Malba v žánru abstraktního umění a. Styly malby: Abstraktní umění

(lat. abstractio odstranění, rozptýlení) neobjektivní, nefigurativní umění forma vizuální činnosti, která si neklade za cíl napodobovat nebo zobrazovat vizuálně vnímanou realitu. Abstraktní malba, grafika, sochařství vylučují asociace s rozpoznatelnými předměty.

Počátky abstraktní malby a doba vzniku první abstraktní malby nebyly stanoveny. S jistotou můžeme říci pouze to, že v letech 1910 až 1915 se mnoho evropských umělců pokoušelo o neobjektivní, nefigurativní kompozice (malba, kresba, sochařství). Mezi nimi: R. Delaunay, M. F. Larionov, F. Picabia, F. Kupka, P. Klee, F. Mark, A. G. Yavlensky, U. Bocioni, F. Marinetti a další. Nejoriginálnější a nejznámější V.V.Kandinsky, P.Mondrian , K.S.Malevich. Kandinskij je obvykle nazýván „vynálezcem“ abstrakce s odkazem na jeho akvarely z let 1910–1912 a jeho teoretické práce, které objektivně svědčí o soběstačnosti umění a naznačují jeho schopnost vytvářet novou realitu vlastními prostředky. Prakticky i teoreticky byl Kandinskij nejrozhodnější a nejdůslednější z těch, kteří se v té době blížili k linii oddělující figurativnost od abstrakce. Nejasná otázka, kdo jako první překročil tuto hranici, nemá zásadní význam, neboť v prvních letech 20. století. Nejnovější trendy evropského umění se k této hranici přiblížily a vše nasvědčovalo tomu, že bude převrácena.

Abstrakce, na rozdíl od všeobecného přesvědčení, není stylistickou kategorií. Tato specifická forma vizuální kreativity spadá do několika směrů. Geometrická abstrakce, lyrická abstrakce, gestická abstrakce, analytická abstrakce a konkrétnější hnutí, jako je suprematismus, aranformel, nuageismus atd.

Abstraktní umělecké styly jsou složeny ze stejných stylotvorných prvků jako figurativní umělecké styly. Svědčí o tom zejména skutečnost, že monochromní malba - plátno malované v jednom tónu - je ve stejném neutrálním vztahu ke stylu jako absolutně naturalistický figurativní obraz. Abstraktní malba je speciální typ zrakové aktivity, jehož funkce jsou přirovnávány k funkcím hudby ve zvukovém prostoru.

Zrychlující se změna estetických postojů v umění pramení z revolučních proměn kultury, vědy a techniky 20. století. V umění se nové trendy začaly projevovat již v první polovině 19. století. V současné době lze v evropském malířství pozorovat současně zdokonalování naturalistické techniky (J. Ingres, J.-L. David, T. Chasserio) a rostoucí tendenci ke konvenčnosti (C. Corot, E. Delacroix, F. Goya ); posledně jmenovaný je zvláště zdůrazněn v anglickém malířství R. O. Boningtona a zvláště W. Turnera, jehož obrazy Slunce vychází v mlze(1806), Hudební večer(18291839) a některá další díla představují nejodvážnější zobecnění hraničící s abstrakcí. Věnujme pozornost formě, ale i ději jednoho z jeho posledních děl Déšť, pára, rychlost, který znázorňuje parní lokomotivu řítící se mlhou a závojem deště. Tento obraz, namalovaný v roce 1848, je nejvyšší mírou konvence v umění první poloviny 19. století.

Od poloviny 19. stol. malba, grafika, socha řeší to, co je přímému zobrazení nedostupné. Hledání nových vizuálních prostředků, metod typizace, zvýšeného vyjadřování, univerzálních symbolů a komprimovaných plastických vzorců je stále intenzivnější. Na jedné straně je to zaměřeno na zobrazení vnitřního světa člověka jeho emočně psychologických stavů, na druhé na aktualizaci vidění objektivního světa. V roce 1900 objev primitivního a o něco později tradičního („primitivního“) umění, nejprve ve Španělsku a poté ve Francii, rozhodně změnil představu o významu konvenčních forem ve výtvarném umění.

Stav, ve kterém se umění v této době nachází, lze nazvat trvalou estetickou revolucí; hlavní události se odehrávají ve Francii. Univerzální mezinárodní výstava z roku 1900 v Paříži na Avenue Nicholas II byla první oficiální výstavou, která zahrnovala díla tehdy ještě „skandálních“ umělců: E. Maneta, C. Moneta, O. Renoira a dalších impresionistů. jako P. Gauguin a P. .Cezanne. V roce 1904 nejnovější francouzský obraz vystavený v Německu udělal na německé umělce ohromující dojem a posloužil jako podnět k vytvoření Svazu mládeže, jehož součástí byli budoucí slavní expresionisté: E. L. Kirchner, K. Schmidt-Rottluff a další.

V letech 1905 až 1910 probíhala v západoevropském umění důsledná „dekonstrukce“ klasického obrazového systému a radikální změna estetických postojů. Poté, co impresionismus poprvé v dějinách umění zavedl strukturální (neslohové) změny do malby, změnili francouzští fauvisté a němečtí expresionisté svůj postoj k barvě a kresbě, která se nakonec vymanila z podřízenosti přírodě. Kubismus pak osvobozuje malbu od narativnosti narativní zápletky.

Jestliže malba, stejně jako jiná umění, není ani tak ukázkou dovednosti, vytvořením díla, ale způsobem sebevyjádření, pak je třeba abstraktní umění uznat jako nejpokročilejší stupeň vizuální činnosti. Tento „vzestup“ je demonstrován tvůrčím vývojem průkopníka abstraktního umění Kandinského, který prochází řadou etap, včetně akademické kresby a realistické krajinomalby, než se vynoří do volného prostoru barvy a linie. Abstraktní kompozice je poslední, molekulární úrovní, na které malba stále zůstává malbou. Další rozpad.

