Nejlepší italské operní domy. Operní perla Itálie: Divadlo La Scala Historie operních domů v Itálii

Teatro Olimpico je jedním ze tří renesančních divadel, která se dochovala dodnes. Jeho design je nejstarší dekorací na světě. Divadlo se nachází ve městě Vicenza, v italském regionu Veneto. Historie vzniku Stavba divadla začala v roce 1580. Architektem byl jeden z nejslavnějších mistrů renesance, Andrea Palladio Před zahájením tvorby projektu studoval Andrea Palladio strukturu desítek římských divadel. Nemá pozemek na nové divadlo...

Teatro Massimo je jedním z největších operních domů nejen v Itálii, ale v celé Evropě, proslulé svou vynikající akustikou. ...

Většina cestovatelů předem ví, které atrakce v Itálii chtějí navštívit. Když se budeme bavit o Milanovi, tak bod číslo jedna pro...

Teatro San Carlo v Itálii je jedním z nejstarších operních domů na světě, světového dědictví UNESCO Čtěte také: Italové navrhují přispět...

Teatro Goldoni, dříve nazývané Teatro San Luca a Teatro Vendramin di San Salvatore, je jedním z hlavních divadel v Benátkách. Divadlo se nachází...

Kulturní dovolená v Itálii se samozřejmě neobejde bez návštěvy divadla. Dáváte přednost kulturní dovolené a rádi byste se dozvěděli více o divadelním životě v Itálii? Dlouho jste snili o sledování italské opery v rodišti žánru, ale nevíte, jak to zorganizovat? Pak jste na správné stránce. Sekce „Italská divadla“ vám nabízí užitečné informace o otevírací době a repertoáru italských divadel. Také se zde můžete dozvědět mnoho zajímavých faktů o divadlech v Itálii, historii jejich výstavby a legendách o slavných budovách.

Věděli jste, že i starověké amfiteátry staré více než dva tisíce let mohou v Itálii působit jako divadelní jeviště? A to, že italské operní domy jako La Scala a San Carlo jsou právem označovány za nejlepší existující na světě? Máte zájem dozvědět se něco o historii jejich výstavby? Chtěli byste vědět o repertoáru a ceně vstupenek do světově proslulých operních divadel v Itálii? Pak byla tato sekce webu vytvořena speciálně pro vás.

Autory eseje jsou L. A. Solovtsova, O. T. Leontyeva

Rodištěm opery je Itálie. Tento žánr, oživený humanistickými ideály italské renesance, vznikl na konci 16. století. V jednotě poezie, hudby a divadla hledala skupina osvícených florentských básníků a hudebníků cesty k oživení antického divadla, k vytvoření syntetického umění schopného pravdivě vyjádřit lidské city. Florenťané hlásali nadvládu poezie nad hudbou; Poté, co opustili středověkou polyfonii, předložili nový, homofonně-recitativní styl. Podle B. Asafieva byly recitativní pastorály Florenťanů „jakousi propylejí“ opery.

V průběhu první poloviny 17. stol. opera se postupně formovala jako žánr, nabývala ve svém vývoji nový směr: přesahující úzký okruh florentských básníků a hudebníků se dostala do kontaktu s širokým publikem v Mantově, Římě, poté v Benátkách, kde ve 30. letech. XVII století Byla otevřena první stálá opera na světě. Komorní představení Florenťanů ustoupilo velkolepým divadelním inscenacím; zároveň začala mít hudba přednost před textem - deklamační styl postupně vystřídala kantiléna.

Nejvyšším počinem italské opery 17. století je dílo dvou pozoruhodných skladatelů: Claudia Monteverdiho (1567-1643) a Alessandra Scarlattiho (1660-1725).

Monteverdi působil v Mantově a poté v Benátkách, kde vytvořil svá nejlepší díla. Byl prvním velkým operním skladatelem, který na divadelní scéně ztělesnil silné charaktery a velké vášně. Operu obohatil o řadu nových hudebních a výrazových prostředků; melodickou recitaci spojil s kantilénou; Dramatickému pojetí podřídil melodii, harmonii a orchestrální psaní. Před svou érou se Monteverdi vydal cestou vytvoření realistického hudebního dramatu.

V provedeních následujících italských skladatelů dramatický obsah postupně ustupoval do pozadí; Zároveň stále více narůstala role virtuózního zpěvu v operní hudbě.

Vývoj italské opery ve 2. polovině 17. a 18. století. spojené s velkolepým rozkvětem vokálního umění. Dílem A. Scarlattiho byl položen základ slavné neapolské školy, která na přelomu 17. a 18. stol. zaujalo dominantní místo dříve vlastněné benátskou školou. Neapolané, kteří přijali zkušenosti florentských, římských a benátských mistrů, využili svých tvůrčích úspěchů.

V Neapoli se nakonec zformoval žánr italské opery, kde hudba dominovala textu, kde se určovaly druhy vokálních forem a pěvecké umění dosáhlo vrcholu. Báječní italští zpěváci se po celém světě proslavili nejen svými krásnými hlasy, ale také svou nejvyšší vokální dovedností, zvanou bel canto. Nicméně po celé 18. stol. umění bel canta postupně nabývalo stále vnějšího, virtuózního charakteru. Nejlepší italští zpěváci měli tvůrčí dar improvizace; Při předvádění árií je variovaly a improvizovaly kadence. Méně talentovaní vokalisté ve snaze napodobit slavné mistry bel canta často překračovali hranice toho, co bylo v jejich podání umělecky ospravedlnitelné.

Vášeň zpěváků pro virtuózní techniku ovlivnila i tvorbu skladatelů. Skladatelé, podléhající vkusu publika a zvykům zpěváků, často přetěžovali árie virtuózními ozdobami. Hudba získávala vnější lesk a postupně ztrácela emocionální expresivitu, která charakterizovala tvorbu A. Scarlattiho a jeho nejbližších následovníků. V opeře se na prvním místě umístili virtuózní pěvci, kteří zatlačili skladatele a libretistu do pozadí. Při komponování opery bylo nutné především zajistit „velkolepá čísla“ pro oblíbence publika, kteří v ní účinkují.

Skladatelé neapolské školy se i během jejího vrcholného období jen málo zabývali otázkami dramatu. Typ tzv. „vážné“ opery (opera seria), který v Neapoli vznikl, spočíval především ve střídání árií a recitativů; soubory nehrály významnou roli; skoro žádné sbory nebyly; hlavní místo zaujímaly árie a duety, které vyjadřovaly pocity hrdinů; recitativy popisovaly především události a průběh dramatu. S rostoucí silou virtuózních zpěváků pozornost k dramatickému obsahu stále více slábla. Vkus štamgastů ve dvorních divadlech velmi negativně ovlivnil vývoj operních seriálů. Zápletky operních libret se často scvrkávaly do nesmyslných milostných afér.

