka lhostejným“.
Obraz byl objednán Manuelem Godoyem, prvním ministrem Španělska, oblíbencem královny Marie Luisy, manželky Karla IV. Dlouho to skrýval ve své kanceláři. Byl také namalován druhý obraz, který ji doprovázel – Oblečená Maha, kterou Godoy pověsil na Akt.
Jeden ze šokovaných hostů zjevně odsoudil smyslnost a v roce 1813 inkvizice Godoyovi oba obrazy zabavila, současně Goyu obvinila z nemravnosti a požadovala, aby umělec okamžitě prozradil jméno modelky, která mu pózovala. Goya, navzdory všem výhrůžkám, rozhodně odmítl jmenovat tuto ženu.
S lehká ruka spisovatel Lion Feuchtwanger, autor románu „Goya, aneb těžká cesta poznání“, začala světem kolovat legenda, že nahou majou byla Maria Cayetana de Silva, 13. vévodkyně z Alby, se kterou měl umělec údajně milostný poměr.
V roce 1945 rodina Alba, aby tuto verzi vyvrátila, otevřela hrobku, aby změřila kosti vévodkyně a dokázala, že její proporce neodpovídají proporcím Máchy, ale protože hrob byl již otevřen a tělo vévodkyně bylo vyhozeno Napoleonem. vojáků, v současném stavu nebylo možné měření provádět.
V současné době se většina historiků umění přiklání k názoru, že obrazy zobrazují Pepitu Tudo, Godoyovu milenku.
Diego Velazquez, Meninas
Obraz - Las Meninas
Rok vytvoření: 1656.
Olej na plátně. Rozměr 318 x 276 cm
Muzeum Prado, Madrid
Pravděpodobně Las Meninas je nejslavnější a nejznámější obraz umělce, který zná téměř každý. Toto velké plátno je jedním z nejlepší díla umělec. Obraz je působivý svým měřítkem a všestranností.
Pro rozšíření prostoru bylo použito několik dílen najednou umělecké techniky. Umělec umístil postavy do prostorné místnosti, v jejímž pozadí jsou vidět dveře s pánem v černém oblečení stojícím na osvětlených schodech. To okamžitě naznačuje přítomnost dalšího prostoru mimo místnost, vizuálně rozšiřuje její velikost a zbavuje ji dvourozměrnosti.
Celý obraz je mírně posunut do strany kvůli plátnu obrácenému k nám zadní stranou. Umělec stojí před plátnem - to je sám Velazquez. Maluje obraz, ale ne ten, který vidíme před sebou, protože hlavní hrdinové jsou čelem k nám. To už jsou tři různé plány. Ani to se ale mistrovi zdálo málo a přidal zrcadlo, ve kterém se odráží královský pár – španělský král Filip IV. a jeho manželka Marianna. S láskou se dívají na své v té době jediné dítě - infantku Margaritu.
Přestože se obraz jmenuje „Las Meninas“, tedy dvorní dámy španělského královského dvora, středem obrazu je malá princezna, naděje celého tehdejšího rodu španělských Habsburků. Pětiletá Margarita je klidná, sebevědomá a na svůj věk i arogantní. Na své okolí se dívá bez sebemenšího vzrušení a změny výrazu tváře a její drobné dětské tělíčko je doslova obaleno tvrdou skořápkou skvostných dvorních šatů. Nepřivádí ji do rozpaků vznešené dámy - její meniny -, které se před ní krčí v hluboké úkloně podle přísné etikety přijímané na španělském dvoře. Nezajímá ji ani palácový trpaslík a šašek, který položil nohu na toho ležícího v popředí velký pes. Tato holčička se nese se vší možnou vznešeností a představuje staletou španělskou monarchii.
Zdá se, že pozadí pokoje se rozpouští ve světlém šedavém oparu, ale všechny detaily složitého oblečení malé Margarity jsou prokresleny do nejmenších detailů. Umělec na sebe nezapomněl. Před námi se objevuje impozantní muž středního věku s bujnými kudrnatými kadeřemi, v černých hedvábných šatech a s křížem Sant'Iago na hrudi. Kvůli tomuto symbolu vyznamenání, který mohl získat pouze čistokrevný Španěl bez kapky židovské nebo maurské krve, vznikla malá legenda. Vzhledem k tomu, že umělec obdržel kříž pouze tři roky po namalování plátna, má se za to, že obraz dokončil sám španělský král.
El Greco, pohřeb hraběte Orgaze
Obraz - Pohřeb hraběte Orgaze
Rok vytvoření - 1586-1588.
Olej na plátně. Rozměr 480 x 360 cm.
Kostel svatého Tomáše, Toledo
Nejvíce slavný obraz Velký a tajemný El Greco patří k rozkvětu jeho tvorby. V této době si umělec již vytvořil svůj vlastní styl malby, který nelze zaměňovat se styly jiných malířů.
V roce 1586 začal mistr zdobit kostel San Tome v Toledu. Ústřední zápletka Vybrána byla legenda o toledském světci, Donu Gonzalo Ruizovi, známém také jako hrabě Orgaz, který žil ve 13.-14. Zbožný oddaný křesťan se stal slavným charitativní činnosti, a když roku 1312 zemřel, sestoupil sám svatý Štěpán a blahoslavený Augustin z nebe, aby zemi dali důstojného zesnulého.
