Italští skladatelé 16. - 18. století. Velcí skladatelé světa
Největší světoví skladatelé všech dob: Seznamy v chronologickém a abecedním pořadí, referenční knihy a díla
100 velkých skladatelů světa
Seznam skladatelů v chronologickém pořadí
1. Josquin Despres (1450–1521)
2. Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525–1594)
3. Claudio Monteverdi (1567–1643)
4. Heinrich Schütz (1585 –1672)
5. Jean Baptiste Lully (1632–1687)
6. Henry Purcell (1658–1695)
7. Arcangelo Corelli (1653–1713)
8. Antonio Vivaldi (1678–1741)
9. Jean Philippe Rameau (1683–1764)
10. George Händel (1685 – 1759)
11. Domenico Scarlatti (1685–1757)
12. Johann Sebastian Bach (1685 –1750)
13. Christoph Willibald Gluck (1713–1787)
14. Joseph Haydn (1732 – 1809)
15. Antonio Salieri (1750–1825)
16. Dmitrij Stěpanovič Bortňanskij (1751 –1825)
17. Wolfgang Amadeus Mozart (1756 – 1791)
18. Ludwig van Beethoven (1770 – 1826)
19. Johann Nepomuk Hummel (1778 –1837)
20. Nicollo Paganini (1782–1840)
21. Giacomo Meyerbeer (1791 – 1864)
22. Carl Maria von Weber (1786–1826)
23. Gioachino Rossini (1792–1868)
24. Franz Schubert (1797 –1828)
25. Gaetano Donizetti (1797 – 1848)
26. Vincenzo Bellini (1801 – 1835)
27. Hector Berlioz (1803–1869)
28. Michail Ivanovič Glinka (1804 –1857)
29. Felix Mendelssohn-Bartholdy (1809–1847)
30. Fryderyk Chopin (1810 –1849)
31. Robert Schumann (1810 – 1856)
32. Alexandr Sergejevič Dargomyžskij (1813–1869)
33. Franz Liszt (1811 –1886)
34. Richard Wagner (1813 – 1883)
35. Giuseppe Verdi (1813–1901)
36. Charles Gounod (1818 – 1893)
37. Stanislav Moniuszko (1819 –1872)
38. Jacques Offenbach (1819 –1880)
39. Alexandr Nikolajevič Serov (1820–1871)
40. Cesar Frank (1822 – 1890)
41. Bedřich Smetana (1824 –1884)
42. Anton Bruckner (1824 –1896)
43. Johann Strauss (1825 –1899)
44. Anton Grigorievich Rubinstein (1829 –1894)
45. Johannes Brahms (1833 –1897)
46. Alexander Porfirievich Borodin (1833–1887)
47. Camille Saint-Saens (1835–1921)
48. Leo Delibes (1836 – 1891)
49. Mily Alekseevič Balakirev (1837-1910)
50. Georges Bizet (1838–1875)
51. Modest Petrovič Musorgskij (1839 –1881)
52. Petr Iljič Čajkovskij (1840 –1893)
53. Antonín Dvořák (1841 –1904)
54. Jules Massenet (1842–1912)
55. Edvard Grieg (1843–1907)
56. Nikolaj Andrejevič Rimskij-Korsakov (1844 –1908)
57. Gabriel Fauré (1845 –1924)
58. Leoš Janáček (1854 –1928)
59. Anatolij Konstantinovič Ljadov (1855 –1914)
60. Sergej Ivanovič Taneyev (1856-1915)
61. Ruggero Leoncavallo (1857–1919)
62. Giacomo Puccini (1858–1924)
63. Hugo Wolf (1860 – 1903)
64. Gustav Mahler (1860 –1911)
65. Claude Debussy (1862–1918)
66. Richard Strauss (1864 –1949)
67. Alexander Tichonovich Grechaninov (1864 –1956)
68. Alexandr Konstantinovič Glazunov (1865 –1936)
69. Jean Sibelius (1865 –1957)
70. Franz Lehár (1870 –1945)
71. Alexandr Nikolajevič Skrjabin (1872–1915)
72. Sergej Vasilievič Rachmaninov (1873-1943)
73. Arnold Schoenberg (1874 –1951)
74. Maurice Ravel (1875–1937)
75. Nikolaj Karlovič Medtner (1880 –1951)
76. Béla Bartok (1881 –1945)
77. Nikolaj Jakovlevič Mjaskovskij (1881–1950)
78. Igor Fedorovič Stravinskij (1882 –1971)
79. Anton Webern (1883 –1945)
80. Imre Kalman (1882 –1953)
81. Alban Berg (1885–1935)
82. Sergej Sergejevič Prokofjev (1891-1953)
83. Arthur Honegger (1892–1955)
84. Darius Milhaud (1892–1974)
85. Carl Orff (1895–1982)
86. Paul Hindemith (1895–1963)
87. George Gershwin (1898–1937)
88. Isaac Osipovič Dunaevsky (1900 –1955)
89. Aram Iljič Chačaturjan (1903 –1978)
90. Dmitrij Dmitrijevič Šostakovič (1906 – 1975)
91. Tichon Nikolaevič Khrennikov (narozen v roce 1913)
92. Benjamin Britten (1913–1976)
93. Georgij Vasilievič Sviridov (1915 –1998)
94. Leonard Bernstein (1918 –1990)
95. Rodion Konstantinovič Shchedrin (narozen v roce 1932)
96. Krzysztof Penderecki (narozen 1933)
97. Alfred Garievich Schnittke (1934–1998)
98. Bob Dylan (nar. 1941)
99. John Lennon (1940–1980) a Paul McCartney (nar. 1942)
100. Sting (narozen 1951)
MISTROVSKÁ DÍLA VÁŽNÉ HUDBY
Nejslavnější skladatelé světa
Seznam skladatelů v abecedním pořadí
| N | Hudební skladatel | Národnost | Směr | Rok |
| 1 | Albinoni Tomaso | italština | Barokní | 1671-1751 |
| 2 | Arensky Anton (Antony) Stepanovič | ruština | Romantismus | 1861-1906 |
| 3 | Baini Giuseppe | italština | Kostelní hudba – renesance | 1775-1844 |
| 4 | Balakirev Milij Alekseevič | ruština | "Mighty Handful" - národně orientovaná ruská hudební škola | 1836/37-1910 |
| 5 | Bach Johann Sebastian | Němec | Barokní | 1685-1750 |
| 6 | Bellini Vincenzo | italština | Romantismus | 1801-1835 |
| 7 | Berezovský Maxim Sozontovič | rusko-ukrajinské | Klasicismus | 1745-1777 |
| 8 | Dodávka Beethoven Ludwig | Němec | mezi klasicismem a romantismem | 1770-1827 |
| 9 | Bizet (Bizet) Georges | francouzština | Romantismus | 1838-1875 |
| 10 | Boito Arrigo | italština | Romantismus | 1842-1918 |
| 11 | Boccherini Luigi | italština | Klasicismus | 1743-1805 |
| 12 | Borodin Alexander Porfirievich | ruština | Romantismus - „Mocná hrstka“ | 1833-1887 |
| 13 | Bortňanský Dmitrij Stěpanovič | rusko-ukrajinské | Klasicismus – církevní hudba | 1751-1825 |
| 14 | Brahms Johannes | Němec | Romantismus | 1833-1897 |
| 15 | Wagner Wilhelm Richard | Němec | Romantismus | 1813-1883 |
| 16 | Varlamov Alexandr Jegorovič | ruština | Ruská lidová hudba | 1801-1848 |
| 17 | Weber Carl Maria von | Němec | Romantismus | 1786-1826 |
| 18 | Verdi Giuseppe Fortunio Francesco | italština | Romantismus | 1813-1901 |
| 19 | Verstovský Alexej Nikolajevič | ruština | Romantismus | 1799-1862 |
| 20 | Vivaldi Antonio | italština | Barokní | 1678-1741 |
| 21 | Villa-Lobos Heitor | brazilský | Neoklasicismus | 1887-1959 |
| 22 | Wolf-Ferrari Ermanno | italština | Romantismus | 1876-1948 |
| 23 | Haydn Franz Josef | rakouský | Klasicismus | 1732-1809 |
| 24 | Händel George Frideric | Němec | Barokní | 1685-1759 |
| 25 | Gershwin George | americký | - | 1898-1937 |
| 26 | Glazunov Alexandr Konstantinovič | ruština | Romantismus - „Mocná hrstka“ | 1865-1936 |
| 27 | Glinka Michail Ivanovič | ruština | Klasicismus | 1804-1857 |
| 28 | Glier Reingold Moritsevich | ruský a sovětský | - | 1874/75-1956 |
| 29 | Gluk (Gluk) Christoph Willibald | Němec | Klasicismus | 1714-1787 |
| 30 | Granados, Granados a Campina Enrique | španělština | Romantismus | 1867-1916 |
| 31 | Grechaninov Alexander Tichonovich | ruština | Romantismus | 1864-1956 |
| 32 | Grieg Edward Haberup | norský | Romantismus | 1843-1907 |
| 33 | Hummel, Hummel (Hummel) Johann (Jan) Nepomuk | rakousko - česká národnost | Klasicismus-romantismus | 1778-1837 |
| 34 | Gounod Charles Francois | francouzština | Romantismus | 1818-1893 |
| 35 | Gurilev Alexandr Lvovič | ruština | - | 1803-1858 |
| 36 | Dargomyžskij Alexandr Sergejevič | ruština | Romantismus | 1813-1869 |
| 37 | Dvorjak Antonín | čeština | Romantismus | 1841-1904 |
| 38 | Debussy Claude Achille | francouzština | Romantismus | 1862-1918 |
| 39 | Delibes Clément Philibert Leo | francouzština | Romantismus | 1836-1891 |
| 40 | Detouches Andre Cardinal | francouzština | Barokní | 1672-1749 |
| 41 | Děgtyarev Stěpan Anikijevič | ruština | Církevní hudba | 1776-1813 |
| 42 | Giuliani Mauro | italština | Klasicismus-romantismus | 1781-1829 |
| 43 | Dinicu Grigorash | rumunština | 1889-1949 | |
| 44 | Donizetti Gaetano | italština | Klasicismus-romantismus | 1797-1848 |
| 45 | Ippolitov-Ivanov Michail Michajlovič | Rusko-sovětský skladatel | Klasičtí skladatelé 20. století | 1859-1935 |
| 46 | Kabalevskij Dmitrij Borisovič | Rusko-sovětský skladatel | Klasičtí skladatelé 20. století | 1904-1987 |
| 47 | Kalinnikov Vasilij Sergejevič | ruština | Ruská hudební klasika | 1866-1900/01 |
| 48 | Kalman Imre (Emmerich) | maďarský | Klasičtí skladatelé 20. století | 1882-1953 |
| 49 | Cui Caesar Antonovič | ruština | Romantismus - „Mocná hrstka“ | 1835-1918 |
| 50 | Leoncovallo Ruggiero | italština | Romantismus | 1857-1919 |
| 51 | Liszt (Liszt) Ferenc (Franz) | maďarský | Romantismus | 1811-1886 |
| 52 | Ljadov Anatolij Konstantinovič | ruština | Klasičtí skladatelé 20. století | 1855-1914 |
| 53 | Ljapunov Sergej Michajlovič | ruština | Romantismus | 1850-1924 |
| 54 | Mahler Gustav | rakouský | Romantismus | 1860-1911 |
| 55 | Mascagni Pietro | italština | Romantismus | 1863-1945 |
| 56 | Massenet Jules Emile Frederic | francouzština | Romantismus | 1842-1912 |
| 57 | Marcello Benedetto | italština | Barokní | 1686-1739 |
| 58 | Meyerbeer Giacomo | francouzština | Klasicismus-romantismus | 1791-1864 |
| 59 | Mendelssohn, Mendelssohn-Bartholdy Jacob Ludwig Felix | Němec | Romantismus | 1809-1847 |
| 60 | Mignone Francisovi | brazilský | Klasičtí skladatelé 20. století | 1897 |
| 61 | Monteverdi Claudio Giovanni Antonio | italština | renesančně-barokní | 1567-1643 |
| 62 | Moniuszko Stanislav | polština | Romantismus | 1819-1872 |
| 63 | Mozart Wolfgang Amadeus | rakouský | Klasicismus | 1756-1791 |
| 64 | Musorgskij Modest Petrovič | ruština | Romantismus - „Mocná hrstka“ | 1839-1881 |
| 65 | Nápravník Eduard Frantsevič | rusko - česká národnost | Romantismus? | 1839-1916 |
| 66 | Oginski Michal Kleofas | polština | - | 1765-1833 |
