Starožitné obrazy. Malba, hudba, architektura Evropy v 19. - počátek 20. století Evropské malířství konce 19. století

"Hráči karet"

Autor

Paul Cezanne

Země Francie
Roky života 1839–1906
Styl postimpresionismu

Umělec se narodil na jihu Francie v malém městečku Aix-en-Provence, ale malovat začal v Paříži. Skutečný úspěch se mu dostavil po osobní výstavě, kterou uspořádal sběratel Ambroise Vollard. V roce 1886, 20 let před odjezdem, se přestěhoval na okraj svého rodného města. Mladí umělci nazývali výlety k němu „pouť do Aix“.

Rozměr 130 x 97 cm
1895
cena
250 milionů dolarů
prodáno v roce 2012
na soukromé aukci

Cézannova práce je snadno pochopitelná. Jediným pravidlem umělce bylo přímé přenesení předmětu nebo zápletky na plátno, takže jeho obrazy nepůsobí u diváka zmatek. Cezanne spojil ve svém umění dvě hlavní francouzské tradice: klasicismus a romantismus. Pomocí barevných textur dodal tvaru objektů úžasnou plasticitu.

Série pěti obrazů „Hráči karet“ byla namalována v letech 1890–1895. Jejich zápletka je stejná – několik lidí nadšeně hraje poker. Díla se liší pouze počtem hráčů a velikostí plátna.

Čtyři obrazy jsou uchovávány v muzeích v Evropě a Americe (Museum d'Orsay, Metropolitan Museum of Art, Barnes Foundation a Courtauld Institute of Art) a pátý byl donedávna ozdobou soukromé sbírky řeckého miliardáře. Georg Embirikos. Krátce před svou smrtí, v zimě 2011, se rozhodl dát ji do prodeje. Potenciálními kupci Cézannova „volného“ díla byli obchodník s uměním William Acquavella a světově proslulý galerista Larry Gagosian, kteří za něj nabídli asi 220 milionů dolarů. Výsledkem bylo, že obraz šel královské rodině arabského státu Katar za 250 milionů Největší obchod s uměním v historii malby byl uzavřen v únoru 2012. Informovala o tom novinářka Alexandra Pierceová ve Vanity Fair. Zjistila cenu obrazu i jméno nového majitele a informace pak pronikla do médií po celém světě.

V roce 2010 bylo v Kataru otevřeno Arabské muzeum moderního umění a Katarské národní muzeum. Nyní se jejich sbírky rozrůstají. Možná pátou verzi The Card Players získal šejk za tímto účelem.

Nejvícedrahé malováníve světě

Majitel
Sheikh Hamad
bin Khalifa al-Thani

Dynastie al-Thani vládne Kataru více než 130 let. Zhruba před půl stoletím zde byly objeveny obrovské zásoby ropy a plynu, které z Kataru v mžiku udělaly jednu z nejbohatších oblastí světa. Tato malá země má díky exportu uhlovodíků největší HDP na hlavu. Sheikh Hamad bin Khalifa al-Thani převzal moc v roce 1995, když byl jeho otec ve Švýcarsku, s podporou rodinných příslušníků. Zásluha současného vládce je podle odborníků v jasné strategii rozvoje země a ve vytváření úspěšné image státu. Katar má nyní ústavu a premiéra a ženy mají právo volit v parlamentních volbách. Mimochodem, byl to katarský emír, kdo založil zpravodajský kanál Al-Džazíra. Orgány arabského státu věnují kultuře velkou pozornost.

2

"Číslo 5"

Autor

Jackson Pollock

Země USA
Roky života 1912–1956
Styl abstraktní expresionismus

Jack the Sprinkler – tak přezdívala Pollockovi americká veřejnost pro jeho speciální malířskou techniku. Umělec opustil štětec a stojan a během neustálého pohybu kolem nich i uvnitř naléval barvu na povrch plátna nebo sololitu. Již od útlého věku se zajímal o filozofii Jiddu Krishnamurti, jejímž hlavním poselstvím je, že pravda je odhalena během volného „výlevu“.

Rozměry 122 x 244 cm
1948
cena
140 milionů dolarů
prodáno v roce 2006
v aukci Sotheby's

Hodnota Pollockovy práce nespočívá ve výsledku, ale v procesu. Není náhodou, že autor své umění nazval „akční malbou“. S jeho lehkou rukou se stal hlavním aktivem Ameriky. Jackson Pollock smíchal barvu s pískem a rozbitým sklem a namaloval kusem lepenky, paletovým nožem, nožem a lopatkou. Umělec byl tak populární, že v 50. letech 20. století se našli napodobitelé i v SSSR. Obraz „Číslo 5“ je uznáván jako jeden z nejpodivnějších a nejdražších na světě. Jeden ze zakladatelů DreamWorks, David Geffen, jej koupil do soukromé sbírky a v roce 2006 jej prodal v aukci Sotheby's za 140 milionů dolarů mexickému sběrateli Davidu Martinezovi. Advokátní kancelář však brzy jménem svého klienta vydala tiskovou zprávu, v níž uvádí, že David Martinez není vlastníkem obrazu. Jen jedna věc je jistá: mexický finančník skutečně nedávno shromáždil díla moderního umění. Je nepravděpodobné, že by vynechal tak „velkou rybu“, jako je Pollockovo „Číslo 5“.

3

"Žena III"

Autor

Willem de Kooning

Země USA
Roky života 1904–1997
Styl abstraktní expresionismus

Rodák z Nizozemska emigroval do Spojených států v roce 1926. V roce 1948 se konala umělcova osobní výstava. Umělečtí kritici oceňovali složité, nervózní černobílé kompozice a uznávali jejich autora jako velkého modernistického umělce. Většinu života trpěl alkoholismem, ale radost z tvorby nového umění je cítit z každého díla. De Kooning se vyznačuje impulzivitou malby a širokými tahy, proto někdy obraz nezapadá do hranic plátna.

Rozměr 121 x 171 cm
1953
cena
137 milionů dolarů
prodáno v roce 2006
na soukromé aukci

V padesátých letech se na de Kooningových obrazech objevily ženy s prázdnýma očima, masivními prsy a ošklivými rysy obličeje. „Žena III“ bylo posledním dílem z této série, které bylo draženo.

Od 70. let byl obraz uchováván v Teheránském muzeu moderního umění, ale po zavedení přísných mravních pravidel v zemi se ho pokusili zbavit. V roce 1994 bylo dílo vyvezeno z Íránu a o 12 let později jeho majitel David Geffen (stejný producent, který prodal „Číslo 5“ Jacksona Pollocka) prodal obraz milionáři Stevenu Cohenovi za 137,5 milionu dolarů. Zajímavostí je, že během jednoho roku začal Geffen svou sbírku obrazů rozprodávat. To dalo vzniknout mnoha fámám: například, že se producent rozhodl koupit noviny Los Angeles Times.

Na jednom z uměleckých fór zazněl názor na podobnost „Ženy III“ s obrazem „Dáma s hranostajem“ od Leonarda da Vinciho. Za zubatým úsměvem a neforemnou postavou hrdinky znalec malby viděl ladnost osoby královské krve. Svědčí o tom i špatně nakreslená koruna korunující ženinu hlavu.

4

„Portrét AdeleBloch-Bauer I"

Autor

Gustav Klimt

Země Rakousko
Roky života 1862–1918
Styl moderní

Gustav Klimt se narodil v rodině rytce a byl druhým ze sedmi dětí. Tři synové Ernesta Klimta se stali umělci, ale pouze Gustav se proslavil po celém světě. Většinu dětství prožil v chudobě. Po smrti svého otce se stal zodpovědným za celou rodinu. Právě v této době Klimt rozvinul svůj styl. Každý divák před jeho obrazy ztuhne: pod tenkými čarami zlata je jasně viditelná upřímná erotika.

Rozměr 138 x 136 cm
1907
cena
135 milionů dolarů
prodáno v roce 2006
v aukci Sotheby's

Osud obrazu, kterému se říká „rakouská Mona Lisa“, by se klidně mohl stát základem bestselleru. Umělcovo dílo vyvolalo konflikt mezi celým státem a jednou starší dámou.

Takže „Portrét Adele Bloch-Bauer I“ zobrazuje aristokratku, manželku Ferdinanda Blocha. Jejím posledním přáním bylo darovat obraz Rakouské státní galerii. Bloch však dar ve své závěti zrušil a nacisté obraz vyvlastnili. Později galerie s obtížemi koupila Zlatou Adélu, ale pak se objevila dědička - Maria Altmanová, neteř Ferdinanda Blocha.

V roce 2005 začal vysoce sledovaný proces „Maria Altmann proti Rakouské republice“, v důsledku čehož s ní film „odjel“ do Los Angeles. Rakousko přijalo bezprecedentní opatření: probíhala jednání o půjčkách, obyvatelstvo věnovalo peníze na koupi portrétu. Dobro nikdy neporazilo zlo: Altman zvýšil cenu na 300 milionů dolarů. V době soudního řízení jí bylo 79 let a do historie se zapsala jako osoba, která změnila Bloch-Bauerovu závěť ve prospěch osobních zájmů. Obraz koupil Ronald Lauder, majitel New Gallery v New Yorku, kde je dodnes. Ne pro Rakousko, pro něj Altman snížil cenu na 135 milionů dolarů.

5

"Výkřik"

Autor

Edvard Munch

Země Norsko
Roky života 1863–1944
Styl expresionismus

Munchova první malba, která se proslavila po celém světě, „Nemocná dívka“ (existuje pět kopií), je věnována umělcově sestře, která zemřela na tuberkulózu ve věku 15 let. Muncha vždy zajímalo téma smrti a osamělosti. V Německu jeho těžká maniakální malba dokonce vyvolala skandál. Navzdory depresivním tématům však jeho obrazy mají zvláštní magnetismus. Vezměte si například "Scream".

Rozměr 73,5 x 91 cm
1895
cena
119,992 milionů dolarů
prodáno v 2012
v aukci Sotheby's

Celý název obrazu je Der Schrei der Natur (přeloženo z němčiny jako „výkřik přírody“). Tvář člověka nebo mimozemšťana vyjadřuje zoufalství a paniku – stejné emoce, jaké divák prožívá při pohledu na obraz. Jedno z klíčových děl expresionismu varuje před tématy, která se v umění 20. století stala akutní. Podle jedné verze jej umělec vytvořil pod vlivem duševní poruchy, kterou trpěl celý život.

Obraz byl dvakrát ukraden z různých muzeí, ale byl vrácen. Lehce poškozená po krádeži byla The Scream obnovena a byla znovu připravena k vystavení v Munchově muzeu v roce 2008. Pro představitele popkultury se dílo stalo zdrojem inspirace: Andy Warhol vytvořil řadu jeho tištěných kopií a maska ​​z filmu „Scream“ byla vyrobena podle obrazu a podoby hrdiny obrázku.

Munch napsal čtyři verze díla pro jeden předmět: ta, která je v soukromé sbírce, je vyrobena v pastelech. Norský miliardář Petter Olsen jej dal 2. května 2012 do aukce. Kupujícím byl Leon Black, který na „Scream“ nešetřil rekordní částkou. Zakladatel Apollo Advisors, L.P. a Lví poradci, L.P. známý svou láskou k umění. Black je patronem Dartmouth College, Muzea moderního umění, Lincoln Art Center a Metropolitního muzea umění. Má největší sbírku obrazů současných umělců a klasických mistrů minulých staletí.

6

"Nahý na pozadí poprsí a zelených listů"

Autor

Pablo Picasso

Země Španělsko, Francie
Roky života 1881–1973
Styl kubismus

Původem je Španěl, ale duchem a místem bydliště je skutečným Francouzem. Picasso si otevřel vlastní umělecké studio v Barceloně, když mu bylo pouhých 16 let. Poté odešel do Paříže a strávil tam většinu svého života. Proto má jeho příjmení dvojitý přízvuk. Styl, který vynalezl Picasso, je založen na popření myšlenky, že předmět zobrazený na plátně lze pozorovat pouze z jednoho úhlu.