Obraz je vizuálně rozdělen na dvě části: „pozemskou“ a „nebeskou“. Přísný rytmus spodního „patra“ kontrastuje s barokním „top“. A tam, na různých nebeských úrovních, se s duší hraběte setká Jan Křtitel, Panna Maria, andělé a cherubové. Kristus sedí uprostřed. Létající anděl je zvýrazněn bílou barvou - je to on, kdo zvedá duši hraběte do nebe.
Kristus, anděl se zesnulou duší a šlechtic dole tvoří svislou osu. Geometrické linie v konstrukci kompozice byly pro El Greca velmi charakteristické.
Expoziční vyvrcholení se posouvá do spodní části díla, kam se Stefan a Augustine sklánějí, spouštějí Orgase do země. Svatí jsou oděni do zlatých šatů, které odrážejí postavu anděla a šaty Petra v horní zóně. Umělec tak použil zlato k propojení hrdinů díla, kteří patří do nebeského a nadpozemského světa.
Obraz měl za umělcovy doby obrovský úspěch ve Španělsku. El Greco bylo později zapomenuto a znovu objeveno impresionisty. Expresivní emocionální práce má na diváka obrovský vliv. Podle očitých svědků Salvador Dalí v blízkosti plátna dokonce ztratil vědomí. Možná je tento popis vyčerpávající.
Španělsko se může pochlubit skvělými umělci. Ale kdyby tam nebyli, nikdo by se nedivil.
Koneckonců, tato země byla téměř vždy konzervativní. A tam, kde je přílišná morální setrvačnost, a tím spíše inkvizice, inovátoři nepřežijí nebo se prostě nenarodí.
Proto mě vždy udivovalo, jak dokázali tito umělci představit své novinky světu!
Jak El Greco předběhl dobu o 300 let, pracoval ve stylu expresionismu. A Velasquez začal tvořit o 200 let dříve!
Navrhuji, abychom se blíže podívali na tyto talentované a brilantní Španěly.
1. El Greco (1541-1614)
El Greco. Portrét starého muže (pravděpodobně autoportrét). 1600 Metropolitan Museum of Art, New York Řecký Španěl nebo španělský Řek Dominicos Theotokopoulos vytáhli téměř sami španělská renesance. Kdyby měli Italové celou galaxii mistrů. Pak si Španělé mohou vydechnout: měli také renesanci. Díky El Greco.
Vytvářel převážně náboženské obrazy a směle zničil navrhované kánony.
Stačí se podívat na obraz „Sundávání Kristových šatů“.
El Greco. Svlečení Kristových šatů (Espolio). 1579 katedrála v Toledu ve Španělsku Místo několika postav je tu celý dav. Místo perspektivy je zde neprostupná hradba postav.
Místo snadného čitelné emoce– složité pocity. Stačí se podívat na nechápavý pohled svaté Marie. Zdálo se, že si neuvědomovala, co se bude dít. Psychologové by to nazvali obranná reakce k extrémnímu stresu.
To ale El Grecovi nestačí. O pár let později vytvořil ještě úžasnější dílo. Ne obraz - ale vesmír. Od nejmenších vyšívacích příběhů v oděvu svatých. Dokud nedojde k jasnému rozdělení světa na dvě poloviny: světskou a nebeskou.
Mluvím samozřejmě o „Pohřbu hraběte Orgaze“.
El Greco. Pohřeb hraběte Orgaze. 1588 Kostel Svatého Tomáše v Toledu A hned si všimneme protáhlých těl. El Greco spíše pozoroval takové pokřivení forem od manýristů. Alespoň ze stejného Parmigianina. Možná se překrývaly i zkušenosti s tvorbou byzantských ikon (přeci jen byl původem z řecké Kréty).
Postupem času tuto vlastnost dále zveličil. To je jasně vidět v jeho pozdním díle Laocoon.
El Greco. Laocoon. 1614 Národní galerie Washington Umělec intuitivně pochopil, že prostřednictvím změn formy nám jeho postavy mohou vyprávět o svých pocitech a zkušenostech. Koneckonců, jsou bez pohybu.
Všimli jsme si, že krajina města pozadí také velmi neobvyklé? Má blíž k Van Goghovi a Cezannovi než k estetice renesance.
Před El Grecem nikdo západní malba Formulář jsem tak nezkreslil. A po něm se umělci snažili o realistické proporce. Proto ho 300 let považovali za výstředního a neschopného.
Byl zapomenut a nepamatuje se. A teprve na konci 19. století si každý uvědomil, jak předběhl dobu. Nyní nově nalezené El Greco navždy v dějinách umění.
2. Diego Velazquez (1599-1660)
Diego Velasquez. Meninas (fragment s autoportrétem). 1656 Velazquezovy inovace jsou nápadné až do morku kostí. Nejen, že žil ve velmi konzervativní společnost, tak byl i dvorním umělcem!
To znamená, že měl vybíravé zákazníky, kteří nestáli o inovace. Kdyby to bylo „krásné a podobné“. V takových podmínkách jakákoliv inovace snadno skomírá.
Ale ne Velasquez. Zákazníci mu nějakým zázrakem vše odpustili, zřejmě intuitivně pochopili, že díky tomuto umělci se na ně bude vzpomínat i za 500 let. A měli pravdu.
