Jak se jmenují středověké malby? Středověcí umělci o své vlastní kreativitě: alba ukázek

Věnováno všem dívkám
dívky, ženy a babičky!

Umělci 15. století začali svá plátna pokrývat hustým kobercem rostlin napodobujícím tapisérie. Před sebou vidíte burgundský gobelín zobrazující zajatého jednorožce.

Tradice zobrazování různých rostlin, jejich dávání symbolický význam, se objevil ve starověku. Ano, listy akant byly považovány za symbol smrti.

Na tapisériích jsou rostliny vyobrazeny s překvapivě „botanickou“ přesností, ale zdá se, že zatím slouží pouze jako dekorace.

Ve scéně lovu jednorožců je v pravém dolním rohu pomerančovník. Byla to exotická rostlina, byla považována za symbol nebes.

Cestování do vzdálených zemí umožnilo Evropanům seznámit se s novými rostlinami - datlové palmy, Například.

Často různé typy rostliny zdobily marginálie rukopisů.

Legenda o magických vlastnostech kořene byla velmi populární mandragory.

Palmy vypadaly asi takto.

Kužel borovic(borovice) byla symbolem stromu života.

Několik květin bylo považováno za symboly Panny Marie.

Některé rostliny měly symbolický význam pro různá náboženství. Na obrázku je list ze staré židovské knihy s vyobrazením menory a olivovníky, symbol míru. (Španělsko, 12. století)

V počátečním dopise středověkého rukopisu vidíme Smrt, jak se obdivuje v zrcadle, a kolem - barvínek, symbol mládí a krásy. Ironie je zřejmě taková.

Starověké mýty byly populární během renesance. Na obraze Cosima Tury (1465) je múza Calliope, patronka poezie. V ruce má větev třešně- symbol plodnosti, zde - zřejmě kreativní.

Raphael Santi "Rytířův sen" (1504).
Je jasné, že skrytá symbolika si alegorická plátna doslova žádala. Tento obrázek je "zašifrovaný" obtížná volba mezi moudrostí a tělesnými potěšeními. Vlevo je bohyně Minerva, která spícímu rytíři podává knihu, symbol vědění, vpravo je Venuše nabízející květy jabloní- symbol smyslného dědictví.

Ve starozákonních příbězích je hodně symboliky. V obraze Albrechta Altdorfera „Susanna a starší“ (1526) jde hrdinka k soudu (vpravo) a nese v rukou lilie- symbol nevinnosti. Pokud si vzpomínáte, chlípní starší ji obtěžovali poté, co ji sledovali, jak se koupe, a když je zbožná žena odmítla, křivě ji obvinili z cizoložství. Moudrý král David vykonal spravedlivý soud a přivedl svobodné lidi čistou vodu. Podívejte se na Susannu, jak prochází kolem vysokého kmene divizna, nazývané také „královské žezlo“ - symbol moci a spravedlnosti.

Další krásná jihovlámská tapisérie "The Killing of the Unicorn". Nyní se symboly.

V levém dolním rohu je vidět keř líska je symbolem bohatství a hojnosti. Veverka je symbolem tvrdé práce.

A samozřejmě existuje spousta tajných symbolů v náboženské malbě 15-16 století. Travnatý kryt u nohou světců, zejména na malbách severní renesance, je skutečnou botanickou příručkou. Zdá se, že znalost btanice byla pro umělce té doby nezbytnou dovedností. Je zajímavé, že téměř každá rostlina měla svůj vlastní význam.

Jednou jsem vám velmi podrobně vyprávěl o Gentském oltáři od Jana van Eycka. Připomínám, že symbolů je zde spousta, včetně rostlinných.

Například Eva drží v ruce ovoce stromu poznání, ale zde to není jablko, ale „Adamovo jablko“ neboli nepoživatelné. Iberský citron.

Apple, jako citrón- symbol prvotního hříchu.

Na tomto nádherném obraze Matthiase Grunewalda "Stuppašská madona" (1517) vidíme symboly Marie ve váze - bílé lilie- nevinnost a čistota, růže- mateřský zármutek a Kristovy rány, měsíček(nebo měsíčky) - „Mariino zlato“, dar útěchy Matky Boží pro chudé a ubohé. Maria to dává dítěti vlašský ořech- symbol Krista (nepopsatelná skořápka je lidské tělo, chutné jádro je božská podstata).

Na stejném gentském oltáři můžete také vidět květy Panny Marie: růže- smutek, lilie- čistota, aquilegia a konvalinka- slzy.

Konvalinka lze také vidět u nohou svaté Veroniky z obrazu Roberta Campina. A ještě jedna věc pampeliška: roztomilá květina - dítě Kristus, kopinaté listy - Longinovo kopí, umučení Krista.

Jacques Daret, „Madonna a dítě se svatými uvnitř Zakázaná zahrada"(1425). U Maryiných nohou - čemeřice, symbol Krista a věčný život. Vlevo v rohu - duhovka, symbol mateřského smutku a trápení.

Andělé představují Madonu s dítětem jasmín. Cosimo Rossini (1440-1507)
Jasmín je symbolem čistoty.

„Vánoce“ od Huga van der Goese jsou předkem zátiší. Fragment:

V popředí obrázku vidíme ty nám již známé lilie, kosatce(bílá symbolizuje čistotu, modrá - mateřský smutek), aquilegia. A také hřebíček- krev Kristova a mateřská láska, a fialky- symbol pokory. Klásky pšenice- chléb, tělo Páně.

Benátská kopie obrazu Leonarda da Vinciho "Leda a labuť". Ve starověkém mytologickém příběhu mají květiny úplně jiný význam: sasanka- větrnost, aquilegia- symbol plodnosti, brčál v rukou Ledy - přirozená síla, vášeň, mládí, žíravý pryskyřník(„noční slepota“) - nedbalost. Dub nad hlavou Ledy je symbol Dia. Takovéto pečlivé detaily, obvykle ne charakteristické pro Italské, si často „půjčovali“ umělci ze severských malířů.