Heroicko-pastorační témata, náměty z mytologie a středověku sloužily jen jako plátno a daly vzniknout brilantním virtuózním áriím. Jak lhostejná byla interpretům i posluchačům stylová jednota hudby, lze soudit podle toho, že ve 20. letech. XVIII století Rozšířil se typ oper, v nichž všechna dějství patřila různým skladatelům. Takové opery se nazývaly pasticcio (“paštika”).

Opakovaně po celé 18. století. a pokusy básníků a skladatelů posílit dramaturgii „vážné“ opery. Nemalou zásluhu na tom mají básníci A. Zeno a Pietro Metastasio. Nepřekonali ale schematismus při výstavbě operního představení: stejně jako jejich předchůdci Zeno a Metastasio nevycházeli z požadavků dramaturgie, ale ze zavedeného řádu v distribuci árií a recitativů mezi akty. Hudební dramaturgie opery zůstala v podstatě stejná; zejména recitativní epizody měly charakter formálních vazeb mezi vokálními čísly. Při vystoupení recitativů se obecenstvo většinou hlasitě rozpovídalo nebo odešlo ze sálu občerstvit se a zahrát karty.

To neznamená, že „mezi italskými skladateli nebyli žádní seriózní, přemýšliví umělci. Ve druhé polovině 18. století, v době italského osvícenství, vzrůstala touha pozvednout uměleckou úroveň „seriózní“ opery, ale žádný z italských skladatelů se v té době neodvážil vybočit z obecně uznávané struktury. opery seria, opustit nesmyslnou virtuozitu árií.

Současně s „vážnou“ operou vznikala v útrobách téže neapolské školy i opera komická (opera buffa). Od prvních krůčků si získal velkou oblibu a rychle se rozšířil po všech městech Evropy a vytlačil „seriózní“ operu i z jevišť dvorních divadel.

Italská komická opera se svými počátky sahajícími do 18. století vyrostla z komediálních scén a meziher, kterými se prolínaly benátské a neapolské opery té doby; jeho dalším zdrojem byly nářeční (na lidových dialektech) komedie, uváděné obvykle s jednoduchými písněmi. Jako žánr vznikla komická opera v mezihrách Giovanniho Battisty Pergolesiho (1710-1736); v posledním čtvrtstoletí dosáhl klasické zralosti v dílech Giovanniho Paisiella (1740-1816) a Domenica Cimorosy (1749-1801). Buffa opera ve svých aspiracích vznikla jako reakce na umění „vážné“ opery, které se odloučilo od života, a vznikla jako odpověď na požadavky nové estetiky, která požadovala, aby umění mělo specifické spojení s modernou. .

Italská komická opera předváděla na jevišti zábavná dobrodružství ze života svých současníků; zesměšňoval neřesti a často parodoval samotný žánr „vážné“ opery. Opera buffa stavěla do protikladu strnulý patos operní serie, její virtuózní árie a recitativy, které ztratily svou expresivitu, s komediálními a každodenními tématy, jednoduchými lidovými a každodenními melodiemi, živými tanečními rytmy, charakteristickými recitativy, tak blízkými stylu lidových nářečních komedií. Akční, dynamické soubory nabyly v komické opeře velkého významu.

Po cestě se vyvinula opera buffa; některé prvky „vážné“ opery pronikly do komiky a naopak. Tyto žánry však nadále koexistovaly odděleně i v 19. století.

Na úsvitu národně osvobozeneckého hnutí, které otřáslo celou Itálií (první desetiletí 19. století), se literární romantismus stal estetickým vyjádřením pokrokových myšlenek. První italští romantici, účastníci revolučního hnutí karbonských básníků, považovali za hlavní úkol umění a literatury službu lidu. Bojovali za rozvoj národní kultury, vyzývali ke studiu života lidí, jejich myšlenek a tužeb, historie a umění.

Povzbudili v italském lidu národní vědomí a vyzvali zemi, aby se sjednotila a svrhla jho zotročovatelů.

Národně osvobozenecké hnutí se odrazilo i v operním umění, vdechlo mu ducha moderního života. Pod progresivním vlivem italského literárního romantismu se formoval nový směr v opeře. Italští skladatelé odmítli tradiční mytologická témata a obrátili se k člověku, k jeho duchovnímu světu.

Dílo Gioachina Rossiniho (1792-1868) bylo jakoby spojovacím článkem ve vývoji italské opery, završilo její předchozí etapu a položilo základ nové národní škole. Ve skladatelových komických operách (nejlepší z nich je „Lazebník sevillský“) dosáhla opera buffa svým odvážným, aktuálním obsahem svého nejvyššího vrcholu.

Rossini obohatil i oblast „vážné“ opery, která v té době prožívala hlubokou ideovou a dramatickou krizi. Pravda, v jeho dílech zůstalo mnoho konvencí, které narušovaly přirozenost dramatického vývoje. Stačí říci, že Rossini snadno přenášel hudební fragmenty z jedné opery do druhé. A přesto v žánru „vážné“ opery vytvořil řadu pozoruhodných děl.

Rossini se obrátil k hrdinským tématům, která odpovídají potřebám naší doby; v jeho operách začaly znít mohutné sbory, objevila se dynamická, rozvinutá tělesa, orchestr se stal barevným a dramaticky výrazným. Rossiniho Vilém Tell položil základ novému žánru hrdinsko-historické romantické opery.

Dílo geniálního Rossiniho a jeho mladších současníků a následovníků - Vincenza Belliniho (1801-1835) a Gaetana Donizettiho (1797-1848) - jsou nejlepšími počiny italské opery první třetiny 19. století. Tito skladatelé aktualizovali hudební jazyk italské opery a naplnili jej krásnými melodiemi, intonačně blízkými lidovým písním. Věděli, jak vytvořit melodie, které vyzdvihly nejlepší aspekty talentu zpěváků. Jména Rossiniho, Belliniho a Donizettiho jsou spojena s interpretační činností takových velkých pěvců jako G. Pasta, G. Rubini, M. Malibran, A. Tamburini, L. Lablache, G. Grisi, kteří založili slávu italské opery na všech evropských scénách.

Rozkvět italské opery neměl dlouhého trvání. Po vytvoření Williama Tella (1829) Rossini nenapsal žádné další opery. V polovině 30. let. zemřel mladý Bellini. Do začátku 40. let. Práce těžce nemocného Donizettiho šla z kopce. Národní opera opět prožívala vážnou krizi. Italskou scénu zaplavil proud průměrných oper složených četnými imitátory Rossiniho, Belliniho a Donizettiho. V dílech, které většinou vznikaly narychlo, na další sezónu a hned se na ně zapomnělo, byla extrémně malá pozornost věnována otázkám ideového obsahu a problémům dramaturgie. Operní melodie byly plné efektů, které nevyplývaly z povahy obrazu a někdy dokonce byly v rozporu s obsahem. Skladatelé pokračovali v psaní libret sestavených podle přijatých šablon; hudební čísla v operách se řídila známými vzory, nebyla organicky propojena akcí.

Tvorbu plnohodnotných operních libret brzdila rutina, která v operních domech vládla. Už v době, kdy libreta psali nejlepší básníci té doby - jako slavný Felice Romani -, když se libretisté obraceli k dílům klasiků světové literatury, zasazovali děj do standardního schématu, což je nevyhnutelně ochuzovalo.

Italskou operu vyvedl z ideologické a dramatické krize Giuseppe Verdi (1813-1901), statečný inovátor, zapálený, přesvědčený a důsledný bojovník za realistické principy italské literatury éry národně osvobozeneckého hnutí.

Jestliže zakladatelem národní operní školy byl Rossini, pak v díle Verdiho dosáhla svého nejvyššího vrcholu. Itálie neměla za Verdiho života ani po jeho smrti skladatele rovného Verdimu co do významu a síly talentu. Skladatelovy první hrdinské opery, které se objevily ve 40. letech, se zrodily z rostoucího rozmachu revoluce, kdy se k osvobozeneckému hnutí připojily všechny kulturní síly země. Verdi, přesvědčený demokrat a patriot, vytvářel umění vysoce ideologické a zároveň přístupné širokým masám. Největší zásluhou hudebníka je, že od svých prvních tvůrčích kroků, opírající se o tradice národní opery a hájení národní identity, šel cestou inovace, cestou neúnavného hledání dramatické pravdy.

Bystrý umělec a rozený dramatik si uvědomil, že formální rutina a lhostejnost k dramatickému obsahu přivedly italskou operu do slepé uličky. Uvědomil si, že hlavní vady italských oper mají kořeny ve schematismu výstavby, vedl neúnavný boj o vytvoření dramaticky plnohodnotných libret a aktivně dohlížel na práci svých libretistů.

Verdi neustále usiloval o realistickou vitalitu postav a dramatických situací. Hledal nové dramatické a pravdivé formy. Všechny výrazové prostředky v opeře se snažil podřídit identifikaci hlavní myšlenky.

Poté, co Verdi prošel fascinací „divokým romantismem“ Huga a jemu blízkých španělských romantiků a kriticky zvládl úspěchy současné západoevropské opery, dosáhl ve svých pozdějších dílech – v Aidě, Othellovi a Falstaffovi – ideálního spojení. akce, slova a hudby vytvořili skutečné realistické hudební drama.

V 70-80 letech. minulého století v italské opeře, která procházela obdobím hledání a boje mezi směry, dvěma póly, kolem nichž se seskupovaly hudební síly, byla jména Verdi a Wagner. Fascinace německými romantiky - a zvláště Wagnerem - a touha je napodobit zachytily významnou část italské mládeže. Tento koníček, který se často scvrkl do prostého napodobování, měl své kladné i záporné stránky.

Studium německé hudby vzbudilo mezi italskými skladateli zvýšený zájem o harmonii, polyfonii a orchestr. Ale zároveň šli špatnou cestou, smetli tradice italské opery a odhodili klasické operní dědictví. Dokonce se k Verdiho práci chovali s despektem. Nejvýraznějším představitelem tohoto směru byl Arrigo Boito (1852-1918), jehož opera Mefistofeles měla v té době velký úspěch.

V posledním desetiletí století se proti wagnerismu, který se šířil po celé Itálii, postavilo nové operní hnutí – verismus (od slova „vero“ – pravdivý, pravdivý). Půdu pro vznik operního verismu připravilo stejnojmenné literární hnutí 80. let.

První veristická opera - Pietro Mascagni "Honor Rusticana" (1890) - byla napsána podle zápletky povídky Giovanniho Vergy. Jak "Honor Rusticana", tak její následovníci "Komedianti" od Ruggera Leoncavalla (1892) sklidily obrovský úspěch u veřejnosti, unavené vágní symbolikou v operních zápletkách italských imitátorů Wagnera.

Kreativním krédem verismu je pravda života. Náměty svých oper si veristé převzali z běžného života. Jejich hrdiny nejsou výrazné osobnosti, ale obyčejní, obyčejní lidé se svými intimními dramaty. V tom se italské verismo blíží francouzské lyrické opeře. Melodický jazyk italských veristů byl ovlivněn citlivou melodií Gounoda, Thomase a Masseneta. Realistická díla Bizeta a Verdiho si získala zvláštní oblibu mezi veristy. Veristé ocenili Bizetovu „Carmen“ stejně jako Verdiho opery, z nichž převzali zdůrazněnou emocionalitu hudby a závažnost dramatických situací. Právě tyto rysy jejich kreativity, stejně jako temperamentní, přístupné melodie, si veristé získali širokou oblibu. Interpretace zápletek v jejich operách však často nabývala melodramatického charakteru. Veristé, kteří chtěli ukázat každodenní život „bez přikrášlování“, často nahrazovali realistickou reprodukci reality její „fotografií“. A to vedlo k redukci postav, někdy k povrchní ilustraci hudby, k naturalismu.

S verismem do značné míry souvisí i tvorba nejvýraznějšího italského skladatele 20. století. Giacomo Puccini (1858-1924), který ve svých raných operách neunikl vlivu německého romantismu. Z hlediska svých základních tvůrčích aspirací a charakteristických rysů svého stylu je Puccini verista, i když mnohé v jeho tvorbě přesahuje hranice verismu. Puccini je nejtalentovanější a nejrozmanitější ze skladatelů tohoto hnutí.

Pucciniho verismus se projevuje především v jeho postoji k operní zápletce. V obyčejném, nelakovaném životě nachází Puccini materiál pro hluboce dojemné drama. Jeho hudební projev je vždy emocionálně pravdivý. Bohatou a svěžestí svého hudebního jazyka skladatel vyniká mezi svými současníky – veristy. A ačkoli se Puccini nemohl ve své tvorbě povznést do realistických výšin Verdiho, ale z hlediska emocionální bezprostřednosti působivosti hudby, v organické čistotě melodie, v síle a jasu svého dramatického talentu je přímý dědic Verdiho a skutečně italský umělec.

Nejlepším dědictvím italské klasické opery je dílo Rossiniho, Belliniho, Donizettiho, Pucciniho a zejména Verdiho. Díla těchto skladatelů jsou součástí repertoáru většiny hudebních divadel a jsou vždy slyšet na koncertech a v rozhlase.

Italská klasická opera se svým progresivním ideologickým obsahem, silnými národními tradicemi a skutečnou „hlasitostí“ má čestné místo v pokladnici světové hudební kultury.

Dále ve 20. stol. Italští skladatelé se zřetelněji projevili ve formách instrumentální hudby. Na operu se však v moderní Itálii nezapomíná. Autorem deseti oper, z nichž mimořádný úspěch zaznamenala opera „Neděle“, nastudovaná v roce 1904 v Turíně podle románu L. Tolstého, byl Franco Alfano (1877-1954). Na počátku 20. stol. v operním žánru provedl Ottorino Respighi (1879-1936), představitel italského impresionismu, který zažil i výrazný vliv Rimského-Korsakova. Jeho první opery byly „Král Enzio“ (1905) a „Semirama“ (1910), uvedené v Bologni. V roce 1927 byla na scéně hamburského divadla uvedena jeho opera „The Sunken Bell“ podle stejnojmenného dramatu Gerharda Hauptmanna. V pozdějším období své tvorby se Respighi vyvinul směrem k neoklasicismu. Výsledkem tohoto obratu byla volná úprava Monteverdiho opery Orfeus (1935), která sehrála důležitou roli v oživení a znovuobjevení operního díla tohoto velkého italského skladatele.

Největším představitelem starší generace moderních italských skladatelů působících v operním žánru je Ildebrando Pizzetti (1880-1968). Jeho kompoziční styl se formoval ve studiu klasických a předklasických tradic národního umění. Pizzetti neustále skládal opery pro slavné milánské divadlo La Scala. Premiéry mnoha z nich dirigoval slavný Arturo Toscanini. První byla "Phaedra" podle dramatu Gabriela d'Annunzia (1915) Opera "Fra Gherardo" podle historické kroniky Parmy ve 13. století byla úspěšně nastudována v roce 1928. Pizzetti, který složil patnáct oper, nemůže. být nazýván novátorem v hudebním divadle, ale jeho díla měla vždy dostatečný úspěch, aby zůstala dlouho na repertoáru V letech po druhé světové válce ctihodný skladatel nadále intenzivně pracoval pro divadlo pravidelně: v roce 1947 – „Gold“, v roce 1949 – „Bathtub Lupa“, v roce 1950. – „Iphigenia“, v roce 1952 – „Cagliostro“ Tato díla si zachovala některé rysy pozdního italského verismu v kombinaci s vlivem Debussyho (the vytříbeným a melodickým přednesem jeho „Pelléas et Mélisande“) nejúspěšnější a získala uznání mimo Itálii: „Ioriova dcera“ podle textu G. d'Annunzia (1954), inscenovaná v Neapoli slavným režisérem Robertem Rossellinim „Vražda v katedrále“ (1958) a „Clytemnestra “ (1964). Opera „Vražda v katedrále“, která se setkala se zvláštním zájmem anglické veřejnosti, byla napsána na základě poetického textu populární hry moderního anglického básníka a dramatika T. S. Eliota. Drama vypráví o životě a smrti canterburského arcibiskupa Thomase Becketa, který byl kancléřem anglického krále Jindřicha II. Hluboký ideologický konflikt v tomto díle tvoří dva motivy: politická vražda Becketta, demagogicky zdůvodněná „historickou nutností“ – „ve jménu absolutní moci panovníka“ – a mučednictví, které hrdina dobrovolně přijal. Dramatik při kompozici své hry předem předvídal možnou hudební strukturu. Originálně kombinuje formy katolické bohoslužby a starořecké tragédie s komentátorským sborem.

Z hlediska škály tvůrčího talentu a role v hudebním divadle se vedle Pizzettiho může zařadit pouze Gian Francesco Malipiero (1882-1973). Jako mnoho italských skladatelů 20. století prošel vášní pro impresionismus, což se projevilo zvláštní pozorností k orchestrální barevnosti. Ale již ve 20. letech. tento skladatel se věnoval hlubokému studiu italských mistrů baroka a renesance a stal se stoupencem rozšířeného neoklasicismu. Sám Malipiero, který věnoval mnoho času a úsilí úpravám a restaurování děl Claudia Monteverdiho a Antonia Vivaldiho, byl těmito skladateli silně stylově ovlivněn. Velký význam pro formování jeho stylu měla i diatonická melodie starověké lidové písně a gregoriánský chorál.

Malipiero složil nejméně třicet různých hudebních a divadelních děl. V letech 1918 až 1922 skladatel pracoval na operních trilogiích „Orpheides“ a „Goldoniana“. V roce 1932 dokončil třetí trilogii s názvem The Venetian Mystery. Jednou z nejslavnějších Malipierových oper je Příběh měňavého syna (1933) podle hry Luigiho Pirandella. Zaznamenáváme také opery „The Fun of Callot“ (1942) podle příběhu E. T. A. Hoffmanna „Princezna Brambilla“ a „Don Juan“ (1964) podle Puškinova „Kamenného hosta“.

Recenze operní tvorby současných italských skladatelů starší generace by byla neúplná bez jména Alfredo Casella (1883-1947), ačkoli oblast instrumentální hudby nespojené se slovem přitahovala tohoto velkého mistra mnohem více než opera. V operním žánru zkomponoval tři díla: „Hadí žena“ (1931) podle hry C. Gozziho (stylizace staré italské opery buffa), jednoaktovou komorní operu „Příběh Orfea“ ( inscenováno v roce 1932) a jednoaktová opera-mysterie „Poušť pokušení“ (1937), kterou stát objednal ve falešném „monumentálním ceremoniálním“ stylu a vypráví o „kulturní a tvůrčí“ misi italské armády, která okupovala Etiopie. Za fašistické diktatury bylo tvůrčí úsilí i těch nejtalentovanějších skladatelů často omezováno a deformováno demagogicky zkreslenými požadavky „etnografie“, „historismu“ a falešně interpretované národnostní a politické relevance. Tyto požadavky v atmosféře provinční izolace charakterizovaly pseudoklasicismus „Mussoliniho éry“, která se honosně nazývala „zlatým věkem“ umění.

Luigi Dallapiccola (1904-1975) zůstal zásadovým odpůrcem fašismu a jeho politiky v umění, jehož dílo se v poválečných letech dostalo zaslouženého uznání. V mládí měl Dallapiccola blízko k neoklasickému hnutí rozšířenému v Itálii, ale již koncem 30. let. jeho hudba odhaluje expresionistické rysy. K popularitě Dallapiccoly v poválečných letech výrazně přispěly dvě jednoaktové opery uváděné v řadě zemí jako televizní představení. Jedná se o „Noční let“ (1940) podle příběhu A. de Saint-Exupéryho a „Vězeň“ (1949) podle povídky „Mučení nadějí“ od V. de Lisle-Adama. Dallapiccola je jasným představitelem myšlenek italského odboje v hudebním umění. V jeho opeře „Vězeň“ se děj přesouvá do Španělska 16. století. Anonymní vlámský bojovník za svobodu strádá ve španělském vězení. Trápí ho falešné sliby o svobodě, provokativní fámy o událostech ve své vlasti a nakonec je veden k popravě. Posluchači nepochybují, že tématem opery je fašistický teror a odboj, boj proti politické diktatuře zasahující do svobody jednotlivce i lidu.

Dallapiccolova hudba je hluboce expresivní, i když složitost jeho hudebního jazyka někdy brání tomu, aby jeho skladby byly snadno srozumitelné.

V 50. a 60. letech. Italská opera uvádí inscenovaná díla některých skladatelů, kteří se dříve proslavili filmovou hudbou. Jsou to Nino Rota (1911-1979) a hlavně Renzo Rossellini (1908-1982), bratr slavného filmového režiséra. Úsilí těchto skladatelů znamenalo pokus o demokratizaci a aktualizaci moderní italské opery. Rossellini si ve svých operách „Válka“ (1956), „Vír“ (1958), „Chobotnice“ (1958), „Pohled z mostu“ (1961) vědomě vybíral moderní témata a snažil se zjednodušit hudební jazyk, přinést hudba blíže folklóru a žánrům populární písně.

Ještě rozhodnějším příkladem obnovy italského hudebního divadla je opera Luigiho Nona (1924-1990) Intolerance, která si od roku 1961 získala mimo Itálii širokou oblibu. Tímto dílem zamýšlel skladatel oživit tradici Brechtova politického, agitačního divadla. Nonův ideový a estetický program vyžadoval řešení řady složitých problémů a především musel skladatel nějak skloubit požadavky na přístupnost a srozumitelnost díla s novými, moderními technickými prostředky kompozice. Nono je jedním z mála představitelů poválečné „avantgardy“, kteří akceptují marxistické učení o roli umění v životě společnosti a uznává potřebu vytvářet umění pro lidi, umění srozumitelné široké veřejnosti. masy posluchačů. Nono proto ve své opeře dbá na jednoduchost a melodičnost, uvádí oblíbené melodické obraty, charakteristické rytmy lidového tance a pro působivost a přímočarost využívá mluvící sbor. Pěvecké sbory, předem nahrané na pásku, jsou vysílány přes četné reproduktory. Jejich silný „stereofonní“ zvuk by měl evokovat představu monumentální hudby ulic a náměstí, hudby pod širým nebem. Libreto opery, jehož autorem je sám skladatel, je velmi stručné a schematické, umožňuje variace v jednotlivých dějových situacích v zájmu co největší aktuálnosti obsahu. Text obsahuje sestřih různých poetických slok od různých autorů, aforistických výroků, sloganů, které ze skladatelova pohledu jasně vyjadřují ducha doby. První verze opery se jmenovala „Intolerance. 1960“ a obsahoval protest proti válce v Alžírsku. Později inscenovaná opera byla naplněna dalšími aktuálními hesly a citáty z politicky relevantních dokumentů té doby. Svou pouť na evropská jeviště začala opera politickým skandálem na festivalu v Benátkách v roce 1961. Příčinou skandálu bylo její téma – odpor k násilí, neústupnost, propagace myšlenek socialistické transformace společnosti. Toto dílo bylo navzdory svému poněkud „zkušebnímu“, experimentálnímu charakteru uvedeno v mnoha evropských divadlech. Nyní existuje v nové verzi pod názvem „Intolerance. 1970“, upravený o nové režijní postupy, nové dějové detaily, ale skladatel stále pokračuje v dalším hledání tímto směrem a snaží se o co nejúplnější syntézu dramatických postupů moderního politického divadla s novými hudebními a výrazovými prostředky.

"La Scala"(Italština Teatro alla Scala nebo La Scala ) je operní dům v Miláně. Budova divadla byla postavena podle návrhu architekta Giuseppe Piermariniho v letech 1776-1778. na místě kostela Santa Maria della Scala, odkud pochází i název samotného divadla. Kostel zase dostal své jméno v roce 1381 nikoli podle „schodů“ (scala), ale od patronky - představitelky rodu vládců Verony jménem Scala (Scaliger) - Beatrice della Scala (Regina della Scala). Divadlo bylo otevřeno 3. srpna 1778 inscenací opery Antonia Salieriho „Evropa uznána“.

V roce 2001 byla z důvodu restaurování dočasně uzavřena budova divadla La Scala, a proto byly všechny inscenace přesunuty do budovy divadla Arcimboldi, speciálně postavené pro tento účel. Od roku 2004 byla produkce obnovena ve staré budově a Arcimboldi je nezávislé divadlo fungující ve spolupráci s La Scala.

Divadlo "Busseto" pojmenované po G. Verdim.

Busseto(ital. Busseto, emil.-rom. Busé, místní Busse) je region v Itálii, v regionu Emilia-Romagna, podřízený správnímu středisku Parma.

Město nerozlučně spjaté s životem operního skladatele Giuseppe Verdiho.

Giuseppe Fortunino Francesco Verdi(Italština Giuseppe Fortunino Francesco Verdi, 10. října 1813, Roncole u Busseta, Itálie - 27. ledna 1901, Milán) je velký italský skladatel, jehož dílo je jedním z největších úspěchů světové opery a završením vývoje italské opery 19. století.

Skladatel vytvořil 26 oper a jedno rekviem. Nejlepší skladatelovy opery: Un ballo in maschera, Rigoletto, Trovatore, La Traviata. Vrcholem kreativity jsou nejnovější opery: „Aida“, „Othello“.

Teatro Giuseppe Verdi je malé 300místné divadlo postavené magistrátem s Verdiho podporou, ale bez jeho souhlasu. Divadlo Giuseppe Verdiho(divadlo Giuseppe Verdiho) je malá opera. Nachází se v křídle Rocca Dei Marchesi Pallavicino na náměstí Piazza Giuseppe Verdi v italském Bussetu.

Divadlo bylo otevřeno 15. srpna 1868. Na premiéře převládala zelená barva, všichni muži měli zelené kravaty, ženy měly zelené šaty Ten večer byly uvedeny dvě Verdiho opery: „. Rigoletto" a " Maškarní ples". Verdi nebyl přítomen, ačkoli žil jen dvě míle odtud, ve vesnici Sant'Agata ve Villanova sull'Arda.

Přestože byl Verdi proti stavbě divadla (bylo by to "příliš drahé a v budoucnu zbytečné," řekl, a má se za to, že do něj nikdy nevkročil, věnoval 10 000 lir na stavbu a údržbu divadla.

V roce 1913 uspořádal Arturo Toscanini oslavy u příležitosti stého výročí narození Giuseppe Verdiho a uspořádal sbírku na vytvoření pomníku skladatele Na náměstí před ním byla instalována busta Verdiho od Giovanniho Dupreho divadlo.

Divadlo bylo obnoveno v roce 1990. Pravidelně se v něm koná sezóna operních představení.

9. Pomník Giuseppe Verdiho.

Královské divadlo San Carlo, Neapol (Neapol, San Carlo).

Opera v Neapoli se nachází vedle centrálního náměstí Piazza del Plebiscita, vedle královského paláce. Jedná se o nejstarší operní dům v Evropě.

Divadlo bylo postaveno na zakázku neapolského krále Karla VII. z francouzské dynastie Bourbonů a navrhl Giovanni Antonio Medrano, vojenský architekt, a Angelo Carasale, bývalý ředitel Teatro San Bartolomeo. Stavba stála 75 000 dukátů Navrženo pro 1 379 míst.

Nové divadlo potěšilo současníky svou architekturou. Hlediště je vyzdobeno zlatým štukem a modrými sametovými židlemi (modrá a zlatá jsou oficiální barvy rodu Bourbonů).

11.

12.

Královské divadlo v Parmě(Teatro Regio).

Oblíbené divadlo G. Verdiho a houslisty Nicola Paganiniho.

Parma byla vždy známá svými hudebními tradicemi a její největší chloubou je budova opery (Teatro Regio).

Otevřeno v roce 1829. První účinkující byla Zaira Bellini. Divadlo bylo postaveno v krásném neoklasicistním stylu.

14.

15.

Teatro Farnese v Parmě (Parma, Farnese).

Divadlo Farnese v Parmě. Byl postaven v barokním stylu v roce 1618 architektem Aleotti Giovanni Battista. Divadlo bylo téměř zničeno během spojeneckého náletu během druhé světové války (1944). Byl obnoven a znovu otevřen v roce 1962.

Někteří argumentují, že je to první stálé proscénium (to je divadlo, ve kterém publikum sleduje jednoaktovou divadelní hru, která je známá jako „klenuté proscénium“).

17.

Opera Caio Melisso ve Spoletu.

Hlavní místo pro operní představení během každoročního letního festivalu Dei Due Mondi.

Divadlo prošlo od konce 17. století řadou proměn a změn. Teatro di Piazza del Duomo, také známý jako Teatro della Rosa, postaven v roce 1667, modernizován v roce 1749 a znovu otevřen v roce 1749 jako Nové Teatro di Spoleto. Po roce 1817 a výstavbě nové opery byla budova využívána až v polovině 19. století. 800 míst Divadlo Nuovo byl obnoven v letech 1854 až 1864 prostřednictvím dobrovolných darů.

Staré divadlo bylo zachováno a znovu zrekonstruováno s novým designem a dispozicí. Přejmenováno na Teatro Cayo Melisso, znovu otevřela své brány v roce 1880.

První operní festival se konal 5. června 1958. Fragmenty opery G. Verdiho " Macbeth„a další méně známé opery charakteristické pro tento festival.

19.

Teatro Olimpico, Vicenza, Olimpico.

Olimpico je první vnitřní divadlo na světě se zdivem a interiéry ze dřeva a omítky.

Byl postaven podle návrhu architekta Andrea Palladia v letech 1580-1585.

Teatro Olimpico se nachází na náměstí Piazza Mattiotti ve Vicenze. Město se nachází mezi Milánem a Benátkami v severovýchodní Itálii. Zařazeno do seznamu světového dědictví UNESCO.

V divadle, které má 400 míst k sezení, se mimo jiné konají hudební a divadelní festivaly jako „Hudba týdnů na Olimpicu“, „Sounds of Olympus“, festival „Homage to Palladio“, „András Schiff and Friends“ a série klasických představení.

21.

Zveme vás, abyste se ponořili do italské kultury! Jak? Seznamte se s nejkrásnějšími operními domy v zemi.

Itálie se může pochlubit více než 60 operními domy. Kromě světoznámé milánské La Scaly, benátského Fenice a neapolského San Carla, které jsou uznávanými mistrovskými díly architektury, má Itálie desítky divadel s dlouhou historií, která významně přispívají k národní i evropské opeře.

Národní akademie svaté Cecílie v Římě

Národní akademie svaté Cecílie v Římě je jednou z nejstarších hudebních institucí na světě, byla založena v roce 1585 papežem Sixtem V., jehož koncertní a symfonický soubor je mezinárodně uznávaný.

V 19. století se v řadách Akademie začali kromě hudebníků objevovat i básníci, tanečníci, muzikologové, filologové, houslaři, králové a velvyslanci jako mecenáši umění.

Akademie zahrnovala jako čestné členy hlavní postavy evropské hudební scény: Cherubini, Morlacchi, Mercadante, Donizetti, Mayer, Rossini, Pacini, Paer, Paganini, Spohr, Auben, Adam, Bayo, Liszt, Mahler, Kramer, Thalberg, Czerny , Moshales, Mendelssohn, Berlioz, Thomas, Halévy, Gounod, Meyerbeer; tanečnice Maria Taglioni, Fanny Cerrito, herečka Adelaide Ristori, libretisté Jacopo Ferretti a Carlo Pepoli. Mezi vládnoucími osobami: anglická královna Viktorie s manželem Albertem, pruský král Vilém IV. s manželkou Alžbětou Louise, neapolští králové Ferdinand II. s manželkou Marií Terezií Isabelou Rakouskou.

Akademie se vyvinula do dnešního stavu, kdy se skládá ze 70 řádných a 30 čestných členů - nejlepších italských a zahraničních hudebníků, symfonického orchestru a sboru světového věhlasu.

Od roku 2005 je dirigentem orchestru Antonio Pappano. Akademie sídlí v Parco della Musica, který vytvořil jeden z největších architektů 20. století Renzo Piano.

Arena di Verona

Arena ve Veroně je dokonale zachovalý římský amfiteátr, třetí největší v Itálii, symbol Verony.

Byl postaven v 1.–3. století našeho letopočtu. a byl používán, stejně jako Koloseum, k předvádění různých představení, včetně cirkusových a gladiátorských zápasů.

Historie Arény jako operního domu začíná v roce 1913, kdy zde byla 10. října uvedena Aida. Volba opery patřila veronskému tenoristovi Giovannimu Zenatellovi na počest stého výročí narození skladatele Giuseppe Verdiho.

Od té doby přivítá Aréna každé léto na 50 dní 6 000 diváků a nabídne postupně 5-6 oper, kterých se účastní nejlepší operní pěvci z celého světa.

Ti, kteří měli to štěstí sledovat operu v Aréně, si všimnou velkoleposti scenérie, která se během akce rychle mění. Velikost orchestřiště, kam se vejde až 150 hudebníků, a počet zapojených umělců jsou úžasné: kromě orchestru je zde sbor 200 lidí, 100 tanečníků a tanečnic a 200 komparzistů!

Teatro Sferisterio v Maceratě

Sferisterio je jedinečná stavba z hlediska architektury a akustiky. Stavba divadla začala v roce 1820 z iniciativy obyvatel Maceraty a otevření proběhlo v roce 1829. Po více než století hostilo Sferisterio ve svých zdech širokou škálu představení; Konají se zde státní svátky, koňské přehlídky, politické a sportovní akce.

První opera zde byla uvedena v roce 1921. Byla to Verdiho Aida. Po druhé světové válce divadlo pod vedením Carla Perucciho upevnilo svou pozici a jeho operní sezóny získaly celosvětový věhlas. Na jeho pódiu vystoupili nejlepší interpreti, mezi nimi Mario del Monaco, Luciano Pavarotti, Katia Ricciarelli, Renato Bruzon, Montserrat Caballe, Placido d'Amigo.

Od roku 2012 nese tradiční festival pod vedením Francesca Michelliho název „Opera Festival of Macerata“.

Teatro alla Scala v Miláně

La Scala je bezesporu jedním z nejznámějších divadel na světě a také symbolem města Milán.

Divadlo vděčí za svůj název kostelu Santa Maria alla Scala, který byl pojmenován po filantropce, která zaplatila jeho stavbu, Regině della Scala. V 18. století byl kostel zbořen, aby uvolnil místo pro stavbu divadla, které bylo otevřeno 3. srpna 1778 operou Antonia Salieriho „Evropa uznána“.

Od roku 1812 se La Scala stala baštou italského melodramatu díky produkci Rossiniho děl. Repertoár se vyvíjel, až se zformoval do své moderní podoby. Divadlo je spojeno především se jménem skladatele Giuseppe Verdiho. Fenomenální úspěch zaznamenala jeho vlastenecká opera Nabucco, uvedená na scéně La Scaly v roce 1842, během bojů za sjednocení Itálie, a posílila pozici národní opery na italské scéně.

Historie divadla 20. století je spojena se jmény slavných interpretů. Nutno zmínit i umělecké šéfy divadla, jako jsou Arturo Toscanini, Claudio Abbado, Riccardo Muti a Daniel Barenboim. S divadlem spolupracovali takoví interpreti jako Maria Callas, Renata Tebaldi, Leila Jenser, Giulietta Simionato, Mirella Freni, Shirley Verrett, Mario del Monaco, Giuseppe Di Stefano, Carlo Bergonzi, Luciano Pavarotti, Placido d'Amingo, Nikolai Ghiaurov, Piero Cappuccili; režiséři Luchino Visconti, Franco Zeffirelli, Pier Luigi Pizzi, Luca Ronconi, skvělí choreografové a tanečníci Leonid Massine, George Balanchine, Rudolf Nureyev, Carla Fracci, Luciana Savignano.

Teatro Carlo Felice PROTI Janov

Stavba Teatro Carlo Felice začala v roce 1825 podle návrhu janovského architekta Carla Barabina. Otevření divadla se uskutečnilo 7. dubna 1828 za přítomnosti panovníků sardinského království Carla Felice a Reginy Marie Cristiny Savojské operou Vincenza Belliniho Bianca a Fernando.

Během druhé světové války byla většina divadla zničena a jeho obnova trvala desítky let. V roce 1991 došlo k novému objevu. Restaurátoři v maximální možné míře zachovali staré prvky a interiér byl kompletně aktualizován.

V divadle se konají operní a baletní sezony, symfonické koncerty a autorská představení.

Teatro Comunale v Bologni

Teatro Comunale bylo založeno v roce 1756 podle návrhu architekta Antonia Galli da Bibbiena, který nové městské divadlo umístil do budovy Palazzo Bentivoglio.

K otevření divadla došlo v roce 1763 provedením opery „Triumf Clelia“ na libreto Pietra Metastasia. Hudbu k opeře napsal Gluck.

Právě v tomto divadle se v roce 1871 konala italská premiéra Wagnerovy opery Lohengrin, Tannhäuser (1872), Létající Holanďan (1877), Tristan a Isolda (1888), Parsifal (1914) . Pro své přátelství s Wagnerem byla Bologna nazývána „Wagnerovým městem“ a sám skladatel se stal jejím čestným občanem.

V 19. století zde bylo nastudováno 20 oper Gioachina Rossiniho a 7 z 10 oper Vincenza Belliniho. Uměleckými řediteli divadla v různých dobách byli Mariani, Toscanini, Furtwängler, von Karajan, Gavazzeni, Celibidache, Solti, Delman a v nedávné minulosti Muti, Abbado, Shelley, Thielemann, Sinopoli, Gatti a Jurowski.

Většina velkých zpěváků 19. století spolupracovala s Teatro Comunale, včetně Stignani, Scipa, Gigli, Di Stefano, Christophe, Tebaldi, Del Monaco, ale i Pavarotti, Freni, Bruzon, Horn, Ludwig, Anderson.

Hudební městské divadlo ve Florencii a festival Florence Musical May

Stavba městského divadla ve Florencii nebyla snadným úkolem a od roku 1861 do roku 1968 trvala více než století. První budova obsadila otevřený amfiteátr „Politeama di Barbano“, který byl otevřen v roce 1862 za přítomnosti přibližně 7 000 diváků.

Asi rok po otevření vypukl během plesu požár, který zničil jeviště, poškodil budovu a způsobil oběti. Rekonstrukce divadla začala podle návrhu inženýra Giulielma Galantiho. Po dokončení prací začalo divadlo opět intenzivně pracovat. Jen v roce 1896 bylo uvedeno 70 představení, včetně takových oper jako „Honor Rusticana“, „Zanetto“, „Pagliacci“, „La Traviata“, „Il Trovatore“, „The Pearl Fishers“.

Za první světové války byla budova divadla využívána jako jednotné skladiště. Restaurátorské práce a rekonstrukce pokračovaly i po druhé světové válce, během níž bylo divadlo poškozeno bombardováním. Oheň zničil jeviště, ale zbytek budovy zůstal nedotčen.

Divadlo je tlukoucím srdcem každoročního prestižního operního festivalu „Musical May in Florence“, založeného v roce 1933 mecenášem umění Luigi Ridolfi Wei a hudebníkem Vittoriem Gui. Během festivalu se hrají opery, koncerty, balety a divadelní hry.

Tak slavná jména hudebního světa jako Vittorio Gui, Bruno Walter, Wilhelm Furtwängler, Dimitri Mitropoulos, Zubin Mehta, von Karajan, Riccardo Muti, Maria Calla, Pietro Mascagni, Richard Strauss, Paul Hindemith, Bela Bartok, Igor Stravinsky, Luigi Dallapiccola collabor s divadlem, Luigi Nono, Karlheinz Stockhausen, Luciano Berio a další. Z režisérů jmenujme Maxe Reinharta, Gustava Grundgense, Luchina Viscontiho, Franca Zeffirelliho, Lucu Rononiho, Boba Wilsona, Giorgia De Chirica a Oscara Kokoschku.

Pokud jste někdy byli v Itálii, pak víte, na co jsou obyvatelé Apeninského poloostrova hrdí. Galerie Uffizi a katedrála Santa Maria del Fiore ve Florencii, Koloseum a Fontána di Trevi v Římě, Bazilika svatého Marka a Canal Grande v Benátkách. Zdá se, že v tomto seznamu něco chybí? Je to tak, milánské divadlo La Scala, jeden z nejslavnějších operních domů na světě, chybí.

Láskyplné jméno

Kdo umí trochu italsky, možná překvapí název divadla La Scala. Italské slovo skala přeložené do ruštiny skutečně znamená, kupodivu, obyčejné schodiště. Ve skutečnosti však divadlo dostalo svůj název podle kostela Santa Maria della Scala, na jehož místě bylo postaveno. A kostel byl pokřtěn na počest mocné patronky, jedné z rodu vládců Verony, která nesla příjmení Scaliger.

Jeden milion lir na nové divadlo

V 70. letech 18. století již v Miláně existovalo Královské vévodské divadlo. V roce 1776 ho ale pohltil požár, takže obyvatelé města museli přemýšlet o vytvoření nového divadla - nechtěli ztratit slávu hlavního města italské opery. Se souhlasem císařovny Marie Terezie Rakouské byl slavný architekt Giuseppe Piermarini pověřen návrhem nové budovy na místě kostela.

V 18. století již v Miláně existovalo Královské vévodské divadlo

Divadlo stálo město téměř milion lir, což byla na tehdejší poměry obrovská částka! 90 nejvýznamnějších městských aristokratů si rozdělovalo výdaje mezi sebou a rozdávalo vidličky. Architektu Piermarinimu a jeho pomocníkům trvalo dva roky, než vytvořili brilantní příklad neoklasicistního stylu, a již v roce 1778 bylo divadlo otevřeno pro návštěvníky.

Budova divadla La Scala

Centrum milánského života

Od svého otevření je La Scala milována publikem. Divadelní sál v podobě obrovské podkovy (100 x 38 metrů!), vybavený téměř dvěma stovkami lóží, z nichž každá pojme až 10 diváků, bohatě zdobený zlacením, nikdy nezůstal prázdný.

Divadelní sál, vyrobený v podobě obrovské podkovy

Pravda, ne všichni měšťané si přišli do divadla poslechnout operu. V té době se La Scala stala skutečným centrem milánského života. Bylo vybaveno hernami a bufety, ve zdech divadla se pořádaly plesy a dokonce i býčí zápasy!

divadelní sál La Scala

Rossini, Verdi a Čajkovskij

Prvním dílem uvedeným na scéně nového divadla byla opera Antonia Salieriho „Evropa uznávána“, kterou skladatel napsal speciálně pro křest ohněm v La Scale. Zajímavostí je, že „Uznaná Evropa“ po rekonstrukci v roce 2004 znovu otevřela sérii inscenací na scéně divadla. Obyvatelé Milána v tom pravděpodobně vidí něco symbolického.

Na divadelním jevišti byla nepřetržitě uváděna mistrovská díla slavných skladatelů.

Na divadelním jevišti byla nepřetržitě uváděna mistrovská díla slavných skladatelů. La Scala stihla za mnoho let své práce spolupracovat s Cherudinim, Paisiellem, Rossinim (odborníci dokonce hovoří o zvláštním Rossiniho období v dějinách divadla). Nelze nezmínit Donizettiho, Belliniho, Pucciniho a samozřejmě Verdiho! Je pravda, že ten se s milánským divadlem okamžitě nespřátelil. Po produkci jeho Johanky z Arku skladatel rozvázal smlouvu s La Scalou a odešel. O něco později se znovu vrátil, již bezhlavě zamilovaný do tohoto divadla. Díla ruských klasiků byla na milánské scéně uvedena nejednou. S nadšením byly přijaty například „Piková dáma“ od Čajkovského, „Boris Godunov“ a „Khovanshchina“ od Musorgského, „Láska ke třem pomerančům“ od Prokofjeva a „Katěrina Izmailová“ od Šostakoviče.

Giuseppe Verdi

Souboj Titánů

Samozřejmě, může existovat divadlo bez účinkujících? Mezi slavné operní pěvce, kteří vystoupili na jevišti La Scaly, patří Caruso a Ruffo, De Luca a Skip, Gigli a Benzanzoni, Caniglia a Del Monaco a také slavný ruský zpěvák Chaliapin! Milovníci opery pamatují polovinu 20. století jako legendární konfrontaci dvou primadon - Tebaldi a Callas. Každý ze zpěváků má svůj skutečný fanklub. Vášně byly někdy tak intenzivní, že fanoušky operních div museli oddělit policisté. Není možné říci, kdo vyhrál toto soupeření, ale v roce 1955 si Callas vysloužil titul „božský“ a hrál roli v La Traviata.

Renata Tebaldiová

Maria Callasová

Dvacetiletý génius

Pro mnoho milovníků opery je jméno La Scaly silně spojeno se jménem jejího nejslavnějšího dirigenta Artura Toscaniniho. Poprvé se objevil na scéně milánského divadla v roce 1887 ve věku 20 let, již tehdy slavný - proslavil se představením „Aida“ v Brazílii. Mladý dirigent debutoval s obrovským úspěchem, převzal otěže divadla a zavedl železnou disciplínu. Toscanini byl neúnavný, vedl mnohahodinové zkoušení, přestože mnozí herci únavou téměř zkolabovali. Na počátku 30. let musel génius kvůli nesouhlasu s vládní ideologií opustit Itálii a dirigent odešel do Ameriky. Když se Toscanini v roce 1943 dozvěděl, že divadlo bylo zničeno bombami, byl zoufalý. V roce 1945 daroval milion lir na obnovu svého milovaného duchovního dítěte a již v roce 1946 přijel do slunného Milána, aby znovu dirigoval v opraveném divadle.

Arturo Toscanini

Ruku v ruce s baletem

Kromě opery je La Scala samozřejmě proslulá i baletem. Na scéně tohoto divadla pracovali nejslavnější choreografové v Evropě: Rossi, Franchi, Clerico, Vigano, Taglioni, Casati - to není úplný seznam.

Kromě opery je La Scala samozřejmě proslulá i baletem.

Na jevišti La Scaly vyrostla celá galaxie úžasných tanečníků: Vulcani, Pelosini, Fabiani, Franchi, Cerrito, Salvioni a mnoho dalších. Mezi inscenace, které jsou stále známé, patří „Díla Prométhea“, „Vestal Virgin“, „Giselle“, „Labutí jezero“, „Louskáček“, „Dafnis a Chloé“, „Romeo a Julie“.

Jekatěrina Astafieva