Avšak ani Velazquez, krutá inkvizice, nehodlala udělat ústupky ve všem. Malování aktů bylo považováno za závažný zločin.
Přesto Velazquez dokázal i v takových podmínkách vytvořit mistrovské dílo s krásným nahým tělem.
Diego Velasquez. Venuše před zrcadlem. 1647-1651 Národní galerie v Londýně Pravda, svou krásnou „Venuši“ napsal v Itálii. Pak ji tajně přivezl do Španělska a předal vlivnému ministrovi do úschovy. A inkvizice se do jeho domu jen tak nevloupala a hledala nahotu.
I z této „Venuše“ je jasné, proč Velazquez tolik vyčníval. S vaší vitalitou. Ostatně o tom není pochyb skutečná žena. Krásné, ale skutečné. Její póza je tak uvolněná a přirozená.
Pravděpodobně jde o umělcovu italskou milenku. Prozíravě ji chránil tím, že se k nám otočil zády. A odrážel svou tvář v zakaleném zrcadle.
Tam v Itálii Velazquez namaloval legendární portrét papeže Inocence X.
Diego Velasquez. Portrét papeže Inocence X. 1650 Galerie Doria Pamphilj, Řím Velazquezovi se podařilo velmi přesně vyjádřit tvrdou a zrádnou povahu papeže.
Zdálo by se, že 75letý pontifik se nám jeví v té nejmajestátnější podobě. Ale pichlavý pohled se silnou vůlí, stlačené rty a jedovatě červená barva hábitu mluví skutečné hodnoty tato osoba.
Jak se Velazquezovi opět podařilo dosáhnout vitality i na slavnostním portrétu?
Faktem je, že Velazquez měl to štěstí, že potkal papeže při procházce jednou z vatikánských galerií. Chodil sám a na obličeji neměl obvyklou „masku“. Tehdy Velazquez pochopil svou postavu a přenesl svůj dojem na plátno.
Po návratu z Itálie Velazquez pokračoval v plnění svých povinností jako dvořan.
Ale nemyslete si, že Velazquez byl nešťastný. Sám toužil stát se královým umělcem, protože byl ješitný. Proto rezignovaně namaloval nespočet portrétů aristokratů a nepohrdl ani vytažením hrnce pro Jeho Výsost.
Ale mezi těmito díly stejného typu jsou extrémně neobvyklý portrét královská rodina: "Las Meninas".
Diego Velasquez. Meniny. 1656 Tento obrázek obsahuje mnoho neobvyklý nápad.
Velazquez se nám rozhodl ukázat, jak vypadá jeho svět na druhé straně plátna. Vidíme, co se děje, očima těch, kteří... pózují pro umělce.
Vidíme umělce pracovat na portrétu krále a jeho manželky. A oni stojí na našem místě (nebo my stojíme na jejich místě) a dívají se na umělce. A pak princezna, jejich dcera, vešla do dílny se svou družinou za rodiči.
Něco jako „náhodné záběry“. Když umělec nejraději maloval své hrdiny ne na jevišti, ale v zákulisí.
V „Las Meninas“ jsme si všimli další funkce. Jsou to rychlé vibrační tahy. Umělec přitom nerozlišuje mezi pozadím a postavami. Vše je utkáno jakoby z jediné látky. Přesně takhle budou psát impresionisté o 200 let později, totéž.
Ano, dovednost nezná mezí... bez strachu z inkvizice nebo stagnující morálky. Představte si, co mohl Velazquez vytvořit, kdyby žil ve svobodnější době! Například v.
3. José de Ribera (1591-1652)
Giuseppe McPherson. Portrét José de Ribera. 1633-1656 Královská sbírka, Londýn „Malý Španěl“ (jak se mu také říkalo) Jose de Ribera se ve 14 letech přestěhoval do Itálie. Ale jeho malba vždy zůstala španělská, ne příliš jako italský akademismus.
Zde v Itálii ho ohromilo malování. A samozřejmě jsem nemohl odolat práci v technice tenebroso. To je, když je hlavní hrdina ve tmě a je z ní vytržen pouze slabým světlem.
Tato technika Caravaggia byla velmi vhodná obecný styl Ribera. Prostě miloval akční biblické a mytologické příběhy. A právě tenebroso dovádí tuto akci nabitou zápletku k vrcholu.
Jeho hlavními postavami jsou ti, kteří přijímají utrpení kvůli vyššímu cíli. Jako například Prometheus.
José de Ribera. Prometheus. 1830 Soukromá sbírka Riberův naturalismus bere dech. A nejde jen o velmi přesné znázornění skutečného těla. A také v tom, jak rány vypadají a jak hrdina na své utrpení emocionálně reaguje.
Faktem je, že Ribera navštěvoval věznice a na vlastní oči pozoroval mučení odsouzených. Tento pochází ze 17. století. Pouze Degas šel do divadla špehovat baletky. A tento Španěl šel na místa zadržování a hledal věrohodnost pro své mučedníky.
Po nějaké době se mistr začíná vzdalovat od caravaggismu. Jeho hlavními hrdiny jsou však stále bojovníci za vysoké ideály. A jedním z těchto mistrovských děl je „Mučednictví svatého Filipa“.