| 67 | Offenbach Jacques (Jacob) | francouzština | Romantismus | 1819-1880 |
| 68 | Paganini Nicolo | italština | Klasicismus-romantismus | 1782-1840 |
| 69 | Pachelbel Johann | Němec | Barokní | 1653-1706 |
| 70 | Planquette, Planquette Jean Robert Julien | francouzština | - | 1848-1903 |
| 71 | Ponce Cuellar Manuel Maria | mexický | Klasičtí skladatelé 20. století | 1882-1948 |
| 72 | Prokofjev Sergej Sergejevič | Rusko-sovětský skladatel | Neoklasicismus | 1891-1953 |
| 73 | František Poulenc | francouzština | Neoklasicismus | 1899-1963 |
| 74 | Puccini Giacomo | italština | Romantismus | 1858-1924 |
| 75 | Ravel Maurice Joseph | francouzština | Neoklasicismus-impresionismus | 1875-1937 |
| 76 | Rachmaninov Sergej Vasilievič | ruština | Romantismus | 1873-1943 |
| 77 | Rimskij - Korsakov Nikolaj Andrejevič | ruština | Romantismus - „Mocná hrstka“ | 1844-1908 |
| 78 | Rossini Gioachino Antonio | italština | Klasicismus-romantismus | 1792-1868 |
| 79 | Rota Nino | italština | Klasičtí skladatelé 20. století | 1911-1979 |
| 80 | Rubinstein Anton Grigorievich | ruština | Romantismus | 1829-1894 |
| 81 | Sarasate, Sarasate y Navascuez (Sarasate y Navascuez) Pablo de | španělština | Romantismus | 1844-1908 |
| 82 | Sviridov Georgy Vasilievich (Jurij) | Rusko-sovětský skladatel | Neoromantismus | 1915-1998 |
| 83 | Saint-Saëns Charles Camille | francouzština | Romantismus | 1835-1921 |
| 84 | Sibelius Jan (Johan) | finština | Romantismus | 1865-1957 |
| 85 | Scarlatti od Giuseppe Domenica | italština | Baroko-klasicismus | 1685-1757 |
| 86 | Skrjabin Alexandr Nikolajevič | ruština | Romantismus | 1871/72-1915 |
| 87 | Smetana Bridžich | čeština | Romantismus | 1824-1884 |
| 88 | Stravinskij Igor Fedorovič | ruština | Novoromantismus-Neobaroko-serialismus | 1882-1971 |
| 89 | Taneyev Sergej Ivanovič | ruština | Romantismus | 1856-1915 |
| 90 | Telemann Georg Philipp | Němec | Barokní | 1681-1767 |
| 91 | Torelli Giuseppe | italština | Barokní | 1658-1709 |
| 92 | Tosti Francesco Paolo | italština | - | 1846-1916 |
| 93 | Fibich Zdeněk | čeština | Romantismus | 1850-1900 |
| 94 | Flotow Friedrich von | Němec | Romantismus | 1812-1883 |
| 95 | Chačaturjan Aram | Arménsko-sovětský skladatel | Klasičtí skladatelé 20. století | 1903-1978 |
| 96 | Holst Gustav | Angličtina | - | 1874-1934 |
| 97 | Čajkovskij Petr Iljič | ruština | Romantismus | 1840-1893 |
| 98 | Česnokov Pavel Grigorjevič | Rusko-sovětský skladatel | - | 1877-1944 |
| 99 | Cilea Francesco | italština | - | 1866-1950 |
| 100 | Cimarosa Domenico | italština | Klasicismus | 1749-1801 |
| 101 | Schnittke Alfred Garrievich | sovětský skladatel | polystylistika | 1934-1998 |
| 102 | Chopin Fryderyk | polština | Romantismus | 1810-1849 |
| 103 | Šostakovič Dmitrij Dmitrijevič | Rusko-sovětský skladatel | Neoklasicismus-neoromantismus | 1906-1975 |
| 104 | Strauss Johann (otec) | rakouský | Romantismus | 1804-1849 |
| 105 | Strauss Johann (syn) | rakouský | Romantismus | 1825-1899 |
| 106 | Strauss Richard | Němec | Romantismus | 1864-1949 |
| 107 | Schubert Franz | rakouský | Romantismus-klasicismus | 1797-1828 |
| 108 | Schumann Robert | Němec | Romantismus | 1810-1 |
Nejslavnější jména tohoto období I.S. Bach, G.F. Handel. Jejich práce mohou být hodnoceny různě: hodnocení závisí na vkusu a trendech. Ale každý ve svém oboru splnili své poslání se stejnou dokonalostí. Síla jejich kreativity kolem sebe soustředila vše podstatné, čeho do té doby evropská hudba dosáhla.
Johann Sebastian Bach (1685 - 1750) je jedním z největších skladatelů v dějinách hudby. Za svůj život napsal Bach více než 1000 děl. Jeho tvorba zastupuje všechny významné žánry té doby kromě opery; shrnul všechny úspěchy hudební umění tohoto období.
Hudební kultura německého protestantismu sehrála důležitou roli ve formování Bachovy osobnosti a kreativity. Není náhodou, že většinu skladatelova dědictví tvoří duchovní hudba. K těm nejoblíbenějším žánr XVIII in., opera, se nepřihlásil.
Bach nikdy neopustil Německo, navíc žil hlavně ne v hlavním městě, ale v provinční města. Byl však obeznámen se všemi významnými vývojovými událostmi v hudbě té doby. Skladatel dokázal ve svém díle spojit tradice protestantského chorálu s tradicemi evropských hudebních škol. Bachova díla jsou jiná filozofická hloubka, koncentrace myšlení, nedostatek marnivosti. Nejdůležitějším rysem jeho hudby je jeho úžasný smysl pro formu. Vše je zde nesmírně precizní, vyvážené a zároveň emotivní. Různé prvky hudebního jazyka pracují na vytvoření jediného obrazu, jehož výsledkem je harmonie celku.
Dílo Bacha, univerzálního hudebníka, shrnulo úspěchy hudebního umění několika staletí na pomezí baroka a klasicismu. Bach, výrazně národní umělec, spojil tradice protestantského chorálu s tradicemi rakouské, italské a francouzské hudební školy.
Bach, nepřekonatelný mistr polyfonie, se vyznačuje jednotou polyfonního a homofonního, vokálního a instrumentálního myšlení, což vysvětluje hluboké prolínání různých žánrů a stylů v jeho tvorbě.
Vůdčím žánrem v Bachově vokální a instrumentální tvorbě je duchovní kantáta. Bach vytvořil 5 ročních cyklů kantát, které se liší svou příslušností k církevnímu kalendáři, textovými zdroji (žalmy, sborové strofy, „volná“ poezie), rolí chorálu atd.
Ze světských kantát jsou nejznámější „Sedlák“ a „Káva“. Principy vyvinuté v kantátové dramaturgii byly uplatňovány v masách a „Vášni“. „Vysoká“ mše h-moll, „Svatojanské pašije“ a „Matoušovy pašije“ se staly vyvrcholením staleté historie těchto žánrů.
Varhanní hudba zaujímá ústřední místo v Bachově instrumentální tvorbě. Sloučením zkušeností z varhanní improvizace zděděných od svých předchůdců (D. Buxtehude, J. Pachelbel, G. Böhm, I.A. Reincken), různých variačních a polyfonních kompozičních technik a moderních principů koncertování Bach přehodnotil a aktualizoval tradiční žánry varhanní hudby – toccata, fantazie, passacaglia, předehra chorálu.
Virtuózní umělec, jeden z největších odborníků své doby klávesové nástroje Bach vytvořil rozsáhlou literaturu pro klavír. Mezi klávesovými díly zaujímá nejvýznamnější místo „The Well-Tempered Clavier“ - první zkušenost v dějinách hudby uměleckého uplatnění vyvinuté na přelomu 17.-18. století. temperovaný systém.
Největší polyfonista Bach vytvořil nepřekonatelné příklady ve fugách, jakousi školu kontrapunktického mistrovství, která pokračovala a byla dokončena v „Umění fugy“, na které Bach pracoval posledních 10 let svého života. Bach je autorem jednoho z prvních klávesových koncertů - Italský koncert(bez orchestru), což plně prokázalo samostatný význam klavíru jako koncertního nástroje.
Bachova hudba pro housle, violoncello, flétnu, hoboj, nástrojový soubor, orchestr - sonáty, suity, partity, koncerty - znamená výrazné rozšíření výrazových a technických možností nástrojů, prozrazuje hlubokou znalost nástrojů a univerzalismus v jejich interpretaci.
Mezi Bachovou tvorbou pro ostatní nástroje mají hlavní místo houslové sonáty, partity a koncerty. Být s mládí Skladatel Bach, vynikající houslista, dokonale pochopil možnosti nástroje, jeho „styl“, stejně jako ovládal „styl“ varhan a klavíru. Nový typ houslové hudby mu tehdy posloužil jako vzor při tvorbě nejen houslových děl, což bylo patrné již na příkladu koncertů. Bach se zároveň snažil přenést rozvinutou polyfonii rozvíjenou ve formách varhanní a klavírní hudby do houslových sonát, klade na tento nástroj extrémně vysoké nároky. „V podstatě všechna jeho díla byla vytvořena pro ideální nástroj, vypůjčil si z klaviatury možnosti polyfonní hry a ze smyčců všechny výhody při vytváření zvuku,“ uzavírá Albert Schweitzer správně 6 Braniborských koncertů pro různé instrumentální skladby, které realizoval žánrové a kompoziční principy concerta grossa, byly důležitým krokem na cestě ke klasické symfonii.
Za Bachova života byla vydána malá část jeho děl. Bachovo dílo je tak hluboké a mnohostranné, že jej jeho současníci nedokázali ocenit v jeho skutečné hodnotě. Skutečné měřítko Bachova geniality, které mělo silný vliv na následný vývoj evrop hudební kultury, začal být realizován až jeho smrtí. Muselo uplynout celé století, než se Bach dočkal uznání jako velkého skladatele.
Rozvoj opery a oratoria je spojen se jménem George Frideric Händel (1685-1759). Již ve dvanácti letech psal Händel církevní kantáty a varhanní skladby. V roce 1702 přijal místo varhaníka protestantské katedrály ve svém rodném Halle, ale brzy si uvědomil, že církevní hudba není jeho povolání. Skladatele mnohem více přitahovala opera.
Händel se prosadil jako operní skladatel v Itálii. Proslulost mu přinesla inscenace Agrippiny (1709) v Benátkách a opera Rinaldo (1711), inscenovaná v Londýně, učinila Händela největším operním skladatelem v Evropě. Účastnil se operních podniků (tzv. akademií), inscenoval vlastní opery i díla jiných skladatelů; Zvláště úspěšné bylo pro Händela jeho působení na Royal Academy of Music v Londýně. Händel komponoval několik oper ročně. Ve 30. letech 18. století. skladatel hledá nové cesty v hudebním divadle - posiluje roli sboru a baletu v operách ("Ariodante", "Alcina", obojí - 1735).