„Důkazem mé existence,“ říká jeden z moderních umělců, „není mé jméno, mé tělo; zmizí v oceánu času, ale fikce, stvoření vzhledu“ (Francllin C. Jean Le Gac. Citováno od: Millet K. . Minsk, 1995, str. 235).

Kreativita je nejintimnější a nejautentičtější způsob sebepotvrzení, které člověk nutně potřebuje. Tato potřeba zahrnuje stále větší masy lidí (o čemž svědčí zejména stále častější a krutější metody kolektivního i individuálního prosazování své autenticity).

Abstraktní umění je nejdostupnějším a nejušlechtilejším způsobem, jak zachytit osobní existenci, a to ve formě podobné faksimilnímu tisku. Přitom jde o přímou realizaci svobody.

V USA započal vzestup abstraktního umění již v polovině 40. let 20. století. Prvními významnými postavami v této době, kromě studenta P. Mondriana J. Pollocka, byli B. Diller, M. Tobey, B. W. Tomlin, A. Gorkij. Mezi ty, jejichž tvorba později ovlivnila evropskou malbu, patří B. Newman, M. Rothko, F. Klin, R. Rauschenberg, W. Kuning, A. Reinhardt.

Jeden z prvních poválečných francouzských abstrakcionistů, kteří se učili americké malbě, P. Soulages. Jeho ne nejlepší práce připomínají expresivní abstrakce F. Klina. Díla G. Hartunga se blíží původnímu zdroji evropské abstrakce – Kandinskému. K evropským umělcům, kteří samostatně přišli k abstrakcionismu v poválečných letech, patří J. Fautrier, J. Mathieu, J.-P. Riopelle, G. Capogrossi, M. Esteve, A. Lanskoy, S. Polyakov, R. Bissier a J. Bazin. J. Bazin a R. Bissier byli ve Francii v poválečných letech zvláště vlivní. Obraz N. de Staela přežil všechny a stále roste na ceně a oblibě, kolísá jako obraz Bissiera a částečně Bazina na tenké hranici mezi úplnou abstrakcí a náznakem figurativnosti.

V roce 1950 se v Paříži objevil první workshop, ve kterém umělci J. Devagne a E. Pilet učili mladé lidi zbavit se realistického vidění, tvořit obraz výhradně obrazovými prostředky a používat v kompozici maximálně tři tóny, protože „ barva určuje formu“ (je třeba se snažit najít přesnou barvu). Na počátku 50. let vytvořil A. Matisse abstraktní kompozice. Abstraktní malba od Devana Apoteóza Marat(1951) se setkal s velkým nadšením. Kritici psali, že nejde jen o intelektuální portrét ohnivé tribuny, ale navíc o „oslavu čisté barvy, dynamickou hru křivek a rovných linií“, „toto je důkaz, že abstrakce vyjadřuje nejen duchovní hodnoty, ale také figurativní umění může oslovit historické a politické události.“

Na počátku 50. let se ve Francii stala populární „lyrická abstrakce“ J. Mathieua. Má výrok, který odráží nový přístup k umění: „Zákony sémantiky fungují na principu inverze: protože je věc daná, nachází se pro ni znak, je-li znak dán, prosazuje se, nachází-li co je vtěleno." To znamená, že nejprve se vytvoří znak, pak se najde jeho význam. V klasickém umění smysl hledá ztělesnění (primární označované).

Počátkem 50. let se v Galerii Betty Parson v New Yorku, kde byla na konci 40. let poprvé vystavena díla Hanse Hofmanna a J. Pollocka, objevila nová jména: Barnett Newman a Robert Rauschenberg.

Styl americké abstrakce 50. let je jiný přímočará geometrie: B. Diller, A. Reinhardt, W. Kuning, F. Klin, M. Rothko, B. Newman, R. Rauschenberg (výjimka A. Gorki, částečně M. Tobey a A. Gottlieb). Tento styl je spojen s newyorskou školou, která rázem získává mezinárodní věhlas.

Umění bylo vždy v té či oné míře prostředkem sebevyjádření. Člověk, který se v moderní době nepřímo vtiskl do normativních struktur Velkých stylů, si takové struktury sám pro sebe vytváří.

Vstupem do abstrakce získal kreativní člověk svobodu. Nekorigováno někým jiným, linka, barva, textura se stávají autorovým faksimilním tiskem. Teoreticky nic nebrání vtisknutí osobnosti do plastických, grafických, obrazových projekcí, ve kterých Jak A Čtvrtek o splývat ("Moje kresba je přímým a nejčistším ztělesněním mých emocí," říká Matisse. L'Aventure du XX siècle. Paříž, 1998. S. 511).

Na druhé straně míra odcizení, kterou abstrakce umožňuje, přesahuje vše, co existovalo dříve. Obrazový designér suprematismu předpokládá ve svých schopnostech bezprecedentní uspokojení estetických potřeb.

Jako stylotvorný faktor abstrakce donekonečna rozšiřuje možnosti ztělesnění dvou protichůdných esencí: jedinečné a univerzální. Texty a umělecká díla všech dob naznačují, že autor v té či oné míře vždy mluvil o sobě, ale stále nikdy tak vědomě, důkladně a otevřeně jako ve 20. století.

V součtu faktorů (vynález fotografie, vědecké a kvazivědecké teorie barev a světla atd.), které určovaly hlavní vektor proměn umění moderní doby – pohyb od naturalismu k abstrakci, je na prvním místě individualizací kreativity - její přeměnou v přímou projekci osobnosti.

Přímá projekce temperamentní gestické malby se rodí v Americe. Vítězství nového umění v Americe se může zdát nečekané, pokud si vzpomeneme na rozhořčení Američanů, kteří v roce 1913 poprvé viděli velkou výstavu evropské avantgardy. Během války a poválečných časů Američané viděli, že investice do umění jsou spolehlivé a výnosné. Kdo si včas uvědomil ziskovost současného umění, měl šanci pohádkově zbohatnout (Peggy Guggenheim, Betty Parson aj.). Téměř všichni klasici evropské avantgardy se za války ve Spojených státech ocitli v pozici emigrantů. Nejznámějším z amerických abstraktních umělců je Pollock, student Mondriana, a jeho úspěchem je úspěch Betty Parson Gallery.

