Reportáž na téma: „Význam hry v souboru pro individuální rozvoj houslisty. Abstrakt: Hlavní směry práce se souborem

Pro muzikanta neexistuje větší štěstí než společné muzicírování a míra profesionality každého hudebníka je přímo úměrná jeho dovednostem při hře v souboru. Ano, umí to být výborný sólista, kterého je radost poslouchat, ale naplno ho jako muzikanta oceníte až poslechem, jak hraje ve skupině.

Soubor- slovo známé všem. Často se používá k označení věcí, které nemají nic společného s hudbou. Například, architektonický soubor. Přeloženo z francouzština, „soubor“ znamená: soudržnost a soudržnost. To je právě jeho nejdůležitější součást. Dělat něco společně a dělat to synchronizovaně. V synchronicitě spočívá hlavní tajemství a pokračující úspěchy souboru.

Soubory jsou různé a podle počtu hudebníků mají svá jména. Slova jako duet, trio, kvartet znají i lidé daleko od hudby.

Jaké podmínky je třeba dodržovat při hraní v souboru? Jak dosáhnout soudržnosti a tím rozvíjet dovednosti, bez kterých nelze hudebníka nazývat hudebníkem? Existuje několik jemností a nuancí, které je třeba sledovat, dokud se nestanou zvykem.

Dobrá hra, za prvé! Falešný výkon zneguje všechny dobré snahy a vede k nespokojenosti publika. Musíte pracovat na systému a tvrdě pracovat.
Všichni členové souboru musí striktně dodržovat jeden nebo způsob hry. Nepřijatelný rozdílné chápání hudební dílo z hlediska hudební orientace. Například valčík by měl znít přesně jako valčík, a když najednou někdo ztratí charakter valčíku a zahraje něco blízkého pochodu, soubor se prostě „rozpadne“.
Stejné chápání tempa a rytmu. Všichni hudebníci jsou lidé, ne metronomové, a někteří mají tendenci zpomalovat tempo, zatímco jiní mají tendenci zrychlovat. To je třeba pečlivě sledovat, stejně jako rytmus, protože zkreslené chápání rytmu také povede k nedostatku koherence a synchronnosti.
Hraní v souboru vyžaduje stejné doteky výkonu. Na první pohled se zdá, že to není tak výrazné, ale ve skutečnosti jsou různé tahy disharmonií hudby, které se lze vyhnout, pokud hudební dílo pečlivě rozeberete.
Nenecháváme žádné „ocásky“! Je nutné ukončit a zároveň začít hudební frázi, pokud samozřejmě není původně zamýšleno něco jiného. Konce, které nedokončí společně všichni členové souboru, jsou velmi ošklivé a odfláknuté na poslech.
Dynamická konzistence. Na sólový výstup by se při hraní v souboru mělo zapomenout. Pokud hudebník vede hlavní téma, měl by hrát jasněji, ale při kontrapunktu nebo doprovodu by měl být zvuk snížen.

Zdá se, že všechny výše uvedené techniky nejsou tak složité. Ve skutečnosti hraní v souboru vyžaduje roky soustředěné práce a práce, ale práce, která přináší potěšení. Zde musíte chtivě zachytit pohledy a pohyby toho druhého, abyste se báli, že o něco přijdete. Zde je důležitá citlivost a pozornost, vlastnosti, které budou v životě velmi užitečné. Není proto pochyb, že soubor je užitečnou a příjemnou činností nejen pro posluchače, ale i pro interprety!

Nyní pojďme poslouchat hudbu! Hudba bude souborová.

L. van Beethoven Sonáta pro housle a klavír č. 5 „Jaro“

Soubor- slovo známé všem. Často se používá k označení věcí, které nemají nic společného s hudbou. Například architektonický soubor. V překladu z francouzštiny znamená „soubor“ soudržnost a soudržnost. To je právě jeho nejdůležitější součást. Dělat něco společně a dělat to synchronizovaně. Hlavní tajemství a stálý úspěch souboru spočívá v synchronicitě.

Soubory jsou různé a podle počtu hudebníků mají svá jména. Slova jako duet, trio, kvartet znají i lidé daleko od hudby.

Dobrá hra, za prvé! Falešný výkon zneguje všechny dobré snahy a vede k nespokojenosti publika. Musíte pracovat na systému a tvrdě pracovat.
Všichni členové souboru musí jeden striktně dodržovat hudební žánr nebo způsob hry. Rozdílné chápání hudebního díla z hlediska hudební orientace je nepřijatelné. Například valčík by měl znít přesně jako valčík, a když najednou někdo ztratí charakter valčíku a zahraje něco blízkého pochodu, soubor se prostě „rozpadne“.
Stejné chápání tempa a rytmu. Všichni hudebníci jsou lidé, ne metronomové, a někteří mají tendenci zpomalovat tempo, zatímco jiní mají tendenci zrychlovat. To je třeba pečlivě sledovat, stejně jako rytmus, protože zkreslené chápání rytmu také povede k nedostatku koherence a synchronnosti.
Hraní v souboru vyžaduje stejné doteky výkonu. Na první pohled se zdá, že to není tak výrazné, ale ve skutečnosti jsou různé tahy disharmonií hudby, které se lze vyhnout, pokud hudební dílo pečlivě rozeberete.
Nenecháváme žádné „ocásky“! Je nutné ukončit a zároveň začít hudební frázi, pokud samozřejmě není původně zamýšleno něco jiného. Konce, které nedokončí společně všichni členové souboru, jsou velmi ošklivé a odfláknuté na poslech.
Dynamická konzistence. Na sólový výstup by se při hraní v souboru mělo zapomenout. Pokud hudebník vede hlavní téma, měl by hrát jasněji, ale při kontrapunktu nebo doprovodu by měl být zvuk snížen.

Nyní pojďme poslouchat hudbu! Hudba bude souborová.

L. van Beethoven Sonáta pro housle a klavír č. 5 „Jaro“

Hra v souboru spojuje, rozvíjí komunikační dovednosti, přispívá k utváření týmu, ukázňuje členy souboru a vštěpuje lásku k různé žánry hudební kultury.

Prishchepa Natalya Alexandrovna

Vysoká škola Luganského státního institutu kultury a umění

Role soubor hraje na základní a střední škole na hodiny klavíru

Souborová hra je formou činnosti, která otevírá nejpříznivější možnosti pro komplexní a široké seznámení hudební literaturu. Hudebník provádí různá díla uměleckých stylů, autoři, různé úpravy operní a symfonické hudby. Hromadění zásob živých, četných sluchových představ podněcuje uměleckou představivost.

Hra v souboru přispívá k intenzivnímu rozvoji všech typů hudební sluch(výška, harmonická, polyfonní, témbrově dynamická, vnitřní).

Když se trochu dotkneme historie klavírního souboru, je třeba poznamenat, že tento žánr se začal rychle rozvíjet v druhé polovině 18. století s příchodem kladívkového klavíru a jeho nových možností: rozšířený sortiment, možnost postupného zvýšení a snížení znělosti, přídavný pedálový rezonátor. Plnost a síla jeho zvuku výrazně vzrostla a začátkem 19. století byly odhaleny neznámé barvy registru já Klavírní soubor 10. století se etabloval jako plnohodnotný nezávislá forma přehrávání hudby. Vznikla bohatá a rozmanitá literatura. Téměř všichni skladatelé psali pro klavír na čtyři ruce. já X a XX století.

Existují dva typy klavírního souboru - na jednom nebo dvou klavírech. V profesionální koncertní praxi je nejvíce rozšířen klavírní duet na dvou křídlech. Dva nástroje dávají interpretům větší svobodu, nezávislost v používání rejstříků, pedálů atd. Možnosti klavíru se díky přítomnosti dvou interpretů a dvou nástrojů dále rozšiřují.

Hra čtyřruč na jedno piano se procvičuje především v oblasti domácí muzicírování, hudebního sebevzdělávání a školení. Těsná blízkost pianistů u stejné klávesnice podporuje vnitřní jednotu a empatii. Je to díky souboru, že vzdělávací a koncertní repertoár je doplňován jasnými, zajímavými díly vytvořenými skladateli různých epoch.

Každý učitel zná dětskou lásku ke hře na čtyři ruce. Studenti projevují velký zájem o tento druh muzicírování, což je důležitou složkou vzdělávací proces a přináší jim velkou radost.

Při hře v ansámblu se student poprvé setkává s pojmy jako synchronicita, identický úder, dynamická rovnováha. Seznamuje se s pojmy jako je auftakt a intralobární pulzace. Souborový hráč potřebuje tyto dovednosti, aby mohl přesně začít hrát společně, uvádět mezi úseky skladby a také dosáhnout synchronizovaného výkonu v pomalých tempech a během pauz.

Dítě získává dovednosti souborové hry během prvních lekcí klavíru. Zde lze připomenout slova G. Neuhause, který řekl: „Od první hodiny se student věnuje aktivnímu muzicírování. Spolu s učitelem hraje jednoduché hry, které už mají výtvarný význam. Děti okamžitě pocítí radost z toho, že vnímají byť jen zrnko umění. Když budou studenti hrát hudbu, která je jim známá, povzbudí je to, aby plnili své první hudební povinnosti, jak nejlépe dovedou. A to je začátek práce na umělecké image, která by měla začít současně s počátečním výcvikem ve hře na klavír.“

Takže na začátku tréninku, kdy se dítě teprve učí vydávat jednotlivé zvuky nebo malé melodie na nástroj, jsou v části učitele slyšet různé zvuky. hudební úryvky: volací znaky pro hudební vysílání v rádiu nebo imitace hudební skříňka, zvonění zvonů atd. Dítě si tak okamžitě rozvíjí zvukovou představivost: dokáže snadno napodobit zvuky věžních hodin, volání kukačky, echo efekty a mnoho dalšího. Například D. Šostakovič „Vlast slyší“, E. Zacharov „Ozvěna v horách“, „Večerní soumrak“, „Hodiny na věži“, A. Alexandrov „Hvězda“, V. Ovčinnikov „Zvony zvoní“ ve sbírce I. Rjabova „ Krok za krokem“.

Student může také provést několik rytmicky navržených zvuků, které jakoby doprovodí melodii, která zní v části učitele. Například doprovody k ruským lidovým písním „Kalinka“ a Na poli stála bříza, „Okřídlené houpačky“ E. Krylatova ve sbírce L.A. Barenboim „Cesta k hudbě“. Díky bohatému doprovodu, bohatému na melodické a harmonické barvy, se představení stává pestrým a živým.

Po nějakou dobu, když se dítě učí hrát ty nejjednodušší melodie, učitel vymýšlí a hraje s ním jednoduché doprovody. Také materiálem pro soubor mohou být úryvky z kreslených filmů popř populární písně. Melodie spojená s textem je přece jen jasněji vnímána a lépe zapamatována. Například „Píseň o lvíčku a želvě“ od G. Gladkova, „Unavené hračky spí“ od A. Ostrovského nebo „Medvídek Pú’s Noisemaker“, R. Borisov, E. Krylatov „Ukolébavka medvěda“.

Nejprve může žák jednoduše zazpívat melodii za doprovodu učitele. Důležitý je zde také výchovný moment: děti se účastní tvůrčí proces společně s učitelem.

Je třeba poznamenat, že hraní v souboru v této fázi může pomoci upevnit notační gramatiku a získané artikulační dovednosti - legato, staccato, nelegato Například D. Watt „The Three Little Pigs“ - staccato tah je fixní, as stejně jako znak reprízy a znak převodu o oktávu nahoru . Díky poetickému textu jsou dobře slyšitelné hudební věty a perkusivní zvuky. Vansembles „Santa Claus“ a „Kitty“ od V. Vitlina – opravujeme tah legata.

Pokud je zapnuto počáteční fáze učení, dítě, hrající v ansámblu, poslouchá zvuk nového harmonického pozadí v části učitele, výrazovou a figurativní barevnost doprovodu, v následné fázi výcviku pak ve středních třídách pozornost žáka. směřuje k poslechu prvků polyfonie, ostrých a barevných rytmů, k mode-harmonickým zvukům, které charakterizují různé žánrové náčrty. Například M. Glinka „Kamarinskaya“, N. Smirnova „Bolero“, M. Mussorgsky „Gopak“ z opery „Sorochinskaya Fair“, K. Weber „March“.

S tím, jak se umělecké výzvy stávají složitějšími, narůstají i technické výzvy kooperativní hry. Studenti, kteří hrají v souboru, musí zvládnout složitější rytmus, naučit se izolovat to hlavní od celkového zvuku, přenášet melodickou linku z jednoho partu do druhého, správně šlapat atd.

Souborová technika tedy klade na interprety zvláštní nároky. Hlavním úskalím je schopnost poslouchat nejen to, co sami hrajete, ale zároveň celkový zvuk obou částí, splývajících v organicky jednotný celek. Při provedení ansámblového díla i sólového díla je nutné promyšlené, podrobné studium autorského textu.

Jaké úkoly, schopnosti a dovednosti zahrnuje souborová hra ve výuce klavíru? Jaké metody a metody existují při práci na koherenci v klavírním duetu?

Definice „dobrého souboru“ znamená soudržnost výkonu a jednotu tvůrčích aspirací účastníků souboru.

Nejprve si musíme promluvit o sezení za nástrojem. Na rozdíl od sólového vystoupení má pianista k dispozici pouze polovinu klaviatury. Partneři by měli mít možnost „sdílet“ klávesnici a držet se lokty tak, aby si navzájem nepřekáželi, zvláště když se přibližují nebo překračují hlasy.

V souborové hře je neméně důležitá otázka šlapání. Často to studenti nevědí. Je třeba vysvětlit, co interpret druhého dílu šlape, protože obvykle slouží jako základ melodie. V tomto případě je třeba velmi pozorně poslouchat, co se v melodii děje. Pedálový efekt musí být navržen velmi jasně, protože kvůli nešikovnému použití pedálu může být textura basové linky, často docela hustá, ještě těžší. Pokud student hraje druhou část, je užitečné navrhnout, aby na nic nehrál, ale pouze šlapal, zatímco učitel nebo jiný student hraje první část. Zároveň je okamžitě jasné, že to není snadné a vyžaduje zvláštní pozornost a dovednost.

Další důležitou vlastností souborové hry je synchronicita provedení, tzn. společné porozumění a cítění tempa a rytmického pulsu partnerů. Vypadalo to nejvíc jednoduchá věc- začněte hrát spolu. Ale přesně hrát dva zvuky současně není tak snadné, vyžaduje to hodně tréninku a vzájemného porozumění. Učitel musí žákovi vysvětlit, že pro současný vstup členů souboru lze použít nenápadné gesto některého z hráčů souboru, tzv. dirigentský swing nebo auftaque. S tímto gestem je užitečné poradit účinkujícím, aby se současně nadechli. Díky tomu bude začátek představení přirozený a organický. Akord, který není brán dohromady, vyvolává stejně nepříjemný dojem jako ten, který není brán dohromady.

Je důležité okamžitě mluvit o pauzách, které mají obrovský expresivní význam. A jeho podceňování je mezi studenty častým nedostatkem. Pauzy jsou dýchání v hudbě, které může být krátké nebo delší, ale vždy trvá určitý čas. Nejjednodušší a efektivní způsob Chcete-li překonat napětí, které vzniká v pauzách, a strach, že promeškáte okamžik představení, pusťte si hudbu, která hraje od vašeho partnera. Pak pauza přestane být bolestným čekáním a bude naplněna životem. hudební pocit. Od prvních taktů vystoupení v souboru vyžaduje, aby se účastníci plně shodli na metodách produkce zvuku.

Je také nutné poznamenat takovou dovednost souboru, jako je vzájemné předávání pasáží, melodie, doprovodu mezi partnery „z ruky do ruky“. Soubor se musí naučit „vychytat“ nedokončenou frázi a předat ji partnerovi, aniž by roztrhal hudební látku. K tomu musí být žák schopen distribuovat svou pozornost: soustředit ji, rozdělit nebo přepnout ve správnou chvíli.

Při práci na souboru zaujímají důležité místo otázky spojené s rytmem. Utváření smyslu pro rytmus je nejdůležitějším úkolem učitele. Hra v souboru umožňuje úspěšně pracovat na rozvoji rytmického cítění. Soubor vyžaduje od studentů sebevědomý, bezvadný rytmus, který má zvláštní kvalitu: musí být kolektivní, ale zároveň přirozený a organický. Mezi nejčastější nedostatky žáků patří nepřehlednost rytmu a jeho stálost. Ke zkreslení rytmického vzoru dochází nejčastěji v tečkovaném rytmu, při změně trvání, při změně tempa. Nedostatek rytmické stability je často spojen s tendencí zrychlovat. To se obvykle stává, když se zvuk zvyšuje na síle nebo v rychlých pasážích.

Při hře s učitelem se žák nachází v určitých metro-rytmických hranicích. Souborové hraní dává učiteli nejen možnost diktovat správné tempo, ale také formovat u žáka správný smysl pro tempo. Je nutné dosáhnout přesnosti a jasnosti rytmického vzoru.

Mělo by se říci o dynamice provádění. Dynamický rozsah čtyřručního výkonu by neměl být užší, ale širší než při sólové hře, protože Přítomnost dvou pianistů umožňuje plně využít klaviaturu a vytvořit ucelenější, bohatší zvuk nástroje.

Repertoár pro klavírní soubory lze rozdělit na speciálně vytvořené autorské skladby a transkripce symfonické hudby. V vzdělávací proces lze použít oba typy. Orchestrální díla jsou výborným materiálem pro zrakovou četbu a aktivity pro rozvoj schopnosti rychlé orientace v hudebním textu. Originální duety vyžadují pečlivé a úplné vyleštění výkonu.

Moderní učebnice pro začátečníky studentských klavíristů obsahovat různé materiály pro hraní čtyř rukou. V pedagogická praxe Hojně používané jsou tyto sbírky: V. Ignatiev, L. Ignatieva „Chci se stát hudebníkem“, M. Sokolov „Malý pianista“, L. Barenboim, N. Perunova „Cesta k hudbě“ atd.

Na střední škole, kdy si studenti již osvojili základní dovednosti hry na nástroj, mohou být do repertoáru zařazeny jazzové skladby. Dětem se velmi líbí, rytmicky rozvíjejí žáky, obohacují jejich sluchové vjemy o nový hudební jazyk a jazzové harmonie. Například M. Schmitz „Orange Boogie“, S. Joplin „Variety Artist“, N. Smirnova „In the Rain“ a „Ragtime“.

Jazzový styl hry se vyznačuje zvláště aktivní zvukovou produkcí a vyžaduje od interpreta zvláštní, specifický dotek.

Role ansámblové hry při výuce hry na klavír je tedy velmi důležitá. Učí všechno: rytmus, rychlý vývoj notový zápis, pochopení struktury hudební forma, uvědomělý přístup k podnikání, zodpovědnost. To je umění vést dialog s partnerem, tzn. porozumět si, umět se včas poddat a včas poddat. Zvládne-li dítě toto umění během procesu učení, pak můžeme doufat, že si úspěšně osvojí specifika hry na klavír.

Literatura

1. Alekseev A.D. Metody učení se hře na klavír / A.D. Alekseev -M.:Hudba,

1978. – 289 s.

2. Neuhaus G.G. O umění hry na klavír / G.G. Neuhaus - M.: Hudba, 1982. - 299 s.

3. Sorokina E.G. Klavírní duet: Historie žánru / E.G. Sorokina. – M.: Hudba,

1988. - 319s

4. Gottlieb A.D. První lekce klavírního souboru / A.D. Gottlieb // Problematika klavírní pedagogiky [za generální redakce V. Nathansona.] – Číslo 3. – M.: Hudba, 1971. -S. 91-98.

Metodická zpráva

„Hlavní směry při práci se souborem“

Troshina Vera Timofeevna,

Učitel hry na kytaru na Dětské umělecké škole

Rtiščevo Saratovská oblast

Soubor je skupina interpretů vystupujících společně. Umění souborového výkonu je založeno na schopnosti interpreta vyvážit svou uměleckou individualitu, svůj styl interpretace s osobitostí výkonu jeho partnera. Soubor je kolektivní forma hra, během níž se několik hudebníků prostřednictvím hereckých prostředků společně odhaluje umělecký obsah funguje. Účinkování v ansámblu obnáší nejen schopnost hrát spolu, ale důležité je zde ještě něco jiného – společně cítit a tvořit. Práce v týmu nepochybně obnáší určité potíže: není tak snadné naučit se cítit se jako součást celku. Hra v souboru zároveň rozvíjí v interpretovi řadu cenných profesionální kvality– ukázňuje ve vztahu k rytmu, dává pocit požadovaného tempa, podporuje rozvoj melodického, polyfonního, harmonického sluchu, rozvíjí sebevědomí a pomáhá dosáhnout stability ve výkonu. Je známo, že když student vystupuje v sólové hře s nejistotou, koktá, po hraní v souboru začíná hrát jistěji. Slabší studenti se začnou dlouhodobou vzájemnou komunikací dohánět na úroveň silnějších, každý se stává lepším jako člověk, jako jednotlivec, protože se pěstují takové vlastnosti, jako je vzájemné porozumění, vzájemný respekt a smysl pro kolektivismus. Z řečeného můžeme usoudit, že instrumentalista, který nikdy v souboru nehrál, se o mnohé připravuje, protože výhody tohoto druhu činnosti jsou zřejmé. Jedna z nejdůležitějších podmínek úspěšná práce je schopnost být kritický vůči sobě a svým kamarádům. Je známo, že slovo „sebekritika“ se snáze vysloví, než provede. Musíte ale nejen cvičit, ale také nebýt skoupý na pochvalu, umět povzbudit a inspirovat. Již dlouho se uvádí, že pochvala, i když ne zcela zasloužená, stimuluje aktivitu většiny lidí. Dítě potřebuje sebevědomí. Základním pravidlem souboru je „Jeden za všechny, všichni za jednoho“, „Úspěch či neúspěch jednoho je úspěchem či neúspěchem všech“.

Rytmus jako faktor jednoty souboru

Mezi složkami, které spojují studenty do jednoho celku, má snad hlavní místo metro rytmus. Skutečně to, co pomáhá hráčům souboru (a mohou být dva nebo více) hrát spolu, takže to vypadá, jako by hrál jeden člověk. To je pocit rytmu metra. On v podstatě plní funkce dirigenta v ansámblu; pocit silných úderů každého účastníka je onen „skrytý dirigent“, jehož „gesto“ pomáhá sjednotit členy ansámblu, potažmo jejich jednání v jeden celek. Pocit silných a slabých úderů taktu na jedné straně a rytmická jistota „uvnitř taktu“ na straně druhé je základem, na kterém je založeno umění souborové hry. Jednota a synchronicita jeho zvuku je první z dalších důležitých podmínek. Pokud je při nepřesném provedení zbývajících složek pouze redukován celkový umělecký výsledek, pak při porušení metrového rytmu se soubor zhroutí. Ale to není jediný význam metrového rytmu. Je schopen ovlivnit i technickou stránku výkonu. Rytmická jistota dělá hru jistější a technicky spolehlivější. Student, který hraje nepravidelně, je navíc náchylnější k nejrůznějším nehodám a nehody, jak víme, vedou ke ztrátě psychické rovnováhy a vzniku úzkosti. Jak zajistit, aby každý z účastníků při provádění svého partu posílil rytmický základ celého souboru? V tomto směru je třeba systematicky a vytrvale pracovat. V souboru samozřejmě mohou být interpreti, kteří mají jiný smysl pro rytmus. Musíte začít kultivací smyslu pro absolutní, přesný a „metromický“ rytmus: to se stane jednotícím principem v obecném kolektivním rytmu. Je nutné, aby soubor měl rytmicky stabilní interprety. Pak ostatní začnou tíhnout k těm, kteří jsou rytmicky silnější.

Dynamika jako výrazový prostředek

Když hrajete v souboru, musíte být hospodární ve vynakládání dynamických zdrojů a rozumně je spravovat. Musíme vycházet ze skutečnosti, že jakkoli je soubor bohatý na nástroje jasného témbru, jednou z jeho hlavních rezerv, dodávajících zvuku pružnost a sofistikovanost, je dynamika. Různé prvky hudební textura by měl znít na různých dynamických úrovních. Jak v malbě, tak v hudbě z toho nic nebude, pokud má všechno stejnou sílu. V hudbě, stejně jako v malbě, je popředí a pozadí. Po vypěstování takového smyslu pro dynamiku hráč souboru neomylně určí sílu zvuku svého partu vzhledem k ostatním. V případě, kdy interpret, jehož part zní hlavní hlas, zahraje trochu hlasitěji nebo trochu tišeji, jeho partner okamžitě zareaguje a předvede svůj part také trochu hlasitěji nebo tišeji. Je důležité, aby míra těchto „trochu“ byla přesná.

Jak prakticky pracovat na dynamice v souboru. Nejprve se musíte naučit hrát v rámci jednoho nebo druhého dynamický odstín naprosto rovné. Můžete například požádat všechny účastníky, aby zahráli jednu notu nebo stupnici na plochém P (klavír), poté na plochém mf, a tak prošli všemi dynamickými kroky. Síla zvuku samozřejmě není tak jednoznačný pojem, stejně jako výška mf na kytaře není stejná jako mf na klavíru, f na balalajce není totéž jako f na knoflíkové harmonice. Interpret se musí vzdělávat vyvinutý sluch(microhearing), doplnění dynamiky o pojem mikrodynamika, znamenající schopnost zaregistrovat sebemenší odchylky ve směru zvyšování nebo snižování síly zvuku.

Tempo jako výrazový prostředek

Určení tempa skladby – důležitý bod v múzických uměních. Správně zvolené tempo přispívá ke správnému přenosu charakteru hudby; Přestože existují autorské pokyny pro tempo, dokonce až po určení rychlosti pomocí metronomu, tempo je „uloženo“ v hudbě samotné. Rimsky-Korsakov také tvrdil, že „hudebník nepotřebuje metronom, slyší tempo z hudby“. Není náhodou, že Bach ve svých skladbách tempo zpravidla vůbec neuváděl. V rámci jednoho kusu se tempo může lišit. „Nic takového neexistuje pomalé tempo, ve kterém by nebyla místa vyžadující zrychlení... a naopak. V hudbě neexistují odpovídající termíny, které by to definovaly, tato označení musí být zakotvena v duši“ (V. Tolba).

Techniky pro dosažení synchronicity v souborovém zvuku

Synchroničnost ansámblového zvuku by měla být chápána jako přesnost časové shody silných a slabých úderů každého taktu, nejvyšší přesnost v provedení nejmenších délek všemi členy souboru. Když uvažujeme o problému synchronizovaného výkonu, je třeba zdůraznit tři body: jak začít skladbu společně, jak spolu hrát a jak společně skladbu dokončit. Soubor musí mít interpreta, který působí jako dirigent, někdy musí předvádět úvody, pouštění a zpomalení. Signálem ke vstupu je malé kývnutí hlavy, sestávající ze dvou momentů: sotva znatelný pohyb nahoru (auftakt) a poté zřetelný, spíše ostrý (raz) pohyb dolů. Ten slouží jako signál k připojení. Přikývnutí není vždy provedeno stejným způsobem, vše závisí na charakteru a tempu odvedenou práci. Když skladba kvůli úderu začíná, je signál v podstatě stejný, s tím rozdílem, že pokud v první verzi byla pauza při zvedání hlavy, tak v v tomto případě je naplněn zvukem rytmu. Během zkoušky můžete vypočítat prázdnou dobu, mohou tam být slova: „Pozor, připravte se, začínáme“, po slově „start“ by měla být přirozená pauza (jako nádech). Při dosahování synchronicity v souborovém zvuku hodně závisí na povaze hudby. Bylo zjištěno, že ve hrách aktivní povahy se silnou vůlí je této kvality dosaženo rychleji než ve hrách klidné, kontemplativní povahy. Totéž lze říci o „startu“.

Není třeba zdůrazňovat, jak důležité je dokončit práci společně a zároveň:

a) poslední akord - má určitou dobu trvání - každý z hráčů ansámblu si odpočítá metrické údery „sám pro sebe“ a udeří na akord přesně v čase.

b) tětiva - nad kterou je fermata, jejíž trvání je nutno určit. To vše je vypracováno během zkušebního procesu. Referenčním bodem pro odstranění může být také pohyb – kývnutí hlavy.

Pokud je synchronicita interpreta kvalitou nezbytnou v jakémkoli souboru, pak v ve větší míře je to nutné v takové rozmanitosti, jako je unisono. Ostatně unisono se díly nedoplňují, ale duplikují, i když někdy v různých oktávách, což na podstatě věci nic nemění.

Proto jsou nedostatky souboru ještě znatelnější. Jednohlasné vystupování vyžaduje absolutní jednotu – metrový rytmus, dynamika, údery, frázování. Z tohoto pohledu je unisono nejvíce složitý tvar soubor. Důkazem naprosté jednoty při vystupování v unisonu je pocit, že při společné hře s ostatními studenty není váš part zkoušen jako nezávislý. Této formě souborové hry byla bohužel věnována malá pozornost. vzdělávací praxe. Mezitím se v unisonu tvoří silné ansámblové dovednosti a unisono je zajímavé i vizuálně a scénicky.

Když žák poprvé dostane uspokojení ze společné práce, pocítí radost ze společného impulsu, vzájemné podpory, můžeme předpokládat, že třídní aktivity přinesly zásadně důležitý výsledek. I když má tento výkon k dokonalosti ještě daleko, nemělo by to učitele zmást, vše lze napravit další práce. Cenná je další věc: hranice oddělující sólistu a hráče souboru byla překonána, student pocítil originalitu a zajímavost společného vystoupení.

Seznam použité literatury

1. N. Rizol. Eseje o práci v souboru. – 1986. – Moskva.

2. A. Gottlieb. První souborové lekce.

3. P. Agafonin. Školní hra na šestistrunná kytara. - Moskva. – 1983.

Metodický vývoj na téma: Role souborová hudba hraje PROTI hudební vývoj a vzdělání studenti dětské hudební školy

Tento vývoj bude užitečné pro učitele dětských hudebních škol a dětských uměleckých škol. Materiál bude zajímat i studenty vysokých škol pedagogických a vysokých škol. vzdělávací instituce kteří se zajímají o otázky metodologie hudební výchova děti.
Cíl: odhalující pochopení, že role kolektivního instrumentálního muzicírování ve výchovně vzdělávacím procesu dětských hudebních škol je nejvýznamnější ve výchovně vzdělávacím procesu, a to jak po stránce tvůrčí, tak výchovné.
Úkol: podpora zájmu o hraní v souboru.

V v poslední době Zájem o souborovou hru vzrostl. Soubor není jen o schopnosti „hrát spolu“. Mnohem důležitější je zde cítit a tvořit společně, stejně tak cítit myšlenku a záměr hudebního díla.

Můžete a měli byste začít rozvíjet herní dovednosti v souboru rané fázi výcvik. Hra v souboru rozvíjí sluch dítěte, rozšiřuje jeho hudební obzory a také vzbuzuje zájem o hodiny hudební výchovy. Při muzicírování v souboru se student aktivně seznamuje s novými díly, rychle a efektivně se je učí, čímž si doplňuje svůj repertoár a osvojuje si různé hudební styly. Hra v souboru, která vyvolává soutěživost, má blahodárný vliv na rozvoj tvořivost a technické dovednosti studentů. Je také důležité, aby silnější partner byl schopen ovlivnit hudební a technický rozvoj méně pokročilé.
Souborovou výuku je lepší začít duetem „učitel-žák“. Mladý interpret, cítíc podporu učitele, se ochotně zapojuje do procesu společného muzicírování a uvědomuje si svou rovnocennou roli v souboru. Učitel v této situaci vystupuje jako citlivý partner a pozorný mentor, který se snaží ve svém sboru rozvíjet základní dovednosti soubor hraje. Společné muzicírování pomáhá překonávat různé psychické stresy – tlaky, které u dítěte vznikají při sólovém vystoupení. Souborová hra pomáhá studentovi upevnit dovednosti získané v lekcích v oboru, rozvíjí dobrý smysl pro rytmus, harmonický sluch a podporuje vývoj nástrojů. hudební expresivita. Pestrý souborový repertoár obohacuje kreativní myšlení A hudební vkus mladý hudebník.
Společná souborová vystoupení mezi žákem a učitelem umožňují dítěti cítit se jako umělec v rané fázi učení, zůstávají v paměti po dlouhou dobu, stimulují další cvičení na nástroj a vzbuzují respekt a důvěru v učitele v rodičích .
Děti rády hrají v souboru s učitelem, ale více pozornosti, soustředění, zodpovědnosti, schopnosti naslouchat sobě i druhým se děti učí při hře v souboru mezi sebou, tedy v souboru „žák-student“. Jsou vybrány děti stejného věku, stejné v hudební školení a ovládání nástroje. Na začátku se členové souboru učí poslouchat melodii, druhý hlas a doprovod. Musíte se naučit poslouchat nejen to, co hrajete sami, ale zároveň to, co hraje váš partner, tedy celkový zvuk partů.
Synchroničnost provedení hudebního díla vyžaduje hodně tréninku a vzájemného porozumění. Je důležité dosáhnout synchronicity nejen na začátku skladby, ale také během zvuku skladby a na konci.

Mezi komponenty, které spojují studenty do jednoho souboru, jsou: jedno z hlavních míst je obsazeno metrovým rytmem. Proto je formování smyslu pro rytmus důležitým úkolem hudební pedagogika.
Při práci se souborem by se nemělo zapomínat na dynamiku vystoupení. Jeho zručné použití pomáhá odhalit obecný charakter hudba, emocionální obsah, rysy kompozice díla. Členové souboru musí přesně a jasně reprezentovat celkový dynamický plán práce. Je třeba určit jeho vrchol, postupné zvyšování nebo snižování objemu. Vytvoření jednotné dynamiky - předpoklad společná hra.
Od prvních taktů vyžaduje vystoupení v souboru, aby účastníci používali stejné techniky zvukové produkce, na kterých závisí stylové rysy z provedené práce, od hudební obsah a povaze přehrávané hudby.
Začínáme hudební kus, učitel musí dát obecná myšlenka o povaze jeho hudebního obsahu. Chcete-li to provést, musíte si celou skladbu přehrát nebo si ji poslechnout v nahrávce. Pak je potřeba mluvit o smyslu a funkci každé ze stran. Měli byste také seznámit studenty s autorem, dobou, obsahem, formou a stylem studovaného díla.
Nemenší důležitosti ve vzdělávací praxi má repertoár a učitelé se vždy snažili o jeho zpestření. Cílem je zvýšit zájem studentů o muzicírování v souboru a společnou kreativitu. Jedním z řešení tohoto problému je zapojení souboru do repertoáru moderní díla. Mohou to být písně z filmů, písně v podání moderních hudebních skupin, samozřejmě za předpokladu, že tato díla mají dobře známý uměleckou hodnotu. Provedení známého a oblíbeného hudební materiál schopný vzbudit nejžhavější zájem členů souboru.
Souborová hra- to je neustálá změna nových vjemů, dojmů, objevů, intenzivní příliv bohatých a různorodých hudebních informací.