Händelovu operní tvorbu ovlivnila hudební dramaturgie R. Kaisera. Umělec osvícenství Händel shrnul úspěchy hudebního baroka a vydláždil mu cestu hudební klasicismus. Bez úplného rozchodu s kánony oper seria, kontrastním srovnáním dramatických vrstev, Händel dosáhl intenzivního rozvoje akce.
Působil také v žánru italské opery seria. Hudba mimořádné krásy udělala na posluchače obrovský dojem. Celkem mistr vytvořil více než čtyřicet děl tohoto žánru. Ne všichni však operní serie v Anglii přijali. Ne náhodou měla obrovský úspěch Žebrácká opera (1728; hudba Johann Christoph Pepusch, libreto John Gay), která parodovala italské opery, o nichž se někteří domnívali, že brzdí rozvoj národního divadla.
Italskou operní sérii přivedl na práh reformy. Gluck ji začne realizovat až o více než dvacet let později, až se vytvoří nezbytné historické podmínky. Sám Händel bude ve svém pátrání v žánru oratoria pokračovat.
Händelova díla se vyznačují monumentálně-hrdinským stylem, optimistickým, život potvrzujícím principem, který spojuje hrdinství, epiku, lyriku, tragédii a pastevectví do jediného harmonického celku. Poté, co vstřebal a kreativně přehodnotil vliv italské, francouzské a anglické hudby, zůstal Händel německým hudebníkem v počátcích své kreativity a způsobu myšlení.
Ve 40. letech, po neúspěchu opery „Deidamia“ (1741), se Händel již k tomuto druhu hudebního umění nevracel a veškerý svůj čas věnoval oratoriu – nejvyššímu tvůrčímu počinu G.F. Handel.
Skladatelova nová díla byla veřejností vřele přijata. Händel vytvořil třicet dva oratorií. V oratoriu nesvázaném přísnými žánrovými omezeními Händel pokračoval v hledání v terénu hudební drama, dějově i kompozičně.
Tato odbočka nezůstane bez následků ani na další cesta hudební skladatel. Při vytváření skutečně hrdinských oratorií se bude obracet k tématům a obrazům spojeným s myšlenkou oběti, oběti v osudu člověka, neodolatelnou zkázou hrdiny nebo hrdinky. A všechno, čeho Händel za mnoho let v umění opery dosáhl, to nejlepší, co zde našel, nemine oratorium. Mezi Händelova nejoblíbenější díla patří oratoria „Izrael v Egyptě“ (1739) a „Mesiáš“ (1742), která se po úspěšné premiéře v Dublinu setkala s ostrou kritikou kléru. Úspěch pozdějších oratorií vč. Judas Maccabee (1747), přispěl k účasti Händela v boji proti pokusu o obnovení dynastie Stuartovců. S využitím materiálu biblických příběhů a jejich refrakcí v anglické poezii Handel odhalil obrazy národních katastrof a utrpení, velikost boje lidu proti útlaku zotročovatelů. Händel byl tvůrcem nového typu vokálních a instrumentálních děl, která kombinují měřítko (mocné sbory) a přísnou architektoniku. Händelova oratoria ohromují silou zvuku sboru, virtuózním použitím polyfonie a měkkými a pružnými, expresivními melodiemi árií. Sbor má zdůraznit monumentalitu události, její obrovský význam pro lidstvo a árie mají zdůraznit sílu hrdinových citů.
V oratorním žánru, jako žádný jiný, mohl Händel volně disponovat sborovými hmotami, zapojit sbor do epického vyprávění nebo dramatické akce. Ani ho nenapadlo napodobovat italské oratorní vzory, které v jeho době tíhly mnohem více k operním formám než ke sborové monumentalitě. Stejně jako Bach měl Händel zjevně vždy hluboký tvůrčí zájem o velké polyfonní formy.
Během své kariéry Handel také pracoval v instrumentální žánry; Největší význam mají jeho concerti grossi. Motivický vývoj, zejména v orchestrálních dílech, a homofonní harmonický styl převažují u Händela nad polyfonním vývojem materiálu, melodie se vyznačuje délkou, intonací a rytmickou energií a čistotou vzoru. Pouze ve srovnání s Händelovými operami a oratorii se jeho instrumentální hudba může zdát méně výrazná. Ale samo o sobě je pro něj velmi příznačné, úzce spjaté s hlavními oblastmi jeho tvorby a plné uměleckého zájmu. Přestože na skladatelově trnité cestě byla instrumentální tvorba spíše odpočinkem než extrémní námahou, stihl jich napsat spoustu: více než 50 koncertů, více než 40 sonát a asi 200 skladeb pro klavír, klavír či varhany, stejně jako např. různé instrumentální skladby. Pokud by tedy Händel nevytvořil nic jiného než oratoria, jeho tvůrčí odkaz by byl stále považován za grandiózní. Vlastní ale také více než čtyřicet oper, včetně bezpočtu stránek krásné hudby. Přes všechny výrazné žánrové rozdíly, s odlišným vztahem mezi hudbou a textem, Händelovy italské opery v samotném hudebním smyslu připravily mnohé pro škálu obrazů v jeho oratoriích. Neustálý vývoj jeho oratorní kreativity a mnohostranný výzkum v této oblasti měly neocenitelný význam jak pro dějiny oratoria, tak pro další dějiny opery. Jeho díla výrazně ovlivnila umělce následujících generací, zejména představitele vídeňské klasické školy. Händelovo dílo mělo významný vliv na J. Haydna, V.A. Mozart, L. Beethoven, M.I. Glinka.
Na konci 17. a 18. stol. Začínají vznikat nové hudební kánony, kterými se skladatelé a hudebníci budou ještě dlouho řídit. Toto století dalo světu hudbu, která neocenitelně přispěla ke světovému kulturnímu dědictví. Skladatelé 18. století jsou proslulí osobnostmi jako:
Jde o jednoho z největších německých skladatelů, o jehož osobnost a dílo časem nepolevuje, ale naopak se zvyšuje. Za svého života se ale bohužel uznání nedočkal. Johann neměl jinou kariéru než hudbu, protože jeho předci byli proslulí svou muzikálností.
Budoucí génius se narodil v roce 1685 ve městě Eisenach. Za své první hudební kroky vděčí svému otci, který ho naučil hrát na housle. Bach měl krásný hlas a zpíval v městském školním sboru. Jeho okolí nepochybovalo, že se z chlapce stane vynikající hudebník.
Když se Johann brzy stal sirotkem, ve věku 15 let, začal nezávislý život. Navzdory tomu, že mladý skladatel žil ve stísněných poměrech a často se stěhoval, Bachův zájem o hudbu nikdy neopadl, své hudební znalosti si neustále rozšiřoval sebevzděláváním.
Na rozdíl od svých kolegů skladatelů, kteří se snažili ve všem napodobovat zahraniční hudebníky, Bach ve svých dílech aktivně používal německé lidové písně a tance. Johann byl ale nejen nadaným skladatelem, ale také vynikajícím interpretem na varhany a cembalo. Pokud nebyl znám jako skladatel, pak všichni uznávali jeho mistrovství ve hře na tyto nástroje.
Dvorní společnosti se však skladatelova hudba nelíbila: byla považována za příliš jasnou, emocionální a lidskou. Ale navzdory tomu, že veřejnost jeho díla neuznávala, nikdy se nepřizpůsobil jejich vkusu. Bach napsal svá nejlepší hudební díla v Lipsku, kam se s rodinou přestěhoval a zůstal až do konce svého života. Tam tvořil většina kantáty, „Svatojánské pašije“, „Matoušovy pašije“, Mše h moll.
Největší radostí, podporou a oporou skladatele byla jeho rodina. Synové se také stali nadanými hudebníky a získali slávu ještě za Bachova života. Jeho druhá manželka a nejstarší dcera měly velmi krásný hlas. Johann proto pokračoval v psaní hudebních děl pro svou rodinu.
V posledních letech života začal mít Bach vážné problémy se zrakem a po neúspěšné operaci oslepl. Ale navzdory tomu neopustil svou kreativitu a pokračoval ve vytváření skladeb a diktoval je pro nahrávání. Jeho smrt prošla hudební komunitou prakticky bez povšimnutí a brzy byl zapomenut. Zájem o jeho hudbu se objevil až o 100 let později, kdy byla pod vedením Mendelssohna uvedena jedna z jeho nejkrásnějších kreací „Svaté Matějské pašije“ a zároveň byla vydána sbírka jeho hudebních skladeb.
Tohoto hudebního génia neocenili jeho současníci, kteří nedokázali pochopit plnou sílu a hloubku jeho talentu, neměli ho rádi pro jeho silný a nezávislý charakter, ale o staletí později se zajímají o jeho dílo a obdivují jeho talent. Wolfgang se narodil 27. ledna 1756. Jeho otec byl dvorním hudebníkem a brzy si všiml Mozarta ve své sestře hudební schopnosti, začala vyučovat hudbu.
To znamenalo začátek Wolfgangovy práce. Chlapec prokázal výjimečné schopnosti pro hudbu již v raném věku: ve věku 5-6 let již vytvořil svá první hudební díla, přičemž měl jedinečný hudební sluch a úžasnou paměť. Otec, když vidí, že jeho syn má vzácné hudební nadání, rozhodne se zahájit koncertní turné, aby Wolfgang získal slávu a nestal se dvorním hudebníkem.
Ale navzdory skutečnosti, že všichni chlapce obdivovali a ve věku 12 let se jeho díla proslavila, společnost nemohla plně docenit jeho plný potenciál mladý hudebník. Wolfgang se proto po návratu z turné stal dvorním hudebníkem a velmi trpěl situací, ve které se ocitl. Ale protože se nechtěl smířit s neúctou a nevhodným zacházením, odešel ze Salcburku do Vídně.
Právě během pobytu ve Vídni jeho talent vzkvétal. Brzy se oženil s krásnou dívkou jménem Constanze Weber a ani nesouhlas jeho rodičů nemohl zabránit jejich štěstí. Léta strávená ve Vídni nelze nazvat spíše lehkými, naopak. V nouzi musel Mozart velmi tvrdě pracovat, což se podepsalo na jeho zdraví. Navzdory tomu, že jeho opery „Figarova svatba“ a „Don Giovanni“ jsou úspěšné, společnost stále nedokáže pochopit plného génia Wolfganga.
Krátce před svou smrtí napsal Mozart svou největší dílo- opera "Kouzelná flétna". Zároveň vytváří „Requiem“, ale nestihne ho dokončit. V noci ze 4. na 5. prosince 1791 geniální skladatel zemřel. Okolnosti jeho smrti zůstávají stále neznámé, což vede k mnoha sporům mezi odborníky. Teprve po jeho smrti hudební společnost a celý svět uznaly Mozartova génia a jeho díla jsou dodnes považována za mistrovská díla v hudbě.
Jeho „Roční období“ je již několik staletí na stejné úrovni jako ostatní geniální díla. Virtuózní houslista, který se za svého života dočkal uznání, hodně cestoval, vynikající učitel – to vše je o slavném italském skladateli Antoniu Vivaldim.
Antonio se narodil 4. března 1678 a stal se Jedináček v rodině, která se rozhodla pro hudební kariéru. Jeho hudební talent se objevil velmi brzy a jeho prvním učitelem byl Giovanni Batista, který se do té doby proslavil jako virtuos. Studium jeho stylu výkonu naznačuje, že chlapec se učil od jiných slavných hudebníků.
Mladý Antonio se rozhodne pro dráhu kněze a 18. prosince 1693 dostává nejnižší církevní hodnost. Později obdržel další tři „nižší“ a dva „vyšší“ církevní tituly potřebné k přijetí kněžství. Ale navzdory své duchovní kariéře pokračoval Vivaldi v muzice velmi úspěšně.