Na počátku 60. let se abstraktní umění vrátilo z Ameriky do Evropy v aktualizované podobě. "To se stává objevem," píše K. Millet, "pro ty, kteří ještě plně nerozvinuli své umělecké krédo... Nejprve se abstraktní umění (nejčastěji americké) studuje z reprodukcí." „Devad s humorem poznamenává, že když měl přístup k americké malbě pouze prostřednictvím fotografií časopisu Artforum, zvolil si pro svou práci formát poštovní známky, zatímco Vialla si naopak myslel, že Jackson Pollock používá velký formát, formát stále více zvětšuje. z jeho děl! Jen někteří, jako Devade nebo Buren a Parmentier, mohli vidět americkou malbu na vlastní oči“ (Mille K. Současné umění Francie. Minsk, 1995, str. 156).

První výstavy amerického malířství v Paříži byly uspořádány na počátku 60. let, nejreprezentativnější, „Umění reality“ (1968), konaná v Grand Palais, byla výhradně věnována abstraktnímu americkému umění. Americký vliv na evropské umění sahá až do studené války. Během těchto desetiletí byla horizontálně organizovaná demokratická struktura striktně proti vertikálně organizované komunistické. Abstraktní antinormativní umění, z velké části kvůli jeho odmítnutí v SSSR, se stává symbolem svobodné kreativity, která se staví proti figurativnímu normativnímu „socialistickému realismu“. Během studené války je centralizovaná struktura, která nemusí být pro intelektuála nutně levá nebo pravá, spojena s myšlenkou potlačení jednotlivce. Na státní úrovni jsou ztělesněním ideálně organizované struktury obří vojenská monstra stojící proti sobě, hrozící smrtí všeho živého. Možná zde jsou podvědomé původy nových trendů v abstraktním umění – tendence k rozkladu a decentralizaci. Tyto pocity jsou ztělesněny v americké celoplošné malbě, která eliminuje kompozici obrazového rámu a mění malbu v barevné pole nebo jednoduše v malovaný povrch (Color Field, Hard Edge, Minimal Art).

Polycentrický stav uměleckého prostoru předpokládá autonomní existenci silné tvůrčí osobnosti, která si sama dokáže etablovat vlastní individuální styl, metodu, směr (připomeňme, že v 50. letech byli největšími mistry prvního stupně avantgardy stále pracují A. Matisse, A. Derain, J. Marriage, P. Picasso atd.).

V druhé polovině 50. let se objevila první abstraktní socha vybavená „elektronickým mozkem“, Cysp I Nicola Schöffer. Alexander Kalder si po úspěšných „mobilech“ vytváří vlastní „stáje“. Vzniká jeden ze samostatných směrů abstrakcionismu – op art.

Ve stejné době se téměř současně v Anglii a USA objevily první koláže využívající etikety sériově vyráběných produktů, fotografií, reprodukcí a podobných předmětů nového stylu pop art. Na tomto pozadí se zdá úspěch skromného expresionisty Bernarda Buffeta nečekaný. Jeho styl (definice forem, vyvážená kompozice) koreluje s takovými jevy jako Ikarův pád Picasso v paláci UNESCO, abstraktní obrazy F. Hundertwassera, monumentální styl K. Klapka, monochromní návrhy M.E. Viera da Silva.

Jeden z prvních pokusů o strukturální analýzu postklasické umělecké kreativity patří Umbertu Ecovi. Gestická malba J. Pollocka podle Eca ponechává divákovi naprostou svobodu interpretace. Srovnáním takové malby s „mobily“, sémantickými hrami poezie a hudebními kompozicemi konce 50. let se Eco snaží identifikovat společnou strukturu „volné exploze“, ve které, jak věří, dochází k „fúzi prvků podobných který používá tradiční poezie v celé své kráse, když zvuk a význam, konvenční význam zvuku a emocionálního obsahu, splývají v jedno. Tato fúze je to, co západní kultura považuje za rys umění: estetický fakt,“ píše Eco U. L'Oeuvre ouverte. Paříž, 1965. Citát. Podle: L"Aventure de l"art au XX-e siecle. Paříž, 1988. R. 597).

Umění 60. let je explozí inovací a konečným uznáním různých nekonvenčních fenoménů, které se objevily v 50. letech, muzei.

Slavná newyorská malířská škola, která se v 50. letech stala nejvyšší autoritou ve svém oboru, začala apelem na abstrakci svých zakladatelů: J. Pollocka, M. Rothka, W. Kooninga. Až do druhé poloviny 40. let zůstala americká malba nevýrazná. Jeho provincialismus a konzervatismus neobsahoval nic konkrétního, kromě určité zdrženlivosti, chladu a askeze. Později se toto dědictví puritanismu dostalo do stylu abstraktního expresionismu.

Kromě zmíněných zastupují americkou malbu 50. let jména B. Diller, A. Reinhardt, M. Tobey, B. W. Tomlin, K. Steele, F. Klin, A. Gottlieb, B. Newman, G. Hoffman, J. Albers, R. Crawford. Americká malba 50. let s jasným rozdílem ve směrech a individuálních způsobech demonstruje jasnost, jistotu, jednoznačnost a sebevědomí. Někdy s určitou nadbytečností nabývající agresivního charakteru. Umělci této generace vědí, co chtějí, jsou si jistí a pevně prosazují své právo na sebevyjádření.

V malbě 60. let z tohoto období zůstala nejméně agresivní, statická forma – minimalismus. Zakladatel americké geometrické abstrakce Barnett Newman a v ještě zjevnější podobě A. Lieberman, A. Held, K. Noland a také o něco dříve B. Diller úspěšně rozvíjejí myšlenky neoplasticismu a suprematismu.

Nový směr americké malby, nazývaný „chromatická“ nebo „post-malířská“ abstrakce, pochází z horizontu fauvismu a postimpresionismu. Drsný styl, důrazně ostré obrysy děl E. Kellyho, J. Jungermana, F. Stelly postupně ustupují obrazům kontemplativní melancholické povahy.