José de Ribera. Umučení svatého Filipa. 1639 Prado Museum, Madrid Vidíme světce několik sekund předtím, než je zavěšen na stojanu. To nejhorší z fyzického hlediska ještě nepřišlo. Ale je tu možnost vcítit se do blížícího se nevyhnutelného konce a obdivovat pokoru světice.
Ribera umocňuje drama tím, že mučedníka zobrazuje přísně diagonálně. Jeho postava, štíhlá a dlouhá, se sotva vejde do obrazu. Je to, jako by byl Gulliver (duchovně) zajat, aby ho roztrhali na kusy malí, ubohí lidé.
Ribera se proslavil i tím, že maloval lidi s anomáliemi. Častými hrdiny jeho obrazů jsou také chromé nohy, trpaslíci a ženy s vousy.
Ale nemyslete si, že to byla jeho bolestná touha. Takové byly zvyky u dvora. Aristokracie milovala držet takové lidi jako šašky a v podstatě otroky. A umělci je malovali, opět pro pobavení hostů.
Jedním z nejznámějších mistrovských děl je „Magdalena s manželem a synem“.
José de Ribera. Magdalena Ventura se svým manželem a synem ( Vousatá žena). 1631 Tabera Hospital v Toledu, Španělsko U 37leté ženy došlo k hormonální nerovnováze a v důsledku toho jí začaly růst vousy. Zákazník požadoval, aby ji nakreslil s dítětem v náručí. I když v té době už jí bylo přes 50. Její synové už dávno vyrostli a její ňadra zjevně nebyla tak bujná. Ale dítě a prso udělaly tuto chybu přírody výmluvnější.
Ale na rozdíl od zákazníků Ribera sympatizoval pouze s takovými lidmi. A oči nešťastné ženy vyjadřují skutečný postoj umělce k ní.
4. Francisco Goya (1746–1828)
Vicente Lopez Portanha. Portrét Francisca Goyi. 1819 Prado Museum, Madrid. Goyova matka řekla svému synovi: „Narodil ses ne jako růže, ale jako cibule. Zemřeš s lukem." Je to o tvrdohlavém a bojovném charakteru jejího syna. Ano, Francisco Goya byl velmi temperamentní člověk.
Příběhy o tom, jak nechal svůj podpis na... kupoli katedrály svatého Petra v Římě, a také unesl a svedl jeptišku z kláštera mluví za mnohé.
Dostal povrchní vzdělání a celý život psal s chybami. To mu ale nezabránilo stát se největším umělcem. Podařilo se mu dosáhnout téměř nemožného.
Maloval nahou ženu, ale nepadl do spárů inkvizice. Velasquez však tento trik provedl jako první.
Téměř celý život dokázal zůstat dvorním umělcem. Zároveň se ale aktivně vyjadřoval civilní pozice v jeho dílech. Ale panovníci jako by si ničeho nevšimli.
Přes chatrné zdraví a hluchotu sváděl jednu krásnou aristokratku za druhou.
Toto je jedna z nejvíce odvážní umělci, jehož štětec je jako meč a jehož barvy jsou odvážná slova. Goya se však nejednou zúčastnil i skutečných soubojů a slovních přestřelek.
Pojďme se podívat na jeho nejvýraznější díla.
Při pomyšlení na Goyu se nám samozřejmě okamžitě vybaví jeho „Nude Maja“.
Francisco Goya. Maha nahá. 1795-1800 Muzeum Prado, Madrid. Poprvé se nahota neobjevila jako Velasquez, tajně a potutelně, ale v celé své nestydaté nádheře. Žádná přetvářka, jen smyslnost a vyloženě erotika.
Goya dlouho pracoval u dvora, nesnesl však nevděk a lži. Stačí se podívat na jeho plátno.
Francisco Goya. Portrét rodiny Karla IV. Muzeum Prado 1800, Madrid. Kolik ironie je ve vztahu k královské hodnosti! Uprostřed autor zobrazuje královnu Marii, čímž jasně naznačuje, že zemi vládne ona, a ne Charles.
Je úžasné, jak umělci dovolili vytvořit takový kontrast: mezi oblečením královského páru a jejich tvářemi! Luxus a lesk zlata nemohou zakrýt průměrnost hrdinů a přímou „prostost“ krále.
A samozřejmě nelze ignorovat jeho dílo „Poprava 3. května“. Toto je obrázek o hrdinství obyčejných Španělů během okupace napoleonskými vojsky.
Francisco Goya. 3. května 1808 v Madridu. 1814 Prado, Madrid Ve chvíli před salvou vypadá každý z odsouzených rebelů jinak: někdo pokorně čeká, někdo se modlí, někdo pláče.
Ale jeden Španěl v bílé košili je připraven čelit smrti beze strachu. Umělec ho srazil na kolena. A když si představíte, že vstane, ukáže se, že je jen obr. A zbraně francouzských vojáků jako by mířily jen na něj.
Goya tedy poprvé ukázal výkon a odvahu obyčejného člověka. Před ním to nebyli prostí lidé, kteří byli zobrazováni jako hrdinové. To je absolutně nový vzhled na historická malba.
Goya bezesporu i dnes udivuje svou odvahou, výstředností a humanismem. Byl to mistr se zvláštním přístupem.
