Balet se objevil v. Klasické taneční pozice

Zavedení. 3

1. Balet před rokem 1900 4

1.1. Vznik baletu jako dvorního představení. 4

1.2. Balet v době osvícenství. 5

1.3. Romantický balet. 7

2. Balet 20. století. 9

2.1. Ruský balet S.P. Diaghilev. 9

2.2. Balet v USA.. 10

3. Světový balet. 12

3.1. Spojené království. 12

3.2. Sovětské Rusko a další země.. 13

3.3. Francie. 14

Německo. 15

Závěr. 16

Seznam použité literatury... 18

Balet - pohled divadelní umění, kde hlavním výrazovým prostředkem je tzv. „klasický“ (historicky ustálený, podléhající přísnému kodexu pravidel) tanec; scénické dílo patřící k této umělecké formě.

Děj baletu je uveden v libretu (scénáři). Na základě libreta je napsána hudba, která vyjadřuje emocionální a sémantický obsah díla, dále jsou vytvořeny taneční a pantomimické kulisy a kostýmy. Na vzniku baletu se podílí scénárista, skladatel, choreograf a výtvarník. Existují i balety bez děje, kde choreografie vyjadřuje výhradně obsah hudby. Často se v baletu používá hudba, která původně nebyla skladatelem určena k tanci (Šeherezáda od Rimského-Korsakova, Karneval od Schumanna aj.). Tanec je hlavní složkou baletní představení. Balet zahrnuje klasické tance a charakterové tance, společenské, lidové, v některých případech akrobatické a rytmicko-plastické tance. Existují představení založená pouze na klasickém nebo pouze na charakterovém tanci, ale v moderním západním baletu.

Balet vznikl na italských knížecích dvorech v období renesance a jak rostla jeho obliba a zlepšovaly se herecké techniky, rozšířil se po celé Evropě a později dobyl severní a Jižní Amerika, Asii a Austrálii.

Po většinu 18. století. balet se rozvíjel především v Itálii; na počátku 19. století Francie a později Rusko se proslavily baletními soubory. Ve 20. století balet zaujímal pevné místo na scénách USA (zejména v New Yorku), Velké Británii a Sovětském svazu.

Cílem eseje je sledovat historii vzniku a vývoje baletu jako formy divadelního umění.

Úkolem je prostudovat a analyzovat literaturu k tématu eseje.

1. Balet před rokem 1900

1.1. Počátky baletu jako dvorního představení

Na konci středověku platila italská knížata velká pozornost velkolepé palácové slavnosti. Tanec v nich zaujímal důležité místo, což vyvolalo potřebu profesionálních tanečních mistrů.

Zručnost raných italských učitelů tance zapůsobila na urozené Francouze, kteří doprovázeli armádu Karla VIII., když v roce 1494 vstoupil do Itálie a vznesl si nárok na trůn Neapolského království. Díky tomu začali být italští taneční mistři zváni na francouzský dvůr. Tanec vzkvétal za éry Kateřiny Medicejské, manželky Jindřicha II. (vládl 1547–1559) a matky Karla IX. (vládl 1560–1574) a Jindřich III(vládl 1574–1589). Ital Baldasarino di Belgioioso (ve Francii mu říkali Balthazar de Beaujoyeux) na pozvání Kateřiny Medicejské uspořádal dvorní představení, z nichž nejznámější se jmenoval Královnin komediální balet (1581) a je obecně považován za první v historii. hudební divadlo baletní představení. Za vlády tří francouzských králů - Jindřicha IV. (1533-1610), Ludvíka XIII. (1601-1643) a Ludvíka XIV. (1638-1715) - se učitelé tance vyznamenali jak v oblasti společenského tance, tak v těch formách, které se vyvinuly v r. v rámci dvorního baletu. V Anglii ve stejné době, tzn. Za vlády Alžběty I. probíhal podobný proces, který našel výraz v inscenacích t. zv. masky u soudu ve Whitehallu. Technologie v Itálii profesionální tanec se dále obohacovala, objevily se první práce o tanci (Il Ballarino od Fabrizia Caroso, 1581 a Le Gratie d'Amore od Cesare Negriho, 1602).

V polovině 17. stol. Došlo k odklonu od přísných forem, které jsou dvornímu baletu vlastní. Baletní tanečníci Nyní vystupovali na jevišti vyvýšeném nad úroveň sálu a oddělené od publika, jako tomu bylo například v divadle, které na počátku 17. století postavil kardinál Richelieu. Toto divadlo v italský styl se nacházel v jeho paláci a měl proscénium, které otevíralo další možnosti pro vytváření jevištní iluze a velkolepých efektů. Takže to bylo vyrobeno čistě divadelní forma tanec.

Za vlády Ludvíka XIV. dosáhla dvorní baletní představení zvláštního lesku jak v Paříži, tak v Paříži Palác ve Versailles. „Král Slunce“ se objevil mimo jiné jako Slunce v baletu noci (1653).

Mnohé z rysů baletního tance, které přetrvaly dodnes, jsou vysvětleny původem baletu a stylem chování jeho prvních účinkujících – dvořanů vycvičených vznešenými způsoby. Všichni šlechtici byli obeznámeni s uměním šermu a mnoho z jeho technik se uplatňovalo v tanci: například „vytáčení“, tzn. poloha nohou, ve které jsou vytočené ven od kyčle k chodidlu. Požadované pozice nohou, hlavy a paží v baletu také připomínají šermíře.

V roce 1661 vytvořil Ludvík XIV. Královskou akademii hudby a tance, která sdružovala 13 předních tanečních mistrů, kteří byli povoláni udržovat taneční tradice.

1.2. Balet v době osvícenství

V 18. stol Oba taneční styly – vznešený i virtuózní – se rychle rozvíjely. V oblasti divadelního tance se objevili mistři, kteří si tvořili své individuální styl. Spolu s Duprem to byli brilantní Gaetan Vestris (1729–1808), vysoce technický Pierre Gardel (1758–1840) a inovátor Auguste Vestris (1760–1842), kteří se vyznačovali neobvyklým vzhledem a fenomenálním povýšením (tj. skákat vysoko). Jednodušší a lehčí oděvy, které se dostaly do módy v předvečer francouzské revoluce, dávaly větší svobodu provádění piruet a liftů (speciálních skokových pohybů) a fascinace jimi se stala univerzální, což přívržence tradice dráždilo.

Ještě významnější pro rozvoj baletu než rozmach techniky byl však nový postoj k tomuto umění generovaný osvícenstvím. Došlo k oddělení baletu od opery a a nový vzhled divadelní představení, kde výrazovými prostředky byly tanec a pantomima. Jean Georges Noverre (1727–1810) byl nejvýznamnějším choreografem tohoto hnutí, nejen inovativním praktikem, ale také autorem velmi přesvědčivých publikací. Jeho Listy o tanci a baletech (1760) položily základ estetické základy baletního umění a mnoho jeho výroků neztrácí na významu ani dnes. Noverre se proslavil jako režisér mnoha ballets d'action, „účinných baletů“ (tedy baletů se zápletkou) ve Stuttgartu v 60. letech 18. století a v roce 1776 byl po překonání značných potíží pozván jako choreograf do Pařížské opery , podařilo se mu schválit balet Jak nezávislá forma představení v této slavné opeře.

Balet se začal šířit po celé Evropě. Do poloviny 18. stol. knížecí dvory všude se snažily napodobit luxus Versailles, zároveň v mnoha městech otevíraly operní domy, aby tanečníci a učitelé tance, kterých bylo stále více, snadno našli uplatnění. Nejen ve Francii, ale i v dalších zemích navrhovali choreografové novinky, které byly důležité pro rozvoj baletu. V Rakousku Franz Hilferding (1710–1768) jako jeden z prvních vytvořil inscenace, v nichž byl děj prezentován mimikou a tancem. Italský učitel Gennaro Magri vydal podrobnou učebnici divadelního tance tak, jak vznikla v r posledních letech před pádem starého režimu ve Francii.

Když vypukla revoluce roku 1789, balet se již etabloval jako speciální typ v umění. Veřejnost si zvykla na konvence jevištní mimiky a tanec se pod vlivem myšlenek osvícenství osvobodil od umělosti, proti níž Noverre brojil. Balet přestal být vnímán jako fenomén dvorského života.

Ruský vliv se projevil tím, že Charles Louis Didelot, který dříve působil jako choreograf v Petrohradě, byl pozván k nastudování jeho nejslavnějšího baletu Flora and Zephyr (hudba K.A. Kavos) v Pařížské opeře. Po návratu do Petrohradu a několikaletém působení zde zanechal Didelot divadlu dědictví nejen obrovského nového repertoáru, včetně baletů na ruská témata, např. Kavkazský vězeň(hudba Kavos, 1823), ale také vysokou úroveň výuky na baletní škole, která byla později uznána jako nejlepší na světě.

V 90. letech 18. století ovlivněn moderní móda, ženský baletní kostým se stal mnohem lehčím a volnějším, takže pod ním byly vidět linie těla; Zároveň opustili boty s podpatky a nahradili je lehkými botami bez podpatku.

1.3. Romantický balet

V době, kdy byl v Evropě nastolen mír (1815), vyrostla nová generace s malým zájmem o minulost. Co bylo vlastní předchozí době, bylo zapomenuto, zrodila se nová estetika romantismu, která se rozšířila do všech umění. Romantismus nejen ničil staré formy, které se zdály zastaralé a nemístné, ale hledal nové zdroje inspirace. Mladí romantičtí umělci se obraceli k nadpřirozeným a exotickým jevům, přitahovala je kultura vzdálené země a prastarý starověk. Zvláště působivé byly první projevy romantismu a balet jím byl ovlivněn déle než mnoho jiných forem divadelního umění.

Mnoho představ o baletním umění se zcela změnilo pod vlivem Marie Taglioni (1804–1884). Když se objevila v La Sylphide (1832), v choreografii jejího otce, otevřela jevištní přístup k novému typu baletní hrdinky: éterickému hostu z jiný svět. Její tanec měl ladnost, která přispěla k vytvoření této ideální bytosti. Ačkoli Taglioni nebyla první, kdo se postavil na nohy, jak historici opakovaně mylně uvedli, dokázala proměnit to, co před ní bylo jen trikem. vyjadřovací prostředky zprostředkovat speciální vlastnosti, které jsou vlastní nepolapitelným, éterickým obrazům.

Hudbu většiny baletů éry romantismu napsali skladatelé, kteří se specializovali na lehké žánry. Nejvýznamnější z nich byl A. Adam, autor hudby Giselle a Korzár. Baletní hudba v té době byla psána na objednávku a nepředpokládalo se, že jde o dostatečně vážné dílo, aby se mohlo hrát na koncertech; pasáže určené pro tanec byly melodické a jejich konstrukce byla jednoduchá, zatímco hudba měla epizody pouze doprovázet, obecná nálada výkon.

Všechno to začalo před více než pěti sty lety v severní Itálii. Byla to renesance charakteristické rysy což byla sekulární povaha kultury, humanismu a antropocentrismu, tedy zájmu především o člověka a jeho činnost.

Během renesance pořádala italská knížata palácové festivaly, ve kterých hrál důležitou roli tanec. Honosné róby však stejně jako sály neumožňovaly neorganizovaný pohyb. Existovali proto speciální učitelé – taneční mistři, kteří se šlechtici nacvičovali pohyby a jednotlivé figury, aby pak tanečníky vedli. Postupně se tanec stával stále divadelnějším a samotné slovo „balet“ označovalo skladby, které nevyjadřovaly děj, ale vlastnost nebo stav charakteru.

Koncem 15. století byl tento druh baletu zahrnut do vytvářených brýlí slavných básníků a umělci. V roce 1496 Leonardo da Vinci nakreslil kostýmy pro tanečníky a vynalezl scénické efekty pro svátek milánského vévody.

V roce 1494, kdy francouzský král Karel VIII. vstoupil do Itálie s nárokem na neapolský trůn, byli jeho dvořané ohromeni dovednostmi italských učitelů tance. Díky tomu začali být na francouzský dvůr zváni taneční mistři. Zároveň vyvstala potřeba notace – systému pro záznam tance. Autorem prvního známého systému byl Tuan Arbo. Zapisoval si taneční kroky hudebními znaky.

Vývoj ve Francii pokračoval...

Francouzská královna Catherine de' Medici pozvala Itala Baldasarino di Belgioioso (ve Francii mu říkali Balthazar de Beaujoyeux) k divadelním dvorním vystoupením. Balet se pak prosadil jako žánr, kde drama, „zpívaný příběh“ (recitativ) a tanec tvořily souvislou akci. První v tomto žánru a nejznámější je považován „Circe, nebo královnin komediální balet“, inscenované v roce 1581. Zápletka byla vypůjčena z starověké mytologie. Tance předváděly vznešené dámy a šlechtici ve velkolepých kostýmech a maskách.

V 16. století, jak se vyvíjel instrumentální hudba Zkomplikovala se i taneční technika. Ve Francii 17. století se začaly objevovat maškarní balety a poté pompézní melodramatické balety na rytířských a fantastických zápletkách, kde byly taneční epizody prokládány vokálními áriemi a recitací poezie – „Alcinův balet“ (1610), „Triumf Minervy“ (1615), „Osvobození Rinalda“ (1617). Takové balety se skládaly z různá čísla, který dnes připomíná divertisment a následně se stane jednou z důležitých strukturálních forem budoucího baletu.

Později francouzský král Ludvík XIII., který měl rád tanec a získal vynikající hudební vzdělání, byl autorem baletního představení „The Merlezon Ballet“ (15. března 1635). Děj byl o dobrodružstvích při lovu kosů - jedné z králových oblíbených kratochvílí. Balet se skládal ze 16 dějství. Jeho Veličenstvo nejen složilo libreto, hudbu, choreografii, načrtlo kulisy a kostýmní návrhy, ale také ztvárnilo dvě role: obchodníka s návnadami a rolníka.

První krůčky mladého umění. Velký Pierre Beauchamp

Zvláštního lesku dosáhla představení dvorního baletu v době krále Ludvíka XIV. Protože teprve tehdy se tanec začal provozovat podle určitých pravidel. Poprvé je formuloval francouzský choreograf Pierre Beauchamp (1637–1705).

Ludvík XIV. získal svou slavnou přezdívku „Král Slunce“ poté, co ztvárnil roli Slunce v „Baletu noci“. Rád tančil a účastnil se divadelních her. V roce 1661 otevřel Royal Academy of Music and Dance, kam bylo pozváno 13 předních tanečních mistrů. Jejich povinností bylo zachovat taneční tradice.

Ředitel akademie Pierre Beauchamp sepsal kánony ušlechtilého stylu tance, jehož základem bylo everze nohou (en dehors). Tato situace dala lidské tělo možnost volně se pohybovat různé strany. Všechny pohyby rozdělil do skupin: dřepy (plie), skoky (skluzy, entrechat, kabriole, jeté, schopnost visu ve výskoku - elevace), rotace (piruety, fouettés), polohy těla (postoje, arabesky). Provádění těchto pohybů bylo prováděno na základě pěti poloh nohou a tří poloh paží (port de bras). Všechno je zapnuté klasický tanec se stal odvozen z těchto poloh nohou a paží.

Jeho klasifikace je živá dodnes a francouzská terminologie se stala běžnou pro umělce po celém světě, stejně jako latina pro lékaře.

Beauchamp neocenitelně přispěl ke klasickému baletu tím, že rozdělil tance do tří hlavních typů: vážné, polocharakterní a komické. Vážný tanec (prototyp moderní klasiky) vyžadoval akademickou přísnost výkonu, vnější krása, milost - i na hranici afektovanosti. Byl to „vznešený“ tanec, který se používal k plnění role krále, boha, mytologický hrdina. Polocharakteristické - kombinované pastevecké, krajinné a fantastické tance, které sloužily k zobrazení síly přírody nebo zosobnění lidských vášní. Tance fúrií, nymf a satyrů se také řídily jeho zákony. Konečně se komický tanec vyznačoval virtuozitou a umožňoval přehnané pohyby a improvizaci. Bylo to potřeba pro groteskní a exotické tance vyskytující se v komediích klasického divadla.

Tak začalo formování baletu, který XVIII století z intermezzí a divertissementů se vyvinulo v samostatné umění.

První divadlo. První skupina

Balet získával stále větší oblibu a stísnil se v sálech paláce. Pod vedením Beauchampa vznikla Pařížská opera, kde byl choreografem, ale výkony se téměř nelišily od předchozích představení. Zúčastnili se jich stejní dvořané, kteří předváděli pomalé menuety, gavoty a pavanes. Těžké šaty, vysoké podpatky a masky bránily ženám provádět složité pohyby. Poté Pierre Beauchamp vytvořil baletní soubor pouze z mužských tanečníků. Jejich tance se vyznačovaly větší ladností a elegancí. Ženy na jevišti Pařížská opera se objevil až v roce 1681. Velké skupiny tanečníci začali provádět složité pohyby synchronně a doprovázeli sólisty; sólový tanec smysluplně předával vznešenost postav a sílu emocí; tančí páry zformováno do pas de deux. Vysoce konvenční tanec, tíhnoucí k virtuozitě, závisel na hudbě a hledal s ní stejná práva v praxi i teorii.

Francouzskou choreografii významně obohatili dramatik Molière a skladatel J. B. Lully, kteří s Molièrem poprvé spolupracovali jako choreograf a tanečník v komediích a baletech „A Neochotný sňatek“ (1664), „Georges Dandin“ (1668), „Buržoazi ve šlechtě“ (1670). Lully se stal skladatelem a vytvořil tento žánr hudební tragédie, kde se odrážela estetika klasicismu: monumentalita obrazů, jasná logika vývoje, přísnost vkusu, preciznost forem. Akci lyrických tragédií posilovaly plastické a dekorativní průvody, pantomimy a tance.

Reforma baletního divadla způsobila nárůst interpretačních dovedností - objevili se tanečníci L. Pecourt a J. Ballon. Mademoiselle Lafontaine se stala první profesionální tanečnicí v Lullyho operě-baletu Triumf lásky. Později byla známá jako „královna tance“.

Vážné tance se předváděly v široké sukni, kterou držely rákosové obruče. Zespodu byly vidět špičky jejích bot. Muži nosili brokátové kyrysy a krátké sukně na rákosových rámech zvaných „sudy“. Všichni měli boty na vysokém podpatku. Obličeje si navíc zakrývali kulatými maskami různé barvy, v závislosti na povaze postavy.

V polocharakterních baletech byly kostýmy odlehčené, ale přidaly se atributy, které tanec charakterizují – srpy, koše, špachtle, leopardí kůže a další. Kostým pro komické tance nebyl tak přísně regulován - režisér věřil umělcově představivosti.

Zároveň se zrodil celý systém symbolů. Pokud si například umělec přejel hranou dlaně po čele, implikovalo to korunu, tzn. král; zkřížené paže na hrudi - „zemřel“; ukázal na prsteníček své ruky - „Chci se oženit“ nebo „ženatý“; zobrazení vlnovitých pohybů rukou - „plul na lodi“.

Balet uchvacuje Evropu

Současně s rozvojem baletu ve všech velká města začala vznikat vlastní divadla, choreografové a performeři. Balet se tak vrátil do své domoviny – Itálie, kde si do 18. století vytvořil vlastní styl provedení, který se od francouzských manýr lišil technickou virtuozitou a větší spontánností. francouzské a italské školy v klasickém baletu bude pokračovat po staletí.

V 17. století se v Nizozemsku objevil balet. V Anglii se v důsledku buržoazní revoluce a zákazu představení baletní divadlo rozvinulo o něco později – až při obnově monarchie. V roce 1722 vzniklo první dvorní divadlo v Dánsku, kde se profesionální tanečníci účastnili Molierových komedií a baletů. A teprve koncem 18. století získal dánský balet nezávislost. V 18. století existoval balet také v Německu, Švédsku a Holandsku. Formy představení, které byly vypůjčeny od Italů a Francouzů, byly obohaceny o národní příchuť.

Balet přišel do Ruska později než do jiných evropské země, ale právě zde našel svůj rozkvět a toto je příběh dalších staletí, který si zaslouží samostatnou kapitolu.

Balet je poměrně mladé umění. Je to něco málo přes čtyři sta let, i když tanec zdobí lidský život už od pradávna. Balet se zrodil v severní Itálii během renesance. Italští princové milovali okázalé palácové slavnosti, ve kterých měl tanec důležité místo. Venkovské tance nebyly vhodné pro dvorní dámy a pány. Jejich oděv, stejně jako sály, kde se tančilo, neumožňoval neorganizovaný pohyb. Pořádek v dvorských tancích se snažili nastolit speciální učitelé – taneční mistři. Se šlechtici předem nacvičovali jednotlivé figury a taneční pohyby a vedli skupiny tanečníků. Postupně byl tanec čím dál tím divadelnější.

Termín „balet“ se objevil na konci 16. století (z italského balletto – tančit). Tehdy to ale neznamenalo představení, ale pouze taneční epizodu přenášející určitou náladu. Takové „balety“ se obvykle skládaly z mírně propojených „východů“ postav – nejčastěji hrdinů řecké báje. Poté, co takové "výstupy" začaly obecný tanec- "velký balet".

Prvním baletním představením byl Queen's Comedy Ballet, uvedený v roce 1581 ve Francii. Italský choreograf Baltazarini di Belgioioso. Stalo se to ve Francii další vývoj balet Nejprve to byly maškarní balety, později pompézní melodramatické balety s rytířskými a fantastickými zápletkami, kde taneční epizody vystřídaly vokální árie a recitace poezie. Nedivte se, balet v té době nebyl jen taneční představení.

Za vlády Ludvíka XIV. dosáhla dvorní baletní představení zvláštního lesku. Sám Louis se rád účastnil baletů a svou slavnou přezdívku „The Sun King“ dostal poté, co hrál roli Slunce v „Balet of the Night“.

V roce 1661 vytvořil Královskou akademii hudby a tance, která zahrnovala 13 předních tanečních mistrů. Jejich povinností bylo zachovávat taneční tradice. Ředitel akademie, učitel královského tance Pierre Beauchamp, určil pět hlavních poloh klasického tance.

Brzy byla otevřena Pařížská opera a tentýž Beauchamp byl jmenován choreografem. Pod jeho vedením vznikl baletní soubor. Nejprve se skládala pouze z mužů. Ženy se objevily na scéně pařížské opery až v roce 1681.

Divadlo uvedlo opery a balety skladatele Lullyho a komedie a balety dramatika Moliera. Zpočátku se jich účastnili dvořané a představení se téměř nelišila od palácových. Tancovaly se již zmíněné pomalé menuety, gavoty a pavanes. Masky, těžké šaty a vysoké podpatky bránily ženám provádět složité pohyby. Proto mužský tanec Vyznačovaly se tehdy větší půvabem a elegancí.

NA poloviny 18. století století si balet získal v Evropě velkou oblibu. Všechny aristokratické dvory Evropy se snažily napodobit luxus francouzského královského dvora. Ve městech se otevřely operní domy. Řada tanečníků a učitelů tance snadno našla práci.

Pod vlivem módy se ženské baletní kostýmy brzy staly mnohem lehčími a volnějšími a pod nimi byly vidět linie těla. Tanečníci opustili boty na vysokém podpatku a nahradili je lehkými botami bez podpatku. Stal se méně těžkopádným pánský oblek: těsné kalhoty ke kolenům a punčochy umožňovaly vidět postavu tanečnice.

Každá inovace učinila tanec smysluplnějším a taneční techniku- vyšší. Postupně se balet oddělil od opery a stal se samostatným uměním.

I když francouzsky baletní škola Proslula svou grácií a plasticitou, vyznačovala se jistým chladem a formálností provedení. Choreografové a výtvarníci proto hledali jiné výrazové prostředky.

V konec XVIII století se zrodil nový směr v umění – romantismus, který měl silný vliv na balet. V romantickém baletu stála tanečnice na špičatých botách. Jako první to udělala Maria Taglioni, která zcela změnila dosavadní představy o baletu. V baletu La Sylphide se objevila jako křehká bytost z onoho světa. Úspěch byl ohromující.

V této době se objevilo mnoho nádherných baletů, ale romantický balet se bohužel stal posledním obdobím svého rozkvětu taneční umění na západě. Od druhého poloviny 19. století století se balet, který ztratil svůj dřívější význam, stal přílohou opery. Teprve ve 30. letech 20. století, pod vlivem ruského baletu, začalo oživení tohoto uměleckého druhu v Evropě.