Marie dává dítě hřebíček- symbol rodičovské lásky. (Leonardo da Vinci "Madona z karafiátu").

Gerard David "Narození Páně s dárci, svatými Jeronýmem a Leonardem" (1510-15).

To je symbolické pampeliška, už znáte jeho význam:

Gerolamo di Labri "Madona a dítě se svatými" (1520). bobkový strom- sláva, nesmrtelnost. Páv je symbolem věčného života (z nějakého důvodu bylo jeho maso považováno za nezničitelné)

Martin Schongauer "Madona z růží"
Vlastně, růže- symbol utrpení a oběti Krista a Marie, „Boží rány“. Zajímavé je, že zde nejsou vyobrazeny růže, ale stromovité. peoni. Věřilo se, že růže v ráji nemají trny, takže peon byl pro tuto roli docela vhodný.

A to jsou Schongauerovy skici (1495). Peón!


Štefan Lochner. Další růžová houština. U nohou Panny Marie fialky, symbol pokory.

Joos van Cleve (1513-1515). Madona s dítětem byla často zobrazována držící ovoce. Kristus drží ve svých rukou pomerančový(ovoce rajského stromu) popř broskev- odpor k jablku, ovocnému symbolu prvotního hříchu; broskev je symbolem Trojice. Granátové jablko na podnosu je symbol univerzální církve, hroznový- víno - krev Kristova, ořech - už víte, třešeň- krev Ježíšova, hruška- sladkost ctnosti.

Filippo Lippi (konec 15. století). Stejný granátové jablko.

Giovanni Bellini (1480), tady s námi hruška.

Joos van Cleve (1525). Jasně v ruce broskev. Citrón leží vyzývavě stranou - to je symbol pozemských vášní: krásný navenek, neskutečně kyselý uvnitř. Je jasně v protikladu k ořechu, symbolu Krista.

Carlo Crivelli (1480). Dítě drží v ruce stehlík, symbol utrpení Krista. Vlevo sedí moucha – probouzející se čert, symbol smrti a rozkladu. Někdy jablko byl vykládán jako symbol vykoupení, a okurka- čistota a vzkříšení.

Lucas Cranach. Hroznová- Eucharistický symbol Krista, Kristova krev.

Martin Schongauer "Svatá rodina" Hroznová a v košíku - ostružina, symbol čistoty Panny Marie.

Isenheimský oltář Matthias Grunewald, 1510-15

Svatí ve dveřích stojí na podstavcích propletených s břečťan- symbol vzkříšení, věčného života, oddanosti.
Nyní máme svaté.

Adrian Isenbrandt "Marie Magdalena s krajinou". Za svatým - sněženka, symbol naděje a očisty.

Lucas Cranach. "svatá Dorothea" Když světici vedli na popravu, stráž ji posměšně vyzval, aby vykonala zázrak – dostat růže uprostřed zimy. Ke světci okamžitě přistoupil chlapec s košíkem růží. Nyní je symbolem svaté Doroty.

Antonio Correggio "Svatá Kateřina". Větev palmy- symbol mučednictví.

Albrecht Durer "Maximilián první". Granátové jablko- už víte.
všelijaké světští lidéšel.

Hans Suess van Kulbach. Dívka plete věnec z pomněnky- symbol oddanosti milované osobě. To potvrzuje nápis na pásce.

„Mladý rytíř v krajině“ (vévoda z Urbina?). Vittore Carpaccio. Portrét je zřejmě posmrtný. Volavka je na obloze napadena jestřábem u vody, už ji sežere. Pes je věrnost, lilie je čistota, duhovka je smutek, hranostaj je symbolem řádu, ke kterému rytíř patřil.

Portrét dámy. V košíku jsou květiny, které naznačují, že se pravděpodobně jedná o nevěstu: fialka - pokora, jasmín - čistota, karafiát - láska.

Andrea Solario „Portrét muže s karafiátem“. Takovéto slavnostní portréty „ženicha“ byly velmi oblíbené. Ukázali, že hrdina je zamilovaný a bude se ženit. Nebo mladý manžel představil takový portrét své ženě jako znamení lásky.

Mnoho dalších:

Neznámý 1480.

1490

Lucas Cranach. Portrét doktora Johanna Kuspiniana a jeho snoubenky (již manželky?) Anny Kuspinianové.

Hans Holbein. Portrét Georga Guisse.

Hans Memling

Dirk Jaakobs. Portrét Pompea Occa (1534)

Michael Wolgemuth "Portrét Ursuly Tücher" (1478)

Dílna Jana van Eycka

Pisanello, Portrét hraběnky Guinevere d'Este (1447)
A to je portrét dívky, která byla v době svého vzniku již mrtvá. Zemřela v 21 a její manžel byl obviňován z jeho smrti (jeho druhá žena také zemřela podivně). Na obrázku jsou symbolické květiny: aquilegia - slzy, karafiát - láska (možná rodičovská, nevíme, kdo si obraz objednal), motýli a snítka jehličí - nesmrtelnost v paměti milovaných.

Domenico Gerlandaio "Portrét dámy". Zřejmě je to nevěsta, dalším symbolem čistoty je pomerančový květ

Albrecht Durer, autoportrét ve věku 22 let.
Portrét byl určen pro mladou manželku, cesmína v jejích rukou je symbolem manželské věrnosti. Obrázek mě inspiroval k vytvoření tohoto příspěvku.

Neuzv. Paní z rodu Hoferů. Forget-me-not - věrnost, oddanost. Možná zemřel manžel dámy - moucha na čelence to může naznačovat, je to symbol smrti, křehkosti existence.

Lady Philippa Kingsby. Třešeň - plodnost, hojnost

Portrét dámy (1576). Pryskyřník ve tvých rukou znamená bohatství, petrklíč znamená svatbu, očividně tvá teta!

Mirabello Cavalori "Chlapec s hyacintem a broskví". Hyacint symbolizoval odvahu, obratnost a hravost. Někdy - moudrost, ale tady - sotva. A hyacinty voní - dnes mi je dali.

A nakonec portrét Mikuláše Koperníka od Tobiáše Steamera. Konvalinka je symbolem hořkosti a slz. Jak víte, vědec měl spoustu těchto věcí!

A přeji vám, abyste necítili hořkost, ale ronili slzy jen radostí!

Umění středověku je poněkud zvláštní a někdy velmi nejednoznačné. Bývá zvykem ho obdivovat, ale zároveň i kunsthistorici občas stydlivě mlčí o tom, co se v té době dělo. O realismu obrazů se nemluvilo a mnozí z umělců byli prostě znudění mniši, kteří kreslili na okraje knih, aby nějak ukrátili čas. Netřeba dodávat, že toto období je radikálně odlišné od všeho, co se v umění dělo později.

1. Killer Bunnies

Středověcí mniši vytvářeli „iluminované rukopisy“ – knihy, v nichž byla každá stránka plná barevných uměleckých děl (miniatur a ornamentů). Někdy zaplnili stránku krásné obrázky květiny a břečťan. Někdy mniši kreslili ilustrace pro samotnou knihu a někdy z nějakého důvodu kreslili králíky, kteří bili lidi do hlavy. Králíci mučící lidi jsou překvapivě častým tématem středověkého umění. Moderní historikové umění na tuto otázku dosud nenašli odpověď.

Jsou tam obrázky králíků, kteří se vrhají do bitvy, mrzačí rytíře, kradou ženy, mlátí lidi kyjem a sekají je sekerami – a takové obrázky nikdy nemají nic společného s tím, co se probírá v knihách. Hlavní teorie je, že takové kresby dělali na polích znudění mniši, kteří se chtěli jen bavit. Mysleli si, že myšlenka, že se králíci pomstí lidem, kteří je lovili, byla legrační. Ale to je jen teorie.

2. Kočky olizující si zadek

Obrázky koček se staly populární mnohem dříve než internet. Středověcí umělci Kreslil jsem je docela často. Jedinou výjimkou bylo, že se nesoustředili na to, aby obraz evokoval pozitivní emoce a záchvaty roztomilosti.

Středověcí umělci z nějakého důvodu věřili, že existuje pouze jeden okamžik, který si zaslouží být zvěčněn v uměleckém díle: okamžik, kdy se kočka sehne a olízne si vlastní řitní otvor. Středověká doba po sobě zanechala podivně rozsáhlou sbírku předení, která si olizovala zadky nebo varlata. Někdy jsou tyto obrazy velmi realistické, ale nejčastěji byla kočka zobrazena skloněná plný kruh s jazykem v oblasti pátého bodu.

3. Ženy na koni Aristotela

řecký filozof Aristoteles se na obrazech objevoval poměrně často. Ale uvnitř krátké období na počátku renesance ho z nějakého důvodu začali zobrazovat ve stejné zvláštní a specifické póze. Již několik let umělci zobrazují jednoho z nejuznávanějších světových filozofů na všech čtyřech se ženou, která na něm obkročmo sedí.

Někdy měl Aristoteles v ústech uzdičku. Při jiných příležitostech ho žena zbila. A někdy to byl výslovný obrázek nahé ženy, která fackuje otce vědeckého myšlení. Zdroj podobné obrazy byla populární historka o manželce Alexandra Velikého, která oklamala Aristotela, aby se s ní svezl jako na poníkovi.

Morálka příběhu byla, že ženy jsou zlé pokušitelky a každý by se měl zdržet tělesných tužeb. Středověcí umělci tak světu ukázali, že jsou „nad chtíčem“.

4. Rytíři bojující se slimáky

Jednou z nejpodivnějších věcí, které mniši rádi zobrazovali na okrajích knih, byly epické bitvy mezi rytíři a šneky. Mezi 13. a 14. stoletím se to z neznámých důvodů stalo velmi oblíbeným tématem.

„Lze je najít všude na okraji gotických rukopisů,“ řekl jeden učenec. "Jsou doslova všude a nikdo neví proč." Někteří věří, že jde o alegorii sociálního boje, diskriminace nebo zoufalého boje člověka s nevyhnutelnou smrtí, jiní to vše připisují nudě mnichů.

5. Mojžíš s rohy

Lidé měli dlouhou dobu zvláštní zvyk kreslit Mojžíše s rohy na hlavě. Je velmi zvláštní zobrazit tak démonicky vyhlížející detail na muži, který vyvedl Židy z Egypta. A přesto existuje mnoho podobných příkladů (dokonce i Michelangelo namaloval něco podobného).

Existuje názor, že středověké umělce ani nenapadlo dělat si z Mojžíše legraci. Ve skutečnosti si mysleli, že má rohy. Většina překladů Bible říká, že když Mojžíš sestoupil z hory Sinaj s Desaterem přikázání, jeho tvář byla „osvětlena paprsky světla“. Ale původní hebrejské slovo „keren“ může znamenat buď „paprsek světla“ nebo „roh“.

Bible tedy možná skutečně uvedla, že Mojžíš měl rohy. Ve středověku byla dokonce vytištěna kopie Bible, která říkala, že Mojžíš sestoupil z hory s rohy na hlavě. Zní to šíleně, ale někteří lidé si stále myslí, že toto je správný překlad.

6. Máří Magdaléna pokrytá vlasy

Když gotičtí umělci namalovali Marii Magdalenu, udělali z ní „exponát“ z Barnumova cirkusu. Malovali ženu, která byla od krku dolů celá pokrytá hustými vlasy. Navíc se nejednalo o nějaký podivný středověký fetiš, ale přesně tak měl podle tehdejších lidí vypadat světec. V té době příběh Marie Magdaleny skončil tím, že byla pokryta vlněnými vlasy, takže vypadala jako koza.

Podle legendy se Marie Magdalena po Ježíšově smrti zcela zřekla všech pozemských statků. Přestala se koupat a převlékat a nakonec měla šaty úplně obnošené a roztrhané. Zázrak, který Marii zachránil před nahou toulkou po světě, byly vlasy, které jí rostly po celém těle. Poté Maria po zbytek života chodila nahá a chlupatá.

7. Zabíjení bezstarostných lidí

Velká část středověkého umění byla násilná. Ale bez ohledu na to, jak hrozná byla něčí smrt, oběť se vždy nudila. Objevují se obrázky lidí, kteří jsou šlapáni jezdci, mají nůž vražený do lebky nebo jsou rozsekáni na kusy sekerami. Na každém obrázku však oběť vypadá, jako by se snažila zadržet zívnutí. Teorie je, že to vše souvisí se středověkým konceptem Ars moriendi - uměním dobře zemřít. Smrt byla podle tehdejších lidí morální zkouškou.

Byla to doba, kdy člověk musel stát před Božím soudem, a způsob, jakým na to reagoval, vypovídal o jeho charakteru. Pokud člověk v době smrti plakal, křičel a proklínal, znamenalo to, že pravděpodobně půjde do pekla. Co kdyby poslední dech byl uvítán s úsměvem, osoba šla do nebe. Všichni tito znudění lidé mrtvých lidí mohli jednoduše prokázat svou stoickou připravenost jít do nebe. Nebo středověcí umělci byli prostě chudí na kreslení výrazů obličeje.

8. Lidé ve „vesmírných lodích“

Z nějakého důvodu mnoho příkladů středověkého umění ukazuje lidi létající v malých strojích, které vypadají podivně podobně jako Sputnik 1. To je běžné na všech Ježíšových obrazech. Středověké malby zobrazují důležité okamžiky v životě Krista, například okamžik, kdy jeho matka Marie držela dítě poprvé v náručí, nebo okamžik, kdy zemřelo na kříži.

V rohu obrazu na obloze je vždy vyobrazen malý muž v „kabině malé bílé rakety“ letící do vesmíru. Existuje několik teorií o tom, co tyto obrázky představují. Nejakademičtější teorie říká, že obrazy mají symbolizovat „mimozemskou přítomnost Boha“. To je jen teorie a jediné vysvětlení, jehož zdrojem je sám středověký umělec, zní naprosto fantasticky.

Rytina Hanse Glasera ukazuje oblohu nad městem plným trubek a koulí. Glaser podepsal rytinu a uvedl, že jde o obrázek toho, co viděl, jak se odehrává na obloze nad Norimberkem: bitva mezi neznámými létajícími objekty. Je zaznamenáno, že bitva skončila tím, že koule a několik "prutů" letělo do slunce a několik dalších objektů se řítilo k zemi v oblaku kouře.

9. Démoni s obličeji v rozkroku

Středověcí umělci rádi malovali démony. Jejich umění bylo plné děsivých příšer, které chtěly vzít duše nevinných. A z nějakého důvodu mělo mnoho démonů dvě oči, nos a velká ústa přímo v rozkroku. Tyto obrázky byly podivně sexy.

Démonova tvář v rozkroku často chrlila podivný falický oheň přímo mezi jeho nohama. Někdy tyto tváře nezakrývaly pouze rozkrok, ale byly umístěny na špičkách jejich genitálií. Byl to způsob, jak ukázat zlo bezdůvodného sexuálního pokušení. Démoni měli symbolizovat nebezpečí chtíče a obličeje v rozkroku byly způsobem, jak ukázat, kde se skrývá pravá tvář zla.

Někteří lidé byli tak znepokojeni nebezpečím chtíče, že démoni byli ve středověku nejoblíbenějším předmětem umění. Ostatní lidé byli zřejmě méně znepokojeni, protože druhým nejoblíbenějším tématem byli lidé provozující sexuální radovánky.

10. Věci trčící ze zadku

Zdá se, že když středověcí umělci nekreslili zabijácká zvířata a démony s tvářemi v rozkroku, plnili své knihy ilustracemi, které vedle slova Božího vypadaly velmi zvláštně: obrázky lidí s různé věci, trčí jim z řitních otvorů.

Typicky to byla dýmka, ale existují i ​​​​jiné příklady. Některé stránky jsou zdobené krásné vzory z květin a listů, které vycházely z muže sklánějícího se zády ke čtenáři. Poměrně časté byly také obrázky lidí, kteří stříleli šípy na kulaté červené terče namalované na hýždích. Proč něco takového namalovali, je záhadou.

Na základě materiálů z listverse.com

Téma umění středověku je pro mnohé zajímavé i dnes. Ne nadarmo se na internetu objevil komiksový projekt. Dříve jsme publikovali 15 obrazů s moderními sarkastickými titulky, které v něm byly.

Ve středověku se malířství stalo jedním z hlavní druh umění Změny v životě společnosti a nové technické techniky daly umělcům příležitost vytvářet realistická díla prodchnutá hlubokým humanismem, která byla předurčena k tomu, aby v západní společnosti udělala skutečnou revoluci. evropské umění.

Na konci románské éry byla malba odsunuta na vedlejší roli jako malba. S příchodem 13. století ale začal prudký rozvoj evropská civilizace, který umělcům otevřel nové perspektivy. Paláce a hrady vysoká šlechta byly vyzdobeny nebývalou nádherou, Paříž, Praha, Londýn, města Itálie a Flandry rychle rostly. Všechna nová plátna - nejprve pouze na náboženské předměty- po něm žíznili nejen aristokraté a církevní ministranti, ale i bohatí měšťané. S rozšířením gramotnosti rostla i poptávka po světské literatuře. Nejlepší ukázky knižního umění, bohatě zdobené miniaturami, byly určeny pro krále a knížata a vytvářely je nejen v klášterech, ale i profesionální umělci, kteří měli své dílny. I přes poměrně nízkou společenské postavení Za jeho života se jména mnoha umělců a jejich životopisy zapsaly do historie.

Nové funkce

Nový postoj k malbě prosazoval také celou sérii náboženské inovace. V začátek XIII století byly kostelní oltáře zdobeny oltářním obrazem, na jehož pozadí se konaly bohoslužby. Často se skládal ze dvou (diptych), tří (triptych) nebo více křídel, ale popisoval jedinou skupinu postav nebo scénu. Obzvláště oblíbený byl obraz donátora (toho, kdo zaplatil výrobu oltářního obrazu a daroval jej kostelu), kterého jeho patronka seznamuje s Madonou. Oltářní obraz, který kladl umělci složité tvůrčí úkoly, zároveň otevíral nové, široké možnosti pro sebevyjádření v designu oltářního prostoru, který se měl stát předmětem hlavní pozornosti a náboženského cítění stáda. .

Vzkvétalo i nástěnné malířství – částečně v důsledku posílení založeného sv. Františka z Assisi františkánského řádu, pro kterého bylo vše postaveno více kostely. Většina vhodným způsobem Jejich výzdobou se ukázala být malba, protože tvorba mozaik buď vyžadovala hodně času, nebo byla pro řád vyznávající chudobu a pokoru považována za nedostupný luxus.

Silný vliv na budoucí osud malířství ovlivnil život a dílo sv. Františka z Assisi (1182-1226). Světcova upřímná láska ke světu živé přírody pomohla jeho současníkům uvědomit si krásu pozemské existence a od 13. století dominoval ve středověkém malířství nový pohled na svět. Od této chvíle umělci, aniž by opustili náboženská témata, zobrazovali hmotný svět se zjevným potěšením a tvořili novým realistickým a humanistickým způsobem.

Madonna v altánku růží 1440 Stefan Lochner., Kolín nad Rýnem, Wallraf Museum

Uctívání hluboce lidského obrazu Madony mělo také silný humanistický vliv na náboženství a jeho prostřednictvím na umění, kde se tyto předměty neustále používaly.

italští mistři

Mnoho z těchto trendů začalo v Itálii mnohem dříve než v jiných evropských zemích. Dva mistři konce 13. století – Cimabue a Duccio – jsou obecně uznáváni jako zakladatelé tradice viditelného realismu v malířství, který byl předurčen k tomu, aby dominoval evropskému umění až do 20. století. Oba zanechali svým potomkům slavné oltářní obrazy, kde hlavními postavami jsou Madona s dítětem.

Oba malíři brzy zastínil jejich mladší současník Giotto di Bondone (asi 1267-1337). Byl prvním z velkých florentských mistrů, který se proslavil již za svého života, dosáhl cti a bohatství. Předběhl však dobu natolik, že mnohé z jeho inovací pochopili a přijali jeho kolegové umělci až o dobrých sto let později. Jeho hrdinové z masa a kostí stojí pevně nohama na zemi, ale zároveň se zdá, že se dokážou pohybovat a existovat ve svém přírodním nebo architektonickém prostředí a prostoru s jistým náznakem hloubky. Ale v první řadě jsou před námi živí lidé, kteří mají hluboké pocity a emoce. Úžasná dovednost zprostředkovat všechny odstíny lidských zkušeností udělala z Giotta skvělého dramatického umělce.

Fresky

Při vytváření svých panelů Giotto použil techniku, kterou v té době vynalezli Italové fresková malba. Freskami dnes nazýváme jak obrazy vytvořené touto technikou, tak jakoukoli nástěnnou malbu obecně. Pravá freska se ale vždy natírá na čerstvou, ještě vlhkou omítku, která slouží jako základní nátěr pod vrstvu barvy. Italské slovo "fresco" znamená "čerstvé". Během jednoho sezení namaloval pouze tu část stěny, kterou měl mistr čas vyplnit omítkou, která ještě nezaschla. Zde sehrál rozhodující roli faktor času, protože pigmenty nanesené na mokrou vrstvu omítky s ní vstoupily do kontaktu. chemická reakce, tvořící stabilní spojení. Vysušená freska se neloupala ani nedrolila a zachovala si svou nedotčenou krásu a jas barev po mnoho staletí. Díky tomuto kolosálnímu technickému průlomu o roky později největší mistrovská díla fresková malba včetně malby Sixtinská kaple ve Vatikánu od Michelangela.

Přidání hloubky

Pro mistry, kteří se s tímto úkolem poprvé setkali, nebylo snadné vytvořit iluzi reality zobrazované scény. Zde bylo nutné nejen přesně zprostředkovat vnější obrysy, ale také dát postavám objem skutečných těl a plochý povrch obrazu - pocit hloubky, takže krajina se zdá být ztracena v dálce ( mluvíme o umění perspektivy). Více než jedna generace italských umělců zdokonalovala tuto techniku ​​a často je rozptylovaly takové úkoly, jako je vytváření dekorativních vzorů. Stejný problém museli řešit řemeslníci ze zbytku Evropy, v různé časy silně ovlivněné italským uměním.

Do konce 14. století vytvořili malíři působící na dvorech evropských panovníků víceméně jednotný styl malby, který bývá nazýván mezinárodní gotikou. Jejich díla odrážela vytříbenou atmosféru dvorského života, daleko od skutečného života, vyznačovala se spíše propracovaností a propracovaností než vnitřní síla. Postavy dostaly ladné pózy, a přestože perspektiva byla často naznačena jen náznakem, sebemenší detaily okolí byly vykresleny s naprostou přesností.

Všechny tyto rysy se se zvláštním jasem projevovaly v rukopisech zdobených miniaturami, které si objednaly vládnoucí rody. Nejznámějšími mistry tohoto žánru byli Paul Limburg a jeho dva bratři, kteří po pouhých 16 letech působení (1400-16) náhle zmizeli z historické scény. Jejich patronem a zákazníkem byl vynikající sběratel a znalec uměleckých děl té doby, vévoda Jean z Berry, mladší bratr francouzského krále Karla V. Jeho jméno proslavila kniha, která vešla do dějin pod názvem „The Velkolepá kniha hodin vévody z Berry.”

Limburgové, bratři (Paul, Ermann a Jeannequin). "Luxusní kniha hodin vévody Jeana z Berry. Měsíc leden. Fragment"

Kniha hodin vděčí za svou slávu vynikajícím miniaturám, které pro ni vytvořili bratři Limburgové. Tato práce, který se stal skutečnou korunou jejich díla, zůstal v roce 1416 nedokončen, ale k nám dorazilo 12 slavných miniatur na téma ročních období. Zobrazují scény setí, sklizně nebo lovu, věnované určité sezóně.

Vznik olejových barev

Ve 30. letech 14. století. v tehdejších Flandrech, které patřily burgundskému vévodovi (dnešní Belgie a Nizozemsko), se začaly zcela rozvíjet nový styl malování. Stejně jako Itálie byly Flandry zemí prosperujících měst. Právě této skutečnosti mnozí připisují realistický styl místního umění, prostého zdůrazňované aristokracie. A stejně jako v Itálii budu vzkvétat Vlámské malířství přispěla k nejdůležitější technické novince – olejovým barvám. Bušil s rostlinný olej Pigmenty byly výrazně jasnější než tehdy převládající tempery v malbě, jejímž základem byl rychle schnoucí vaječný žloutek. A pokud malujete temperami a vytváříte fresky, museli jste to udělat rychle, aniž byste do toho šli malé detaily, pak bylo možné nanášet olejové barvy vrstvu po vrstvě, čímž bylo dosaženo úžasných malířských efektů. Od té doby každý umělec usilující o dokonalost dává vždy přednost olejomalba.

Vlámská škola

Zakladatelem vlámské malířské školy byl Robert Campin, ale její nejznámější představitelé patří k další generaci. Prvním z velkých mistrů evropské olejomalby byl nepřekonatelný portrétista Jan van Eyck (asi 1390-1441). Pomocí olejové barvy dosáhl vynikajícího ztvárnění hry světla a stínu na různých předmětech.

Portrét manželů Arnolfiniových, Jana Van Eycka

Jeho mladší současník Rogier van der Weyden (asi 1399-1464) byl také neobyčejně nadaným umělcem. Nestaral se tak o detaily jako Van Eyck, dával přednost sytým jasným barvám, jasným konturám a jemnému modelování objemů, čímž si vytvořil svůj vlastní jedinečný styl, schopný zprostředkovat širokou škálu emocí – od klidného klidu až po bezmezný smutek.

Isabella Burgundská, Rogig van Der Weyden

Vlámská škola dala umění více než jednu generaci brilantní mistři malířství a v průběhu 15. století mnohé z jeho inherentních rysů převzali umělci v celé Evropě. Teprve od roku 1500 je vystřídalo nové hnutí, postupně sílící za alpskými hřebeny – italská renesance.

Trendy a trendy v malířství středověku.

Obecné trendy

Umění tohoto období, ačkoli se měnilo ve stylu, se vyznačuje několika obecné trendy. Během této doby měla většina uměleckých děl náboženský účel, takže křesťanské umění byl dominantním trendem. Mnoho středověkých obrazů, diptychů, triptychů a plastik bylo navrženo pro kostelní oltáře s přihlédnutím ke specifikům chrámových interiérů.

Důležitý prvek tvorby náboženské obrazy došlo k dodatečné výzdobě uměleckých děl. Prvky obrazů mohly být vytvořeny ze zlata nebo jiných vzácných materiálů.

Noví patroni

Umělecké změny během středověku byly způsobeny rychle se měnícími společenskými poměry. Rozvoj obchodu vedl k tomu, že si bohatí měšťané a obchodníci mohli kupovat umělecká díla pro sebe. Na počátku 15. století mělo mnoho měšťanů sbírky obrazů.

Vedení města podporovalo výtvarné umění svěřením slavných mistrů tvorba oltářních obrazů pro oltáře a kostely.

Pohyb k realismu

Přesný čas přechod k realismu v umění středověku nelze definovat. Inovace vytvořené v sérii v umění série evropské země, možná v jiných národních kulturách po dlouhou dobu nebyl nijak označen. Lze však tvrdit, že práce provedené již na přelomu 13. a 13. století přispěly ke vzniku rané renesance.

Jedním z prvních, kdo maloval obrazy s prvky realismu, byl italský umělec Cimabue (1240–1302), který zprostředkoval hloubku obrazu pomocí sytých barev a světelných kontrastů.

Mezinárodní gotika

Elegantní a sofistikovaný styl malby se vyvinul především díky úspěchům italských mistrů. Jejich technika se vyznačovala využitím hladké linie, složité tělesné kontury, jemné výrazy ve tvářích vyobrazených osob.

Počátek 15. století je obdobím zřetelného pokroku k realismu ve výtvarném umění, který je charakteristický i pro literaturu a sochařství. Umělci projevují zájem o detail, který dodává kompozici celistvost a úplnost. Tato doba je v evropském umění charakterizována jako období renesance.

Středověká malba aktualizováno: 14. září 2017 uživatelem: Gleb

Podobu Theofilova díla je zřejmě třeba připsat první polovině 12. "De Diversis Artibus", který podrobně popsal většinu technik a metod práce malíře, vitráží a mistra zlatníků a stříbrníků. Theophilovo dílo je vzácným svědectvím o státu umělecká praxe 12. století, umělcovo vědomí jeho vlastních.

Osobnost Thwophila, který je někdy ztotožňován s Rogierem Helmarshausenem, je velmi zajímavá (Theophilus De Diversis Artubus. Ed. Dodwell S. B. London, 1961. Viz: Dodwell's Introduction, s. XXIII-XLIV.). Vzdělaný mnich, který spojil uměleckou praxi se znalostmi svobodná umění, není v románské době vzácným jevem. Šíře Theofilových praktických znalostí je pozoruhodná v jeho seznámení s nejnovějšími trendy v teologii filozofické myšlení které aplikuje na své umění. Theophilus přirozeně vnímá umělcovu dovednost jako dar od Boha. Pokud nadání - ingenium - s myšlenkou raného středověkučasto spojován s božskou inspirací a považován za přímou závislost umělcovy tvořivosti na Bohu, pak byla ve 12. století božská účast na umělcově díle chápána nepřímo, analogií lidské tvořivosti s božskou. V předmluvě ke svému dílu Theophilus píše, že člověk "stvořen k obrazu a podobě Boha, oživen božským dechem, obdařen rozumem, zasluhuje podíl na moudrosti a talentu božské mysli".

Ale ačkoli člověk svou vůlí a neposlušností ztratil výsadu nesmrtelnosti, "Následujícím generacím však předal úctu k vědě a vědění, takže ti, kdo vynakládají úsilí, mohou získat talent a schopnosti ve všech uměních, jakoby dědičným právem.". Všech sedm požehnání vylitých Duchem svatým na člověka – moudrost, porozumění, vnímavost k radám, duchovní sílu, poznání, zbožnost, bázeň Boží – připisuje umělci.

• Umělec-mnich maluje sochu. Miniatura z rukopisu Apokalypsy. Poslední čtvrtina 13. století.
• Umělec maluje sochu. Miniatura z rukopisu Dekretálů Řehoře 9. Polovina 14. století Malíř v práci. List z knihy vzorků z počátku 13. století.

Otázka vztahu mezi svatými dary a lidskými ctnostmi byla předmětem diskuse v první polovině 12. století ve spisech Anselma z Canterbury, Yvese z Chartres, Honoria z Autunu, Ruperta z Dwitzu, Abélarda, Bernarda z Nlervaux. a další filozofové a teologové 12. století. Umělec je chápán jako dědic božské moudrosti. Neustálou prací, zdokonalováním znalostí a dovedností je umělec schopen přiblížit se nejvyšší moudrosti a dovednosti, kterou měl člověk před pádem. Skutečná vášeň pro jeho umění zakrývá Theophilovi všechny ostatní způsoby poznání Boha. Vidí přímou souvislost mezi umělcovou tvorbou a sedmi dary svatého ducha a problém svatých darů chápe prakticky. "Proto, třesoucí se synu,- autor píše a oslovuje budoucího čtenáře-studenta, - Když jsi ozdobil dům Páně takovou krásou a tak rozmanitými skutky, nepochybuj, ale pln víry věz, že je to duch Páně, který napojil tvé srdce.".

Legenda o umělci. Miniatura rukopisu „Píseň Alfonse 10.“. Druhá polovina 13. století.

Theofilova díla ukazují, jak vysoce si sám umělec vážil své vlastní dovednosti a považoval ji za přímý projev božské milosti. Filozofové, jako Hugh ze Saint-Victor, mohli klasifikovat znalosti a zavést hierarchický řád. Ale pro umělce se umění zdálo jedinou věcí možný způsob k poznání Boha a byl hodnocen mimořádně vysoko.

Theophilus se věnuje umění důležitou roli v naplňování svého hlavního záměru člověkem – chválit Boha a usilovat o jeho poznání. Umělec, jak píše Theophilus, představil věřícím svou práci na výzdobě chrámu „Boží ráj, kvete různé barvy, zezelenal listy a korunoval duše svatých korunami různých zásluh“ a dal jim příležitost „chválit Stvořitele v jeho stvoření, oslavovat úžasnost toho, co stvořil“..

Theophilovo dílo ukazuje, jak vysoce bylo umělcovo dílo ve 12. století ceněno. Opakovaně opakuje, že své dílo napsal, aby chválil Boha, a ne pro pozemskou pýchu a marnivost. Jeho tvorba nám dává možnost přiblížit se k pochopení duchovní atmosféry, v níž umělec první poloviny 12. století žil. Hluboká pokora vůči tvůrci všech věcí, propletená s jasnou představou o důležitosti a hodnotě tvůrčí práce, charakterizuje postoj umělce té doby ke světu, v jehož harmonickém řádu se cítí nezbytným pojítkem. a zaujímá jeho právoplatné místo.

Theophilova kniha nám odhaluje strukturu myšlenek a pocitů, s nimiž umělec žil v předvečer příchodu gotiky. Je příznačné, že Theophilovy vzrušující myšlenky o výzdobě chrámu jako záležitosti, která se líbí Bohu, chválí stvořitele a umožňuje věřícím povznést se k němu svými dušemi, rozvine Suger, inspirátor, na jiné filozofické úrovni. gotický styl a stavitelem prvního gotického chrámu ve 40. letech 12. století - baziliky královského opatství Saint-Denis u Paříže.

• List z alsaského rukopisu. Poslední čtvrtina 12. století.
• List z francouzského rukopisu z počátku 10. století.
• List z rukopisu Adhemara z Chabannes. OK. 1025

Dalším dochovaným dílem o technice výtvarného umění je slavné album francouzského architekta Villarda de Honnecourta, pocházející z 30. let 13. století a uložené v Paříži. Národní knihovna. Album je neocenitelným zdrojem pro studium gotického umění. Jedná se o mimořádně zajímavou sbírku vzorků pro umělce a sochaře, náčrtky ze života, obrazy mechanismů, nákresy architektonických detailů, plány a schematické znázornění „tajemství“ gotického umění.

Přestože Theophilova kniha a album Villars de Honnecourt jsou zcela odlišné tradicí, charakterem i úrovní vzdělání autorů, je neodolatelným pokušením díla mezi sebou porovnávat. Vzhledem k tomu, že rukopisy byly vytvořeny profesionálními umělci, praktiky výtvarného umění, nebude tato paralela příliš umělá. Mají spolu hodně společného, ​​každý je pro svou dobu docela typický. Kniha Theophilus je dílem vzdělaného mnicha z 12. století, který byl také umělcem a řemeslníkem. Rukopis je psán jednoduše, jasně, dobrou latinou a Theophilovy podrobné diskuse o účelu a účelu umění odhalují obeznámenost s hlavními směry filozofického myšlení té doby. Mnich vidí účel umění jako účel své kompozice ve službě a chvále Boha. Na začátku každé části knihy se autor obrací ke studentům dlouhou řečí, kde odhaluje zbožnou práci umělce, vyzývá ke službě, trpělivosti a vědomí, že znalosti a schopnosti, které jim byly dány, pocházejí z milosrdenství. Boha. Villarovo album na rozdíl od Theophilovy tvorby není skladbou, ale albem pracovních skečů, notebook od profesionálního gotického architekta, nenáležejícího do klášterního prostředí, doplněný stručnými vysvětlivkami ve staré francouzštině.

Theophilův dlouhý a podrobný, vkusně napsaný úvod k první knize končí proslovem ke svým studentům: „Budeš-li to často číst znovu a mít to pevně v paměti, odměníš mě, kolikrát budeš mít užitek z mé práce, tolikrát se za mě budeš modlit k milosrdnému všemohoucímu Bohu, který ví, že jsem napsal moje práce ne z lásky k lidské chvále, ne z chamtivosti po odměně na tomto světě, který je dočasný, a nic cenného a vzácného ze závisti neskrýval, nic si nenechal pro sebe osobně, ale pomohl potřebám mnozí a přispěli radou ke zvýšení cti a slávy Božího jména.".

Album Villars de Honnecourt: listy 14, 27; list 15 - plán ideálního chóru gotického kostela (plán katedrály v Meaux); list 17 - plán chóru kostela ve Vosselu a obr.

Villarsův úvod připomíná spíše zhuštěný a výstižný přepis závěrečné Theophilovy myšlenky v jeho úvodu, kterou poslední jmenovaný podal elegantní literární formou: „Villars de Honnecourt vás pozdravuje a žádá všechny, kteří budou pracovat s prostředky uvedenými v této knize, aby se modlili za jeho duši a pamatovali na něj, protože v této knize najdete vynikající rady o skvělém stavitelství kamene a tesařství zde umění kreslení, stejně jako základy požadované a vyučované vědou geometrie.". Stručný, obchodní tón, nic nadbytečného, ​​bavíme se jen o tom nejdůležitějším, obsah a účel celé knihy je nastíněn několika stručnými frázemi, tradiční apel na studenty je extrémně stručný a omezuje se na pozdrav s prosbou o modlitbu za autora alba z vděčnosti za jeho práci. Jaký kontrast s Theophilovým pozitivním, poučným tónem, neustálým důrazem na spojení mezi uměním a Bohem a podrobnými, drobnými popisy receptů. Může být namáhavé vidět v tomto rozdílu nejen důsledek rozdílu mezi dvěma jednotlivé druhy technický manuál středověku - pojednání a album ukázek - není jen výsledkem toho, že autoři patřili k různým vrstvám středověké společnosti, ale zdá se, že tento kontrast je dán i stoletím, ležel mezi vytvořením dvou uvažovaných děl.

Stejně jako Theophilus ve svém díle vyjádřil světonázor románského umělce a jeho představu o jeho místě v životě a účelu jeho umění, tak Villard de Honnecourt ve svém albu odrážel rysy typické pro gotického architekta svými představami o svět. Jednak profesionalita, znalost umělecké praxe včetně architektury, sochařství a inženýrství, což bylo ve středověku běžné a tradiční. Navíc Villarův text neříká nic o jeho obeznámenosti s trendy v teologickém či filozofickém myšlení. Pak - demokracie, jasnost schémat, kreseb a vzorků, doprovodný text ne v latině, ale ve staré francouzštině.

Dalším rysem je extrémní zvědavost na vše bezprecedentní, vtipné, vzácné, zajímavé, což ho nutí načrtnout lva spolu s dalšími vzácnými zvířaty. Pak - pozorování, pohlcení vizuálními dojmy, možná nahrazující solidní vzdělání; seznámení s různými zeměmi, cesty, které Villar podnikl, zkušenosti, hluboké znalosti praxe jeho umění. Nic méně charakteristický rys je subjektivita soudů o umění, volba náčrtů architektonických detailů, scén a postav v souladu s Villarovým osobním vkusem, který mistr neopomněl několikrát deklarovat. Poslední jmenovaný je zvláště zajímavý a vyjadřuje rostoucí sebeuvědomění gotického umělce.

Villarovo album, které je albem samplů a technickým průvodcem pro další mistry, zůstalo osobním zápisníkem, cestopisným albem, kde bylo načrtnuto vše, co se zdálo zajímavé. „Zde je plán sboru kostela Panny Marie v Cambrai“. "Namaloval jsem tato okna, protože se mi líbily lépe než ostatní". Konečně je charakteristická jeho tradiční, poněkud formální zbožnost, vyjádřená rychle jednou frází a ostře odlišná od důkladné, důkladně podložené zbožnosti Theofilovy.

Myšlenka umělcovy záštity Bohem, Boží pomoci člověku, kterého „božská pravice vede v jeho činnostech“, získává postupem času vskutku poněkud formální konotaci, i když v transalpských zemích si zachovává svůj dřívější význam. nesrovnatelně déle než v Itálii. V pojednáních pozdně gotických mistrů, nadšeně diskutujících o technických a uměleckých aspektech svého řemesla, je dodnes cítit až do 16. století. Označuje pojednání Alberta Durera a Niklase Hilliarda.

Neméně významný je Villarův rychlý, rychlý a dynamický styl stručných výkladů. Rád bych v něm viděl projev ducha podnikatelské atmosféry, která se kolem stavebnictví rozvinula gotická katedrála. Pro charakteristiku středověkého umělce je nesmírně důležité, že Villarův zápisník a album cestopisných skic se později staly knihou vzorků pro celou dílnu. Zřejmě po Villarově smrti album doplnili kresbami a poznámkami dalších dvou mistrů, kteří zůstali v anonymitě. Obvykle jsou označeny jako „Master 2“ a „Master 3“.

Přestože se proces vyčleňování jednotlivého umělce z cechovního prostředí v průběhu 13. a 14. století pomalu, ale jistě rozvíjel, gotický umělec sám sebe a svou zručnost nevnímal jinak než v korporátním spojení, jak jej omezoval rámec a normy, které byly prezentována mu samotnou obsáhlostí gotického umění a která ho obklopovala v gotickém světě.

Ze stránek technických příruček o umění, sbírek receptů, pravidel a alb ukázek tak vycházejí postavy středověkých umělců - jejich autorů, s jejich představami o sobě a cílech své práce, se svými vlastní pocit svět a vaše místo v něm.

Štítek: Teorie umění (filozofie)