Rozměr 130 x 162 cm
1932
cena
106,482 milionů dolarů
prodáno v roce 2010
v aukci Christie's

Během své práce v Římě se umělec setkal s tanečnicí Olgou Khokhlovou, která se brzy stala jeho manželkou. Skoncoval s tulákem a nastěhoval se k ní do luxusního bytu. V té době uznání našlo hrdinu, ale manželství bylo zničeno. Jeden z nejdražších obrazů na světě vznikl téměř náhodou – z velké lásky, která jako vždy u Picassa neměla dlouhého trvání. V roce 1927 se začal zajímat o mladou Marii-Therese Walterovou (bylo jí 17 let, jemu 45). Tajně od své manželky odešel se svou milenkou do města nedaleko Paříže, kde namaloval portrét, zobrazující Marii-Therese v podobě Daphne. Plátno koupil newyorský dealer Paul Rosenberg a v roce 1951 ho prodal Sidneymu F. Brodymu. Brodyovi ukázali světu obraz jen jednou a to jen proto, že umělci bylo 80 let. Po smrti svého manžela dala paní Brodyová dílo v březnu 2010 do aukce v Christie’s. Za šest desetiletí se cena zvýšila více než 5000krát! Neznámý sběratel ho koupil za 106,5 milionu dolarů. V roce 2011 se v Británii konala „výstava jednoho obrazu“, kde byl uveden již podruhé, ale jméno majitele je stále neznámé.

7

"Osm Elvisů"

Autor

Andy Warhol

Země USA
Roky života 1928-1987
Styl
pop art

„Sex a večírky jsou jediná místa, kde se musíte objevit osobně,“ řekl kultovní pop-artový umělec, režisér, jeden ze zakladatelů časopisu Interview, designér Andy Warhol. Spolupracoval s Vogue a Harper's Bazaar, navrhoval obaly desek a navrhoval boty pro společnost I.Miller. V 60. letech se objevily obrazy zobrazující symboly Ameriky: Campbellovu polévku a Coca-Colu, Presleyho a Monroe – což z něj udělalo legendu.

Rozměry 358 x 208 cm
1963
cena
100 milionů dolarů
prodáno v roce 2008
na soukromé aukci

Warhol 60s bylo jméno dané éře pop artu v Americe. V roce 1962 pracoval na Manhattanu ve studiu Factory, kde se sešli všichni bohémové z New Yorku. Její významní představitelé: Mick Jagger, Bob Dylan, Truman Capote a další známé osobnosti světa. Warhol zároveň vyzkoušel techniku ​​sítotisku – opakované opakování jednoho obrázku. Tuto metodu použil také při tvorbě „Osm Elvisů“: divák jako by viděl záběry z filmu, kde hvězda ožívá. Zde je vše, co umělec tak miloval: oboustranně výhodný veřejný obraz, stříbrná barva a předtucha smrti jako hlavní poselství.

Warholovo dílo dnes na světovém trhu propagují dva obchodníci s uměním: Larry Gagosian a Alberto Mugrabi. První jmenovaný utratil v roce 2008 200 milionů dolarů na získání více než 15 Warholových děl. Druhý kupuje a prodává své obrazy jako vánoční přání, jen za vyšší cenu. Ale nebyli to oni, ale skromný francouzský umělecký poradce Philippe Segalot, kdo pomohl římskému znalci umění Annibale Berlinghierimu prodat „Osm Elvisů“ neznámému kupci za rekordní částku pro Warhola – 100 milionů dolarů.

8

"Pomerančový,červená, žlutá"

Autor

Mark Rothko

Země USA
Roky života 1903–1970
Styl abstraktní expresionismus

Jeden z tvůrců barevného pole malby se narodil v ruském Dvinsku (dnes Daugavpils, Lotyšsko) do velké rodiny židovského lékárníka. V roce 1911 emigrovali do USA. Rothko studoval na katedře umění na Yaleově univerzitě a získal stipendium, ale antisemitské nálady ho donutily studia opustit. Umělečtí kritici navzdory všemu umělce zbožňovali a muzea ho pronásledovala celý život.

Rozměr 206 x 236 cm
1961
cena
86,882 milionů dolarů
prodáno v roce 2012
v aukci Christie's

První Rothkovy umělecké experimenty byly surrealistického zaměření, ale postupem času zjednodušil děj na barevné skvrny, čímž je zbavil jakékoli objektivity. Nejprve měly jasné odstíny a v 60. letech se staly hnědými a fialovými, které v době umělcovy smrti zhoustly do černé. Mark Rothko varoval před hledáním jakéhokoli smyslu v jeho obrazech. Autor chtěl říci přesně to, co řekl: pouze barva rozpouštějící se ve vzduchu a nic víc. Doporučil prohlížet díla ze vzdálenosti 45 cm, aby byl divák „vtažen“ do barvy jako do trychtýře. Pozor: nahlížení podle všech pravidel může vést k efektu meditace, tedy uvědomění si nekonečna, úplného ponoření se do sebe, postupně přichází relaxace a očista. Barva v jeho obrazech žije, dýchá a má silný emocionální dopad (říkají, že někdy léčí). Umělec prohlásil: „Divák by měl při pohledu na ně plakat,“ a takové případy se skutečně staly. Podle Rothkovy teorie v tuto chvíli lidé prožívají stejnou duchovní zkušenost jako on při práci na obraze. Pokud jste to dokázali pochopit na tak jemné úrovni, nebudete překvapeni, že tato díla abstraktního umění bývají kritiky přirovnávána k ikonám.

Dílo „Oranžová, červená, žlutá“ vyjadřuje podstatu malby Marka Rothka. Jeho počáteční cena na aukci Christie’s v New Yorku je 35–45 milionů dolarů. Neznámý kupec nabídl cenu dvojnásobnou oproti odhadu. Jméno šťastného majitele obrazu, jak se často stává, není zveřejněno.

9

"triptych"

Autor

Francis Bacon

Země
Spojené království
Roky života 1909–1992
Styl expresionismus

Dobrodružství Francise Bacona, úplného jmenovce a také vzdáleného potomka velkého filozofa, začala, když se ho jeho otec zřekl, nedokázal přijmout synovy homosexuální sklony. Bacon šel nejprve do Berlína, pak do Paříže, a pak se jeho stopy po celé Evropě zamotaly. Během jeho života byla jeho díla vystavena v předních kulturních centrech světa, včetně Guggenheimova muzea a Treťjakovské galerie.

147,5 x 198 cm (každý)
1976
cena
86,2 milionů dolarů
prodáno v roce 2008
v aukci Sotheby's

Prestižní muzea se snažila vlastnit Baconovy obrazy, ale prvotřídní anglická veřejnost s hledáním takového umění nijak nespěchala. Legendární britská premiérka Margaret Thatcherová o něm řekla: „Muž, který maluje tyto děsivé obrazy.

Sám umělec považoval poválečné období za výchozí období ve své tvorbě. Po návratu ze služby se znovu pustil do malby a vytvořil velká mistrovská díla. Před účastí na „Triptychu, 1976“ byla Baconova nejdražší práce „Studie k portrétu papeže Inocence X“ (52,7 milionů dolarů). V „Triptychu, 1976“ umělec ztvárnil mýtickou zápletku pronásledování Oresta běsy. Orestes je samozřejmě sám Bacon a Fúrie jsou jeho muka. Více než 30 let byl obraz v soukromé sbírce a neúčastnil se výstav. Tato skutečnost mu dává zvláštní hodnotu a v důsledku toho zvyšuje náklady. Co je ale pár milionů pro znalce umění, a ještě k tomu štědrého? Roman Abramovich začal vytvářet svou kolekci v 90. letech 20. století, ve které ho výrazně ovlivnila jeho přítelkyně Dasha Zhukova, která se stala módní galeristkou v moderním Rusku. Podle neoficiálních údajů podnikatel osobně vlastní díla Alberta Giacomettiho a Pabla Picassa zakoupená za částky přesahující 100 milionů dolarů. V roce 2008 se stal majitelem Triptychu. Mimochodem, v roce 2011 bylo získáno další cenné dílo Bacona - „Tři náčrty pro portrét Luciana Freuda“. Skryté zdroje říkají, že kupcem se opět stal Roman Arkadyevič.

10

"Jezírko s lekníny"

Autor

Claude Monet

Země Francie
Roky života 1840–1926
Styl impresionismus

Umělec je uznáván jako zakladatel impresionismu, který si tuto metodu „patentoval“ na svá plátna. Prvním významným dílem byl obraz „Luncheon on the Grass“ (původní verze díla Edouarda Maneta). V mládí kreslil karikatury a skutečné malbě se věnoval při svých cestách po pobřeží a pod širým nebem. V Paříži vedl bohémský způsob života a neopustil ho ani po službě v armádě.

210x100 cm
1919
cena
80,5 milionu dolarů
prodáno v roce 2008
v aukci Christie's

Kromě toho, že byl Monet velkým umělcem, byl také horlivým zahradníkem a zbožňoval divokou zvěř a květiny. V jeho krajinách je stav přírody momentální, objekty jako by byly rozmazané pohybem vzduchu. Dojem umocňují velké tahy z určité vzdálenosti se stávají neviditelnými a splývají v texturovaný, trojrozměrný obraz. V obrazech pozdního Moneta zaujímá téma vody a života v ní zvláštní místo. Ve městě Giverny měl umělec vlastní jezírko, kde pěstoval lekníny ze semínek, které mu speciálně přivezl z Japonska. Když jejich květy rozkvetly, začal malovat. Série „Lekníny“ se skládá ze 60 děl, která umělec maloval téměř 30 let až do své smrti. Jeho zrak se věkem zhoršoval, ale nepřestával. V závislosti na větru, roční době a počasí se podoba rybníka neustále měnila a Monet chtěl tyto změny zachytit. Pečlivou prací došel k pochopení podstaty přírody. Některé obrazy ze série jsou uloženy v předních světových galeriích: Národní muzeum západního umění (Tokio), Orangerie (Paříž). Verze dalšího „Jezírka s lekníny“ se dostala do rukou neznámého kupce za rekordní částku.

11

Falešná hvězda t

Autor

Jasper Johns

Země USA
Rok narození 1930
Styl pop art

V roce 1949 Jones vstoupil na designovou školu v New Yorku. Spolu s Jacksonem Pollockem, Willemem de Kooningem a dalšími je uznáván jako jeden z hlavních umělců 20. století. V roce 2012 obdržel Prezidentskou medaili svobody, nejvyšší civilní vyznamenání ve Spojených státech.

137,2 x 170,8 cm
1959
cena
80 milionů dolarů
prodáno v roce 2006
na soukromé aukci

Stejně jako Marcel Duchamp i Jones pracoval se skutečnými předměty, zobrazoval je na plátně a v sochařství plně v souladu s originálem. Pro svá díla používal jednoduché a srozumitelné předměty: pivní láhev, vlajku nebo karty. Ve filmu Falešný start není jasná kompozice. Zdá se, že umělec si hraje s divákem, často „špatně“ označuje barvy na obraze a převrací samotný koncept barvy: „Chtěl jsem najít způsob, jak barvu zobrazit, aby ji bylo možné určit jinou metodou.“ Jeho nejvýbušnější a „nejistý“ obraz podle kritiků získal neznámý kupec.

12

"Sedětaktna pohovce"

Autor

Amedeo Modigliani

Země Itálie, Francie
Roky života 1884–1920
Styl expresionismus

Modigliani byl od dětství často nemocný během horečnatého deliria, poznal svůj osud jako umělec. Studoval kresbu v Livornu, Florencii, Benátkách a v roce 1906 odešel do Paříže, kde jeho umění vzkvétalo.