Pro nás je to umělec zvláštní síly, jako duchovní vůdce. Kdo nebude lichotit těm, kdo jsou u moci, nebude ignorovat hrdinství obyčejného člověka a neodvrátí se od krásy, i když je považována za hříšnou a podlou.
5. Pablo Picasso (1881 – 1973)
Pablo Picasso. Autoportrét. 1907 Národní galerie v Praze Picasso je považován za nejvíce slavný umělec ve světě. Pravda, většina lidí ho zná jako kubistu. I když ve stylu čistého kubismu nepracoval dlouho. Byl jak expresionista, tak surrealista. Byl to chameleonský umělec.
Je úplně jedno, jakým stylem pracoval. Jeho hlavním rysem jsou četné experimenty s formou. Tvar zmačkal, vytáhl, zmáčkl, rozdrtil a ukázal ze všech stran.
Začal pečlivými experimenty napodobujícími El Greca. Právě od něj špehoval zdeformované formy. A stejně jako El Greco si během svého natáhl figury.
Pablo Picasso. Dvě sestry. 1902 Ermitáž Cezanne hledal příležitosti, jak vyjádřit podstatu věci barvou, formou a perspektivou. Picasso s pomocí kubismu dovedl tuto myšlenku do konce.
Použitím různé úhly vize a prvky předmětu se pokusil v divákovi spustit asociativní sérii: ukázat podstatu věci, nikoli její obraz.
Pablo Picasso. Složení s řezanou hruškou. 1914 Ermitáž Na obraze „Hruška“ NENÍ vidět obrázek hrušky. Ale vidíme skvrnité kusy plátna: máme vzpomínku na podobnou texturu dužiny hrušek. Jemná béžová a hnědá jsou také spojeny s hruškou. O oblouku postavy ani nemluvě.
Všechny tyto fragmenty obrazu hrušky v nás vyvolávají nejen vizuální vzpomínku na hrušku, ale také na její chuť a pocit na dotek.
V Picassově malbě vede tento koncept vyjádření podstaty, nikoli obrazu. I když se vzdaluje typickým „kostkám“ a píše stylem blízkým surrealismu.
Patří mezi ně portréty Marie-Therese Walterové.
Pablo Picasso. Sen. 1932 Soukromá sbírka Během svého vyčerpávajícího a rozpadajícího se manželství s Khokhlovou se Picasso náhodně setkal s mladou Marií-Therese.
Vždy ji zobrazoval jako barevnou a vlnitou, s kubistickými prvky. Její tvář je koneckonců zobrazena současně ze dvou úhlů pohledu: jak z profilu, tak z celé tváře.
Obrací tak veškerou její smyslnost a něhu, extrémní ženskost naruby. A to přesto, že na její postavě bylo cosi mužského. Ale tvary mají zdůrazňovat podstatu a ne znázorňovat vnější plášť modelu.
Picasso je velký experimentátor. Jeho hlavním testovacím předmětem je forma. Podléhala změnám obrovské číslo umělcova díla. Ostatně byl také jedním z nejplodnějších umělců světa. Jak sám o sobě řekl: "Dejte mi muzeum a já ho naplním svými obrazy."
Mezi tvůrci je pět skvělých malířů, pět Španělů současné umění. Nehledě na to, že většina z nich žila před 200-300 lety.
Ze své tvorby čerpají inspiraci současných umělců. Poskytují impuls, který stále pohání světovou kulturu.
Můžeme být jen vděční, vážit si jejich odkazu a samozřejmě je obdivovat.
Pro ty, kteří si nechtějí nechat ujít to nejzajímavější o umělcích a obrazech. Zanechte svůj e-mail (ve formuláři pod textem) a o nových článcích na mém blogu se dozvíte jako první.
PS. Otestujte si své znalosti tím, že si vezmete.
Je to víc než krásné obrázky, to je odraz reality. Na dílech velkých umělců je vidět, jak se měnil svět a vědomí lidí.
Umění je také pokusem o vytvoření alternativní reality, kde se můžete schovat před hrůzami své doby, nebo touhou změnit svět. Umění 20. století právem zaujímá v historii zvláštní místo. Lidé, kteří v té době žili a pracovali, zažili sociální otřesy, války a nebývalý rozvoj vědy; a to vše našlo svou stopu na jejich plátnech. Umělci 20. století se podíleli na vytváření moderní vize světa.
Některá jména jsou stále vyslovována s aspirací, zatímco jiná jsou neprávem zapomenuta. Někdo byl tak rozporuplný kreativní cesta, že to stále nemůžeme jednoznačně posoudit. Tato recenze je věnována 20 největším umělcům 20. století. Camille Pizarro- francouzský malíř. Vynikající představitel impresionismu. Umělcovu tvorbu ovlivnili John Constable, Camille Corot, Jean Francois Millet.
Narozen 10. července 1830 v St. Thomas, zemřel 13. listopadu 1903 v Paříži.
Ermitáž v Pontoise, 1868 
Operní pasáž v Paříži, 1898
Západ slunce ve Varengeville, 1899
Edgar Degas - Francouzský umělec, jeden z největších impresionistů. Degasovo dílo bylo ovlivněno japonskou grafikou Narozen 19. července 1834 v Paříži, zemřel 27. září 1917 v Paříži. 
