Menu
DomovLéky a léky

Druhy malby. Malba je druh výtvarného umění, který zahrnuje vytváření obrazů a pláten.

Malování je jedním z typů výtvarné umění. Malování je rozděleno do následujících typů:

  • monumentální;
  • stojan;
  • divadelní a dekorativní;
  • dekorativní;
  • miniaturní.

Na rozdíl od jiných typů je v malbě hlavním výrazovým významem barva, díky níž hraje roli estetickou, vzdělávací, ideovou a dokumentární.

Malba je přenesení obrazu tekutými barvami, na rozdíl od grafiky. Použité barvy jsou olejové barvy, tempery, kvaš, email, akvarel atd.

Malířský styl je směr s obecnými myšlenkami, technikami provádění a charakteristickými zobrazovacími technikami. Utváření stylů bylo ovlivněno politikou a ekonomikou, ideologií a náboženstvím. Proto lze každý styl považovat za zástupce své doby.

Směry a styly malby nejsou o nic méně rozmanité než prostředky jejího zobrazení. Někdy neexistuje jasné rozdělení stylů. Když smícháte několik stylů, získáte nový. Ale přes veškerou rozmanitost existuje několik hlavních směrů:

gotický

Tento evropský styl bylo běžné v 9.-14. Biblická témata, nedostatek perspektivy, emocionalita a domýšlivost jsou hlavními rysy tohoto stylu. Zástupci: Giotto, Traini.

renesance

14.-16. století znamená návrat do antiky, oslavování krásy lidského těla, humanismus. Hlavními představiteli jsou Michelangelo Buonarotti, Leonardo da Vinci.

Manýrismus

Směr v malířství 16. století. Styl je opakem renesance. Název pochází ze slova „způsob“. Zástupci tohoto směru jsou Vasari a Duve.

Barokní

Pompézní, luxusní styl malby 16.-18. století v Evropě. Vyznačuje se jasem barev, smyslem pro detail a dekorace.

Rokoko

16. století. Rafinovanější, rafinovanější a intimnější pokračování barokního stylu. Zástupci: Boucher, Watteau.

Klasicismus

Styl je charakteristický pro evropskou kulturu 17.-19. století. Z hlediska klasicismu musí být malba postavena na přísných kánonech. Styl klasicismu je dědicem antiky a renesance. Hlavními představiteli tohoto stylu jsou Raphael a Poussin.

empír

styl 19. století. Název stylu pochází ze slova „říše“. Je pokračováním vývoje klasicismu v jeho majestátnosti, luxusu a propracovanosti. Hlavním představitelem je J. L. David.

Romantismus

Styl 19. století, kterému předcházel klasicismus. Emocionalita, individualita, expresivita obrazů. Vyznačoval se svým zobrazením emocí, jako je hrůza a hrůza. Propaguje lidové tradice, legendy, národní dějiny. Zástupci: Goya, Bryullov, Delacroix, Aivazovsky.

Primitivismus

Malířský styl 19. století. Stylizované, zjednodušené zobrazení, jehož výsledkem jsou primitivní formy připomínající primitivní kresby. Významným představitelem je Pirosmani.

Realismus

Styl 19-20 století. V podstatě pravdivě odráží objektivní realitu, bez přehnané emocionality. Lidé byli často zobrazováni při práci. Umělci: Repin, Shishkin, Savrasov, Manet.

Abstrakce

Styl 19-20 století. Harmonická barevná kombinace geometrických tvarů zaměřená na dosažení různých asociací. Zástupci: Picasso, Kandinsky.

Impresionismus

Styl 19-20 století. Styl malby v exteriéru, plenér. Charakteristickým způsobem provedená hra světla, technika malých tahů, pohyb zprostředkovaný mistrem. Název stylu byl dán Monetovým obrazem „Impression“. Hlavními představiteli tohoto stylu jsou Renoir, Monet, Degas.

Expresionismus

styl 20. století. Přehnané vykreslení emocí pro větší účinek na diváka. Mezi představitele tohoto stylu patří Modigliani a Munch.

Kubismus

Avantgardní styl 20. století. Vyznačuje se lomenými (kubickými) liniemi, určitou kombinací objektů, nahlížených současně z více úhlů pohledu. Picasso je považován za zakladatele tohoto stylu.

Modernismus

Styl 19-20 století. Je to antipod konzervativních obrazů realismu. Šokující, plastický styl malby představuje originální obrazy, které odrážejí vnitřní svět umělce. Zástupci: Picasso, Matisse.

Pop art

styl 20. století. Ironické zobrazení banálních, často vulgárních předmětů. Obvykle se používá v marketingu a reklamě. Světlý zástupce Tímto směrem je Andy Warhol.

Symbolismus

Směr 19. -20. století. Spiritualita, sny, mýty a legendy. Symboly, často nejednoznačné, charakterizují tento styl. Je předchůdcem expresionismu a surrealismu. Zástupci: Vrubel, Vasnetsov, Nesterov.

Surrealismus

styl 20. století. Narážky, mísení prostorů reality a snů, neobvyklé koláže. Dělá dojem na podvědomí. Dali a Magritte k tomuto stylu významně přispěli.

podzemí

Experimentální trend v současném umění, který odráží antisociální chování v rozporu s obecně uznávanými morálními a etickými principy. Představitelem stylu je Shemyakin.

co je styl?

Co přesně znamená styl v umění? Jedná se o jakousi ideovou a uměleckou jednotu, díky níž umělci upřednostňují určitá témata a zvláštní vizuální prostředky. Zůstávají individuální, ale při pohledu na ten či onen obraz lze téměř neomylně určit éru a styl.

Evropa se formovala ve středověku. A malba se vyvinula z malby ikon. Na ruské půdě dokonce existoval přechodný žánr - parsuna. Toto už není ikona, ale ještě ne portrét. A teprve když se umění postupně osvobozuje z moci církve, stává se světovějším a světským, získává malba jako forma umění všechna svá práva.

Styl po stylu

Za první panevropský styl v malířství nelze považovat románský a gotický (tam je převážně architektura), ale baroko.

Jedná se o styl nápověd, opomenutí, alegorií, styl alegorií a metafor. Rembrandt a Rubens jsou jeho typickými představiteli. Rokoko je druh zdegenerovaného baroka. Styl není ani tak v malbě jako v užitém umění. Nejvýraznější ukázky rokokové malby zanechali F. Boucher a A. Watteau. Tento obraz sám o sobě je sofistikovaný, s nádechem erotiky, navržený v pastelových barvách, proveden mytologické motivy. Osmnácté století se stává stoletím dominance klasicismu. To už je hrdinská malba, ve které jsou oslavováni vládci a generálové. Mezi umělci je záliba v mytologickém a historické předměty. Přísné proporce, jednota obsahu a formy, rozdělení postav na kladné a záporné, na hlavní a vedlejší – to jsou jen některé znaky klasicismu. Pak přijde krátké ale světlý věk sentimentalismus. Do sféry jeho vlivu patří kromě malby také poezie. Sentimentalisté prohlubují obsah umění a naplňují jej psychologickým napětím. Obracejí malbu k potřebám a nárokům obyčejných lidí. Umění se demokratizuje. Plátna nyní nezobrazují bohy a hrdiny, ale kuchaře, pradleny a dělníky. Pro nejnevzhlednější práci. Romantismus nahrazuje sentimentalismus. Se svými bouřlivými vášněmi, neobvyklými, neobyčejnými postavami, kultem inspirace. Stačí porovnat portréty Puškina od Kiprenského a Tropinina, abychom mezi nimi pocítili zásadní rozdíl. Romantický Kiprensky má na pozadí lyry romantického Puškina. Realista Tropinin maluje básníka jako muže s ležérně rozepnutým límečkem košile, byť s perem v rukou.

Realismus - vážně a na dlouhou dobu Realistické umění si začalo razit cestu právě od třicátých let devatenáctého století. A velmi brzy začne určovat a utvářet umělecký vkus značné části veřejnosti. Realismus je založen na touze po pravdivé a komplexní reflexi okolní reality, kritickém postoji k buržoazním hodnotám a silné sociální orientaci. V Rusku realistickou malbu provádějí především kočovní umělci. Na přelomu století prožíval realismus určitou dočasnou krizi. Ale ukazuje se, že to stačí k tomu, aby se objevil modernismus. Tento termín se obvykle používá k označení pestré sbírky těch uměleckých hnutí a škol, které se snažily setřást okovy tradičního umění, rozejít se s realismem a jeho věcným zobrazením.

Alternativní nebo falešný lesk?

Modernismus je impresionismus, fauvismus, symbolismus a futurismus. Veřejnost vidí na plátnech stále méně lidí, přírody a zvířat. Místo toho jsou zde zkreslené proporce a nejasné tóny. Vše podbarvují emoce a momentální nálady toho či onoho autora. Jak se říká, další přijdou. Po modernismu - abstrakcionismus. To už jsou barevné skvrny, zakřivené linie, bizarní kombinace geometrická tělesa. Kubismus, rayonismus, surrealismus. Zachránil mě jen talent. Jde o Picassa nebo Dalího. Lethe pohltil průměrnost. Jejich osudem je zapomenutí v historii. Konečně postmodernismus, jehož život byl nepřiměřeně dlouhý. Tady už nejsou žádná pravidla ani kánony. Žádná zpověď ani kázání. Vše je přijatelné. Kompletní eklekticismus, tedy směs stylů a heterogenních prvků. Vsaďte na komerční úspěch.

k čemu jsi přišel? Vývoj malířských stylů bohužel potvrzuje domněnku španělského filozofa J. Ortegy y Gasety o příchodu století „dehumanizace umění“. Nikdo nepopírá potřebu sebevyjádření a nikdo neomezuje umělce ve výběru prostředků k němu. Jediná smutná věc je, že mnoho lidí má tendenci myslet jako stará žena Shapoklyak z karikatury -“ dobré skutky Nemůžeš se stát slavným." Čím skandálnější, tím hlasitější je předpovídaný úspěch. A takoví „umělci“ ani netuší, že čas ještě vyžene všechnu strusku a slupky, ale opravdové umění zůstane. Neulpívají na něm žádné nečistoty.


Množství stylů a trendů je obrovské, ne-li nekonečné. Klíčovým rysem, podle kterého lze díla seskupovat do stylů, jsou společné principy uměleckého myšlení. Nahrazení jedné metody výtvarného myšlení jinou (střídání typů kompozic, metody prostorové výstavby, barevné znaky) není náhodné. Naše vnímání umění se také historicky změnilo.
Vybudováním systému stylů v hierarchickém uspořádání se budeme držet eurocentrické tradice. Nejdůležitějším pojmem v dějinách umění je pojem éry. Každá doba je charakterizována určitým „obrazem světa“, který se skládá z filozofických, náboženských, politických idejí, vědecké myšlenky, psychologické vlastnosti světonázor, etické a morální normy, estetická kritéria života, jimiž se odlišuje jedna doba od druhé. Jedná se o primitivní věk, věk starověkého světa, starověk, středověk, renesanci a novověk.
Styly v umění nemají jasné hranice, plynule se přeměňují jeden v druhý a jsou v neustálém vývoji, mísení a opozici. V rámci jednoho historického uměleckého stylu se vždy rodí nový a ten zase přechází do dalšího. Mnoho stylů koexistuje současně, a proto neexistují vůbec žádné „čisté styly“.
Ve stejnou dobu historická éra Může vedle sebe existovat několik stylů. Například klasicismus, akademismus a baroko v XVII století, rokoko a neoklasicismus - v XVIII., romantismus a akademismus - v XIX. Styly jako klasicismus a baroko se nazývají velké styly, protože se vztahují na všechny druhy umění: architekturu, malířství, dekorativní a užité umění, literaturu, hudbu.
Je třeba rozlišovat mezi: uměleckými styly, směry, hnutími, školami a rysy jednotlivé styly jednotlivých mistrů. V rámci jednoho stylu může existovat několik uměleckých hnutí. Umělecký směr se skládá jak z typických charakteristik dané doby, tak z jedinečných metod uměleckého myšlení. Secesní styl například zahrnuje řadu trendů z přelomu století: postimpresionismus, symbolismus, fauvismus atd. Na druhou stranu je pojem symbolismus jako umělecké hnutí dobře rozvinutý v literatuře, zatímco v malbě je velmi vágní a spojuje umělce, kteří jsou stylově natolik odlišní, že jsou často interpretováni pouze jako světonázor, který je spojuje.

Níže budou uvedeny definice epoch, stylů a trendů, které se tak či onak odrážejí v moderním výtvarném a dekorativním umění.

- umělecký styl, vzniklé v zemích západní a střední Evropy v XII-XV století. Byl výsledkem staletí trvajícího vývoje středověkého umění, jeho nejvyšší etapou a zároveň prvním celoevropským, mezinárodním uměleckým stylem v historii. Zabýval se všemi druhy umění – architekturou, sochařstvím, malířstvím, vitrážemi, knižním designem, dekorativním a užitým uměním. Základem gotiky byla architektura, která se vyznačuje špičatými oblouky směřujícími vzhůru, různobarevnými vitrážemi a vizuální dematerializací formy.
Prvky gotického umění lze často nalézt v moderním interiérovém designu, zejména v nástěnných malbách, méně často v malba na stojanu. Od konce minulého století existuje gotická subkultura, která se jasně projevuje v hudbě, poezii a oděvním designu.
(Renesance) - (francouzská renesance, italsky Rinascimento) Éra v kulturním a ideologickém vývoji řady zemí západní a střední Evropy a také některých zemí východní Evropa. Hlavní charakteristické rysy renesanční kultury: sekulární charakter, humanistický světonázor, apel na starověké kulturní dědictví, jakési jeho „oživení“ (odtud název). Renesanční kultura má specifické vlastnosti přechodná éra od středověku do novověku, ve které staré a nové, prolínající se, tvoří jedinečnou, kvalitativně novou slitinu. Obtížnou otázkou jsou chronologické hranice renesance (v Itálii - 14-16 století, v jiných zemích - 15-16 století), její územní rozložení a národní charakteristiky. Prvky tohoto stylu v moderním umění se často používají v nástěnných malbách, méně často v malířském stojanu.
- (z ital. maniera - technika, způsob) aktuální v evrop umění XVI století. Představitelé manýrismu se vzdalovali renesančnímu harmonickému vnímání světa, humanistickému pojetí člověka jako dokonalého výtvoru přírody. Ostré vnímání života se snoubilo s programovou touhou nenásledovat přírodu, ale vyjádřit subjektivní „vnitřní představu“ uměleckého obrazu zrozeného v duši umělce. Nejzřetelněji se to projevilo v Itálii. Pro italský manýrismus 20. let 16. století. (Pontormo, Parmigianino, Giulio Romano) se vyznačují dramatickou ostrostí obrazů, tragickým viděním světa, složitostí a přehnaným vyjádřením póz a motivů pohybu, protáhlými proporcemi postav, koloristickými a světelnými a stínovými disonancemi. V poslední době jej začali používat kunsthistorici k označení fenoménů současného umění spojených s proměnou historických stylů.
- historický umělecký styl, který se rozšířil zpočátku v polovině Itálie. XVI-XVII století a poté ve Francii, Španělsku, Flandrech a Německu v XVII-XVIII století. V širším měřítku se tento termín používá k definování stále se obnovujících tendencí neklidného, ​​romantického postoje, myšlení ve výrazných, dynamických formách. Konečně v každé době, téměř v každém historickém uměleckém stylu lze nalézt vlastní „období baroka“ jako etapu nejvyššího tvůrčího vzepětí, napětí emocí, výbušnosti forem.
- umělecký styl v západní Evropě umění XVII- začátek XIX století a v ruský XVIII- začátek XIX, oslovování starověké dědictví jako ideál k následování. Projevilo se to v architektuře, sochařství, malířství, dekorativním a užitém umění. Klasičtí umělci považovali antiku za nejvyšší úspěch a učinili z ní svůj standard v umění, který se snažili napodobit. Postupem času se to zvrhlo v akademismus.
- směr evropského a ruského umění 20.-30. let 19. století, který nahradil klasicismus. Romantici vyzdvihovali individualitu, stavěli do kontrastu ideální krásu klasicismu s „nedokonalou“ realitou. Umělci přitahovali jasné, vzácné, mimořádné jevy, stejně jako obrazy fantastické přírody. V umění romantismu hraje velkou roli akutní individuální vnímání a zkušenost. Romantismus osvobodil umění od abstraktních klasicistních dogmat a obrátil je k němu národní historie a obrazy folklóru.
- (z lat. sentiment - cit) - směr v západním umění 2. poloviny 18. století, vyjadřující zklamání z „civilizace“ založené na ideálech „rozumu“ (osvícenská ideologie). S. hlásá cit, osamělou reflexi a jednoduchost venkovského života „malého člověka“. J. J. Rousseau je považován za ideologa S.
- směr v umění, který se snaží s největší pravdivostí a spolehlivostí zobrazovat vnější formu i podstatu jevů a věcí. Jak kreativní metoda spojuje individuální a typické rysy při vytváření obrazu. Nejdelší směr v existenci, vyvíjející se od primitivní éry až po současnost.
- směr v evropské umělecké kultuře konce 19. a počátku 20. století. Symbolismus se vynořil jako reakce na dominanci norem buržoazního „zdravého rozumu“ v humanitární sféře (ve filozofii, estetice – pozitivismus, v umění – naturalismu) a formoval se především v r. francouzská literatura pozdní 1860-70s, později se rozšířil v Belgii, Německu, Rakousku, Norsku, Rusku. Estetické principy symbolismus se z velké části vracel k myšlenkám romantismu, stejně jako k některým doktrínám idealistické filozofie A. Schopenhauera, E. Hartmanna, částečně F. Nietzscheho, k kreativitě a teoretizování německého skladatele R. Wagnera. Symbolismus postavil do kontrastu živou realitu se světem vizí a snů. Univerzální nástroj pro pochopení záhad existence a individuální vědomí byl považován za symbol generovaný poetickým vhledem a vyjadřující nadpozemský význam jevů skrytých běžnému vědomí. Kreativní umělec byl viděn jako prostředník mezi skutečným a nadsmyslovým, všude nacházel „znaky“ světové harmonie, prorocky hádal znamení budoucnosti jako např. moderní fenomény a v událostech minulosti.
- (z francouzského imprese - imprese) pohyb v umění poslední třetiny 19. - počátku 20. století, který vznikl ve Francii. Jméno bylo zadáno umělecký kritik L. Leroy, který se hanlivě vyjádřil o výstavě umělců v roce 1874, kde byl mj. obraz C. Moneta „Východ slunce. Dojem". Impresionismus podporoval krásu skutečný svět, zdůrazňující svěžest prvního dojmu a variabilitu prostředí. Převládající pozornost k řešení čistě obrazových problémů redukovala tradiční myšlenku kresby jako hlavní složky uměleckého díla. Impresionismus měl silný dopad na umění evropských zemí a Spojených států a vzbudil zájem o náměty ze skutečného života. (E. Manet, E. Degas, O. Renoir, C. Monet, A. Sisley atd.)
- pohyb v malířství (synonymum divizionismu), který se rozvíjel v rámci neoimpresionismu. Neoimpresionismus vznikl ve Francii v roce 1885 a rozšířil se také do Belgie a Itálie. Neo-impresionisté se pokusili uplatnit v umění nejnovější úspěchy v oblasti optiky, podle nichž malba vytvořená samostatnými tečkami primárních barev ve vizuálním vnímání dává fúzi barev a celé škály malby. (J. Seurat, P. Signac, C. Pissarro).
Postimpresionismus- podmíněný souhrnný název hlavních směrů Francouzská malba Kapitola XIX - 1. čtvrtletí XX století Umění postimpresionismu vzniklo jako reakce na impresionismus, který se soustředil na zprostředkování okamžiku, na pocit malebnosti a ztraceného zájmu o tvar předmětů. Mezi postimpresionisty patří P. Cezanne, P. Gauguin, V. Gogh a další.
- styl v evropském a americkém umění přelomu 19.-20. Modernismus reinterpretoval a stylizoval rysy umění z různých epoch a rozvíjel vlastní umělecké techniky založené na principech asymetrie, ornamentality a dekorativnosti. Přírodní formy se také stávají předmětem stylizace moderny. To vysvětluje nejen zájem o květinové ornamenty v modernistických dílech, ale také jejich samotnou kompoziční a plastickou strukturu - hojnost křivočarých obrysů, plovoucí nervy, nové obrysy připomínající rostlinné formy.
S modernou je úzce spjat symbolismus, který sloužil jako estetický a filozofický základ moderny, opírající se o modernu jako o plastickou realizaci svých myšlenek. Secese měla v různých zemích různá jména, která jsou v podstatě synonyma: Art Nouveau - ve Francii, Secese - v Rakousku, Art Nouveau - v Německu, Liberty - v Itálii.
- (z francouzského moderna - moderní) běžné jménořada uměleckých směrů první poloviny 20. století, která se vyznačují popíráním tradiční formy a estetiku minulosti. Modernismus má blízko k avantgardě a je opakem akademismu.
- název, který spojuje řadu uměleckých směrů běžných v letech 1905-1930. (fauvismus, kubismus, futurismus, expresionismus, dadaismus, surrealismus). Všechny tyto směry spojuje touha obnovit jazyk umění, přehodnotit jeho úkoly a získat svobodu uměleckého vyjádření.
- směr v umění od XIX - AD. století, na základě kreativních lekcí francouzského umělce Paula Cezanna, který zredukoval všechny formy na obrázku na nejjednodušší geometrické tvary, a barva - ke kontrastním konstrukcím teplých a studených tónů. Cezanne sloužil jako jeden z výchozích bodů pro kubismus. Cézannismus do značné míry ovlivnil i domácí realistickou malířskou školu.
- (z fauve - divoký) avantgardní hnutí během francouzské umění n. XX století Název „divoký“ dali moderní kritici skupině umělců, kteří vystoupili v roce 1905 na pařížském Salonu nezávislých, a bylo to ironické. Ve skupině byli A. Matisse, A. Marquet, J. Rouault, M. de Vlaminck, A. Derain, R. Dufy, J. Braque, C. van Dongen a další Fauvisty spojila přitažlivost k lakonické expresivnosti forem a intenzivních koloristických řešení, hledání impulsů v primitivní kreativitě, umění středověku a východu.
- záměrné zjednodušování vizuálních prostředků, napodobování primitivních fází vývoje umění. Tento termín označuje tzv. naivní umění umělců, kteří nezískali speciální vzdělání, ale zabývají se obecným umělecký proces kapitola XIX - zač XX století. Díla těchto umělců - N. Pirosmaniho, A. Russo, V. Selivanova a dalších - se vyznačují zvláštní dětinstvím ve výkladu přírody, kombinací zobecněné formy a drobné doslovnosti v detailech. Primitivismus formy vůbec nepředurčuje primitivnost obsahu. Často slouží jako zdroj pro profesionály, v podstatě si půjčuje od lidu primitivní umění formy, obrazy, metody. N. Gončarová, M. Larionov, P. Picasso, A. Matisse čerpali inspiraci z primitivismu.
- směr v umění, který se vyvíjel na základě navazování na kánony starověku a renesance. Bylo běžné v mnoha evropských uměleckých školách od 16. do 19. století. Akademie se obrátila klasické tradice do systému „věčných“ pravidel a předpisů, které spoutaly tvůrčí hledání, se pokusil postavit nedokonalou živou přírodu do kontrastu s „vysoko“ zdokonalenými, nenárodními a nadčasovými formami krásy dovedené k dokonalosti. Akademie se vyznačuje upřednostňováním námětů z antické mytologie, biblických či historických námětů před náměty ze současného života umělce.
- (francouzský kubismus, od kostka - kostka) směr v umění první čtvrtiny 20. století. Plastický jazyk kubismu byl založen na deformaci a rozkladu objektů na geometrických rovinách, plastickém posunu tvaru. Zrození kubismu nastalo v letech 1907-1908 - v předvečer první světové války. Nesporným vůdcem tohoto směru byl básník a publicista G. Apollinaire. Toto hnutí bylo jedním z prvních, které ztělesňovalo přední trendy další vývoj umění dvacátého století. Jedním z těchto trendů byla převaha konceptu nad uměleckou hodnotou obrazu. J. Braque a P. Picasso jsou považováni za otce kubismu. Ke vznikajícímu hnutí se přidali Fernand Léger, Robert Delaunay, Juan Gris a další.
- hnutí v literatuře, malbě a kinematografii, které vzniklo v roce 1924 ve Francii. Významně přispěl k formování vědomí moderního člověka. Hlavními postavami hnutí jsou Andre Breton, Louis Aragon, Salvador Dalí, Luis Buñuel, Joan Miro a mnoho dalších umělců z celého světa. Surrealismus vyjadřoval myšlenku existence za hranicemi skutečnosti, zvláště důležitou roli zde hrají nevědomí, sny a denní sny. Jednou z charakteristických metod surrealistického umělce je ústup od vědomé tvořivosti, což z ní dělá nástroj, různými způsoby vytěžování náladové obrázky podvědomí, podobné halucinacím. Surrealismus přežil několik krizí, přežil druhou světová válka a postupně, splývající s masovou kulturou, protínající se s transavantgardou, vstoupil jako integrální součást do postmoderny.
- (z lat. futurum - budoucnost) literárně-umělecký směr v umění 10. let. Futurismus si jako svůj hlavní program přisuzoval roli prototypu umění budoucnosti a prosazoval myšlenku zničení kulturních stereotypů a místo toho nabídl omluvu za technologii a nízkost jako hlavní znaky současnosti a budoucnosti. . Důležitou uměleckou myšlenkou futurismu bylo hledání plastického vyjádření rychlosti pohybu jako hlavního znaku tempa moderního života. Ruská verze futurismu se nazývala kubofuturismus a vycházela z kombinace plastických principů francouzského kubismu a evropských obecně estetických instalací futurismu.

Studenti, postgraduální studenti, mladí vědci, kteří využívají znalostní základnu ve svém studiu a práci, vám budou velmi vděční.

ZAVEDENÍ

1. TYPY MALBY

2. MALBA A JEJÍ ŽÁNRY

ZÁVĚR

ODKAZY

ZAVEDENÍ

Slovo „malba“ je odvozeno od slov „živě“ a „psát“. "Malovat," vysvětluje Dahl, "zobrazovat věrně a živě štětcem nebo slovy, perem." Správné zobrazení pro malíře znamená přesné vyjádření vnější podoby toho, co viděl, a jeho nejdůležitějších rysů. Bylo možné je správně předat grafickými prostředky- linka a tón. Těmito omezenými prostředky však nelze živě zprostředkovat mnohobarevnost okolního světa, pulsaci života v každém centimetru barevné plochy předmětu, kouzlo tohoto života a neustálý pohyb a změnu. Malba, jeden z druhů výtvarného umění, pomáhá pravdivě odrážet barvu skutečného světa.

Barva je hlavní vizuální a vyjadřovací prostředky v malbě - má tón, sytost a lehkost; zdá se, že splývá v celek vše charakteristické pro předmět: jak to, co lze zobrazit čárou, tak to, co je pro ni nedostupné.

Malba, stejně jako grafika, využívá světlé a tmavé čáry, tahy a skvrny, ale na rozdíl od ní jsou tyto linie, tahy a skvrny barevné. Předávají barvu světelného zdroje prostřednictvím oslnění a jasně osvětlených povrchů, vyřezávají trojrozměrný tvar s předmětnou (místní) barvou a barvou odráženou prostředím, vytvářejí prostorové vztahy a hloubku a zobrazují texturu a materialitu objektů.

Úkolem malby je nejen něco ukázat, ale také odhalit vnitřní podstatu zobrazovaného, ​​reprodukovat „typické postavy v typické okolnosti" Proto je pravdivé umělecké zobecnění jevů života základem základů realistické malby.

1. TYPY MALBY

Monumentální malba je speciální typ velkoplošných obrazů, které zdobí stěny a stropy architektonických konstrukcí. Odhaluje obsah hlavních společenských jevů, které pozitivně ovlivnily vývoj společnosti, velebí je a zvěčňuje, pomáhá vychovávat lidi v duchu vlastenectví, pokroku a lidskosti. Vznešenost obsahu monumentální malby, významná velikost jejích děl a sepětí s architekturou vyžaduje velké barevné hmoty, přísnou jednoduchost a lakonismus kompozice, jasnost kontur a obecnost plastické formy.

Dekorativní malba používá se k výzdobě budov a interiérů ve formě barevných panelů, které s realistickými obrazy vytvářejí iluzi proražení zdi, opticky zvětšují velikost místnosti, nebo naopak záměrně zploštělými formami prosazují rovinnost zeď a ohrazení prostoru. Vzory, věnce, girlandy a další typy dekorů, které zdobí díla monumentálního malířství a sochařství, spojují dohromady všechny prvky interiéru a zdůrazňují jejich krásu a soulad s architekturou.

Divadelní a dekorativní malba(kulisy, kostýmy, líčení, rekvizity, vyrobené podle výtvarných skic) pomáhá dále odhalit obsah představení. Speciální divadelní podmínky pro vnímání kulis vyžadují zohlednění více úhlů pohledu diváků, jejich velké vzdálenosti, vlivu umělého osvětlení a barevného protisvětla. Scenérie dává představu o místě a čase akce a aktivuje divákovo vnímání toho, co se děje na jevišti. Divadelní umělec snaží se ostře vyjádřit v kostýmech a náčrtech make-upu individuální charakter postavy, jejich sociální postavení, styl dané doby a mnoho dalšího.

Miniaturní malba doznalo velkého rozvoje ve středověku, před vynálezem tisku. Ručně psané knihy byly zdobeny těmi nejlepšími čelenkami, konci a detailními miniaturními ilustracemi. Ruští umělci první poloviny 19. století dovedně využívali techniku ​​miniaturní malby k tvorbě malých (hlavně akvarelových) portrétů. Čisté syté akvarelové barvy, jejich nádherné kombinace a vynikající jemnost písma odlišují tyto portréty plné půvabů a noblesy.

Malování stojanu, prováděné na stroji - stojanu, jako materiálový základ využívá dřevo, karton, papír, nejčastěji však plátno napnuté na nosítkách. Malování stojanu, bytí samostatné dílo, dokáže zobrazit úplně všechno: umělcem faktické i fiktivní, neživé předměty a lidi, modernu i historii – jedním slovem život ve všech jeho projevech. Na rozdíl od grafiky má malba na stojanu bohatost barev, která pomáhá emocionálně, psychologicky, mnohostranně a jemně zprostředkovat krásu světa kolem nás.

Podle techniky a způsobu provedení se malba dělí na olej, temperu, fresku, vosk, mozaiku, vitráž, akvarel, kvaš a pastel. Tyto názvy vycházejí z pojiva nebo ze způsobu použití materiálně technických prostředků.

Olejomalba provedené setřenou barvou rostlinné oleje. Hustá barva zředí, když se do ní přidá olej nebo speciální ředidla a laky. Olejové barvy lze použít na plátno, dřevo, karton, papír a kov.

Tempera malování se provádí barvou připravenou vaječným žloutkem nebo kaseinem. Temperová barva se rozpustí s vodou a nanese se pasta nebo tekutina na zeď, plátno, papír, dřevo. V Rusku se tempera používala k vytváření nástěnných maleb, ikon a vzorů na každodenních předmětech. V dnešní době se tempera používá v malbě a grafice, v dekorativním a užitém umění a v uměleckém designu.

Fresková malba zdobí interiéry v podobě monumentálních a dekorativních kompozic nanášených na mokrou omítku vodou ředitelnými barvami. Freska má příjemný matný povrch a je odolná ve vnitřních podmínkách.

Malování voskem(enkaustika) byla používána i umělci Starověký Egypt, jak dokládají slavné „Fajjúmské portréty“ (1. století našeho letopočtu). Pojivem v enkaustické malbě je bělený vosk. Voskové barvy se nanášejí v roztaveném stavu na zahřátou základnu a poté se vypálí.

Mozaikové malování, neboli mozaika, se skládá z jednotlivých kusů smaltových nebo barevných kamínků a fixuje se na speciální cementový základ. Transparentní smalt vložený do země pod různé úhly, odráží nebo láme světlo, což způsobuje záblesky a blikání barev. Mozaikové panely najdeme v metru, v interiérech divadel a muzeí atd. Malba vitráží - prac. dekorativní umění, určený pro zdobení okenních otvorů v jakékoli architektonické struktuře. Vitráže jsou vyrobeny z kousků barevného skla, které drží pohromadě pevný kovový rám. Světelný tok proniká barevný povrch vitráže, kreslí dekorativní, velkolepé, vícebarevné vzory na podlaze a stěnách interiéru.

2. MALBA A JEJÍ ŽÁNRY

Žánry malby (francouzský žánr - rod, typ) jsou historicky ustáleným dělením malířských děl v souladu s tématy a objekty obrazu. V moderní malbě existují následující žánry: portrét, historický, mytologický, bitevní, každodenní, krajina, zátiší, živočišný žánr.

Přestože se pojem „žánr“ objevil v malbě relativně nedávno, určité žánrové rozdíly existují již od starověku: obrazy zvířat v paleolitických jeskyních, portréty starověkého Egypta a Mezopotámie z roku 3000 před Kristem, krajiny a zátiší v helénistických a římských mozaikách a fresky. Formování žánru jako systému v malířském stojanu začalo v Evropě v 15.–15. století. a skončila především v 17. století, kdy se vedle dělení výtvarného umění na žánry objevil pojem „vysoký“ a „nízký“ žánr v závislosti na námětu obrazu, tématu, zápletce.

„Vysoký“ žánr zahrnoval historické a mytologické žánry a „nízký“ žánr zahrnoval portrét, krajinu a zátiší. Tato gradace žánrů existovala až do 19. století. V 17. století se tak v Holandsku staly vůdčími právě „nízké“ žánry (krajina, každodenní život, zátiší), ale slavnostní portrét, který formálně patřil k „nízkému“ žánru portrétování, ano. k takovým nepatří.

Žánry malby, které se staly formou zobrazování života, nejsou navzdory stálosti svých obecných rysů neměnné, vyvíjejí se spolu se životem, mění se s vývojem umění. Některé žánry zanikají nebo nabývají nového významu (např. mytologický žánr), vznikají nové, zpravidla v rámci dříve existujících (např. v rámci krajinářského žánru se objevila architektonická krajina a marina). Objevují se díla, která kombinují různé žánry (například kombinace všedního žánru s krajinou, skupinový portrét s historickým žánrem).

Žánr výtvarného umění, který odráží vnější a vnitřní vzhled osoby nebo skupiny lidí, se nazývá portrét. Tento žánr je rozšířen nejen v malbě, ale také v sochařství, grafice atp. Hlavními požadavky na portrét je zprostředkování vnější podobnosti a odhalení vnitřního světa, podstaty charakteru člověka. Podle charakteru obrazu se rozlišují dvě hlavní skupiny: slavnostní a komorní portréty. Slavnostní portrét ukazuje osobu v plném růstu (na koni, stojící nebo sedící), na architektonickém nebo krajinném pozadí. V intimní portrét obrázek v délce pasu nebo hrudníku se používá na neutrálním pozadí. Autoportrét vyniká ve zvláštní skupině - umělcovo zobrazení sebe sama.

Portrét je jedním z nejstarších žánrů výtvarného umění, zpočátku měl kultovní účel a byl ztotožňován s duší zemřelého. V antickém světě se portrétování rozvíjelo více v sochařství, stejně jako v malebné portréty-- Fajjúmské portréty 1. - 3. století. Ve středověku byl koncept portrétu nahrazen zobecněnými obrazy, i když ve freskách, mozaikách, ikonách a miniaturách jsou v obraze některé individuální rysy. historické postavy. Pozdní gotika a renesance je překotným obdobím rozvoje portrétu, kdy vznikal portrétní žánr, dosažení výšin humanistické víry v člověka a pochopení jeho duchovního života.

Žánr výtvarného umění věnovaný historickým událostem a postavám se nazývá historický žánr. V nástěnné malbě se dlouhodobě rozvíjí historický žánr, který se vyznačuje monumentalitou. Od renesance do 19. století. umělci používali náměty z antické mytologie a křesťanských legend. Často skutečné historické události Postavy zobrazené na obraze byly naplněny mytologickými nebo biblickými alegorickými postavami.

Historický žánr se prolíná s dalšími – všední žánr (historické a všední scény), portrét (obraz historické postavy minulost, portrétně-historické kompozice), krajina („historická krajina“), uzavírá žánr bitvy.

Historický žánr je ztělesněn ve stojanových a monumentálních formách, v miniaturách a ilustracích. Historický žánr vznikl v dávných dobách a spojoval skutečné historické události s mýty. V zemích starověkého východu existovaly dokonce typy symbolických kompozic (apoteóza vojenských vítězství panovníka, předání moci mu božstvem) a narativní cykly obrazů a reliéfů. Ve starověkém Řecku byly sochy historických hrdinů, ve starém Římě byly vytvořeny reliéfy s výjevy vojenských tažení a triumfů.

Ve středověku v Evropě se historické události odrážely v miniaturních kronikách a ikonách. Historický žánr v malířském stojanu se v Evropě začal formovat v období renesance, v 17. - 18. století. byl považován za „vysoký“ žánr, vyzdvihující (náboženské, mytologické, alegorické, historické předměty).

Obrazy historického žánru byly naplněny dramatickým obsahem, vysokými estetickými ideály a hloubkou lidských vztahů.

Žánr výtvarného umění věnovaný hrdinům a událostem, o nichž vyprávějí mýty starověkých národů, se nazývá mytologický žánr(z řeckého mythos - legenda). Mytologický žánr se dostává do kontaktu s historickým a formuje se v období renesance, kdy starověké legendy poskytovaly bohaté možnosti pro ztělesnění příběhů a postav se složitým etickým, často alegorickým přesahem. V 17. stol -- začátek století se v dílech mytologického žánru rozšiřuje rozsah morálních a estetických problémů, které jsou ztělesněny ve vysokých umělecké ideály a buď se přiblížit životu, nebo vytvořit slavnostní podívanou. Z 19. - 20. století. Témata germánských, keltských, indických a slovanských mýtů se stala populární.

Bitevní žánr(z francouzského bataille - bitva) je žánr malby, který je součástí historického, mytologického žánru a specializuje se na zobrazování bitev, vojenských úlovků, vojenských operací, oslavování vojenské udatnosti, zuřivosti bitvy a triumfu vítězství. Žánr bitvy může obsahovat prvky jiných žánrů - domácí, portrét, krajina, zvířecí, zátiší.

Žánr výtvarného umění zobrazující scény každodenního života, osobní život nazývá se člověk každodenní potřeby z rolnického a městského života každodenní žánr. Apely na život a morálku lidí se již nacházejí v obrazech a reliéfech starověkého východu, ve starověkém vázovém malířství a sochařství, ve středověkých ikonách a knihách hodin. Ale všední žánr vyčníval a nabýval charakteristických forem až jako fenomén světského malířského stojanu. Jeho hlavní rysy se začaly formovat ve 14. - 15. století. v oltářních obrazech, reliéfech, tapisériích, miniaturách v Nizozemí, Německu, Francii. V 16. století se v Nizozemí začal každodenní žánr rychle rozvíjet a izolovat se. Jedním z jejích zakladatelů byl Hieronymus Bosch.

Vývoj všedního žánru v Evropě výrazně ovlivnilo dílo Pietera Bruegela: přechází k čistému všednímu žánru, ukazuje, že všední život může být předmětem studia a zdrojem krásy. 17. století lze nazvat stoletím všedního žánru ve všech malířských školách v Evropě.

V 18. stol ve Francii je žánrová malba spojena se zobrazováním galantních výjevů, „pastorálů“, a stává se rafinovanou a půvabnou, ironickou. Díla všedního žánru byla pestrá: ukazovala teplo domova i exotiku dalekých zemí, sentimentální zážitky i romantické vášně. Žánr pro domácnost, orientovaný na displej rolnický život a život městského obyvatele, rozvíjející se jasně v ruštině obrazy 19. století c.: např. v dílech A.G.Venecsianova, P.A.Fedotova, V.G.Repina.

Žánr výtvarného umění, ve kterém je hlavní důraz kladen na zobrazení přírody. prostředí, výhledy na krajinu, města, historické památky, volal krajina(francouzská platba). Existují venkovské, městské, architektonické, průmyslové, mořské (mariny) a říční krajiny.

Ve starověku a středověku se krajiny objevují na obrazech chrámů, paláců, ikon a miniatur. V evropském umění se k zobrazování přírody jako první obrátili benátští malíři renesance. Od 16. stol krajina se stává samostatným žánrem, formují se její odrůdy a směry: lyrická, hrdinská, dokumentární krajina. V 19. stol tvůrčí objevy krajinných mistrů, saturace toho sociální problémy, vyvrcholil rozvoj plenéru (zobrazujícího přírodní prostředí) výdobytky impresionismu, které daly nové možnosti v obrazovém přenosu prostorové hloubky, proměnlivosti světlovzdušného prostředí a složitosti barevného řešení.

Žánr výtvarného umění, který ukazuje předměty každodenní potřeby, práci, kreativitu, květiny, ovoce, zabitou zvěř, ulovené ryby, umístěné v reálném každodenním prostředí, je tzv. zátiší(francouzská příroda morte - mrtvá příroda). Zátiší může být obdařeno složitým symbolickým významem, může hrát roli dekorativního panelu nebo být tzv. „trik“, který poskytuje iluzorní reprodukci skutečných předmětů nebo postav, které evokují efekt přítomnosti skutečné přírody.

Zobrazování předmětů je známé v umění starověku a středověku. Za první zátiší v malířském stojanu je však považován obraz benátského umělce Jacopo de Barbari „Partridge se šípem a rukavicemi“. Již v 16. století se zátiší dělilo na mnoho typů: kuchyňský interiér s lidmi i bez nich, prostřený stůl ve venkovském prostředí, „vanitas“ se symbolickými předměty (váza s květinami, zhasnutá svíčka, hudební nástroje). Byl obzvlášť bohatý Holandské zátiší, skromný v barvách a ve zobrazených věcech, ale vynikající ve expresivní struktuře předmětů, ve hře barev a světla.

Žánr výtvarného umění zobrazující zvířata se nazývá živočišný žánr(z lat. zvíře - zvíře). Zvířecí umělec dbá na výtvarnou a figurativní charakteristiku zvířete, jeho zvyky, dekorativní výraznost postavy a siluety. Zvířata jsou často obdařena vlastnostmi, činy a zkušenostmi, které jsou člověku vlastní. Obrázky zvířat se často nacházejí v antická socha, vázové obrazy.

ZÁVĚR

Na závěr si shrňme výše uvedené:

Malba se dělí na monumentální, dekorativní, divadelní a dekorativní, miniaturní a stojanový.

Podle techniky a způsobu provedení se malba dělí na olej, temperu, fresku, vosk, mozaiku, vitráž, akvarel, kvaš a pastel.

V moderní malbě existují následující žánry: portrét, historický, mytologický, bitevní, každodenní, krajina, zátiší, živočišný žánr.

Historická malba je obrazy určitých historických okamžiků, stejně jako veřejných osobností minulosti.

Battle painting si klade za cíl zachytit bitvy, bitvy a války. Mytologická malba zobrazuje události popsané v mýtech, eposech a legendách.

Každodenní (žánrová) malba je zobrazování scén skutečný život, její reality a atributy.

Krajinářství (krajinářství) je obraz přírodní povaha nebo jakékoli oblasti.

Portrétní malba - umělecký obraz osoba. Specifickým typem portrétu je autoportrét.

Zátiší je obraz různých neživých předmětů, například ovoce, květin, domácích potřeb, nádobí, umístěných v reálném každodenním prostředí a kompozičně uspořádaných do jedné skupiny.

ODKAZY

1. Batraková SP Umělkyně 20. století. a jazykem malby. M., 1996.

2. Šlehač B.R. Úvod do historická studie umění. M., Výtvarné umění, 1985

3. Západní umění 20. století. Klasické dědictví a modernost. M, 1992.

4. Dějiny zahraničního umění. M., Výtvarné umění, 1984

5. Dějiny světového umění. 3. vydání, Nakladatelství "Akademie", M., 1998.

6. Od konstruktivismu k surrealismu. M., 1996.

7. Polyakov V.V. Dějiny světového umění. Výtvarné umění a architektura 20. století. M., 1993.

8. Sadokhin A.P. Kulturologie: teorie a dějiny kultury: učebnice. -- M.: Eksmo, 2007.

9. Moderní západní umění. XX století: problémy a trendy. M., 1982.

10. Suzdalev P. O žánrech malby. // Kreativita, 2004, č. 2, 3. S. 45-49.

Podobné dokumenty

    Obecná charakteristika, klasifikace a typy krajiny jako jeden ze současných žánrů umění. Identifikace rysů a vztahů krajinného žánru v malbě, fotografii, kině a televizi. Historie vzniku fotografie v přelom XIX-XX století.

    abstrakt, přidáno 26.01.2014

    Koncept malířského stojanu jako samostatné umělecké formy. Korejská malba z období Goguryeo. Druhy výtvarného umění a architektura Silla. Vynikající umělci a jejich výtvory. Vlastnosti obsahu korejské lidové malby.

    abstrakt, přidáno 06.04.2012

    Zrození umění v éře jeskyní. Vývoj umění ve starověkém Řecku a Římě. Rysy vývoje malířství ve středověku, renesanci a baroku. Umělecké směry v současném umění. Esence krásy z morálního hlediska.

    článek, přidáno 16.02.2011

    Systém klasifikace umění do skupin prostorových (plastických), dočasných (dynamických), syntetických (spektakulárních) typů. Historický vývoj, rysy a techniky využití uměleckých materiálů v grafice, sochařství a malbě.

    test, přidáno 29.01.2010

    Studie zástupců italská škola malování. Charakteristika znaků hlavních druhů výtvarného umění: stojan a užité grafiky, sochařství, architektura a fotografie. Studium technik a technik práce s olejovými barvami.

    práce v kurzu, přidáno 15.02.2012

    Portrét jako žánr v malbě. Příběh portrétní malba. Portrét v ruské malbě. Konstrukce portrétní kompozice. Technika olejomalba. Základ pro malování. Olejové umělecké barvy a štětce. Paleta barviv a míchání barev.

    práce, přidáno 25.05.2015

    Vznik a vývoj nizozemského umění v 17. století. Studium díla největších mistrů nizozemského a nizozemského žánru a krajinomalby. Studium specifických rysů takových žánrů, jako je každodenní život, portrét, krajina a zátiší.

    test, přidáno 12.4.2014

    Zátiší jako jeden z žánrů výtvarného umění, seznámení se s dovednostmi malby. Vlastnosti použití tekutých akrylových barev. Úvod do úkolů malby. Analýza silně asketického umění Byzance.

    práce v kurzu, přidáno 09.09.2013

    Charakteristika interiérové ​​malby, která existuje jak jako samostatný umělecký žánr, tak jako pozadí v dílech zobrazujících historické a každodenní události. Analýza interiérových prvků na obrazech mistrů malířství K. Bryullova, I. Repina.

    test, přidáno 26.08.2011

    Charakteristické rysy starověkého římského umění. Historické kořeny římské kultury. Římský styl malby. Hlavní směry a odrůdy starověkého římského malířství: Fayumské portréty, monumentální malba, etruské malířství.

gotický(z ital. gotico - neobvyklé, barbarské) - období ve vývoji středověkého umění, pokrývající téměř všechny oblasti kultury a rozvíjející se v západní, střední a částečně východní Evropě od 12. do 15. století. Gotika završila vývoj evropského středověkého umění, vzniklého na základě výdobytků románské kultury, a v období renesance bylo středověké umění považováno za „barbarské“. Gotické umění mělo kultovní účel a náboženské téma. Oslovovalo nejvyšší božské síly, věčnost a křesťanský světonázor. Gotika se ve svém vývoji dělí na ranou gotiku, rozkvět, pozdní gotiku.

Slavné evropské katedrály, které si turisté rádi fotí do detailů, se staly mistrovskými díly gotického stylu. V interiérovém designu gotické katedrály hrál důležitou roli barevná řešení. Vnější i vnitřní výzdobě dominovala hojnost zlacení, prosvětlenost interiéru, prolamování stěn a krystalická dispozice prostoru. Hmota postrádala těžkost a neproniknutelnost, byla jakoby zduchovněná.

Obrovské plochy oken byly vyplněny vitrážemi s kompozicemi reprodukujícími historické události, apokryfní příběhy, literární a náboženská témata, obrazy každodenních výjevů ze života. obyčejní rolníci a řemeslníky, kteří poskytli unikátní encyklopedii způsobu života ve středověku. Kony byly shora dolů vyplněny figurálními kompozicemi, které byly uzavřeny v medailonech. Kombinace světla a barvy v malbě technikou vitráže propůjčila uměleckým kompozicím zvýšenou emocionalitu. Používaly se různé druhy skel: sytě šarlatové, ohnivé, červené, granátové, zelené, žluté, tmavě modré, modré, ultramarínové, řezané podél obrysu vzoru... Okna se zahřívala jako vzácné drahokamy, prostupovala vnějším světlem - proměnili celý interiér chrámu a navodili jeho návštěvníky povznesenou náladu.

Díky gotickému barevnému sklu se zrodily nové estetické hodnoty a barvy získaly nejvyšší zvučnost zářivé barvy. Čistá barva vytvořila atmosféru vzduchu, malovanou v různých tónech díky hře světla na sloupech, podlahách a vitrážích. Barva se stala zdrojem světla, který prohluboval perspektivu. Tlusté sklenice, často nestejné, byly naplněny ne zcela průhlednými bublinami, umocňujícími umělecký efekt vitráže. Světlo procházející nerovnoměrnou tloušťkou skla se roztříštilo a začalo hrát.

Nejlepší příklady autentických gotických vitráží jsou k vidění v katedrálách v Chartres, Bourges a Paříži (např. „Panna s dítětem“). Naplněné neméně nádherou, stejně jako „Wheels of Fire“ a „Highing Lightning“ v katedrále v Chartres.

Od poloviny 1. století se do barevné škály začaly zavádět komplexní barvy získané duplikací skla. Takové mimořádné vitráže v gotickém stylu se zachovaly v Sainte-Chapelle (1250). Na sklo byly naneseny kontury pomocí hnědé emailové barvy a tvary byly rovinné povahy.

Gotická éra se stala rozkvětem umění miniaturních knih, stejně jako uměleckých miniatur. Posilování sekulárních trendů v kultuře jen umocnilo jejich rozvoj. Ilustrace s vícefigurálními kompozicemi na náboženská témata obsahovaly různé realistické detaily: obrázky ptáků, zvířat, motýlů, ornamenty rostlinných motivů a každodenní výjevy. Díla francouzského miniaturisty Jeana Pussela jsou naplněna zvláštním poetickým kouzlem.

Ve vývoji francouzských gotických miniatur 13. a 14. stol přední místo byla obsazena pařížskou školou. Žaltář svatého Ludvíka je plný vícefigurálních kompozic orámovaných jediným motivem gotické architektury, což dodává vyprávění mimořádnou harmonii (Louvre, Paříž, 1270). Postavy dam a rytířů jsou ladné, jejich tvary se vyznačují plynulými liniemi, které vytvářejí iluzi pohybu. Bohatost a hustota barev, stejně jako dekorativní architektura designu, proměňují tyto miniatury v jedinečná umělecká díla a vzácné ozdoby stránek.

Styl gotické knihy se vyznačuje špičatými tvary, hranatým rytmem, neklidem, filigránskými prolamovanými vzory a mělkými klikatými liniemi. Za zmínku stojí, že ve 14. a 15. století byly ilustrovány i světské rukopisy. Knihy hodin, vědecká pojednání, sbírky milostných písní a kronik jsou plné nádherných miniatur. Miniaturní, ilustrující díla dvorské literatury, ztělesňovala ideál rytířské lásky i výjevy z běžného života kolem nás. Podobným výtvorem je Manesův rukopis (1320).

Postupem času se gotika stala více vyprávěnou. „Velké francouzské kroniky“ ze 14. století jasně demonstrují umělcovu touhu proniknout do smyslu události, kterou zobrazuje. Spolu s tím knihy získaly dekorativní eleganci díky použití nádherných vinět a ozdobných rámů.

Gotické miniatury měly velký vliv na malířství a přinesly živý proud do umění středověku. Gotika se stala nejen slohem, ale důležitým článkem v celkovém kulturním vývoji společnosti. Mistři stylu s neuvěřitelnou přesností dokázali reprodukovat obraz svého současníka v předmětu a přírodní prostředí. Majestátní a duchovní gotická díla jsou obklopena aurou jedinečného estetického kouzla. Gotika dala vzniknout novému chápání syntézy umění a její realistické výdobytky připravily půdu pro přechod k umění renesance.

Většina obrazů, které vidíte, jsou stojanové předměty. Tento termín znamená, že obrazy byly malovány na speciálním stroji – stojanu. Lze je zarámovat, pověsit na zeď nebo darovat. Jinými slovy, stojan je obraz namalovaný na rovném pozadí: papír, lepenka. Tomuto typu malby dominují olejomalby, ale i malby, které využívají jiné materiály – kvaš a akvarel, pastel, tuš, uhel, akrylové barvy, barevné tužky atd.
Jedním z aplikovaných druhů malby na stojanu je malba divadelní a dekorativní - skici kostýmů postav a mizanscén.

Monumentální malba - malba budov

Monumentální malba nemůže existovat odděleně od místa, kde se provádí. Tento typ malby byl velmi populární v 16.-19. století, kdy se stavěly majestátní chrámy a ti nejlepší umělci malovali jejich klenby. Nejčastějším typem je freska, malba vodou ředitelnými barvami na mokrou omítku.

Běžná byla i malba na suchou omítku - secco, ale taková díla se do dnešních dnů dochovala hůře. Nejznámějším monumentálním obrazem je velkoplošný obraz Sixtinské kaple, na kterém se Michelangelo podílel. Podle kritiků lze fresky kaple přirovnat k osmému divu světa.

Nejstaršími díly monumentální malby jsou skalní malby prvních lidí.

Dekorativní malba - užité umění

Dekorativní malba úzce souvisí s dekorativním a užitým uměním. Hraje spíše podpůrnou roli při zdobení různých předmětů. Dekorativní malba je řada vzorů a ozdob, které zdobí předměty pro domácnost, nábytek a architekturu. Autoři tohoto typu malby mohou být neznámí - k tomuto typu patří i jednoduché malby selských domů a nábytku.

Miniaturní malba - roztomilé maličkosti

Zpočátku miniaturní malba představovala knižní návrhy. Starožitné knihy byly vyrobeny s velkou pečlivostí a byly velmi drahé. K jejich zdobení byli najati speciální řemeslníci, kteří krásně navrhli titulní karty, obaly a čelenky mezi kapitolami. Takové publikace byly skutečnými uměleckými díly. Bylo několik škol, které se držely přísných kánonů miniaturní malby.

Později se miniaturám začalo říkat jakékoli drobné malby. Byly použity jako suvenýry a památné dárky. I přes své malé rozměry vyžadoval tento typ malby velkou přesnost a zručnost. Nejoblíbenějším materiálem pro suvenýry byly kostěné, kamenné a kovové destičky.

Tip 2: Jaké typy stojanů existují: základní a oblíbené

Kresba je jednou z nejzajímavějších oblastí kreativity. K namalování obrazu je ale potřeba vybrat správné štětce a barvy, ale také stojan.

Pro některé lidi je kreativita, konkrétně kreslení, nedílnou součástí života v podobě koníčku nebo profesní činnosti. Umělci a fandové přikládají zvláštní význam materiálům a zařízením, se kterými pracují. Vzhledem k tomu, že stojany jsou nedílnou součástí tvůrčího procesu, je třeba tyto pomocné položky zvážit podrobněji.

Takže dovnitř momentálně Existují tři hlavní typy: stativové stojany, stojany se svislými panely (stacionární) a skicáky. Každý typ stojanu má své vlastní vlastnosti. Například stativy se velmi snadno sestavují a používají. Takový stojan lze vždy rozložit a ve složeném stavu zabírá toto zařízení velmi málo místa.

Vertikální panelové stojany jsou zároveň velmi pohodlné, mají funkce nastavení výšky a úhlu sklonu, ale díky své stacionární povaze zabírají hodně místa. Princip připevnění papíru nebo napnutého plátna u těchto typů stojanů se prakticky nemění. Ve spodní části je malý panel pro uložení spotřebního materiálu: tužky, barvy, štětce a další.

Skicáky lze použít venku pro kresby z přírody. Zároveň se po sestavení toto zařízení promění v malý kufr, se kterým můžete podnikat dlouhé cesty na místo, kde se maluje plátno.

Nejoblíbenější stojany

Nejoblíbenější jsou stativové stojany. Je to kvůli jejich pohodlí a kompaktnosti. Navíc si takový stojan můžete vyrobit sami, pokud nechcete utrácet peníze za jeho nákup.

Pro práci ve studiu nebo doma se často používají stojany-stoly, to znamená stojany s vertikálním panelem. Tento typ je vhodný při práci na jednom místě, protože jeho přepravu ztěžuje nemožnost rozebrat předmět na menší části a poté jej znovu složit. Každý typ stojanu je navíc určen pro konkrétní zamýšlené použití, ale stativ lze právem považovat za nejuniverzálnější, protože jej lze použít jak pro neustálou práci v ateliéru, tak pro práci z přírody v přírodě, samozřejmě pokud není příliš velký.

Zdroje:

  • Klasifikace stojanů

Umění zdobení povrchů barvami a štětcem se nazývá umělecká malba. Samotný koncept malby se výrazně liší od malby, protože je součástí prostoru, který si umělec vytvořil.

Umělecká malba byla zpočátku aplikována na jakékoli dostupné a snadno dostupné materiály: kůže, dřevo, přírodní tkaniny, hlína atd. Dovednosti byly předávány z generace na generaci mistry a specifické umělecké techniky, která pomohla produktům. Postupem času byla zvolena nejsmysluplnější a nejvýraznější aplikace ornamentu. V architektuře se obrazy používaly ke zdobení stropů, kleneb, stěn, trámů a v každodenním životě se dekor používal na předměty pro domácnost.

Systematizace různých typů malby byla poprvé zahájena v roce 1876 profesorem A.A. Isaev ve své dvoudílné knize s názvem „Procesy Moskevské provincie“. Podniky umělecká malba a v současné době rozvíjejí své podnikání, aby uspokojily poptávku na trzích v Rusku i v zahraničí.

Chochlomská malba

V bohatých květinových vzorech bylo použito jemného štětce, který pocházel z klášterů. Odtud bylo odvozeno tajemství, jak natřít nádobí zlatem bez použití zlata. Malba se dodnes nezměnila a postup je stejný od starověku až do současnosti. Přířez nádobí je soustružený ze dřeva pomocí soustruh, poté základní nátěr speciálně připraveným jílovým roztokem nebo se používají umělé základní nátěry. Nádobí je potaženo barvou na bázi cínu nebo stříbra, méně často - hliníku. Malují se podle zamýšleného motivu a suší se v peci, poté se lakují a znovu suší za tepla.

Protože výrobek prochází několikrát intenzivním tepelným zpracováním, byly barvy vybrány z těch, jejichž jas nebyl ovlivněn vysokými teplotami. Je to černá, zlatá a rumělková.

Gzhelský porcelán

Gzhel je jedinečný, protože každý umělec pomocí klasických a známých motivů vytváří techniku ​​individuálně. Hlavní role patří prožitku mistra a pohybu jeho štětce. Zároveň se na bělosti od jednoho tahu objevují harmonické přechody od tmavě modré k bledě modré. Používá se pouze jedna barva, kobalt, a kresba je provedena velmi rychle, napoprvé.

Matrjoška

Tyto postavy různých velikostí, zasazené do sebe, pocházejí z Japonska. Velkou oblibu si tyto panenky získaly v roce 1900 po výstavě v Paříži. Hlavní výroba se odehrávala ve vesnici Polkhovsky Maidan, která byla proslulá jak malováním, tak soustružníky – vždyť tvar hnízdící panenky se musel ještě vyřezat.

Polkhovskaya má charakteristické rysy, podle kterých ji lze mezi ostatními rozpoznat. Má obličej namalovaný malými tahy a na čele má smrkový květ růže. Barva šátku kontrastuje s barvou letní šaty a matrjoška je ze 2/3 šarlatová nebo zelená. Zástěra je oválná a vede od krku až k zemi.

Nejobtížnější na zpracování, slámou posetá matrjoška od Vjatky.

Téměř každá dívka, pokud její volný čas není přetížený studiem nebo randěním, má jeden nebo více koníčků. Některé ji uchvátí svou originalitou na krátkou dobu, jiné jsou společníky na celý život.

Instrukce

Nejběžnějším typem ženských koníčků lze nazvat všechny typy vyšívání: háčkování, makramé, šití, vyšívání. Takový koníček nezačíná prázdný prostor, tradičně se předává od maminek a babiček, které je praktikují za přítomnosti svých dcer a vnuček. Holčičku to začne zajímat a požádá dospělé, aby jí ukázali smyčky, uzly, prošívání nebo řetízkový steh. Zpočátku se to nedaří a možná se na čas svého nového koníčku dokonce vzdá, ale po pár letech si příroda vezme své a teď si puberťačka ušije první džíny nebo uplete baret.

Ne tak časově náročné, nechávat večery volné na jiné aktivity, je květinářství. Všechny ženy milují květiny a o ty samy pěstované je největší zájem. Sledování vzhledu výhonků, jejich zvětšení a následného kvetení je podobné mateřství, a proto přináší potěšení mnoha zástupcům něžného pohlaví. Pokud nemáte trpělivost na péči o růže a fialky, můžete začít s chlorofytem nebo jednoduchými kaktusy.

Mezi nejranější koníčky, které si malé dítě rozvíjí, patří kreslení a pohyb na hudbu. Pokud pro ně máte talent, pak se vaše závazky neztratí, ale vyvinou se ve schopnost reflektovat vnější a vnitřní světy prostřednictvím malby a tance. Pokud není talent, ale duše vytrvale vyžaduje vyjádření všech svých impulsů, pak se dívka stane dobrou fotografkou. Na jejích fotografiích nejčastěji vystupují příbuzní a přátelé, významná místa a zákoutí přírody, která uchvacují fantazii.

Další metodou, jak realizovat svůj potenciál, je vyrábět řemesla různé materiály. To zahrnuje modelování z hlíny a výrobu mýdla, řezbářství a design. To druhé se může proměnit v profesi a stát se dobrým způsobem, jak vydělat peníze. A carving lze nazvat jakousi odrůdou běžného, ​​ale zdaleka ne všeobjímajícího koníčka – vaření. Téměř každá dívka umí uvařit tu nejjednodušší kaši a polévku, upéct pizzu ze všeho možného v lednici, ale umění připravovat originální pokrmy má jen málokterá.

A konečně univerzálním koníčkem žen všech věkových a sociálních kategorií je věštění. Nejčastěji na kartách, ale k dosažení výsledků se používá i kávová sedlina, chiromantie a další metody věštění. Učení o minulosti a budoucnosti nikdy neomrzí a specializace na určitý typ může z dívky udělat skutečného mistra.

Kulaté a ploché, s dřevěnou rukojetí a plastovou, kuna a poník. Různé tvary a typy štětců pomáhají umělci vytvářet mistrovská díla na plátně nebo papíru. Například veverčí štětec se používá hlavně pro práci s akvarelové barvy, a k nanášení nápisů se používá lineární štětec.

Tvary štětců

Jeden z nejběžnějších a nejuniverzálnějších tvarů štětců je kulatý. Svazek takového kartáče je upevněn v kulaté sponě, obvykle kovové. Štětce mohou být různé velikosti. Malý paprsek se používá k vytváření miniatur a velký paprsek se používá pro velké krajiny. Kulatý štětec vytváří jednotnou čáru stejné tloušťky, i když zkušený umělec to může změnit.

Ploché štětce jsou dobré pro práci na velkých plochách kompozice, drží hodně barvy. Tahy s takovým štětcem jsou hladké a široké.

Štětec zvaný „kočičí oko“ má oválný nebo kopulovitý tvar. Tento štětec je velmi individuální při použití a lze jej používat stejně jako kulatý nebo plochý.

Podtypem plochých kartáčů jsou obrysové kartáče, které mají podobný tvar, ale paprsek je kratší a v důsledku toho pružnější. Takové štětce se používají pro techniky olejomalby, snadno se s nimi dělají ploché tahy a jasné obrysy.

Typové štětce mají dlouhý kulatý štětec s tenkým ostrým hrotem, který umožňuje dělat nápisy a aplikovat obrysy. Tyto štětce se používají s tekutými barvami.

Retušovací štětce jsou také typem plochého štětce, jejich zvláštností je šikmo seříznutý hrot. Tyto štětce se používají k vytvoření velmi tenkých tahů a hladkého a přesného přechodu z jedné barvy do druhé. To je vytvořeno díky tenké a ostré špičce.

Lineární štětce, stejně jako štětce na písma, mají dlouhý kulatý tvar a používají se k psaní nápisů a vytváření dlouhých rovnoměrných čar. Lineární štětce jsou kratší než typové štětce, ale delší a tenčí než kulaté štětce.

Kromě malování se štětce na flétnu používají k nanášení make-upu, a to pudru nebo tvářenky. Tyto měkké štětce jsou určeny pro malování akvarelem z ruky. Zadržují hodně vody, takže mohou kreslit dlouhé, souvislé, jednotné čáry bez přerušení.

Vějířové kartáče mají tenký vějířovitý chomáč. Používají se k vytvoření jemných barevných úseků, barevných přechodů a kontrastů.

Typy štětců

Kromě tvarů a velikostí je mezi typy štětců podstatný rozdíl, totiž z jakého vlasu je svazek vyroben. Nejběžnějším typem štětce je veverka. Takové kartáče jsou vyrobeny ze zpracovaných chlupů veverčího ocasu, protože ocas obsahuje nejdelší vlasy. Veverčí štětce jsou velmi měkké a jemné, takže vyžadují speciální péči. Používají se k práci s akvarelovou barvou nebo jinou vodou ředitelnou barvou.

Kolínské kartáče jsou vyrobeny ze zpracovaného kolínského ocasu. Tyto štětce jsou docela měkké a zároveň elastické. Proto se používají