65x100 cm
1917
cena
68,962 milionů dolarů
prodáno v roce 2010
v aukci Sotheby's

V roce 1917 se Modigliani setkal s 19letou Jeanne Hebuterne, která se stala jeho modelkou a poté manželkou. V roce 2004 se jeden z jejích portrétů prodal za 31,3 milionu dolarů, což je poslední rekord před prodejem Nude Seated on a Sofa v roce 2010. Obraz byl zakoupen neznámým kupcem za maximální cenu pro Modiglianiho v tuto chvíli. Aktivní prodej děl začal až po umělcově smrti. Zemřel v chudobě, nemocný tuberkulózou, a další den Jeanne Hebuterne, která byla v devíti měsících těhotenství, také spáchala sebevraždu.

13

"Orel na borovici"

Autor

Qi Baishi

Země Čína
Roky života 1864–1957
Styl Guohua

Zájem o kaligrafii přivedl Qi Baishi k malbě. Ve věku 28 let se stal žákem umělce Hu Qingyuan. Čínské ministerstvo kultury mu udělilo titul „Velký umělec čínského lidu“ a v roce 1956 obdržel Mezinárodní cenu míru.

10x26 cm
1946
cena
65,4 milionu dolarů
prodáno v roce 2011
v aukci China Guardian

Qi Baishi se zajímal o ty projevy okolního světa, kterým mnozí nepřikládají důležitost, a to je jeho velikost. Muž bez vzdělání se stal profesorem a vynikajícím tvůrcem historie. Pablo Picasso o něm řekl: „Bojím se jít do vaší země, protože v Číně je Qi Baishi. Skladba „Orel na borovici“ je uznávána jako největší dílo umělce. Kromě plátna obsahuje dva hieroglyfické svitky. Pro Čínu představuje částka, za kterou bylo dílo zakoupeno, rekord – 425,5 milionu jüanů. Jen svitek starověkého kaligrafa Huang Tingjian se prodal za 436,8 milionů.

14

"1949-A-No. 1"

Autor

Clyfford Still

Země USA
Roky života 1904–1980
Styl abstraktní expresionismus

Ve 20 letech jsem navštívil Metropolitní muzeum umění v New Yorku a byl jsem zklamán. Později se přihlásil do kurzu ve Studentské umělecké lize, ale odešel 45 minut po začátku hodiny – ukázalo se, že to „není pro něj“. První osobní výstava vyvolala ohlas, umělec našel sám sebe a s ním i uznání

Rozměr 79 x 93 cm
1949
cena
61,7 milionu dolarů
prodáno v roce 2011
v aukci Sotheby's

Všechna svá díla, více než 800 pláten a 1600 děl na papíře, přesto odkázal americkému městu, kde bude otevřeno muzeum pojmenované po něm. Takovým městem se stal Denver, ale samotná výstavba byla pro úřady drahá a k jejímu dokončení byla do aukce dána čtyři díla. Stillova díla se pravděpodobně nebudou znovu dražit, což předem zvýšilo jejich cenu. Obraz „1949-A-No.1“ byl pro umělce prodán za rekordní částku, ačkoli odborníci předpovídali prodej maximálně za 25–35 milionů dolarů.

15

"Suprematistické složení"

Autor

Kazimír Malevič

Země Rusko
Roky života 1878–1935
Styl Suprematismus

Malevich studoval malbu na Kyjevské umělecké škole a poté na Moskevské akademii umění. V roce 1913 začal malovat abstraktní geometrické obrazy ve stylu, který nazval suprematismus (z latiny „dominance“).

Rozměr 71 x 88,5 cm
1916
cena
60 milionů dolarů
prodáno v roce 2008
v aukci Sotheby's

Obraz byl asi 50 let uchováván v amsterdamském městském muzeu, ale po 17 letech sporu s Malevichovými příbuznými jej muzeum vydalo. Umělec namaloval toto dílo ve stejném roce jako „Manifest suprematismu“, takže Sotheby’s ještě před aukcí oznámila, že nepůjde do soukromé sbírky za méně než 60 milionů dolarů. A tak se také stalo. Je lepší se na to dívat shora: postavy na plátně připomínají letecký pohled na zemi. Mimochodem, o několik let dříve titíž příbuzní vyvlastnili další „suprematistickou kompozici“ z muzea MoMA, aby ji prodali v aukci Phillips za 17 milionů dolarů.

16

"koupači"

Autor

Paul Gauguin

Země Francie
Roky života 1848–1903
Styl postimpresionismu

Do svých sedmi let žil umělec v Peru, poté se s rodinou vrátil do Francie, ale vzpomínky na dětství ho neustále hnaly k cestování. Ve Francii začal malovat a spřátelil se s Van Goghem. Strávil s ním dokonce několik měsíců v Arles, dokud mu Van Gogh během hádky neuřízl ucho.

Rozměr 93,4 x 60,4 cm
1902
cena
55 milionů dolarů
prodáno v roce 2005
v aukci Sotheby's

V roce 1891 Gauguin zorganizoval prodej svých obrazů, aby výtěžek použil na cestu hluboko na ostrov Tahiti. Tam vytvořil díla, ve kterých je cítit jemné spojení přírody a člověka. Gauguin žil v doškové chýši a na jeho plátnech kvetl tropický ráj. Jeho manželkou byla 13letá tahitská Tehura, což umělci nezabránilo v promiskuitních vztazích. Poté, co se nakazil syfilidou, odešel do Francie. Na Gauguina tam však bylo plno a vrátil se na Tahiti. Toto období se nazývá „druhý Tahitian“ - tehdy byl namalován obraz „Koupající se“, jeden z nejluxusnějších v jeho díle.

17

"Narcisy a ubrus v modrých a růžových tónech"

Autor

Henri Matisse

Země Francie
Roky života 1869–1954
Styl fauvismus

V roce 1889 utrpěl Henri Matisse záchvat apendicitidy. Když se zotavoval po operaci, matka mu koupila barvy. Matisse nejprve z nudy kopíroval barevné pohlednice, pak - díla velkých malířů, která viděl v Louvru, a na začátku 20. století přišel se stylem - fauvismus.

Rozměr 65,2 x 81 cm
1911
cena
46,4 milionu dolarů
prodáno v roce 2009
v aukci Christie's

Obraz „Narcisy a ubrus v modré a růžové“ patřil Yves Saint Laurentovi dlouhou dobu. Po smrti návrháře přešla celá jeho umělecká sbírka do rukou jeho přítele a milence Pierra Bergera, který se ji rozhodl dát do aukce v Christie’s. Perličkou prodávané kolekce byl obraz „Narcisy a ubrus v modrých a růžových tónech“, malovaný na obyčejný ubrus místo plátna. Jako příklad fauvismu je naplněn energií barev, barvy jako by explodovaly a křičely. Ze slavné série obrazů malovaných na ubrusy je dnes toto dílo jediné, které je v soukromé sbírce.

18

"Spící dívka"

Autor

RoyiZávětří

htenstein

Země USA
Roky života 1923–1997
Styl pop art

Umělec se narodil v New Yorku a po absolvování školy odešel do Ohia, kde absolvoval umělecké kurzy. V roce 1949 Lichtenstein získal titul Master of Fine Arts. Záliba v komiksech a schopnost používat ironii z něj udělaly kultovního umělce minulého století.

Rozměr 91 x 91 cm
1964
cena
44,882 milionů dolarů
prodáno v roce 2012
v aukci Sotheby's

Jednoho dne padla Lichtensteinovi do rukou žvýkačka. Obraz z přílohy překreslil na plátno a stal se slavným. Tento příběh z jeho biografie obsahuje celé poselství pop-artu: konzum je nový bůh a v obalu od žvýkačky není o nic méně krásy než v Mona Lisa. Jeho obrazy připomínají komiksy a karikatury: Lichtenstein hotový obraz jednoduše zvětšil, nakreslil rastry, použil sítotisk a sítotisk. Obraz „Spící dívka“ patřil téměř 50 let sběratelům Beatrice a Philipu Gershovým, jejichž dědicové jej prodali v aukci.

19

"Vítězství. boogie-woogie"

Autor

Piet Mondrian

Země Nizozemí
Roky života 1872–1944
Styl neoplasticismus

Když se umělec v roce 1912 přestěhoval do Paříže, změnil své skutečné jméno, Cornelis, na Mondrian. Spolu s umělcem Theo van Doesburgem založil hnutí neoplasticismus. Programovací jazyk Piet je pojmenován po Mondrianovi.

Rozměr 27 x 127 cm
1944
cena
40 milionů dolarů
prodáno v roce 1998
v aukci Sotheby's

„Nejmuzikálnější“ výtvarník 20. století se živil akvarelovými zátišími, i když proslul jako neoplastický umělec. Ve 40. letech se přestěhoval do USA a strávil tam zbytek života. Nejvíce ho inspiroval jazz a New York! Obraz „Vítězství. Boogie-Woogie“ je toho nejlepším příkladem. Charakteristické úhledné čtverce byly dosaženy pomocí lepicí pásky, Mondrianova oblíbeného materiálu. V Americe byl nazýván „nejslavnějším přistěhovalcem“. V šedesátých letech uvedl Yves Saint Laurent světově proslulé „mondrijské“ šaty s velkými kostkovanými potisky.

20

"Složení č. 5"

Autor

VasilijKandinského

Země Rusko
Roky života 1866–1944
Styl avantgarda

Umělec se narodil v Moskvě a jeho otec pocházel ze Sibiře. Po revoluci se snažil spolupracovat se sovětskou vládou, ale brzy si uvědomil, že zákony proletariátu nebyly vytvořeny pro něj, a ne bez potíží emigroval do Německa.

Rozměr 275 x 190 cm
1911
cena
40 milionů dolarů
prodáno v roce 2007
v aukci Sotheby's

Kandinskij byl jedním z prvních, kdo zcela opustil malbu objektů, za což získal titul génia. Během nacismu v Německu byly jeho obrazy klasifikovány jako „degenerované umění“ a nebyly nikde vystaveny. V roce 1939 přijal Kandinsky francouzské občanství a v Paříži se svobodně účastnil uměleckého procesu. Jeho obrazy „znějí“ jako fugy, a proto se mnohým říká „kompozice“ (první byla napsána v roce 1910, poslední v roce 1939). „Kompozice č. 5“ je jedním z klíčových děl tohoto žánru: „Slovo „kompozice“ mi znělo jako modlitba,“ řekl umělec. Na rozdíl od mnoha svých následovníků plánoval, co zobrazí na obrovském plátně, jako by si psal poznámky.

21

„Studie ženy v modrém“

Autor

Fernand Léger

Země Francie
Roky života 1881–1955
Styl kubismus-postimpresionismus

Léger získal architektonické vzdělání a poté navštěvoval Ecole des Beaux-Arts v Paříži. Umělec se považoval za stoupence Cézanna, byl zastáncem kubismu a ve 20. století byl úspěšný i jako sochař.

Rozměr 96,5 x 129,5 cm
1912–1913
cena
39,2 milionu dolarů
prodáno v roce 2008
v aukci Sotheby's

David Norman, prezident mezinárodního oddělení impresionismu a modernismu v Sotheby's, považuje ohromnou částku zaplacenou za „Dámu v modrém“ za zcela oprávněnou. Obraz patří do slavné Légerovy sbírky (umělec namaloval tři obrazy na jedno téma, poslední z nich je dnes v soukromých rukou - pozn. red.) a povrch plátna se dochoval v původní podobě. Sám autor toto dílo předal galerii Der Sturm, poté skončilo ve sbírce německého sběratele moderny Hermanna Langa a nyní patří neznámému kupci.

22

„Pouliční scéna. Berlín"

Autor

Ernst LudwigKirchner

Země Německo
Roky života 1880–1938
Styl expresionismus

Pro německý expresionismus se Kirchner stal ikonickou osobou. Místní úřady ho však obvinily z lpění na „degenerovaném umění“, což tragicky ovlivnilo osud jeho obrazů i život umělce, který v roce 1938 spáchal sebevraždu.