Absint, 1876
Hvězda, 1877
Žena si česá vlasy, 1885
Paul Cezanne - Francouzský umělec, jeden z největších představitelů postimpresionismu. Ve své tvorbě se snažil odhalit harmonii a rovnováhu přírody. Jeho dílo mělo obrovský vliv na světonázor umělců 20. století. Narozen 19. ledna 1839 v Aix-en-Provence ve Francii, zemřel 22. října 1906 v Aix-en-Provence.
Hazardní hráči, 1893
Moderní Olympia, 1873
Zátiší s lebkami, 1900
Claude Monet- vynikající francouzský malíř. Jeden ze zakladatelů impresionismu. Monet se ve svých dílech snažil zprostředkovat bohatství a bohatství okolního světa. Pro něj pozdní období vyznačující se dekorativností a Pozdní období Monetovy tvorby se vyznačovalo dekorativismem, rostoucím rozpouštěním objektových forem v sofistikovaných kombinacích barevných skvrn.
Narozen 14. listopadu 1840 v Paříži, zemřel 5. prosince 1926 v Jverny.
Welk Cliff v Pourville, 1882
Po obědě, 1873-1876
Etretat, západ slunce, 1883
Arkhip Kuindzhi - slavný ruský umělec, mistr krajinomalba. Brzy ztratil rodiče. S raná léta Začala se projevovat láska k malování. Práce Arkhip Kuindzhi měla obrovský vliv na Nicholase Roericha. Narozen 15. ledna 1841 v Mariupolu, zemřel 11. července 1910 v Petrohradě.
"Volha", 1890-1895
"Sever", 1879
„Pohled na Kreml ze Zamoskvorechye“, 1882
Pierre Auguste Renoir - Francouzský výtvarník, grafik, sochař, jeden z vynikajících představitelů impresionismu. Byl také známý jako mistr světského portrétování. Auguste Rodin byl prvním impresionistou, který se stal populárním mezi bohatými Pařížany. Narozen 25. února 1841 ve francouzském Limoges, zemřel 2. prosince 1919 v Paříži.
Pont des Arts v Paříži, 1867
Ples v Moulin de la Galette, 1876
Jeanne Samari, 1877
Narozen 7. června 1848 v Paříži, zemřel 8. května 1903 na ostrově Hiva Oa ve Francouzské Polynésii.
Bretonská krajina, 1894
Bretonská vesnice ve sněhu, 1888
Žárlíš? 1892
Den svatých, 1894
Wassily Kandinsky - ruský a Německý umělec, básník, teoretik umění. Považován za jednoho z vůdců avantgardy 1. poloviny 20. století. Je jedním ze zakladatelů abstraktního umění.Narozen 22. listopadu 1866 v Moskvě, zemřel 13. prosince 1944 v Neuilly-sur-Seine ve Francii.
Pár na koni, 1918
Barevný život, 1907
Moskva 1, 1916
V šedé barvě, 1919
Henri Matisse - jeden z největších francouzští umělci a sochaři. Jeden ze zakladatelů fauvistického hnutí. Ve své tvorbě se snažil zprostředkovat emoce prostřednictvím barev. Ve své tvorbě byl ovlivněn islámskou kulturou západního Maghrebu. Narozen 31. prosince 1869 ve městě Le Cateau, zemřel 3. listopadu 1954 ve městě Cimiez.
Náměstí v Saint-Tropez, 1904
Obrys Notre Dame v noci, 1902
Žena s kloboukem, 1905
Tanec, 1909
Ital, 1919
Portrét Delectorskaya, 1934
Nicholas Roerich- Ruský umělec, spisovatel, vědec, mystik. Za svůj život namaloval více než 7000 obrazů. Jeden z prominentní postavy kultury 20. století, zakladatel hnutí „Mír skrze kulturu“. Narozen 27. října 1874 v Petrohradě, zemřel 13. prosince 1947 ve městě Kullu, Himáčalpradéš, Indie.
Zámořští hosté, 1901
Velký duch Himálaje, 1923
Zpráva ze Šambaly, 1933
Kuzma Petrov-Vodkin - Ruský výtvarník, grafik, teoretik, spisovatel, učitel. Byl jedním z ideologů reorganizace výtvarná výchova v SSSR. Narozen 5. listopadu 1878 ve městě Chvalynsk, provincie Saratov, zemřel 15. února 1939 v Leningradu.
„1918 v Petrohradě“, 1920
"Chlapci ve hře", 1911
Koupání červeného koně, 1912
Portrét Anny Akhmatovové
Kazimír Malevič- ruský umělec, zakladatel suprematismu - trendy v abstraktní umění, pedagog, teoretik umění a filozof Narozen 23. února 1879 v Kyjevě, zemřel 15. května 1935 v Moskvě.
Odpočinek (společnost v cylindru), 1908
"Selky s kbelíky", 1912-1913
Černé náměstí suprematistů, 1915
Suprematistická malba, 1916
Na bulváru, 1903
Pablo Picasso- Španělský umělec, sochař, sochař, keramický designér. Jeden ze zakladatelů kubismu. Dílo Pabla Picassa mělo významný vliv na vývoj malířství 20. století. Vyplývá to z průzkumu mezi čtenáři časopisu Time Narozen 25. října 1881 v Malaze ve Španělsku, zemřel 8. dubna 1973 v Mougins ve Francii.