A jeho intenzivní studium přineslo výsledky: Antonio byl jmenován učitelem na jedné z nejlepších „konzervatoří“ v Benátkách. Jeho rozsáhlá a pestrá hudební činnost učinila z „konzervatoře“ jednu z nejvýznamnějších ve městě. Na počátku své tvorby věnoval skladatel velkou pozornost instrumentálnímu směru, což lze vysvětlit tím, že severní část Itálie a Benátky byly považovány za centrum nejlepších instrumentalistů.
Antonio Vivaldi získal slávu mimo Itálii, jeho díla byla úspěšná a studium u něj bylo považováno za vysokou poctu. V Mantově se skladatel setkává s Annou Giraud a její sestrou Paolinou. Brzy se obě dívky staly trvalými obyvateli Vivaldiho domu, což vyvolalo nespokojenost vedení církve, kterému se již nelíbilo, že Antonio často cestuje.
Dne 16. listopadu 1737 byl skladateli z pověření kardinála zakázán vstup do Ferrary, což bylo v té době považováno za ostudu. To znamenalo, že nyní byla zničena celá Vivaldiho duchovní kariéra a způsobila poměrně značné materiální škody. Jeho vztah s vedením „konzervatoře“ se stále více zhoršoval. A nebylo to jen jeho časté cestování – Vivaldiho hudba už začala být považována za staromódní.
Na konci roku 1740 se Antonio rozešel s „konzervatoří“, která mu dlužila mnoho let slávy. Když se Vivaldi připravuje na dlouhou cestu a má finanční potíže, zařídí prodej svých koncertů za nízkou cenu. Ve věku 62 let se skladatel rozhodne opustit Itálii a najít štěstí v jiných zemích. Ale přestože byl kdysi všemi přijímán a jeho díla obdivována, na konci svého života byl Antonio Vivaldi zapomenut a všemi opuštěn. Slavný italský virtuos zemřel 28. července 1741 ve Vídni. Je jedním z nejvíce prominentní představitelé skladatelů té doby a jeho instrumentální skladby zaujímají důstojné místo ve světovém hudebním dědictví.
Skladatelé 18. století měli obrovský vliv na budoucí vývoj hudby, i když ne vždy se jim během života dostalo uznání a slávy. Prostě společnost té doby nedokázala ocenit plnou sílu jejich talentu, jejich krásu a hloubku. Rámec, který jim byl uložen, byl příliš úzký pro jejich talent, hudba pro ně byla smyslem života. Ale jejich potomci dokázali ocenit jejich práci a dodnes jejich brilantní díla zaznívají na všech koncertech.
Ruská hudba je široce oslavována po celém světě. Jména Glinky, Čajkovského, Rimského-Korsakova, Borodina, Musorgského zná každý kulturní humanita, jako jsou jména velkých ruských spisovatelů nebo umělců.
Opera „Ivan Susanin“, „Eugene Onegin“, „Piková dáma“, „Sněhurka“, „Boris Godunov“, „Princ Igor“ a další pevně vstoupily do zlatého fondu světového umění a staly se cennými příklady. světové umělecké kultury. Čajkovského symfonie nemají mezi současnou symfonickou tvorbou západoevropských skladatelů obdoby.
Největší hudebníci Západu se hodně naučili z příkladů ruské hudby 19. století a vysoce oceňovali ruskou hudební školu. V roce 1881 řekl slavný klavírista a skladatel Franz Liszt Borodinovi, který ho navštívil v Magdeburku: „Ne, potřebujeme vás, Rusy; Potřebuji tě, nemůžu bez tebe žít. Máte živý proud života, ale všude kolem jsou většinou mršiny.“
Už za skladatelova života se Čajkovského hudba setkala s živými sympatiemi a upřímnou láskou v Americe, kde vystupoval jako dirigent vlastních skladeb. Slavní francouzští inovativní hudebníci 20. století - Debussy, Ravel a další pečlivě studovali partitury Musorgského a Rimského-Korsakova. Naše vlast může být právem hrdá na slavná jména svých skladatelů, stejně jako se pyšní jmény Puškin, Gogol, Tolstoj, Dostojevskij, Čechov.
Klasická ruská hudba se vždy vyznačovala svou hloubkou životní náplň, síla myšlenek a pocitů, jas obrazů, výška dovednosti a dokonalost formy. Široké, melodické melodie ruských oper a symfonií se dotknou srdce a vryjí se do paměti každého, kdo je slyší. Tyto krásné melodie, stejně jako všechna ruská hudba, jsou blízko lidový původ, mají hluboký vztah k ruštině lidová píseň. Nejlepší ruští skladatelé vášnivě a oddaně milovali svou vlast, velmi dobře znali život svých lidí, studovali jejich minulost, jejich starověké příběhy, jejich rituály, jejich písně. Máme tedy právo tvrdit, že klasická ruská hudba, kterou známe z děl Glinky, Čajkovského, Rimského-Korsakova, Borodina, Musorgského, má svou slavnou tradici, tedy velkou a dlouhou přípravu, pevné vazby na minulá, hluboká a bohatá půda . Už jen z tohoto důvodu je pro nás důležité a zajímavé vědět, jak se ruská hudba vyvíjela, jakou cestou se ubírala, jak se vyvíjela její historie.
HUDBA KYJEVAN RUS. HUDBA STAROVĚKÉ Rusi. RUSKÁ HUDBA IX-XVII STOLETÍ
Freska katedrály svaté Sofie v Kyjevě zobrazující hudebníky a šaška
Historie ruské hudby sahá do starověku.
Prvním ruským klasickým skladatelem a hudebníkem světového významu byl Glinka, současník Puškina. Již Glinkovi předchůdci psali ruské opery, romance a instrumentální hry. Mnoho století před tím se formovala ruská církevní hudba. Ještě dříve, pravděpodobně od doby, kdy na našem území žili lidé, existovalo lidové umění. Ukázky staroslověnštiny umění se ukázalo být nesmírně důležité a sloužilo jako důležitý zdroj výživy pro veškerou ruskou hudbu. Byly to nejstarší, dosud pohanské, obřadní písně východních a částečně západních Slovanů, písně nářků za zemřelé, svatební, vojenské, lyrické, pracovní písně, úzce spojené s celým všedním životem, se všemi událostmi lidského života. a příroda, která člověka obklopovala. Mnohé z těchto starodávných písní nebyly dodnes zapomenuty. Jejich ozvěny zaznívají v lidových písních, které se dnes zpívají. Některé z nich zpracovali ruští skladatelé a zařadili je do svých oper, symfonií a komorních děl.
Přesně slovanské kmeny , kteří obývali naši zemi dlouho před vznikem Kyjevského státu, se vyznačovali zvláštní muzikálností. Chodili na vojenská tažení se zpěvem a se zpěvem prováděli četné pohanské rituály. Velmi brzy měli hudební nástroje – lesní rohy, trubky, všechny druhy píšťal, úderů atd. V době, kdy vznikl velký a silný Kyjevský stát, sjednocující Slovany na rozsáhlém území, tedy do 9. kultura dozrála již ve starověkém Rusku.
Od 9. století se naše informace o hudbě Rus rozšířily a obohatily. Víme o existenci nejen lidových písní a tanců ve starověkém Kyjevě, ale také o vojenské a bojové hudbě knížecích oddílů, o zpěvu s harfou na knížecích hostinách, o zpívání eposů, které opěvovaly činy ruských hrdinů - Ilja Muromets, Dobrynya Nikitich a další. Víme také o hudebních nástrojích, jak je vytvořili sami lidé, tak je do bohatého živého Kyjeva přivezli ze Západu i Východu. Nejoblíbenějším nástrojem Kyjevské Rusi bylo gusli, neustále zmiňované v eposech a zobrazované malíři ikon. Když Kyjevská Rus přijala křesťanství (9. století), vyrostly v Kyjevě nádherné katedrály - nádherné ukázky starověké ruské architektury a zněla v nich sborová církevní hudba. Postupně se vytvářel a rozrůstal kádr profesionálních chrámových zpěváků znalých starověkého notového zápisu, protože chrámová hudba se již psala zvláštními znaky. Nejstarší písemné památky hudební kultury na Rusi pocházejí z 11.-14. století a jsou spojeny konkrétně s církevní hudbou. Tím pádem, Kyjevská Rus nám zanechal nejen informace o hudbě, ale také ukázky starověkého hudebního psaní.
Po Kyjev Vznikla i další centra ruské hudební kultury, z nichž zvláštní význam získala tato: na severozápadě - Novgorod Veliký v severovýchodní Rusi - města vladimirsko-suzdalského knížectví. Lidové umění se rozvíjelo a rostlo všude. Všechny události ruských dějin a zkušenosti lidí s nimi spojené – od těžkého útlaku tatarsko-mongolského jha až po vítězné připojení nových měst k Rusku – se odrážely v lidových písních. Do ruského eposu vstoupili noví hrdinové, nové obrazy. Takže například v Novgorodu byl oblíbeným hrdinou guslar a obchodní host - úspěšný a chytrý Sadko. Svérázní opatrovníci a vykonavatelé lidové umění, stejně jako jejími autory-improvizátory byli tehdy v Rusku bubáci, cestující herci, zpěváci, tanečníci, amuse-bouche, kteří vystupovali na knížecí hostině a na vesnických svatbách. Buvoli byli dobře známí už ve starověkém Kyjevě. V komerčním a hlučném svobodném Novgorodu jich bylo obzvlášť mnoho. V Novgorodu a Vladimiru, stejně jako v dalších ruských městech, od 12. do 13. století skvělí ruští církevní zpěváci, mistrovské zpěvy, vytvářeli nové církevní zpěvy a školili nové zpěváky.
Církevní hudba v Rus' byl dlouho čistě sborový. Její přísné, hladké, široké melodie byly provedeny jedním hlasem - mužským sborem. Kultura sborového zpěvu a capella, tedy sborového zpěvu bez doprovodu nástrojů, který má zvláštní kouzlo přísného ačisté umění
, - byl tedy u nás velmi prastarý a byl spojen s lidovými i církevními zvyky. Vše, co bylo vytvořeno v ruské hudbě před 15.-16. stoletím, bylo zděděno Moskva
, který se postupně stal největším centrem pro sjednocení ruských zemí. Za cara Ivana Hrozného, který tolik udělal pro posílení ruského státu, se do Moskvy hrnuly celé rodiny buvolů z Novgorodu; Nejlepší novgorodští zpěváci a pěvecké knihy byly poslány do Moskvy. V Moskvě o něco dříve vznikl nejlepší sbor - tzv. sbor suverénních pěveckých úředníků, který vystupoval ve dvorním kostele a na slavnostních dvorských slavnostech. Rostl význam ruského státu v Evropě, rozšiřovaly se jeho hranice a rostl mezinárodní význam moskevského dvora, s čímž evropští panovníci počítali a stále častěji do něj posílali své zástupce k politickým a obchodním jednáním. V souvislosti s tím vzrostla okázalost dvorského života a zvýšila se role hudby - církevní, slavnostní, nejprve sborová a poté instrumentální. Kulturní vazby se zahraničím sílily, odkud moskevský dvůr začal objednávat složité hudební nástroje - varhany a později, za cara Fjodora - cembalo (praotce našeho klavíru).