Rozměr 95 x 121 cm
1913
cena
38,096 milionu dolarů
prodáno v roce 2006
v aukci Christie's

Po přestěhování do Berlína Kirchner vytvořil 11 skic pouličních scén. Inspiroval ho ruch a nervozita velkoměsta. Na obraze, prodaném v roce 2006 v New Yorku, je úzkostný stav umělce obzvláště silně cítit: lidé na berlínské ulici připomínají ptáky - půvabné a nebezpečné. Bylo to poslední dílo ze slavné série prodané v aukci, zbytek je uložen v muzeích. V roce 1937 zacházeli nacisté s Kirchnerem tvrdě: 639 jeho děl bylo odstraněno z německých galerií, zničeno nebo prodáno do zahraničí. Umělec to nemohl přežít.

23

"Výletník"tanečník"

Autor

Edgar Degas

Země Francie
Roky života 1834–1917
Styl impresionismus

Historie Degase jako umělce začala jeho prací jako opisovač v Louvru. Snil o tom, že se stane „slavným a neznámým“, a nakonec se mu to podařilo. Na konci svého života, hluchý a slepý, 80letý Degas nadále navštěvoval výstavy a aukce.

Rozměr 64 x 59 cm
1879
cena
37,043 milionů dolarů
prodáno v roce 2008
v aukci Sotheby's

"Baleríny pro mě vždy byly jen záminkou k zobrazení látek a zachycení pohybu," řekl Degas. Zdá se, že scény ze života tanečnic byly špehovány: dívky pro umělce nepózují, ale prostě se stávají součástí atmosféry zachycené Degasovým pohledem. „Resting Dancer“ byl prodán za 28 milionů $ v roce 1999 a o necelých 10 let později byl koupen za 37 milionů $ – dnes je to nejdražší dílo umělce, jaké kdy bylo dáno do aukce. Degas věnoval rámům velkou pozornost, sám je navrhoval a zakázal je měnit. Zajímalo by mě, jaký rám je nainstalován na prodávaném obrazu?

24

"Malování"

Autor

Joan Miro

Země Španělsko
Roky života 1893–1983
Styl abstraktní umění

Během španělské občanské války byl umělec na republikánské straně. V roce 1937 uprchl před fašistickým režimem do Paříže, kde žil v chudobě se svou rodinou. V tomto období Miro namaloval obraz „Pomoc Španělsku!“, čímž upozornil celý svět na dominanci fašismu.

Rozměry 89 x 115 cm
1927
cena
36,824 milionu dolarů
prodáno v roce 2012
v aukci Sotheby's

Druhý název obrazu je „Modrá hvězda“. Umělec jej namaloval ve stejném roce, kdy oznámil: „Chci zabít malbu“ a nemilosrdně se posmíval plátnům, škrábal barvu hřebíky, lepil peří na plátno, pokrýval díla odpadky. Jeho cílem bylo vyvrátit mýty o záhadě malby, ale když se s tím Miro vyrovnal, vytvořil svůj vlastní mýtus - surrealistickou abstrakci. Jeho „Obraz“ patří do cyklu „obrazů snů“. V aukci o něj bojovali čtyři kupci, ale jeden inkognito telefonát spor vyřešil a „Obraz“ se stal nejdražším malířovým obrazem.

25

"Modrá růže"

Autor

Yves Klein

Země Francie
Roky života 1928–1962
Styl monochromatická malba

Umělec se narodil do malířské rodiny, ale studoval orientální jazyky, navigaci, řemeslo zlacení rámů, zen buddhismus a mnoho dalšího. Jeho osobnost a drzé dovádění byly mnohokrát zajímavější než monochromní obrazy.

Rozměry 153 x 199 x 16 cm
1960
cena
36,779 milionu dolarů
prodáno v roce 2012
na aukci Christie's

První výstava jednobarevných žlutých, oranžových a růžových děl zájem veřejnosti nevzbudila. Klein se urazil a příště představil 11 stejných pláten, natřených ultramarínem smíchaným se speciální syntetickou pryskyřicí. Tuto metodu si dokonce nechal patentovat. Barva vešla do historie jako „mezinárodní Kleinova modrá“. Umělec také prodával prázdnotu, vytvářel obrazy vystavováním papíru dešti, zapalováním kartonu, otiskováním lidského těla na plátno. Jedním slovem, experimentoval jsem, jak nejlépe jsem mohl. K vytvoření „Blue Rose“ jsem použil suché pigmenty, pryskyřice, oblázky a přírodní houbu.

26

„Při hledání Mojžíše“

Autor

Sir Lawrence Alma-Tadema

Země Spojené království
Roky života 1836–1912
Styl neoklasicismus

Sám sir Lawrence přidal ke svému příjmení předponu „alma“, aby mohl být uveden na prvním místě v uměleckých katalozích. Ve viktoriánské Anglii byly jeho obrazy tak žádané, že umělec získal rytířský titul.

213,4 x 136,7 cm
1902
cena
35,922 milionů dolarů
prodáno v roce 2011
v aukci Sotheby's

Hlavním tématem Alma-Tademovy tvorby byla antika. Ve svých obrazech se snažil do nejmenších detailů vykreslit éru římské říše, prováděl proto dokonce archeologické vykopávky na Apeninském poloostrově a ve svém londýnském domě reprodukoval historický interiér těchto let. Dalším zdrojem inspirace se pro něj stala mytologická témata. Umělec byl za svého života extrémně žádaný, ale po jeho smrti byl rychle zapomenut. Nyní zájem ožívá, o čemž svědčí cena obrazu „Hledá se Mojžíš“, která je sedmkrát vyšší, než předprodejní odhad.

27

„Portrét spícího nahého úředníka“

Autor

Lucian Freud

Země Německo,
Spojené království
Roky života 1922–2011
Styl figurativní malba

Umělec je vnukem Sigmunda Freuda, otce psychoanalýzy. Po nastolení fašismu v Německu jeho rodina emigrovala do Velké Británie. Freudova díla jsou v muzeu Wallace Collection v Londýně, kde dosud žádný současný umělec nevystavoval.

219,1 x 151,4 cm
1995
cena
33,6 milionu dolarů
prodáno v roce 2008
v aukci Christie's

Zatímco módní umělci 20. století vytvářeli pozitivní „barevné skvrny na zdi“ a prodávali je za miliony, Freud maloval extrémně naturalistické obrazy a prodával je za ještě více. "Zachycuji výkřiky duše a utrpení blednoucího těla," řekl. Kritici věří, že toto vše je „dědictvím“ Sigmunda Freuda. Obrazy byly tak aktivně vystavovány a úspěšně prodávány, že odborníci začali pochybovat: mají hypnotické vlastnosti? Portrét nahého spícího úředníka, prodaný v aukci, podle Sunu koupil znalec krásy a miliardář Roman Abramovič.

28

"Housle a kytara"

Autor

Xjeden Gris

Země Španělsko
Roky života 1887–1927
Styl kubismus

Narodil se v Madridu, kde vystudoval Školu umění a řemesel. V roce 1906 se přestěhoval do Paříže a vstoupil do okruhu nejvlivnějších umělců té doby: Picassa, Modiglianiho, Braqueho, Matisse, Légera a spolupracoval také se Sergejem Diaghilevem a jeho souborem.

5x100 cm
1913
cena
28,642 milionů dolarů
prodáno v roce 2010
v aukci Christie's

Gris se podle svých vlastních slov zabýval „planární barevnou architekturou“. Jeho obrazy jsou precizně promyšlené: nezanechal jediný náhodný tah, díky čemuž je kreativita podobná geometrii. Umělec vytvořil svou vlastní verzi kubismu, ačkoli velmi respektoval Pabla Picassa, zakladatele hnutí. Nástupce mu dokonce věnoval své první dílo v kubistickém stylu „Pocta Picassovi“. Obraz „Housle a kytara“ je v umělcově díle uznáván jako vynikající. Během svého života byl Gris slavný a oblíbený u kritiků a uměleckých kritiků. Jeho díla jsou vystavována v největších světových muzeích a jsou uchovávána v soukromých sbírkách.

29

"PortrétEluardova pole"

Autor

Salvador Dalí

Země Španělsko
Roky života 1904–1989
Styl surrealismus

"Surrealismus jsem já," řekl Dalí, když byl vyloučen ze surrealistické skupiny. Postupem času se stal nejznámějším surrealistickým umělcem. Dalího práce je všude, nejen v galeriích. Byl to například on, kdo vymyslel obal pro Chupa Chups.

25 x 33 cm
1929
cena
20,6 milionu dolarů
prodáno v roce 2011
v aukci Sotheby's

V roce 1929 přijeli básník Paul Eluard a jeho ruská manželka Gala navštívit velkého provokatéra a rváče Dalího. Setkání bylo začátkem milostného příběhu, který trval více než půl století. Během této historické návštěvy byl namalován obraz „Portrét Paula Eluarda“. „Cítil jsem, že mi byla svěřena zodpovědnost zachytit tvář básníka, z jehož Olympu jsem ukradl jednu z múz,“ řekl umělec. Než se setkal s Galou, byl panna a byl znechucen při pomyšlení na sex se ženou. Milostný trojúhelník existoval až do Eluardovy smrti, po které se z něj stal duet Dali-Gala.

30

"Výročí"

Autor

Marc Chagall

Země Rusko, Francie
Roky života 1887–1985
Styl avantgarda

Moishe Segal se narodil ve Vitebsku, ale v roce 1910 emigroval do Paříže, změnil si jméno a sblížil se s předními avantgardními umělci té doby. Ve 30. letech 20. století během uchopení moci nacisty odešel s pomocí amerického konzula do Spojených států. Do Francie se vrátil až v roce 1948.

Rozměr 80 ​​x 103 cm
1923
cena
14,85 milionu dolarů
prodáno 1990
na aukci Sotheby's

Obraz „Výročí“ je uznáván jako jedno z nejlepších děl umělce. Obsahuje všechny rysy jeho díla: fyzikální zákony světa jsou vymazány, v kulisách měšťáckého života je zachován pocit pohádky a v centru děje je láska. Chagall nečerpal lidi ze života, ale pouze z paměti nebo představ. Obraz „Výročí“ zachycuje samotného umělce a jeho manželku Belu. Obraz byl prodán v roce 1990 a od té doby se nedražil. Zajímavé je, že New York Museum of Modern Art MoMA sídlí přesně to samé, jen pod názvem „Narozeniny“. Mimochodem, to bylo napsáno dříve - v roce 1915.

připravil projekt
Taťána Palašová
hodnocení bylo sestaveno
podle seznamu www.art-spb.ru
časopis tmn č. 13 (květen–červen 2013)

K umění první poloviny 19. století. ovlivněna Velkou francouzskou revolucí (1789–1799), válkou s Napoleonem a válkou se Španělskem. Během tohoto období došlo ve vědě k velkému pokroku. Hlavní styly: Empírový sloh, romantismus, francouzský realismus.

V architektuře první poloviny 19. století zažil neoklasicismus svůj poslední rozkvět. V polovině století bylo hlavním problémem evropské architektury hledání stylu. V důsledku romantické fascinace antikou se mnoho mistrů snažilo oživit tradice architektury minulosti - tak vznikla novogotika, novorenesance, neobaroko. Úsilí architektů často vedlo k eklektismu – mechanickému spojení prvků různých stylů, starých i nových. V architektuře dominuje výstavba továren, kanceláří, obytných budov, obchodních domů, výstavních síní, knihoven, vlakových nádraží, krytých tržnic, bank atd. Banky jsou zdobeny starořeckými portiky, obchodní domy - s gotickými lancetovými okny a věžemi . Továrny dostávají podobu zámků.