Dívka na míči, 1905
Portrét Ambroise Vallors, 1910
Tři Grácie
Portrét Olgy
Tanec, 1919
Žena s květinou, 1930
Amadeo Modigliani - italský umělec, sochař. Jeden z nejjasnějších představitelů expresionismu. Za svého života měl jedinou výstavu v prosinci 1917 v Paříži. Narozen 12. července 1884 v Livornu v Itálii, zemřel 24. ledna 1920 na tuberkulózu. Světové uznání obdržel posmrtně celosvětové uznání; 
Violoncellista, 1909
Pár, 1917
Joan Hebuterne, 1918
Středomořská krajina, 1918
Diego Rivera- Mexický malíř, muralista, politik. Byl manželem Fridy Kahlo. Našel jsem úkryt v jejich domě krátká doba Leon Trockij. Narozen 8. prosince 1886 v Guanajuato, zemřel 21. prosince 1957 v Mexico City.
Notre Dame de Paris v dešti, 1909
Žena u studny, 1913
Svaz rolníků a dělníků, 1924
Detroitský průmysl, 1932
Marc Chagall- ruský a francouzský malíř, grafik, ilustrátor, divadelní umělec. Jeden z největších představitelů avantgardy. Narozen 24. června 1887 ve městě Liozno v provincii Mogilev, zemřel 28. března 1985 v Saint-Paul-de-Provence.
Anyuta (Portrét sestry), 1910
Nevěsta s ventilátorem, 1911
Já a vesnice, 1911
Adam a Eva, 1912
Mark Rothko(současnost Mark Rotkovich) - americký umělec, jeden ze zakladatelů abstraktního expresionismu a zakladatel barevného pole malby. Umělcova prvotina byla vytvořena v realistickém duchu, nicméně v polovině 40. let se Mark Rothko obrátil k surrealismu. V roce 1947 došlo k zásadnímu obratu v díle Marka Rothka, který vytvořil vlastní styl- abstraktní expresionismus, který se vzdaluje objektivním prvkům.
Narozen 25. září 1903 ve městě Dvinsk (dnes Daugavpils), zemřel 25. února 1970 v New Yorku.
Bez názvu
Číslo 7 nebo 11
Oranžová a žlutá
Salvador Dalí- malíř, grafik, sochař, spisovatel, designér, režisér. Možná nejvíc slavný představitel surrealismus a jeden z nich největší umělci XX století. Navrhl Chupa Chups.
Narozen 11. května 1904 ve Figueres ve Španělsku, zemřel 23. ledna 1989 ve Španělsku.
Pokušení svatého Antonína, 1946
poslední večeře, 1955
Žena s hlavou růží, 1935
Moje žena Gala, nahá, dívá se na své tělo, 1945
Frida Kahlo - Mexický umělec a grafik, jeden z nejjasnějších představitelů surrealismu. Frida Kahlo začala malovat po autonehodě, kvůli které byla na rok upoutána na lůžko.
Byla vdaná za slavného mexického komunistického umělce Diega Riveru. V jejich domě našel na krátkou dobu útočiště Leon Trockij.
Narozen 6. července 1907 v Coyoacan, Mexiko, zemřel 13. července 1954 v Coyoacan.
Objetí univerzální lásky, Země, já, Diego a Coatl, 1949
Mojžíš (Jádro stvoření), 1945
Dvě Fridy, 1939
Andy Warhol(dnes Andrei Varhola) - americký umělec, designér, režisér, producent, vydavatel, spisovatel, sběratel. Zakladatel pop-artu je jednou z nejkontroverznějších osobností v dějinách kultury. O umělcově životě bylo natočeno několik filmů. Narozen 6. srpna 1928 v Pittsburghu v Pensylvánii, zemřel v roce 1963 v New Yorku.
Velcí španělští umělci se ve svých dílech dotkli témat, která se týkají každého člověka, takže jejich jména zůstala po staletí. Počínaje El Grecem můžeme rozlišit devět takových mistrů, kteří žili od 16. do 20. století. Nejvyšší rozkvět je v 17. století. Jinak se mu také říká Golden. Toto je období baroka.
Šestnácté století
Prvním, kdo proslavil španělskou školu, byl Řek Domenico Theotokopoulos (1541-1614), kterému se ve Španělsku přezdívalo El Greco. V těch dobách nad kacíři často hořely ohně. Sekulárních témat se proto prakticky nedotklo. Stojan a fresková malba- to jsou typy ilustrací k Písmu svatému. Ale i zde bylo třeba dbát velké opatrnosti. Byly vyžadovány tradiční výklady.
El Greco kombinuje náboženská témata s úžasnou krásou a nádherou barevné schéma, která předchází vzniku baroka. Jedno z jeho mistrovských děl, „Apoštolové Petr a Pavel“ (1582-592), je uchováváno v Rusku. Zobrazuje prostého negramotného rybáře Petra a tvůrce veškeré křesťanské doktríny, vysoce vzdělaného Pavla, přirozeně s Biblí. Křesťanství si v prvních stoletích získalo všechna srdce svou láskou k lidem, milosrdenstvím a prostotou – stačilo jen uvěřit a každý člověk, vzdělaný či nevzdělaný, chudý i bohatý, se stal křesťanem. Španělští umělci Hodně jsme se naučili od malíře, který měl jedinečný styl spojený s očním onemocněním. Jeho obraz byl však na dlouhou dobu zapomenut a znovu objeven o tři století později.
