Současné umění: USA. Školní encyklopedie Současní američtí umělci

Každá země má své hrdiny současného umění, jejichž jména jsou známá, jejichž výstavy přitahují davy fanoušků a zvědavců a jejichž díla jsou prodávána do soukromých sbírek.

V tomto článku vám představíme nejpopulárnější současné umělce ve Spojených státech.

Iva Morrisová

Americká umělkyně Iva Morris se narodila do velké rodiny daleko od umění a umělecké vzdělání získala po škole. V roce 1981 získala bakalářský titul v oboru umění na University of New Mexico. Dnes se Iva věnuje umění již více než 20 let, její díla jsou známá doma i v zahraničí a opakovaně jí přinášejí ceny a ocenění. Můžete je vidět v galeriích v Albuquerque, Sante Fe, Novém Mexiku a Madridu.

Warren Chang

Urren Cheng se narodil v roce 1957 v Kalifornii a získal BFA v malbě na Pasadena College of Design a dalších 20 let pracoval jako ilustrátor pro různé společnosti, svou kariéru profesionálního umělce začal teprve v roce 2009. Chengův malířský styl má kořeny v díle umělce 16. století Johannese Vermeera – Warren Cheng pracuje realistickým způsobem a vytváří dvě hlavní kategorie: životopisné interiérové ​​malby a obrazy zobrazující lidi při práci. V současné době vyučuje na Akademii umění v San Franciscu.

Christopher Traedy Ulrich

Umělec Christopher Ulrich z Los Angeles je ikonografický surrealista. Jeho tvorba byla výrazně ovlivněna starověkou mytologií. Ulrichova první samostatná výstava (společná s umělcem Billy Shire) se konala v červnu 2009.

Michael DeVore

Mladý umělec a rodák z Oklahoma City Michael DeVore pracuje v klasické realistické tradici. K umění se dostal s pomocí a podporou své rodiny a před studiem výtvarného umění na Pepperdine University v Malibu získal ve svém rodném státě řadu ocenění. Poté umělec pokračoval ve studiu v Itálii. V současné době jsou jeho díla vystavována po celém světě a jsou v soukromých sbírkách. Michael DeVore je členem Oil Painters of America, International Guild of Realism, National Society of Oil and Acrylic Painters a Society of Portrait Painters of America.

Mary Carol Kenney

Mary Carol Kenny se narodila v Indianě v roce 1953. Vzděláním je velmi vágně příbuzná výtvarnému umění, ale od roku 2002, vedena touhou stát se umělkyní, začala navštěvovat kurzy sochařství a keramiky na Santa Barbara City College a poté začala studovat u Rickyho Shtrikha. Dnes je členkou The Santa Barbara Art Ass, cechu sochařů Santa Barbara a vítězkou mnoha ocenění v sochařství a malbě.

Patricia Watwoodová

Realistická umělkyně Patricia Watwood se narodila v roce 1971 v Missouri. Vystudovala s vyznamenáním Akademii výtvarných umění, studovala v dílně Jacoba Collinse a Teda Setha Jacobse. Styl umělkyně je moderní klasicismus: v jejích obrazech se prolínají mytologie, alegorie a moderní život. Posledních několik let Patricia přednášela o klasicismu po celé zemi a nyní žije se svou rodinou v Brooklynu.

Paula Rubino

Paula Rubino, současná americká umělkyně a spisovatelka, se narodila v roce 1968 v New Jersey a vyrostla na Floridě. Má doktorát z práv. V 90. letech se přestěhovala do Mexika a zaměřila se na malbu. Studovala umění kresby v Itálii, kde dokončila svůj první román. Vyšla také série jejích povídek. V současné době žije na Floridě.

Patssi Valdezová

Patssy Valdez se narodila v Los Angeles v roce 1951 a studovala výtvarné umění na Otis Art Institute, kde byla v roce 1980 jmenována význačnou absolventkou třídy. V roce 2005 obdržel Valdez cenu Latina of Excellence in the Cultural Arts a titul od amerického Kongresového hispánského fóra. Proslavila se na začátku své kariéry při spolupráci s avantgardní uměleckou skupinou ASCO. Je držitelem mnoha prestižních ocenění, včetně těch udělovaných J. Paul Getty Trust for the Visual Arts a National Endowment for the Arts. Získala Brody Fellowship in Visual Arts. Valdezovy obrazy jsou součástí několika velkých sbírek.

Cynthia Grilli

Umělkyně Cynthia Grilli získala BFA na Rhode Island School of Design v roce 1992 a MFA v malbě na New York Academy of Art v roce 1994. Její práce byly publikovány v mnoha amerických publikacích, vystavovány po celé zemi a jsou součástí soukromých i firemních sbírek v Americe a Evropě. Cynthia je dvojnásobnou držitelkou nadace Elizabeth Greenshields Foundation.

Eric Fischl

Eric Fischl se narodil v New Yorku v roce 1948. V roce 1972 promoval na California Institute of the Arts a získal bakalářský titul. Po absolutoriu nějakou dobu pracoval jako hlídač v Chicagském muzeu současného umění. Poté, co se Fischl přestěhoval do Skotska, začal učit na Nova Scotia College of Art and Design a začal přímo malovat. Jeho první osobní výstava se konala ve Skotsku. Žánry jeho děl jsou velmi rozmanité, ale především figurativní malba, epizody z moderního amerického života.

6. listopadu 2013

V polovině 19. století se krajina stala dominantním žánrem americké malby. Mnoho umělců té doby je sdruženo ve skupině „Hudson River School“, která zahrnovala více než 50 krajinářů dvou generací.

Za nejslavnějšího amerického krajináře těch let lze považovat Thomas Cole (1801-1848),

se narodil v Anglii a ve věku 17 let se s rodiči přestěhoval do Ameriky. Studoval malbu u kočovného umělce, byl samouk, hodně cestoval po zemi, navštívil Anglii a Itálii,

Americkou přírodu ale považoval za mnohem malebnější než evropskou.

Coleovu stylu se nejvíce blížil jeho přítel Asher Duran(1796-1886), který začínal jako grafik,

Ale poté, co cestoval s kamarádem po horách Ameriky, se začal zajímat o krajiny a hodně maloval ze života.

Umělec namaloval tento obraz na památku svého zesnulého přítele v aukci v roce 2007, zaplatilo se za něj 35 ​​milionů dolarů.

Jednou z ústředních postav Hudson River School byl Kostel Frederica Edwina, který se stal Coleovým studentem ve věku 18 let.
Od jara do podzimu cestoval po zemi a po světě,

Nejprve sám a pak s rodinou, často pěšky, kreslil, v zimě maloval své velké, zářivé obrazy a úspěšně je prodával.

Albert Bierstadt(1830-1902) také hodně cestoval po zemi a Evropě, ochotně maloval Alpy, ale jeho skutečnou láskou byly Skalisté hory,

Divoký západ, indiáni.

Tuto lásku dokázal přenést na svá velká plátna, mistrovsky využívající efektu světla a stínu.

Tomáš Moran(1836-1926), v dětství emigroval s rodiči z Anglie, jako teenager pracoval jako učeň řezbáře a v raném věku začal malovat krajiny.

Během studií v Anglii byl velmi ovlivněn díly Williama Turnera a jeho schopností naplnit svá plátna světlem.
Moran maluje krajiny Anglie, pohledy na Benátky,

ale většina jeho děl je věnována Divokému západu a jeho milovaným Skalistým horám. Jeho účast na průzkumné expedici do oblasti a jeho kresby přispěly k rozvoji Yellowstonu v národní park.

John Frederick Kensett(1816-1872), představitel „luminismu“ * v americké krajinomalbě Hudson River School. První umělecké vzdělání získal od svého otce, pracoval v jeho rytecké dílně, ale snil o malování krajin.

Jezdí do Anglie, pak do Francie, obdivuje nizozemskou a anglickou krajinomalbu a cestuje po Itálii.

Po návratu do Ameriky pokračoval Kensett v malování klidných krajin naplněných čistým světlem a provedených vynikajícím způsobem a získal si oblibu mezi sběrateli, úspěch a bohatství.

John F. Francis(1808 -1906), autodidakt, který začínal jako malíř portrétů, je známý svými zátišími.

Právě portrétování v něm probudilo zájem o drobné detaily, které ve své tvorbě tak úspěšně rozvíjel.

Zátiší bylo v té době populární, Francisovy obrazy byly žádané a stal se předním umělcem v žánru „stolního“ zátiší, zobrazujícího ovoce, ořechy, sýr, sušenky a další produkty.

Martin Johnson Pozor(1819-1904), narozen v rodině skladníka, začínal také jako malíř portrétů, udržoval přátelské vztahy s umělci Hudson River School a maloval romantické mořské krajiny,

procestoval Evropu, toulal se podél amerických břehů. Po cestách po tropech se hlavními tématy jeho tvorby staly floridské krajiny,

tropické ptactvo (asi 40 obrazů jen s kolibříky) a květiny, zejména magnólie.

Za svého života se nestal uznávaným a slavným umělcem, ale dnes jeho dílo najdete ve velkých muzeích, někdy i v garážích a na bleších trzích.

Thomas Eakins(1844-1916), jeden ze zakladatelů realistického hnutí, malíř, grafik, sochař, fotograf, učitel,

Byl jedním z prvních, kdo se obrátil k zobrazování městského života v Americe. Vzdělání získal ve Filadelfii, pokračoval v Paříži, cestoval po Evropě, obdivoval díla španělských realistických mistrů Velazqueze a Ribery a efekt světla a stínu u Rembrandta.

Právě od nich se naučil zobrazovat nahé tělo v pohybu, dramatičnost odehrávající se akce a kontrastovat tmavý interiér v portrétu s intenzivním světlem namířeným na obličej a postavu.

Eakins se během svého života nedočkal velkého uznání, ale pozdější potomci ocenili jeho realistický styl.

Winslow Homer(1838-1910), vynikající americký krajinář a rytec, který pracoval v realistickém stylu.

Počáteční umělecké vzdělání získal od své matky, která malovala talentované akvarely, a po ní zdědil ráznou, společenskou povahu a smysl pro humor. Jeho kariéra začala u grafiky, 20 let pracoval jako ilustrátor, o válce a jejích důsledcích dělal skici a kresby, na jejichž základě později tvořil obrazy.

Brzy po válce odjel Homer do Paříže, kde pokračoval v malování krajin a výjevů městského života, jeho tvorba byla blízká barbizonské škole. I když ve svých obrazech aktivně využívá hru světla, charakteristickou pro impresionisty, neexistují žádné důkazy o jejich vlivu na jeho tvorbu.

Největší slávu mu přinesly jeho obrazy s mořskou tématikou,

Výjevy z venkovského života a z cesty do Anglie přivezl obrazy vyprávějící o životě rybářských vesnic, mořské krajiny a akvarely.

Hodně cestuje po Spojených státech a Střední Americe, maluje tropické a zasněžené krajiny, děti a zvířata. Předpokládá se, že Homer byl jedním z generace umělců, kteří vytvořili vlastní americkou uměleckou školu.

James Whistler(1834-1903), narozený v rodině slavného inženýra,

V osmi letech se s rodiči přestěhoval do Petrohradu, kam byl jeho otec pozván, aby pracoval v železničním oddělení. Tam mladý Whistler nejprve navštěvoval soukromé hodiny kreslení a v 11 letech vstoupil na Imperial Academy of Arts. Nějakou dobu žil se svou matkou v Londýně, pokračoval ve studiu umění, kreslení a sbírání knih o malbě.

Po otcově smrti na choleru se Whistlerova rodina vrátila do Ameriky, žila skromně a on vstoupil na Vojenskou akademii ve West Pointu, ale fyzicky, externě ani morálně nebyl připraven na vojenskou kariéru a byl vyloučen. Pak se pevně rozhodl, že umění bude jeho budoucností, začal vytvářet lepty, odešel do Paříže a do vlasti se už nevrátil. Whistler si tam pronajal ateliér v Latinské čtvrti, vedl bohémský život, hodně kouřil a pil, ale také maloval kopie obrazů velkých mistrů v Louvru, aby si vydělal peníze, studoval umění, uctíval Courbeta a Corot, obdivoval japonskou grafiku a orientální umění obecně.

Po přestěhování do Londýna a úspěšné účasti na výstavě se Whistler brzy proslavil nejen jako umělec, ale díky svému vtipu, smyslu pro oblékání a velkorysosti si získal také mnoho přátel mezi umělci a spisovateli. Hodně cestoval, aby studoval díla velkých mistrů a maloval obrazy. V roce 1869 začal své obrazy podepisovat monogramem – motýlem, složeným z jeho iniciál.

Jeho oblíbené barvy jsou šedá, černá a hnědá. Whistler kázal „umění pro umění“, čisté, nezatížené nápady, apeloval spíše na umělecké cítění než na emoce a často dával svým obrazům hudební názvy.

Má se za to, že měl blízko k impresionismu náladou svých obrazů, nikoli však barevností a světelnými efekty.
V této prezentaci můžete vidět další obrazy všech zmíněných umělců.

Konečně jsem se dostal k mému oblíbenému tématu - "impresionisté", ale to až příště. Pokračování.

*Luminisim- směr v americké krajinomalbě, vyznačující se saturací světla, používáním letecké perspektivy a zatajováním viditelných tahů. (

Originál převzat z vanatik05 v AMERICKÉ MALOVÁNÍ – 5 (realistické tradice ve 20. století)

V roce 1913 Asociace amerických malířů a sochařů uspořádala první velkou mezinárodní výstavu moderního umění, Armory Show, ve zbrojnici Národní gardy na Lexington Avenue. Stala se důležitou událostí v dějinách amerického umění, která vyvolala různé emoce: překvapení, obdiv, rozhořčení, uctívání a naprosté odmítnutí u americké veřejnosti, zvyklé na realismus, do určité míry na impresionismus, ale ne na avantgardní evropské umění. které viděl na této výstavě. Na 1300 obrazů, soch a dekorativních děl od více než 300 současných evropských a amerických umělců navštívilo nejen New York, ale také Chicago a Washington.

Recenze výstavy obsahovaly nařčení z nemravnosti, neprofesionalismu, šílenství, šarlatánství, mnohá díla byla nazývána karikaturami a parodiemi malby a Theodore Roosevelt řekl: „To není vůbec umění!“

Civilní úřady však nezasahovaly a nesnažily se výstavu uzavřít a skandály kolem ní jen přispěly k úspěšnému prodeji mnoha děl, která jsou dnes k vidění v amerických muzeích a MoMA (The Museum of Modern Art) může obecně považován za dědice a pokračovatele těchto prvních výstav současného umění.

Nepřímo ovlivnila umělce realistického hnutí a realistické tradice v Americe nikdy nezanikly, nejenže přispěla ke změnám v kresebných technikách a tématech, ale dala vzniknout i takovým novým trendům v malbě, jako je „magický realismus“*;

A jeho odnoží je „precisionismus“**, charakteristický speciálně pro americké umělce,

A umělecké hnutí „regionalismus“*** (nebo regionalismus) zrozené v Americe.

Budeme mluvit o umělcích, představitelích různých směrů realistického umění v Americe 20. století.

Charles Burchfield(1893-1967), jeden z nejvýraznějších akvarelistů v Americe, který maloval své obrazy na stojanu technikou suchého štětce, brzy (v roce 1915) vyvinul svůj vlastní neorealistický styl, kombinující modernistické trendy, tradiční čínskou malbu a prvky fauvismu. .

Během svého tvůrčího života měnil směry a techniky, maloval krajiny a obrazy s historickými náměty, výjevy pozorované z okna svého domu a květiny, „halucinační“, v duchu magického realismu, pohledy na přírodu a její božskou sílu.

Na jeho počest bylo v Buffalu v roce 1966 vytvořeno Nature and Arts Center s názvem Birchfield Penny Art Center, které také zahrnuje největší světovou sbírku umělcových děl.

Reginald Marsh(1898-1954), narozený v Paříži v bohaté umělecké rodině, byl žákem D. Sloana, známého především jako malíře a ilustrátora městských scén, pouličního života a pláží New Yorku.

Jeho obrazy se vyznačují dokumentární péčí, prodchnuté ironickou láskou k postavám, maloval hodně pro burlesku a vaudeville, považoval je za „divadlo obyčejného člověka, vyjadřující humor a fantazie chudých, starých a ošklivých“.

Pracoval s olejem a tuší, akvarelem, vaječnou temperou a svůj tvůrčí život začal litografií. Jeho styl lze charakterizovat jako „sociální realismus“, zvláště patrný během Velké hospodářské krize, a jeho oddanost starým mistrům, jejichž dílo uctíval, vedla k vytvoření děl obsahujících náboženské metafory.

Krátce před svou smrtí na infarkt obdržel Marsh zlatou medaili grafického umění od Americké akademie umění.

Fairfield Porter(1907-1975) se narodil v rodině architekta a básníka, studoval na Harvardu a v League of American Students, celý život se držel realistického směru, maloval především krajiny a portréty rodiny a přátel, snažil se odhalit nevšednosti. v běžném životě a učinit ho krásnějším.

Jeho práce ukazuje vliv jeho otce architekta, díla Velázqueze, a později umělců Bonnarda a Vuillarda, který věřil, že „impresionismus je schopen obrazně znovu vytvořit přítomnost reality“.

Možná nedostatek dobrých učitelů olejomalby, opatrný přístup ke smyslnosti a naturalismu, který je vlastní mnoha Američanům těch let, pomáhá vysvětlit poněkud primitivní povahu Porterových děl, neohrabanost, strnulost jeho postav, jejich statickou povahu.

A teprve v pozdějších dílech začíná překračovat hranici mezi impresionismem a fauvismem, jeho kresba se stává svobodnější, barvy jsou jasnější, v jeho dílech je více světla.

Edward Hopper(1882-1967) se narodil v Nyacku, středisku pro stavbu jachet na řece Hudson, do bohaté rodiny holandského původu. Hopperův umělecký talent se projevil ve věku 5 let, jeho rodiče v něm vštípili lásku k francouzskému a ruskému umění a podpořili jeho vášeň pro malování a různé zájmy.

Hopper pracoval s perem a inkoustem, uhlem, akvarelem, olejem a litografií, maloval portréty a mořské krajiny, politické karikatury a kresby ze života. V Hopperově díle lze rozeznat vlivy Roberta Henryho, jednoho z jeho učitelů, a Maneta a Degase,

William Chase a Rembrandt, zejména jeho „Noční hlídka“, a zatímco žil v Paříži, maloval výjevy na ulicích, v kavárnách a divadlech, zůstal v tradici realistického umění, i když někteří badatelé připisují jeho práci precisionismu kvůli jasné , jasné linie charakteristické pro jeho tvorbu, strojovost, sterilita a prázdnota prostoru.

Řekl, že jeho „oblíbenou věcí v malování je sluneční světlo na stěně domu“. Během Velké hospodářské krize měl Hopper větší štěstí než mnoho jiných umělců – nadále každoročně vystavoval a dobře prodával po celý zbytek svého života.

Jeho tvorba výrazně ovlivnila nejen výtvarné umění, ale i kinematografii filmovými kompozicemi a dramatickým využitím světla a tmy.

Pavel Cadmus(1904-1999), představitel hnutí „magického realismu“, kombinoval ve svém díle prvky erotiky a sociální kritiky,

získal skandální slávu díky zjevným homosexuálním motivům v jeho obrazech a zobrazení nahých mužských postav.

Narodil se v chudé rodině umělce, jeho otec chlapce přiměl ke kreslení a ve 14 letech se zapsal do kurzů na Národní akademii designu a poté na Akademii. S přáteli hodně cestoval, maloval velká plátna odrážející jeho dojmy z Evropy, maloval mnohofigurální obrazy ze života rybářů, námořníků, výjevy městského života,

A po setkání s impresáriem a baletkou Kirsten začal Cadmus produkovat mnoho děl na baletní témata, většinou zobrazujících tanečníky.

Paul Cadmus žil dlouhý život a zemřel ve věku 95 let v náručí svého přítele a pravidelného modela, který byl po jeho boku posledních 35 let jeho života. Cadmus rád opakoval slova Ingrese: „Lidé říkají, že mé obrazy nejsou vhodné pro tuto dobu. Možná se mýlí a já jsem jediný, kdo drží krok s dobou.“

Ivan (Ivan) Albrightová(1897-1983), jeden z nejznámějších představitelů magického realismu, se narodil se svým dvojčetem v rodině umělce.

Bratři byli po většinu života nerozluční, oba studovali na Art Institute of Chicago, bratr Malvin se stal sochařem a Ivan se stal malířem, ale začínal jako architekt a během první světové války prováděl lékařské kresby pro nemocnici. v Nantes. Na svou práci byl vždy velmi náročný, pečlivě vypisoval všechny detaily a mnohá svá díla věnoval tak složitým tématům, jako je život a smrt, materiálnost a duch, vliv času na vzhled a vnitřní svět člověka.

Taková práce vyžadovala mnoho času, a proto byly prodeje vzácné, mnoho obrazů zůstalo v jeho vlastnictví. Albright si vyráběl vlastní barvy a uhlíky a byl posedlý osvětlením do té míry, že nosil černé šaty a maloval své studio na černo, aby zabránil oslnění.

Maloval realistickým, ale přehnaně detailním způsobem, rád pozoroval běh času a jen za poslední 3 roky svého života namaloval přes 20 autoportrétů, aby odrážel změny, které se v člověku odehrávají.

George Claire Tooker Jr. (1920-2011), jehož díla reprezentují směry socialistického realismu a magického realismu, se narodil do rodiny s anglicko-francouzsko-španělsko-kubánskými a americkými kořeny, na naléhání rodičů vystudoval anglickou literaturu na Harvardu, ale většinu času věnoval malbě.

Po službě u námořní pěchoty, z níž byl propuštěn kvůli špatnému zdravotnímu stavu, navštěvoval kurzy v Art Students League, hodně pracoval s vaječnou temperou a obdivoval umění italské renesance.

Tookerovy obrazy zachycují výjevy každodenního amerického života, lidské postavy v nich často nemají žádnou konkrétní rasovou či sexuální identitu, vyjadřují osamělost, izolaci a anonymitu.

Hodně dbal na dodržování geometrických proporcí a symetrie, proto maloval velmi pomalu – ne více než dva obrazy ročně. Od své první velké výstavy v roce 1951 Tooker vystavuje nepřetržitě a úspěšně a jeho práce jsou ve velkých muzeích v Americe.

Petr Blume(Peter Bloom) - (1906-1992), výtvarník a sochař, jehož tvorba obsahuje prvky precisionismu, purismu, kubismu, surrealismu a lidového umění. Narodil se v Rusku do židovské rodiny, která v roce 1912 emigrovala do Ameriky a usadila se v Brooklynu.

Po studiu umění na různých vzdělávacích institucích si otevřel vlastní studio pod patronací rodiny Rockefellerů. Jako mnoho jeho realistických současníků byl fanouškem renesance, cestoval po Itálii, jeho první obraz, který získal uznání v roce 1934, byl „Věčné město“, ve kterém lze rozeznat obraz Mussoliniho jako jack- in-the-box, vynořující se z Kolosea.

Jeho díla, často zobrazující zkázu, lze nicméně interpretovat jako symboly přestavby a obnovy po druhé světové válce, o čemž svědčí kameny, nové trámy a postavy pracujícího lidu.

Blumeův umělecký styl byl zajímavým hybridem různých uměleckých směrů amerického a evropského umění a byl nazýván „umělcem z pohádky“.

Andrew Newell Wyeth(1917-2009), představitel převážně regionalistického stylu v realismu, se narodil v rodině ilustrátora, který dbal na rozvoj talentu u svých pěti dětí, navykal je na dobrou literaturu, hudbu a studium přírody. . Otec sám učil své děti doma a všechny byly talentované: výtvarníci, hudebníci, skladatelé, vynálezci.

Jejich domov byl kreativním místem, které často navštěvovaly celebrity jako Scott Fitzgerald a Mary Pickford. Sám Wyeth se kupodivu považoval za abstrakcionistu a přikládal velký význam uvědomění si hlubokého významu jednoduchých předmětů, jeho oblíbenými tématy byla země a lidé kolem něj.

Jeho nejslavnější obraz, Christinin svět, zobrazuje dívku z nedaleké farmy postiženou obrnou, která se sama plazí k domu v dálce.

Helga Testorf věnovala 247 obrazů a kreseb jedné ženě, kterou studoval v různých prostředích a emocionálních stavech, což je v americkém umění jedinečná zkušenost.

Ačkoli Wyeth produkoval mnoho technicky vynikajících děl a měl mnoho následovníků, jeho umění je považováno za kontroverzní, přičemž umělecký kritik Rosenblum ho popisuje jako „nejvíce přeceňovaného a podceňovaného“ umělce.

Grant Wood(1891-1942), jeden z nejznámějších představitelů regionalismu, se narodil v Iowě, brzy ztratil otce, pracoval v železářství, studoval na umělecké škole a poté na Art Institute of Chicago.

Mladý Grant cestoval do Evropy čtyřikrát, aby studoval malířské styly, přičemž zvláštní pozornost věnoval impresionismu a postimpresionismu, ale obdivoval díla Van Eycka a snil o tom, že ve své práci spojí moderní metody a jasnost, přesnost a hloubku středověkého umění. .

Ne nadarmo se jeho nejslavnější obraz nazývá „americká gotika“, odráží tradiční pohled na roli mužů a žen v Americe z 19. století; různými způsoby.

Později, když vyučoval umění na University of Iowa, se Wood stal klíčovou postavou univerzitní kulturní společnosti, ale kvůli fámám o jeho homosexuální aféře s jeho osobním tajemníkem byl Wood vyhozen a brzy zemřel na rakovinu slinivky.

Thomas Hart (Hart) Benton(1889-1975) se narodil do rodiny politiků, jeho otec, plukovník, právník a filantrop, byl čtyřikrát zvolen do Kongresu. Otec chtěl, aby jeho syn šel v jeho stopách, ale chlapec se zajímal o umění, matka jeho volbu podporovala a on vstoupil do Art Institute of Chicago a poté odešel do Paříže, aby pokračoval ve studiu na Julian Academy.

Když se vrátil do Ameriky a pokračoval v malování, sloužil v americkém námořnictvu během první světové války, kde pracoval na maskovacích snímcích lodí a loděnic, které vyžadovaly realistická dokumentární zobrazení a později ovlivnily jeho styl. Počátkem 20. let se Benton prohlásil za „nepřítele modernismu“, stal se jedním z předních představitelů regionalismu a hlásil se k „levicovým“ názorům.

Zaujal ho El Greco, vliv jeho tvorby je patrný v práci na obrovských freskách zachycujících různé etapy a události ze života země.

Benton učil na Art Students League v New Yorku, mnozí z jeho studentů se stali slavnými umělci (Hopper, Pollack, Marsh), ale byli vyhozeni za odsuzující výroky o nepřiměřeném vlivu homosexuálů v uměleckém světě. Po druhé světové válce ztratil regionalismus jako hnutí svůj význam, Benton pokračoval v malování nástěnných maleb,

pracoval aktivně dalších asi 30 let, ale již neměl svou dřívější popularitu.

John Stewart Carrie(1897-1946) se narodil na farmě v Kansasu, staral se o zvířata, měl rád atletiku a od dětství byl obklopen reprodukcemi obrazů Rubense a Doré, což hrálo roli v jeho následné volbě uměleckého stylu.

John studoval na Art Institute of Chicago, pracoval jako ilustrátor časopisů a strávil rok v Paříži studiem děl Courbeta, Daumiera, Tiziana a Rubense. Po návratu do Spojených států nějakou dobu pracoval ve svém ateliéru, cestoval s cirkusem, byl jmenován prvním umělcem na University of Wisconsin-Madison a cestoval po celé zemi, aby podporoval rozvoj umění ve farmářských komunitách.

Maloval nástěnné malby pro ministerstvo spravedlnosti ve Washingtonu a pro Kapitol v Kansasu. Carrie byla jedním ze tří (Benton a Wood) pilířů amerického regionalismu, který byl zvláště důležitý během Velké hospodářské krize.

Zobrazoval scény práce, rodiny a půdy a vyrovnávání se s přírodními katastrofami, aby světu ukázal vytrvalost, tvrdou práci a víru lidí, o nichž Carrie věřila, že jsou podstatou amerického života.

Abych byl upřímný, realistickými umělci obecně se příliš neinspiruji, zajímají mě spíše jen jednotlivé představitele magického realismu (Cadmus, Blume, Hopper), ale obecně mi toto období v americkém umění není blízké; , co můžu dělat.
Další a závěrečná část bude věnována současnému americkému umění. Závěr následuje...
Jako vždy, slideshow s mnoha dalšími obrázky a dobrou hudbou:

* Magický realismus- Jako umělecké hnutí se na americké půdě rozvinul magický realismus, který se stal ekvivalentem evropského surrealismu. Díla mistrů magického realismu byla v mnoha ohledech, splňujících vkus a potřeby amerického diváka, šokující povahy, šokující svou upřímností, kombinovanou s anekdotickým charakterem situací a karikaturou postav; připomínal spíše neklidný sen nebo halucinační delirium.
**Precisionismus, neboli preciginismus (anglicky precision - přesnost, jasnost) - směr charakteristický pro americkou malbu 30. let, typ magického realismu. Hlavním námětem pro precisionisty je obraz města Hlavním tématem je mechanistická estetika, prostor obrazů je sterilní, působí jakoby z nich vypumpovaný vzduch, není v něm člověk.
***Regionalismus neboli regionalismus (z anglického regional - local) - umělecké hnutí v umění Spojených států 1920-1940, které bylo založeno na touze vytvořit skutečně americké umění na rozdíl od avantgardních hnutí přicházejících z Evropy. Regionalističtí umělci se inspirovali myšlenkami národní identity a zaměřili se na zobrazení „autentické“ Ameriky. Náměty jejich děl zahrnovaly americké krajiny, výjevy ze života farmářů, život malých měst, epizody z historie, místní legendy a folklórní příběhy.

AMERICKÉ MALOVÁNÍ
První díla amerického malířství, která se k nám dostala, pocházejí ze 16. století; jedná se o náčrtky vytvořené účastníky výzkumných expedic. Profesionální umělci se však v Americe objevili až na počátku 18. století; jediným stabilním zdrojem příjmů pro ně byl portrét; tento žánr nadále zaujímal vedoucí postavení v americkém malířství až do počátku 19. století.
Koloniální období. První skupina portrétů, provedených technikou olejomalby, pochází z 2. poloviny 17. století; V této době byl život osadníků relativně klidný, život se stabilizoval a objevily se možnosti pro provozování umění. Z těchto děl je nejznámější portrét paní Frickové s dcerou Mary (1671-1674, Massachusetts, Worcester Museum of Art), kterou namaloval neznámý anglický umělec. Ve třicátých letech 18. století již měla města na východním pobřeží několik umělců, kteří pracovali moderněji a realističtěji: Henrietta Johnston v Charlestonu (1705), Justus Englehardt Kuhn v Annapolis (1708), Gustav Hesselius ve Philadelphii (1712), John Watson v Perth Amboy v New Jersey (1714), Peter Pelham (1726) a John Smibert (1728) v Bostonu. Obraz posledních dvou měl významný vliv na dílo Johna Singletona Copleyho (1738-1815), který je považován za prvního velkého amerického umělce. Z rytin z Pelhamovy sbírky mladý Copley porozuměl anglickému ceremoniálnímu portrétování a malbě Godfreye Knellera, předního anglického mistra, který se tomuto žánru věnoval na počátku 18. století. V obraze Chlapec s veverkou (1765, Boston, Museum of Fine Arts) vytvořil Copley nádherný realistický portrét, jemný a překvapivě přesný ve zprostředkování textury předmětů. Když Copley v roce 1765 poslal toto dílo do Londýna, Joshua Reynolds mu poradil, aby pokračoval ve studiu v Anglii. Copley však zůstal v Americe až do roku 1774 a pokračoval v malování portrétů a pečlivě v nich vypracovával všechny detaily a nuance. Poté podnikl cestu do Evropy a v roce 1775 se usadil v Londýně; V jeho stylu se objevil manýrismus a rysy idealizace charakteristické pro tehdejší anglickou malbu.
Mezi nejlepší díla, která Copley vyprodukoval v Anglii, patří velké formální portréty připomínající dílo Benjamina Westa, včetně Brooke Watson and the Shark (1778, Boston, Museum of Fine Arts). Benjamin West (1738-1820) se narodil v Pensylvánii; Poté, co namaloval několik portrétů Filadelfů, se v roce 1763 přestěhoval do Londýna. Zde získal slávu jako malíř historie. Příkladem jeho tvorby v tomto žánru je obraz Smrt generála Wolfa (1770, Ottawa, National Gallery of Canada). V roce 1792 West vystřídal Reynoldse ve funkci prezidenta Britské královské akademie umění. Na rozdíl od Copleyho a Westa, kteří zůstali natrvalo v Londýně, se portrétista Gilbert Stuart (1755-1828) v roce 1792 vrátil do Ameriky a udělal kariéru v Londýně a Dublinu. Brzy se stal předním mistrem tohoto žánru v mladé republice; Stewart maloval portréty téměř všech významných politických a veřejných osobností v Americe. Jeho díla jsou provedena živě, volně, útržkovitě, velmi odlišně od stylu amerických děl Copleyho. Benjamin West ochotně přijímal mladé americké umělce do svého londýnského studia; mezi jeho studenty patřili Charles Wilson Peale (1741-1827) a Samuel F. B. Morse (1791-1872). Peale se stal zakladatelem dynastie malířů a rodinného uměleckého podniku ve Filadelfii. Maloval portréty, zabýval se vědeckým výzkumem a otevřel Muzeum přírodní historie a malířství ve Filadelfii (1786). Z jeho sedmnácti dětí se mnozí stali umělci a přírodovědci. Morse, lépe známý jako vynálezce telegrafu, namaloval několik krásných portrétů a jeden z nejvelkolepějších obrazů v celé americké malbě, galerii Louvre. V tomto díle je s úžasnou přesností miniaturně reprodukováno asi 37 pláten. Tato práce, stejně jako všechny Morseovy aktivity, měla za cíl představit mladému národu velkou evropskou kulturu. Washington Alston (1779-1843) byl jedním z prvních amerických umělců, kteří vzdali hold romantismu; Na svých dlouhých cestách po Evropě maloval mořské bouře, poetické italské výjevy a sentimentální portréty. Na počátku 19. stol. Otevřely se první americké umělecké akademie, které poskytovaly studentům odbornou přípravu a přímo se podílely na pořádání výstav: Pennsylvania Academy of Arts ve Philadelphii (1805) a National Academy of Drawing v New Yorku (1825), jejímž prvním prezidentem byl S. R. Morse. . Ve 20. a 30. letech 19. století John Trumbull (1756–1843) a John Vanderlyn (1775–1852) namalovali obrovské kompozice námětů z americké historie, které zdobily stěny rotundy Capitol ve Washingtonu. Ve 30. letech 19. století se krajina stala dominantním žánrem americké malby. Thomas Cole (1801-1848) psal o panenské přírodě severu (New York). Tvrdil, že počasím ošlehané hory a zářivé podzimní lesy jsou pro americké umělce vhodnějšími náměty než malebné evropské ruiny. Cole také maloval několik krajin prodchnutých etickým a náboženským významem; jsou mezi nimi čtyři velké obrazy, Life's Path (1842, Washington, National Gallery) - alegorické kompozice zobrazující loď sjíždějící po řece, na níž sedí chlapec, pak mladý muž, pak muž a nakonec starý muž. Mnoho krajinářů následovalo Coleův příklad a ve svých dílech zobrazovalo americkou přírodu; často se spojují do jedné skupiny zvané „Hudson River School“ (což není pravda, protože pracovali po celé zemi a psali různými styly). Z amerických žánrových malířů jsou nejznámější William Sidney Mount (1807-1868), který maloval výjevy ze života farmářů na Long Islandu, a George Caleb Bingham (1811-1879), jehož obrazy jsou věnovány životu rybářů z břehů Missouri a volby v malých provinčních městech. Před občanskou válkou byl nejpopulárnějším umělcem Frederick Edwin Church (1826-1900), Coleův student. Maloval převážně velkoformátová díla a někdy používal příliš naturalistické motivy, aby zaujal a ohromil veřejnost. Church cestoval do nejexotičtějších a nejnebezpečnějších míst a sbíral materiál k zobrazení jihoamerických sopek a ledovců severních moří; jedním z jeho nejznámějších děl je obraz Niagarské vodopády (1857, Washington, Corcoran Gallery). V 60. letech 19. století vzbudila obrovská plátna Alberta Bierstadta (1830-1902) všeobecný obdiv krásou Skalistých hor, které jsou na nich vyobrazeny, s jejich průzračnými jezery, lesy a věžovitými vrcholy.

Válka za nezávislost a začátek 19. století. Po občanské válce se stalo módou studovat malířství v Evropě. V Düsseldorfu, Mnichově a především Paříži bylo možné získat mnohem zásadnější vzdělání než v Americe. James McNeill Whistler (1834-1903), Mary Cassatt (1845-1926) a John Singer Sargent (1856-1925) studovali v Paříži a žili a pracovali ve Francii a Anglii. Whistler měl blízko k francouzským impresionistům; ve svých obrazech věnoval zvláštní pozornost barevným kombinacím a výrazné, lakonické kompozici. Mary Cassatt se na pozvání Edgara Degase zúčastnila impresionistických výstav v letech 1879 až 1886. Sargent maloval portréty nejvýznamnějších lidí Starého a Nového světa odvážným, překotným a povrchním způsobem. Opačná strana stylového spektra k impresionismu v umění konce 19. století. obsazeno realistickými umělci, kteří malovali iluzionistická zátiší: William Michael Harnett (1848-1892), John Frederick Peto (1854-1907) a John Haeberl (1856-1933). Dva významní umělci konce 19. a počátku 20. století, Winslow Homer (1836-1910) a Thomas Eakins (1844-1916), nepatřili k žádnému z tehdy módních uměleckých směrů. Homer začal svou tvůrčí kariéru v 60. letech 19. století ilustrováním newyorských časopisů; již v 90. letech 19. století měl pověst slavného umělce. Jeho rané obrazy jsou výjevy vesnického života nasyceného jasným slunečním světlem. Později se Homer začal obracet ke složitějším a dramatičtějším obrazům a tématům: Golfský proud (1899, Metropolitan) zobrazuje zoufalství černého námořníka ležícího na palubě lodi v rozbouřeném moři zamořeném žraloky. Během svého života byl Thomas Eakins vystaven tvrdé kritice za přílišný objektivismus a přímost. Nyní jsou jeho díla vysoce ceněna pro svou přísnou a jasnou kresbu; jeho štětce zahrnují obrazy sportovců a upřímné portréty prodchnuté sympatií.

století dvacáté. Na počátku století byly nejvíce ceněny napodobeniny francouzského impresionismu. Vkus veřejnosti zpochybnila skupina osmi umělců: Robert Henry (1865-1929), W. J. Glackens (1870-1938), John Sloan (1871-1951), J. B. Lax (1867-1933), Everett Shinn (1876-1953) , A. B. Davis (1862-1928), Maurice Prendergast (1859-1924) a Ernest Lawson (1873-1939). Kritici je pro jejich zálibu v zobrazování slumů a dalších prozaických témat nazývali školou „popelnice“. V roce 1913 na tzv „Armory Show“ vystavovala díla mistrů z různých oblastí postimpresionismu. Američtí umělci byli rozděleni: někteří se obrátili ke zkoumání možností barevné a formální abstrakce, jiní zůstali v lůně realistické tradice. Do druhé skupiny patřili Charles Burchfield (1893-1967), Reginald Marsh (1898-1954), Edward Hopper (1882-1967), Fairfield Porter (1907-1975), Andrew Wyeth (nar. 1917) a další. Obrazy Ivana Albrighta (1897-1983), George Tookera (nar. 1920) a Petera Blooma (1906-1992) jsou psány ve stylu „magického realismu“ (podobnost s přírodou v jejich dílech je přehnaná a realita je více připomínající sen nebo halucinaci). Jiní umělci, jako Charles Sheeler (1883-1965), Charles Demuth (1883-1935), Lionel Feininger (1871-1956) a Georgia O'Keeffe (1887-1986), kombinovali prvky realismu, kubismu a expresionismu ve svých díla a další směry evropského umění Námořní pohledy Johna Marina (1870-1953) a Marsdena Hartleyho (1877-1943) mají blízko k expresionismu. Obrazy ptáků a zvířat na obrazech Maurice Gravese (nar spojení s viditelným světem, i když jsou jeho díla značně zkreslená a dovedena až do téměř extrémních symbolických označení, se hlavní pozornost v americkém umění stala po druhé světové válce vůdčím směrem obrazová plocha sama o sobě byla považována za arénu vzájemného působení linií, hmot a barevných skvrn. V těchto letech se stal prvním pohybem v malbě, který měl mezinárodní význam tohoto hnutí byli Arshile Gorkij (1904-1948), Willem de Kooning (1904-1997), Jackson Pollock (1912-1956), Mark Rothko (1903-1970) a Franz Kline (1910-1962). Jedním z nejzajímavějších objevů abstraktního expresionismu byla výtvarná metoda Jacksona Pollocka, který kapal nebo házel barvu na plátno a vytvořil tak složitý labyrint dynamických lineárních forem. Další umělci tohoto hnutí - Hans Hofmann (1880-1966), Clyford Still (1904-1980), Robert Motherwell (1915-1991) a Helen Frankenthaler (nar. 1928) - praktikovali techniku ​​malířských pláten. Další verzí neobjektivního umění je obraz Josefa Alberse (1888-1976) a Ad Reinharta (1913-1967); jejich obrazy se skládají z chladných, přesně vypočítaných geometrických tvarů. Mezi další umělce, kteří pracovali v tomto stylu, patří Ellsworth Kelly (nar. 1923), Barnett Newman (1905-1970), Kenneth Noland (nar. 1924), Frank Stella (nar. 1936) a Al Held (nar. 1928); později vedli velkoobchodní umělecký směr. Proti nefigurativnímu umění vystoupili koncem 50. let Robert Rauschenberg (nar. 1925), Jasper Johns (nar. 1930) a Larry Rivers (nar. 1923), kteří pracovali ve smíšených médiích včetně asambláže. Do svých „obrazů“ zahrnuli fragmenty fotografií, noviny, plakáty a další předměty. Počátkem 60. let se z asambláže zrodilo nové hnutí, tzv. pop art, jehož představitelé velmi pečlivě a přesně reprodukovali ve svých dílech různé předměty a obrazy americké popkultury: plechovky Coca-Coly a konzerv, krabičky cigaret, komiksy. Předními umělci tohoto hnutí jsou Andy Warhol (1928-1987), James Rosenquist (nar. 1933), Jim Dine (nar. 1935) a Roy Lichtenstein (nar. 1923). Po pop-artu se objevilo optické umění, založené na principech optiky a optického klamu. V 70. letech 20. století v Americe nadále existovaly různé školy expresionismu, geometrického hard edge, pop artu, stále módnějšího fotorealismu a dalších stylů výtvarného umění.

LITERATURA
Chegodaev A.D. Umění Spojených států amerických od revoluční války po současnost. M., 1960 Chegodaev A.D. Umění Spojených států amerických. 1675-1975. Malba, architektura, sochařství, grafika. M., 1975

Collierova encyklopedie. - Otevřená společnost. 2000 .

Podívejte se, co je „AMERICAN PAINTING“ v jiných slovnících:

Každodenní scény a krajiny amerických umělců 20. a 30. let 20. století provedené naturalistickým, popisným způsobem. Americká žánrová malba nebyla organizovaným hnutím, byla rozšířena mezi americkými... Wikipedie

- „Selanská svatba“, 1568, Pieter Bruegel, Kunsthistorisches Museum, Vídeň ... Wikipedia

Souřadnice: 29°43′32″ N. w. 95°23′26″ západní délky d / 29,725556° n. w. 95,390556° západní délky d. ... Wikipedie

Metropolitní muzeum umění v New Yorku- Jedno z největších muzeí na světě a největší muzeum umění ve Spojených státech - Metropolitan Museum of Art, které se nachází v New Yorku na východní straně Central Parku na Manhattanu. Toto místo je známé jako Museum Mile... ... Encyklopedie novinářů

Wikipedia má články o dalších lidech s tímto příjmením, viz Bessonova. Marina Aleksandrovna Bessonova (22. února 1945 (19450222), Moskva 27. června 2001, Moskva) Ruská historička umění, kritička, muzejní aktivistka. Obsah 1... ...Wikipedie

Jedno z největších muzeí umění v USA. Společnost byla založena v Bostonu v roce 1870. Uchovává vynikající příklady soch ze starověkého Egypta (busta Ankhhaf, 3. tisíciletí př. n. l.), Řecka a Říma, koptské textilie, středověké umění Číny a Japonska... ... Velká sovětská encyklopedie

- (De Kooning, Willem) DE KOONING ve své dílně. (1904 1997), současný americký umělec, vedoucí školy abstraktního expresionismu. De Kooning se narodil 24. dubna 1904 v Rotterdamu. V 15 letech se přihlásil na večerní kurzy malování... ... Collierova encyklopedie

- (Chattanooga) město na jihovýchodě Spojených států (viz Spojené státy americké) (Tennessee); přístav na řece Tennessee ve Velkém Appalačském údolí; nachází se mezi Appalačským pohořím a Cumberland Plateau, na hranici se státem Georgia. Počet obyvatel 153,6 tisíce...... Zeměpisná encyklopedie

- (Chattanooga), město na jihovýchodě Spojených států, Tennessee. Přístav na řece Tennessee. 152 tisíc obyvatel (1994; s předměstími cca 430 tisíc obyvatel). Chemický, textilní, celulózový a papírenský průmysl. Hutnictví železa, strojírenství...... Encyklopedický slovník

Barbara Rose (narozena 1938) je americká historička umění a kritička umění. Studovala na Smith College, Barnard College a Columbia University. V letech 1961 až 1969 byla vdaná za umělce Franka Stellu. Na... ... Wikipedii

knihy

• Anglická a americká malba ve Washingtonské národní galerii (brožovaná), E. G. Milyugina, Washingtonská národní galerie má největší světové sbírky anglického a amerického malířství vysoké umělecké úrovně. Sbírky odrážejí jak historii světového malířství, tak… Kategorie:

Pokud si myslíte, že všichni velcí umělci jsou minulostí, pak ani netušíte, jak moc se mýlíte. V tomto článku se dozvíte o nejslavnějších a nejtalentovanějších umělcích naší doby. A věřte, že jejich díla zůstanou ve vaší paměti neméně hluboce než díla mistrů z minulých epoch.

Wojciech Babski

Wojciech Babski je současný polský umělec. Dostudoval na Slezském polytechnickém institutu, ale spojil se s. V poslední době maluje především ženy. Zaměřuje se na vyjádření emocí, snaží se jednoduchými prostředky dosáhnout co největšího účinku.

Miluje barvy, ale k dosažení nejlepšího dojmu často používá odstíny černé a šedé. Nebojte se experimentovat s různými novými technikami. V poslední době si získává stále větší oblibu v zahraničí, především ve Velké Británii, kde úspěšně prodává svá díla, která se již nacházejí v mnoha soukromých sbírkách. Kromě umění se zajímá o kosmologii a filozofii. Poslouchá jazz. V současné době žije a pracuje v Katovicích.

Warren Chang

Warren Chang je současný americký umělec. Narodil se v roce 1957 a vyrostl v Monterey v Kalifornii a v roce 1981 s vyznamenáním promoval na Art Center College of Design v Pasadeně, kde získal titul BFA. Během následujících dvou desetiletí pracoval jako ilustrátor pro různé společnosti v Kalifornii a New Yorku, než se v roce 2009 vydal na dráhu profesionálního umělce.

Jeho realistické obrazy lze rozdělit do dvou hlavních kategorií: biografické interiérové ​​obrazy a obrazy zobrazující lidi při práci. Jeho zájem o tento styl malby sahá až k dílu umělce 16. století Johannese Vermeera a sahá do námětů, autoportrétů, portrétů rodinných příslušníků, přátel, studentů, interiérů ateliérů, tříd a domovů. Jeho cílem je vytvořit náladu a emoce ve svých realistických obrazech pomocí manipulace se světlem a použitím tlumených barev.

Chang se proslavil po přechodu na tradiční výtvarné umění. Za posledních 12 let si vysloužil řadu ocenění a vyznamenání, z nichž nejprestižnější je Master Signature od Oil Painters of America, největší komunity olejomaleb ve Spojených státech. Pouze jeden člověk z 50 má příležitost získat toto ocenění. Warren v současnosti žije v Monterey a pracuje ve svém ateliéru a také vyučuje (známý jako talentovaný učitel) na San Francisco Academy of Art.

Aurelio Bruni

Aurelio Bruni je italský umělec. Narozen v Blair, 15. října 1955. Získal diplom ze scénografie na Institutu umění ve Spoletu. Jako umělec je samouk, protože samostatně „postavil dům poznání“ na základech položených ve škole. V 19 letech začal malovat oleji. V současné době žije a pracuje v Umbrii.

Bruniho rané malby mají kořeny v surrealismu, ale postupem času se začíná zaměřovat na blízkost lyrického romantismu a symbolismu a tuto kombinaci umocňuje vynikající propracovaností a čistotou svých postav. Animované a neživé předměty získávají stejnou důstojnost a vypadají téměř hyperrealisticky, ale zároveň se neschovávají za oponu, ale umožňují vám vidět podstatu vaší duše. Všestrannost a sofistikovanost, smyslnost a osamělost, přemýšlivost a plodnost jsou duchem Aurelia Bruniho, živeného nádherou umění a harmonií hudby.

Aleksander Balos

Alkasander Balos je současný polský umělec specializující se na olejomalbu. Narozen v roce 1970 v polských Gliwicích, ale od roku 1989 žije a pracuje v USA, v Shasta v Kalifornii.

V dětství studoval umění pod vedením svého otce Jana, samouka a sochaře, a tak se umělecké činnosti odmala dostávalo plné podpory obou rodičů. V roce 1989, ve věku osmnácti let, Balos odešel z Polska do Spojených států, kde jeho učitelka a umělkyně Cathy Gaggliardi na částečný úvazek povzbudila Alkasandera, aby se přihlásil na uměleckou školu. Balos poté získal plné stipendium na University of Milwaukee ve Wisconsinu, kde studoval malbu u profesora filozofie Harryho Rosina.

Po promoci v roce 1995 s bakalářským titulem se Balos přestěhoval do Chicaga, kde studoval na School of Fine Arts, jejíž metody vycházejí z díla Jacquese-Louise Davida. Figurativní realismus a portrét tvořily většinu Balosovy tvorby v 90. letech a na počátku 21. století. Balos dnes využívá lidskou postavu k vyzdvižení vlastností a nedostatků lidské existence, aniž by nabízel nějaká řešení.

Námětové kompozice jeho obrazů jsou určeny k samostatné interpretaci divákem, teprve pak obrazy získají svůj pravý časový a subjektivní význam. V roce 2005 se umělec přestěhoval do severní Kalifornie, od té doby se námět jeho tvorby výrazně rozšířil a nyní zahrnuje volnější malířské metody, včetně abstrakce a různých multimediálních stylů, které pomáhají vyjádřit myšlenky a ideály existence prostřednictvím malby.

Alyssa Monksová

Alyssa Monks je současná americká umělkyně. Narozen v roce 1977 v Ridgewood, New Jersey. O malování jsem se začal zajímat, když jsem byl ještě dítě. Studovala na The New School v New Yorku a na Montclair State University a v roce 1999 absolvovala Boston College s bakalářským titulem. Současně studovala malbu na akademii Lorenza de' Medici ve Florencii.

Poté pokračovala ve studiu v magisterském studijním programu na New York Academy of Art, na katedře figurativního umění, kterou absolvovala v roce 2001. Vystudovala Fullerton College v roce 2006. Nějakou dobu přednášela na univerzitách a vzdělávacích institucích po celé zemi, vyučovala malbu na New York Academy of Art a také na Montclair State University a Lyme Academy of Art College.

„Pomocí filtrů, jako je sklo, vinyl, voda a pára, deformuji lidské tělo. Tyto filtry vám umožní vytvořit velké plochy abstraktního designu, skrz které pronikají ostrůvky barev – části lidského těla.

Moje obrazy mění moderní pohled na již zavedené, tradiční pózy a gesta koupajících se žen. Pozornému divákovi by mohly leccos říci o tak zdánlivě samozřejmých věcech, jako jsou výhody plavání, tance a podobně. Moje postavy se tisknou ke sklu sprchového okna, deformují svá vlastní těla a uvědomují si, že tím ovlivňují notoricky známý mužský pohled na nahou ženu. Silné vrstvy barvy se mísí tak, aby z dálky napodobovaly sklo, páru, vodu a maso. Zblízka se však projeví úžasné fyzikální vlastnosti olejové barvy. Experimentováním s vrstvami barev a barev nacházím bod, kdy se abstraktní tahy štětcem stávají něčím jiným.

Když jsem poprvé začal malovat lidské tělo, byl jsem jím okamžitě fascinován a dokonce i posedlý a věřil jsem, že své obrazy musím udělat co nejrealističtější. Realismus jsem „vyznával“, dokud se nezačal rozplétat a odhalovat rozpory sám o sobě. Nyní zkoumám možnosti a potenciál stylu malby, kde se střetává reprezentativní malba a abstrakce – pokud mohou oba styly koexistovat ve stejný okamžik, udělám to.“

Antonio Finelli

Italský umělec –“ Pozorovatel času“ – Antonio Finelli se narodil 23. února 1985. V současné době žije a pracuje v Itálii mezi Římem a Campobassem. Jeho díla byla vystavena v několika galeriích v Itálii i v zahraničí: Řím, Florencie, Novara, Janov, Palermo, Istanbul, Ankara, New York a lze je nalézt také v soukromých i veřejných sbírkách.

Kresby tužkou" Pozorovatel času„Antonio Finelli nás vezme na věčnou cestu vnitřním světem lidské dočasnosti as tím spojenou pečlivou analýzou tohoto světa, jejímž hlavním prvkem je průchod časem a stopy, které zanechává na kůži.

Finelli maluje portréty lidí jakéhokoli věku, pohlaví a národnosti, jejichž mimika naznačuje průchod časem, a umělec také doufá, že na tělech svých postav najde důkazy o nemilosrdnosti času. Antonio definuje svá díla jediným obecným názvem: „Autoportrét“, protože ve svých kresbách tužkou nejen zobrazuje člověka, ale umožňuje divákovi kontemplovat skutečné výsledky plynutí času uvnitř člověka.

Flaminia Carloniová

Flaminia Carloni je 37letá italská umělkyně, dcera diplomata. Má tři děti. Dvanáct let žila v Římě a tři roky v Anglii a Francii. Vystudovala dějiny umění na BD School of Art. Poté získala diplom restaurátorky umění. Než našla své povolání a plně se věnovala malování, pracovala jako novinářka, koloristka, návrhářka a herečka.

Flaminiaina vášeň pro malování vznikla v dětství. Jejím hlavním médiem je olej, protože miluje „coiffer la pate“ a také si hraje s materiálem. Podobnou techniku ​​poznala v dílech umělce Pascala Toruy. Flaminia je inspirována velkými mistry malby, jako jsou Balthus, Hopper a François Legrand, a také různými uměleckými směry: street art, čínský realismus, surrealismus a renesanční realismus. Její oblíbený umělec je Caravaggio. Jejím snem je objevit terapeutickou sílu umění.

Denis Černov

Denis Chernov je talentovaný ukrajinský umělec, narozený v roce 1978 v Sambir, Lvovská oblast, Ukrajina. Po absolvování charkovské umělecké školy v roce 1998 zůstal v Charkově, kde v současnosti žije a tvoří. Studoval také na Charkovské státní akademii designu a umění, katedře grafiky, kterou ukončil v roce 2004.

Pravidelně se účastní výtvarných výstav, do dnešního dne jich bylo na Ukrajině i v zahraničí více než šedesát. Většina děl Denise Černova je uložena v soukromých sbírkách na Ukrajině, v Rusku, Itálii, Anglii, Španělsku, Řecku, Francii, USA, Kanadě a Japonsku. Některá díla byla prodána v Christie's.

Denis pracuje v široké škále grafických a malířských technik. Kresby tužkou patří k jeho nejoblíbenějším malířským metodám, velmi rozmanitý je také výčet námětů v kresbách tužkou, maluje krajiny, portréty, akty, žánrové kompozice, knižní ilustrace, literární a historické rekonstrukce a fantazie.