19.1.1 Umění Francie

Architektura. Během Velké francouzské revoluce nebyla ve Francii postavena jediná odolná stavba. Byla to éra dočasných staveb, obvykle dřevěných. Na začátku revoluce byla Bastila zničena a pomníky králů byly zbořeny. V roce 1793 byly uzavřeny královské akademie včetně Akademie architektury. Místo toho se objevila Národní porota umění a Republikánský klub umění, jejichž hlavními úkoly byla organizace masových oslav a úprava pařížských ulic a náměstí.

Na náměstí Place de la Bastille byl postaven pavilon s nápisem: "Tady se tančí." Místo Ludvíka XV bylo pojmenováno Place de la Revolution a bylo doplněno vítěznými oblouky, sochami Svobody a fontánami s emblémy. Champs de Mars se stal místem veřejných shromáždění s Oltářem vlasti uprostřed. Invalidovna a její katedrála se staly chrámem lidskosti. Ulice Paříže byly vyzdobeny novými památkami.

Také v letech Francouzské revoluce vznikla Komise umělců, která se zabývala zvelebováním města a plánovala změny jeho vzhledu. To hrálo významnou roli v dějinách architektury.

Empírový styl dominoval umění napoleonské Francie. Napoleonovým hlavním architektonickým počinem byla přestavba Paříže: jejím záměrem bylo propojit středověké čtvrti se systémem tříd protínajících město podél osy východ-západ. Byly postaveny: Avenue des Champs Eysées, Rue de Rivoli, triumfální sloup na Place Vendôme (1806–1810, architekti Jean Baptiste Leper, Jacques Gondoin), vstupní brány paláce Tuileries (1806–1807, architekti C. Percier, P. F. L. Fontaine), vítězný oblouk Velké armády (1806–1837, architekti Jean François Challen a další).

Malování. V první polovině 19. stol. Francouzská malířská škola upevnila své prvenství v umění západní Evropy. Francie byla v demokratizaci uměleckého života před ostatními evropskými zeměmi. Od roku 1791 získali právo účastnit se výstav v salonu Louvre všichni autoři bez ohledu na jejich členství v akademiích. Od roku 1793 byly sály Louvru otevřeny široké veřejnosti. Státní akademické vzdělání bylo nahrazeno školením v soukromých dílnách. Úřady se uchýlily k flexibilnějším metodám umělecké politiky: distribuce velkých zakázek na výzdobu veřejných budov získala zvláštní rozsah.

Představiteli francouzského malířství romantismu jsou David, Ingres, Gericault, Delacroix, Gros.

Jacques Louis David (1748–1825) - nejdůslednější představitel neoklasicismu v malířství. Studoval na Královské akademii malířství a sochařství, 1775-1779. navštívil Itálii. V roce 1781 byl David přijat za člena Královské akademie a získal právo účastnit se jejích výstav - Louvre Salons. V roce 1792 byl David zvolen poslancem Konventu, nejvyššího zákonodárného a výkonného orgánu první republiky.

Již v roce 1776 byl vyvinut vládní program, který podporoval tvorbu velkých obrazů. David dostal objednávku na obraz o počínání tří bratrů ze šlechtického rodu Horatiů - "Přísaha Horatii" (1784). Děj obrazu se odehrává na nádvoří starověkého římského domu: na hrdiny obrazu se shora valí proud světla s olivově šedým soumrakem kolem nich. Celá kompozice vychází z čísla tři: tři oblouky (v každém z oblouků je vepsána jedna nebo více postav), tři skupiny postav, tři synové, řada mečů, tři ženy. Hladké obrysy ženské skupiny jsou v kontrastu s pronásledovanými liniemi válečnických postav.

V letech 1795–1799 David na obraze pracoval se svými studenty „Sabinské ženy zastavující bitvu mezi Římany a Sabiny“. Umělec opět zvolil zápletku souznící s moderní dobou: legenda o ženách, které zastavily válku mezi Římany (jejich manžely) a Sabiny (jejich otci a bratry), zazněla tehdy ve Francii jako výzva k občanskému míru. Obrovský obraz, přetížený figurami, však vyvolal pouze posměch publika.

V roce 1812 odešel do Bruselu, kde žil až do své smrti. Maloval portréty a díla na starověká témata - "Smrt Marat" (1793), "Portrét Madame Recamier" (1800). Obraz „Smrt Marat“ dokončil umělec za méně než tři měsíce a pověsil ho v zasedací místnosti Konventu. Marat byl ubodán k smrti ve svém bytě šlechtičnou jménem Charlotte Corday. V době své smrti seděl Marat ve vaně: kvůli kožní nemoci byl nucen pracovat a přijímat návštěvy. Záplatované prostěradla a jednoduchá dřevěná krabice, která nahradila stůl, nejsou umělcovým vynálezem. Sám Marat, jehož tělo znetvořila nemoc, se však pod nánosem Davida proměnil ve vznešeného sportovce, podobného antickému hrdinovi. Jednoduchost prostředí dodává podívané zvláštní tragickou vážnost.

Na velkolepém obrázku "Korunovace Napoleona I. a císařovny Josefíny v katedrále Notre Dame, 2. prosince 1804." (1807) David vytvořil další mýtus - lesk oltáře a nádhera oděvů dvořanů neovlivňují diváka o nic horší než ubohý nábytek a staré listy Marat.

Jean Auguste Dominique Ingres(1780–1867) byl zastáncem klasických ideálů, originálním umělcem, cizím jakékoli falši, nudě a rutině. V roce 1802 získal Římskou cenu a získal právo cestovat do Itálie. V roce 1834 se stal ředitelem Francouzské akademie v Římě. Dosáhl nejvyššího mistrovství v žánru portrétování - "Portrét Riviéry".

Ingres se pokusil v malbě zprostředkovat dekorativní možnosti různých druhů starého umění, například expresivitu siluet starověkého řeckého vázového malířství - "Oidipus a Sfinga" (1808) A "Jupiter a Thetis" (1811).

Na monumentálním plátně „Slib Ludvíka XIII., žádající ochranu Panny Marie pro Francouzské království“ (1824), napodoboval malířský styl Raphaela. Obrázek přinesl Ingresovi jeho první velký úspěch. Na obrázku "Odalisque a otrok" (1839) zvolil skladbu blízkou Delacroixově „Algerian Women in Their Chambers“ a vyřešil ji po svém. Pestré, vícebarevné zbarvení plátna vzniklo jako výsledek umělcovy vášně pro orientální miniatury. V roce 1856 Ingres obraz dokončil "Zdroj", kterou zplodil ve 20. letech. v Itálii. Půvabné rozkvetlé dívčí tělo ztělesňuje čistotu a velkorysost přírodního světa.

Theodore Gericault(1791–1824) - zakladatel revolučního romantismu ve francouzském malířství. První dílo vystavené na Salonu je „Důstojník jízdních strážců císařské gardy, kteří útočí“ („Portrét poručíka R. Dieudonna“, 1812). Šikovný jezdec na plátně nepózuje, ale bojuje: rychlá úhlopříčka kompozice ho zavede hluboko do obrazu, do modrofialového žáru bitvy. V této době se vešlo ve známost o porážce armády Napoleona Bonaparta v Rusku. Pocity Francouzů, kteří znali hořkost porážky, se promítly do nového obrazu mladého umělce - „Zraněný kyrysník opouštějící bojiště“ (1814).

V letech 1816–1817 Gericault žil v Itálii. Umělce zaujaly především dostihy bez sedla v Římě. V obrazové sérii "Běh volných koní" (1817) k dispozici je jak výrazová preciznost podávání zpráv, tak zdrženlivé hrdinství v neoklasickém duchu. V těchto dílech se nakonec zformoval jeho individuální styl: silné, drsné formy jsou přenášeny velkými pohyblivými světelnými skvrnami.

Po návratu do Paříže umělec vytvořil obraz "Vor Medúzy" (1818-1819). V červenci 1816 poblíž Kapverdských ostrovů najela na mělčinu loď Medusa pod velením nezkušeného kapitána, který dostal místo pod patronací. Poté kapitán se svým doprovodem odplul na člunech a nechal vor se sto padesáti námořníky a pasažéry napospas osudu, z nichž přežilo jen patnáct lidí. Ve filmu se Gericault snažil o maximální věrohodnost. Dva roky hledal lidi, kteří přežili tragédii v oceánu, dělal skici v nemocnicích a márnicích a maloval skici moře v Le Havru. Vor na jeho obraze je zvednutý vlnou, divák okamžitě vidí všechny lidi namačkané na něm. V popředí jsou postavy mrtvých a rozrušených; jsou malované v životní velikosti. Pohledy těch, kteří ještě nezoufali, se obracejí ke vzdálenému okraji splavu, kde Afričan stojící na vratkém sudu mává červeným kapesníkem posádce Argusu. Duše cestujících na voru Medúza naplňuje zoufalství nebo naděje.

V letech 1820–1821 Gericault navštívil Anglii. Pod vlivem Constableovy práce psal "Závody v Epsom" (1821). Obraz je prostoupen pohybem: koně se řítí, sotva se dotýkají země, jejich postavy splývají v jednu rychlou linii; nízké mraky se pohybují, jejich stíny se pohybují po mokrém poli. Všechny kontury v krajině jsou rozmazané, barvy jsou rozmazané. Gericault ukázal světu, jak ho vidí žokej na cválajícím koni.

Eugene Deacroix(1798–1863) - francouzský malíř. Základem Delacroixovy malby jsou barevné skvrny, které tvoří harmonickou jednotu; Každá skvrna, kromě své vlastní barvy, zahrnuje odstíny svých sousedů.

Delacroix namaloval svůj první obraz podle zápletky Danteovy „Božské komedie“ - "Dante a Virgil" (Danteho loď) (1822). Delacroix vytvořil obraz "Masakr na Chiosu" (1824) ovlivněna událostmi osvobozenecké revoluce v Řecku 1821–1829. V září 1821 turecké represivní síly zničily civilní obyvatelstvo Chiosu. V popředí obrazu jsou postavy odsouzených Chianů v barevných hadrech; pozadí tvoří tmavé siluety ozbrojených Turků. Většině zajatců je jejich osud lhostejný, jen děti marně prosí rodiče, aby je chránili. Turecký jezdec, který za sebou táhne řeckou dívku, vypadá jako jakýsi symbol zotročení. Neméně symbolické jsou i další postavy: nahý zraněný Řek - jeho krev jde do suché země a poblíž leží zlomená dýka a lupiči vyprázdněný pytel.

Po událostech z července 1830 v Paříži vytvořil Delacroix obraz „Liberty Leading the People (28. července 1830)“. Umělec dal jednoduché epizodě pouličních bojů nadčasový, epický zvuk. Rebelové se zvednou k barikádě znovu dobytí od královských jednotek a vede je samotná Liberty. Kritici ji viděli jako „křížence obchodníka a starověké řecké bohyně“. Je zde romantický styl: Svoboda je zobrazena jako bohyně vítězství, vztyčuje trikolorní prapor Francouzské republiky; Následuje ozbrojený dav. Nyní jsou všichni vojáci Svobody.

V roce 1832 doprovázel Delacroix diplomatickou misi do Alžírska a Maroka. Po návratu do Paříže umělec vytvořil obraz „Alžírské ženy ve svých komnatách“ (1833). Dámské postavy jsou překvapivě pružné. Zlatavě tmavé tváře se jemně rýsují, paže jsou hladce zakřivené, barevné outfity jasně vynikají na pozadí sametových stínů.

Antoine Gros (1771–1835) – francouzský malíř, portrétista. Gro opustil klasické zápletky – přitahovala ho moderní historie. Vytvořil sérii obrazů věnovaných egyptsko-syrské výpravě napoleonské armády (1798–1799) - „Bonaparte na návštěvě morem zasaženého v Jaffě“ (1804). Další obrazy věnované Napoleonovi - "Napoleon na mostě Arcole" (1797), "Napoleon na bitevním poli Eyau" (1808). Gros dokončil malbu kopule Pantheonu v Paříži v roce 1825 a nahradil obraz Napoleona postavou Ludvíka XVIII.