Baroko - zlatý věk
Jako nikde jinde je katolicismus stále silný, navíc představuje mocnou a impozantní sílu, která vyžaduje, aby člověk umrtvoval tělesné touhy a radosti. celkové ponoření do náboženských rituálů. Španělští umělci jako José Ribera (1591-1652), (1598-1664), Diego Velázquez (1599-1660) a Bartolomeo Murillo (1617-1682) jsou nejjasnější představitelé toto období. Jsou obeznámeni s díly Caravaggia, který je ovlivňuje velký vliv, ne se svými zátišími, ale s jeho chápáním toho, co je smrt a jak úzce přichází do kontaktu se životem.
Španělští umělci Ribera a Zurbaran
Tato asociace je poněkud svévolná. Obrazy Josého Ribery (1591-1652) se vyznačují náměty spojenými s mučednictvím a naturalismem v zobrazení utrpení světců a hrdinů z mytologie i ostrými kontrasty světla a stínu. Francisco Zurbaran (1598-1664) jeho nejlepší obrazy, podbarvený lyrikou, tvoří ve 30. letech 16. stol. V roce 1662 napsal s citem „Madona s dítětem a Jan Křtitel“.
Jasný obraz dítěte, umístěný uprostřed jednoduché a přirozené kompozice, okamžitě upoutá pozornost, stejně jako něžná tvář Madony a zlaté šaty klečícího Jana, u jehož nohou je symbolická bílá ovečka. Dospělý Kristus bude pastýřem velkého stáda těch, kteří v něj věří. Zurbaran maluje pouze ze života – to je jeho princip, využívající kontrast hlubokých stínů a silného světla. Zurbaran byl přátelský brilantní umělec Diego Velazquez, který mu pomáhal s objednávkami. Španělští umělci se snažili navzájem podporovat.
Velazquez (1599-1660)
Španělský umělec Diego Velazquez žijící v Seville zpočátku hodně pracoval na žánrových scénách a také na alegorických obrazech. Ale poznávání Italská malba z královské sbírky ho hodně změnil estetické názory. Změní barvu na jemně stříbrnou a přejde do průhledných tónů. S velkými obtížemi se mu daří získat místo dvorního malíře. Ale král Filip IV. dar okamžitě ocenil mladý umělec, a později vytvořil portréty členů královské rodiny. Vrcholem jeho tvorby byly dva dosud nevyřešené obrazy, takže do nich umělec vložil velký význam. Jsou to „Las Meninas“ (1656), tedy družina dvořanů pro následníky královského trůnu, a „Přadleny“ (1658).
Na první pohled se vše v „Las Meninas“ zdá jednoduché. Ve velké místnosti je mladá nemluvně, obklopená dvorními dámami, bodyguardem, dvěma trpaslíky, psem a umělcem. Ale za malířovými zády visí na stěně zrcadlo, ve kterém se odrážejí král a královna. Zda je královský pár v místnosti nebo ne, je jednou ze záhad. Je jich mnohem víc, dost na obrovský článek. A ani jedna hádanka nemá jasnou odpověď.
Od Francisca Goyi po Salvadora Dalího
Goya (1746-1828), narozený v Zaragoze, se stal oficiálním dvorním umělcem, ale poté o tuto pozici přišel a získal post viceředitele Akademie umění. Goya pracuje tvrdě a rychle, vytváří kartony pro tapisérie, portréty, maluje kostely a obrazy pro katedrálu ve Valencii. Celý život tvrdě a tvrdě pracuje, mění se jako mistr, přechází od lehkých slavnostních kompozic s bohatými barvami k rychlé a ostré grafice, a pokud je to malba, pak temná a ponurá.
Škola kreslení ve Španělsku neumírá, ale další umělecŠpanělské malířství, velký mistr, se objevuje v roce 1881. Tohle je Picasso. Jeho práci poznamenává mnoho věcí. Jsou to „modrá“ a „růžová“ období, kubismus, surrealismus a pacifismus. Za všemi jeho díly se skrývá jemná ironie a touha prodat. A uměl kreslit. Po vytvoření portrétů své milované v době kubismu, které se prodávaly jako rohlíky, pro sebe ji namaloval ve stylu realismu. A teprve poté, co se stal bohatým mužem, si začal dovolovat malovat, jak chtěl.
Jeho dílo „Don Quijote“ (1955) je lakonické. Rytíř sám, jeho panoš, kůň, osel a několik jsou zobrazeni Don Quijote je lehký a beztížný a Rocinante je téměř pytel kostí. Oproti tomu Sancho nalevo je černá, těžká hmota. A přestože obě postavy stojí na místě, kresba je plná pohybu. Řádky jsou energické, chytlavé a plné humoru.
Slavný španělský umělec Salvador Dalí je výstřední. Tento muž měl všechno na prodej. A obrazy, deníky a knihy. Zbohatl na sebe díky energické pomoci své ženy, známější pod jménem Gala. Byla jeho múzou i manažerkou. Jejich spojení bylo komerčně velmi úspěšné.
Na závěr tohoto článku na téma slavných španělských umělců je třeba říci, že všichni měli individualitu zářivou jako slunce Španělska.