V PŘEDVEČER REFORMY PETRA I V dějinách hudební kultury nastala u nás významná změna konec XVII
století, v předvečer grandiózních reforem Petra I. Kulturní potřeby obrovský stát , která vstoupila do nového období svého rozvoje, zasáhla nejen do oblasti školství, vědy, literatury, ale i do oblasti hudby. Poprvé se objevil u moskevského soudu divadelní představení . V „choromině“ speciálně postavené pro tento účel carem Alexejem ve vesnici Preobraženskoje u Moskvy se odehrával duchovní i světský obsah, kde se hrálo značné množství hudby – písně, sbory a dokonce i instrumentální čísla. Objevili se i interpreti na různé nástroje, nejprve ze zahraničí, a pak Rusové, kteří se rychle naučili nové dovednosti. Církevní hudba, která dlouho následovala, byl aktualizován o nové, moderní formy a techniky. Přihlásili se úžasní ruští skladatelé, autoři vícehlasých sborových koncertů pro kostel - Vasilij Titov, Nikolaj Kalachnikov, Nikolaj Bavykin a mnoho dalších. Vznikaly také nové formy každodenního zpěvu, tzv obruby, - nejprve duchovní a pak světské písně pro 3-4 hlasy. Kantové byli původními předky ruské romantiky.
Ale ruská romance a další druhy hudebního umění, které jsou nám nyní známé - opera, sonáta, symfonie - sledují svou historii v Rusku až do 18. století. Ty si naše země osvojila a rozvinula právě v 18. století hudební formy, které byly oproštěny od církevních zvyklostí a poddaných, tedy forem čistě světského umění. Přitom opera, sonáta a symfonie, byť vycházely z lidových melodií, z ukázek lidových hudební kreativita, již nebylo možné provádět běžným lidovým muzicírováním, ale vyžadovalo zvláštní podmínky, speciální odborný personál, tedy kvalifikované operní pěvce, houslisty a další instrumentalisty.
RUSKÁ HUDBA PRVNÍ POLOVINY 18. STOLETÍ
Ruský spisovatel, básník, překladatel a státník Grigorij Nikolajevič Teplov (1717-1779)
Proč se právě 18. století u nás stalo stoletím nové hudební kultury, nových typů a oblastí ruského hudebního umění? Protože právě v tomto století se formovaly nové formy společenského života, dozrávalo nové divadelní publikum a vyrůstaly nové kruhy poddanské inteligence. Vládní reformy a kulturní proměny Petra I., prováděné od počátku 18. století, postupně otevřely cestu k růstu světského národního umění, k prosazování nových kádrů umělců, architektů, hudebníků a prostě gramotných osobností, které často přicházely z poddanského prostředí. Byla navázána nová spojení s západní kultura. Ruští cestovatelé, vyslaní Petrem I. do zahraničí na studia, se seznámili s tehdy brilantní italskou operou, francouzskou a anglická hudba. Za Petra začaly v Petrohradě první koncerty, na kterých zazněla nová díla slavných evropských skladatelů. Byl položen začátek koncertního dvorního orchestru. Sám Peter se velmi staral o plukovní hudbu. Všechny velké veřejné oslavy, například oslava vítězství nad Švédy, byly oslavovány slavnostními vystoupeními s hudbou, zpěvem cant pod širým nebem při slavnostních průvodech, za zvuku trubek a tympánů a také vystoupením mocné, hlasité, vícesborové kostelní koncerty. Na shromážděních, která uvedl Petr I. a kde se společnost scházela, aby tančila, mluvila a hrála šachy, se předváděly módní tance té doby - menuet, polonéza, anglaise. To vše bylo nové, stejně jako nový byl společenský život, který se formoval v novém ruském hlavním městě.
Nejprve, když Rusko ještě nemělo své umělce a vlastní skladatele světské hudby, působili v Petrohradě velcí a slavní zahraniční mistři, usilující o bohatý královský dvůr. V roce 1736 v Petrohradě, na dvoře císařovny Anna Ioannovna, byla opera nastudována poprvé. Složil a nastudoval jej italský skladatel Araya, speciálně objednané z Neapole pro tento účel spolu s italskými zpěváky. Zde vznikly velkolepé inscenace italských oper na petrohradském dvoře. Přesně tak to tehdy bylo téměř všude na bohatých evropských dvorech. Ale velmi brzy přestala italská opera uspokojovat ruské publikum a začaly vznikat ruské opery, ve kterých byl nejprve ruský pouze slovní text a poté hudba, vytvořená ruskými skladateli. Současně s prvními operními představeními se začaly objevovat a šířit instrumentální hry (pro housle a další nástroje), ve kterých se zahraniční hudebníci, kteří se usadili v ruských metropolích, splňující požadavky ruských milovníků hudby, někdy snažili uspořádat lidové melodie. Konečně, spolu s četnými cants, které plnily ručně psané sbírky a alba, se objevily první sbírky ruských romantických písní s doprovodem cembala. Nejstarší z takových sbírek sestavil a vydal v roce 1759 osvícený milovník hudby G. N. Teplov na slova ruských básníků a byl tzv. „Mezi věcmi, nečinnost nebo sbírka různých písní“. Teplovské písně napodobovaly menuety a jiné tehdy módní a kompozičně velmi jednoduché tance. Ale zatím se šíření celé této nové hudební kultury omezovalo na poměrně úzké kruhy stoličné šlechty. Teprve v poslední čtvrtině 18. století vznikla skutečná ruská kompoziční škola světského směru. Tato škola si okamžitě vybudovala svůj celostátní a široký společenský význam.
VZNIK RUSKÉ OPERY
Mezi ruskými skladateli, kteří vystoupili, hlavně, ze 70. let 18. století a kteří se stali předchůdci velkého Glinky, je třeba jmenovat M. S. Berezovský (1745-1777), D. S. Bortnyanský (1751-1825), M. Matinský (1750-182?), E. I. Fomina (1761-1800), I. E. Khandoshkina (174?-1804), I. A. Kozlovský(1757-1831). Jejich úsilí vytvořilo první ruské opery, nové, volné formy církevní hudba, první romance, první sonáty, kvarteta, symfonie.
První opera na ruský text se objevila v roce 1755 na dvoře v Petrohradě. Byla to nám již známá opera Araya na starověké mytologické zápletce - "Cephalus a Procris". Její text ale napsal jeden z největších ruských básníků 18. století A.P. Sumarokov a v ruštině ji provedli velmi mladí ruští zpěváci-herci. Opery ruských skladatelů do ruštiny každodenní příběhy, v populární, veřejně přístupné podobě, komedie s hudbou, nevznikly u dvora, ale v souvislosti s růstem jiného divadelního prostředí, kdy v ruských metropolích dozrávalo širší divadelní publikum, které zaplňovalo soukromá, „svobodná“ divadla. Toto publikum mělo nový vkus a kladlo nové požadavky na umění.
RUSKÁ HUDBA 2. POLOVINY 18. STOLETÍ
Umělec N. I. Argunov (1771-1829). Portrét P. I. Kovaleva-Zhemchugova (1768-1803)
Ve druhé polovině 18. století postupně dozrávaly nové kádry ruských hudebníků, převážně z řad poddaných. Známými se stali především zpěváci Zhemchugova(v domácím, nevolnickém divadle Šeremetěva), Sandunova, skvěle nadaný houslista Khandoshkin, klavírista Kašin a další. V Petrohradě a Moskvě a pak v Charkově, Kazani a dalších velkých městech vznikl veřejný koncertní život, vznikly dokonce hudební společnosti a hudební časopisy. Hudební kultura pronikla do bohatých šlechtických panství, kde si vytvořili své domácí operní soubory a poddanské orchestry. Na Akademii umění v Petrohradě probíhaly hudební kurzy, ve kterých studoval například talentovaný ruský skladatel E. I. Fomin, který si později doplnil vzdělání v Itálii. Berezovskij, Bortňanskij a Matinskij strávili mládí v zahraničí (převážně v Itálii), kde si osvojili základy svých kompozičních dovedností, aby je pak rozvinuli na rodné půdě.
Osud mnoha ruských hudebníků 18. století byl těžký. Matinsky, Khandoshkin, Kashin, kteří se stali vzdělanými slavnými hudebními postavami, zažili bolestivé útrapy nevolnictví. Daly se prodat, stejně jako se tehdy prodávali všichni poddaní mistři. Většina oblasti hudební činnost byl i přes postupné rozšiřování stále svázán rámcem dvora, kostela a vrchnostenského panství. Až do konce století velká důležitost Petrohradské nádvoří sloužilo jako jakési hudební centrum, kde sídlilo mnoho hudebníků a dalo jim práci. Hudební život Kateřinina dvora byl obzvláště brilantní a bujný. Nádvoří lemovali i šlechtici - Naryškinové, Razumovští, Potěmkinové, Šeremetěvové. Spolu s inscenacemi italských, francouzských a poté ruských oper se u dvora hrály stolní symfonie a ruské písně. Speciálně pro bohaté dvorské slavnosti vznikla grandiózní díla slavného italského skladatele Sartiho pro sbor a orchestr s ohňostrojem a dokonce i výstřely z děla, hrdinské, efektní polonézy Kozlovského pro sbor a orchestr.
RUSKÁ HUDBA KONCE 18. STOLETÍ. KREATIVITA FOMINA
ruský skladatel Evstigney Ipatovič Fomin (1761-1800)
V díle ruských skladatelů obsadila opera okamžitě hlavní místo a teprve poté - ruská romance a instrumentální hudba. Velký význam ve vývoji všech těchto forem získala lidová píseň jako hlavní základ melodie, jako pramen pro tvorbu národního umění.
Pro ranou ruskou operu velmi důležité datum Píše se rok 1779, kdy vznikly a byly nastudovány tři jasné, komediální každodenní opery: "Miller-čaroděj, podvodník a dohazovač"(text Ablesimov, hudba Sokolovskij, ve druhém vydání - Fomin) - v Moskvě: „Petrohradský Gostiny Dvor“ (text a hudba Matinskij) a „Neštěstí z kočáru“ (text Knyazhnin, hudba Paškevič. ) - v Petrohradě. Všechna tři díla měla mezi širokou veřejností velký úspěch a rychle si získala oblibu. Svým typem se jedná o dialogické opery, v nichž jsou mluvené dialogy bez hudby prokládány písněmi, kuplety a sbory. Dějově jde o prosté, široce přístupné komedie z ruského života: selské - v "Melníku", kupecké, satiricky zobrazené - v "Gostiném Dvoru", vznešené - také ne bez satirického osvětlení - v "Neštěstí z kočího". Při práci na textu „The Miller the Sorcerer“ sám Ablesimov poukázal na melodie lidových písní, které by měly být použity jako základ hudební čísla tuto hru. Houslista moskevského divadla Sokolovskij tyto melodie vybral a velmi jednoduše zpracoval. A teprve později Fomin, již jako profesionální skladatel, hudbu opery přepracoval a napsal k ní předehru. Ve Fominově vydání byl „The Miller the Sorcerer“ populární dokonce i v začátek XIX století a slavný ruský kritik Belinskij vzpomíná, že jeho otec také hrál jednu z částí této opery v amatérském provedení. Hudba první významné ruské opery byla tedy především úpravou písňových melodií. Následně skladatelé používali materiál ruských písní nezávisleji a volně jej přetavili do své hudby. Počátek toho položil týž Fomin, bezpochyby největší z ruských skladatelů 18. století.
Kromě adaptace "The Miller the Sorcerer" Fomin vlastní opery "Novgorodský hrdina Boleslavovič" (1786), "Kočí na tribuně" (1787), "Američané"(1800, text Krylov a Klushin), melodrama "Orfeus a Eurydika" a další.
V „The Miller the Sorcerer“ od Sokolovského-Fomina jsou takové osoby jako prohnaný a inteligentní mlynář („venkovský čaroděj“), starý tvrdohlavý rolník a nevrlá šlechtična - jeho manželka, mladá dívka - jejich dcera Anyuta a její snoubenec, kolega šlechtic Filimon. Spisovný jazyk Opera, která záměrně napodobovala lidové nářečí, vyvolala rozhořčení šlechtické veřejnosti. Ve své novosti byla nápadná i písňová hudba opery, která si okamžitě zajistila oblibu daleko za úzkým okruhem osvícených amatérů. V „Mlynáři Čarodějovi“ se setkáváme s lidovými melodiemi různého typu i s imitací lidových písní v jednotlivých áriích a sborech: zde je roztažená, široká, zpěvná píseň samotného mlynáře („Jako večer s nás od půlnoci”) a odvážnou, živou, jako pitomou píseň, píseň mladého kluka (“Budu zpívat tuto píseň: dobrý chlap šel do Presnya”) a žalostnou, dojemnou píseň dívky ( „Kdybych byl mladý, tím jsem si byl jistý“) a energická, plácaně kroucená dvojverší s balalajkovým doprovodem mazaného mlynáře („Stejně jako stařec a stařenka šli z lesa.“ Operu nehráli profesionální zpěváci, ale činoherní herci, kteří uměli zpívat, kteří téhož večera současně předváděli komedie nebo dramata, aniž by zpívali. Inscenace takového představení byla jednoduchá, nijak bohatá a nijak mazaná.
Velmi brzy, od prvních kroků ruské opery, byly v ní reprodukovány ruské zvyky a rituály se zvláštní horlivostí. Ve Fominově "The Miller the Sorcerer" jsou dívčí svatební sbory velmi dobré; v Matinského „Petrohradském Gostiny Dvoru“ téměř celé dění zabírají scény rozlučky se svobodou s jejími rituály a písněmi, mezi nimiž vynikají ženské sbory skutečně lidového charakteru – „V zahradě cvakala zegzeluška“ a „Moje harfa, gusli“.
VÝVOJ RUSKÉ OPERY V 18. STOLETÍ
Cesta naznačená komediálními díly Fomina a Matinského pokračovala v dalším vývoji ruské opery 18. století. Texty oper vytvořili slavní spisovatelé a básníci: Maykov, Cheraskov, Knyazhnin, Levshin, Krylov. Hudbu psali nejen ruští skladatelé, ale i cizinci, kteří se snažili osvojit si populární žánr ruské každodenní opery (Španěl Martin y Soler, Němec Raupach, Francouz Bulan). Jeho obsahem byla obvykle lehká, prostomyslná, veselá komedie. Nevyhýbala se však ani sociálně-satirickým rysům; zesměšňovala rozmařilost a parazitismus ruských šlechticů, uplácení úředníků; v některých případech idealizovala „venkovskou jednoduchost“, v jiných se snažila ve svých kupletech odhalit poddanského statkáře, ve svých satirických sklonech však zůstala zcela neškodná.
Poměrně brzy se vedle komediálně všedního zpestření ruské opery rozšířila i pohádková opera, v níž převládaly magické a moralizující motivy. Texty mnoha oper tohoto druhu byly složeny podle přímých pokynů Kateřiny II. Takové jsou opery "Fevey" Paškevič (1786), "Vityaz Akhrideich" Vanzhurs (1787), "Běda, hrdina Kosometovič" Martin y Solera (1789).
Skladatelé 18. století položili ve vývoji ruské opery jen samé počáteční základy. Je však důležité si všimnout jejich touhy zpřístupnit své umění široké veřejnosti, vědomě jej postavit do kontrastu se zahraniční dvorní operou, jakožto uměním především realistickým a národním, založeným na užívání lidových písní. Tento apel na lidovou píseň jako silný zdroj hudební tvořivosti spolu se zájmem o zprostředkování národních charakteristik, každodenního života, rituálů a způsobu života ruského lidu zůstaly charakteristické a významné pro všechny ruské hudební klasiky – od Glinky po Čajkovskij a Rimskij-Korsakov.
VÝVOJ DALŠÍCH HUDEBNÍCH ŽÁNRŮ
Ivan Evstafievich Khandoshkin (1747-1804). Šest starých ruských písní s variacemi. Titulní strana
Ve vývoji dalších hudebních žánrů, tedy milostných písní a instrumentální hudby, měly velký význam i ruské lidové písně. Zpočátku se romantické písně ruských skladatelů, které byly obsaženy v četných ručně psaných i tištěných zpěvnících a albech té doby, lišily od lidových písní tak málo, že jména autorů hudby obvykle nebyla ani uvedena. Teprve koncem století nabyla romantika samostatného významu jako zvláštního typu vokální lyriky; díla začínají nést jméno autora a odrážejí jeho osobité individuální rysy. Jména zde vynikají Dubjanského, Kozlovský, Žilina, Žučkovského. V jejich malých romantických písních je hodně srdečné citlivosti, lyrických stížností, které jsou svou povahou podobné tehdejší ruské lyrické poezii. Dubyanského velmi citlivá romantická píseň získala ve své době zvláštní popularitu. „Šedá holubice sténá“.
Ruská instrumentální hudba 18. století má převážně všední charakter: nejrozšířenější jsou módní tance a variace na písňové melodie v podání nejen houslí a klavíru, ale také souborů a mohutného lesního orchestru. Mnohé hry tohoto druhu jsou nejprve distribuovány prostřednictvím různých alb a sbírek domácího repertoáru, hrají se na plesech, v salonech a pod širým nebem; hrají je amatéři doma na klavír apod. Teprve později vystupovali významní autoři s instrumentální hudbou a rozvíjel se komplexnější repertoár, tedy sonáty, koncerty, komorní soubory. Mezi svými současníky v této oblasti zaujímají výjimečné místo Khandoshkin A Bortňanský.
Brilantní houslový virtuos, génius, který svou hrou ohromil evropské znalce, Khandoshkin byl jedním z prvních, kdo s námi vytvořil houslové sonáty a klavírní kusy, ve kterém spojil široký virtuózní koncertní styl a samostatné, originální rozvíjení autentických písňových melodií. Bortnyansky vlastní velké množství komorních instrumentálních skladeb v tehdy nových formách klasické klavírní sonáty, kvartetu a malé, skromně znějící symfonie.
Všechno toto umění, harmonické, melodické, měkké ve zvuku a čisté v myšlenkách, vzniklo v podobě zvláštního kontrastu k hlasitým hudebním festivalům Kateřinského dvora a rozšířilo se především v domácím kruhu, v obýváku hlavního města, v rostoucím okruh osvícených amatérů, kteří se hlásili k hranicím sonát vídeňských klasiků Haydna a Mozarta a citlivých francouzských oper uváděných doma.
RUSKÁ LIDOVÁ PÍSNIČKA V 18. STOLETÍ
Ruský architekt, básník, hudebník Nikolaj Alexandrovič Lvov (1753-1804). Portrét D. G. Levitského
Pro historii samotné ruské lidové písně otevřelo 18. století, které jí tolik vděčí, novou éru a položilo základ pro nahrávky a úpravy písňových melodií, do té doby známých pouze v ústním podání. Kolem poloviny století se melodie písní objevují v četných ručně psaných sbírkách cants. Od roku 1776 začal dvorní guslista a interpret lidových písní V. F. Trutovský vydávat tištěné „Sbírka ruských jednoduchých písní s poznámkami“. Patří sem mnoho knižních a albových romantických písní a selských a městských písní, uváděných ovšem v podobě, v jaké byly zpívány v městském prostředí a uváděny v operách, tedy již ve známé úpravě, s doprovodem přiděleným jim.
Největší význam a nejznámější z raných sbírek byl „Sbírka ruských lidových písní s jejich hlasy“ I. Pracha, poprvé vydáno 1790. Prač byl kultivovaný český hudebník, který působil dlouhou dobu v Rusku a měl velmi blízko k domovu osvíceného milovníka a mecenáše hudby N. A. Lvova. Do Lvova domu zavítalo mnoho hudebních osobností poslední čtvrtiny 18. století. Sám Lvov, který si velmi cenil ruského starověku, zřejmě sbíral lidové melodie a Prach je zaznamenával a zpracovával. Prachova sbírka obsahuje téměř všechny populární písňové melodie 18. století, včetně těch, které se používaly v operách. Prach nahrál písně: „A my jsme zaseli proso“, „Na poli byla bříza“, „Aj, na poli je lípa“ a mnoho dalších písní, které později zpracovali a rozvinuli významní skladatelé - Rimský -Korsakov, Čajkovskij a další ve svých slavných dílech.
A tak právě v 18. století, kdy vznikly první ruské opery a instrumentální hry na lidové melodie, se objevily první sbírky samotných lidových písní. Od té doby ruští hudebníci nikdy neztratili svůj živý zájem o lidové umění a mnoho významných skladatelů samo sbíralo a nahrávalo lidové písně.
Lze tvrdit, že 18. století nejen položilo základ novým typům ruské hudby, ale také nastínilo progresivní směr, kterým se v budoucnu vyvíjela. Pravda, tvorba ruských skladatelů 18. století nebyla kvantitativně nijak zvlášť rozsáhlá, ale všechny hlavní hudební žánry, které tehdy existovaly, byly již u nás zastoupeny. A ve všech těchto žánrech se ruští hudebníci snažili vytvořit národní umění, které se vyznačovalo jasnými ruskými rysy, pokročilým uměním, široce přístupným, srozumitelným a vitálním.
Je velmi příznačné, že právě v těch letech, kdy Fonvizin napsal nádherné ruské komedie „Brigádník“ a „Nezletilý“, vznikla ruská komediální opera „Čaroděj Miller“ a když Sumarokovova lyrická, písňová poezie získala popularita se zrodila ruská romance. Spojení mezi ruskou poezií a literaturou a hudbou v 18. století bylo velmi těsné. Texty k operám psali například takoví vynikající básníci jako Sumarokov, Deržavin nebo fabulista Krylov. Básně Trediakovského, Lomonosova, Sumarokova byly neustále zhudebňovány a staly se kantony. Derzhavin napsal velmi zajímavý článek o opeře a vyjádřil své názory na tuto oblast umění. Toto spojení mezi ruskou poezií a hudbou, ruskými básníky a hudebníky, tak plodné pro obě strany, se ještě více prohloubilo v 19. století, od dob Puškina.
RUSKÁ HUDBA NA POČÁTKU 19. STOLETÍ
Počátek 19. století se na první pohled nenesl v ruské hudbě ve znamení ničeho zvlášť nového. Malá komediální opera s mluveným dialogem byla nadále populární. Romantická píseň se stále více rozšiřovala. Tento druh opery a písně spolu s taneční hudba byly hlavní, nejrozšířenější formy hudební kultury. Zároveň se spousta věcí v této kultuře nepostřehnutelně změnila a postupně připravovala půdu pro vystoupení Glinky s jeho brilantními operami, nádhernými romancemi a instrumentálními skladbami. Rozvoj všech oblastí duchovního života začal ovlivňovat dopad společenských a národnostních změn 19. století.
Vlastenecká válka v roce 1812, která vyburcovala celý ruský lid k boji proti napoleonské invazi, způsobila obrovský nával vlastenectví, který se nemohl neodrazit v ruském umění. Decembristické povstání v roce 1825 svědčilo o přípravě nové éry ve vývoji ruské společnosti, o růstu sociální rozpory v poddanském státě.
Ve vývoji ruského umění se první desetiletí 19. století vyznačují energickým pohybem do šířky, rozhodným posunem za předchozí relativně úzké hranice dvora, šlechtického domu a panství a celkovou demokratizací jednoduchých forem umění. . Je to doba velkého národního vzestupu umění, který vedl k posílení a obohacení jeho národních, ruských vlastností. V této době také dochází k postupné komplikaci a rozvoji uměleckých prostředků a technik a k tvůrčí asimilaci nových a progresivních světových výdobytků.
Šíření hudební kultury se projevuje nárůstem počtu divadel, operních inscenací a nárůstem divadelních diváků. Domácí hudební lekce zasahují do širších městských a místních kruhů. Operní verše, písně, hra na kytaru a módní tanec se stávají oblíbenou zábavou v mnoha ruských domácnostech. Nejvýznamnější bylo, že ruská hudba našla nová témata a nové umělecké postupy.
RUSKÝ ROMANTISMUS
V ruské poezii, malířství a hudbě se objevily rysy tohoto hnutí, které se nazývalo romantismus. Novinka v operách a romancích romantické rysy se projevují v živém zájmu o tajemný, poetický a barvitý rodný starověk, v pohádka, k osobním lyrickým zážitkům člověka, ke zvláštní barvitosti ve ztvárnění obrazů přírody a lidského života obecně - ke všemu charakteristickému, zvláštnímu, světlému.
Nejdůležitějším a nejvýznamnějším tématem je téma hrdinského činu. Spolu s pohádkovými, kouzelnými, komediálními operami a veselými, lehkými vaudevilly, které uchvátily tehdejší divadelní publikum, vznikal nový typ opery, kterou později nahradily např. skvělá díla, jako Glinkin „Ivan Susanin“.
V roce 1811, pod přímým vlivem národního vzestupu, vzniklo hrdinské oratorium Stepana Degtyareva - "Minin a Pozharsky" aneb „Osvobození Moskvy“ a o pár let později, v roce 1815, po vítězné válce s Francouzi, byla v Petrohradě nastudována opera rusifikovaných italských skladatelů Catarina Cavose - "Ivan Susanin". Příběh o hrdinském činu ruského selského vlastence je zde předán jinak než v Glinkovi. Opera byla stále psána jednoduchou formou dialogické (s rozhovory) opera-komedie, jako opery 18. století. Samotná dovednost Kavose - zkušeného operního dirigenta - se samozřejmě nedá srovnávat s velkou dovedností Glinky. Ale jeho pozitivní význam ve vývoji ruštiny hudební divadlo jeho opera „Susanin“ měla nepochybně vliv. Ve srovnání s operními zážitky, které mu předcházely, se v něm role hudby zvětšila a stala se komplexnější a místy je ruská píseň velmi zdařile zvládnutá. Nejdůležitější je, že do ruské opery přišlo velké a společensky významné téma.
SKLADATELÉ 1. POLOVINY 19. STOLETÍ
Kavos byl jedním z těch zahraničních hudebníků, kteří ještě na začátku 19. století žili a pracovali v Rusku. Ale postupně jejich role v hudební život země se zmenšovala a ustupovala rostoucí aktivitě ruských skladatelů. V prvních desetiletích 19. století pokračovali ve své tvůrčí činnosti hlavní ruští skladatelé, kteří ji začali v 18. století: Bortňanský (sborové koncerty pro kostel), Kozlovský (romance, polonézy, hudba k dramatům) a další. Pak se mezi osvícenými milovníky hudby objevilo mnoho ruských skladatelů, jak se jim obvykle říká „diletanti“: rodinní příslušníci Titov, počet M. Yu Vielgorsky a mnoho dalších. Hlavní oblastí tvořivosti těchto autorů byla píseň, hudba pro komedie a vaudevilly, úpravy tanců atd. Z okruhu ruských amatérů se však velmi brzy vynořili velmi významní, talentovaní, bystří skladatelé, kteří v podstatě , přestal být amatéry a dosáhl velmi velké dovednosti. Z nich je třeba především jmenovat A. N. Verstovský(1799-1862), především divadelní skladatel a slavní autoři písní a romancí: A. A. Aljajev (1787-1851), A. L. Gurilev(1802-1856) a A. E. Varlamov (1801-1848).
Život a dílo všech těchto skladatelů byly úzce spjaty s Moskvou, jejím způsobem života, způsobem života a domácího muzicírování, jejím divadelním prostředím, literaturou, cikánskými sbory atd. Verstovský sloužil dlouhou dobu v Moskvě, v r. kancelář císařských divadel. Alyabyev, ačkoli navštívil zahraničí, na Sibiři, na Kavkaze, ale nikdy nezměnil svou náklonnost k Moskvě, kde byl vychován. Varlamov, rodák z Moskvy, přestože působil ve dvorním pěveckém sboru v Petrohradě, byl celou svou tvorbou silně spjat s Moskvou, kde dával hodiny zpěvu v mnoha soukromých domech a své písně předváděl s kytarou nebo klavírem. Gurilev pocházel z rodiny moskevského poddaného hudebníka a celým svým životem a vkusem se sblížil s Moskvou. Všichni tito skladatelé, zejména Alyabyev a Verstovsky, si byli dobře vědomi výdobytků současného světového romantického umění a používali je ve své tvorbě, přičemž zůstali rodilými ruskými hudebníky s neustálou a neměnnou přitažlivostí k ruskému životu, ruské písni, ruské přírodě. , ruská poezie. Kreativita každého z nich si ve své zemi získala širokou a dlouhodobou oblibu a stala se součástí jejího každodenního života. A některé písně, jako Varlamovova „Nešij mě, matko, červené letní šaty“ nebo Gurilevova „Matka holubice“, se proslavily daleko za jejími hranicemi, kde byly vnímány jako ukázky ruského lidového umění. Nejslavnější z Alyabyevových písní „The Nightingale“ byla brilantně upravena pro klavír slavným klavíristou a skladatelem Franzem Lisztem.
DÍLO VERSTOVSKÉHO
ruský skladatel Alexey Nikolaevich Verstovsky (1799-1862)
Ve Verstovského díle zaujímají hlavní místo jeho opery, napsané podle zápletek pozoruhodného současného básníka Žukovského a spisovatele Zagoskina. Prodchnuti duchem ruského romantismu oslavovali jméno svého autora jako nejtalentovanějšího operní skladatel období před Glinkou. Verstovského nejlepší romantická opera si získala zvláštní slávu. "Askoldův hrob", která byla poprvé uvedena v roce 1835 (rok před Glinkovým Ivanem Susaninem) a od té doby se stala na dlouhou dobu populární. Zápletka z dalekého ruského starověku (Kyjevská Rus), romantický obraz vzpurného hrdiny Neizvestného, atraktivní postava baviče, který všechny zachraňuje před problémy od gudošnika Toropky-Golovana, dojemný a jasný obraz mladé hrdinky Naděždy, kouzelný výjevy kouzla čarodějnice Vakhramejevny, tajné modlitby pronásledovaných křesťanů v noci Askoldův hrob - to vše bylo fascinující, neobvyklé, především romantické, to vše bylo velmi oblíbené u široké divadelní veřejnosti. Verstovského hudba se vyznačovala velkým romantickým jasem, výraznou rozmanitostí a zdálo se, že v sobě spojuje vše, co bylo nejsilnější, prominentní, vše charakteristické pro svou dobu. Rybářské, kyjevské a dívčí sbory v „Askoldově hrobě“ rozvíjejí prvky ruské lidové písně různými způsoby a především dávají opeře národní podobu. První píseň Hope "Kde jsi, můj milovaný ženichu?" blízký citlivé ruské romantice. Velká árie Naděždy a zejména velká árie Neznáma představují spíše typ složité, rozsáhlé, veselé romantické operní árie než písně. Nejzajímavější částí opery je Toropova část. Zde se také setkáváme s baladickým příběhem, charakteristickým pro tehdejší dobu. "Slunce je již ve svých pozdních paprscích" a taneční „městské“ kuplety "Charles padal na stůl" a „herní“ píseň “V blízkosti města Slavjansk”, při níž se na jevišti odehrává čilá hra (únos dívky ze zajetí právě ve chvíli, kdy dozorce vyruší Toropův zpěv o dalším podobném únosu). Verstovského melodie, stejně jako všechny způsoby hudebního psaní, které objevil, byly nejen obecně dostupné, ale vyznačovaly se takříkajíc zvláštní nakažlivou silou, zvláštním každodenním „štěstí“ a přesností. Zpívaly se všude, pronikly hluboko do provincií a zůstaly v každodenním životě téměř až do naší doby.
ALYABYEVOVA DÍLO
Ruský hudební skladatel Alexandr Alexandrovič Alyabyev (1787-1851)
Mezi Alyabyevovými díly zaujímá významné místo také divadelní hudba. Její slávu a význam ale určují především její románky. Alyabyev byl vysoce talentovaný, originální a všestranný autor písní a romancí s výraznými romantickými sklony. Téměř všechny Alyabyevovy romance jsou napsány slovy ruských básníků, včetně Puškina. Aljaabyev ve srovnání se skladateli 18. století značně rozšířil záběr ruské romance, obohatil její témata i obsah a zavedl mnoho nových uměleckých postupů, často velmi jemných, vtipných a strhujících. Velká role v Alyabyevových vokálních textech hraje volnou imitaci lidové písně, nejen selské, ale i městské. K typu jednoduché písně zdobené koloraturami patří jeho slavné "Slavík". Kromě této skladby má Alyabyev několik dalších písní věnovaných slavíkovi (například „Sbohem slavíkovi na severu“) jako charakteristický obraz pro něj spojený s poezií ruské přírody.
Některé z Alyabievových románků, který musel kvůli náhodné hádce odejít do vyhnanství na Sibiř, odrážejí téma exilu, touhy a touhy po jeho vlasti, která je mu blízká. Taková je patetická, povýšená romantika "Irtysh". Alyabyevovy „kavkazské“ písně jsou pozoruhodně dobré a odrážejí jeho dojmy nejen z přírody a romantiky Kavkazu, ale také z jeho přímého seznámení s autentickou hudbou kavkazských národů. V "Čerkesská píseň"(podle Lermontova) a také v "gruzínská píseň" Alyabyev byl prvním ruským skladatelem, který našel charakteristické obraty „orientální“ melodie a zprostředkoval jedinečný a barevný vzhled Východu v hudbě. Mnoho z Alyabievových nejoriginálnějších děl je věnováno romantické téma zklamání, smutek, hluboký a tajemný smutek, který vyjadřuje s patetickým nadšením, inspirací a silou. Jedna z nejlepších romancí tohoto druhu, která má blízko k náladě Žukovského poezie, je "Rakev"- psáno flexibilní, poměrně volnou formou, s přechody z jednoho stylu prezentace, jakoby z jednoho projevu do druhého.
Mnoho Alyabyevových románků, jako např. "Dvě vrány", "Žebrák", « Zimní cesta» , « večerní hovor, večer Bell» , dát jakoby charakteristický náčrt vnějšího obrazu nebo obrazu, přičemž spojuje přesné, charakteristické zobrazení s velkým lyrickým cítěním, s určitou náladou z tohoto obrazu. A konečně, významnou část Alyabyevových děl tvoří milostné texty a na rozdíl od jednoduchých každodenních písní se spíše přibližují novému druhu. komorní romance, která už vyžaduje výraznou jemnost provedení a předznamenává romantické texty Glinky a dalších pozdějších ruských skladatelů. To zahrnuje "Maskot", "Bojím se, bojím se, nejsem zvyklý na štěstí" a některé další.
VARLAMOVOVA KREATIVITA
Varlamovova tvorba je více spojena s jednoduchou každodenní písní než Alyabyevova tvorba. Sám Varlamov byl vynikajícím zpěvákem, který své písně úspěšně předváděl s kytarou doma, v přátelském kruhu, v každodenním životě, kde se snadno chytly a opakovaly. Každodenní taneční rytmy (valčík, bolero), kytarové zvuky („trhání“) a jednoduché, jasné a snadno zpívatelné melodie nabývají ve Varlamovových romantických písních obrovský význam. Některé z Varlamovových písní (např. "Ach nelíbej mě") se částečně přibližují charakteru cikánského zpěvu, který byl v té době v ruských městských kruzích velmi populární. Mnoho z jeho písní, aniž by uvedl jeho jméno, získalo slávu na stejné úrovni jako městské lidové písně. Takové jsou živé, taneční "Podél ulice fouká vánice", ubohý - "Nešij mi, matko, červené letní šaty." a další.
Obzvláště charakteristická pro Varlamova, spolu s velkou lyrickou upřímností jeho melodií, je plamennost jeho hudby, její vroucí vášeň.
GURILEVOVA KREATIVITA
Gurilevovy písně mají jiný charakter. Vždy mají v popředí dojemnou citlivost ( "Malý dům", "Vlaštovka letí" a další), měkké texty – vlastnosti, díky nimž byly jeho písně obzvláště oblíbené v nejširších městských kruzích. Gurilevovy melodie, stejně jako Varlamovovy melodie, byly na svou dobu vynikajícími příklady skutečně domácí umění, splňující široké potřeby, snadno zapamatovatelné a zároveň zralé, mistrovské, celistvé.
Verstovskij, Alyabyev, Varlamov a Gurilev nebyli jen Glinkovými historickými předchůdci; byli jeho staršími současníky a Verstovský dokonce Glinku přežil. A přesto oni historické místo určeno především přípravou Glinkova díla. To neznamená, že jejich díla postrádají nezávislost uměleckou hodnotu. Mnoho Gurilevových písní, například „Zvon chrastí monotónně“, si stále zachovalo svou sílu a popularitu. Alyabyev, Verstovsky a další svou kreativitou výrazně posunuli ruskou hudbu daleko dopředu na její skvělé a progresivní cestě. Díky jejich skvělému tvůrčímu úsilí, které završilo velké předglinkovské období ruské hudby, bylo možné objevit se prvního ruského hudebního klasika Glinky. V roce 1836 byl uveden „Ivan Susanin“ a začalo nové - klasické - období ruské hudby.
já Teplov- jedna nebo dvě písně ze sbírky „Mezi obchodem a zahálkou“ (viz sbírka „Raně ruská romance“ v úpravě T. Trofimova v A. Drozdově nebo „Historie ruské hudby v hudebních ukázkách“ v úpravě S. L. Ginzburg) .
II. Fomin- úryvky z opery „Čaroděj Miller, podvodník a dohazovač“ (viz partitura): Millerovy písně „Jak je u nás večer“ a „Jak chodil stařeček a stařenka“, Filemonova píseň „ Budu zpívat takovou píseň“, píseň Anyuta „Kdybych byl mladý a sebevědomý“.
III. Dubjanského- „Modrá holubice sténá“ (viz „Dějiny ruské hudby v hudebních ukázkách“, editoval S. L. Ginzburg).
IV. Kozlovský- „Krutý osud“ (viz Findeisen. Ruská umělecká píseň).
PROTI. Khandoshkin- Sonáta pro sólové housle (existuje samostatné vydání).
VI. Bortňanský- Sonáta pro klavír (klavír; viz Ginzburg).
VII. Verstovský- úryvky z opery „Askoldův hrob“: Toropova balada „Slunce je již v pozdních paprscích“, Naděždina romance „Kde jsi, můj milovaný ženichu“, Neznámá árie „Brzy, brzy jasný měsíc“, Toropovy kuplety „Zavřít do města Slavjansk“, „Sklenice se pokládaly“ na stůl.“
VIII. Alyabyev- „Slavík“, „Irtyš“, „Gruzínská píseň“, „Čerkesská píseň“, „Rakev“, „Večerní zvonění“, „Dvě vrány“, „Žebrák“, „Ukolébavka“, „Bojím se, jsem bojím se, naštěstí nejsem zvyklý“, „Talisman“, „Zimní večer“, „Co je zataženo, je jasné svítání“.
IX. Varlamov- "Červené letní šaty", "Podél ulice", "Ach, nelíbej mě", "Mountain Peaks", "Nebuď ji za úsvitu", "Osamělá plachta je bílá."
X. Gurilev- „Domeček“, „Zvonek chrastí monotónně“, „Vlaštovka modrokřídlá se třepotá“, „Shooting star“, „Separation“, „Na úsvitu mlhavého mládí“.
XI. Alyabyev-List- "The Nightingale" (klavír).
Poznámka: Doporučuje se ukázat klavírní transkripci Lisztova „Slavíka“ na téma Alyabyeva, ilustrující v přednášce tezi o popularitě předglinkovské ruské hudby nejen v Rusku, ale i na Západě.
XII. Titov- "Solitary Borovice", "Promiň", "Lstivý přítel", "Pobočka".
XIII. Vielgorsky- "Miloval jsem", "Talisman".
Ludwig van Beethoven
Ludwig van Beethoven- Největší skladatel počátku 19. století. Requiem a Moonlight Sonata jsou pro každého okamžitě rozpoznatelné. Nesmrtelná díla Skladatel vždy byl a bude oblíbený díky Beethovenovu jedinečnému stylu.
- německý skladatel 18. století. Bezpochyby zakladatel moderní hudba. Jeho díla byla založena na všestrannosti harmonií různých nástrojů. Vytvářel rytmus hudby, a proto se jeho díla snadno hodí k modernímu instrumentálnímu zpracování.
- Nejpopulárnější a nejsrozumitelnější rakouský skladatel konce 18. století. Všechna jeho díla jsou jednoduchá a důmyslná. Jsou velmi melodické a příjemné. Malá serenáda, bouřka a mnoho dalších rockově aranžovaných skladeb bude mít ve vaší sbírce zvláštní místo.
- rakouský skladatel konce 18., počátku 19. století. Opravdu klasický skladatel. Housle měly pro Haydna zvláštní místo. Je sólistkou téměř všech skladatelových děl. Velmi krásná a okouzlující hudba.
- italský skladatel 1. poloviny 18. století č. 1. Národní temperament a nový přístup k aranžmá doslova vyhodil Evropu do povětří v polovině 18. století. Symfonie "Roční období" jsou vizitka hudební skladatel.
- Polský skladatel 19. století. Podle některých informací je zakladatelem kombinovaného žánru koncertní a lidové hudby. Jeho polonézy a mazurky plynule splývají s orchestrální hudbou. Za jedinou nevýhodu skladatelovy tvorby byl považován příliš měkký styl (nedostatek silných a ohnivých motivů).
- Německý skladatel koncem 19. století. Mluvilo se o něm jako o velkém romantikovi své doby a jeho „Německé Requiem“ zastínilo ve své popularitě ostatní díla jeho současníků. Styl v Brahmsově hudbě je kvalitativně odlišný od stylů jiných klasiků.
- rakouský skladatel počátku 19. století. Jeden z největších skladatelů, který nebyl za svého života uznáván. Velmi brzká smrt v 31 letech zabránila Schubertovi plně rozvinout jeho potenciál. Písně, které napsal, byly tehdy hlavním zdrojem příjmů největší symfonie hromadící se prach na policích. Teprve po skladatelově smrti byla díla vysoce oceněna kritikou.
- rakouský hudební skladatel konce 19. století. Zakladatel valčíků a pochodů. Říkáme Strauss - myslíme valčík, říkáme valčík - myslíme Strausse. Johann mladší vyrůstal v rodině svého otce skladatele. Strauss starší se k dílům svého syna choval pohrdavě. Věřil, že jeho syn dělá nesmysly, a proto ho všemožně na světě ponižoval. Johann mladší však tvrdošíjně pokračoval v tom, co miloval, a revoluce a pochod, který na její počest napsal Strauss, prokázaly genialitu jeho syna v očích evropské vysoké společnosti.
- Jeden z největších skladatelů 19. století. Mistr operní umění. Verdiho Aida a Othello jsou dnes mimořádně populární díky skutečnému talentu italského skladatele. Tragická ztráta rodiny ve věku 27 let skladatele ochromila, ale nevzdal se a ponořil se do kreativity, během krátké doby napsal několik oper najednou. Vysoká společnost vysoce oceňoval Verdiho talent a jeho opery byly uváděny nejvíce prestižní divadla Evropa.
- Již ve svých 18 letech napsal tento talentovaný italský skladatel několik oper, které se staly velmi populárními. Vrcholným úspěchem jeho stvoření byla přepracovaná hra „ Holič ze Sevilly"Po té, co to představil veřejnosti, byl Gioachino doslova nošen v náručí. Úspěch byl opojný. Poté se Rossini stal vítaným hostem ve vysoké společnosti a získal si solidní pověst.
- německý skladatel počátku 18. století. Jeden ze zakladatelů opery a instrumentální hudby. Kromě psaní oper psal Händel také hudbu pro „lid“, která byla v té době velmi populární. Stovky písní a taneční melodie skladatelovy písně hřměly ulicemi a náměstími v těch vzdálených časech.
- Polský kníže a skladatel je samouk. Bez jakéhokoli hudebního vzdělání jsem se stal slavný skladatel. Jeho slavná polonéza je známá po celém světě. V době skladatele probíhala v Polsku revoluce a pochody, které napsal, se staly hymnami rebelů.
- židovský skladatel narozený v Německu. Jeho svatební pochod a „Sen noci svatojánské“ jsou populární už stovky let. Symfonie a skladby, které napsal, jsou úspěšně přijímány po celém světě.
- německý skladatel 19. století. Jeho mysticky antisemitská myšlenka o nadřazenosti „árijské“ rasy nad ostatními rasami byla přijata fašisty. Wagnerova hudba je velmi odlišná od hudby jeho předchůdců. Je zaměřen především na propojení člověka a přírody s příměsí mystiky. Jeho slavné opery„Prsteny Nibelungů“ a „Tristan a Isolda“ potvrzují revolučního ducha skladatele.
- francouzský skladatel poloviny 19. století. Tvůrce "Carmen". Od narození byl geniálním dítětem a v 10 letech již nastoupil na konzervatoř. Za svůj krátký život (zemřel před svými 37 lety) napsal desítky oper a operet, různé orchestrální díla a jednosymfonie.
- norský skladatel a textař. Jeho díla jsou prostě plná melodií. Během svého života psal velký počet písně, romance, suity a etudy. Jeho skladba „Cave of the Mountain King“ je velmi často používána v kině a moderní pop music.
- Americký skladatel počátku 20. století - autor dodnes obzvláště oblíbené „Rhapsody in Blue“. V 26 letech byl již prvním skladatelem na Broadwayi. Gershwinova popularita se rychle rozšířila po celé Americe díky četným písním a populárním pořadům.
- ruský skladatel. Jeho opera „Boris Godunov“ je charakteristickým znakem mnoha divadel po celém světě. Skladatel se ve svých dílech opíral o folklór, uvažovat lidová hudba- hudba duše. „Noc na Lysé hoře“ od Modesta Petroviče je jedním z deseti nejoblíbenějších symfonických skečů na světě.
Nejpopulárnější a největší skladatel Ruska je samozřejmě. " labutí jezero" a "Šípková Růženka", "Slovanský pochod" a "Louskáček", "Eugene Oněgin" a "Piková dáma". Tyto a mnoho dalších mistrovských děl hudebního umění vytvořil náš ruský skladatel. Čajkovskij je pýchou Ruska "Balalajka" je známá po celém světě", "Matrjoška", "Čajkovskij"...
- sovětský skladatel. Stalinův oblíbenec. Michail Zadornov důrazně doporučil poslech opery „Příběh skutečného muže“. Ale většinou je dílo Sergeje Sergeje vážné a hluboké. "Válka a mír", "Popelka", "Romeo a Julie", spousta skvělých symfonií a děl pro orchestr.
- Ruský skladatel, který vytvořil svůj vlastní nenapodobitelný styl hudby. Byl to hluboce věřící muž a speciální místo Jeho dílo bylo věnováno psaní náboženské hudby. Rachmaninov také napsal spoustu koncertní hudby a několik symfonií. Jeho poslední dílo „Symfonické tance“ je uznáváno jako skladatelovo největší dílo.