Styl Helen Frankenthaler a Maurice Louise se vyznačuje měkkými konturami, jemnými barevnými nuancemi a nejasnými obrysy. Geometrická abstrakce se také přesouvá do rejstříku zaoblených forem (A. Liberman, A. Held).

Americká malba 70. let se vrací k figurativnosti. Věří se, že 70. léta jsou okamžikem pravdy pro americkou malbu, která je osvobozena od evropské tradice, která ji živila a stává se čistě americký. To, co se děje, vypadá takto, pokud vezmeme v úvahu, že abstrakce je cizí americkému „národnímu duchu“. Je příznačné, že odpor k abstraktnímu umění, které je ve své podstatě kosmopolitní a patří ke světové civilizaci, zpravidla vzešel a pochází od kolektivistických ideologií potlačujících jednotlivce.

Z hlediska pokračující proměny stylu (od rigidního geomorfismu k biomorfismu) je třeba probíhající změny interpretovat naopak jako odklon od základních puritánských ctností - askeze, rozhodnosti, pevnosti, jistoty.

Předpokládá se, že americká malba 70. let je více „oduševnělá“ než „duchovní“. „Malba sedmdesátých let,“ píše Barbara Rose, „je ve skutečnosti nejen pestřejší, heterogennější a pluralitnější než malba šedesátých let, ale je také mnohem intimnější, poetičtější a osobnější. Malba je opět plná jedinečného a subjektivního obsahu“ (Rose B. La peinture americaine le XX ciecle. Paris Curych, 1992. S. 126).

V malbě 80. let vidí téměř úplný „návrat k estetice realistického umění“. Navzdory návratu tradičních forem, od portrétu k historii a žánrové malbě, však nemizí nic, co se objevilo v předchozích desetiletích. Není překonána abstrakce, ale její kanonizace, zákazy figurativního umění, „nízkých“ žánrů, společenských funkcí umění.

Styl abstraktní a abstraktně figurativní malby zároveň získává dříve nepřítomnou měkkost proudnicové objemy, neostré kontury, bohatost polotónů, jemné barevné odstíny (srov. díla E. Murraye, G. Stefana, L. Riverse, M. Morley, L. Chese, A. Byalobroda). Tvrdý styl nezmizí úplně; ustupuje do pozadí a nadále existuje v tvorbě geometrů a expresionistických umělců starší generace (H. Buchwald, D. Ashbaugh, J. Gareth aj.).

Malba jako prostředek sebevyjádření není horší než hudba v ztělesnění „nevyjádřitelného“ a v případě potřeby může být konkrétnější než slovo. Malba, která má ve své celistvosti kreslicí prostředky a plastické schopnosti sochy, obnovuje iluzi skutečného a fantastického prostoru, výrazně převyšuje sochu ve schopnosti manipulovat s objemy, má malba svůj jedinečný prostředek - barvu.

Možnosti barev, které odhalili francouzští impresionisté, se ještě rozšířily s nástupem malby do abstrakce. Názor, že dnešní malba je anachronismus, existuje proto, že naše století je stoletím hudby, a také proto, že si při přemýšlení o malbě představí namalované plátno natažené na nosítkách, pokryté vrstvou barvy a laku, jakési muzeum vystavovat.. Malování je ale proces, svět otevřených možností, zamrzlých okamžiků, objevování se vytoužených obrazů, dobrodružství, konfrontace, reflexe, osvobození od nadbytečnosti, doplňování nedostatečnosti, akt sebepotvrzení a přímá projekce intuice, ukázka mistrovství a možnosti objevování. Zvláště dobře to vědí ti, kteří měli to štěstí, že mohli tuto příležitost při vstupu do světa abstraktní malby svobodně realizovat.

WASILY KANDINSKÝ. PORTRÉT NINY MANŽELKY WILLEM DE KUNING. ABSTRAKCE

Seuphor M. Dictionaire de la peinture abstrite. Paříž, 1957
Ponente N. Moderní malba. Současné tendence. 19401960. Skira, 1960
Vallier D. Abstraktní umění. Paříž, 1967
Umění 1998. Chicago na Navy Pier. Chicago, 1998

Najděte "ABSTRAKTIONISMUS" na

Abstraktní umění abstraktní umění

(abstraktní umění), směr v umění 20. století, který v malbě, sochařství a grafice odmítá zobrazovat skutečné předměty a jevy. Vzniklo v 10. letech, koncem 40. let - začátkem 60. let. patřil k nejrozšířenějším uměleckým směrům. Některá hnutí abstraktního umění (suprematismus, neoplasticismus), odrážející hledání v architektuře a uměleckém průmyslu, vytvářela uspořádané struktury z linií, geometrických tvarů a objemů, jiná (tachismus) se snažila vyjádřit spontánnost, nevědomí kreativity v dynamice skvrn, popř. svazky.

