Historické tance v baletních představeních. Historie klasického baletu

Vloženo přes copypaster, St, 15/08/2007 - 01:11

Balet je poměrně mladé umění. Je to něco málo přes čtyři sta let, i když tanec zdobí lidský život už od pradávna.

Balet se zrodil v severní Itálii během renesance. Italští princové milovali okázalé palácové slavnosti, ve kterých měl tanec důležité místo. Venkovské tance nebyly vhodné pro dvorní dámy a pány. Jejich oděv, stejně jako sály, kde se tančilo, neumožňoval neorganizovaný pohyb. Pořádek v dvorských tancích se snažili nastolit speciální učitelé – taneční mistři. Se šlechtici předem nacvičovali jednotlivé figury a taneční pohyby a vedli skupiny tanečníků. Postupně byl tanec čím dál tím divadelnější.

Termín "balet" se objevil v pozdní XVI století (z italského baletu – tančit). Tehdy to ale neznamenalo představení, ale pouze taneční epizodu přenášející určitou náladu. Takové „balety“ se obvykle skládaly z mírně propojených „východů“ postav – nejčastěji hrdinů řecké báje. Po takových „výjezdech“ začal obecný tanec – „velký balet“.

Prvním baletním představením byl Queen's Comedy Ballet, který uvedl v roce 1581 ve Francii italský choreograf Baltazarini di Belgioioso. Právě ve Francii došlo k dalšímu rozvoji baletu. Nejprve to byly maškarní balety, později pompézní melodramatické balety s rytířskými a fantastickými zápletkami, kde taneční epizody vystřídaly vokální árie a recitace poezie. Nedivte se, balet v té době nebyl jen taneční představení.

Za vlády Ludvíka XIV. dosáhla dvorní baletní představení zvláštního lesku. Sám Louis se rád účastnil baletů a svou slavnou přezdívku „The Sun King“ dostal poté, co hrál roli Slunce v „Balet of the Night“.

V roce 1661 vytvořil Královskou akademii hudby a tance, která zahrnovala 13 předních tanečních mistrů. Jejich povinností bylo zachovat taneční tradice. Ředitel akademie, učitel královského tance Pierre Beauchamp, určil pět hlavních pozic klasický tanec.

Brzy byla otevřena Pařížská opera a tentýž Beauchamp byl jmenován choreografem. Pod jeho vedením vznikla baletní soubor. Nejprve se skládala pouze z mužů. Ženy se objevily na scéně pařížské opery až v roce 1681.

Divadlo uvedlo opery a balety skladatele Lullyho a komedie a balety dramatika Moliera. Zpočátku se jich účastnili dvořané a představení se téměř nelišila od palácových. Tancovaly se již zmíněné pomalé menuety, gavoty a pavanes. Masky, těžké šaty a vysoké podpatky bránily ženám provádět složité pohyby. Proto se tehdy mužské tance vyznačovaly větší grácií a elegancí.

NA poloviny 18. století století si balet získal v Evropě velkou oblibu. Všechny aristokratické dvory Evropy se snažily napodobit luxus francouzského královského dvora. Otevřeno ve městech operní domy. Řada tanečníků a učitelů tance snadno našla práci.

Pod vlivem módy se ženské baletní kostýmy brzy staly mnohem lehčími a volnějšími a pod nimi byly vidět linie těla. Tanečníci opustili boty na vysokém podpatku a nahradili je lehkými botami bez podpatku. Pánský kostým se také stal méně objemným: těsné kalhoty ke kolenům a punčochy umožňovaly vidět tanečníkovu postavu.

Každá inovace učinila tanec smysluplnějším a taneční techniku vyšší. Postupně se balet oddělil od opery a stal se samostatným uměním.

Přestože byla francouzská baletní škola pověstná svou grácií a plasticitou, vyznačovala se určitým chladem a formálností provedení. Choreografové a umělci proto hledali jiné vyjadřovací prostředky.

V konec XVIII století se zrodil nový směr v umění – romantismus, který měl silný vliv na balet. V romantickém baletu stála tanečnice na špičatých botách. Jako první to udělala Maria Taglioni, která zcela změnila dosavadní představy o baletu. V baletu "La Sylphide" se objevila jako křehká bytost z jiný svět. Úspěch byl ohromující.

V této době se objevilo mnoho nádherných baletů, ale bohužel se stal balet romantický poslední období rozkvět taneční umění na západě. Od druhé poloviny 19. století se balet, který ztratil svůj dřívější význam, stal přílohou opery. Teprve ve 30. letech 20. století, pod vlivem ruského baletu, začalo oživení tohoto uměleckého druhu v Evropě.

V Rusku bylo první baletní představení - „Balet Orfea a Eurydiky“ - uvedeno 8. února 1673 na dvoře cara Alexeje Michajloviče. Slavnostní a pomalé tance se skládaly ze změny ladných póz, úklonů a pohybů, které se střídaly se zpěvem a řečí. Žádný významnou roli nehrál roli ve vývoji scénického tance. Byla to jen další královská „zábava“, která přitahovala lidi svou nevšedností a neotřelostí.

Jen o čtvrt století později díky reformám Petra I. vstoupila hudba a tanec do každodenního života ruské společnosti. Do šlechtických vzdělávacích institucí byla zavedena povinná taneční průprava. Na dvoře začali vystupovat hudebníci, operní umělci a baletní soubory dovezené ze zahraničí.

V roce 1738 byla otevřena první baletní škola v Rusku a o tři roky později se 12 chlapců a 12 dívek z palácových služebníků stalo prvními profesionálními tanečníky v Rusku. Nejprve vystupovali v baletech zahraničních mistrů jako figurky (jak se sboru baletních tanečníků říkalo), později v hlavních rolích. Timofey Bublikov, báječný tanečník té doby, zářil nejen v Petrohradě, ale i ve Vídni.

Na počátku 19. století dosáhlo ruské baletní umění tvůrčí zralost. Ruští tanečníci vnesli do tance expresivitu a duchovnost. A.S. Puškin to cítil velmi přesně a nazval tanec svého současníka Avdotyi Istominy „úletem plným duše“.

Balet v této době zaujímal výsadní postavení mezi ostatními typy divadelní umění. Úřady mu věnovaly velkou pozornost, za předpokladu vládní dotace. Moskevské a petrohradské baletní soubory vystupovaly ve skvěle vybavených divadlech, do kolektivu tanečníků, hudebníků a dekoratérů se každoročně přidávali absolventi divadelních škol.

Arthur Saint-Leon

V historii našeho baletního divadla často najdeme jména zahraničních mistrů, kteří se významně podíleli na rozvoji ruského baletu. Především to jsou Charles Didelot, Arthur Saint-Leon a Marius Petipa. Pomohli vytvořit ruskou baletní školu. Talentovaní ruští umělci ale také dali příležitost odhalit talenty svých učitelů. To vždy přilákalo největší choreografy Evropy do Moskvy a Petrohradu. Nikde na světě se nemohli setkat s tak velkou, talentovanou a dobře vycvičenou skupinou jako v Rusku.

V polovina 19 století se do ruské literatury a umění dostal realismus. Choreografové se horečně, ale bezvýsledně, snažili vytvořit realistická představení. Nebrali v úvahu, že balet je konvenční umění a realismus v baletu se výrazně liší od realismu v malbě a literatuře. Začala krize baletního umění.

Nová etapa v historii ruského baletu začala, když velký ruský skladatel P. Čajkovskij poprvé složil hudbu pro balet. Bylo to" Labutí jezero" Předtím se baletní hudba nebrala vážně. Byla považována za podřadný druh hudební kreativita, jen doprovod k tanci.

Díky Čajkovskému baletní hudba se stal spolu s operou vážným uměním symfonická hudba. Dříve byla hudba zcela závislá na tanci, nyní se tanec musel hudbě podřídit. Byly požadovány nové výrazové prostředky a nový přístup k tvorbě představení.

Další vývoj ruského baletu je spojen se jménem moskevského choreografa A. Gorského, který opustil zastaralé techniky pantomimy a použil v baletním představení moderní režijní postupy. Přikládal velký význam malebnému designu představení a přitahoval k práci ty nejlepší umělce.

Ale skutečným reformátorem baletního umění je Michail Fokin, který se vzbouřil proti tradiční konstrukci baletního představení. Tvrdil, že téma hry, její hudba a doba, ve které se akce odehrává, vyžadují pokaždé jiné taneční pohyby a jiný taneční vzorec. Při inscenaci baletu „Egyptské noci“ se Fokine inspiroval poezií V. Brjusova a staroegyptskými kresbami a obrazy baletu „Petruška“ poezií A. Bloka. V baletu Dafnis a Chloe opustil tanec na špičatých botách a oživil starověké fresky volnými, pružnými pohyby. Jeho Chopiniana oživila atmosféru romantického baletu. Fokin napsal, že „sní o vytvoření baletního dramatu z baletní zábavy a z tance do srozumitelného, mluvícího jazyka“. A uspěl.

Anna Pavlová

V roce 1908 začala v Paříži každoroční představení ruských baletních tanečníků, které organizoval divadelník S. P. Ďaghilev. Jména tanečníků z Ruska - Vaslav Nižinskij, Tamara Karsavina, Adolf Bolm - se stala známá po celém světě. Ale první v této řadě je jméno nesrovnatelné Anny Pavlové.

Pavlova - lyrická, křehká, s protáhlými liniemi těla, obrovskýma očima - evokovala rytiny zobrazující romantické baletky. Její hrdinky zprostředkovaly ryze ruský sen o harmonickém, zduchovněném životě nebo touhu a smutku nad něčím nenaplněným. „Umírající labuť“, kterou vytvořila skvělá baletka Pavlova, je poetickým symbolem ruského baletu počátku 20. století.

Tehdy se západní balet pod vlivem zručnosti ruských umělců otřásl a našel druhý dech.

Po Říjnová revoluce V roce 1917 opustilo Rusko mnoho baletních divadelních osobností, ale navzdory tomu škola ruského baletu přežila. Patos pohybu k novému životu, revoluční témata a hlavně prostor pro tvůrčí experimenty inspirovaly baletní mistry. Stáli před úkolem: přiblížit lidem choreografické umění, učinit je vitálnějším a přístupnějším.

Tak vznikl žánr dramatického baletu. Jednalo se o představení, obvykle založená na zápletkách slavných literární díla, které byly postaveny podle zákonů dramatického výkonu. Obsah byl prezentován prostřednictvím pantomimy a figurativního tance. V polovině 20. století byl dramatický balet v krizi. Choreografové se pokoušeli zachovat tento žánr baletu, vylepšovali zábavu představení pomocí jevištních efektů, ale bohužel marně.

Koncem 50. let přišel zlom. Choreografové a tanečníci nové generace oživili zapomenuté žánry – jednoaktový balet, baletní symfonii, choreografickou miniaturu. A od 70. let vznikají nezávislé baletní soubory, nezávislé na operní a baletní divadla. Jejich počet se neustále zvyšuje a objevují se mezi nimi studia volného tance a moderního tance.

Publikace v sekci Divadla

Slavné ruské balety. Top 5

Klasický balet je úžasná umělecká forma, která se zrodila v Itálii během zralé renesance a „přesunula“ do Francie, kde se o jeho rozvoj, včetně založení Akademie tance a kodifikaci mnoha směrů, zasloužil král Ludvík XIV. . Francie vyvážela umění divadelního tance všem evropské země včetně Ruska. V polovině 19. století už hlavním městem evropského baletu nebyla Paříž, která dala světu mistrovská díla romantismu La Sylphide a Giselle, ale Petrohrad. Právě v severní metropoli téměř 60 let působil skvělý choreograf Marius Petipa, tvůrce systému klasického tance a autor mistrovských děl, která dodnes neopouštějí jeviště. Po říjnové revoluci chtěli „shodit balet z lodi modernity“, ale dokázali ho ubránit. sovětská éra byl poznamenán vytvořením značného množství mistrovských děl. Představujeme pět ruských špičkových baletů – v chronologickém pořadí.

"Don Quijote"

Scéna z baletu Don Quijote. Jedna z prvních inscenací Mariuse Petipy

Premiéra baletu L.F. Minkus "Don Quijote" Velké divadlo. 1869 Z alba architekta Alberta Kavose

Scény z baletu Don Quijote. Kitri - Ljubov Roslavleva (uprostřed). Režie A.A. Gorského. Moskva, Velké divadlo. 1900

Hudba L. Minkus, libreto M. Petipa. První inscenace: Moskva, Velké divadlo, 1869, choreografie M. Petipa. Následné inscenace: Petrohrad, Mariinské divadlo, 1871, choreografie M. Petipa; Moskva, Velké divadlo, 1900, Petrohrad, Mariinské divadlo, 1902, Moskva, Velké divadlo, 1906, vše - choreografie A. Gorského.

Balet "Don Quijote" - plný života a radosti divadelní představení, věčná oslava tance, která dospělé nikdy neomrzí a na kterou rodiče rádi vezmou své děti. Přestože je pojmenován po hrdinovi slavného Cervantesova románu, je založen na jedné z jeho epizod „Svatba Quiterie a Basilia“ a vypráví o dobrodružstvích mladých hrdinů, jejichž láska nakonec zvítězí i přes odpor hrdinčin tvrdohlavý otec, který ji chtěl provdat za bohatého Gamache.

Don Quijote s tím tedy nemá skoro nic společného. Během celého představení se po jevišti prochází vysoký, hubený umělec v doprovodu malého kolegu s břichem ztvárňujícího Sancho Panzu a občas ztěžuje sledování skladeb složených Petipou a Gorským. úžasný tanec. Balet je v podstatě koncert v kostýmech, oslava klasického a charakterního tance, kde mají práci všichni tanečníci jakéhokoli baletního souboru.

První inscenace baletu se konala v Moskvě, kam Petipa čas od času zavítal, aby pozdvihl úroveň místního souboru, který se nedal srovnávat s brilantním souborem Mariinského divadla. Ale v Moskvě se dalo dýchat volněji, takže choreograf v podstatě nastudoval baletní vzpomínku nádherná léta mládí strávené ve slunné zemi.

Balet měl úspěch a Petipa ho o dva roky později přesunul do Petrohradu, což si vyžádalo úpravy. V severním hlavním městě charakteristické tance se zajímali mnohem méně než o čistou klasiku. Petipa rozšířil „Don Quijote“ na pět dějství, zkomponoval „white act“, tzv. „Don Quijote’s Dream“, skutečný ráj pro milovníky balerín v tutech a majitelky hezkých nohou. Počet amorů ve „Snu“ dosáhl padesáti dvou...

Don Quijote se k nám dostal v přepracování od moskevského choreografa Alexandra Gorského, který měl zájem o myšlenky Konstantina Stanislavského a chtěl udělat starý balet logičtějším a dramaticky přesvědčivějším. Gorskij zničil Petipovy symetrické kompozice, zrušil tutovky ve scéně „Dream“ a trval na použití tmavého make-upu pro tanečnice zobrazující španělské ženy. Petipa mu říkal „prase“, ale již v první adaptaci Gorského byl balet uveden na jevišti Velkého divadla 225krát.

"Labutí jezero"

Kulisy pro první představení. Velké divadlo. Moskva. 1877

Scéna z baletu „Labutí jezero“ od P.I. Čajkovskij (choreografové Marius Petipa a Lev Ivanov). 1895

Hudba P. Čajkovskij, libreto V. Begichev a V. Geltser. První inscenace: Moskva, Velké divadlo, 1877, choreografie V. Reisinger. Následná inscenace: Petrohrad, Mariinské divadlo, 1895, choreografie M. Petipa, L. Ivanov.

Milovaný balet, jehož klasická verze byla uvedena v roce 1895, se ve skutečnosti zrodil o osmnáct let dříve v moskevském Velkém divadle. skóre Čajkovského, světová sláva která měla teprve přijít, byla jakousi sbírkou „písní beze slov“ a zdála se na tu dobu příliš složitá. Balet byl uveden asi 40krát a upadl v zapomnění.

Po Čajkovského smrti bylo Labutí jezero uvedeno v Mariinském divadle a všechny následující inscenace baletu vycházely z této verze, která se stala klasikou. Akce dostala větší jasnost a logiku: balet vyprávěl o osudu krásné princezny Odette z vůle zlý génius Rothbart se proměnil v labuť, o tom, jak Rothbart oklamal prince Siegfrieda, který se do ní zamiloval, tím, že se uchýlil ke kouzlům své dcery Odile, a o smrti hrdinů. Čajkovského partituru dirigent Riccardo Drigo zkrátil přibližně o třetinu a re-orchestroval. Petipa vytvořil choreografii pro první a třetí dějství, Lev Ivanov - pro druhé a čtvrté. Toto je rozdělení ideálním způsobem odpověděl na volání obou skvělých choreografů, z nichž druhý musel žít a zemřít ve stínu prvního. Petipa - otec klasický balet, tvůrce dokonale harmonických skladeb a zpěvačka pohádkové ženy, hračičky. Ivanov je inovativní choreograf s neobyčejně citlivým citem pro hudbu. Roli Odette-Odile ztvárnila Pierina Legnani, „královna milánských balerín“, je také první Raymondou a vynálezkyní 32. fouetté, nejtěžšího typu spinu na špičkách.

O baletu možná nic nevíte, ale Labutí jezero zná každý. V posledních letech existence Sovětský svaz, kdy se postarší vůdci dost často nahrazovali, oduševnělá melodie „bílého“ duetu hlavních postav baletu a cákání okřídlených rukou z televizní obrazovky ohlašovaly smutnou událost. Japonci milují „Labutí jezero“ natolik, že jsou připraveni ho sledovat ráno i večer v podání jakéhokoli souboru. Bez „labutě“ se neobejde ani jeden zájezdový soubor, kterých je v Rusku a zejména v Moskvě mnoho.

"Louskáček"

Scéna z baletu "Louskáček". První výroba. Marianna - Lydia Rubtsova, Klára - Stanislava Belinskaya, Fritz - Vasilij Stukolkin. Mariinské divadlo. 1892

Scéna z baletu "Louskáček". První výroba. Mariinské divadlo. 1892

Hudba P. Čajkovskij, libreto M. Petipa. První inscenace: Petrohrad, Mariinské divadlo, 1892, choreografie L. Ivanov.

V knihách a na webových stránkách se stále objevují mylné informace, že „Louskáček“ nastudoval otec klasického baletu Marius Petipa. Petipa ve skutečnosti pouze napsal scénář a první inscenaci baletu provedl jeho podřízený Lev Ivanov. Ivanov stál před nesplnitelným úkolem: scénář, vytvořený ve stylu tehdy módního extravagantního baletu s nepostradatelnou účastí italského hosta, byl ve zjevném rozporu s Čajkovského hudbou, která, přestože byla napsána v přísném souladu s Petipovou instrukce, vyznačoval se velkým citem a dramatickou bohatostí a složitým symfonickým vývojem. Hrdinkou baletu byla navíc dospívající dívka a hvězdné baletce bylo předurčeno pouze závěrečné pas de deux (duet s partnerem, skládající se z adagia - pomalá část, variace - sólové tance a coda ( virtuózní finále)). První inscenace Louskáčka, kde bylo první dějství převážně pantomimickým, se výrazně lišilo od druhého dějství, zpestření, kritici zaznamenali pouze Valčík sněhových vloček (účastnilo se ho 64 tanečníků); a Pas de deux Cukrové švestkové víly a prince z černého kašle , inspiračním zdrojem bylo Ivanovovo Adagio s růží ze Šípkové Růženky, kde Aurora tančí se čtyřmi pány.

Ale ve dvacátém století, které dokázalo proniknout do hlubin Čajkovského hudby, byl „Louskáček“ předurčen pro skutečně fantastickou budoucnost. V Sovětském svazu, evropských zemích a USA existuje nespočet baletních inscenací. Obzvláště populární jsou v Rusku inscenace Vasilije Vainonena v Leningradském státním akademickém divadle opery a baletu (dnes Mariinské divadlo v Petrohradě) a Jurije Grigoroviče v moskevském Velkém divadle.

"Romeo a Julie"

Balet "Romeo a Julie". Julie - Galina Ulanova, Romeo - Konstantin Sergeev. 1939

Paní Patrick Campbell jako Julie v Shakespearově Romeovi a Julii. 1895

Finále baletu "Romeo a Julie". 1940

Hudba S. Prokofjev, libreto S. Radlov, A. Piotrovskij, L. Lavrovskij. První inscenace: Brno, Divadlo opery a baletu, 1938, choreografie V. Psoty. Následná produkce: Leningrad, Státní akademická opera a baletní divadlo pojmenované po. S. Kirov, 1940, choreografie L. Lavrovskij.

Pokud zní shakespearovská fráze ve slavném ruském překladu „Na světě není smutnější příběh než příběh Romea a Julie“, pak řekli o baletu napsaném velkým Sergejem Prokofjevem na tomto pozemku: „Na světě není smutnějšího příběhu než Prokofjevova hudba v baletu“. Partitura „Romeo a Julie“ se v době svého vzniku zdála být příliš složitá a pro balet nevhodná, skutečně úžasná svou krásou, bohatostí barev a výrazností. Baletní tanečníci na to prostě odmítli tančit.

Prokofjev partituru napsal v roce 1934 a původně nebyla určena pro divadlo, ale pro slavnou Leningradskou akademickou choreografickou školu na oslavu 200. výročí. Projekt nebyl realizován kvůli vraždě Sergeje Kirova v Leningradu v roce 1934, došlo ke změnám v předním hudebním divadle druhého hlavního města. Nevyšel ani plán inscenovat „Romea a Julii“ v moskevském Bolshoi. V roce 1938 uvedlo premiéru divadlo v Brně a teprve o dva roky později byl Prokofjevův balet konečně uveden i v autorově domovině, v tehdejším Kirově divadle.

Choreograf Leonid Lavrovsky, jako součást velmi uznávaný Sovětská mocžánru „dramabalet“ (forma choreografického dramatu charakteristická pro balet 30.–50. let) vytvořila působivou, vzrušující podívanou s pečlivě vytvarovanými davovými scénami a rafinovaně nastíněnými psychologickými charakteristikami postav. K dispozici mu byla Galina Ulanova, nejsofistikovanější baletka-herečka, která zůstala nepřekonatelná v roli Julie.

Prokofjevovu partituru rychle ocenili západní choreografové. První verze baletu se objevily již ve 40. letech 20. století. Jejich tvůrci byly Birgit Kullberg (Stockholm, 1944) a Margarita Froman (Záhřeb, 1949). Pozoruhodné inscenace"Romeo a Julie" patří Fredericku Ashtonovi (Kodaň, 1955), Johnu Crankovi (Milán, 1958), Kenneth MacMillanovi (Londýn, 1965), Johnu Neumeierovi (Frankfurt, 1971, Hamburk, 1973).I. Moiseeva, 1958, choreografie Yu Grigorovič, 1968.

Bez Spartaku je koncept „sovětského baletu“ nemyslitelný. Toto je skutečný hit, symbol doby. Sovětské období vyvinulo další témata a obrazy, hluboce odlišné od tradičního klasického baletu zděděného po Marii Petipovi a Císařská divadla Moskva a Petrohrad. Pohádky se šťastným koncem byly archivovány a byly nahrazeny hrdinskými příběhy.

Již v roce 1941 jeden z předních sovětští skladatelé Aram Chačaturjan hovořil o svém záměru napsat hudbu pro monumentální, hrdinské představení, které by mělo být uvedeno na scéně Velkého divadla. Námětem pro něj byla epizoda ze starověké římské historie, povstání otroků vedené Spartakem. Chačaturjan vytvořil barevnou partituru s použitím arménských, gruzínských, ruských motivů a plnou krásných melodií a ohnivých rytmů. Produkci měl provést Igor Moiseev.

Trvalo mnoho let, než se jeho dílo dostalo k publiku a neobjevilo se ve Velkém divadle, ale v Divadle. Kirov. Choreograf Leonid Yakobson vytvořil ohromující inovativní představení, které opustilo tradiční atributy klasického baletu, včetně tance na špičatých botách, s využitím volné plasticity a balerín v sandálech.

Ale balet „Spartacus“ se stal hitem a symbolem éry v rukou choreografa Jurije Grigoroviče v roce 1968. Grigorovič diváka ohromil dokonale strukturovanou dramaturgií, subtilním ztvárněním charakterů hlavních postav, zručnou inscenací davových scén a čistotou a krásou lyrických adagií. Své dílo nazval „představení pro čtyři sólisty s corps de ballet“ (corps de ballet jsou umělci zapojení do masových tanečních epizod). Roli Spartaka ztvárnili Vladimir Vasiliev, Crassus - Maris Liepa, Phrygia - Ekaterina Maksimova a Aegina - Nina Timofeeva. Balet byl převážně mužský, což činí balet „Spartacus“ jedinečným.

Kromě slavných čtení Spartaka od Jacobsona a Grigoroviče existuje asi 20 dalších inscenací baletu. Patří mezi ně verze Jiřího Blažka pro Pražský balet, László Szeregiho pro Budapešťský balet (1968), Jüriho Vamose pro Arena di Verona (1999), Renata Zanella pro Vídeňský balet Státní opera(2002), Natalia Kasatkina a Vladimir Vasiljov pro Státní akademické divadlo klasického baletu v Moskvě, které vedli (2002).

Balet je poetické umění. Charakterizují ho vznešená, hrdinská, lyrická témata. Báječný úžasný svět taneční obrazy hluboce vzrušují a probouzejí vznešené touhy.

Baletní představení kombinují fascinující děj vytvořený spisovatelem, hudbu složenou skladatelem, tanec vymyšlený choreografem a v podání umělců, malebné kulisy a kostýmy vytvořené podle plánů umělce.

Tento komplexní umění se vyvinul poměrně pozdě. Balet je starý něco málo přes čtyři sta let, i když taneční umění existuje již několik tisíciletí (viz článek „Lidový tanec“).

Balet vznikl v Itálii v 15. století. Od lidových tanců přešel název „balletti“ (italsky „ballare“ - tančit a „balletti“ - tance) na složitější tance provozované na dvorních plesech. Na dvorech panovníků se často konala kostýmní vystoupení s tancem, zpěvem a recitací, kterých se účastnili sami dvořané. Tyto první balety se skládaly z volně propojených „výstupů“ postav, nejčastěji převzatých Řecká mytologie. Jeden bohatě a přepychově oblečený pár vystřídal druhý. Po všech „výjezdech“ začal obecný tanec nebo „velký balet“.

Takové představení bylo uvedeno v Itálii na velkolepé hostině ve městě Tortona (1489). Starověcí bohové a hrdinové při tanci podávali hostům jídlo. Mořská božstva přinášela rybí pokrmy, bohyně plodnosti podávaly ovoce a sladkosti. Tento gastronomický balet skončil velkolepým vstupem Baccha, boha vína. Stejné myšlenky se objevily u mnoha evropských soudů.

Postupně jsou ve dvorních baletech mytologické hrdiny nahrazovány komickými maskami znázorňujícími lidi z lidu – pradleny, hostinské, ševce aj. Všechny role v baletu plnili pouze muži.

Róby a masky účastníků dvorního baletu byly objemné a nepohodlné. Například švec musel tančit v obrovské botě, která mu zakrývala hlavu, a kostým houslisty sestával z velkých houslí. Hrdinové starověku byli také oblečeni do těžkého obleku, připomínajícího dvorní oděv. V takových kostýmech bylo velmi obtížné tančit, a tak se veškeré baletní pohyby omezovaly na plynulou chůzi, ladné úklony a ladné pózy. Kromě toho, pokud se ženy účastnily soudních plesů spolu s muži, pak na jevišti ženské role v podání chlapců v maskách a parukách.

Dvořané tančili náhodně, protože pravidla pro provádění tanečních pohybů ještě neexistovala.

Dekretem francouzského krále Ludvíka XIV. byla v roce 1661 založena Královská akademie tance, aby vyvinula pravidla a systém tanců. Jeho součástí bylo třináct tanečních učitelů jmenovaných králem. Založena v roce 1669 hudební divadlo(Královská hudební akademie), kde zprvu v operách a baletech tančili pouze dvořané. Zpočátku se baletní představení téměř nelišila od dvorních. Hudba, tanec a zpěv na sebe volně navazovaly a nevytvářely ucelený umělecký dojem. Tance byly stejné jako u dvora - pomalé menuety, gavoty, daleko od svého lidového zdroje. Ženy směly vystoupit na jeviště až v roce 1681. Musely tančit v těžkém dlouhé šaty a nosí vysoké podpatky. Takové kostýmy bránily tanečníkům předvádět složité virtuózní tance, a proto byla dovednost mužských tanců vynikající. ženský tanec ladnost, elegance, plynulost a technika.

V Itálii pominula móda dvorního baletu mnohem dříve a taneční umění se zcela zprofesionalizovalo. Italští tanečníci byli proslulí svou virtuozitou taneční techniku. Ale stále toho bylo hodně, co bránilo tomu, aby se balet stal skutečným uměním - texty doprovázející tanec, objemné kostýmy a maska, která skrývala celou umělcovu tvář.

Teprve v roce 1773 poprvé upustil tanečník Maxmilián Gardel tradiční maska. O něco později dosáhla baletka Marie Camargo určité svobody pohybu tím, že zkrátila sukni těsně nad kotník a opustila podpatky, a Marie Salle začala tančit ve volných, lehkých šatech připomínajících řeckou tuniku. Tanec postupně nabýval na významu.

Zvláště velký přínos pro rozvoj západoevropského baletu měl francouzský choreograf Jean-Georges Noverre (1727-1810). Ve svých „Dopisech o tanci“ (1760) vyzval k vytvoření „účinného“, tedy smysluplného a výrazného tance, ve kterém by se pocity, myšlenky a události odhalovaly v pantomimě a tanečních pohybech. Tyto pokročilé nápady Noverre se jen částečně realizoval v baletních představeních inscenovaných na vévodském dvoře ve Stuttgartu a na dalších scénách.

Noverrovy názory měly obrovský vliv na další vývoj baletu. Z tradiční kroj a masky byly odmítnuty. Baletní tanečníci začali tančit volně, lehce

oblečení. Jejich taneční pohyby se staly přirozenějšími, výraznějšími a pestřejšími. Noverrovi studenti a následovníci vytvořili první baletní představení v historii choreografie, kde se spojila hudba, kostýmy, kulisy a smysluplný duchovní tanec. Balet Marná opatrnost, který Dauberval uvedl před více než sto padesáti lety, žije na scénách baletních divadel i dnes.

V letech francouzské buržoazní revoluce bylo baletní umění obohaceno o prvky lidového tance, dříve pro dvorní umělce nepřijatelné. Umění revoluční éry se obrátilo k hrdinským obrazům starověku.

Jedna z úžasných choreografická vystoupení V té době vytvořil choreograf Pierre Gardel „Offering to Freedom“. Do toho byl zaveden tanec, provozovaný na hudbu Marseillaisy.

V 18. stol choreografie byla obohacena o výrazové prostředky. Baletní tanečnice, oblečené do lehkých tunik a sandálů, už mohly tančit na vysokých polopatech. Pohyby rukou se staly volnými a pružnými; mimikou, pohyby a gesty se herci snažili vyjádřit pocity svých postav.

Kolem roku 1800 byl vynalezen trikot (pletený oblek tělové barvy, který těsně přiléhá k nohám a tělu) a tanečníci dostali úplnou svobodu pohybu. Úroveň tanečních dovedností se výrazně zvýšila. Však mužský tanec stále byla virtuóznější než ta ženská.

Na základě úspěchů baletního umění vyvinul italský tanečník a učitel Carlo Blasis (1803-1878) systém výuky tance založený na pěti výchozích polohách nohou. Blazis použil „arzenál“ pohybů vypůjčených generacemi umělců a choreografů z lidového a dvorního tance, ze starověkého umění. Tento systém byl později nazýván „klasický“.

V první polovině 19. stol. Nakonec byly vytvořeny italské a francouzské školy klasického baletu.

Italské baletní divadlo se vyznačovalo virtuózní technikou, složitými skoky a ostrými, strnulými pohyby rukou. Někdy kvůli vnější brilantnosti a virtuozitě umělci obětovali smysluplnost a expresivitu tance. Choreograf S. Viganò, který úspěšně inscenoval vážné a složité balety na hudbu Beethovena podle zápletek Shakespearových tragédií aj., zůstal v milánském divadle La Scala sám.

Francouzská baletní škola byla na rozdíl od italské proslulá ladností, plasticitou, měkkostí linek, ale zároveň se vyznačovala chladem provedení. Baletní představení ve Francii v 18. století. obvykle založené na starověkém nebo mytologickém spiknutí.

Umělci královské divadlo Nesnažili se ani pravdivě reprodukovat historické či národní rysy, ale napodobovali dvorské manýry a kroje. Starověcí řečtí ovčáci se na pódiu objevili v botách s červenými podpatky po vzoru dvorních dandies a v napudrovaných parukách s kadeřemi. To vše vedlo ke zklamání z klasicismu u mnoha choreografů a umělců, které je přimělo hledat nové prostředky, které by mohly plněji zprostředkovat pravdu života.

V Rusku se profesionální baletní umění objevilo v 18. století. Přestože učitelé a režiséři byli zpočátku cizinci, ruští tanečníci z nich kreativně vnímali to, co splňuje požadavky blízkého lidový tanec ruská taneční kultura, která ji obohatila a zušlechťovala. Snažili se prodchnout vypůjčené prvky národním duchem.

Tak vznikla ruská škola klasického tance. Nejdůležitější etapa Jeho rozvoj je spojen s pobytem francouzského choreografa Charlese Didelota (1767 -1837) v Rusku - jednoho z tvůrců romantismu v baletním umění. Naživu lidské pocity, poetická vznešenost obsahu umělecké obrazy, svobodný a odvážný způsob představení - to ho zvláště přitahovalo v jeho baletech a bylo novým slovem v umění. Pomáhal umělcům vytvářet historicky pravdivé obrazy, reinterpretoval obsah starých mýtů a na jejich základě inscenoval balety „Acis a Galatea“, „Zefýr a Flora“, „Amor a Psyché“.

Didlo zavedeno jako prostředek umělecký projev„létající balet“, tedy přelety účinkujících nad jevištěm, prováděné pomocí mechanických zařízení.

Ještě na anglické scéně začal Didelot inscenovat žánrově realistické balety. Ale Didelotovými nejvýraznějšími výtvory byly dramatické balety, které inscenoval v Rusku. Kavkazský vězeň"(podle A.S. Puškina), "Maďarská chata", "Raulde Kreki". Didelot, kterému jeho současníci říkali „Shakespeare a Byron baletní scény“, dovedně střídal vtipné a dramatické epizody, donutil diváka sledovat osudy hrdinů s hlubokými sympatiemi. Pravda, v Didelotových baletech bylo také hodně pantomimy a tanec měl pomocnou povahu, protože postavy tančily hlavně na svátcích a všech druzích oslav.

V Rusku takové vychoval Didelot slavné baletky, jako Avdotya Istomina a Maria Danilova. Po Didelotovi se s každou novou generací stal ruský balet originálnějším.

Představili se ruští choreografové Walberch a Glushkovsky národní témata k baletu.

Bez choreografa se neobejde ani jedno baletní představení. Odhaluje obsah skladatelem napsané hudby v tanečních obrazech, promýšlí skladbu a kombinaci tanců a rozvíjí všechny role. Složité emocionální zážitky a silné vzepětí jsou zprostředkovány v umělecké formě tanečních obrazů. lidský duch. Někdy se choreografovi v tanci podaří vyjádřit ne méně myšlenek a pocity než slova.

Didelotova tvůrčí fantazie dala vzniknout romantickému baletu, vyjadřujícímu touhu po vznešenosti, poetizující sny a pohádky. Hrdiny samotného romantického baletu byly nejrůznější fantastické bytosti – elfové, sylfy, duchové a stíny. Ballerina Maria Taglioni a její otec, choreograf Philippe Taglioni, byli ve 30. letech. XIX století nejtypičtější představitelé tohoto nového baletu.

Nejlepší balet romantické éry Giselle byl uveden v roce 1841 v Paříži. Vykresluje tragédii čisté, důvěřivé selské dívky, hluboce šokované nevěrou svého milovaného. Giselle umírá žalem a mění se v lesní vílu-wilisu. Tento věčně mladistvý balet mluví jazykem tance skvělé pocity a dodnes je zařazena do repertoáru sovětských i zahraničních divadel.

Neméně vzrušujícím výtvorem éry romantismu je balet „Esmeralda“, nastudovaný vynikajícím francouzským choreografem J. Perrotem (1810-1892) podle románu V. Huga „Notre Dame de Paris“ (viz článek „Victor Hugo “). Nebylo zde jediné fantastické stvoření. Perrault se snažil přímo vyjádřit dramatickou akci v tanci. Talent tohoto choreografa se ve své vlasti nedočkal uznání a skutečně rozkvetl v Anglii a zejména v Rusku.

Historie ruského baletu je úzce spjata s vývojem ruštiny klasická hudba. Před příchodem baletní hudby P. I. Čajkovského sloužila hudba pouze jako doprovod k tanci: vyžadovalo se od ní jen určité tempo, rytmus a zapamatovatelná melodie. Čajkovského symfonická baletní hudba, hluboká, barevná, výrazná, pomohla divákovi představit si to, co nelze vyjádřit tancem. V baletu „Louskáček“ skladatel odhalil jasný, radostný svět dětských snů, v „Labutím jezeře“ mluvil o lásce, která ničí zlá kouzla, v „Šípkové Růžence“ ukázal triumf dobra nad zlem. Krása a čistota vnitřní světčlověka, oslavovaný Čajkovským, se navždy stal hlavním obsahem ruského baletního umění.

Při práci na Šípkové Růžence se Čajkovskij nejednou obrátil o radu na skvělého choreografa Mariuse Petipu (1822-1910). Narodil se jako Francouz, téměř šedesát let se věnoval ruskému baletu. Petipa, velký znalec klasického tance, byl úspěšný zejména v baletech „Šípková Růženka“, „Don Quijote“, „La Bayadère“, ve kterých tance jakoby splývaly s hudbou.

Další vynikající režisér Čajkovského baletů Lev Ivanov (1834 -1901) vytvořil úžasné lyrické tance labutí v Labutím jezeře (2. a 4. dějství baletu). Ivanov se snažil v tanci vyjádřit veškeré bohatství obsahu hudby.

Úplného spojení hudby, tance a malby v baletní představení bylo dosaženo na počátku 20. století. choreografové M. Fokin a A. Gorskij. Podařilo se jim nejen pravdivě reprodukovat život na baletní scéně, ale také najít pro každý balet jedinečné výrazové prostředky, které odpovídaly obsahu. Gorsky a Fokin ve spolupráci s nejlepšími umělci vychovali vysoká úroveň umění performance designu.

Na Západě v druhé polovině 19. stol. balet upadl, ztratil svůj samostatný význam a stal se přílohou opery, zatímco ruské baletní umění nadále rozvíjelo nejlepší rysy klasického baletu.

Klasický balet se vyznačuje přísným vzorem pohybu, ušlechtilou čistotou a spiritualitou provedení.

Všechny výrazové prostředky klasického baletu slouží k odhalení hlubokého obsahu a komplexních prožitků postav.

Zájezdy ruského baletu v Paříži a Londýně (na počátku 20. století) udělaly na západní publikum ohromující dojem. Vynikající ruská balerína Anna Pavlova byla uznávána jako jedna z největších tanečnic klasická škola. V tanci „Umírající labuť“ (hudba Saint-Saëns, choreografie M. Fokin), který trval pouhé tři minuty, odhalila Pavlova celou řadu zážitků. Brilantní dovednost ruských choreografů a umělců, inspirované umění Anny Pavlové mělo obrovský vliv na oživení evropského baletu. Pavlova a po jejích dalších učitelích otevřeli v Anglii školy klasického tance. Talentovaní umělci, které vycvičili, vytvořili profesionální soubory, které existují dodnes („Balet Marie Rambert“, „Royal Ballet“ – dříve „Sadler’s Wells“). Jejich repertoár zahrnuje nejen balety ruských skladatelů, ale i nádherná díla Čajkovského.

Ve 30. letech XX století Národní balet byl obnoven ve Francii, Itálii a dalších zemích. Hodně si vypůjčil z ruské a sovětské školy klasického tance, která je na Západě mimořádně populární.

Nejlepší klasické dědictví Ruská škola získala svůj další rozvoj v sovětském baletu. Právem ji lze považovat za novou, vyšší etapu choreografického umění. Klasický tanec v sovětském baletu se v souladu s požadavky naší doby neustále vyvíjí, zdokonaluje a obohacuje, absorbuje to nejlepší z tanečního umění naší země.

„Labutí jezero“, „Šípková Růženka“, „Giselle“ živě na sovětské scéně nový život. Po uchování všeho cenného z minulých inscenací jsou prodchnuti jiným vnímáním hudby, novou představou o velikosti a kráse života a jsou naplněni zvláštním dramatickým napětím. Sovětské baletní umění se snaží odhalit v člověku to nejlepší, veškeré bohatství jeho vnitřního světa. Nejen, že potěší oko, ale také probudí ušlechtilé touhy, vysoké pocity a myšlenky v publiku.

Sovětskému choreografickému umění se připisuje vytvoření velkých realistických baletů věnovaných lidovým hrdinům a bojovníkům za svobodu z různých zemí a epoch. Toto je „Červený mák“ od Gliere (viz článek „R. M. Gliere“) v inscenaci V. Tikhomirova a L. Lashchilina; „Flames of Paris“ od B. Asafieva, choreografa Vainonena; „Spartak“ od Chačaturjana (viz článek „Aram Chačaturjan“); „Laurencia“ od A. Cranea, choreografa V. Chabukianiho; „The Path of Thunder“ Kara Karaeva, choreograf K. Sergeev; " Kamenná květina» S. Prokofjev, choreograf Yu Grigorovič.

Do zlatého fondu sovětský balet zahrnoval tak nádherná díla jako „ Bachchisarai fontána"B. Asafiev a "Romeo a Julie" od S. Prokofjeva (viz článek "S. S. Prokofjev"). Režisérům těchto baletů, choreografům R. Zacharovovi a L. Lavrovskému, se podařilo přeložit poetický obsah velkých Puškinových děl a Shakespeara do jazyka tance .

Sovětský lid je na to hrdý vynikající umělci, jako Ulanova (viz článek „G. S. Ulanova“), M. Plisetskaya, O. Lepeshinskaya, R. Struchkova, K. Sergeev, V. Chabukiani a mnoho dalších slavných studentů sovětské baletní školy.

Turné vzbudilo všeobecný obdiv zahraničního publika. sovětští umělci, které se spolu s režiséry podařilo proměnit balet v „intenzivní dramatickou inscenaci, plnou živosti, choreografické invence... jevištních efektů a emocionality“ - jak napsala zahraniční tisk. Představení sovětského baletu v řadě evropských zemí a Americe byla považována za „události historického významu“.

Pokud najdete chybu, zvýrazněte část textu a klikněte Ctrl+Enter.

Historie baletu pro děti vám napoví, jak a kde se balet objevil.

Kdy se balet objevil?

Termín „balet“ se objevil na konci 16. století (z italského baletu - tančit). Tehdy to ale neznamenalo představení, ale pouze taneční epizodu přenášející určitou náladu.

Balet jako umělecká forma je poměrně mladá. Tanec, který zdobí naše životy, je již u konce 400 let. Místem, kde balet vznikl, je severní Itálie, a to se stalo během renesance. Místní knížata milovala velkolepé palácové slavnosti a najala si taneční mistry, kteří s urozenými lidmi nacvičovali taneční pohyby a jednotlivé figury.

To je věřil, že ten, kdo vynalezl balet, byl Italský choreograf Baltazarini di Belgioioso. Nastudoval první baletní představení s názvem „The Queen's Comedy Ballet“, které bylo uvedeno ve Francii v roce 1581.

Právě ve Francii se balet začal rozvíjet. Za vlády Ludvíka XIV. dosáhla dvorní baletní představení zvláštního lesku.

Stručná historie ruského baletu

V Rusku bylo 8. února 1673 poprvé uvedeno baletní představení s názvem „Balet Orfea a Eurydiky“. Stalo se tak v paláci cara Alexeje Michajloviče. Pomalé a slavnostní tance představovaly ladné pózy, pohyby a úklony, které se střídaly s řečí a zpěvem.

Jen o čtvrt století později, spolu s reformami Petra I., tanec a hudba vstoupily do života ruského lidu. Ve vzdělávacích institucích byly taneční kurzy vybaveny pro šlechtice. Na královském dvoře začali vystupovat zahraniční operní umělci, hudebníci a baletní soubory.

První baletní škola v Rusku byla otevřena v roce 1731. Říkalo se tomu šlechtický zemský sbor. Je považován za kolébku ruského baletu. Jean Baptiste Lande, francouzský tanečník, výrazně přispěl k rozvoji baletní školy. Je zakladatelem ruského baletu. Lande také otevřel první baletní taneční školu v Rusku. Dnes je pojmenována Akademie ruského baletu. A.Ya.Vaganova.

Balet dostal další impuls ve svém rozvoji za vlády carevny Alžběty Petrovny. Po pozvání choreografa z Francie Didelota do Ruska dosáhlo toto umění zvláštního vrcholu - ladné inscenace, pózy a design vytvořily senzaci.

Nejkrásnější ze všech umění.

Nejkrásnější ze všech umění, balet, vypráví příběhy o lásce a smrti jazykem srozumitelným všem lidem na Zemi. Trvalé hodnoty, opakované zločiny a zázraky víry, přísahy a povinnosti nacházejí své vyjádření v tanci. "Na počátku bylo Slovo," říká Bible, ale Maya Plisetskaya namítá: "Na počátku bylo gesto!" Umění tichého pohybu nevyžaduje lidský jazyk ani překlad. Krása těla v pohybu, tělo jako nástroj k tvorbě umění, nyní samo o sobě slouží jako „zápletky“ pro bezzápletkové tance. Balet je nemožný bez techniky klasického tance, bez přirozenosti těla, bez obětí a bezpodmínečná láska, bez potu a krve. A přesto je balet dokonalým pohybem, díky kterému zapomenete na vše malicherné a pozemské.

Stručná historie ruského baletu.

První baletní představení v Rusku se konalo na Maslenici 17. února 1672 na dvoře cara Alexeje Michajloviče v Preobraženskoje. Před začátkem představení vystoupil na scénu herec ztvárňující Orfea a zazpíval německé kuplety, přeložené do cara překladatelem, v nichž byly vychvalovány nádherné vlastnosti duše Alexeje Michajloviče. V té době stály na obou stranách Orfea dvě pyramidy zdobené prapory a osvětlené různobarevnými světly, které po Orfeově písni začaly tančit. Za Petra I. se v Rusku objevily tance moderní význam tohoto slova: byly zavedeny menuety, venkovské tance atd. Vydal dekret, podle kterého se tanec stal hlavní součástí dvorské etikety a urozená mládež byla povinna se tanci učit. V roce 1731 byl v Petrohradě otevřen Zemský šlechtický sbor, který byl předurčen stát se kolébkou ruského baletu. Vzhledem k tomu, že se s absolventy sboru v budoucnu počítalo s vysokými vládními funkcemi a potřebovali znalost světských mravů, bylo nutné studium výtvarného umění vč. společenský tanec, byl v budově přidělen významný prostor. května 1738 otevřel francouzský taneční mistr Jean Baptiste Lande první baletní taneční školu v Rusku – „Taneční škola Jejího Imperial Majesty’s School“ (nyní Vaganova Academy of Russian Ballet).

Ve speciálně vybavených pokojích Zimní palác Lande začal trénovat 12 ruských chlapců a dívek. Studenti se rekrutovali z dětí jednoduchý původ. Vzdělávání ve škole bylo bezplatné, žáci byli plný obsah. Balet se dále rozvíjel v Rusku za vlády Alžběty Petrovny. Mezi kadety pozemního sboru exceloval v tanci Nikita Beketov. Kromě toho se Beketov, který se později stal Elizabethiným oblíbencem, těšil zvláštní přízni císařovny, která sama oblékala mladého muže, který skvěle hrál ženské role. V roce 1742 byl ze studentů Landeovy školy vytvořen první baletní soubor a v roce 1743 se začaly jeho účastníkům platit poplatky. srpna 1759, v den císařovniných jmenin a u příležitosti vítězství nad pruskými vojsky u Frankfurtu, bylo slavnostně uvedeno baletní drama „Útočiště ctnosti“, které mělo obrovský úspěch.

Za vlády Kateřiny II. si balet v Rusku získal ještě větší oblibu a dále se rozvíjel. U příležitosti její korunovace byl v moskevském paláci uveden luxusní balet „Radostný návrat k arkádským pastýřům a pastýřkám bohyně jara“, kterého se zúčastnili ti nejvznešenější šlechtici. Je známo, že ve dvorním divadle v baletní představení Následník trůnu Pavel Petrovič často tančil. Od dob Kateřiny II. se v Rusku objevila tradice poddanských baletů, kdy statkáři zakládali soubory složené z poddaných rolníků. Z těchto baletů se největší slávě těšil balet statkáře Nashchokina.

V roce 1766 z Vídně propuštěný choreograf a skladatel Gasparo Angiolini dodal baletnímu představení ruskou příchuť - do hudebního doprovodu baletních představení vnesl ruské melodie, které všechny překvapily a získaly univerzální chválu. Na počátku vlády Pavla I. byl balet stále v módě. Zajímavostí je, že za Pavla I. byla vydána zvláštní pravidla pro balet - bylo nařízeno, že během představení nesmí být na jevišti jediný muž, role mužů tančily Evgenia Kolosová a Nastasya Berilova.

To pokračovalo, dokud Auguste Poirot nedorazil do Petrohradu. Za vlády Alexandra I. ruský balet pokračoval ve svém rozvoji a dosáhl nových výšin. Ruský balet vděčí za svůj úspěch v této době především pozvaným Francouzský choreograf Karl Didelot, který přijel do Ruska v roce 1801. Pod jeho vedením začaly v ruském baletu zářit tanečnice jako Maria Danilova nebo Evdokia Istomina. V této době dosáhl balet v Rusku nebývalé popularity. Derzhavin, Pushkin a Griboyedov zpívali balety Didelota a jeho studentů - Istomin a Teleshova. Císař miloval baletní představení a téměř nikdy nevynechal jediné. V roce 1831 Didelot opustil petrohradské jeviště kvůli konfliktu s divadelním režisérem princem Gagarinem. Brzy začala na petrohradské scéně zářit hvězda Evropský balet Maria Taglioni.

Debutovala 6. září 1837 v baletu La Sylphide a potěšila veřejnost. Takovou lehkost, tak cudnou půvab, tak mimořádnou techniku a mimiku ještě nikdo z tanečníků nepředvedl. V roce 1841 se rozloučila s Petrohradem, během této doby tančila více než 200krát.

V roce 1848 přijela do Petrohradu Taglioniho rivalka Fanny Elslerová, proslulá svou grácií a mimikou. Po ní navštívila Petrohrad Carlotta Grisi, která debutovala v roce 1851 v „Giselle“ a měla velký úspěch, když se ukázala jako prvotřídní tanečnice a vynikající mimická herečka. Choreografové Marius Petipa, Joseph Mazilier a další v této době důsledně inscenovali luxusní balety a přitahováním talentovaných umělců se snažili prosadit baletní představení, která začala chladnout díky italská opera. Mezi baletní kritici V té době tam byl také Vissarion Belinsky, který zaznamenal články o Taglionim, Guerinovi a Sankovské. Za vlády Alexandra II. začala v ruském baletu propagace domácích talentů. Celá série baletní scénu zdobili talentovaní ruští tanečníci. Přestože v baletních produkcích byla pozorována velká hospodárnost, zkušenosti Mariycy Petipy umožnily uspořádat elegantní baletní představení s nízkými finančními náklady, k jejichž úspěchu výrazně přispěly vynikající dekorace umělců. V tomto období vývoje ruského baletu dostal tanec přednost před plasticitou a mimikou.

Za vlády Alexandra III. se v Mariinském divadle konaly balety dvakrát týdně - ve středu a v neděli. Choreografem byl stále Marius Petipa. V té době v Petrohradu jezdily zahraniční baletky, včetně Carlotty Brianzy, která jako první ztvárnila roli Aurory v baletu Petra Čajkovského „Šípková Růženka“. Hlavními tanečníky byli Vasilij Geltser a Nikolaj Domashev. Ve 20. století - A. V. Shiryaev, 1904 A. A. Gorsky, 1906 Michail Fokin, 1909. Na počátku 20. století byli strážci akademických tradic umělci: Olga Preobrazhenskaya, Matilda Kshesinskaya, Vera Trefilova, Yu.N Vaganová, Olga Spesivceva. Při hledání nových forem se Michail Fokin spoléhal na moderní výtvarné umění.

Anna Pavlová. Pozvánka na Tanec alias Pozvánka do valu.

Choreografovou oblíbenou jevištní formou byl jednoaktový balet s lakonickým kontinuálním dějem a jasně definovaným stylovým zabarvením. Michail Fokine vlastní následující balety: „Pavilon of Armida“, „Chopiniana“, „Egyptské noci“, „Karneval“, 1910; "Petrushka", "Polovské tance" v opeře "Princ Igor". Ve Fokineho baletech se proslavili Tamara Karsavina, Václav Nižinskij a Anna Pavlova. První dějství baletu „Don Quijote“ na hudbu Ludwiga Minkuse se dostalo k současníkům v edici Alexandra Gorského.

Ruský balet dvacátého století.

Galina Ulanova v baletu "Giselle."

Pas de deux z baletu "Labutí jezero" od Čajkovského.