V Rusku bylo první baletní představení - "Balet Orfea a Eurydiky" - uvedeno 8. února 1673 na dvoře cara Alexeje Michajloviče. Slavnostní a pomalé tance se skládaly ze změny ladných póz, úklonů a pohybů, které se střídaly se zpěvem a řečí. Žádný významnou roli nehrál roli ve vývoji scénického tance. Byla to jen další královská „zábava“, která přitahovala lidi svou nevšedností a neotřelostí.

Jen o čtvrt století později díky reformám Petra I. vstoupila hudba a tanec do každodenního života ruské společnosti. K šlechtě vzdělávací instituce byla zavedena povinná taneční průprava. Hudebníci, operní umělci a baletní společnosti.

V roce 1738 byla otevřena první baletní škola v Rusku a o tři roky později se 12 chlapců a 12 dívek z palácových služebníků stalo prvními profesionálními tanečníky v Rusku. Nejprve vystupovali v baletech zahraničních mistrů jako figurky (jak se sboru baletních tanečníků říkalo), později v hlavních rolích. Timofey Bublikov, báječný tanečník té doby, zářil nejen v Petrohradě, ale i ve Vídni.

Na počátku 19. století dosáhlo ruské baletní umění tvůrčí zralost. Ruští tanečníci vnesli do tance expresivitu a duchovnost. A.S. Puškin to velmi přesně vycítil a nazval tanec svého současníka Avdotyi Istominy „úletem plným duše“.

Balet v této době zaujímal výsadní postavení mezi ostatními druhy divadelního umění. Úřady mu věnovaly velkou pozornost, za předpokladu vládní dotace. Moskevské a Petrohradské baletní soubory vystupovaly v dobře vybavených divadlech a absolvovaly divadelní školy byl každoročně doplňován kádr tanečníků, hudebníků a dekoratérů.

V historii našeho baletního divadla často najdeme jména zahraničních mistrů, kteří se významně podíleli na rozvoji ruského baletu. Především to jsou Charles Didelot, Arthur Saint-Leon a Marius Petipa. Pomohli vytvořit ruskou baletní školu. Talentovaní ruští umělci ale také dali příležitost odhalit talenty svých učitelů. To vždy přilákalo největší choreografy Evropy do Moskvy a Petrohradu. Nikde na světě se nemohli setkat s tak velkou, talentovanou a dobře vycvičenou skupinou jako v Rusku.

V polovina 19 století se do ruské literatury a umění dostal realismus. Choreografové se horečně, ale bezvýsledně, snažili vytvořit realistická představení. Nebrali v úvahu, že balet je konvenční umění a realismus v baletu se výrazně liší od realismu v malbě a literatuře. Začala krize baletního umění.

Nová etapa v historii ruského baletu začala, když velký ruský skladatel P. Čajkovskij poprvé složil hudbu pro balet. Bylo to" Labutí jezero„Předtím se baletní hudba nebrala vážně, považovala se za nižší formu hudební kreativita, jen doprovod k tanci.

Díky Čajkovskému baletní hudba se stal spolu s operou vážným uměním symfonická hudba. Dříve hudba byl zcela závislý na tanci, nyní se tanec musel podřizovat hudbě. Byly požadovány nové výrazové prostředky a nový přístup k tvorbě představení.

Další vývoj ruského baletu je spojen se jménem moskevského choreografa A. Gorského, který opustil zastaralé techniky pantomimy a použil v baletním představení moderní režijní postupy. Dávání skvělá hodnota malebný design představení přitahoval k práci ty nejlepší umělce.

Ale skutečným reformátorem baletního umění je Michail Fokin, který se vzbouřil proti tradiční konstrukci baletního představení. Tvrdil, že téma hry, její hudba a éra, ve které se akce odehrává, vyžadují pokaždé jiné nápady. taneční pohyby, jiný taneční vzor. Při inscenaci baletu „Egyptské noci“ se Fokine inspiroval poezií V. Brjusova a staroegyptskými kresbami a obrazy baletu „Petruška“ poezií A. Bloka. V baletu "Daphnis a Chloe" opustil tanec na špičatých botách a oživil starověké fresky volnými, pružnými pohyby. Jeho „Chopiniana“ oživila atmosféru romantický balet. Fokin napsal, že „sní o vytvoření baletního dramatu z baletní zábavy a z tance do srozumitelného, mluvícího jazyka“. A uspěl.

V roce 1908 začala v Paříži každoroční představení ruských baletních tanečníků, pořádaných o divadelní postava S. P. Diaghilev. Jména tanečníků z Ruska - Vaslav Nižinskij, Tamara Karsavina, Adolf Bolm - se stala známá po celém světě. Ale první v této řadě je jméno nesrovnatelné Anny Pavlové.

Pavlova - lyrická, křehká, s protáhlými liniemi těla, obrovskýma očima - evokovala rytiny zobrazující romantické baletky. Její hrdinky zprostředkovaly ryze ruský sen o harmonickém, zduchovněném životě nebo touhu a smutku nad něčím nenaplněným. "The Dying Swan" vytvořil skvělá baletka Pavlova, je poetický symbol ruského baletu počátku 20. století.

Tehdy se západní balet pod vlivem zručnosti ruských umělců otřásl a našel druhý dech.

Po Říjnová revoluce V roce 1917 opustilo Rusko mnoho baletních divadelních osobností, ale navzdory tomu škola ruského baletu přežila. Patos pohybu k novému životu, revoluční témata a hlavně prostor pro tvůrčí experimenty inspirovaly baletní mistry. Jejich úkolem bylo přiblížit choreografické umění pro lidi, aby byla vitálnější a přístupnější.

Tak vznikl žánr dramatického baletu. Jednalo se o představení, obvykle založená na zápletkách slavných literární díla, které byly postaveny podle zákonů dramatického výkonu. Obsah byl prezentován prostřednictvím pantomimy a figurativního tance. V polovině 20. století byl dramatický balet v krizi. Choreografové se pokoušeli zachovat tento žánr baletu, vylepšovali zábavu představení pomocí jevištních efektů, ale bohužel marně.

Koncem 50. let přišel zlom. Choreografové a tanečníci nové generace oživili zapomenuté žánry – jednoaktový balet, baletní symfonii, choreografickou miniaturu. A od 70. let vznikají nezávislé baletní soubory, nezávislé na operní a baletní divadla. Jejich počet se neustále zvyšuje, objevují se mezi nimi ateliéry volný tanec a moderní tanec. Školy akademického baletu a klasického tance však u nás stále zůstávají vedoucími.

TOTO JE ZAJÍMAVÉ

V baletech minulosti existoval celý systém konvencí. Pokud si například umělec přejel hranou dlaně po čele, čímž naznačil, že má na hlavě korunu, znamenalo to „král“; založil si ruce zkříženě na hrudi, což znamená, že „zemřel“; ukázal na prsteníček ruky, kde se obvykle nosí prsten - „chci se oženit“ nebo „ženatý“; začal rukama dělat vlnovité pohyby, což znamená, že „plul na lodi“ a tak dále. Všechna tato gesta byla pochopitelně srozumitelná pouze choreografům, hercům a hrstce baletek – stálým návštěvníkům baletů.

Balet (francouzsky balet, z latiny ballo - tančím) je druh scénického umění, jehož hlavními výrazovými prostředky jsou nerozlučně spjaty hudba a tanec.

Nejčastěji je balet založen na nějaké zápletce, dramatické koncepci, libretu, ale jsou i balety bezzápletkové. Hlavními druhy tance v baletu jsou klasický tanec a charakterový tanec. Důležitou roli zde hraje pantomima, s jejíž pomocí herci předávají pocity postav, jejich „rozhovor“ mezi sebou a podstatu toho, co se děje. V moderního baletu Hojně se využívají i prvky gymnastiky a akrobacie.

Zrození baletu

Balet vznikl v Itálii během renesance (XVI. století), zpočátku jako taneční scéna spojená jedinou akcí nebo náladou, epizoda v hudební vystoupení, opera Dvorní balet zapůjčený z Itálie rozkvetl ve Francii jako velkolepá slavnostní podívaná. Hudební základ První balety (The Queen's Comedy Ballet, 1581) sestávaly z lidových a dvorních tanců, které byly součástí starověké suity. Ve 2. polovině 17. století se objevují nové divadelní žánry jako komedie-balet, opera-balet, v nichž významné místo je věnována baletní hudbě a jsou činěny pokusy o její dramatizaci. Samostatnou formou jevištního umění se ale balet stal až ve druhé polovině 18. století díky reformám francouzského choreografa J. J. Novera. Na základě estetiky francouzského osvícenství vytvořil představení, v nichž se obsah odhaluje v dramaticky expresivním plastické obrázky, potvrdil aktivní roli hudby jako „programu, který určuje pohyby a akce tanečníka“.

Další rozvoj baletu

K dalšímu rozvoji a rozkvětu baletu došlo v době romantismu.

Moderní baletní kostým (kostým Švestkové víly ze hry „Louskáček“)

Zpátky ve 30. letech léta XVIII PROTI. Francouzská baletka Camargo zkrátila sukni (tutu) a opustila podpatky, což jí umožnilo zavést do tance smyky. Do konce 18. stol. baletní kostým se stává mnohem lehčím a volnějším, což velkou měrou přispívá k rychlému rozvoji taneční techniky. Ve snaze udělat svůj tanec vzdušnějším se umělci pokusili stát na špičkách, což vedlo k vynálezu špičatých bot. V budoucnu prstová technika ženský tanec se aktivně rozvíjí. První, kdo použil tanec pointe jako výrazový prostředek, byla Maria Taglioni.

Dramatizace baletu si vyžádala rozvoj baletní hudby. Beethoven se ve svém baletu „Díla Prométhea“ (1801) poprvé pokusil symfonizovat balet. Romantický směr se prosadil v Adamových baletech Giselle (1841) a Korzár (1856). Delibesovy balety Coppelia (1870) a Sylvia (1876) jsou považovány za první symfonizované balety. Zároveň vznikl zjednodušený přístup k baletní hudbě (v baletech C. Pugny, L. Minkuse, R. Driga aj.), jako hudba melodická, rytmicky čistá, sloužící pouze jako doprovod k tanci.

Balet proniká do Ruska a začíná se šířit i za Petra I. zpočátku. XVIII století V roce 1738 byla na žádost francouzského tanečního mistra Jean-Baptiste Lande otevřena první baletní taneční škola v Rusku v Petrohradě (dnes Vaganova akademie ruského baletu).

Historie ruského baletu začíná v roce 1738. Právě tehdy se na žádost pana Landea objevila první škola baletního umění v Rusku – dnes světově proslulá Petrohradská taneční akademie pojmenovaná po Agrippině Jakovlevně Vaganové. Panovníkům ruského trůnu vždy záleželo na rozvoji tanečního umění. Michail Fedorovič jako první z ruských carů zavedl do osazenstva svého dvora novou pozici tanečníka. Byl to Ivan Lodygin. Musel nejen sám tančit, ale tomuto řemeslu naučit i ostatní. K dispozici mu bylo 29 mladých mužů. První divadlo se objevilo za cara Alexeje Michajloviče. Pak bylo zvykem předvádět mezi dějstvími divadelní hry scénický tanec, kterému se říkalo balet. Později se zvláštním výnosem císaře Petra Velikého stal tanec nedílnou součástí dvorské etikety. Ve 30. letech 18. století se šlechtická mládež musela učit tanci. V Petrohradě společenský tanec se stal povinnou disciplínou v Gentry kadetní sbor. S otevřením letního divadla v Letní zahrada, zima - v přístavbě Zimní palác Kadeti se začínají účastnit baletního tance. Učitelem tance ve sboru byl Jean-Baptiste Lande. Dobře chápal, že šlechtici se v budoucnu baletnímu umění věnovat nebudou. I když tančili v baletech na stejné úrovni jako profesionálové. Lande, jako nikdo jiný, viděl potřebu ruského baletního divadla. V září 1737 podal petici, ve které dokázal zdůvodnit potřebu vytvoření nové zvláštní školy, kde by dívky a chlapci jednoduchý původ bude studovat choreografické umění. Brzy bylo takové povolení uděleno. Z palácových služebníků bylo vybráno dvanáct dívek a dvanáct štíhlých chlapců, které Lande začal učit. Každodenní práce přinesla výsledky, veřejnost byla potěšena tím, co viděla. Od roku 1743 začali Landeovi bývalí studenti dostávat platy jako baletní tanečníci. Škola velmi rychle dokázala poskytnout ruské scéně vynikající baletní tanečníky a skvělé sólisty. Jména zůstávají v historii nejlepší studenti první sada: Aksinya Sergeeva, Avdotya Timofeeva, Elizaveta Zorina, Afanasy Toporkov, Andrey Nesterov

Národní identita Ruský balet se díky aktivitám začal formovat na počátku 19. století Francouzský choreograf Sh.-L. Didlo. Didelot posiluje roli baletního sboru, propojení tance a pantomimy a prosazuje prioritu ženského tance.

Skutečnou revoluci v baletní hudbě udělal Čajkovskij, který do ní vnesl nepřetržitý symfonický vývoj, hluboký figurativní obsah a dramatickou expresivitu. Hudba jeho baletů „Labutí jezero“ (1877), „Šípková Růženka“ (1890) a „Louskáček“ (1892) získala spolu se symfonickou hudbou schopnost odhalit vnitřní tok akce, ztělesnit charaktery postav v jejich interakci, vývoji a boji. V choreografii Čajkovského inovaci ztělesnili choreografové Marius Petipa a L. I. Ivanov, kteří položili základ symfonizaci tance. V tradici symfonizace baletní hudby pokračoval Glazunov v baletech „Raymonda“ (1898), „Mladá dáma služebná“ (1900) a „Roční období“ (1900).

Počátek 20. století byl ve znamení inovativního hledání, touhy překonávat stereotypy, konvence akademické balet XIX století. Ve svých baletech choreograf Velké divadlo A. A. Gorsky se snažil dosáhnout konzistentnosti vývoje dramatická akce, historická autenticita, se snažila posílit roli baletního sboru jako masy herec, překonat oddělení pantomimy a tance. M. M. Fokin významně přispěl k ruskému baletnímu umění tím, že výrazně rozšířil škálu myšlenek a obrazů v baletu, obohatil jej o nové formy a styly. Jeho inscenace baletů „Chopiniana“, „Petrushka“, „Firebird“ a dalších pro „Ruská roční období“ proslavily ruský balet v zahraničí. Dobyt světová sláva miniaturu „Umírající labuť“ (1907), kterou vytvořil Fokin pro Annu Pavlovou. V letech 1911-13 vznikla na základě „Ruských ročních období“. stálá tlupa„Ruský balet Diaghilev“ . Poté, co Fokine opustil soubor, se jeho choreografem stal Václav Nižinskij. Jeho nejznámější inscenací byl balet „Svěcení jara“ na hudbu Stravinského.

Moderní tanec

Moderní tanec je směr v tanečním umění, který se objevil na počátku 20. století v důsledku odklonu od přísných norem baletu ve prospěch tvůrčí svobody choreografů.

Balet se inspiroval volným tancem, o který se tvůrci tolik nezajímali nová technologie tanec nebo choreografie, stejně jako tanec jako zvláštní filozofii, která může změnit život. Toto hnutí, které vzniklo na počátku dvacátého století (za jeho zakladatelku je považována Isadora Duncan), posloužilo jako zdroj mnoha trendů moderní tanec a dal podnět k reformě samotného baletu.

Vloženo přes copypaster, St, 15/08/2007 - 01:11

Balet je poměrně mladé umění. Je to něco málo přes čtyři sta let, i když tanec zdobí lidský život už od pradávna.

Balet se zrodil v severní Itálii během renesance. Italští princové milovali okázalé palácové slavnosti, ve kterých měl tanec důležité místo. Venkovské tance nebyly vhodné pro dvorní dámy a pány. Jejich oděv, stejně jako sály, kde se tančilo, neumožňoval neorganizovaný pohyb. Pořádek v dvorských tancích se snažili nastolit speciální učitelé – taneční mistři. Se šlechtici předem nacvičovali jednotlivé figury a taneční pohyby a vedli skupiny tanečníků. Postupně byl tanec čím dál tím divadelnější.

Termín „balet“ se objevil na konci 16. století (z italského baletu – tančit). Tehdy to ale neznamenalo představení, ale pouze taneční epizodu přenášející určitou náladu. Takové „balety“ se obvykle skládaly z lehce propojených „výstupů“ postav – nejčastěji hrdinů řeckých mýtů. Po takových „výjezdech“ začal obecný tanec – „velký balet“.

Prvním baletním představením byl Queen's Comedy Ballet, který uvedl v roce 1581 ve Francii italský choreograf Baltazarini di Belgioioso. Právě ve Francii došlo k dalšímu rozvoji baletu. Nejprve to byly maškarní balety, později pompézní melodramatické balety s rytířskými a fantastickými zápletkami, kde taneční epizody vystřídaly vokální árie a recitace poezie. Nedivte se, balet v té době nebyl jen taneční představení.

Divadlo uvedlo opery a balety skladatele Lullyho a komedie a balety dramatika Moliera. Zpočátku se jich účastnili dvořané a představení se téměř nelišila od palácových. Tancovaly se již zmíněné pomalé menuety, gavoty a pavanes. Masky, těžké šaty a vysoké podpatky bránily ženám provádět složité pohyby. Proto se tehdy mužské tance vyznačovaly větší grácií a elegancí.

V polovině 18. století získal balet v Evropě velkou oblibu. Všechny aristokratické dvory Evropy se snažily napodobit luxus francouzského královského dvora. Ve městech se otevřely operní domy. Řada tanečníků a učitelů tance snadno našla práci.

Pod vlivem módy se ženské baletní kostýmy brzy staly mnohem lehčími a volnějšími a pod nimi byly vidět linie těla. Tanečníci opustili boty na vysokém podpatku a nahradili je lehkými botami bez podpatku. Pánský kostým se také stal méně objemným: těsné kalhoty ke kolenům a punčochy umožňovaly vidět tanečníkovu postavu.

Každá inovace učinila tanec smysluplnějším a taneční techniku vyšší. Postupně se balet oddělil od opery a stal se samostatným uměním.

Přestože byla francouzská baletní škola pověstná svou grácií a plasticitou, vyznačovala se určitým chladem a formálností provedení. Choreografové a výtvarníci proto hledali jiné výrazové prostředky.

Na konci 18. století se zrodil nový směr v umění – romantismus, který měl silný vliv na balet. V romantickém baletu stála tanečnice na špičatých botách. Jako první to udělala Maria Taglioni, která zcela změnila dosavadní představy o baletu. V baletu La Sylphide se objevila jako křehká bytost z onoho světa. Úspěch byl ohromující.

V této době se objevilo mnoho nádherných baletů, ale romantický balet se bohužel stal posledním obdobím rozkvětu tanečního umění na Západě. Od druhé poloviny 19. století se balet, který ztratil svůj dřívější význam, stal přílohou opery. Teprve ve 30. letech 20. století, pod vlivem ruského baletu, začalo oživení tohoto uměleckého druhu v Evropě.

V Rusku bylo první baletní představení - „Balet Orfea a Eurydiky“ - uvedeno 8. února 1673 na dvoře cara Alexeje Michajloviče. Slavnostní a pomalé tance se skládaly ze změny ladných póz, úklonů a pohybů, které se střídaly se zpěvem a řečí. Ve vývoji scénického tance nesehrál žádnou významnou roli. Byla to jen další královská „zábava“, která přitahovala lidi svou nevšedností a neotřelostí.

Jen o čtvrt století později díky reformám Petra I. vstoupila hudba a tanec do každodenního života ruské společnosti. Do šlechtických vzdělávacích institucí byla zavedena povinná taneční průprava. Na dvoře začali vystupovat hudebníci, operní umělci a baletní soubory dovezené ze zahraničí.

Na počátku 19. století dosáhlo ruské baletní umění tvůrčí zralosti. Ruští tanečníci vnesli do tance expresivitu a duchovnost. A.S. Puškin to cítil velmi přesně a nazval tanec svého současníka Avdotyi Istominy „úletem plným duše“.

Balet v této době zaujímal výsadní postavení mezi ostatními druhy divadelního umění. Úřady tomu věnovaly velkou pozornost a poskytovaly státní dotace. Moskevské a petrohradské baletní soubory vystupovaly ve skvěle vybavených divadlech, do kolektivu tanečníků, hudebníků a dekoratérů se každoročně přidávali absolventi divadelních škol.

Arthur Saint-Leon

V polovině 19. století přichází do ruské literatury a umění realismus. Choreografové se horečně, ale bezvýsledně, snažili vytvořit realistická představení. Nebrali v úvahu, že balet je konvenční umění a realismus v baletu se výrazně liší od realismu v malbě a literatuře. Začala krize baletního umění.

Nová etapa v historii ruského baletu začala, když velký ruský skladatel P. Čajkovskij poprvé složil hudbu pro balet. Bylo to Labutí jezero. Předtím se baletní hudba nebrala vážně. Bylo považováno za nižší typ hudební kreativity, jen jako doprovod k tanci.

Baletní hudba se díky Čajkovskému stala spolu s operou a symfonickou hudbou vážným uměním. Dříve byla hudba zcela závislá na tanci, nyní se tanec musel hudbě podřídit. Byly požadovány nové výrazové prostředky a nový přístup k tvorbě představení.

Další vývoj ruského baletu je spojen se jménem moskevského choreografa A. Gorského, který opustil zastaralé techniky pantomimy a použil v baletním představení moderní režijní postupy. Přikládal velký význam malebnému designu představení a přitahoval k práci ty nejlepší umělce.

Ale skutečným reformátorem baletního umění je Michail Fokin, který se vzbouřil proti tradiční konstrukci baletního představení. Tvrdil, že téma hry, její hudba a doba, ve které se akce odehrává, vyžadují pokaždé jiné taneční pohyby a jiný taneční vzorec. Při inscenaci baletu „Egyptské noci“ se Fokine inspiroval poezií V. Brjusova a staroegyptskými kresbami a obrazy baletu „Petruška“ poezií A. Bloka. V baletu Dafnis a Chloe opustil tanec na špičatých botách a oživil starověké fresky volnými, pružnými pohyby. Jeho Chopiniana oživila atmosféru romantického baletu. Fokin napsal, že „sní o vytvoření baletního dramatu z baletní zábavy a z tance do srozumitelného, mluvícího jazyka“. A uspěl.

Anna Pavlová

V roce 1908 začala v Paříži každoroční představení ruských baletních tanečníků, které organizoval divadelník S. P. Ďaghilev. Jména tanečníků z Ruska - Vaslav Nižinskij, Tamara Karsavina, Adolf Bolm - se stala známá po celém světě. Ale první v této řadě je jméno nesrovnatelné Anny Pavlové.

Pavlova - lyrická, křehká, s protáhlými liniemi těla, obrovskýma očima - evokovala rytiny zobrazující romantické baletky. Její hrdinky zprostředkovaly ryze ruský sen o harmonickém, zduchovněném životě nebo touhu a smutku nad něčím nenaplněným. „Umírající labuť“, kterou vytvořila skvělá baletka Pavlova, je poetickým symbolem ruského baletu počátku 20. století.

Tehdy se západní balet pod vlivem zručnosti ruských umělců otřásl a našel druhý dech.

Po říjnové revoluci v roce 1917 opustilo Rusko mnoho baletních divadelníků, ale navzdory tomu škola ruského baletu přežila. Patos pohybu k novému životu, revoluční témata a hlavně prostor pro tvůrčí experimenty inspirovaly baletní mistry. Stáli před úkolem: přiblížit lidem choreografické umění, učinit je vitálnějším a přístupnějším.

Tak vznikl žánr dramatického baletu. Jednalo se o představení, obvykle založená na zápletkách slavných literárních děl, která byla postavena podle zákonů dramatického výkonu. Obsah byl prezentován prostřednictvím pantomimy a figurativního tance. V polovině 20. století byl dramatický balet v krizi. Choreografové se pokoušeli zachovat tento žánr baletu, vylepšovali zábavu představení pomocí jevištních efektů, ale bohužel marně.

Koncem 50. let přišel zlom. Choreografové a tanečníci nové generace oživili zapomenuté žánry – jednoaktový balet, baletní symfonii, choreografickou miniaturu. A od 70. let vznikaly nezávislé baletní soubory, nezávislé na divadlech opery a baletu. Jejich počet se neustále zvyšuje a objevují se mezi nimi studia volného tance a moderního tance.