Jídelní lístek
DomovZdraví

Časopis The Art of Drawing and Paint (DeAgostini). Nástroje ve sbírce

Umění kreslit a malovat 1

První číslo série časopisů o kreslení

Číselné přílohy: paleta, 4 barvy, štětec, 3 listy papíru.

V roce 2013 vyšla časopisecká série o kresbě od DeAgostiniho - The Art of Drawing and Paint. Tento článek obsahuje recenzi prvního čísla plus všechny spready z prvního čísla časopisu.

Umění kresby a malby č. 1- akvarelové barvy (4 barvy, název barvy je napsán na boku každé kyvety), bílá plastová paleta ve tvaru květiny, štětec na malování, bílý umělecký papír na kreslení (3 listy, silný, vys. kvalitní)..

Oficiální datum vydání prvního čísla série je 15.01.2013. A slibují až 100 pokojů celkem!

Deník má sponky, takže složka bude mít pravděpodobně kroužky. Složka vyjde s druhým číslem (plus s druhým číslem bude 5 barevných listů na kreslení).

Stojan (mini verze) a skicák se prodávají samostatně - cena je 299 a 699 rublů.

Náklad emise je 350 000 ks.

Barvy v místnosti jsou tak kvalitní. Pokud opravdu budeš kreslit, kup si normální. Ale obecně je zde samozřejmě důležitější inspirace, kterou časopis skutečně poskytuje.

K prodeji - zde číslo 1
A zde je obecná část seriálu.

Pro srovnání se podívejte také na recenzi 1. čísla Fabbriho staré kreslířské série - Veselý umělec.

Umění kresby a malby, číslo 1

Umění kresby a malby 1 - demo karton (obrovský formát).

Zadní strana demo kartonu.

Zadní strana balení s přílohami v čísle.

Umělecký papír, paleta, barvy, štětec.

Obálka 1. čísla seriálu časopisu.

Snadno se kreslí. První lekce - nakreslete jablko tužkou.

První lekce kreslení.

Dokončíme kreslení jablka.

Letní krajina- práce s barvami.

Lekce práce na krajině.

Konec lekce (na šířku).

Malování vodovými barvami.

Zátiší s ovocem.

Lekce - kreslení zátiší.

Dokončovací úpravy (zátiší).

Síla barev.

Kolážová váza s květinami.

Koláž, slovník.

Rubová strana časopisu je OZNÁMENÍ 2. čísla.

Příloha s datem vydání.

Paletka, 4 barvy v kyvetách, štětec.

Vyhlášení 2. čísla - bude složka na časopisy a 5 barevných listů na kreslení.

  • Veselý umělec
  • Umění kresby a malby
  • Německé kreslící potřeby: barvy a tužky, fixy, pastelky
  • Sada kreslení
  • Schipper
  • Umění kaligrafie
  • Smeshariki malba
  • Barevný karton se vzory
  • Kudrnaté nůžky a kreativní sady
  • Gel a lepidlo na ozdobu
  • Akrylové barvy
  • Hmyz a jeho přátelé č. 10 recenze
  • Hmyz a jeho přátelé č. 9 recenze
  • Umění kresby a malby (testovací série)
  • Dřevěný stolní stojan
  • Kresba: HODNĚ papíru, barvy a štětce

    Sesbírali jsme sérii Veselý výtvarník - tam byl časopis o dětském kreslení, bylo to jednodušší, tady to bylo spíš pro dospělé, nebo pro teenagery, bylo to složitější. A neexistují žádné různé „triky a gagy“, kterých bylo v The Merry Artist mnoho.
    Obecně jsme stále v myšlenkách... čísel je příliš mnoho – až 100! Malovat budete muset celé 2 roky. :-))

    Nakreslil jsem obrázky z tohoto časopisu. Zítra vyfotím a ukážu.

    Čekáme na obrázky!

    Bylo to namalováno barvami z časopisu nebo jinými?...
    Jaká je kvalita papíru ve srovnání s běžným akvarelem nebo papírem na kreslení?...
    Obecně je to skvělé - a je to pravda, vypadá to, že je docela možné se naučit kreslit.

    Cestovateli, dobře to dopadlo!!!

    Děkuji!
    Kvalita papíru VELMI DOBRÁ, jablíčko jsem nakreslil na obyčejný papír. Maloval jsem barvami z časopisu.

    Pardon, kde si mohu koupit číslo 1, byl jsem prostě příliš líný si to koupit?

    ještě nějaké jsou
    Ale pravděpodobně brzy skončí; první čísla nebudou v prodeji příliš dlouho.

    Velmi zajímavé. Rád bych se naučil dobře kreslit, ale kde mohu koupit chybějící čísla?
    Marina Vladimirovna

    Tady to je

    Ale neměli byste s nákupem otálet - stará čísla zmizí z prodeje a je velmi obtížné je později najít!

    Podíval jsem se na cenu: v Rusku to stojí 139 rublů a na Ukrajině to bude stát 100 rublů nebo 25 UAH. Myslím, že série vyjde v září, kdy začne školní sezóna, i když chápu, že série je zaměřena spíše na dospělé. Myslím, že cena za první číslo je v pořádku. Na Ukrajině si myslím, že první vydání bude stát 10 hřiven nebo 40 rublů, v Rusku je to 59.
    Viděl jsem 6 barev (mimochodem, tam jsou poměrně velké tuby), akvarelů plus podobnou nebo stejnou paletu plus štětec cena 6 UAH nebo 24 rublů. Ale tady je cena i za časopis a 3 listy papíru, takže 40 nebo 59 za tak levnou cenu.

    Rozhodně si myslím, že tato série je naprosto nedostatečná.
    Potřeby pro kreslení nestojí tolik; k dispozici ke koupi, v jakékoli kvalitě - s tím nyní nejsou žádné problémy;
    Nemůžete se naučit kreslit z časopisů - mluvím jako někdo, kdo dokončil umělecká škola od talentovaného učitele. Talent pro kreslení je dán od narození stejně jako hudební sluch – někdo ho má, někdo ne – v různé míře. Ti, co to mají, kreslí od narození a neumí kreslit - myslí v obrázcích, představují si v hlavě a snaží se vysvětlit na papíře - moje dcera v roce a půl nakreslila velrybu, neuměla pořádně mluvit . V umění jsem viděl ty, co studují poblíž - věřte, že je hned jasné - komu to dáno, komu není dáno (nepovažuji se za zvlášť nadaného, ​​kreslím - ale nejsem umělec, spíše designér )
    Ti, kterým Bůh nenadělil talent, nebudou moci kreslit – žádný časopis nepomůže. Všechny pokusy zopakovat to, co čtete, budou mizerné.

    Ano, opravdu se nemůžete naučit kreslit z časopisů, ale můžete se jednoduše naučit kreslit (zejména pro děti). Pravda, tento časopis stále není pro děti příliš zajímavý, je spíše pro dospělé a dospělý se může učit jak z dobrých knih, tak z kurzů.

    Píšu o dospělých, o publiku, kterému je časopis určen.
    Z mých pozorování by děti měl učit kreslit dospělý, kdokoli – maminka, tatínek, babička, nebo kroužkový učitel. Ti, jejichž matka se kamarádí s tužkou, umí dobře kreslit do 5 let. Ti, kteří v životě nevidí proces překládání obrázku na prázdný list papíru - do 7 let, to dopadá jako tříleté - soudím podle svých dětí a svých školkařů.
    A pro skutečnou výtvarnou techniku ​​zajděte k mistrovi - do ateliéru nebo umělecké školy. Opravdu jsem miloval výtvarné kurzy, 4 roky, 3x týdně, celé 3 hodiny – a nebavilo mě to – letěl jsem běhat.

    Také jsem vystudoval umění - ačkoli jsem studoval 6 let, a nakonec jsem to nemohl vydržet. Tam byl postižen zrak naprosto všech - rok od roku nosili brýle více, do 6. roku všichni a ti silní brýle. Tomu se říká odborné vzdělávání. V tom je samozřejmě plus - mohu snadno naučit děti kreslit :-) A ano, pokud někdo z mých příbuzných učí děti (každý den) - ani ne výuku, ale prostě ukazování jak a co - děti kreslí. snadno a úžasně. A moc rády kreslí :-) Barvy, tužky, alba a fixy kupuji v balení :-))

    Také jsem dokončil svou uměleckou práci, ale nemyslím si, že časopis je zbytečný. Talent se samozřejmě po přečtení časopisu nedostaví, ale pro všeobecnou erudici – proč ne? Když má člověk potřebu kreslit a dělá to pro sebe a baví ho to, koho to zajímá, že je to chudé? Ti, kteří mají rádi karaoke, také nemají vždy hlas a sluch (opět karaoke talent je k ničemu). A někdo se například naučí tančit valčík (nebo břišní tanec) - pro sebe, a ne proto, aby se stal profesionálním tanečníkem a vystupoval v soutěžích.

    Ano, málokdo potřebuje dosáhnout profesionální úrovně, ale pro všeobecný rozvoj můžete studovat z knih a časopisů.
    Tak jako dětská verze Víc se mi líbil Veselý výtvarník - tam byly zajímavější úkoly pro děti. To je pro starší děti, teenagery a dospělé.

    Když to bereme jen jako časopis ke čtení - 13 000 - 14 000 za komplet - není to moc? Existuje tolik knih pro obecný rozvoj, včetně kreslení!
    Tato publikace podle mého názoru nemá adekvátní kombinaci ceny a výhod. Pro mě je to spekulace o falešných nadějích. Přišel o zisk ve prospěch vydavatele, ale neuměl kreslit a nikdy se nenaučil, jen četl o kreslení (ale za spoustu peněz).

    No, naprosto souhlasím - za tyhle peníze se dá koupit celek regál sbírejte výborné knihy o kreslení, plus kupujte potřebné materiály (a nesbírejte 2-3 tuby za celý rok - nějaký nesmysl)... Co se týče kreslení - VŠECHNO jde na dračku, vezměte si to a učte se. Časopis je pro ty, kteří doufají, že ho to naučí... Tak to není, zázraky se nedějí, to se budete muset naučit sami. A je to jednodušší – z knih, ne z časopisů. Podle magazínu to vypadá na nějakou zábavu.

    Spíše než sbírat celou sadu – samozřejmě je lepší mít jednu dobrá kniha na kreslení. Tento rozhovor mi ale připomněl úvahu, že je lepší koupit jednu porcelánovou sběratelskou panenku než 80 dam té doby. Ale kupujeme :)

    :-)) Souhlasit. Stejné je to s dětskými časopisy – existují stovky skvělých knih, ale děti stále milují hloupé dětské časopisy a čekají na nová čísla.
    Dobré věci jsou jedna věc, ale sériově vyráběné a běžné věc druhá :-)) Dobré a sběratelské věci jsou na celý život; Možná po pár letech budete chtít zahodit všechny ty periodické nesmysly, ale... Možná nebudete chtít :-).

    Časopis se mi líbil

    A přesto výtvarné potřeby obsažené v časopise vůbec neublíží a nevidím na tomto časopise nic špatného. Samozřejmě se musíte naučit vážněji kreslit od odborníka, například na umělecké škole - můžete vystudovat Akademii umění, ale stejně se nenaučíte kreslit.

    Mám číslo 43, ale dokončil jsem to sebrání

    Ne, opravdu jsme nezačali sbírat, existuje spousta knih o kreslení. Bylo zakoupeno pouze několik čísel.

Níže představíme umělce, kteří jsou známí po celém světě díky své schopnosti kreslit běžnou břidlicovou tužkou. Každý z nich má svůj vlastní styl, osobnost a také oblíbená témata pro kreativitu. Kromě toho je jméno každého autora také odkazem na autorovu osobní online galerii, kde si můžete podrobněji prostudovat kresby tužkou a biografii každého z nich.
Při prohlížení obrázků si některých všimnete zajímavé funkce na obrázcích všech. Některé se vyznačují měkkými liniemi, hladké přechody světlý stín a zjednodušené tvary. Jiní naopak ve své kreativitě používají tvrdé linie a jasné tahy, které vytvářejí dramatický efekt.
Již dříve jsme na našich stránkách zveřejnili snímky některých mistrů. Zde je seznam článků, kde můžete vidět stejně atraktivní kresby tužkou.

  • Album neuvěřitelných ilustrací od Mattiase Adolfssona;

JD Hillberry

Přirozené schopnosti a silná touha upoutat pozornost na svou práci se u JD Hillberry objevily již v dětství. Touha a talent udělaly z mistra jednoho z nejlepších umělců kreslení tužkou na světě. Ještě během studií ve Wyomingu začal vyvíjet svou vlastní techniku ​​míchání uhlí a grafitu, aby získal fotografii realistický efekt ve svých kresbách. JD používá monochromatické světlo, aby přitáhlo divákovu pozornost prostřednictvím hry světla, stínu a textury. Během své kariéry se snažil jít za hranice realismu a výrazu. Po přestěhování do Colorada v roce 1989 začal Hillberry experimentovat s kresbami trompe l'oeil. Tradičně se tento typ práce provádí v oleji, ale úspěšně zprostředkoval realismus zápletky pomocí tužky. Divák při pohledu na takové obrazy je oklamán a myslí si, že objekt je v rámu nebo v okně, ačkoli ve skutečnosti jsou všechny tyto prvky nakresleny. JD Hillberry, který pracuje ve svém studiu ve Westminsteru v Coloradu, svými kresbami nadále rozšiřuje vnímání veřejnosti.

Brian Duey

Brian je jedním z nej úžasní umělci kresba tužkou, která krásně pracuje s tužkou a vytváří inspirativní umělecká díla. Zde je to, co říká o své práci a sobě:
"Jmenuji se Brian Duey. Narodil jsem se a vyrostl jsem v Grand Rapids v Michiganu. Navštěvoval jsem veřejnou školu v malé vesnici jménem Granville, kde jsem se poprvé seznámil s uměním. Nikdy jsem nepřemýšlel o závažnosti svého koníčka, ale zjistil jsem ve 20 letech mě lákalo kreslit tužkou. Seděl jsem sám doma a z nudy jsem se rozhodl vzít do ruky tužku a začít kreslit. Okamžitě jsem se do kreslení zamiloval a chtěl jsem to dělat pořád S každou kresbou jsem byl lepší a lepší. realistické kresby a přidat své vlastní koncepční nápady. Často dostávám otázku, co mě inspiruje a kde jsem se naučil kreslit. Mohu otevřeně říci, že jsem samouk.
Moje ilustrace byly publikovány v knihách a blahopřáních, na obalech CD a v různých časopisech. Komerční práci se věnuji od roku 2005 a za tuto dobu jsem získal klienty po celém světě. Většina mých objednávek pochází ze Spojených států, Velké Británie a Kanady, ale pracuji také se zákazníky z Irska. Moje obrazy byly vystaveny v galeriích po celých Spojených státech. V roce 2007 jsem byl požádán, abych namaloval portrét Britney Spears, který byl součástí umělecké galerie v Hollywoodu v Kalifornii. Tato událost byla pokryta na MTV a já jsem získal celosvětovou slávu. Nehodlám se tam zastavit a pokračovat v práci. Mám nové nápady a plány. Jedním z mých cílů do budoucna je vydat návod na kreslení.

T. S. Abe

Přestože jsme Abeho děl nenašli mnoho, z jejích ilustrací je zřejmé, že jde o umělkyni vysoké třídy. Umělec umí skvěle používat tužku a dovedně pomocí ní zobrazuje složité myšlenky vlastní metody. Abeho obrazy jsou harmonické a vyvážené, komplexní a zároveň jednoduše vnímatelné. Je jednou z nejtalentovanějších umělkyň kreslení tužkou naší doby.

Cesar Del Valle

Umělec ve svých dílech používá speciální unikátní techniku ​​kresby tužkou. Caesarovy ilustrace ukazují nejen jeho talent, ale odrážejí i autorovo jemné vnímání prostředí.

Henrik

Henrikovo dílo je vystaveno v Deviant Art Gallery. Jeho kresby jsou zajímavou ukázkou umění tužkou. Mistr zázračně používá černé a bílé tóny k přenosu originálních obrázků a neobvyklých nápadů.

Pokud je vaším dlouholetým snem naučit se kreslit jako skutečný umělec, ale nemáte čas chodit na uměleckou školu nebo peníze na najímání lektora, nezoufejte! Můžete studovat sami doma ve svém volném a vhodném čase. Hlavní je se důkladně připravit, protože vy sami budete vaším učitelem.

Nejprve musíte pochopit, jaké znalosti potřebujete ovládat. Rozhodující v samostudium mít správné knihy. V vzdělávací instituce Pro malíře jsou vyučovány tyto obory: kresba, malba, kompozice, barevná věda, anatomie a perspektiva. Pokud se rozhodnete studovat kurz kreslení samostatně, budete potřebovat sadu následujících učebnic.

Výkres

Základy pedagogické akademické kresby. Nikolai Lee.

Autor prezentuje celý akademický kurz, důsledně odhaluje všechny materiály osnovy umělecká škola. Krok za krokem si snadno osvojíte kreslení jednoduchých geometrických těles (krychle, válce, koule, kužele, jehlanu), které jsou podkladem pro návrhy jakýchkoliv složitějších předmětů jako jsou řecké vázy, hlavice, kusy nábytku, domy, lidské tělo. Z této knihy se naučíte základům lineární perspektivy, metodě konstruktivní konstrukce v kresbě, pojetí proporcí předmětů a jejich významu v kresbě a také znalostem plastické anatomie lidského těla.

Výkres. Skici a skici. V. K. Kuzin

Dělání náčrtů a náčrtků hraje důležitá role ve vývoji expresivity kresby, integrity vidění, schopnosti zprostředkovat proporce a hlavní rysy pózy. Tato kniha vám představí umělecké možnostičáry a skvrny, stejně jako s různými materiály, které lze použít pro skicování. Zde je spousta vzorových náčrtů. vynikající umělci. Kromě toho se naučíte roli skic při vytváření kompozice a osvojíte si techniky a schémata pro konstrukci skic a skic.

Hra světla a stínu pro umělce. Burne Hogarth

Z této knihy se dozvíte o všech druzích osvětlení a vlivu světla na materialitu. Získáte široký přehled o tom, co je černobílá kresba na rovině a jakou roli hraje světlo při modelování formy. Budete mít představu o kategoriích světla a stínu a o tom, jak světlo ovlivňuje expresivitu kompozice. Pochopíte také rozdíl mezi plochým rozptýleným světlem, měsíčním světlem, sochařským světlem, prostorovým světlem, fragmentovaným světlem, oslepujícím světlem, expresivním světlem. Celkově v tomto tutoriálu objevíte stovky definic světla a hlouběji porozumíte jeho funkci při kreslení.

Malování

Technika malba akvarelem. P. P. Revyakin

Tato kniha, vydaná v sovětských dobách, je univerzálním průvodcem akademické malířství. Poskytuje širokou představu o vlivu osvětlení na barvu a odhaluje takové základní pojmy v malbě, jako je vlastní a odražené světlo, teplota barev, šerosvit a místní barva předmětu. Tento tutoriál vás seznámí s citlivostí našeho vidění na barvy a různé typy barevné kontrasty. Dozvíte se, jaké materiály jsou potřebné při práci s akvarelovými barvami, stejně jako vlastnosti interakce různých pigmentů s papírem. Popisuje podrobnou metodiku pro klasickou metodu modelování tvaru objektů pomocí akvarelů a také uvádí pojetí perspektivy a plánů v malbě. Významná část knihy je věnována psaní architektonických struktur, takže bude užitečné číst i architektům.

Základy malby. Mogilevtsev V.A.

Tato kniha je určena pro profesionální portrétní trénink. Zde jsou základní znalosti o akademické olejomalbě v žánru portrétu. Zde je také popis seznamu potřebné materiály, fáze kresby štětcem na plátno, schéma detailů (oči, nos, rty). Zkoumá také barevné vztahy a výrazové prostředky malby. Kniha je rozdělena do 4 oddílů: hlava, portrét s rukama, postava, opis. V každé části autor podrobně popisuje všechny fáze práce od koncepce, vytvoření skici až po detaily a zobecnění. hotový portrét. Kromě této knihy má Mogilevtsev další dvě vynikající knihy, „Základy kreslení“ a „Náčrtky a naučná kresba“, které si také zaslouží pozornost a mohou sloužit jako alternativa k výše uvedeným učebnicím kreslení.

Kompletní kurz olejomalby. Hennes Ruissing

V této knize najdete popis materiálů pro olejomalbu, receptury základů, způsoby vytvoření rámu nosítka, jeho pokrytí plátnem a přilepení primerem. Autor předvádí všechny fáze práce: od skici až po vytvoření hotového výrobku. malování. Z této knihy se dozvíte, jak pracovat s paletovým nožem, jak se liší barvy impasto a glaze, jaké letecký pohled A . Zde jsou jednoduché příklady rozvoje technik olejomalby v hlavních žánrech. Kromě toho autor přináší představu o barevných kontrastech a jejich použití v malbě a také radí, jak se vyvarovat mnoha chyb při práci s barvami pro začátečníky.

Kurz malování akvarelem. Krajina za pár minut. Kate Fenwicková.

Pokud dáváte přednost vodovým barvám, pak vám tato kniha usnadní jejich zvládnutí krajinomalba. Obsahuje mnoho ilustrovaných příkladů. S jeho pomocí si osvojíte techniku ​​malování krajinných detailů, které jsou pro začátečníky někdy obtížné - voda, architektonické detaily, kameny, jednotlivé stromy. Autor podrobně zkoumá způsoby psaní různých atmosférických efektů, architektonických a horské krajiny, vyučuje různé techniky malování nebe, lesa, vody. Odhaluje tajemství své paletky, předvádí možnosti použití maskovací tekutiny a dává mnoho drobných praktických tipů.

Anatomie

Obrázek osoby. Gottfried Bammes

Bezpochyby nejlepší autor, kterého můžete ke studiu plastikáře najít. Bammes nejen profesionálně nastiňuje anatomii lidské postavy, ale také dává představu o obrazu postavy v rovině. Bohužel jeho nejlepší kniha Anatomie pro umělce nebyla přeložena do ruštiny. Proto každý, kdo nevlastní německý jazyk, Doporučuji, abyste se seznámili s těmito dvěma knihami v ruštině, „Obraz člověka“ a „Obraz člověka. Základy kresby ze života“, což je kompilace původní knihy v ruštině. První kniha je podrobným kurzem anatomie a poskytuje úplné pochopení stavby, proporcí lidského těla, obrazu statické a dynamické lidské postavy. Druhá kniha je věnována konkrétněji procesu kreslení postavy na rovině a umožní vám zvládnout různé cesty modelování tvaru lidského těla.

Květinová věda

Umění barev. Johannes Itten

Tato kniha je rozsáhlou prací o teorii barev. Seznámí vás s fyzikální podstatou barev, řekne vám o základech harmonie barev a poskytne vám úplné pochopení systému barev. Dozvíte se nejen o barevném designu, všech typech barevného kontrastu, barevné harmonii a teorii barevné expresivity, které jsou základem mnoha učebnic nauky o barvách, ale také si rozšíříte své chápání barev o hlubší znalosti. Autor se pouští do studia sémantiky barvy, subjektivního vnímání barev a prostorového působení světla na barvu. Kromě toho Itten věnuje pozornost teorii barevných dojmů, což je důležité zejména pro malíře, kteří se zajímají o realistické ztvárnění objektů ve světlovzdušném prostředí.

Složení

Základy kompozice. N. M. Sokolníková.

Přesto, že je tato učebnice určena pro žáky 5.-8.ročníku, dle mého názoru ano užitečná kniha pro začínající i zkušené umělce. Základy kompozice jsou zde prezentovány jednoduchou formou a jsou velmi dobře vybrány příklady, které jasně vyjadřují logiku kompozičního rozmístění objektů v rovině. Kniha seznamuje čtenáře s elementárními pravidly a prostředky kompozice, význam úhlopříček při přenosu pohybu, siločáry formátu, prostředky zvýraznění dějově-kompozičního středu, pravidlo zlatého řezu, symetrie a asymetrie. . V podstatě zde najdete vše, co je třeba vzít v úvahu při sestavování jakékoli kompozice, včetně praktických tipů, které se snadno naučíte a uplatníte.

S touto sadou učebnic se můžete vyrovnat s procesem učení se kreslit sami! Všechny tyto knihy lze snadno stáhnout na internetu, ale ještě lepší by bylo zakoupit jejich originály pro čtení na počítači. Na závěr ještě jedna rada – zkuste se obrátit především na metodickou literaturu akademických autorů a vyvarujte se povrchních paperbackových brožur s poutavým názvem, které zpravidla neposkytují systémové znalosti.

A umění kreslit je nejoblíbenější a informativní průvodce kreslením, který je zdrojem inspirace pro mnoho generací umělců. Autor jednoduchým, konstruktivním způsobem předává základní principy umění kresby. Pogeini navíc představuje kompletní anatomický popis každé části těla, včetně kosterních kostí a svalů. Kniha obsahuje mnoho ilustrací, které názorně demonstrují proces tvorby hotové kresby. Tato kniha bude užitečná pro každého umělce - začátečníka i zkušeného.

Účelem této knihy je ukázat cestu těm, kteří si přejí naučit se kreslit. Snažil jsem se jednoduchým konstruktivním způsobem zprostředkovat základní principy umění kresby. Pracujte v pořadí navrženém v lekcích. Začněte od bodu a postupujte k němu poslední strana. Výsledky vás mile překvapí!

Než začneme lekce kreslení, dovolte mi poradit:

Pamatujte, že vaše ruka je řízena vaším mozkem. Prostudujte si důkladně předměty, které chcete kreslit, pomůže vám to pracovat konstruktivněji.

Umění kreslení vyžaduje značné soustředění, ale delší soustředění může otupit vaše vnímání a tím snížit vaše schopnosti. Radím vám častěji odpočívat v práci, což vám umožní nejen relaxovat, ale také osvěžit vaši oslabenou pozornost.

Ujistěte se, že papír, na který budete kreslit, je čistý. Nikdy nedělejte lekce kreslení na špinavý nebo neudržovaný papír.

Pokud si všimnete, že je vaše kresba rozmazaná a špinavá, je lepší začít znovu na prázdném listu papíru nebo ještě lépe kresbu reprodukovat na listu pauzovacího papíru nebo vosku připevněného k kreslicímu papíru lepicí páskou. Nakreslete co nejdéle a snažte se kresbu sotva opravit. Poté zakryjte výsledný výkres novým listem pauzovacího papíru a pokračujte v učení se kreslit, přičemž nejprve proveďte potřebné opravy.

Tuto metodu používejte neustále, kopírujte a opravujte kresbu na prázdné listy pauzovacího papíru, dokud nebudete se svou prací spokojeni.

Uspořádejte všechny listy pauzovacího papíru s výkresy v pořadí, jeden po druhém. To vám umožní vidět krok za krokem, jak práce postupovala.

Kreslit středně měkkou tužkou. Do hodin kreslení bych navrhoval tužky s označením B, 2B.

Tužku držte pevně, ale lehce.

Tužku netlačte silou, nenechávejte s ní na papíře drážky.

Když kreslíte, je dobré se řídit například tím, že nahlas řeknete: „Tady se tato čára křiví zprava doleva..., nahoru nebo dolů,“ a tak dále. "Tato čára jde svisle, tato čára jde vodorovně a tato končí tady..."

Tato metoda se může na první pohled zdát hloupá, ale pomůže vám víc, než byste si mysleli.

Při kopírování kreseb z této knihy je zvětšete, což vám pomůže lépe detailovat detaily.

Vyhněte se poraženeckým postojům. Můžete dosáhnout čehokoli, co opravdu chcete.

Naučte se poctivě kreslit. Zpočátku se nesnažte být příliš chytrý. Než si vytvoříte svůj vlastní styl, musíte dokonale zvládnout techniku ​​kreslení. Hodně štěstí!

Podívejte se také na další tutoriály:

Natalia MARKOVÁ,
Vedoucí grafického oddělení
Státní muzeum výtvarných umění
jim. TAK JAKO. Puškin, Moskva

UMĚNÍ KRESLENÍ

Kresba je rozšířená forma umění a první, se kterou se člověk ve svém estetickém zážitku setkává. Může to znít pompézně, ale naše dětské klikyháky jsou důkazem obeznámenosti s uměním grafiky. Málokdo si vezme štětce a barvy, hlínu, kámen a dláta, ale tužky, vodové barvy a papír jsou věrnými společníky každého dětství. V dospívání pak vídáme obrazy a sochy v muzeích a grafika na dlouhou dobu mizí z našeho zorného pole, protože kvůli své velké citlivosti na světlo musí být uložena ve složkách v uzavřených skříních. Kresby se na výstavách objevují před divákem jen na krátkou dobu. A toto umění objevujeme a začínáme se s ním znovu seznamovat.

Nástroj pro objevování světa

Výkres - počáteční pohled výtvarné umění. V podobě toho nejjednoduššího lineární obraz, která má přípravný charakter, se nachází v nejstarších dílech člověka - v skalní malby Paleolit, objevený v jeskyních Lascaux (Francie) a Altamira (Španělsko).

Sochaři starověkého Egypta označili obrys budoucí sochy na kameni uhlem a začali na něm pracovat; Řečtí malíři váz ji také používali k přípravným účelům. Ve středověku byla tužka pro umělce nepostradatelným společníkem: ikonopisec s ní kreslil obrys kompozice na základní desku a miniaturista s ní kreslil ornamenty a náměty na pergamen budoucnosti. rukopis.

Villard d'Honnecourt. Fragmenty z „knihy vzorků“.
OK. 1235. Národní knihovna, Paříž

Čas nám přinesl unikátní památku středověké grafiky - album kreseb francouzského architekta Villarse d'Honnecourta ze 13. století. Na jeho stránkách jsou neobvyklé geometrické kresby postav postavených podle kánonů gotického stylu. Odhalují přísné poměry proporcí, podle kterých byly stavěny nádherné sochy zdobící fasády gotické katedrály. Ale ve všech uvedených příkladech máme co do činění s jednoduchým lineárním náčrtem, který je svou povahou neosobní (což odpovídalo struktuře těchto období kultury, která podřizovala osobnost univerzálním kategoriím).

O evropské kresbě můžeme mluvit jako o umění již od 15. století. Za posledních šest století velké množství umělci vytvořili moře kreseb, včetně mnoha mistrovských děl, které nejsou ve svém uměleckém významu horší než obrazy, fresky a památky.

Co se stalo, že dalo impuls rychlému rozvoji grafiky?

Rozvoj renesančního individualismu, vědomí umělce jako tvůrce, a nikoli bezejmenného vykonavatele vůle Boží, rozhodující obrat k pozemskému světu (i k člověku) a touha zachytit jeho krásu s maximální přesností a v veškerou jeho rozmanitost. Kresba se pro umělce stala mocným nástrojem při chápání světa, při studiu jeho různých podob – ať už jde o stavbu květiny nebo stavbu lidské postavy. A protože různí umělci viděli různé věci různým způsobem a vnímali a předávali i podobné motivy a předměty odlišně, jejich grafická díla se od sebe liší stejně jako autogramy zanechané mnoha lidmi. Způsob nakreslení čáry, použití stínování a umístění obrazu na rovinu je jedinečný pro každého velkého mistra, a proto je legitimní hovořit o autorově individuálním rukopisu v jeho kresbách.

K dosažení těchto nových cílů se ukázal být rozvoj výroby papíru obrovskou pomocí. Do Evropy (Španělska) přivezený Araby z východu, byl papír ve 14. století ceněn jako levnější a snáze vyrobitelný materiál pro dokumenty a knihy ve srovnání s pergamenem. Vynález tisku způsobil v 15. století boom papíru; mnoho papíren fungovalo v Itálii, Francii a Německu. A přestože papír nebyl příliš levný, bylo s ním zacházeno pečlivě a ceněn, stále postačoval pro široké použití v uměleckých dílnách.

Linka a místo

Jakým jazykem mluví grafika? Jaké vyjadřovací prostředky používá?

Jedním z hlavních a originálních prvků grafického jazyka je čára. Za prvé zobrazuje a vytváří iluzi plastické formy. Za druhé, linka má svůj vlastní rytmus. Rytmus linií může vyjadřovat růst, formování, pohyb (u Van Goghových kreseb) nebo může nést dekorativní funkce, jako u Botticelliho nebo Schongauera.

Sandro (Alessandro) Botticelli. Alegorie plodnosti nebo podzimu.
OK. 1480–1485. Pero, hnědé lavírování podle skici černou křídou na papíře s růžovým základním nátěrem. Britské muzeum, Londýn

Pero, hnědé lavírování podle skici černou křídou na papíře s růžovým základním nátěrem. Britské muzeum, Londýn

Claude Lorrain. Krajina v římské Kampánii.
OK. 1650. Štětec, bistre. Britské muzeum, Londýn

A tato vlastnost přibližuje kresbu hudbě. Důležité jsou v něm i intervaly a pauzy (podle německého umělce Maxe Liebermanna „kresba je umění vynechávat“). A konečně, linka nám zprostředkovává umělcovu povahu, zkušenost nebo náladu; Může být klidná a hladká, jako dílo Matisse nebo Modiglianiho, nebo může být roztrhaná, pichlavá, jako němečtí expresionisté.

Dalším důležitým prvkem grafického vyjádření je spot. Používají ho především umělci při práci se štětcem pomocí „mokrých“ technik: akvarel, tuš, sépie nebo bistrom. Lze jej však získat použitím stínování a „suchými“ technikami, jako je tužka, uhel, sangvinik, černá a barevná křída, omáčka, pastel. Pomocí spotu umělec často zprostředkovává zobecněné tvary objektů, často hustý stín.

Georges Seurat. Podpora mostu v Courbevoie. OK. 1886.
Omáčka, zvýrazněná křídou nebo kvašem. Soukromá sbírka

Transparentní mytí štětců se používají k vytvoření dojmu vodních ploch, mraků, světlých a stínovaných plánů. „Krajina v římské kampaně“ od Clauda Lorraina je úžasná ve svém provedení: v ní umělec vytváří majestátní panorama předměstí Říma, ponořeného do ranní mlhy, štětcem s měkkými skvrnami hnědého bistra různých saturace.

Pro zvýraznění objemu, tvaru a zvýraznění stínů se kreslíř často uchýlí ke stínování. Je pozoruhodné, že samotný úkol - vytvoření iluze trojrozměrného objemu na rovině listu papíru - vznikl teprve v 15. století a je spojen s renesanční estetikou. Andrea Mantegna jako první použil diagonální stínování perem a ve svých kresbách dosáhl dojmu mohutného, ​​téměř sochařského reliéfu.

Andrea Mantegna. Muž ležící na kamenné desce (studie postavy mrtvého Krista).
Pero a hnědý inkoust z náčrtu černou křídou, Britské muzeum, Londýn

Stínování však může fungovat i jako samostatná technika. Celý grafický portrét papeže Julia II. vystavěl Rafael na volném širokém paralelním šrafování s ostře vybroušeným sangvinikem; vytváří formy, označuje povrchy, které je omezují, a rozkládá stíny.

Rafael Santi. Portrét papeže Julia II
(studie pro fresku „Spravedlnost“ ve vatikánských strofách).
1511. Sbírka Sanguine Devonshire, Chatsworth

Nejčastěji ale vidíme kombinaci různých technik a technik v jedné kresbě. Mezi nejčastější patří kombinace perokresby perem nebo tužkou s mytím štětcem ve světle žlutohnědém nebo šedomodrém tónu, kombinace sangviniky, černé a bílé křídy (tzv. trojtužková technika , mimořádně populární v 18. století ve Francii pro své koloristické možnosti).

Skica, skica, etuda

Hlavní druhy kresby – skica, skica, etuda – se formovaly v italském renesančním umění v 15.–16. v praxi přípravných prací umělců na díle. O něco později k nim přibyla kresba, vytvořená jako samostatné umělecké dílo. Při zachování svých pomocných funkcí získávaly všechny druhy kresby postupem času stále větší míru estetické hodnoty.

Skicačasto slouží přípravné účely, ale může mít i nezávislou povahu.

Rembrandt Harmens van Rijn. Spící žena (Hendrickje Stoffels).
OK. 1655. Štětec v hnědém tónu. Britské muzeum, Londýn

Hlavní je v něm rychlost realizace a soustředěná realizace plánu. Pokud je kresba „načrtnuta“ ze života, nejlépe si zachová svěžest dojmu. Nejatraktivnější na skice je, že se v ní jako nikde jinde jasně projevuje autorův individuální rukopis. Vynikající mistři skicování byli Parmigianino, Gainsborough, Rembrandt, Watteau a Tiepolo.

Pero a štětec v hnědém tónu, bílý melír.
Pierpont Morgan Library, New York

Skica má vždy přípravný charakter, i když dílo nakonec nevzniklo. Umělec v něm nastiňuje obecné uspořádání skupin a postav, rozložení světla a stínu (osvětlení) a hlavní konstrukční prvky budoucí kompozice. Náčrt může mít různé stupně detailů.

Etuda- je spojena se studiem přírody a je propracováním detailů kompozice v jednotlivých kresbách. V četných skicách umělec studuje jeho jednotlivé části - skupiny, jednotlivé postavy, až po pečlivé studie hlav, paží, nohou, trupů, závěsů, krajinného pozadí nebo i předmětů vyobrazených na obraze, detailů kostýmů.

(studie k obrazu „Svátek růžence“). 1506.
Štětec v hnědém tónu, zvýrazněný bílou barvou, na modrém benátském papíře.
Sbírka grafiky Albertina, Vídeň

Peter Paul Rubens. Obraz Madony nesené anděly
(studium oltářní malby). OK. 1608. Sangvinik a černá křída.
Státní muzeum výtvarných umění pojmenované po. TAK JAKO. Puškin

Je třeba říci, že ne všichni umělci potřebovali kreslení ve stejné míře. Vynikající koloristé Tizian nebo Velazquez, kteří vytvářeli barevné výstřednosti z hmoty barvy přímo na plátně, nezanechali téměř žádné kresby. Kresby holandských mistrů zátiší jsou prakticky neznámé, protože umělci tohoto žánru vyvinuli praxi vytváření náčrtů jednotlivých objektů nebo skupin objektů v barvě, akvarelu nebo oleji. Neznáme kresby Vermeera a Caravaggia.

Nezávislé umělecké dílo

Kresba jako samostatné umělecké dílo se rozvinula v éře manýrismu - ve druhé třetině 16. století. Zručnost vynikajících kreslířů renesance a univerzální význam, který kresba nabyla v italském umění, ji povýšily natolik, že začali umění kresby přikládat komplexní význam. Byl základem všech druhů kreativity, potřebovali ho malíři a sochaři, rytci a architekti a mistři užitého umění.

Ve Florencii v 16. století pojem „umění kresby“ ( arte del disegno) se stal synonymem pro umění obecně. (To je velmi symptomatické, když si vzpomeneme, že příručka pro umělce sestavená na konci 14. století Florenťanem Cenninem Cenninim, která shrnula pracovní zkušenosti předchozích generací malířů od Giotta až po autora, se jmenovala „Kniha umění“. nebo Pojednání o malířství.)

Právě kresba se ukázala být uměním, kde se dala nejjasněji a nejpříměji odhalit hlavní přednost umělce: síla jeho představivosti, invaze, schopnost skládat kompozice z hlavy. Teoretici umění všemožně zdůrazňovali blízkost výtvarného umění k ostatním volným uměním (hudbě, poezii), vědám, filozofii a snažili se je odstranit z oblasti řemesla, do které bylo řazeno v předchozích staletích.

To se odrazilo i v terminologii: skica se nazývala pensiero- myslel nebo concetto- koncept, plán, prima idea- první myšlenka, která jí dává význam platónského prototypu. To vše dodalo kresbě intelektuální kvality. Kreslení bylo vnímáno jako druh intelektuální činnosti. S tím souvisí i komplikace sémantického obsahu kreseb, které obsahují skrytou hru s obrazy a významy. Hotové skici malířských kompozic sloužily jako předlohy pro grafická díla samostatného charakteru. To je charakteristické zejména pro tvorbu manýristických umělců 16. století.

Často byly takové nezávislé kompozice určeny k převedení do rytin, pro sběratele nebo jako dárky. Nejčastěji však nemají žádnou přípravnou nebo ilustrační funkci a jsou samy o sobě cenné pro originalitu kompozice a umnost technik. Tato grafická díla se vyznačují pečlivostí, propracovaností, náladovým dekorativním provedením a složitým alegorickým jazykem obrazů. Takové kresby vznikaly z imaginace, „z hlavy“; oceňovaly složitost kompozice a důmyslnost zápletky, která často představovala variace humanistických „vědeckých“ (zatížených humanitní učeností) alegorií.

Vynikajícím příkladem manýristické grafiky je kresba slavného holandského rytce Hendrika Goltziuse „Venuše, Ceres a Bacchus“. "Bez Baccha a Ceres Venuše zamrzne" - tato fráze starověká komedie Terence sloužil jako základ pro populární na přelomu 16.–17. století. alegorie ztělesňující spojení smyslových požitků.

Hendrik Goltzius. Venuše, Ceres a Bakchus. 1604.
Pero ve dvou odstínech hnědé na plátně se základním nátěrem.

V popředí ji zosobňuje skupina ideálně krásných postav tří božstev. Amor v hlubinách mírní šípy lásky na ohni, který je podepřen klasy pšenice (atribut Ceres) a hroznovými listy (atribut Bacchus). Umělec se vedle něj ztvárnil, jak drží nad oltářem rytecká dláta, čímž srovnává jejich ostrost s šípy Amorovými nebo ukazuje spojení umění s božskou sférou.

Skutečnost, že do kompozice zařadil autoportrét, vypovídá o mimořádné důležitosti, kterou dílu přikládal, právem jej považoval za svůj hlavní výtvor. Při vytváření své obří kresby (2,8 x 1,7 metru!) měl Goltzius možná na mysli kartony Leonarda nebo Raphaela jako model, s nímž se ho snažil vyrovnat nebo dokonce překonat. Pokud byly tyto kresby přípravného charakteru a bylo to dáno jejich obrovskou velikostí, pak manýrista Goltzius vytvořil samostatné „mistrovské dílo pera“ se složitým alegorickým programem jako výtvor sám o sobě, který chtěl zdůraznit význam kresby, což se v očích manýristů rovnalo samotnému pojmu umění.

A později v samostatných kresbách nacházeli malíři nejvhodnější formu pro realizaci svých fantazií. Mistři všeho druhu scherzi di fantasia A capricci (italština. - hra fantazie, vtipy, díla ve volné, rozmarné formě) byli Benátčané Giovanni Battista Tiepolo a Francesco Guardi. Guardiho kresby rozmarně kombinují skutečná zákoutí Benátek s památkami z jiných míst nebo těmi, které umělec vymyslel. Soulad s hudebními pojmy není jen formální: Tiepolovy kompozice, mistrně načrtnuté svižnými a rozmarnými liniemi pera, evokují houslové vrtochy. Zdá se, že jeho umělecké proudy vzduchu se chvějí a třpytí ve vlhkém vzduchu Benátek.

Giovanni Battista Tiepolo. Požehnání.
OK. 1750. Pero a štětec v hnědém tónu, Gravírovací skříň, Berlín

Tato série může pokračovat Goyovými nočními můrami, fantastickými vizemi Williama Blakea a surrealistickými hrami Salvadora Dalího s podvědomím.

Poměrně brzy se portrét objevil jako samostatné téma kresby. Rozvoj portrétní grafiky přivedla k životu renesanční touha zachovat svůj vzhled pro potomky, ale také pro rodinu a přátele. Portréty byly vyměněny a zaslány jako dárky. Mistry francouzských portrétů tužkou 16. století nám zanechaly celé galerie současníků.

Francois Clouet. Portrét krále Karla IX.
60. léta 16. století. Italská tužka, sangvinik.
Státní muzeum Ermitáž, Petrohrad

Francois Clouet.
Margarita Frenchová v dětství. Černá a červená křída, akvarel.
OK. 1560. Muzeum Condé, Chantilly

Vynikající ukázky portrétních kreseb poskytuje práce Hanse Holbeina (Holbeina) mladšího. Speciální směr v rokokovém umění složil pastelový portrét zhotovený barevnými pastelkami. Právě grafický obraz snadněji ztělesňoval intimitu a intimitu, která se hledala nové umění, unavený barokní okázalostí.

Hans Holbein mladší. Čtení Johna Morea mladšího.
1526–1527. Černá a barevná křída. Královská sbírka, Windsor

Hans Holbein mladší.
Portrét Anny, dcery starosty Mayera.
OK. 1526. Černá a barevná křída.
Veřejná sbírka umění, Basilej

Speciální sekce v portrétní kresba udělá autoportrét. Se zvláštní ostrostí odhaluje přesnost a výraznost vlastností obecně vlastní grafickému portrétu, duchovní otevřenost, větší spontaneitu a pravdivost ve srovnání s malbou. Unikátní je v tomto ohledu postava Rembrandta, který vytvořil kolem stovky (!) svých obrazů malbou, leptem a kresbou. Všechny dohromady tvoří kroniku jeho duchovního života. V kresbě umělec, zejména v mládí, používal svou tvář jako model, učil se přenášet různé emoce a byl k sobě často nemilosrdný.

Rembrandt Harmens van Rijn. Autoportrét. 1637.
Sangina. Národní galerie, Washington

A přesto nejvýraznější příklad zanechal Dürer. Kresba autoportrétu, na níž se umělec představil nahý, není pouze pracovní skicou podle modelu, kde umělec používá sebe místo sedícího. Toto je úžasně upřímný rozhovor v umělcově noci se sebou samým nebo s Bohem: „Pane, kdo jsem? Proč jsi mě poslal do tohoto světa? Religiozita vlastní Dürerovu vědomí ho neopustila ani v těch nejodvážnějších renesančních pohledech. A tato kresba byla narodilo se to stejné duchovní napětí jako obrazy Apokalypsy a malebný „Autoportrét k obrazu Krista“, v němž však umělec dává svému vzhledu větší zastoupení.

Albrecht Dürer. Autoportrét. 1506.
Pero a štětec šedý tón, bílé podsvícení,
na zeleném základním papíře.
Sbírka grafiky. Hradní muzeum. Weimar

Zcela jiné, pozemské a praktické okolnosti způsobily, že se mezi Nizozemci objevily a neobvykle široké rozšíření kreseb vytvořených jako ucelené grafické kompozice. umělci XVII století. Byly určeny k prodeji na volném trhu pro umělecká díla, která se objevila v Holandsku. Takové kompozice byly podepsány umělcem, aby kupující dílo věděl, čí kresbu kupuje.

V těchto dílech se odráží celá rozmanitost krajinných a každodenních motivů holandského „zlatého věku“ a stejně tak rozmanité jsou i grafické techniky, které kreslíři používají: od akvarelů A. van Ostade napodobujících malbu lehčími a jednoduššími prostředky až po ty zhotovené. italskou tužkou nebo perem s lavírovací, sangvinickou či barevnou tužkou skladeb Ludolfa Backhuysena, Jana van Goyena, Allarta Everdingena, Nicholase Berchema, Cornelise Bega při zachování všech specifik konvencí grafického jazyka, které dokonale pocítili.

Podobná situace lze pozorovat v 19. století. s rozšířením druhů akvarelů, a to jak kvůli neuvěřitelné vášni pro tuto techniku, tak kvůli vášni pro cestování, která v této době poprvé široce přijala Evropany.

Estetické rysy grafického obrazu

Kresba může ve svých technikách, podobně jako sochařství, odhalit objemově-plastické kvality modelu, ale může se také přiblížit jazyku malby. Zejména v případě použití měkkých materiálů se stínováním, jako je uhel, omáčka, měkká tužka, pastel, nebo „mokré“ barevné či monochromatické techniky – akvarel, sépie, tuš, dokonce i nanášené jako při malbě štětcem. A přesto se do hloubky, v samotné podstatě, jazyk a figurativní struktura grafiky hluboce liší od jiných umění.

Z několika příkladů, kterých jsme se dotkli, je již možné vyvodit závěry o rysech umění kresby. Za prvé - toto minimalismus prostředků , kterou používá navrhovatel. Ve skutečnosti je kresba, s výjimkou akvarelů, barevně ostře omezená, téměř bez ní. Umělec může operovat jen s malým počtem odstínů, ale především pracuje v rozsahu černé a bílé.

Z toho plynou další vlastnosti tohoto umění - lakonismus a konvence umělecký jazyk. Obraz v kresbě lze vytvořit pouhými několika čarami nebo tahy štětcem, rychlost a stručnost výrazu je podobná aforismu nebo kurzívu, vyznačuje se jednoduchostí a obecností forem. Už v původním pojetí kresba obsahuje vše, co bude v hotové kompozici, ale ve zhrouceném, soustředěném výrazu. Kresba může odhalit aspekt figurativního designu způsobem, který nemusí být realizován v hotovém díle.

Leonardo da Vinci. Studie hlavy válečníka pro karton "Bitva o Anghiari".
OK. 1503–1504. Červená křída na papíře. Muzeum výtvarných umění, Budapešť

Umělec se uchyluje k návalu inspirace smělá konvence, deformace, groteska , vznikající jako výsledek ostrého a přesného vykreslení přírody. (Mimochodem, právě proto je karikatura žánrem, který patří výhradně do oblasti grafiky. První groteskní obrazy patří Leonardu da Vinci. Věřil, že umělec by se neměl vyhýbat ošklivé nebo příliš expresivní povaze, protože tyto rysy vyvažují krásu rozptýlenou ve světě, ale v jeho malbě převládaly vznešené obrazy V 17. století Guercino a velký sochař Gian Lorenzo Bernini, v 18. století - celá alba karikatur jeho současníků a politických událostí sestavili Ital Pier Leone Ghezzi a Angličan Thomas Rowlandson. Z pozdějších umělců groteskní techniku ​​úspěšně použili Honore Daumier a Toulouse-Lautrec.)

Henri de Toulouse-Lautrec. Yvette Guilbert před oponou.
 1894. Křída a akvarel. Muzeum kreslení školy, Rhode Island

Ale i když umělec pečlivě vytvoří skutečný objekt v kresbě, nikdy nebude mít stejnou míru iluzornosti jako v malbě. A to nejen proto, že nemá barvu předmětu. V grafickém obrazu vidíme nejen obraz samotný, ale zároveň výtvarné prostředky, které jej vytvářejí: síť čar, tahů a skvrn na ploše podložky. Nenabarvený list papíru i s tím nejtrojrozměrnějším obrazem nám jasně připomene, že obraz byl vytvořen ve dvourozměrné rovině. Proto konvenčnost a plochost jsou nepostradatelnými složkami estetiky kresby. A zkušený kreslíř, který má bystrý smysl pro specifika práce v grafice, zachází s povrchem podkladu vždy velmi pečlivě, oceňuje jeho strukturotvorné vlastnosti a udržuje rovnováhu mezi rovinou listu a objemem obrazu. .

Zvláštní postoj k letadlu je jednou ze základních vlastností grafiky. Povrch listu papíru hraje aktivní roli při vytváření grafického obrazu. Na rozdíl od plátna nebo desky, které jsou zcela skryty pod několika vrstvami barvy a proměňují rovinu v iluzi trojrozměrného světa, i v nejpodrobnější kresbě povrch papíru vždy prosvítá tahy a tahy, skrz tenké nálevy akvarelu, bistre, sépie nebo inkoustu. Proto má ve výkresu větší význam umístění čar a jejich kombinace, stejně jako jejich vlastnosti: ohýbání, tlak, rychlost nebo volná aplikace.

Rychlé posuvné šrafování vytvoří na bílém prostěradle dojem hladiny vody, trávy nebo třeba stolu. Naopak linie zdůrazňující objem předmětu nebo postavy nutí vnímat okolí bílé pozadí jako vzdušné prostředí. Dokonce i jedna čára nakreslená na listu již určuje vnímání kompozice: vodorovná čára rozdělí list na horní část, která bude nedobrovolně, analogicky s viditelným světem, vnímána jako obloha, a spodní část - „země“ . Dvě sbíhající se přímky budou působit dojmem perspektivy ustupující do dálky atd.

Pohled na antverpský přístav načrtnutý Dürerem v albu během jeho cesty do Nizozemska v roce 1520 poskytuje vynikající příklad takové lakonické kresby. Dvě řady tvarů objektů rovnoměrně klesající, jak se vzdálenost vzdaluje – městské hradby a lodě podél pobřeží – vytvářejí obraz přístavního města, „portrét oblasti“, zatímco většina z list zůstal prázdný. Samotné umístění obrazu na listu a dvě nebo tři čáry na obzoru nás však zcela jistě nutí vidět zemi, vodu a oblohu ve stejně bílém okolním povrchu a mylně zaměňovat rovnoměrně bílé pozadí papíru za rozptýlené světlo. zamračené počasí panující v těchto nízko položených zemích.

Albrecht Dürer. Antverpský přístav.
1520. Pero, tuš. Sbírka grafiky Albertina, Vídeň

Servisní účel kresby, její samotná podstata, je určena její inherentností větší kompoziční svoboda. O jaké promyšlené, ověřené kompozici vlastně můžeme mluvit, je-li list naplněn náčrty jednotlivých předmětů, paží, nohou, částí drapérie? Vyžadovaly to praktické potřeby: všechny opravené detaily a celkové uspořádání figury musely být, jak se říká, po ruce, pokud možno koncentrovat na jeden list pro usnadnění práce při vytváření konečného náčrtu figury nebo kompozice nebo přenosu. je na karton. Velký mistr však i v malých formách, dokonce i v pomocných skicách, často nevědomě projevuje svůj vkus a zručnost v dokončování zběžných skic, v uspořádání jednotlivých parcel na jeden list, což dává těmto pracovním listům vlastní estetickou hodnotu. .

Antoine Watteau miloval skicování jedné postavy v různých zatáčkách, které se od sebe mírně lišily. Takový výcvik mu umožnil dosáhnout pouze jeho inherentní hudební harmonie figuroval skupiny ve svých obrazových kompozicích. (Jedna ze studií dokonce prokázala, že konstrukce figurálních skupin na Watteauových obrazech odpovídá plynulému rytmu tanečních pohybů menuetu.) Ale v listech s náčrty se odhalují stejné jemné nuance a odstíny mírně se měnícího výrazu v závislosti na úhel, otočení a lehký pohyb. A dvě nezávislé figurální studie na listu papíru jsou nedobrovolně spojeny do figurového „duetu“.

Antoine Watteau. Skica. 17. léta 18. století.
Červená, černá a bílá křída na krémovém papíře.
Soukromá sbírka, New York

Antoine Watteau. Skica. 17. léta 18. století. sangina,
Italská tužka, světlé praní ve světle hnědém tónu,
světlé podsvícení bílou barvou. Rijksmuseum, Amsterdam

Watteau často ztvárňoval divadelní herce. Když však kreslil nebo psal postavy svých galantních slavností, „hercem“ se stala samotná postava a dialog byl veden pózami a gesty postav ve scéně. Zde záleželo na nuancích – mírně zvednuté rameno a vztyčený nos, mírný záklon trupu, napůl natočený pohled. Umělec se naučil tyto nuance zachytit především v grafických skicách.

Tato volnost v uspořádání obrazu na listu je zachována kresbou a in v tom případě, kdy je koncipován jako samostatné dílo. S odvážnými experimenty s úhly se v umění konce 19. století a ve 20. století setkáváme právě v kresbách. Edgar Degas, který znal baletní divadlo jako nikdo jiný, prozkoumal tento svět ze všech stran, na jevišti i v zákulisí. V jeho pastelech se posouvá obvyklý frontální pohled na jevištní lóži, podívaná na představení se nám odkrývá fragmentárně - někdy z orchestřiště, někdy z vedlejší lóže nebo z horního patra.

Úžasné řešení nabízí Henri Matisse v portrétní skice ženy opírající se o opěradlo židle. Postava je oříznuta o okraje listu, ale zároveň zůstává popředí (které implikuje židli sloužící jako podpěra) prázdné. Ale s takovou kompozicí, která tvoří „rámeček“ rukou a kusu papíru, jsou oči na tváři obzvláště výrazné, pohled je mírně nepřítomný, zamyšlený, mírně plachý a zároveň připravený k úsměvu. Množství vzduchu v kresbě, „zpívající“ linie kontury, nepochybné kouzlo modelu dodávají kresbě přirozenost a svobodu, a to i přes zdánlivě promyšlenou kompozici.

Henri Matisse. Studie modelu naklánějícího hlavu
na pažích zkřížených na opěradle židle (Lydia Delectorskaya).
1934. Grafitová tužka. Státní muzeum Ermitáž, Petrohrad

Jedinečnost umění kresby se nejzřetelněji projevuje ve skicách a náčrtech. Vyznačují se mimořádnou svobodou provádění, spontánnost a impulzivnost vyjádření kreativní myšlenky. Často jsou vyplněny rychle se protínajícími liniemi, které působí jako zamotané, propletené do klubíčka nebo skvrny. Vasari o takových kresbách mluví jako o „vytvořených ve formě spotu a v záchvatu inspirace“. K jejich charakterizaci nachází takové definice jako odvaha, síla, svoboda.

Když nahlédneme do spletitosti těchto linií a míst, snažíme se jim porozumět, identifikovat postavy v „příběhu“ a pochopit jeho konflikt, seznámíme se s nejniternějším tajemstvím kreativity a zažijeme mimořádné vzrušení. Pouze kresba může tak jasně znázornit převedení vizuálního dojmu nebo vnitřní zkušenosti do umělecký obraz. Zároveň nás „infikuje“ pocity blízkými těm, které v době kreslení ovládaly samotného mistra, a probouzí naši vlastní fantazii. Tento pocit účasti na tvůrčím procesu dává divákovi radost z estetického zážitku a je nedílnou součástí vnímání grafických děl.

„Kresba je nejpřímější, impulzivní vyjádření umělecké tvořivosti... Kresba je pozorování, reflexe, kreativita, srostlé dohromady a odhalené v živém procesu jejich propojení. Kresba je umělecký obraz, který vzniká,“ tak přesně a výstižně definoval podstatu umění kresby jeden z nejlepších ruských odborníků V.N. Graščenkov.

A protože se nám grafický obraz rodí před očima, má vnější i vnitřní pohyblivost, je otevřený naší fantazii, svobodně si ho představovat a rozvíjet jakýmkoli směrem, jeho proměnlivost pociťujeme jako neúplnost, neúplnost . Pocit právě přerušené práce, ve které lze každou chvíli pokračovat, podíl nějaké technické a hlavně kreativní nedokončenosti je vždy přítomen i v tom nejdokončenějším grafickém obrazu.

První rozkvět zažila kresba v dobách, kdy formální a technická úplnost děl byla povinným požadavkem na umělecká díla. A pouze v kresbě nedokonalost pramenící ze samotné povahy tohoto umění neovlivnila jeho estetické hodnocení, neboť v kresbě se podle Delacroixe „sotva načrtnutý obrys nebo skica, prodchnutý opravdovým citem, může stát ve své expresivitě na tomtéž úrovně jako nejúplnější díla.“

Sám se sebou

Všechny výše uvedené estetické kvality kresby byly určeny jejím velmi zvláštním, úzkým a důvěrným spojením s osobností umělce.

Kresba od svého počátku nebyla určena zvědavým pohledům. Podle trefné poznámky slavného německého kritika umění Maxe Friedländera „při malování je umělec sám se sebou; kresba je monolog."

Podle jeho pomocného účelu v procesu tvorby obrazu existence grafických listů na dlouhou dobu omezena na stěny dílny. Pravda, zde byly kresby, zejména mistra, který vedl ateliér, oceněny, uchovány a tvořily jakýsi „umělecký kapitál“ dílny, předaný nástupci. Sloužily jako modely k učení, nevyčerpatelná zásobárna uměleckých vynálezů i hotové modely pro malování.

Je známo, jak pečlivě Rubens ve své závěti stanovil osud svého mnoha set grafického dědictví a dovolil jej prodat pouze v případě, že si žádný z jeho synů nebo zeťů nezvolí uměleckou cestu. Kresby byly ukradeny, aby si vypůjčily nápad, aby špehovaly novou uměleckou metodu: Vasari o takových příbězích mluví v biografii svého idolu Michelangela; v Nizozemí v 16. století. známý zkoušky v případě odcizených kreseb. A přestože poměrně brzy, již v 16. století, téměř současně se zrodem nového umění, vznikali jeho obdivovatelé - sběratelé kreseb, přesto byly soukromé sbírky přístupné úzkému okruhu lidí.

Vasari byl možná prvním vážným sběratelem kreseb. Jeho „Kniha kreseb“ byla jakýmsi doplňkem „Životopisů“. Skládal se z pěti svazků o rozměrech 610? 460 mm, obsahoval grafické portréty umělců, jejichž biografie popsal, obklopené jejich kresbami. Vasari seřadil kresby podle autorů a škol, tento systém tvořil základ moderní klasifikace. Ocenil jejich estetickou dokonalost a uzavřel kresby do složitých rámů, které sám nakreslil; Stále se používají k identifikaci roztroušených listů z jeho sbírky v úložištích muzeí po celém světě.

Zatímco ukázky veřejných výstav obrazů se nacházejí již v dávné doby, otázka zákonnosti vystavování kreseb na výstavách zůstala na počátku dvacátého století kontroverzní.

Jeden takový spor zmiňuje ve svých „Notes of a Collector“ jeden z nejstarších a největších sběratelů sovětské éry, A.A. Sidorov: „... šlo o ten přátelský spor o kresbu, o její právo být vystavován spolu s malbou na stejném základě jako malba. „Kresba stále není malba. Na výstavy se chodí dívat na obrazy, a ne na jejich kousky nebo přípravy na ně,“ řekl jeden z účastníků „Unie“, slavný krajinář. Pasternak se svou charakteristickou jemností odpověděl: „Ne, ať říkáte, co říkáte, kresba má svůj vlastní život, který někdy v obraze neexistuje. Kresba má své kouzlo.“

Uspořádání výstav grafiky vstoupilo do praxe uměleckého života v éře secese – stylu, který za svůj vznik vděčil grafice a neobyčejně pozvedl svůj umělecký status.

Ale právě díky „úkrytu“ před pozorností jiných lidí v kresbě se umělec cítí svobodnější od norem umělecké kreativity, stylu a tradice. Kreativní hledání se v grafice odhalují odvážněji a přímočařeji. Kresba ve svém historickém vývoji často předběhla vývoj malířství.

Snadná dostupnost materiálů a rychlost techniky kresby vedly k větší „reaktivitě“ grafiky na požadavky doby. V kresbě se dříve než v malbě zkoumala nově vznikající témata a objevovaly se nové žánry. Zrod krajiny jako samostatného malířského žánru se datuje do 30. let 17. století, zatímco v kresbách se zobrazení přírody jako samostatného tématu objevilo o století dříve. Akvarelové krajiny od Dürera, lesní houštiny od Albrechta Altdorfera a Wolfa Hubera, alpské veduty Pietera Bruegela staršího umělci nepochybně využívali ve svých obrazech, ale zároveň zůstaly prvními příklady „čisté“ krajiny v dějinách umění. .

Pieter Bruegel. Alpská krajina s uměleckou kresbou.
OK. 1556. Pero v hnědém tónu Seilern Collection, Londýn

Někdy můžete pozorovat, jak se v grafice a malbě projevuje umělcova oddanost různým stylistickým směrům. Rytiny od Hendrika Goltziuse odhalují jejich tvůrce nejjasnějším zástupcem pozdní evropský manýrismus pozdní XVI V., virtuos tahů a autor složitých alegorických skladeb. Jeho krajinářské kresby jednoduše a oduševněle zprostředkovávají skutečné pohledy na holandskou krajinu – zříceninu starobylého hradu Bredero, panoramata předměstí Haarlemu. Byly to první příklady nizozemské národní krajiny, desítky let před malbami krajanů krajinářů.

Pro většinu klasických mistrů jsou kresby neoddělitelně spjaty s jejich obrazovou kreativitou – společným tématem, zápletkami, obrazy a jediným stylem.

Stává se však, že kresba umožňuje odhalit aspekty umělcova talentu, které nebyly realizovány v hlavní linii jeho práce. Je těžké si uvědomit, že ty zářící barvy, brilantní portréty královské rodiny, scény lidové slavnosti pro tapisérie a temné satirické fantazie „Caprichos“ vytvořila stejná osoba - královský malíř Goya. Goya skutečně kreslil štětcem s inkoustem, odrážející odvrácenou stránku života ve Španělsku své doby se všemi jeho třídními a náboženskými předsudky a neřestmi, paralelně s prováděním královských rozkazů, a daly se na tři velká alba. Následně z nich umělec vybral několik desítek a převedl je do leptů. Tak vznikla série „Caprichos“ – jedno z mistrovských děl světové tištěné grafiky.

Francisco Goya. Čarodějnice připravené k letu
(z Madridského alba). 1796–1797.
Mytí štětcem a inkoustem. Soukromá sbírka, Paříž

Tiepolo má skupinu kreseb s náčrty městských pohledů - nádvoří Benátek, viděných z okna umělcova ateliéru. Tyto grafické listy jsou v dopravním charakteru provedeny neobvykle jednoduše a přesně. Zdá se, že mistr magických oslav a divadelních představení, v něž se pod jeho štětcem proměnil jakýkoli námět, našel v těchto kresbách pauzu od grandiózních fantazií. V umělecké dědictví přísné klasicistní Poussinovy ​​náčrtky stromů ohromují téměř romantickou emocí.

Na cestě vědeckých objevů

Estetika renesančního umění vyžadovala od umělce znalost přírody a schopnost ji zprostředkovat jako život v umění. Za tímto účelem byla ve výtvarných dílnách studována pravidla perspektivy a stavba lidského těla. Právě v kresbě se rozvíjely odpovídající dovednosti, ale navíc až do vynálezu fotografie v polovině 19. jediná možnost zaznamenat vědecké objevy v makro- a mikrokosmu.

Umělci vytvořili ilustrace anatomických a lékařská pojednání, knihy o mravech a krojích, zeměpisné, botanické, zoologické atlasy. A v těchto raných vědeckých ilustracích je přesnost obrazu neoddělitelná od umělecké expresivity, v těchto kresbách není ani stopa nezaujatého sucha. A kresby takového génia, jako je Leonardo, nejsou horší než jeho umělecká studia.

Leonardo da Vinci. Náčrtky rostlin.
Peříčko založené na sangvinickém designu. Královská knihovna hradu Windsor

Je známo, že Leonardo da Vinci učinil vizionářské objevy v různých oblastech vědeckého poznání a právě kresby nám tyto projekty přinesly. Pozoroval přírodu s perem a tužkou v rukou, odrážel, porovnával, snažil se identifikovat obecné vzorce. Leonardovy tři kodexy vědeckých poznámek jsou velkoryse doplněny vysvětlujícími ilustracemi. Ale umělec nemůže přestat být umělcem, když se soustředí na vědeckou kresbu, a mnohé z těchto skic mají umělecký výraz velké síly. Například skica silná bouřka, kterou kdysi pozoroval v podhůří Alp, se v jeho kresbě rozvíjí v univerzální kataklyzma, odhalující zuřivou sílu přírody.