Německý malíř Franz Xaver Winterhalter je známý především svými portréty krásných dam 19. století. Narodil se roku 1805 v Německu, ale po získání odborného vzdělání se přestěhoval do Paříže, kde byl jmenován dvorním umělcem na královském dvoře. Celá řada portrétů rodiny z vysoké společnosti učinila umělce neuvěřitelně populární. A stal se obzvláště oblíbeným mezi společenskými dámami, protože dovedně kombinoval portrétní podobu se schopností „prezentovat“ předmět své práce. Kritici se k němu však chovali velmi, velmi chladně, což mu však nezabránilo v tom, aby se stal stále populárnějším mezi dámami vysoké společnosti nejen ve Francii, ale po celém světě. Alexandre Dumas to o něm řekl Dámy čekají měsíce ve frontě, aby se dostaly do Winterhalterova studia... přihlásí se, mají svá sériová čísla a čekají – jedno na rok, další na osmnáct měsíců, třetí na dva roky. Ty nejtitulovanější mají výhody. Všechny dámy sní o tom, že budou mít ve svém budoáru portrét od Winterhaltera... Stejný osud neunikl ani dámám z Ruska.

Mezi jeho nejznámější díla patří portréty císařovny Eugenie (jeho oblíbená modelka).

a císařovny Alžběty Bavorské (1865).
Tady se musíme zastavit a zastavit...
Jak je vše na tomto světě propojeno! Habsburkové a život Alžběty, její vztah s tchyní, osud syna Rudolfa a film „Mayerling“, historie Rakousko-Uherska a role Avy Gardnerové a mě, malé provinciálky. žena sbírá portréty od Franze a intenzivně hledí na monitor počítače...
Četl jsem v encyklopedii o životě Sissy, o jejích dětech, vzpomněl jsem si na film a prohlížel si portréty a fotografie...
Malba je vskutku oknem do pozemského světa a do světa vědění...

Franz Xaver Winterhalter se narodil 20. dubna 1805 v malé vesnici Mensenschwad ve Schwarzwaldu v Badenu. Byl šestým dítětem v rodině Fidela Winterhaltera, farmáře a výrobce pryskyřice, a jeho manželky Evy Meyerové, pocházející ze starého rodu Menzenschwandů. Z osmi Franzových sourozenců přežili jen čtyři.

Jeho otec, ač byl rolnického původu, významně ovlivnil život umělce.

Winterhalter byl po celý život úzce spjat se svou rodinou, zejména s bratrem Hermannem (1808–1891), který byl rovněž výtvarníkem.

Po absolvování školy v benediktinském klášteře v Blazinu v roce 1818 odešel třináctiletý Winterhalter z Menzenschwandu studovat kresbu a rytinu.
Studoval litografii a kresbu ve Freiburgu v ateliéru Karla Ludwiga Schulera (1785-1852). V roce 1823, když mu bylo osmnáct let, odešel s podporou průmyslníka barona von Eichtala do Mnichova.
V roce 1825 mu bylo uděleno stipendium velkovévody Bádenského a zahájil studium na mnichovské Akademii umění pod vedením Petera Cornelia, ale mladému umělci se jeho vyučovací metody nelíbily a Winterhalterovi se podařilo najít jinou učitel, který ho mohl naučit světskému portrétování, a tím byl Joseph Stieler.
Winterhalter se přitom živil jako litograf.

Winterhalterův vstup do dvorských kruhů se odehrál v roce 1828 v Karlsruhe, kdy se stal učitelem kreslení hraběnky Sophie z Badenu. Příznivá příležitost dát o sobě vědět daleko od jižního Německa se umělci naskytla v roce 1832, kdy se mu s podporou velkovévody Leopolda Bádenského naskytla příležitost vycestovat do Itálie (1833-1834).

V Římě maloval obrazy romantického žánru ve stylu Louise-Leopolda Roberta a sblížil se s ředitelem Francouzské akademie Horacem Vernetem.

Po svém návratu do Karlsruhe maloval Winterhalter portréty velkovévody Leopolda Bádenského a jeho manželky a stal se vévodským dvorním malířem.

Opustil však Baden a přestěhoval se do Francie,

kde na výstavě v roce 1836 upoutal pozornost jeho žánrový obraz „Il dolce Farniente“,

a o rok později byl oceněn i Il Decameron. Obě díla jsou akademické malby ve stylu Raphaela.
Na Salonu v roce 1838 představili portrét prince z Wagramu s jeho malou dcerou.
Obrazy byly úspěšné a Franzova kariéra portrétisty byla zajištěna.

Jeden rok namaloval Louise Marie d'Orléans, belgickou královnu a jejího syna.

Možná díky tomuto obrazu se Winterhalter dostal do povědomí Marie Amálie Neapolské, francouzské královny, matky belgické královny.

Winterhalter se tedy v Paříži rychle stal módou. Byl jmenován dvorním umělcem francouzského krále Ludvíka Filipa, který ho pověřil tvorbou jednotlivých portrétů své početné rodiny. Winterhalter pro něj musel vyřídit více než třicet zakázek.

Tento úspěch vynesl umělci reputaci odborníka na dynastické a aristokratické portrétování: mistrně spojoval přesnou portrétní podobu s jemnými lichotkami a živě a moderně zobrazoval státní okázalost. Objednávky následovaly jedna za druhou...

V uměleckých kruzích se však s Winterhalterem zacházelo jinak.
Kritici, kteří chválili jeho debut na Salonu 1936, ho odmítli jako umělce, kterého nelze brát vážně. Tento postoj přetrval po celou dobu Winterhalterovy kariéry a vyčlenil jeho dílo v hierarchii malířství.

Winterhalter sám pohlížel na své první vládní zakázky jako na dočasnou fázi před návratem k malbě objektů a obnovením akademické autority; ukázal se jako oběť vlastního úspěchu a pro svůj klid musel pracovat téměř výhradně v portrétním žánru. To byla oblast, ve které byl nejen zdatný a úspěšný, ale dokázal také zbohatnout.
Ale Winterhalter získal mezinárodní slávu a záštitu královské rodiny.

Mezi jeho mnoha královskými modely byla královna Viktorie. Winterhalter poprvé navštívil Anglii v roce 1842 a několikrát se tam vrátil, aby namaloval portréty Viktorie, prince Alberta a jejich rostoucí rodiny a vytvořil pro ně celkem asi 120 děl. Většina obrazů je v královské sbírce a jsou otevřeny k vystavení v Buckinghamském paláci a dalších muzeích.

Winterhalter také namaloval několik portrétů představitelů anglické aristokracie, z nichž většina byla součástí dvorského okruhu.

Pád Ludvíka Filipa v roce 1848 neměl na umělcovu pověst žádný vliv. Winterhalter se přestěhoval do Švýcarska a pracoval na zakázkách v Belgii a Anglii.
Paříž zůstává umělcovým rodným městem: přerušení zakázek na portréty ve Francii mu umožnilo vrátit se k tematické malbě a obrátit se ke španělským legendám.

Tak se objevil obraz „Florinda“ (1852, Metropolitan Museum of Art, New York), který je radostnou oslavou ženské krásy.
Ve stejném roce navrhl sňatek, ale byl odmítnut; Winterhalter zůstal svobodným mládencem, oddaným své práci.

Po nástupu Napoleona III. na trůn umělcova popularita znatelně vzrostla. Od této doby se Winterhalter stal hlavním portrétistou císařské rodiny a francouzského dvora.

Krásná Francouzka císařovna Eugenie se stala jeho oblíbenou modelkou a chovala se k umělci příznivě.

V roce 1855 Winterhalter namaloval své mistrovské dílo „Císařovna Eugenie obklopená svými dvorními dámami“, kde ji zobrazuje ve venkovském prostředí, jak trhá květiny se svými dvorními dámami. Obraz byl dobře přijat, vystaven k veřejnému prohlédnutí a dodnes zůstává možná mistrovým nejslavnějším dílem.

V roce 1852 cestuje do Španělska, aby maloval královnu Isabelu II., pracující pro portugalskou královskou rodinu. Zástupci ruské aristokracie, kteří přijeli do Paříže, byli také rádi, že svůj portrét od slavného mistra převzali.
Jako královský umělec byl Winterhalter neustále žádaný u dvorů Británie (od roku 1841), Španělska, Belgie, Ruska, Mexika, Německa a Francie.

Umění západní Evropy první poloviny 19. století.

Dějiny 19. století neotevírá kalendářní rok 1801, ale rok 1789. Velká francouzská revoluce (1789-99), která zničila monarchii a nastolila republiku, předurčila vývoj evropské kultury na dlouhou dobu. Svoboda, rovnost a bratrství. Neuplynulo však ani pět let, než se svoboda změnila v despotismus, myšlenka rovnosti vedla k masovým popravám a dobyvatelské válce byly zahájeny ve jménu bratrství všech lidí. A přesto bylo hlavním objevem století vědomí jedinečné hodnoty lidské osoby.

V umění první poloviny 19. stol. soutěžily dva směry - neoklasicismus a romantismus. Vzestup neoklasicismu padl v letech Velké francouzské revoluce a v období vlády Napoleona I. Tento styl dominoval v architektuře, výtvarném a dekorativním umění v prvních třech desetiletích 19. století. Život starých Řeků a Římanů byl pro tehdejší lidi nejen ideálem krásy, ale také vzorem světa, který se snažili vybudovat. Nový směr v evropské kultuře - romantismus(francouzský romantismus) - vyjadřoval názory mladší generace přelom XVIII-XIX století, zažil zklamání v truismech osvícenství. Svět romantiků je tajemný, rozporuplný a neomezený; umělec musel do své tvorby vtělit její rozmanitost. Hlavní věcí v romantickém díle jsou pocity a fantazie autora. Pro romantického umělce existovaly a nemohly existovat zákony v umění: vždyť vše, co vytvořil, se zrodilo v hloubi jeho duše.

Jediným pravidlem, které respektoval, byla loajalita k sobě samému, upřímnost uměleckého jazyka. Výtvory romantiků často šokovaly společnost svým úplným odmítnutím převládajícího vkusu, nedbalostí a neúplností.

Architektura V první polovině 19. století došlo v Evropě k rozvoji měst v nebývalém měřítku. Většina evropských metropolí - Paříž, Petrohrad, Berlín - získala svůj charakteristický vzhled; role veřejných budov v jejich architektonických celcích vzrostla. Neoklasicismus v první polovině 19. století. zažil pozdní květ . V polovině století bylo hlavním problémem evropské architektury hledání stylu. V důsledku romantické fascinace antikou se mnoho mistrů pokusilo oživit tradice architektury minulosti - takto novogotika, novorenesanční, neobarokní . Úsilí architektů často vedlo k eklektismus

- mechanické spojení prvků různých stylů, starého s novým.

Během Velké francouzské revoluce nebyla ve Francii postavena jediná odolná stavba. Byla to éra dočasných budov. V umění napoleonské Francie zůstala dominantní role neoklasicismu. Zároveň architektonické formy získaly zvláštní okázalost a vážnost a rozsah výstavby se stal grandiózním. Neoklasicismus z doby Napoleona I. se nazýval impérium (francouzské impérium - „říše“). Měl symbolizovat velikost a sílu moci vytvořené generálem Bonapartem. Napoleonovým hlavním architektonickým počinem byla rekonstrukce Paříže.

Gabriel Jacques Ange (1698-1782) - největší architekt Francie 18. století. Jeden ze zakladatelů neoklasicismu.

Place Louis XV (Place de la Concorde) v Paříži. 1753-75

Petit Trianon ve Versailles. 1762-64

Hrad Compiegne. 1751-88

Vojenská škola v Paříži. 1751-75

Soufflo Jacques Germain (1713-1780) francouzský architekt.

Představitel neoklasicismu.

Jean Leper, Jacques Gondoin – francouzští architekti.

Triumfální sloup na Place Vendôme byl vztyčen na Napoleonův rozkaz na počest vítězství francouzských vojsk u Slavkova. Nejprve se nazýval „Austerlitz“, poté byl přejmenován na „Sloup vítězství“ a ještě později - „Sloup Velké armády“.

Triumfální sloup na náměstí Place Vendôme v Paříži.

1806-10 Výška 44 m; šířka základny 3,67m

Kostel svaté Genevieve (Pantheon) v Paříži. 1757-90

Architektura Anglie

V architektuře Anglie již v první polovině 18. století. Prosadil se novogotický styl. Jedním z jeho nejpůsobivějších příkladů byl soubor parlamentu v Londýně (z let 1840-1868), architekt Sir Charles Barry (1795-1860)

Parlament.1840-68.

Architekt Jean Francois Chalgrin .

Arc de Triomphe na Place Carousel v Paříži.

1806-07 (17,6 x 10 x 14,6 m (délka, hloubka, výška)).

Architekti C. Percier, P.F.L. Fontaine.

Arc de Triomphe na Place Charles de Gaulle v Paříži.

1806-37 Výška 50 m, šířka 45 m

Vítězný oblouk na náměstí Place de la Carousel, známý také jako vstupní brána paláce Tuileries, byl postaven na Napoleonův rozkaz na památku velkých vítězství francouzských zbraní. Reliéfy zdobící oblouk zobrazují výjevy vítězství napoleonské armády u Ulmu a Slavkova. Do roku 1815 byl oblouk korunován bronzovým vozem Vítězství, který dříve zdobil průčelí katedrály San Marco v Benátkách, poté jej nahradila kvadriga od sochaře F.J. Bosio.

Vítězný oblouk Velké armády byl položen do středu budoucího náměstí Place des Stars (nyní Place Charles de Gaulle) na Napoleonův rozkaz na počest vítězství francouzského císaře v bitvě u Slavkova (1805) nad spojenými silami. Rakouska a Ruska. Její pylony ve 30. letech. XIX století byly zdobeny sochařskými reliéfy; včetně slavné kompozice Francois Ruda (1784-1855) „Vystoupení dobrovolníků v roce 1792 (Marseillaise)“ (1833-36). Pod obloukem je od roku 1921 hrob Neznámého vojína, účastníka 1. světové války.

Architektura Německa Největší centrum architektury v Německu první poloviny 19. století. byl Berlín. Rozvoj německé architektonické školy tohoto období do značné míry předurčil práci dvou mistrů - Karl Friedrich Schinkel (1781-1841) a Leo von Klenze (1784-1864).

Staré muzeum. 1824-28 Oblouk. K.F.

Berlínské činoherní divadlo, 1819. Arch.

Nová strážnice.1816-18. Oblouk. K.F.

Wender Church. 1824 V Berlíně. Arch.

Evropské sochařství na počátku 19. století.

Evropské sochařství zažilo krátký rozkvět na počátku 19. století. Ale už ve 20. letech. ustoupilo úpadku a stagnaci. Dominantní a nejplodnější Stylem zůstal neoklasicismus. Zájem o umění starověkého Řecka a Říma byl rozšířený a vlastnictví proslulých starověkých mistrovských děl se stalo důležitým problémem v mezinárodní politice té doby.

Romantismus vnesl do sochařství zájem o osobnost; O jeho vlivu svědčí četné pomníky velkých osobností minulosti, postavené v různých evropských městech ve 20-30. XIX století Sochařství se svým zobecněným výtvarným jazykem obecně nedokázalo pojmout celou škálu dojmů ze života, který se nám měnil doslova před očima. Malba se stala hlavním uměním 19. století a sochařství mělo dlouhou cestu cestou drobného a nudného naturalismu až do 80. let. francouzský mistr Auguste Rodin nevrátil svůj vysoký účel.

Canova Antonio (1757-1822) -Italský sochař a malíř.

Thorvaldsen Bertel (1768/1770-1844)- Dánský sochař.

Schadow Johann Gottfried (1754-1850) Německý sochař, představitel neoklasicismu.

Daedalus a Ikaros. 1777-79

Quadriga s postavou Vítězství na Braniborské bráně v Berlíně. 1793

Památník Mikuláše Koperníka ve Varšavě. 1829-30

Theseus a Minotaurus. 1781-83

Ganymed krmí Diova orla. 1817

princezna Frederica. 1795

Malování Španělska Po svém rozkvětu v 17. století zažilo španělské malířství úpadek. Její umělci pracovali pod vlivem italských a francouzských tradic a jejich plátna byla slabá a napodobitelná. V druhé polovině 18. stol. Ve Španělsku došlo ke změnám. Král Karel III. (1759-88) z francouzské dynastie Bourbonů se na svou dobu držel pokrokových názorů. Jeho rádci, snažící se proměnit zemi v duchu myšlenek osvícenství, prováděli reformy, které omezovaly moc církve. V této době se formoval talent Francisco Goya (1746-1828) -španělský malíř

Portrét vévodkyně z Alby. 1797

Prodejce nádobí. 1778

Rodina krále Karla IV. 1800

Malování Francie

V první polovině 19. stol. Francouzská malířská škola upevnila své prvenství v umění západní Evropy. Theodore Gericault a Eugene Delacroix kreativně přijali jejich svobodné způsoby a barvu a připravili zrod impresionismu a tím i veškeré moderní malby. Do počátku 19. stol. obecně uznávaným vůdcem mezi francouzskými umělci byl Jacques Louis David (1748-1825) - nejdůslednější představitel neoklasicismu v malířství a citlivý kronikář své pohnuté doby. Davidovo dílo má výraznou publicistickou orientaci, autor usiluje o vyjádření hrdinských ideálů prostřednictvím obrazů antiky

Gericault Theodore (1791-1824) - Francouzský malíř a grafik.

Zakladatel romantického hnutí ve výtvarném umění.

Důstojník jízdních rangerů císařské gardy,

jít do útoku. 1812

Vor "Medusa". 1818-19

Delacroix Eugene (1798-1863) - francouzský malíř a grafik. Vedoucí romantického hnutí ve výtvarném umění.

Tangerští fanatici. 1837-38

Svoboda vedoucí lid (Svoboda na barikádách). 1830

David Jacques Louis (1746-1825) - francouzský malíř. V předrevoluční éře ve Francii největší představitel tzv. „revolučního“ klasicismu.

Přísaha Horatiů. 1784

Napoleon přes Saint Bernard. 1800

Ingres Dominique (1780–1867) - Francouzský malíř, kreslíř a hudebník. Představitel francouzského neoklasicismu. Ingres je brilantním mistrem portrétního žánru. Kromě portrétů vytvářel obrazy na biblická, mytologická, alegorická a literární témata.

Gros Jean Antoine (1771-1835) - Francouzský malíř a grafik. Oficiální malíř Napoleona I., kronikář napoleonského eposu, který zachytil jeho nejvýznamnější milníky. Vytvářel portréty a bitevní obrazy, inspirované duchem hrdinství.

Napoleon na bitevním poli Eylau. 1808

Hraběnka d'Haussonville 1845.

Princezna de Broglie. 1851-53

Malování Německa

Německo na počátku 19. století. zažila společensko-politický vzestup. Odpor proti Napoleonovým výbojům a osvobozovací válce z roku 1813 učinily německé vlastenectví univerzálním a poddaní tří set německých trpasličích států si uvědomili, že jsou jediným národem. V těchto letech byla v Německu silná fascinace středověkem a zájem o národní historii a kulturu vzrostl. Německo sehrálo výjimečnou roli v dějinách romantismu - hnutí v evropské kultuře na konci 18. - první polovině 19. století.

Runge Philipp Otto (1777-1810) - Německý malíř, grafik a výtvarný teoretik. Jeden ze zakladatelů a největší mistr romantismu v německém malířství.

Odpočinek na cestě do Egypta. 1805-06

Portrét umělcovy manželky. 1807

Portrét umělcových rodičů s vnoučaty. 1806

Friedrich Caspar David (1774-1840) - německý malíř, kreslíř a rytec. Představitel romantismu. Malíř krajinářů.

Gigantické hory. 1835

Smrt "Naděždy" v ledu. 1824

Plovoucí mraky. Kolem roku 1820

Biedermeierové malování Biedermeier (německy: Biedermeier) je styl v umění Německa a Rakouska, který se rozvinul v 10-40. XIX století Svůj název dostaly parodické žertovné básně L. Eichrodta a A. Kussmaula vydané v letech 1855-57. v jednom z mnichovských časopisů. Jejich fiktivní autor, učitel Gottlieb Biedermeier, je skromný muž z ulice: samolibý, sentimentální, smolař, milovník klidného života a pohodlí. Pro biedermeierovskou malbu je typický malý formát pláten, pečlivý a subtilní způsob malby, zpravidla neakce zobrazovaných scén a záliba v malých detailech. Biedermeier ovládl umělecký prožitek romantismu s jeho poetickým pohledem na svět, místy podbarveným ironií, zároveň však uhladil extrémy tohoto stylu, „zdomácnil“ jej v souladu s bezkonfliktností průměrného člověka. Mistři biedermeieru zkoušeli portréty, krajiny a další žánry, ale nejjasnějším výrazem stylu byla domácí malba.

Waldmüller Ferdinand Georg (1793-1865) Rakouský malíř. Jeden z největších mistrů evropského malířství poloviny 19. století. Typický představitel biedermeieru.

Kytice v antickém kráteru. Kolem roku 1840

Horská krajina poblíž Mödlingu. 1859

Nazaréné ( Němec Nazarener), oficiální "Unie svatého Lukáše" (německy) Lukasbund)

- seskupení Němečtí a rakouští romantičtí umělci 19. století, který se pokusil oživit styl mistrů středověku a rané renesance se zaměřením na umění 15. století. Většina jejich pláten jsou malby s křesťanskými, historickými či alegorickými náměty, jejich styl je dědictvím klasicismu a reakcí na něj pod vlivem ideologie romantismu. Vedoucími postavami hnutí byli Friedrich Overbeck a Peter Cornelius.

Johann Friedrich Overbeck ( 1789 - 1869 ) - německý výtvarník, grafik a ilustrátor.

Cyklus fresek pro dům Bartholdi v Římě

Peter Joseph von Cornelius ( 1783 - 1867 ) - německý umělec.

Moudré a hloupé panny. OK. 1813

Krčma, kolem roku 1820

Malování Anglie

V anglickém malířství si po celou první polovinu 19. století udržela dominantní postavení akademická škola, jejíž základy položil v 18. století první prezident Královské akademie umění Joshua Reynolds. Nejnápadnějším fenoménem v těchto letech však byla krajina, která byla v akademickém prostředí vnímána jako druhořadý, nevýznamný žánr. Na jedné straně touha po skutečném odrazu světa, potvrzení vnitřní hodnoty jednoduché venkovské krajiny a na druhé straně příroda jako svět vášní a násilných zážitků - to vše našlo živé vyjádření v díle angličtí umělci. Umění Anglie vstoupilo do éry romantismu.

William Blake (1757-1827) -Anglický básník, výtvarník, ilustrátor. Složitá a nejednoznačná osobnost, Blake byl na svou dobu ikonickou postavou, ztělesněním ducha romantismu.

Stvořitel vesmíru.

Frontispis k básni „Evropa“. 1794

Soucit. Kolem roku 1795

konstábl John (1776-1837) - anglický malíř. Constable zobrazil všední venkov v celé jeho svěžesti a spontánnosti, čímž obnovil úctu k prostředí se světlým vzduchem.

Vozík na seno. 1821

Bílý kůň. 1819

William Turner (1775-1851) - anglický malíř se obrátil k biblickým, mytologickým a historickým tématům, odhalil zálibu v romantické fantazii, pro ztělesnění dramatického zápasu přírodních sil a pro zprostředkování neobvyklých světelných efektů.

Mol v Calais. Francouzi se chystají vyplout na moře: připlouvá anglická osobní loď. 1803

Loď otroků. 1840

Poslední plavba lodi "Brave". 1838

Formování průmyslové civilizace mělo obrovský dopad na evropské umění. Jako nikdy předtím to bylo v úzkém spojení se společenským životem, duchovními a hmotnými potřebami lidí. V kontextu rostoucí vzájemné závislosti národů se umělecká hnutí a kulturní úspěchy rychle rozšířily po celém světě.

Malování

Romantismus a realismus se zvláště silně projevovaly v malbě. V díle španělského umělce Francisca Goyi (1746-1828) bylo mnoho známek romantismu. Díky talentu a tvrdé práci se ze syna chudého řemeslníka stal skvělý malíř. Jeho dílo představovalo celou éru v dějinách evropského umění. Umělecké portréty španělských žen jsou nádherné. Jsou psány s láskou a obdivem. Na tvářích hrdinek čteme sebeúctu, hrdost a lásku k životu bez ohledu na jejich sociální původ.

Odvaha, s jakou dvorní malíř Goya ztvárnil skupinový portrét královské rodiny, nepřestává udivovat. Před námi nejsou vládci ani arbitri osudů země, ale zcela obyčejní, dokonce obyčejní lidé. Goyův obrat k realismu dokládají i jeho obrazy věnované hrdinskému boji španělského lidu proti Napoleonově armádě.

Klíčovou postavou evropského romantismu byl slavný francouzský umělec Eugene Delacroix (1798-1863). Ve své tvorbě stavěl nade vše fantazii a představivost. Milníkem v dějinách romantismu a vlastně celého francouzského umění byl jeho obraz „Svoboda vede lidi“ (1830). Umělec zvěčnil revoluci roku 1830 na plátně Po tomto obraze se Delacroix již neobracel na francouzskou realitu. Zaujalo ho téma Východu a historické náměty, kde vzpurný romantik mohl dát průchod své fantazii a představivosti.

Největšími realistickými umělci byli Francouzi Gustave Courbet (1819-1877) a Jean Millet (1814-1875). Představitelé tohoto hnutí se snažili o pravdivé zobrazení přírody. Důraz byl kladen na každodenní život a práci člověka. Místo historických a legendárních hrdinů charakteristických pro klasicismus a romantismus se v jejich díle objevili obyčejní lidé: měšťané, rolníci a dělníci. Názvy obrazů mluví samy za sebe: „Drtič kamene“, „Pletařky“, „Sběrači uší“.

Důstojník jízdních rangerů císařské gardy, kteří šli do útoku, 1812. Theodore Gericault (1791-1824). První umělec romantického hnutí. Obraz vyjadřuje romantiku napoleonské éry

Courbet byl první, kdo použil koncept realismu. Cíl své kreativity definoval takto: „Umět vyjádřit morálku, myšlenky, vzhled lidí té doby podle mého hodnocení, být nejen umělcem, ale i občanem, tvořit živé umění.“

V poslední třetině 19. stol. Francie se stává lídrem ve vývoji evropského umění. Právě ve francouzském malířství se zrodil impresionismus (z francouzského imprese – imprese). Nové hnutí se stalo událostí evropského významu. Impresionističtí umělci se snažili zprostředkovat na plátno momentální dojmy neustálých a jemných změn stavu přírody a člověka.

Ve vagonu třetí třídy, 1862. O. Daumier (1808-1879). Jeden z nejoriginálnějších umělců své doby. Balzac ho přirovnal k Michelangelovi.
Daumier se však proslavil svými politickými karikaturami. „V autě třetí třídy“ představuje neidealizovaný obraz dělnické třídy

Čtecí žena. K. Corot (1796-1875). Slavný francouzský umělec se zajímal především o hru světla a byl předchůdcem impresionistů.
Jeho tvorba přitom nese punc realismu.

Impresionisté provedli skutečnou revoluci v malířských technikách. Obvykle pracovali venku. Barvy a světlo hrály v jejich tvorbě mnohem větší roli než samotná kresba. Vynikající impresionističtí umělci byli Auguste Renoir, Claude Monet, Edgar Degas. Impresionismus měl obrovský vliv na takové velké mistry štětce jako Vincent Van Gogh, Paul Cézanne, Paul Gauguin.

Dojem. Východ slunce, 1882.
Claude Monet (1840-1926) často maloval stejné předměty v různou denní dobu, aby prozkoumal účinky světla na barvu a tvar.

Ia Orana Maria. P. Gauguin (1848-1903). Umělcova nespokojenost s evropským způsobem života ho donutila opustit Francii a žít na Tahiti.
Na formování jeho uměleckého stylu měly obrovský vliv místní umělecké tradice a rozmanitost okolního světa.

Španělský malíř, který působil ve Francii. Již v deseti letech byl výtvarníkem a v šestnácti letech se uskutečnila jeho první výstava. Vydláždil cestu kubismu – revolučnímu hnutí v umění 20. století. Kubisté upustili od zobrazování prostoru a letecké perspektivy. Předměty a lidské postavy jsou transformovány do kombinace různých (rovných, konkávních a zakřivených) geometrických linií a rovin. Kubisté říkali, že malují ne tak, jak vidí, ale jak vědí

Stejně jako poezie je i malba této doby plná úzkostných a neurčitých předtuch. V tomto ohledu je velmi příznačné dílo talentovaného francouzského symbolistického umělce Odilona Redona (1840-1916). Jeho senzační v 80. letech. Kresba Spider je zlověstným znamením první světové války. Pavouk je zobrazen s strašidelnou lidskou tváří. Jeho chapadla jsou v pohybu a agresivní. V divákovi zůstává pocit blížící se katastrofy.

Hudba

Hudba neprošla tak výraznými změnami jako jiné formy umění. Ale bylo také ovlivněno průmyslovou civilizací, národně osvobozeneckým a revolučním hnutím, které otřásalo Evropou po celé století. V 19. stol hudba přesáhla paláce šlechticů a církevní chrámy. Stalo se sekulárnějším a dostupnějším pro širší populaci. Rozvoj nakladatelství přispěl k rychlému tisku hudebnin a distribuci hudebních děl. Zároveň vznikaly nové hudební nástroje a zdokonalovaly se staré. Klavír se stal nedílnou a každodenní věcí v domově evropské buržoazie.

Do konce 19. stol. Dominantním trendem v hudbě byl romantismus. Na jeho počátku stojí gigantická postava Beethovena. Ludwig von Beethoven (1770-1827) respektoval klasické dědictví 18. století. Pokud prováděl změny zavedených pravidel hudebního umění, činil tak opatrně a snažil se neurazit své předchůdce. V tom se lišil od mnoha romantických básníků, kteří často rozvraceli všechny a všechno. Beethoven byl takový génius, že i když byl hluchý, dokázal vytvořit nesmrtelná díla. Jeho slavná Devátá symfonie a Měsíční sonáta obohatily pokladnici hudebního umění.

Romantičtí hudebníci čerpali inspiraci z motivů lidových písní a tanečních rytmů. Ve své tvorbě se často obraceli k literárním dílům - Shakespeare, Goethe, Schiller. Někteří z nich projevovali zálibu ve vytváření gigantických orchestrálních děl, o čemž v 18. století ani nebylo. Ale tato touha byla tak v souladu s mocným pochodem průmyslové civilizace! Francouzský skladatel Hector Berlioz byl pozoruhodný především vznešeností svých plánů. Tak napsal skladbu pro orchestr sestávající ze 465 hudebních nástrojů, včetně 120 violoncell, 37 basů, 30 klavírů a 30 harf.

Ovládal tak virtuózní techniku, že kolovaly pověsti, že to byl sám ďábel, kdo ho naučil hrát na housle. Uprostřed hudebního představení mohl houslista zlomit tři struny a pokračovat ve hře stejně expresivně na jedinou zbývající strunu

V 19. stol mnoho evropských zemí dalo světu skvělé skladatele a hudebníky. V Rakousku a Německu národní a světovou kulturu obohatili Franz Schubert a Richard Wagner, v Polsku - Frederic Chopin, v Maďarsku - Franz Liszt, v Itálii - Gioachino Rossini a Giuseppe Verdi, v České republice - Bedřich Smetana, v Norsku - Edvard Grieg, v Rusku - Glinka, Rimskij Korsakov, Borodin, Musorgskij a Čajkovskij.

Od 20. let XIX století V Evropě začíná šílenství po novém tanci – waltzu. Valčík vznikl v Rakousku a Německu na konci 18. století, pocházející z rakouského Ländleru - tradiční selský tanec

Architektura

Rozvoj průmyslové civilizace měl obrovský dopad na evropskou architekturu. Vědecký a technologický pokrok přispěl k inovacím. V 19. stol Velké budovy státního a veřejného významu se stavěly mnohem rychleji. Od té doby se ve stavebnictví začaly používat nové materiály, především železo a ocel. S rozvojem tovární výroby, železniční dopravy a velkých měst se objevily nové typy staveb - nádraží, ocelové mosty, banky, velké obchody, výstavní budovy, nová divadla, muzea, knihovny.

Architektura v 19. století. se vyznačoval rozmanitostí stylů, monumentalitou a praktickým účelem.

Fasáda budovy pařížské opery. Postaven v letech 1861-1867. Vyjadřuje eklektický směr inspirovaný obdobím renesance a baroka

V průběhu století byl nejběžnější neoklasicistní styl. Budova Britského muzea v Londýně, postavená v letech 1823-1847, dává jasnou představu o starověké (klasické) architektuře. Až do 60. let. Módní byl tzv. „historický styl“, vyjádřený romantickou imitací středověké architektury. Na konci 19. stol. dochází k návratu ke gotice ve stavbě kostelů a veřejných budov (novogotika, t. j. nová gotika).

Například Houses of Parliament v Londýně. Oproti novogotice vznikl nový směr secese (nové umění). Vyznačoval se klikatými hladkými obrysy budov, prostor a detailů interiéru. Na počátku 20. stol. Vznikl další směr – modernismus. Secesní styl se vyznačuje praktičností, přísností a promyšleností a nedostatkem dekorace. Právě tento styl odrážel podstatu průmyslové civilizace a je nejvíce spojen s naší dobou.

Ve své náladě evropské umění konce 19. - počátku 20. století. byl kontrastní. Na jedné straně optimismus a přetékající radost ze života. Na druhé straně chybí víra v tvůrčí schopnosti člověka. A v tom by člověk neměl hledat rozpory. Umění jen svým způsobem odráželo to, co se dělo v reálném světě. Oči básníků, spisovatelů a umělců byly bystřejší a bystřejší. Viděli to, co ostatní neviděli a vidět nemohli.

TOTO JE ZAJÍMAVÉ VĚDĚT

„Raději maluji lidem oči než katedrály... lidská duše, dokonce i duše nešťastného žebráka... podle mého názoru je mnohem zajímavější,“ řekl Vincent Van Gogh. Velký umělec žil celý život v chudobě a nedostatku, často neměl peníze na plátno a malbu a byl prakticky závislý na svém mladším bratrovi. Současníci v něm neuznávali žádné zásluhy. Když Van Gogh zemřel, jen pár lidí následovalo rakev. Jen dvě nebo tři desítky lidí v Evropě dokázaly ocenit jeho umění, které velký umělec adresoval budoucnosti. Ale uběhly roky. Ve 20. století Umělec získal zaslouženou, i když opožděnou slávu. Za Van Goghovy obrazy se nyní platily kolosální částky. Například obraz „Slunečnice“ byl prodán v aukci za rekordní částku 39,9 milionu dolarů. Tento úspěch však překonal i obraz „Irises“, který se prodal za 53,9 milionu dolarů.
Použitá literatura: