Školní encyklopedie. Stručná biografie Antonia Vivaldiho - velkého skladatele barokní éry. Hudební dědictví Antonia Vivaldiho
Zavedení
Kapitola I. Role A. Vivaldiho ve vývoji houslového koncertu v 18. století
1.1. 1.2.Tvůrčí přínos A. Vivaldiho k rozvoji instrumentálního koncertu Kapitola II. Tvůrčí dědictví A. Vivaldiho. Rozbor nejznámějších děl skladatele 1 "Roční období" 2 houslový koncert „A moll“ Závěr Bibliografie Zavedení Antonio Vivaldi je plodný skladatel, autor instrumentálních děl a oper, jejichž inscenace z velké části sám režíroval, vychovával zpěváky, dirigoval představení, dokonce plnil povinnosti impresária. Mimořádné bohatství této neklidné existence, zdánlivě nevyčerpatelné tvůrčí síly a vzácná všestrannost zájmů se u Vivaldiho snoubily s projevy bystrého, nespoutaného temperamentu. Tyto osobnostní kvality se plně odrážejí ve Vivaldiho umění, které je naplněno bohatou uměleckou představivostí a silou temperamentu a neztrácí během staletí vitalitu. Jestliže někteří z jeho současníků viděli ve Vivaldiho zjevu a činech lehkomyslnost, pak v jeho hudbě je kreativní myšlení vždy vzhůru, dynamika neslábne a plasticita formy není narušena. Vivaldiho umění je především velkorysé umění, které se rodí ze života samotného, nasává jeho zdravé šťávy. Bylo a nemohlo v něm být nic, co by bylo přitažené za vlasy, daleko od reality nebo nevyzkoušené praxí. Skladatel dokonale znal povahu svého nástroje. Účel práce v kurzu: prostudovat interpretaci žánru instrumentálního koncertu v díle Antonia Vivaldiho. Cíle práce v tomto kurzu: .Studium literatury na zadané téma; 2.Považujte A. Vivaldiho za představitele italské houslové školy; 3.Analyzujte nejznámější díla skladatele. Tato práce v kurzu je aktuální i dnes, protože tvorba skladatele A. Vivaldiho je zajímavá pro jeho současníky, jeho díla se hrají v koncertních sálech po celém světě. Kapitola I. Role A. Vivaldiho ve vývoji houslového koncertu v 18. století 1.1.Italská houslová škola a vývoj instrumentálních a houslových hudebních žánrů Raný rozkvět italského houslového umění měl své sociální a kulturní důvody, zakořeněné v socioekonomickém rozvoji země. Vzhledem ke zvláštním historickým poměrům v Itálii, dříve než v jiných evropských zemích, byly feudální vztahy nahrazeny buržoazními, které byly v té době progresivnější. V zemi, kterou F. Engels nazval „prvním kapitalistickým národem“, se národní rysy kultury a umění začaly formovat nejčasněji. Renesance na italské půdě aktivně vzkvétala. To vedlo ke vzniku brilantních výtvorů italských spisovatelů, umělců a architektů. Itálie dala světu první operu, rozvinula houslové umění, vznik nových progresivních hudebních žánrů, výjimečné výkony houslařů, kteří vytvořili nepřekonatelné klasické příklady smyčcových nástrojů (Amati, Stradivari, Guarneri). Zakladateli italské houslařské školy byli Andrea Amati a Gasparo da Salo a nejvýraznějšími mistry v době rozkvětu školy (od poloviny 17. do poloviny 18. století) byli Niccolò Amati a jeho dva žáci Antonio Stradivari a Giuseppe Guarneri del Gesù. Předpokládá se, že Antonio Stradivari se narodil v roce 1644, ačkoli jeho přesné datum narození není zaznamenáno. Narodil se v Itálii. Předpokládá se, že v letech 1667 až 1679 sloužil jako svobodný student Amati, tzn. odvedl grunt. Mladík pilně zdokonaloval Amatiho práci, dosahoval melodičnosti a pružnosti hlasů svých nástrojů, měnil jejich tvar na zakřivenější a nástroje zdobil. Evoluce Stradivarius ukazuje postupné osvobozování od vlivu učitele a touhu vytvořit nový typ houslí, vyznačující se bohatostí témbrů a silným zvukem. Ale období tvůrčího hledání, během kterého Stradivari hledal svůj vlastní model, trvalo více než 30 let: jeho nástroje dosáhly dokonalosti formy a zvuku až na počátku 18. století. Všeobecně se uznává, že jeho nejlepší nástroje byly vyrobeny v letech 1698 až 1725 a svou kvalitou převyšovaly nástroje následně vyrobené v letech 1725 až 1730. Mezi slavné housle Stradivarius patří Betts, Viotti, Alard a Messiah. Stradivarius kromě houslí vyráběl také kytary, violy, violoncella a nejméně jednu harfu – podle současných odhadů celkem více než 1100 nástrojů. Velký mistr zemřel ve věku 93 let 18. prosince 1837. Jeho pracovní nástroje, kresby, kresby, modely a některé housle skončily ve sbírce slavného sběratele 18. století hraběte Cosia di Salabue. V současné době je tato sbírka uložena v Muzeu Stradivarius v Cremoně. Změny historické situace, společenské a kulturní potřeby, spontánní procesy vývoje hudebního umění, estetika – to vše přispělo ke změně stylů, žánrů a forem hudební tvořivosti a scénického umění, což někdy vedlo k pestrému obrazu koexistence hudebního umění. různé styly na obecné cestě rozvoje umění od renesance po baroko a poté až po předklasicistní a raně klasicistní slohy 18. století. Houslové umění hrálo významnou roli ve vývoji italské hudební kultury. Vůdčí roli italských hudebníků v raném rozkvětu houslové kreativity jako jednoho z předních fenoménů evropské hudby nelze podceňovat. Přesvědčivě to dokládají úspěchy italských houslistů a skladatelů 17.-18. století, kteří vedli italskou houslovou školu - Arcangelo Corelli, Antonio Vivaldi a Giuseppe Tartini, jejichž dílo si zachovalo velký umělecký význam. Arcangelo Corelli se narodil 17. února 1653 ve Fusignanu nedaleko Bologni do inteligentní rodiny. Jeho hudební talent se brzy projevil a rozvinul se pod přímým vlivem boloňské školy: mladý Corelli zvládl hru na housle v Bologni pod vedením Giovanniho Benvenutiho. Jeho úspěchy ohromily své okolí a získaly vysoké uznání od odborníků: v 17 letech byl Corelli zvolen členem Boloňské filharmonické akademie. V Bologni pak ale dlouho nepobyl a na počátku 70. let 17. století se přestěhoval do Říma, kde pak strávil celý svůj život. V Římě si mladý hudebník dále doplňoval vzdělání studiem kontrapunktu za pomoci zkušeného varhaníka, zpěváka a skladatele Mattea Simonelliho z Papežské kaple. Corelliho hudební činnost začala nejprve v kostele (houslista v kapli), poté v opeře Capranica (kapellmeister). Zde se vyznamenal nejen jako skvělý houslista, ale také jako vedoucí instrumentálních souborů. Od roku 1681 začal Corelli publikovat svá díla: před rokem 1694 vyšly čtyři sbírky jeho triových sonát, které mu přinesly širokou slávu. V letech 1687 až 1690 stál v čele kaple kardinála B. Panfiliho, poté se stal vedoucím kaple kardinála P. Ottoboniho a organizátorem koncertů v jeho paláci. To znamená, že Corelli komunikoval s velkým okruhem znalců umění, osvícených milovníků umění a vynikajících hudebníků své doby. Ottoboni, bohatý a brilantní filantrop, zapálený pro umění, hostil oratorní a „akademické“ koncerty, kterých se zúčastnila velká společnost. Jeho dům navštívil mladý Händel, Alessandro Scarlatti a jeho syn Domenico a mnoho dalších italských a zahraničních hudebníků, umělců, básníků a vědců. První sbírka Corelliho triových sonát je věnována Christině Švédské, královně bez trůnu, která žila v Římě. To naznačuje, že Corelli se zúčastnila té či oné části hudebních festivalů pořádaných v paláci, který obývala, nebo pod její záštitou. Na rozdíl od většiny italských hudebníků své doby Corelli nepsal opery (ačkoli byl spojen s operním domem) ani vokální díla pro kostel. Jako skladatel-interpret byl zcela ponořen pouze do instrumentální hudby a několika jejích žánrů spojených s přední účastí houslí. V roce 1700 vyšla sbírka jeho sonát pro housle s doprovodem. Od roku 1710 Corelli přestal koncertovat o dva roky později se přestěhoval z paláce Ottoboni do vlastního bytu. Po mnoho let Corelli učil studenty. Mezi jeho studenty patří skladatelé a umělci Pietro Locatelli, Francesco Geminiani a J.B. Somis. Zanechal po sobě velkou sbírku obrazů, mezi nimiž byly obrazy italských mistrů, krajiny od Poussina a jeden obraz od Bruegela, skladatel vysoce ceněný a zmíněný v jeho závěti. Corelli zemřel v Římě 8. ledna 1713. 12 jeho koncertů bylo publikováno posmrtně, v roce 1714. Corelliho umění se všemi svými kořeny sahá k tradici 17. století, aniž by se rozcházelo s polyfonií, osvojovalo si dědictví taneční suity, dále rozvíjelo výrazové prostředky a tím i techniku svého nástroje. Dílo boloňských skladatelů, zejména podle vzoru triové sonáty, si již získalo značný vliv nejen v rámci Itálie: jak známo, svého času uchvátilo Purcella. Corelli, tvůrce římské školy houslového umění, získal skutečně světovou slávu. Jeho jméno v prvních desetiletích 18. století ztělesňovalo v očích jeho francouzských či německých současníků nejvyšší úspěchy a samotnou specifičnost italské instrumentální hudby vůbec. Houslové umění 18. století se vyvinulo z Corelliho, reprezentovaného takovými osobnostmi jako Vivaldi a Tartini a celou řadou dalších vynikajících mistrů. Corelliho tvůrčí odkaz v té době nebyl tak velký: 48 triových sonát, 12 sonát pro housle s doprovodem a 12 „velkých koncertů“. Corelliho současní italští skladatelé byli zpravidla mnohem plodnější, vytvořili desítky oper, stovky kantát, nemluvě o obrovském množství instrumentálních děl. Soudě podle samotné Corelliho hudby je nepravděpodobné, že by pro něj tvůrčí práce byla obtížná. Zjevně se na to hluboce soustředil, aniž by se rozptýlil do stran, pečlivě promyslel všechny své plány a vůbec nespěchal, aby publikoval hotová díla. V jeho raných dílech nejsou žádné stopy zjevné nezralosti, stejně jako v jeho pozdějších dílech nejsou známky tvůrčí stabilizace. Je docela možné, že to, co vyšlo v roce 1681, vzniklo v průběhu řady předchozích let a že koncerty vydané v roce 1714 začaly dávno před skladatelovou smrtí. 2 Tvůrčí přínos A. Vivaldiho k rozvoji instrumentálního koncertu Vynikající houslista a skladatel Antonio Vivaldi (1678-1741) je jedním z nejvýraznějších představitelů italského houslového umění 18. století. Jeho význam, zejména při vzniku sólového houslového koncertu, daleko přesahuje hranice Itálie. A. Vivaldi se narodil v Benátkách, v rodině vynikajícího houslisty a pedagoga, člena kaple katedrály San Marco Giovanni Battista Vivaldi. Od raného dětství ho otec učil hrát na housle a vodil ho na zkoušky. Od 10 let začal chlapec nahrazovat svého otce, který také pracoval v jedné z městských konzervatoří. O mladého houslistu se začal zajímat šéf sboru G. Legrenzi, který u něj studoval hru na varhany a skladbu. Vivaldi navštěvoval Legrenziho domácí koncerty, kde zazněla nová díla samotného majitele, jeho žáků – Antonia Lottiho, violoncellisty Antonia Caldary, varhaníka Carla Polarolliho a dalších. Bohužel, Legrenzi zemřel v roce 1790 a studia přestala. V té době už Vivaldi začal skládat hudbu. Jeho první dílo, které se k nám dostalo, je duchovní dílo z roku 1791. Otec považoval za nejlepší dát svému synovi duchovní vzdělání, protože jeho hodnost a slib celibátu dávaly Vivaldimu právo učit na ženské konzervatoři. Tak začal duchovní výcvik v semináři. V roce 1693 byl vysvěcen na opata. To mu umožnilo přístup k nejuznávanější konzervatoři, Ospedale della Piet. à " Svatý řád se však později ukázal jako překážka rozvoje Vivaldiho obrovského talentu. Po opatovi postoupil Vivaldi v řadách kléru a nakonec byl v roce 1703 vysvěcen na poslední nižší hodnost - kněze, což mu dalo právo sloužit samostatnou bohoslužbu - mši. Vivaldiho otec ho plně připravil na vyučování, když totéž udělal sám na konzervatoři „Žebráci“. Hlavním předmětem na konzervatoři byla hudba. Dívky se učily zpívat, hrát na různé nástroje a dirigovat. Konzervatoř měla v té době jeden z nejlepších orchestrů v Itálii, účastnilo se ho 140 studentů. O tomto orchestru nadšeně hovořili B. Martini, C. Burney, K. Dittersdorf. Spolu s Vivaldim zde vyučoval Corelli a Lottiho žák Francesco Gasparini, zkušený houslista a skladatel, jehož opery byly inscenovány v Benátkách. Na konzervatoři Vivaldi vyučoval hru na housle a „anglickou violu“. Orchestr konzervatoře se pro něj stal jakousi laboratoří, kde se mohly realizovat jeho plány. Již v roce 1705 vyšel jeho první opus triových sonát (komorních sonát), v nichž je dodnes cítit vliv Corelliho. Je však charakteristické, že u nich není patrný žádný znak vyučení. Jde o vyzrálé umělecké kompozice, upoutající svěžestí a nápaditostí hudby. Jako by zdůrazňoval poctu genialitě Corelliho, uzavírá Sonátu č. 12 stejnými variacemi na téma Folia. Již příští rok vyjde druhý opus – concerti grossi „Harmonic Inspiration“, který se objevil o tři roky dříve než Torelliho koncerty. Právě mezi těmito koncerty patří slavný A-moll ny. Služba na konzervatoři byla úspěšná. Vivaldi je pověřen vedením orchestru, poté sboru. V roce 1713 se kvůli odchodu Gaspariniho stal hlavním skladatelem Vivaldi s povinností komponovat dva koncerty měsíčně. Na konzervatoři působil téměř do konce života. Dovedl orchestr konzervatoře k nejvyšší dokonalosti. Sláva skladatele Vivaldiho se rychle šíří nejen v Itálii. Jeho díla vycházejí v Amsterdamu. V Benátkách se setkává s Händelem, A. Scarlattim, jeho synem Domenicem, který studuje u Gaspariniho. Vivaldi se proslavil také jako virtuózní houslista, pro kterého nebyly nemožné potíže. Jeho dovednost byla evidentní v improvizovaných kadencích. Při jedné takové příležitosti někdo, kdo byl přítomen inscenaci Vivaldiho opery v Divadle San Angelo, vzpomínal na jeho vystoupení: „Téměř na konci, doprovázený skvělým sólovým zpěvákem, Vivaldi konečně předvedl fantazii, která mě opravdu vyděsila, protože to bylo něco neuvěřitelné, jakou nikdo nehrál a hrát neumí, neboť se svými prsty vyšplhal tak vysoko, že už nezbylo místo na smyčce, a to na všech čtyřech strunách předvedl neuvěřitelnou rychlostí fugu." Záznamy o několika takových kadenzách zůstávají v rukopisech. Vivaldi rychle skládal. Vycházejí jeho sólové sonáty a koncerty. Pro konzervatoř vytvořil své první oratorium „Mojžíš, Bůh faraóna“ a připravil svou první operu „Ottone ve vile“, která byla úspěšně provedena v roce 1713 ve Vicenze. Během následujících tří let vytvoří další tři opery. Pak přijde pauza. Vivaldi psal tak snadno, že si toho někdy všiml i on sám, jako v rukopisu opery „Tito Manlio“ (1719) – „pracoval za pět dní“. V roce 1716 vytvořil Vivaldi jedno ze svých nejlepších oratorií pro konzervatoř: „Judith triumfující, porážející Holoferna z barbarů“. Hudba přitahuje svou energií a rozsahem a zároveň úžasnou barevností a poezií. V témže roce při hudebních oslavách na počest příjezdu vévody Saského do Benátek byli pozváni k vystoupení dva mladí houslisté - Giuseppe Tartini a Francesco Veracini. Setkání s Vivaldim mělo hluboký dopad na jejich tvorbu, zejména na Tartiniho koncerty a sonáty. Tartini řekl, že Vivaldi byl skladatel koncertů, ale on si myslel, že je povoláním operní skladatel. Tartini měl pravdu. Vivaldiho opery jsou dnes zapomenuty. Vivaldiho pedagogická činnost na konzervatoři postupně přinesla úspěch. Studovali u něj i další houslisté: J.B.Somis, Luigi Madonis a Giovanni Verocai, který působil v Petrohradě, Carlo Tessarini, Daniel Gottlob Troy - dirigent v Praze. Ze studenta konzervatoře Santa Tasca se stal koncertním houslistou, poté dvorním hudebníkem ve Vídni; Účinkoval i Hiaretta, u kterého studoval významný italský houslista G. Fedeli. Vivaldi se navíc ukázal jako dobrý učitel vokálu. Jeho žačka Faustina Bordoni dostala přezdívku „Nová siréna“ pro krásu svého hlasu (contralto). Nejznámějším Vivaldiho žákem byl Johann Georg Pisendel, koncertní mistr Drážďanské kaple. V roce 1718 Vivaldi nečekaně přijal pozvání pracovat jako vedoucí kaple landkraběte v Mantově. Zde inscenoval své opery, vytvořil pro kapli řadu koncertů a věnoval hraběti kantátu. V Mantově se setkal se svou bývalou žačkou, zpěvačkou Annou Giraud. Zavázal se rozvíjet její hlasové schopnosti, podařilo se mu to, ale začal se o ni vážně zajímat. Giraud se stal slavným zpěvákem a zpíval ve všech Vivaldiho operách. V roce 1722 se Vivaldi vrátil do Benátek. Na konzervatoři nyní musí složit dva instrumentální koncerty měsíčně a provést 3-4 zkoušky se studenty, aby se je naučili. V případě odjezdu musel posílat koncerty kurýrem. Ve stejném roce vytvořil Dvanáct koncertů, které obsahovaly op. 8 - „Zážitek harmonie a fantazie“, který zahrnuje slavné „Roční období“ a některé další programové koncerty. Vyšlo v Amsterdamu v roce 1725. Koncerty se rychle rozšířily po celé Evropě a Four Seasons si získaly obrovskou popularitu. Během těchto let byla intenzita Vivaldiho kreativity výjimečná. Jen pro sezónu 1726/27 vytvořil osm nových oper, desítky koncertů a sonát. Od roku 1735 začala Vivaldiho plodná spolupráce s Carlem Goldonim, na jehož libreto vytvořil opery „Griselda“, „Aristide“ a mnoho dalších. To se dotklo i skladatelovy hudby, v jejíž tvorbě se výrazněji projevují rysy operní buffy a lidové prvky. O umělci Vivaldim je známo jen málo. Jako houslista vystupoval velmi zřídka - pouze na konzervatoři, kde občas hrál své koncerty, a občas v opeře, kde byla houslová sóla nebo kadence. Soudě podle dochovaných nahrávek některých jeho kadencí, skladeb i útržkovitých výpovědí jeho současníků o jeho hře, které se k nám dostaly, byl vynikajícím houslistou, který mistrně ovládal svůj nástroj. Jako skladatel přemýšlel jako houslista. Instrumentální styl se projevuje i v jeho operních dílech a oratorních skladbách. O tom, že byl vynikajícím houslistou, svědčí i to, že u něj usilovalo studovat mnoho houslistů v Evropě. Rysy jeho interpretačního stylu se jistě odrážejí v jeho skladbách. Vivaldiho tvůrčí odkaz je obrovský. Již bylo publikováno přes 530 jeho děl. Napsal asi 450 různých koncertů, 80 sonát, asi 100 symfonií, více než 50 oper a přes 60 duchovních děl. Mnohé z nich stále zůstávají v rukopisech. Nakladatelství Ricordi vydalo 221 koncertů pro sólové housle, 26 koncertů pro 2-4 housle, 6 koncertů pro violu d Amor, 11 violoncellových koncertů, 30 houslových sonát, 19 triových sonát, 9 violoncellových sonát a další díla, včetně pro dechové nástroje. V jakémkoli žánru, kterého se Vivaldiho génius dotkl, se otevřely nové, neprobádané možnosti. To bylo patrné již v jeho prvním díle. Dvanáct Vivaldiho triových sonát vyšlo nejprve jako op. 1, v Benátkách v roce 1705, ale byly složeny dlouho předtím; Tento opus pravděpodobně obsahoval vybraná díla tohoto žánru. Stylově se blíží Corelli, i když odhalují i některé individuální rysy. Je zajímavé, že stejně jako v op. 5 Corelli, Vivaldiho sbírka končí devatenácti variacemi na tehdy oblíbené téma španělské folie. Pozoruhodné je odlišné (melodické a rytmické) podání tématu u Corelliho a Vivaldiho (poslední je přísnější). Na rozdíl od Corelliho, který obvykle rozlišoval mezi komorním a církevním stylem, Vivaldi již ve svém prvním opusu uvádí příklady jejich prolínání a prolínání. Žánrově se stále jedná spíše o komorní sonáty. V každém z nich je zvýrazněn part prvních houslí a dává mu virtuózní, volnější charakter. Sonáty se otevírají bujnými předehrami pomalého, slavnostního charakteru, s výjimkou Desáté sonáty, která začíná rychlým tancem. Zbývající díly jsou téměř všechny žánrové. Zde je osm allemand, pět přípravků, šest zvonků, které jsou instrumentálně reinterpretovány. Slavnostní dvorní gavotu například pětkrát používá jako rychlé finále v tempu Allegro a Presto. Forma sonát je zcela volná. První díl dodává celku psychologickou náladu, stejně jako to udělal Corelli. Vivaldi však dále opouští fugový part, polyfonii a propracovanost a snaží se o dynamický taneční pohyb. Někdy všechny ostatní části běží téměř ve stejném tempu, čímž porušují prastarý princip kontrastních temp. Již v těchto sonátách je cítit nejbohatší Vivaldiho imaginace: žádné opakování tradičních formulí, nevyčerpatelná melodie, touha po význačnosti, charakteristické intonace, které by pak rozvíjel sám Vivaldi a další autoři. Začátek Hrobu druhé sonáty se tedy objeví v „Rocích“. Melodie preludia jedenácté sonáty se promítne do hlavního tématu Bachova Koncertu pro dvoje housle. Mezi charakteristické rysy patří široké pohyby figurace, opakování intonací, jakoby fixování hlavního materiálu v mysli posluchače, a důsledné uplatňování principu sekvenčního vývoje. Síla a vynalézavost Vivaldiho tvůrčího ducha se zvláště jasně projevila v koncertním žánru. Právě v tomto žánru byla napsána většina jeho děl. Koncertní dědictví italského mistra přitom volně spojuje díla psaná ve formě concerta grossa a ve formě sólového koncertu. Ale i na těch jeho koncertech, které tíhnou k žánru concerto grosso, je zřetelně cítit individualizace koncertních partů: často získávají koncertní charakter, a pak není snadné stanovit hranici mezi concerto grossem a sólovým koncertem. . houslový skladatel Vivaldi Kapitola II. Tvůrčí dědictví A. Vivaldiho. Rozbor nejznámějších děl skladatele 1 "Roční období" Cyklus čtyř koncertů pro sólové housle se smyčcovým orchestrem a cimbálem „The Seasons“ vznikl údajně v letech 1720-1725. Tyto koncerty byly později zahrnuty do opusu 8 „The Controversy of Harmony with Invention“. Jak píše N. Harnoncourt, skladatel shromáždil a vydal ty ze svých koncertů, které by se daly spojit s tak zvučným názvem. „Jarní“ koncert je stejně jako další tři koncerty „Four Seasons“ psán v třídílné podobě, jejíž etablování v dějinách hudby je spojeno právě se jménem A. Vivaldiho. Extrémní pohyby jsou rychlé a psané ve staré koncertní podobě. Druhá část je pomalá, s melodickou melodií, psaná starodávnou dvoudílnou formou. Pro kompozici první části koncertu má prvořadý význam aktivita a energie pohybu, která je obsažena v jeho titulním tématu. Opakující se v Allegru více než jednou, jako by se vracelo v kruhu, jako by podněcovalo celkový pohyb ve formě a zároveň jej drží pohromadě, zachovává hlavní dojem. Dynamická aktivita prvních částí cyklu je v kontrastu s koncentrací pomalých částí s vnitřní jednotou jejich tematismu a větší jednoduchostí kompozice. V tomto rámci četné Largos, Adagios a Andantes ve Vivaldiho koncertech zdaleka nejsou stejného typu. Mohou být klidně idylické v různých verzích, zejména pastoračních, vyznačují se šíří lyriky, mohou dokonce zprostředkovat sevřené napětí pocitů v sicilském žánru nebo ztělesňovat dráždivost smutku v podobě passacaglie. Pohyb hudby v lyrických centrech je více jednorozměrný (vnitřní kontrasty nejsou charakteristické ani pro tematiku, ani pro strukturu jako celek), klidnější, ale nepochybně je zde u Vivaldiho přítomen - v širokém nasazení lyrické melodiky, ve výrazovém kontrapunktu horních hlasů jakoby v duetu (zvaném Siciliana), ve variačním vývoji passacaglia. Tematické téma finále je zpravidla jednodušší, vnitřně homogenní a blíže počátkům lidového žánru než tematické téma prvního Allegra. Rychlý pohyb ve 3/8 nebo 2/4, krátké fráze, ostré rytmy (taneční, synkopické), ohnivé intonace „v lombardském vkusu“ - vše je zde vyzývavě vitální, někdy veselé, někdy scherzoické, někdy bláhové, někdy bouřlivé, někdy dynamický. Ne všechna finále Vivaldiho koncertů jsou však v tomto smyslu dynamická. Finále in concerto grosso op. 3 č. 11, kde mu předchází zmíněná Siciliana, je prostoupena úzkostí a je neobvyklá ostrostí svých zvuků. Sólové housle začnou vést v imitativním podání alarmujícího, rovnoměrně pulzujícího tématu a od čtvrtého taktu je pak v base vyznačen chromatický sestup ve stejném pulzujícím rytmu. To okamžitě dodává dynamice koncertního finále ponurý až poněkud nervózní charakter. Ve všech částech cyklu se Vivaldiho hudba pohybuje odlišně, ale k jejímu pohybu dochází přirozeně jak v rámci každé části, tak ve vztahu mezi částmi. Je to dáno jak samotnou povahou tematismu, tak i postupující zralostí modově-harmonického myšlení v nové homofonní struktuře, kdy jasnost modových funkcí a jasnost gravitace aktivují hudební vývoj. Zcela to souvisí i s klasickým citem pro formu charakteristickým pro skladatele, který, aniž by se vyhnul prudkému vpádu místních lidově-žánrových intonací, vždy usiluje o udržení nejvyšší harmonie celku ve střídání kontrastních vzorů, na měřítko částí cyklu (bez délek), v plasticitě jejich intonace odvíjející se v celkové dramaturgii cyklu. Co se týče programových titulků, ty pouze nastínily povahu obrazu či obrazů, ale neovlivnily podobu celku, nepředurčovaly vývoj v jeho mezích. Poměrně obsáhlý program zahrnuje partitury ke čtyřem koncertům z cyklu „Roční období“: každý z nich má odpovídající sonet, který odhaluje obsah částí cyklu. Je možné, že sonety složil sám skladatel. Program v nich deklarovaný každopádně vůbec nevyžaduje přehodnocení podoby koncertu, spíše se podle této formy „ohýbá“. Obraznost pomalého pohybu a finále se zvláštnostmi jejich struktury a vývoje byla obecně snadněji vyjádřitelná poezií: stačilo pojmenovat samotné obrazy. První část cyklu, koncertní rondo, však dostala natolik programovou interpretaci, že mu nebránila zachovat si obvyklou formu a přirozeně do ní vtělit zvolenou „zápletku“. Stalo se tak na každém ze čtyř koncertů. V „Jarním“ koncertu je program první věty v sonetu odhalen takto: „Přišlo jaro, veselí ptáci ho vítají svým zpěvem, potůčky tečou a zurčí. Obloha je pokryta tmavými mraky, blesky a hromy také ohlašují jaro. A ptáci se znovu vracejí ke svým sladkým písním.“ Lehké, silné téma akordového tance (tutti) určuje emocionální vyznění celého Allegra: „Přišlo jaro“. Koncertní housle (epizoda) napodobují ptačí zpěv. Znovu zaznívá „jarní téma“. Nová pasáž epizoda - krátká jarní bouřka. A opět se vrací hlavní téma ronda „Přišlo jaro“. Vždy tedy dominuje první části koncertu, ztělesňuje radostný pocit jara, a vizuální epizody působí jako jakýsi detail celkového obrazu jarní obnovy přírody. Jak vidíte, forma ronda zde zůstává v plné síle a program je snadno „rozdělitelný“ na své sekce. Zdá se, že sonet „Jaro“ ve skutečnosti složil skladatel, který předem předvídal strukturální možnosti jeho hudebního ztělesnění. Ve všech druhých dílech „The Seasons“ je jednotná textura v celém pohybu (ačkoli velikost pohybu neumožňuje zvláštní kontrasty). Dílo je psáno ve staré dvoudílné formě. Celkově má textura tři vrstvy: svrchní - melodická - melodická, kantilenová. Střed - harmonická výplň - "šustění trávy a listí", velmi tiché, psané malými tečkovanými trváními, vedoucí ozvěny v paralelních třetinách. Pohyb středních hlasů je především trylkovitý, krouživý. První dva údery taktu jsou navíc statický pohyb – třetí „tryl“, který, ač monotónní, se pohybuje díky nádherné tečkované linii. Na třetí takt se aktivuje melodický pohyb – tím jakoby připravuje zvukovou výšku dalšího taktu a vytváří mírný „posun“ nebo „kolébání“ textury. A bas – zdůrazňující harmonický základ – je rytmicky charakteristický, zobrazuje „štěkání psa“. Je zajímavé přesně vysledovat, jak Vivaldi uvažoval o figurativní struktuře pomalých vět v koncertním cyklu. Hudba Largo (cis-moll) z koncertu „Jaro“ odpovídá následujícím řádkům sonetu: „Na rozkvetlém trávníku, pod šuměním dubových lesů, spí pastýř koz s věrným psem vedle něj.“ Přirozeně se jedná o pastoraci, ve které se odvíjí jediný idylický obraz. Oktávové housle zpívají poklidnou, jednoduchou, zasněnou melodii na poetickém pozadí kolébavých tercií – a to vše je po durovém Allegru odstíněno jemnou paralelní moll, která je pro pomalou část cyklu přirozená. Ani ve finále program nijak nepestře a ani se v nejmenším nerozvádí: „Nymfy tančí za zvuků pastýřských dud.“ Lehký pohyb, taneční rytmy, stylizace lidového nástroje - zde nemusí vše záviset na programu, protože většinou jde o finále. V každém koncertu ze Čtyř ročních období je pomalá věta monotónní a po dynamickém Allegru vyniká svou klidnou malebností: obraz malátnosti přírody a všeho živého v letním horku; klidný spánek vesničanů po podzimních dožínkách; "Je dobré sedět u krbu a poslouchat déšť dopadající na okno za zdí" - když fouká ledový zimní vítr. Finále „Léto“ je obrazem bouře, finále „Podzim“ je „Lov“. Tři části programového koncertního cyklu zůstávají v podstatě v obvyklých vztazích, pokud jde o jejich figurativní strukturu, povahu vnitřního vývoje a kontrastní srovnání mezi Allegrem, Largem (Adagio) a finále. A přesto jsou poetické programy odhalené ve čtyřech sonetech zajímavé tím, že jakoby potvrzují slovem autora obecné dojmy z obraznosti Vivaldiho umění a jeho možného vyjádření v jeho hlavním žánru koncertu. Cyklus „Roční období“, poněkud idylický svou povahou, odhaluje samozřejmě jen málo ze skladatelovy tvorby. Jeho idylka se však velmi nesla v duchu jeho současníků a postupem času dala vzniknout opakovaným napodobením „The Seasons“, až k jednotlivým kuriozitám. Uplynulo mnoho let a Haydn v jiné fázi vývoje hudebního umění ztělesnil téma „ročních období“ v monumentálním oratoriu. Jak by se dalo očekávat, jeho koncept se ukázal být hlubší, vážnější, epičtější než Vivaldiho; nastolila etické otázky v souvislosti s prací a životem obyčejných lidí blízkých přírodě. Poetické a obrazové aspekty zápletky, které kdysi inspirovaly Vivaldiho, však přitahovaly také Haydnovu tvůrčí pozornost: má také obraz bouře a bouřky v „Léto“, „Dožínky“ a „Lov“ v „Podzim“, kontrasty obtížné zimní cesty a domácí pohody v „zimě“. 2. Houslový koncert „A moll“ Téma slavného koncertu moll (op. 3 č. 6) mohlo v první intonaci otevřít fugu, ale tok dalších opakování a sekvencí mu dodává taneční dynamiku, navzdory mollové tónině a ostře zapamatovatelnému vzhledu. Taková přirozenost pohybu i v rámci prvního tématu, tak snadné kombinování různých intonačních zdrojů je úžasná Vivaldiho vlastnost, která ho neopouští ve větším měřítku. Mezi jeho „hlavními“ tématy jsou samozřejmě intonační skladba homogennější. V a-moll koncertu je úvodní tutti postaveno na jasných fanfárových intonacích, opakování zvuků a frází. Již výchozí formule, charakterizovaná „zavrtáním“ jednoho zvuku, se stává pro skladatele typickou. Převládající zásada zní: „žádné délky“. Extrémní dynamika a silný tlak pomáhají ztělesňovat odvážný, ctižádostivý obraz. Posílení soutěžního rázu, který dodává hudbě Vivaldiho koncertů zvláštní jas, jejich žánrové a programové rázu, kontrast nejen mezi jednotlivými částmi cyklu, ale i v rámci jeho hlavní, první části (u Vivaldiho obvykle nabírá ronda -tvarovaná forma) s vyhroceným kontrastem mezi tutti a soli, jemné použití výrazových prostředků témbrálních, dynamických a rytmických - všechny tyto rysy ve svém harmonickém spojení přispěly k posílení rysů koncertního provedení a zvýšení síly emocionálního působení na posluchače. Již současníci zdůrazňovali ve Vivaldiho koncertech zvláštní inherentní expresivitu, vášeň a široké použití takzvaného „lombardského stylu“. Jestliže ve svých sonátách Vivaldi posouvá těžiště do středních vět, pak je v koncertě patrná tendence vyzdvihnout první větu jako hlavní a nejvýznamnější. Skladatel v tomto ohledu poněkud komplikuje její tradiční strukturu: dynamizuje epizody od první do třetí, zvyšuje význam, rozsah a vývojový a improvizační charakter poslední epizody, interpretované jako prodloužená a dynamizovaná repríza; se blíží dvojí tmě, která je kontrastní povahy. Ve středních částech umocňuje psychologickou hloubku odhalování vnitřního světa člověka; vnáší do žánrového finále lyrické prvky, jako by kreslil jedinou lyrickou linii. Všechny tyto rysy zde nastíněné budou plně odhaleny na následujících koncertech. Celkem se dochovalo asi 450 Vivaldiho koncertů; přibližně polovinu z nich tvoří koncerty pro sólové housle a orchestr. Vivaldiho současníci (I. Quantz a další) si nemohli nevšímat novinek, které vnesl do koncertního stylu 18. století a které vzbudily jejich tvůrčí zájem. Stačí připomenout, že J. S. Bach si Vivaldiho hudby velmi vážil a provedl několik přepisů jeho koncertů na klávesové a varhanní nástroje. Závěr Instrumentální žánry 17. - počátku 18. století ve své úplnosti ztělesňovaly svými různými kompozičními principy a zvláštními technikami prezentace a vývoje širokou škálu hudebních obrazů, které byly dříve instrumentální hudbě nedostupné, a povýšily ji tak na první na vysoké úrovni, srovnatelné s jinými žánry syntetické hudby. Nejvýznamnější nepochybně bylo, že úspěchy instrumentální hudby na počátku 18. století (a částečně v jeho prvních desetiletích) otevřely velké vyhlídky pro její další pohyb po jedné linii ke klasické Bachově polyfonii, po druhé, rozšířenější, na klasickou symfonii konce století. Obecně platí, že jak figurativní obsah Vivaldiho hudby, tak její hlavní žánry bezpochyby s velkou úplností odrážely přední umělecké aspirace své doby – a to nejen pro Itálii. Vivaldiho koncerty se rozšířily po celé Evropě a měly plodný vliv na mnoho skladatelů a sloužily jako příklady koncertního žánru obecně pro jejich současníky. Při absolvování kurzu bylo dosaženo vytčeného cíle, a sice byla studována interpretace žánru instrumentálního koncertu v díle Antonia Vivaldiho. Rovněž byly splněny zadané úkoly: prostudována literatura na dané téma, A. Vivaldi považován za představitele italské houslové školy, rozebrána nejznámější díla skladatele. Vivaldiho styl je stejný typ intonace, opakující se koncert od koncertu s určitými změnami, „zvraty“, ale vždy rozeznatelný jako typicky „Vivaldi“. To, co bylo ve Vivaldiho koncertním žánru nového, bylo dáno prohloubením hudebního obsahu, jeho expresivity a obraznosti, zavedením programových prvků, založením zpravidla tripartitního cyklu (se sledem rychle-pomalu-rychle), posílení vlastního koncertního provedení, koncertní interpretace sólového partu, rozvoj melodického jazyka, široký motivicko-tematický rozvoj, rytmické a harmonické obohacení. To vše prostupovala a spojovala tvůrčí představivost a vynalézavost Vivaldiho jako skladatele a interpreta. Bibliografie 1.Barbier P. Benátky Vivaldi: Hudba a svátky éry Petrohrad, 2009. 280 s. 2.Boccardi V. Vivaldi. Moskva, 2007. 272 s. .Grigoriev V. Dějiny houslového umění. Moskva, 1991. 285 s. 4.Livanova T. Dějiny západoevropské hudby do roku 1789. Svazek 1. Moskva, 1983. 696 s. .Panfilov A. Vivaldi. Život a kreativita//Velcí skladatelé. č. 21. Moskva, 2006. 168 s. 6.Panfilov A. Vivaldi. Život a kreativita//Velcí skladatelé. č. 4. Moskva, 2006. 32 s. .Tretyachenko V.F. Houslové „školy“: historie formace // Hudba a čas. č. 3. Moskva, 2006. 71 s.Podobná díla jako - Interpretace žánru instrumentálního koncertu v díle Antonia Vivaldiho
Díla Antonia Vivaldiho jsou populární po celém světě. Ale nebylo tomu tak vždy.
Za svého života (v první polovině 18. století) byl skladatel znám jako tvůrce sólového instrumentálního koncertu. Současníci ho nazývali „skvělým, nepřekonatelným, nádherným spisovatelem“. Vivaldiho koncerty sloužily jako vzor i skladatelům jako J.S. Bach, P. Locatelli, D. Tartini, J.-M. Leclerc a další V době hudebního baroka to byla slavná jména. Bach dokonce aranžoval 6 Vivaldiho houslových koncertů pro klavír, ze 2 z nich udělal varhanní koncerty a jeden přearanžoval pro 4 klavíry – obdivoval ho jeho jasnost a harmonie harmonie, dokonalá houslová technika a melodičnost Vivaldiho hudby.
Údajný portrét Vivaldiho
Ale uplynul nějaký čas a Vivaldi byl téměř zapomenut. Jeho díla se přestávají hrát, dokonce i rysy jeho vzhledu jsou brzy zapomenuty: dodnes jsou jeho portréty považovány pouze za domnělé. A to teprve v polovině 20. století. O jeho dílo, včetně životopisu, o kterém se toho ví jen málo, náhle vyvstal zájem. Co bylo důvodem tohoto obnoveného zájmu? Opravdové umění, byť dočasně zapomenuté, zjevně nemůže ležet dlouho skryto – zlato bude stále zářit. Možná ale Vivaldi prostě předběhl dobu a po jeho smrti jeho současníci nedokázali přijmout jeho hudbu na jeho úrovni. Rakouský vědec Walter Collender tvrdil přesně toto: Vivaldi byl o několik desetiletí napřed před vývojem evropské hudby v použití dynamiky a čistě technických technik houslové hry. Dnes tak jeho umění dostalo druhý život.
Vanessa May, britská houslistka čínsko-thajského původu, mistrně předvádí Vivaldiho díla v moderním aranžmá
Z biografie Antonia Vivaldiho
Vivaldi prožil dětství v Benátkách, kde v katedrále sv. Markův otec pracoval jako houslista. Antonio byl nejstarším dítětem v rodině 6 dětí. O skladatelově dětství se zachovalo velmi málo podrobností, ale je známo, že se naučil hrát na housle od svého otce. Poté studoval hru na cembalo. Je také známo, že Antonio měl od dětství špatné zdraví a trpěl bronchiálním astmatem. Ale i přes to byl Vivaldi extrémně aktivní člověk a hudebník. Miloval cestování, byl neustále nekonečně na cestách, ale zároveň dokázal režírovat inscenace svých oper, diskutovat o rolích se zpěváky, vést rozsáhlou korespondenci, dirigovat orchestry, učit, a hlavně psát obrovské množství děl. V březnu 1703 byl Vivaldi vysvěcen na klérus – stal se knězem. Pro jeho barvu vlasů se mu přezdívalo „červený mnich“. Má se za to, že kvůli svému zdraví slavil Vivaldi jen několik mší a brzy to opustil, i když pokračoval ve skládání duchovní hudby.
V září 1703 začal Vivaldi pracovat jako učitel v benátském charitativním domově pro sirotky „Pio Ospedale delia Pieta“.
Konzervatoř "Pieta" v Benátkách
Dětské útulky (nemocnice) u kostelů se tehdy nazývaly zimní zahrady. Zde učil dívky hrát na housle a violu d'amour, dohlížel také na konzervaci smyčcových nástrojů a nákup nových houslí. Koncerty jeho žáků byly mezi osvícenou benátskou veřejností velmi oblíbené následující popis benátských konzervatoří: „Skvělé jsou tu čtyři hudební nemocnice a jsou plné nemanželských dívek, stejně jako sirotků nebo těch, jejichž rodiče je nemohou vychovávat státu a vyučují se hlavně hudbě, hrají na housle, flétnu, hoboj, violoncello, fagot, zkrátka není tak objemný nástroj, který by se bál, na každý koncert ty, není nic přitažlivějšího, než vidět mladou a krásnou jeptišku v bílých šatech s kyticemi květů z granátového jablka na uších, jak bije se vší grácií a přesností."
Vivaldiho houslové koncerty se staly široce známými v západní Evropě a zejména v Německu. Jak jsme již řekli, J. S. Bach „pro radost a poučení“ osobně aranžoval Vivaldiho houslové koncerty pro klavír a varhany. Ve stejných letech napsal Vivaldi své první opery „Ottone“ (1713), „Orlando“ (1714), „Nero“ (1715). V Mantově v letech 1718-1720. píše především opery pro masopustní období a také instrumentální díla pro vévodský dvůr.
V roce 1717 byl Vivaldi již slavným umělcem, skladatelem a učitelem, někteří z jeho žáků se stali slavnými hudebníky, jednou z nich byla Anna Giraud.
V roce 1725 vyšel jeden ze skladatelových nejslavnějších opusů „Zážitek z harmonie a invence“ (op. 8). Sbírka se skládá z 12 houslových koncertů. První 4 koncerty jsou pojmenovány skladatelem „Jaro“, „Léto“, „Podzim“ a „Zima“. Později to spojili do série „Seasons“ (toto není jméno autora). Za nejslavnější a nejhranější díla jsou považovány čtyři houslové koncerty „The Seasons“, součást cyklu „Spor o harmonii s vynálezem“.
V roce 1740, krátce před svou smrtí, se Vivaldi vydal na svou poslední cestu do Vídně, kde zemřel v domě vdovy po vídeňském sedláři a byl pohřben jako chudák. Přesné datum Vivaldiho smrti je také neznámé - většina zdrojů uvádí 1743. A pak bylo jeho jméno zapomenuto.
Hudební dědictví Antonia Vivaldiho
Téměř o 200 let později objevil italský muzikolog A. Gentili unikátní sbírku skladatelových rukopisů, která se skládala z 300 koncertů, 19 oper, duchovních i světských vokálních děl. Opravdové oživení Vivaldiho bývalé slávy začalo
V Rusku je Vivaldi jedním z nejoblíbenějších skladatelů. Často se hraje a Vivaldiho tvůrčí odkaz je obrovský: více než 700 titulů. Z toho je asi 500 koncertů, včetně 230 pro housle, skladatelův oblíbený nástroj. Napsal také koncerty pro violu d'amour, violoncello, mandolínu, podélnou a příčnou flétnu, hoboj, fagot. Vytvořil více než 60 koncertů pro smyčcový orchestr a baso pokračování, sonáty pro různé nástroje a více než 40 oper (pouze polovina z nich). partitury se dochovaly Kromě toho jsou zde četná vokální díla Vivaldiho: kantáty, oratoria, duchovní díla Mnoho Vivaldiho instrumentálních děl má programové titulky Již za svého života se Vivaldi proslavil jako vynikající znalec orchestru, vynálezce mnoha koloristické efekty a hodně se zasloužil o rozvoj techniky hry na housle.
Z pěti předpokládaných portrétů velkého skladatele je za nejspolehlivější považován ten nejstarší, který vytvořil P. Ghezzi v roce 1723.
P.L. Ghezzi "Rudý kněz" (karikatura Vivaldi, 1723)
Jeho žák Pencherl končí svůj popis učitele takto: „Tak se nám Vivaldi jeví, když o něm spojíme všechny jednotlivé informace: stvořený z kontrastů, slabý, nemocný, a přesto živý jako střelný prach, připravený na podráždění a okamžitě uklidnit se, přejít od světské ješitnosti k pověrčivé zbožnosti, tvrdohlavý a zároveň vstřícný, když je to nutné, mystik, ale připravený sestoupit na zem, když jde o jeho zájmy, a vůbec ne hlupák, když si organizuje své záležitosti. “
Totéž lze říci o jeho hudbě: vysoká duchovnost se v ní snoubí s touhou po životních zážitcích, vysoká se mísí s každodenním životem - zpěv ptáků, zpěv sedláků, šumění jarního potoka, šumění hrom... Jeho hudba se vyznačuje upřímností, svěžestí, spontánností a osobitou lyrikou. Právě to přitahuje k jeho hudbě řadu interpretů a posluchačů již více než 200 let.
Antonio Vivaldi je vynikající houslista a skladatel, jeden z nejvýraznějších představitelů italského houslového umění 18. století. Na rozdíl od Corelliho, se svým vzácným zaměřením na několik žánrů, skladatel-houslista Vivaldi, který napsal více než 500 koncertů pro různé skladby a 73 sonát pro různé nástroje, vytvořil 46 oper, 3 oratoria, 56 kantát a desítky kultovních děl. Jeho oblíbeným žánrem v jeho tvorbě byl ale bezesporu instrumentální koncert. Koncerti grossi navíc tvoří jen o něco více než desetinu jeho koncertů: vždy preferoval sólovou tvorbu. Více než 344 z nich je napsáno pro jeden nástroj (s doprovodem) a 81 pro dva nebo tři nástroje. Mezi sólovými koncerty je 220 houslových koncertů. Vivaldi, který měl bystrý smysl pro barvu zvuku, vytvořil koncerty pro širokou škálu skladeb.
Koncertní žánr zaujal skladatele především šíří svého působení, přístupností širokému publiku, dynamikou třídílného cyklu s převahou rychlých temp, výraznými kontrasty tutti a soli a brilantností virtuózního přednesu. . Virtuózní instrumentální styl přispěl k celkové jasnosti dojmů z figurativní stavby díla. Právě v této tvůrčí interpretaci byl tehdejší koncert největším a nejpřístupnějším z instrumentálních žánrů a zůstal jím až do etablování symfonie v koncertním životě.
Ve Vivaldiho díle získal koncert poprvé ucelenou podobu, uvědomující si skryté možnosti žánru. Patrné je to zejména na interpretaci sólového začátku. Jestliže v Corelliho Concerto grosso mají krátké sólové epizody o několika taktech každá uzavřený charakter, pak ve Vivaldim, zrozeném z neomezeného letu fantazie, jsou strukturovány jinak: ve volném, improvizačním podání svých partů, virtuos
povaha nástrojů. S tím se zvětšuje škála orchestrálních ritornel a celá forma získává zcela nový dynamický charakter se zdůrazněnou funkční čistotou harmonií a ostře akcentovanými rytmy.
Jak již bylo zmíněno, Vivaldi vlastní obrovské množství koncertů pro různé nástroje, především pro housle. Za skladatelova života vyšlo poměrně málo koncertů - 9 opusů, z toho 5 opusů pokrývá 12 koncertů a 4 obálky 6. Všechny, s výjimkou 6 koncertů op. 10 pro flétnu a orchestr, určeno pro jedny nebo více houslí s doprovodem. Z celkového počtu Vivaldiho koncertů tak vyšla méně než 1/5, což vysvětluje nejen v té době nerozvinuté hudební vydavatelství. Možná, že Vivaldi záměrně nedovolil zveřejnění svých nejsložitějších a technicky nejúspěšnějších koncertů a snažil se udržet tajemství svých interpretačních schopností v tajnosti. (Později totéž udělal N. Paganini.) Je příznačné, že naprostá většina opusů vydaných samotným Vivaldim (4, 6, 7, 9, 11, 12) sestává z nejsnáze proveditelných houslových koncertů. Výjimkou jsou slavné opusy 3 a 8: op. 3 obsahuje Vivaldiho první publikované a tedy zvláště významné koncerty, jejichž šířením se snažil prosadit svou skladatelskou pověst; z 12 koncertů op. 8–7 mají názvy programů a zaujímají ve skladatelově díle velmi zvláštní místo.
Dvanáct koncertů z op. 3, nazvané skladatelem „Harmonic Inspiration“ („L“Estro Armonico“), byly nepochybně široce známé již dlouho před vydáním v Amsterdamu (1712), což potvrzují ručně psané kopie jednotlivých koncertů umístěných v mnoha evropských městech. styl a originální “ Dvouakordové členění partů orchestru umožňuje datovat vznik cyklu do počátku 18. století, kdy Vivaldi hrál v katedrále sv. Marka Orchestrální party každého z koncertů jsou uvedeny v an 8hlasá verze - 4 housle, 2 violy, violoncello a kontrabas s činelem nebo varhanami díky tomu je orchestrální zvuk rozdělen v due cori (do dvou sborů), což se u Vivaldiho následně vyskytuje velmi zřídka „dvousborové“ skladby v tomto případě Vivaldi navázal na dlouholetou tradici, která se v té době již zcela vyčerpala.
Nebo. 3 odráží přechodnou etapu ve vývoji instrumentálního koncertu, kdy tradiční techniky stále koexistují s novými trendy. Celý opus je rozdělen do 3 skupin po 4 koncertech podle počtu použitých sólových houslí. V první skupině jsou 4, ve druhé 2 a ve třetí jeden. Koncerty pro 4 housle až na jednu výjimku již nikdy nevznikly. Tato skupina koncertů se svou malou členitostí sólových sekcí a tutti nejvíce blíží Corelliho Concertu grossu. Koncerty pro dvoje housle s rozvinutějšími ritornelly v interpretaci sólového začátku také v mnohém připomínají Corelliho. A pouze na koncertech pro jedny housle dostávají sólové epizody dostatečně plný rozvoj.
Nejlepší koncerty tohoto opusu patří k nejčastěji uváděným. Jedná se o koncerty h moll pro 4 housle, a moll pro 2 a E dur pro jedny. Jejich hudba měla ohromit současníky novostí jejich životního smyslu, vyjádřeného neobyčejně živými obrazy. Již v našich dnech jeden z badatelů napsal o předposlední sólové epizodě ze třetí části dvojkoncertu a moll: „Zdá se, že v přepychovém sále baroka se otevřela okna a dveře a svobodná příroda vstoupila s pozdrav; hudba zní hrdým, majestátním patosem, který 17. století ještě nezná: zvolání občana světa.“
Publikace op. 3 znamenal začátek Vivaldiho silného kontaktu s amsterodamskými nakladateli a necelá dvě desetiletí až do konce 20. let 18. století vycházela v Amsterdamu všechna další doživotní vydání skladatelových koncertů. Některé z těchto opusů mají i názvy, i když ne programové v pravém slova smyslu, ale pomáhající pochopit hudební záměr autora. Zjevně odrážejí fascinaci skladatelů figurálními asociacemi, která byla pro tuto dobu charakteristická. Tedy 12 koncertů pro jedny housle s doprovodem op. 4 se nazývají „La Stravaganza“, což lze přeložit jako „excentricita, podivnost“. Tento název měl snad zdůraznit mimořádnou odvahu hudebního myšlení, která je tomuto opusu vlastní. 12 koncertů pro jedny a dvoje housle s doprovodem op. 9 mají název „Lyra“ („La Cetra“), který zde zjevně symbolizuje hudební umění. Konečně již zmíněný op. 8 se svými 7 programovými koncerty nese název „Zážitek harmonie a fantazie“ („II Cimento dell'Armonia e dell“ Inventione“), jako by chtěl autor upozornit posluchače, že jde jen o skromný pokus, pokusné hledání v dosud neznámá oblast hudební expresivity.
Vydání koncertů se časově shodovalo s rozkvětem Vivaldiho činnosti jako virtuózního houslisty a vedoucího orchestru Ospedale. Ve svých zralých letech patřil k nejslavnějším houslistům tehdejší Evropy. Partitury publikované za muzikantova života nepodávají úplný obraz o jeho úžasných interpretačních schopnostech, které sehrály obrovskou roli ve vývoji houslové techniky. Je známo, že v té době ještě existoval běžný typ houslí s krátkým krkem a malým krkem, který neumožňoval použití vysokých poloh. Soudě podle svědectví svých současníků vlastnil Vivaldi housle se speciálně protaženým krkem, díky kterému mohl volně dosáhnout 12. pozice (v jedné z kadenz jeho koncertů je nejvyšší tón F os 4. oktávy – např. V porovnání jsme zaznamenali, že Corelli byl omezen na použití 4. a 5. pozice).
Tak popisuje jeden z jeho současníků ohromující dojem z Vivaldiho vystoupení v Teatro Sant'Angelo 4. února 1715: „... doprovázející zpěváka na konci představení, Vivaldi skvěle předvedl sólo, které se pak změnilo v Fantazie, která mě přivedla do opravdového hororu, protože takový nikdo nikdy neuměl a ani nebude moci hrát; Neuvěřitelnou rychlostí předvedl na všech 4 strunách něco, co připomínalo fugu, zvedl prsty levé ruky tak vysoko na hmatník, že je dělila od stojanu na vzdálenost ne větší než tloušťka brčka, a nebyl tam žádný zbyl prostor pro hru smyčcem na struny...“ .
Přes možnou nadsázku se tento popis jeví jako obecně věrohodný, jak potvrzují dochované kadenze Vivaldiho (celkem je známo 9 rukopisů jeho kadencí). Nejplněji odhalují Vivaldiho úžasný technický talent, který mu umožnil výrazně rozšířit výrazové schopnosti nejen houslí, ale i dalších nástrojů. Jeho hudba pro smyčcové hráče vynalézavě využívá nové technické techniky, které se v té době rozšířily: hra akordů s různými možnostmi arpeggia, používání vysokých poloh, smyčcové efekty staccata, ostré hody, barioláž atd. Jeho koncerty ukazují, že byl houslistou s vysoce rozvinutá smyčcová technika, která zahrnovala nejen jednoduché a nestálé staccato, ale také sofistikované arpeggiační techniky se stínováním, které bylo v té době neobvyklé. Vivaldiho fantazie při vymýšlení různých možností hraní arpeggií se zdá nevyčerpatelná. Stačí odkázat na 21taktové Larghetto z druhé věty Koncertu h moll op. 3, ve kterém se současně používají tři typy arpeggií, které se střídavě dostávají do popředí.
A přesto největší předností houslisty Vivaldiho byla zjevně mimořádná pohyblivost jeho levé ruky, která neznala žádná omezení při používání jakékoli polohy na hmatníku.
Zvláštnosti Vivaldiho interpretačního stylu dodaly hře orchestru Ospedale, který řadu let vedl, punc jedinečné originality. Vivaldi dosáhl mimořádné jemnosti dynamických gradací a nechal daleko za sebou vše, co je v této oblasti mezi svými současníky známé. Důležité také je, že vystoupení orchestru Ospedale se odehrávala v kostele, kde vládlo nejpřísnější ticho, umožňující rozeznat i ty nejjemnější nuance zvučnosti. (V 18. století doprovázela orchestrální hudba obvykle hlučná jídla, kde o pozornosti k detailu v provedení nemohlo být ani řeči.) Vivaldiho rukopisy vykazují hojnost jemných přechodů zvučných odstínů, které skladatel obvykle nepřenášel do tištěných partitur. , protože v té době byly takové nuance považovány za nevymahatelné. Badatelé Vivaldiho práce zjistili, že plná dynamická škála jeho děl pokrývá 13 (!) gradací zvučnosti: od pianissima po fortissimo. Důsledné používání takových odstínů vlastně vedlo k efektům crescendo nebo diminuendo – tehdy zcela neznámým. (V 1. polovině 18. století měla změna znělosti smyčců „terasovitý“ charakter, jako vícemanuálový činel nebo varhany.)
Po houslích vzbudilo Vivaldiho největší pozornost mezi smyčci violoncello. Jeho pozůstalost zahrnuje 27 koncertů pro tento nástroj s doprovodem. Počet je úžasný, protože v té době bylo violoncello ještě zřídka používáno jako sólový nástroj. V 17. století byl znám především jako nástroj continuo a teprve na počátku století dalšího se stal sólistou. První violoncellové koncerty se objevily na severu Itálie, v Bologni, a Vivaldi je nepochybně znal. Jeho četné koncerty svědčí o hluboce organickém pochopení podstaty nástroje a jeho inovativní interpretace. Vivaldi jasně vyzdvihuje nízké tóny violoncella, připomínající zvuk fagotu, někdy omezuje doprovod na jedno continuo pro posílení účinku. Sólové části jeho koncertů obsahují značné technické potíže, vyžadující od interpreta velkou pohyblivost levé ruky.
Postupně Vivaldi zaváděl do violoncellových partů nové techniky houslové hry: rozšiřování počtu poloh, staccato, smyčcové hody, používání nesousedících strun v rychlém pohybu atd. Vysoká umělecká úroveň Vivaldiho violoncellových koncertů umožňuje řadit je mezi tzv. nejvýraznější příklady tohoto žánru. Skladatelova tvorba zahrnuje dvě desetiletá období, zvláště významná pro vývoj nového nástroje, 10leté výročí předcházející vzniku Bachových suit pro sólové violoncello (1720).
Vivaldi, uchvácen novými druhy smyčců, nevěnoval rodině viol téměř žádnou pozornost. Jedinou výjimkou je viola d'amore (lit. - viola lásky), pro kterou napsal šest koncertů. Vivaldiho nepochybně upoutal jemný stříbřitý zvuk tohoto nástroje, vytvářený podtóny rezonančních (alikvótních) kovových strun natažených pod stojanem. Viola d'amore je mnohokrát používána jako nepostradatelný sólový nástroj v jeho vokálních dílech (zejména v jedné z nejlepších árií oratoria „Judith“. Vivaldi také vlastní jeden koncert pro violu d'amore a loutnu.
Zvláště zajímavé jsou Vivaldiho koncerty pro dechové nástroje – dřevo a žesť. Zde byl jedním z prvních, kdo se obrátil k novým odrůdám nástrojů a položil základy jejich moderního repertoáru. Vytvářením hudby pro nástroje mimo rámec vlastní interpretační praxe objevil Vivaldi nevyčerpatelnou invenci v interpretaci jejich výrazových možností. I dnes jeho koncerty pro dechové nástroje kladou na interprety vážné technické požadavky.
Flétna je ve Vivaldiho díle používána různými způsoby. Na počátku 18. století existovaly její dvě odrůdy – podélná a příčná. Vivaldi psal pro oba typy nástrojů. Významný byl zejména jeho podíl na tvorbě repertoáru pro příčnou flétnu jako sólový koncertní nástroj. Všimněte si, že pro ni prakticky neexistovala žádná koncertní díla. Flétnisté často předváděli díla určená pro housle nebo hoboj. Vivaldi jako jeden z prvních vytvořil koncerty pro příčnou flétnu, které odhalily nové výrazové a dynamické možnosti jejího zvuku.
Kromě dvou hlavních variant nástroje psal Vivaldi také pro flétnu, flétnu zjevně podobnou moderní pikolové flétně. Velkou pozornost věnoval Vivaldi hoboji, který zaujímal čestné místo v operních orchestrech 17. století. Hoboj byl zvláště často používán v „hudbě pod širým nebem“. Dochovalo se 11 Vivaldiho koncertů pro hoboj a orchestr a 3 koncerty pro dva hoboje. Řada z nich vyšla ještě za skladatelova života.
Na 3 koncertech pro různé nástroje („con molti Istromenti“) použil Vivaldi klarinet, který byl tehdy ještě v experimentální fázi svého vývoje. Klarinet je také součástí partitury oratoria „Judith“.
Vivaldi napsal úžasné množství pro fagot - 37 sólových koncertů s doprovodem. Kromě toho se fagot používá téměř na všech komorních koncertech, na kterých se obvykle kombinuje s témbrem violoncella. Interpretace fagotu ve Vivaldiho koncertech se vyznačuje častým používáním nízkých, hutných rejstříků a rychlým staccatem, což vyžaduje od interpreta vysoce rozvinutou techniku.
Vivaldi se k žesťovým nástrojům obracel mnohem méně často než k dřevěným dechovým nástrojům, což se vysvětluje obtížností jejich použití v tehdejším recitálu. V 18. století se mosazná stupnice ještě omezovala na přírodní tóny. Na sólových koncertech proto žesťové party většinou nepřesahovaly C a D dur a potřebné tónové kontrasty byly svěřeny smyčcům. Vivaldiho Koncert pro dvě trubky a dva koncerty pro dva lesní rohy a orchestr ukazují skladatelovu pozoruhodnou schopnost kompenzovat omezení přirozeného rozsahu pomocí častých imitací, opakování zvuků, dynamických kontrastů a podobných technik.
V prosinci 1736 se objevily dva Vivaldiho koncerty pro jednu a dvě mandolíny a orchestr. Díky transparentní orchestraci s častými pizzicaty dosáhli organické jednoty s témbrem sólových nástrojů, plné okouzlující krásy zvuku. Mandolína přitahovala Vivaldiho pozornost svým barevným témbrem a jako doprovodný nástroj. V jedné z árií oratoria „Judita“ byla mandolína použita jako povinný nástroj. Části dvou mandolín jsou zahrnuty do partitury koncertu provedeného v Ospedale v roce 1740.
Kromě jiných drnkacích nástrojů použil Vivaldi loutnu, kterou použil na dvou svých koncertech. (V dnešní době se loutnový part obvykle hraje na kytaru.)
Povoláním houslista se skladatel Vivaldi v podstatě vždy držel vzorů houslové kantilény. Není divu, že téměř nikdy nepoužíval klávesy jako sólové nástroje, i když si pro ně vždy zachoval funkci continue. Výjimkou je Koncert C dur pro několik nástrojů se dvěma sólovými činely. Vivaldiho velmi zaujal další klávesový nástroj – varhany s bohatou paletou barev a zvuků. Známých je šest Vivaldiho koncertů se sólovými varhanami.
Fascinován rozmanitými možnostmi nové formy sólového koncertu se Vivaldi snažil o její využití v dílech pro soubory různého složení. Zvláště hodně psal pro dva a více nástrojů s doprovodem orchestru - celkem je známo 76 jeho koncertů tohoto druhu. Na rozdíl od Concerta grossa s obvyklým seskupením tří sólistů - dvoje housle a basso continuo představují tato díla zcela nový typ souborového koncertu. Jejich sólové sekce využívají skupiny nástrojů, které jsou složením i počtem velmi různorodé, čítající až deset účastníků; ve vývoji vystupují do popředí jednotliví sólisté nebo dominuje forma instrumentálního dialogu.
Vivaldi se také opakovaně obracel k typu orchestrálního koncertu, v němž převládá tutti sonorita, pouze proložená vystoupeními jednotlivých sólistů. Je známo 47 děl tohoto druhu, jejichž myšlenky značně předběhly dobu. Svým orchestrálním koncertům dal různé názvy a označil je jako „Sinfonia“, „Concerto“, „Concerto a quattro“ (čtyřčlenný) nebo „Concerto ripieno“ (tutti).
Velký počet orchestrálních koncertů Vivaldiho svědčí o jeho trvalém zájmu o tento typ žánru. Práce v Ospedale ho zřejmě nutila často využívat podobné formy muzicírování, které nevyžadovaly prvotřídní sólisty.
A konečně speciální skupinu tvoří Vivaldiho komorní koncerty pro několik sólistů bez doprovodu orchestru. Zvláště důmyslně využívají možností kombinování povahově odlišných nástrojů. Mezi 15 díly tohoto druhu jsou již zmíněné 4 koncerty z 10 v prvním vydání.
O rozvoj sólového koncertu (především houslového koncertu) se zasloužil A. Vivaldi, jehož hlavní oblastí tvorby byla instrumentální hudba. Mezi jeho mnoha koncerty zaujímají ústřední místo koncerty pro jedny nebo dvoje housle a orchestr.
Vivaldi učinil důležité akvizice na poli tematického vývoje a kompoziční formy. Pro první věty svých koncertů nakonec vyvinul a ustálil formu blízkou rondu, kterou později převzal I.S. Bach, stejně jako klasičtí skladatelé.
Vivaldi přispěl k rozvoji virtuózní houslové techniky a vytvořil nový, dramatický styl výkonu. Vivaldiho hudební styl se vyznačuje melodickou velkorysostí, dynamickým a výrazným zvukem, transparentností orchestrálního psaní, klasickou harmonií kombinovanou s emocionálním bohatstvím.
Reference
- Harnoncourt N. Programová hudba – Vivaldiho koncerty op. 8 [Text] / N. Harnocourt // Sovětská hudba. – 1991. – č. 11. – S. 92-94.
- Beletsky I.V.. Antonio Vivaldi [Text]: stručný nástin života a díla / I. V. Beletsky. – L.: Hudba, 1975. – 87 s.
- Zeyfas N. Starý muž s úžasnou nevyčerpatelnou vášní pro kompozici [Text] / N. Zeyfas // Sovětská hudba. – 1991. – č. 11. – S. 90-91.
- Zeyfas N. Concerto grosso v dílech Händela [Text] / N. Zeifas. – M.: Muzika, 1980. – 80 s.
- Livanová T. Dějiny západoevropské hudby do roku 1789 [Text]. Ve 2 svazcích. T. 1. Do 18. století / T. Livanová. – 2. vyd., přepracováno.
- a doplňkové – M.: Muzika, 1983. – 696 s. Lobanova M
- . Západoevropské baroko: problémy estetiky a poetiky [Text] / M. Lobanova. – M.: Muzika, 1994. – 317 s. Raaben L
- . Barokní hudba [Text] / L. Raaben // Otázky hudebního stylu / Leningradská státní univerzita. Institut divadla, hudby a kinematografie. – Leningrad, 1978. – S. 4-10. Rosenschild K
- . Dějiny zahraniční hudby [Text]: učebnice pro interprety. fak. zimní zahrady. Vydání 1 Do poloviny 18. století / K. Rosenschild. – M.: Muzika, 1969. – 535 s. Solovtsov A.A.
. Koncert [Text]: populárně naučná literatura / A. A. Solovtsov. – 3. vyd., dodat. – M.: Muzgiz, 1963. – 60 s.
Vivaldimu se pro jeho barvu vlasů přezdívalo „rudý kněz“ (Prete rosso). Ve skutečnosti spojil profesi hudebníka s povinnostmi duchovního, ale poté byl propuštěn pro „ilegální“ chování během bohoslužby. Poslední léta skladatel prožil ve Vídni, kde zemřel v chudobě.
Vivaldiho tvůrčí dědictví zahrnuje více než 700 titulů: 465 instrumentálních koncertů (z toho padesát grossi), 76 sonát (včetně triových sonát), asi 40 oper (jedním z jeho libretistů byl slavný C. Goldoni), kantátovo-oratorní díla vč. duchovní texty. Hlavní historický význam jeho díla spočívá ve vytvoření sólového instrumentálního koncertu.
Jeden z nejcitlivějších umělců své doby, Vivaldi byl jedním z prvních skladatelů, kteří v umění vnesli do popředí otevřenou emocionalitu, vášeň (afekt) a individuální lyrické cítění. Pod jeho nepochybným vlivem ustoupil v klasické éře do pozadí pro několik sólistů mimořádně typický typ koncertu barokní hudby (concerto grosso) a ustoupil koncertu sólovému. Nahrazení skupiny sólistů jednou stranou bylo výrazem homofonních tendencí.
Právě Vivaldi rozvinul strukturu a tématické téma pozdně barokního recitálu. Pod vlivem italské operní předehry založil třídílný koncertní cyklus (rychle - pomalu - rychle) a nařídil návaznost tutti a sóla vycházející z barokní koncertní formy.
Koncertní podoba baroka byla založena na střídání ritornella (hlavního tématu), opakovaně vraceného a transponovaného, s epizodami založenými na nových melodických tématech, figurativním materiálu nebo motivickém zpracování hlavního tématu. Tento princip mu dal podobnost s rondem. Textura se vyznačuje kontrasty mezi orchestrálním tutti a sólem, které odpovídají vzhledu ritornela a epizod.
První části Vivaldiho koncertů jsou energické, asertivní, rozmanité texturou a kontrasty. Druhé části zavedou posluchače do oblasti textů. Dominuje zde zpěvnost, obdařená improvizačními prvky. Textura je převážně homofonní. Finále jsou brilantní, nabité energií a dovršují cyklus v rychlém, živém pohybu.
Dynamická 3větá cyklická forma Vivaldiho koncertů vyjadřovala umělecké ideály umění „dobře organizovaného kontrastu“. Logika jejich figurativního vývoje prozrazuje vliv obecného estetického pojetí barokní doby, která rozdělovala lidský svět do tří hypostáz: Akce – kontemplace – hra.
Vivaldiho sólový instrumentální koncert je zaměřen na malý soubor smyčcových nástrojů pod vedením sólisty. Může to být violoncello, viola, podélná nebo příčná flétna, hoboj, fagot, trubka a dokonce i mandolína nebo šál. A přesto nejčastěji hrají housle roli sólisty (cca 230 koncertů). Houslová technika Vivaldiho koncertů je pestrá: rychlé pasáže, arpeggia, tremolo, pizzicato, dvojnoty (do nejtěžších desátých úseků), scordatura, použití nejvyššího rejstříku (do 12. pozice).
Vivaldi proslul jako vynikající znalec orchestru, vynálezce mnoha koloristických efektů. Měl bystrý smysl pro barvu zvuku a volně používal mnoho nástrojů a jejich kombinací. Hoboje, lesní rohy, fagoty, trubky a cor anglais nepoužíval jako záložní hlasy, ale jako samostatné melodické nástroje.
Vivaldiho hudba absorbovala prvky pestrého benátského hudebního folklóru, bohatého na melodické canzony, barcarolly a ohnivé taneční rytmy. Skladatel byl obzvláště ochoten spoléhat na Sicilianu a hojně využíval 6/8 taktu typického pro italské lidové tance. Často s použitím akordově harmonické struktury mistrně používal polyfonní vývojové techniky.
Při vydávání svých koncertů v sériích 12 nebo 6 děl, Vivaldi také dal obecná označení pro každou sérii: „Harmonická inspirace“ (op. 3), „Extravagance“ (op. 4), „Cithera“ (op. 9).
Vivaldiho lze nazvat zakladatelem programové orchestrální hudby. Většina jeho koncertů má specifický program. Například: „Lov“, „Bouře na moři“, „Pastýřka“, „Odpočinek“, „Noc“, „Oblíbený“, „Goldfinch“.
Vivaldiho houslové koncerty se velmi brzy staly široce známými v západní Evropě a zejména v Německu. Velký J. S. Bach „pro potěšení a poučení“ osobně uspořádal devět Vivaldiho houslových koncertů pro klavír a varhany. Díky těmto hudebníkům se Vivaldi, který nikdy nebyl v severních německých zemích, stal v plném smyslu slova „otcem“ německého instrumentalismu 18. století. Vivaldiho koncerty, které se rozšířily po celé Evropě, sloužily jeho současníkům jako příklady koncertního žánru. Klavírní koncert se tak vyvíjel pod nepochybným uměleckým vlivem houslového koncertu (můžeme posloužit jako přesvědčivý příklad).
28. července 1741 zemřel skladatel Antonio Vivaldi. V dějinách hudby je uznávaným géniem a samozřejmě není téměř nikdo, kdo by jeho díla nikdy neslyšel. O samotném Vivaldim a jeho životě se však mnoho neví. Obnovme spravedlnost - vzpomeňte si na biografii velkého skladatele.
Antonio se narodil 4. března 1678 v Benátské republice v rodině holiče Giovanniho Battisty a Camilly Calicchiu. Dítě se narodilo o dva měsíce dříve a bylo velmi slabé, v důsledku čehož bylo hned po narození pokřtěno. Lékaři mu později diagnostikovali „těsnost na hrudi“, tedy astma. Tím se Vivaldimu v budoucnu zavřela možnost hrát na dechové nástroje.
Vivaldi dokázal napsat celovečerní operu za 5 dní
Otec budoucího hudebníka měl v mládí rád hudbu a naučil se hrát na housle, později mu bylo nabídnuto místo hlavního houslisty v kapli katedrály sv. Sám otec malého Antonia mu dal první lekce hry na nástroj. Chlapec byl natolik zdatným studentem, že od roku 1689 nahradil svého otce v kapli. Tam byl mladý génius obklopen duchovenstvem, což určilo volbu jeho budoucího povolání: Vivaldi se rozhodl stát se duchovním. To mu však nebránilo pokračovat ve studiu hudby a spojit dvě věci.
Vivaldiho dům v Benátkách
Jeho církevní kariéra však neprobíhala hladce kvůli Vivaldiho špatnému zdraví. Jako kněz sloužil jen několik mší a poté přestal vykonávat své povinnosti, zůstal však duchovním. Antonio, který se osvědčil jako vynikající hudebník, dostává nabídku stát se pedagogem na benátské konzervatoři. Své studenty učil jak duchovní, tak světské hudbě. Během těchto let napsal Vivaldi mnoho děl pro studenty - koncerty, kantáty, sonáty, oratoria. V roce 1704 dostal kromě místa učitele houslí i povinnosti učitele hry na violu. V roce 1716 se stal vedoucím konzervatoře, zodpovědný za veškerou hudební činnost.
Vivaldi byl jednou z inspirací skladatele Bacha
V 1710s, Vivaldi začal získávat slávu jako skladatel. Jeho jméno bylo uvedeno v „Průvodci Benátkami“, kde byl nazýván virtuózním houslistou. Cestovatelé, kteří navštíví slavné italské město, rozšířili slávu Vivaldiho za hranice Itálie. Tak byl Vivaldi představen dánskému králi Fridrichu IV., kterému následně věnoval 12 houslových sonát. Od roku 1713 se Vivaldi zkoušel jako operní skladatel. Napsal „Ottone at the Villa“ a „Roland Pretending to Be Mad“ – tato díla zajistila Vivaldimu slávu a během následujících 5 let bylo nastudováno dalších 8 oper skladatele. Navzdory zběsilému pracovnímu vytížení se Vivaldi nevyhýbal povinnostem vedoucího konzervatoře a dokázal je skloubit se svými skladatelskými aktivitami.
Vanessa Mae hraje Vivaldiho
Ne všichni však byli Vivaldiho operami nadšeni – například skladatel Bendetto Marcello vydal brožuru, kde Vivaldiho dílo zesměšnil. To donutilo Antonia na několik let přestat pracovat na operách.
Po Vivaldim je pojmenován kráter na planetě Merkur
V roce 1717 přijal Vivaldi nabídku na místo kapelníka na dvoře prince Filipa Hesensko-Darmstadtského, guvernéra Mantovy. Pod dojmem okolí tohoto města se zrodil slavný cyklus houslových koncertů, v Rusku známý jako „The Seasons“ (správně „The Four Seasons“). V Mantově se navíc Vivaldi setkává s operní pěvkyní Annou Giraud, kterou následně všem představuje jako svou studentku. Giraudova sestra Paolina skladatele všude doprovázela a starala se o jeho zdraví – Vivaldiho sužovaly astmatické záchvaty. Obě dívky žily s Vivaldim v jeho domě v Benátkách, což vyvolalo rozhořčení na straně duchovenstva, protože byl stále duchovním. V roce 1738 mu bylo zakázáno sloužit mši z důvodu skladatelova „pádu z milosti“. Sám Vivaldi však popíral nejrůznější drby a spekulace týkající se jeho vztahu se sestrami Giraudovými, které byly pouze jeho žáky.
Mantova
Jedním ze znalců Vivaldiho hudby byl filozof a spisovatel Jean-Jacques Rousseau, který provedl některá skladatelova díla na flétnu. Mezi obdivovatele jeho talentu patřil císař Karel VI. a ve 30. letech 18. století se Vivaldi rozhodl přestěhovat do Vídně a nahradit skladatele na císařském dvoře. Aby získal peníze na cestu, musel prodat své rukopisy za centovou cenu. Vivaldiho sláva pohasla, v Benátkách už nebyl tak populární. Hudebníka začaly pronásledovat neúspěchy: krátce po příjezdu do Vídně umírá Karel VI. a začíná válka o rakouské dědictví. Vivaldi odjíždí do Drážďan hledat novou práci, ale onemocní. Do Vídně se vrátil již těžce nemocný, chudý a všemi zapomenutý. Vivaldi zemřel 28. července 1741 a byl pohřben na hřbitově pro chudé do prostého hrobu.
Na téměř 200 let bylo Vivaldiho dílo zapomenuto
Vivaldiho hudební dědictví bylo zapomenuto na téměř 200 let: teprve ve 20. letech. Ve 20. století objevil italský muzikolog Gentili unikátní skladatelovy rukopisy: devatenáct oper, více než 300 koncertů, mnoho duchovních i světských vokálních děl. Předpokládá se, že Vivaldi za svůj život napsal více než 90 oper, ale pouze 40 má prokázané autorství.