ABSTRACT ART (abstraktní umění, neobjektivní umění (cm. NEOBJEKTIVNÍ UMĚNÍ), nefigurativní umění), soubor trendů ve výtvarném umění 20. století, které nahradily přímou reprodukci přírodní reality obrazovými a plastickými znaky a symboly či „čistou“ hrou uměleckých forem. „Čistá“ abstrakce by měla být vnímána podmíněně, protože i v těch nejabstraktnějších obrazech z konkrétní přírody lze vždy uhodnout určité objektové figurativní motivy a prototypy - zátiší, krajina, architektura atd.
Umění ornamentu vždy sloužilo jako stálá zásobárna tohoto druhu forem. Důležitými historickými předchůdci abstraktního umění byla také dávná fascinace umělců anamorfózami (neboli „náhodnými“ obrazy), které byly rozeznatelné v přírodních texturách (například v řezech minerálů), stejně jako princip non-finito, které vzniklo v renesanci (cm. NEDOKONČENÉ)(vnější neúplnost, umožňující obdivovat hru linií a barev bez ohledu na dějové formy). Převážně ornamentální umění islámu, stejně jako dálněvýchodní kaligrafie, které osvobozovaly štětec od nutnosti neustále napodobovat vnější přírodu, se po celý středověk vyvíjelo neobjektivním směrem. V Evropě, v době romantismu a symbolismu, tedy v 19. století, umělci někdy, obvykle ve fázi skic, ale někdy v hotových dílech, odešli do světa nefigurativních vizí (jedná se o individuální fantazie zesnulý J. M. W. Turner (cm. TURNER William) nebo skici G. Moreau); ale to byly jen ojedinělé výjimky a rozhodující zlom nastal až na počátku 10. let.
Umění "velké spirituality"
První skutečné abstraktní obrazy vznikly v letech 1910-1911. V. V. Kandinskij (cm. KANDINSKÝ Vasilij Vasilievič) a Čech F. Kupka (cm. KOUPIT František) a již v roce 1912 první z nich své tvůrčí objevy podrobně zdůvodnil v programovém eseji „O duchovnu v umění“. V následujících 12 letech došlo k dalším mezníkům: kolem roku 1913 M. F. Larionov (cm. LARIONOV Michail Fedorovič) a N. S. Gončarová (cm. GONCHAROVA Natalia Sergeevna) přešel k abstraktnímu umění z futurismu (Larionov nazval novou metodu „rayonismus“); K podobnému posunu přitom došlo i v tvorbě Itala G. Balla (cm. BALLA Giacomo). V letech 1912-1913 zrodil se nesmyslný „orfismus“ R. Delaunaya (cm. Delaunay Robert) a v letech 1915-1917. - přísnější, geometrická verze abstraktního umění vytvořená K. S. Malevičem (cm. MALEVICH Kazimír Severinovič) v Rusku (suprematismus) a poté P. Mondriana (cm. MONDRIAN Piet) v Nizozemsku (neoplasticismus). V důsledku toho se vytvořilo experimentální pole, kde se protínaly téměř všechny tehdejší avantgardní styly, od futurismu po dada.
Okamžitě se objevily tři směry abstraktní kreativity: 1) geometrický; 2) ikonické (tj. zaměřené na symboly nebo piktogramy); 3) organický, sledující rytmus přírody (v Rusku byl největším zastáncem takové abstraktní organice především P. N. Filonov (cm. FILONOV Pavel Nikolajevič)). Taková klasifikace se však týká pouze vnějších, formálních rysů, protože všechny verze raného abstraktního umění byly tak či onak symbolické a všechny byly tak či onak inspirovány „kosmickými rytmy“ přírody. Delaunayův orfismus, založený na škále čistých barev, vytvořil zvláštní směr, který lze konvenčně nazvat „chromatický“.
Za formálními rozdíly se skrývala podobnost vnitřního obsahu. Po zkušenostech se silným vlivem teosofie a podobných mystických hnutí (tj. vliv takových autorů jako H. P. Blavatsky (cm. BLAVATSKAYA Elena Petrovna) a její následovníci, stejně jako P. D. Uspensky (cm. USPENSKY Petr Demyanovich) v Rusku a M. Schoenmaekers v Nizozemí), Kandinskij, Kupka, Malevič a Mondrian byli přesvědčeni, že jejich obrazy, kde starý svět zřetelně mizí v kosmickém „nic“, představují uměleckou apokalypsu nebo jinými slovy ukazují divákovi ten práh, za kterým se otevírá nová „éra velké spirituality“ (Kandinsky) a „uvádí svět do prosperity“ (Filonov). Nástup období válek a revolucí tato romanticko-idealistická přesvědčení jen posílil.
Design a texty
Ve dvacátých letech 20. století abstraktní umění, které si zachovalo svůj utopický základ (ale už ne tak „apokalyptické“), se stalo praktičtějším a méně mystickým. „Bauhaus (cm. BAUHAUS)„v Německu aktivně ovládl svůj tvůrčí potenciál (především v jeho geometrické verzi) aktualizovat design a s ním i společenský život obecně. Abstrakce se začala zavádět do života, včetně módy (například S. Delaunay-Turk (cm. Sonia DELONE) používal motivy z obrazů svého manžela k navrhování látek, interiérů a dokonce i aut). Bylo to abstraktní umění, které mocně přispělo k utváření toho, čemu se začalo říkat „moderní styl“ dekorativního umění. Neobjektivnost byla zase aktivně osvojována v sochařství, stojanovém i monumentálně-dekorativním (H. Arp (cm. ARP Hans (Jean)), C. Brancusi (cm. BRANCUZI Constantin), N. Gabo (cm. GABO Naum Abramovich), A. Pevzner atd.). Aktivity francouzského sdružení „Abstraction-creation“ přispěly k přechodu abstraktního umění od filozofických utopií ke kontemplativním a lyričtějším obrazům.
Avšak konečně nový, čtvrtý směr tohoto umění, t. zv. „lyrický abstrakcionismus“ (který se stal osobním, svým způsobem konfesijním sebevyjádřením umělců) se formoval o něco později, ve 40. letech 20. století. v NYC. Byl to abstraktní expresionismus, kterému dominoval velmi velký, texturovaný tah štětce, jako by byl spontánně vržen na plátno (J. Pollock (cm. POLLOCK Jackson), W. de Kooning (cm. KUNING Willem), atd.). Dramatické napětí, které je mnohým z těchto věcí vlastní, dostalo v západní Evropě ve 40. a 50. letech nový rozměr. ještě tragičtější charakter v tzv. „informelní (cm. INFORMEL)"(Vols, A. Tapies, J. Fautier), zatímco v Tachisme (cm. TACHISMUS) Naopak převládal princip major-epický či impresionisticko-krajinářský (J. Mathieu, P. Tal-Coat, H. Hartung aj.); Zpočátku byla ohniskem obou těchto směrů (jejichž názvy se někdy používají jako synonyma) Paříž. Ve stejném období došlo také ke sbližování abstraktního umění s kaligrafií Dálného východu (např. v díle Američana M. Tobyho a Číňana Zao-Wukiho působícího ve Francii).
Mezi undergroundem a slávou
K oficiálnímu uznání abstraktního umění na Západě došlo v polovině 20. století, v době dominance mezinárodního stylu v architektuře (neobjektivní – obrazové či sochařské – formy značně oživily monotónnost sklobetonových konstrukcí). Paralelně s tím vznikla móda „color field painting“, zkoumající výrazové možnosti velkých, rovnoměrně (nebo s mírnými tonálními odchylkami) malovaných barevných ploch (B. Newman, M. Rothko (cm. ROTKO Mark)), a v 60. letech 20. století. - pro ostré kontury „Hard-Edge“ nebo „malování jasných hran“. Později již abstraktní umění zpravidla nebylo stylově izolováno a splývalo s pop artem, op artem a dalšími postmoderními směry.
V sovětském Rusku se abstraktní umění po dlouhou dobu (od 30. let 20. století) skutečně vyvíjelo v podzemí, protože bylo oficiálně považováno za ohnisko „reakčně-formalistických vlivů Západu“ (příznačně slova „abstrakce“ a „modernismus“ byla často používané v sovětském tisku jako synonyma). V období „rozmrazování“ mu architektura sloužila jako jakési odbytiště, ve svém designu často zahrnovala abstraktní nebo poloabstraktní kompozice. Nové ruské abstraktní umění, které se dostalo na veřejnost v letech perestrojky, demonstrovalo bohatou škálu různorodých trendů (především v malbě a grafice), které jedinečně navazovaly na počátky rané ruské avantgardy. Mezi jeho uznávané mistry (1960-90) patří E. M. Beljutin (cm. BELYUTIN Eliy Michajlovič), Yu. S. Zlotnikov, E. L. Kropivnitsky (cm. KROPIVNITSKY Jevgenij Leonidovič), M. A. Kulakov, L. Ya, Masterkova, V. N. Nemukhin (cm. NEMUKHIN Vladimir Nikolaevič), L. V. Nusberg (cm. NUSBERG Lev Valdemarovič), V. L. Slepyan, E. A. Steinberg (cm. STEINBERG Eduard Arkadevich).

encyklopedický slovník. 2009 .

Podívejte se, co je „abstraktní umění“ v jiných slovnících:

- (z lat. abstractus abstract), abstrakcionismus, neobjektivní umění, nefigurativní umění, modernistické hnutí, které zásadně opustilo zobrazování skutečných předmětů v malbě, sochařství a grafice. Program… … Encyklopedie umění

Abstraktní umění- Abstraktní umění. V.V. Kandinského. Složení. Vodové barvy. 1910. Národní muzeum moderního umění. Paříž. ABSTRACT ART (abstract art), směr v avantgardním (viz Avantgardní) umění 20. století, odmítající... ... Ilustrovaný encyklopedický slovník

- (neobjektivní, nefigurativní) směr v malbě 20. století, který upustil od zobrazování podob reality; jeden z hlavních avantgardní trendy. První abstrakt díla vytvořil v roce 1910 V. Kandinsky a v roce 1912 F. Kupka... Encyklopedie kulturních studií

- (abstrakce), směr v avantgardním (viz Avantgarda) umění 20. století, který odmítá zobrazovat skutečné předměty a jevy v malbě, sochařství a grafice. Vznikl v 10. letech, patřil k nejrozšířenějším... ... Moderní encyklopedie

- (abstraktní umění, neobjektivní umění, nefigurativní umění), soubor trendů výtvarné kultury 20. století, nahrazující naturalistickou, snadno rozpoznatelnou objektivitu víceméně volnou hrou linií, barev a tvarů (zápletka a předmět...... Velký encyklopedický slovník

Podstatné jméno, počet synonym: 1 abstrakce (2) Slovník synonym ASIS. V.N. Trishin. 2013… Slovník synonym

abstraktní umění- směr v malbě, sochařství a grafice dvacátého století, abstrakcionismus Kandinsky zvláště rád srovnává malbu s hudbou, a proto je abstraktní umění z jeho pohledu extrakcí čistého zvuku (Reinhardt) ... Populární slovník ruského jazyka

Abstraktní umění, neobjektivní umění, nefigurativní umění, hnutí v umění mnoha, především kapitalistických, zemí, které zásadně opustilo jakékoli náznaky zobrazování skutečných předmětů v malbě... ... Velká sovětská encyklopedie

Národní muzeum moderního umění. Paříž... Collierova encyklopedie

Abstrakce (latinsky „abstractio“ odstranění, rozptýlení) je směr nefigurativního umění, který upustil od zobrazování forem blízkých realitě v malbě a sochařství. Jedním z cílů abstraktního umění je dosáhnout „harmonizace“... Wikipedie

knihy

• Gleb Bogomolov, Nefigurativní, „abstraktní“ umění – které je dobře známé profesionálům i seriózním divákům – je částečně mýtus. Každý umělec maluje pouze realitu. Existuje však realita a realita... Kategorie:

Krása okolního světa, zážitky a významné události v životě od pradávna podněcovaly lidi k předávání vizuálních obrazů pomocí barev. Malířství urazilo dlouhou cestu od skalních maleb a starověkých fresek k jedinečným uměleckým dílům, která ohromují realismem.

Ke konci 19. století začali někteří umělci hledat nové způsoby vyjádření a snažili se do svých děl vnést nekonvenční pohled a novou filozofii. Od té doby už dokonalé zvládnutí techniky nestačilo.

Na přelomu století se tak objevilo hnutí zvané „modernismus“ se svou vlastní revizí klasického umění, výzvou pro zavedené estetické kánony. V jeho rámci se vyvinulo zcela zvláštní hnutí – abstrakcionismus.

Definice pojmu

Latinské slovo abstractio se do ruštiny překládá jako „rozptýlení“. Byl použit k definování nového stylu malby, který se objevil na počátku 20. století. Nebyl použit náhodou, protože abstraktní umělci, aniž by přikládali velký význam úrovni provedení, stavěli do popředí autorovu zvláštní vizi a nové výrazové prostředky.

Jinými slovy, abstrakcionismus je specifický druh výtvarného umění, který odmítá zprostředkovat skutečné formy a předměty. Proto bývá charakterizováno jako nefigurativní nebo neobjektivní umění.

Namísto zprostředkování vizuálních obrazů se abstrakcionisté zaměřují na zobrazování vnitřních, intuitivních vzorců chápání světa, které se skrývají za viditelnými předměty.

Z tohoto důvodu je nemožné najít v jejich dílech asociace se známými věcmi. Hlavní roli zde hraje vztah barev, skvrn, geometrických tvarů a linií. Kromě umělců se o umění abstrakce začali zajímat i někteří sochaři, architekti, designéři, hudebníci, fotografové a dokonce i básníci.

Historické milníky

Wassily Kandinsky je považován za zakladatele abstraktního umění. V roce 1910 namaloval svůj první obraz v Německu tehdy novou technikou. Navíc v roce 1911 vyšla v Mnichově Kandinského kniha „O duchovním umění“.

Nastínil v něm svou estetickou filozofii, která se zformovala pod vlivem děl R. Steinera a E. Blavatské. Kniha měla obrovský úspěch a nové hnutí v malbě se nazývalo „abstrakcionismus“. To se stalo výchozím bodem: neobjektivní přístup ke kreativitě si nyní získal oblibu v různých druzích výtvarného umění.

Navzdory skutečnosti, že původem abstraktního umění byli ruští umělci jako V. Kandinskij a K. Malevič, v Sovětském svazu 30. let byl nový směr ostrakizován. Během druhé světové války se Amerika stala centrem abstraktního umění, kam se mnozí její představitelé přistěhovali z Evropy. Zde bylo již v roce 1937 otevřeno Muzeum neobjektivní malby.

Poválečné abstraktní umění prošlo několika fázemi vývoje, včetně oživení nefigurativního umění v Rusku s počátkem perestrojky. Umělci měli konečně možnost vytvářet obrazy v různých směrech. Své osobní subjektivní zážitky přenášeli na plátna pomocí barev, zejména bílé, která se stala jednou z hlavních součástí moderního nefigurativního umění.

Směry abstrakcionismu

Od prvních let vzniku nového typu vizuální kreativity se v jejím rámci začaly rozvíjet dva hlavní směry: geometrický a lyrický. První se odrazil v dílech Kazimira Maleviče, Petera Mondriana, Roberta Delaunaya aj. Lyrickou režii rozvinuli Wassily Kandinsky, Jackson Pollock, Hans Hartung ad.

Geometrický abstrakcionismus využívá uspořádané obrazce, roviny a linie, lyrický abstrakce naopak operuje s chaoticky rozptýlenými barevnými skvrnami. Na základě těchto dvou směrů se postupně formovala další hnutí spojená s abstrakcionismem jediným estetickým konceptem: systematismus, konstruktivismus, suprematismus, orfismus, tachismus, neoplasticismus, rayonismus.

Rayonismus a texty písní

Objevy v oblasti fyziky na počátku 20. století posloužily jako impuls pro vznik takového pohybu v rámci geometrického směru, jakým je rayonismus. U jeho zrodu stáli ruští umělci M. Larionov a N. Gončarová. Podle jejich představy je jakýkoli předmět souhrnem paprsků, které jsou na plátně přenášeny šikmými barevnými liniemi. Úkolem umělce je vytvořit z nich formu v souladu s vlastní estetickou vizí.

A v 50. letech minulého století geometrická abstrakce, včetně Rayonismu, dočasně ustoupila lyrickému směru. Vyznačuje se improvizačním provedením a apelem na emocionální stav umělce. Jinými slovy, lyrický abstrakcionismus je druh snímku emocionálních zážitků člověka, vytvořený bez zobrazování objektů a forem.

Kandinského geometrická lyrika

Jak již bylo uvedeno, styl abstraktního umění vděčí za svůj vzhled V. Kandinskému. V přípravě na kariéru právníka se následně začal zajímat o malbu a poté, co prošel fázemi fascinace různými trendy modernismu, vytvořil svůj vlastní, jedinečný typ abstraktní malby.

Poté, co Kandinsky prohlásil odklon od přírody k podstatě jevů, zabýval se problémy spojení barev a hudby. V jeho díle je navíc dobře patrný vliv symbolismu ve vztahu k barevné interpretaci.

V různých obdobích svého života měl umělec rád buď geometrický nebo lyrický směr. V důsledku toho abstrakcionismus v Kandinského malbě, zejména pozdního období, kombinuje principy obou směrů.

Neoplasticismus od Petera Mondriana

Holanďan P. Mondrian je spolu s V. Kandinským považován za jednoho ze zakladatelů abstraktního umění. Spolu se svými následovníky založil umělec v roce 1917 společnost „Style“, která vydávala stejnojmenný časopis.

Mondrianovy estetické názory vytvořily základ nového směru – neoplasticismu. Jeho charakteristickým rysem je použití velkých obdélníkových rovin, natřených v primárních barvách spektra. To lze jistě klasifikovat jako geometrické abstraktní umění.

Obrazy Mondriana P., posedlého rovnováhou horizontál a vertikál, jsou plátna skládající se z obdélníků různých velikostí a různých barev, oddělených tlustými černými linkami.

Neoplasticismus měl znatelný vliv na architekturu, nábytek a interiérový design a také na typografické umění.

Malevičův suprematismus

Abstrakce v umění Kazimira Maleviče se vyznačuje určitou technikou nanášení dvou vrstev barvy za účelem získání zvláštního druhu barevné skvrny. Umělcovo jméno je spojeno se vznikem suprematismu - hnutí, které kombinuje nejjednodušší geometrické tvary různých barev.

Malevich vytvořil svůj vlastní jedinečný systém abstraktního výtvarného umění. Jeho slavný „Černý čtverec“, malovaný na bílém pozadí, je dodnes jedním z nejdiskutovanějších obrazů abstraktních umělců.

Na sklonku života se Malevich vrátil od nefigurativní malby k malbě figurativní. Je pravda, že v některých obrazech se umělec stále snažil kombinovat techniky realismu a suprematismu, jak je vidět na obraze „Dívka s pólem“.

Nepopiratelný příspěvek

Postoje k neobjektivní malbě se značně liší: od kategorického odmítání po upřímný obdiv. Přesto nelze popřít vliv, který měl žánr abstraktního umění na moderní umění. Umělci vytvořili nové směry, z nichž architekti, sochaři a designéři čerpali nové nápady.

A tento trend pokračuje. Například v moderní neobjektivní malbě se rozvíjí dějový směr, který se vyznačuje konstrukcí obrazu, který vyvolává určité asociace.

Někdy si ani nevšimneme, kolik předmětů vyrobených touto technikou nás obklopuje: nábytek a jeho čalounění, šperky, tapety na plochu atd. Abstraktní techniky jsou také široce používány ve Photoshopu a počítačové grafice.

Abstrakcionismus je tedy umělecký fenomén v umění, který bez ohledu na náš postoj k němu zaujímá v moderní společnosti důležité místo.

Abstrakce je styl nebo směr v malbě. Abstrakce nebo abstraktní žánr znamená odmítnutí zobrazovat skutečné věci a formy. Abstrakce je zaměřena na vyvolání určitých emocí a asociací v člověku. Pro tyto účely se malby v abstraktním stylu snaží vyjádřit harmonii barev, tvarů, linií, skvrn a tak dále. Všechny tvary a barevné kombinace, které se nacházejí v obvodu obrazu, mají myšlenku, svůj výraz a význam. Bez ohledu na to, jak se to divákovi může zdát, při pohledu na obraz, kde kromě čar a skvrn není nic, vše v abstrakci podléhá určitým výrazovým pravidlům.

Dnes je abstrakce tak široká a rozmanitá, že se sama dělí na mnoho druhů, stylů a žánrů. Každý umělec nebo skupina umělců se snaží vytvořit něco svého, něco zvláštního, co by nejlépe zasáhlo pocity a pocity člověka. Dosáhnout toho bez použití rozpoznatelných postav a předmětů je velmi obtížné. Z tohoto důvodu si plátna abstraktních umělců, která skutečně vzbuzují zvláštní vjemy a žasnou nad krásou a výrazností abstraktní kompozice, zaslouží velkou úctu a umělec sám je považován za skutečného génia malby.

Předpokládá se, že abstraktní malba byla vynalezena a vyvinuta velkým ruským umělcem. Jeho následovníci byli také, kteří nejen zkoumali filozofii abstraktního umění, ale také vyvinuli nový směr v tomto žánru - rayismus. dále „zdokonalil“ techniku ​​abstrakce, dosáhl úplné neobjektivity, která se nazývala suprematismus. Neméně slavní abstrakcionisté byli: Piet Mondrian, Mark Rothko, Barnett Neumann, Adolph Gottlieb a mnoho dalších.

Abstraktní malba, která doslova vyhodila do povětří umělecký svět a stala se symbolem začátku nové éry. Tato éra znamená úplný přechod od rámců a omezení k úplné svobodě projevu. Umělec již není ničím vázán, dokáže malovat nejen lidi, všední a žánrové výjevy, ale dokonce i myšlenky, emoce, vjemy a využít k tomu jakoukoli formu vyjádření. Abstraktní umění jako malba osobní zkušenosti zůstávalo dlouho pod zemí. Stejně jako mnoho jiných žánrů malby v historii bylo zesměšňováno a dokonce odsuzováno a cenzurováno jako umění bez jakéhokoli významu. Postupem času se však pozice abstrakce změnila a nyní existuje na stejné úrovni jako všechny ostatní formy umění.

V. Kandinsky - Několik kruhů

V. Kandinskij – Skladba VIII

Willem de Kooning - Složení

Vznik abstraktního umění:

Abstrakcionismus jako hnutí vznikl na počátku 20. století. současně v několika evropských zemích. Uznávanými zakladateli a inspirátory tohoto hnutí jsou umělci Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Piet Mondrian, František Kupka a Robert Delaunay, kteří ve svých teoretických dílech a politických prohlášeních nastínili hlavní principy abstraktního umění. Jejich učení, které se lišilo v cílech a záměrech, bylo sjednoceno v jedné věci: Abstrakce jako nejvyšší stupeň rozvoje vizuální kreativity vytváří formy vlastní pouze umění. „Osvobozena“ od kopírování reality se mění v prostředek, který prostřednictvím různých obrazových obrazů zprostředkovává nepochopitelný duchovní princip vesmíru, věčné „duchovní podstaty“, „kosmické síly“.

Abstrakce jako umělecký fenomén měl obrovský vliv na formování a vývoj moderního architektonického stylu, designu, průmyslového, užitého a dekorativního umění.

Vlastnosti abstraktního umění:

Abstrakce (z latinského Abstractus - abstraktní) je jedním z hlavních uměleckých směrů v umění 20. století, ve kterém je struktura díla založena pouze na formálních prvcích - linii, barevné skvrně, abstraktní konfiguraci. Díla abstraktního umění jsou odpoutaná od forem samotného života: neobjektivní kompozice ztělesňují subjektivní dojmy a fantazie umělce, proud jeho vědomí, dávají vzniknout volným asociacím, pohybu myšlení a emocionální empatii.

Od příchodu abstraktního umění se v něm objevily dvě hlavní linie:

• První – geometrický nebo logická abstrakce, vytváření prostoru kombinací geometrických tvarů, barevných rovin, rovných a přerušovaných čar. Je ztělesněn v suprematismu K. Maleviče, neoplasticismu P. Mondriana, orfismu R. Delaunaye, v dílech mistrů postmalířské abstrakce a op artu;
• Druhým je lyricko-emocionální abstrakce, ve kterém jsou skladby organizovány z volně plynoucích forem a rytmů, je zastoupena tvorbou V. Kandinského, díly mistrů abstraktního expresionismu, tachismu a informálního umění.

Mistři abstraktního umění:

Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, František Kupka, Paul Klee, Piet Mondrian, Theo Van Doesburg, Loupežník Delaunay, Michail Larionov, Lyubov Popova, Jackson Pollock, Josef Albers a další.

Obrazy umělců: