Jak se jmenuje příběh obrazu? Deset zábavných příběhů o obrazech z Treťjakovské galerie

Dnes si v každém muzeu můžete poslechnout úžasné průvodce, kteří vám podrobně poví o sbírce a umělcích v ní zastoupených. Mnoho rodičů přitom ví, že pro většinu dětí je těžké strávit v muzeu byť jen hodinu a příběhy o historii malby je celkem rychle unaví. Aby se děti v muzeu nenudily, nabízíme rodičům „podvodník“ – deset zábavných příběhů o obrazech z Treťjakovské galerie, které budou zajímat děti i dospělé.

1. Ivan Kramskoy. "Mořské panny", 1871

Ivan Kramskoy je známý především jako autor obrazu „Neznámý“ (často se mylně nazývá „Cizinec“), stejně jako řada krásných portrétů: Leo Tolstoy, Ivan Shishkin, Dmitrij Mendělejev. Pro děti je ale lepší začít se s jeho tvorbou seznamovat s kouzelným obrazem „Mořské panny“, ke kterému se váže příběh.
V srpnu 1871 byl umělec Ivan Kramskoy na návštěvě na venkovském sídle svého přítele, milovníka umění a slavného filantropa Pavla Stroganova. Když se večer procházel, obdivoval měsíc a obdivoval jeho magické světlo. Během těchto procházek se umělec rozhodl namalovat noční krajinu a pokusit se předat veškeré kouzlo, veškeré kouzlo měsíční noci, aby „chytil měsíc“ - podle svých vlastních slov.
Kramskoy začal pracovat na obraze. Za měsíční noci se objevil břeh řeky, kopec a na něm dům, obklopený topoly. Krajina byla krásná, ale něco tomu chybělo – magie se nezrodila na plátně. Kniha Nikolaje Gogola „Večery na farmě u Dikanky“ přišla na pomoc umělci, nebo spíše příběh nazvaný „Májová noc nebo utopená žena“ - báječný a trochu strašidelný. A pak se na obrázku objevily dívky z mořské panny, osvětlené měsíčním světlem.
Umělec na obraze pracoval tak pečlivě, že o něm začal snít a neustále v něm chtěl něco dotvářet. Rok poté, co ji koupil zakladatel Treťjakovské galerie Pavel Treťjakov, chtěl v ní Kramskoy znovu něco změnit a provedl drobné změny přímo ve výstavní síni.
Kramskoyovo plátno se stalo prvním „pohádkovým“ obrazem v historii ruské malby.

2. Vasilij Vereščagin. "Apoteóza války", 1871


Stalo se, že lidé vždy bojovali. Od nepaměti stateční vůdci a mocní vládci vyzbrojovali své armády a posílali je do války. Samozřejmě chtěli, aby vzdálení potomci věděli o jejich vojenských úlovcích, takže básníci psali básně a písně a umělci vytvářeli nádherné obrazy a sochy. Na těchto obrazech válka obvykle vypadala jako svátek - jasné barvy, nebojácní bojovníci jdoucí do bitvy...
Umělec Vasilij Vereščagin věděl o válce z první ruky - účastnil se bitev více než jednou - a namaloval mnoho obrazů, na nichž zobrazoval to, co viděl na vlastní oči: nejen statečné vojáky a jejich velitele, ale také krev, bolest a utrpení. .
Jednoho dne ho napadlo, jak ukázat všechny hrůzy války v jednom snímku, jak přimět diváky, aby pochopili, že válka je vždy žal a smrt, jak nechat ostatní, aby se dívali na její ohavné detaily? Uvědomil si, že nestačí namalovat obraz bitevního pole posetého mrtvými vojáky – taková plátna existovala již dříve. Vereščagin přišel se symbolem války, obrazem, jen při pohledu na který si každý dokáže představit, jak hrozná je jakákoli válka. Namaloval spálenou poušť, uprostřed níž se tyčí pyramida z lidských lebek. Kolem jsou jen suché stromy bez života a na svátek létají jen vrány. V dálce je vidět zchátralé město a divák snadno tuší, že ani tam už není život.

3. Alexej Savrasov. „Věžové dorazili“, 1871


Obraz „The Rooks Have Arrived“ zná každý od dětství a pravděpodobně každý o něm psal školní eseje. A učitelé dnes určitě budou dětem vyprávět o Savrasovových lyrických krajinách a že již v samotném názvu tohoto obrázku je slyšet radostná předzvěst rána roku a vše v něm je naplněno hlubokým významem blízkým srdci. Mezitím málokdo ví, že slavné „Věže...“, stejně jako všechna ostatní Savrasova díla, možná vůbec neexistovaly.
Alexej Savrasov byl synem malého moskevského galanterního zboží. Chlapcova touha zapojit se do malby nezpůsobila u rodiče potěšení, ale přesto Kondrat Savrasov poslal svého syna do Moskevské školy malby a sochařství. Učitelé i spolužáci poznali talent mladého umělce a předpovídali mu velkou budoucnost. Ukázalo se však, že Alexey, aniž by studoval rok, byl zřejmě kvůli nemoci své matky nucen přestat studovat. Jeho učitel Karl Rabus se obrátil o pomoc na náčelníka moskevské policie generálmajora Ivana Luzhina, který talentovanému mladíkovi pomohl získat umělecké vzdělání.
Kdyby se Luzhin nezúčastnil osudu mladého umělce, nikdy by se nezrodil jeden z nejslavnějších obrazů v historii ruského malířství.

4. Vasilij Polenov. "Moskevský dvůr", 1878


Někdy umělec, aby namaloval krásný obraz, hodně cestuje, dlouho a pečlivě hledá ty nejkrásnější výhledy, až nakonec najde to vzácné místo a čas od času tam přichází se skicákem. A také se stává, že k vytvoření nádherného díla stačí jít k vlastnímu oknu, podívat se na úplně obyčejný moskevský dvůr - a stane se zázrak, objeví se úžasná krajina plná světla a vzduchu.
Přesně takový zázrak se stal výtvarníkovi Vasilijovi Polenovovi, který se začátkem léta 1878 podíval z okna svého bytu a docela rychle namaloval, co viděl. Mraky snadno klouzají po obloze, slunce stoupá výš a výš, zahřívá zemi svým teplem, osvětluje kopule kostelů, zkracuje husté stíny... Zdálo by se, že jde o jednoduchý obrázek, který sám umělec nepořídil. zprvu vážně: napsal to a málem na to zapomněl. Pak byl ale pozván, aby se výstavy zúčastnil. Neměl nic významného a Polenov se rozhodl vystavit „Moskevský dvůr“.
Kupodivu to byl tento „bezvýznamný obrázek“, který přinesl slávu a slávu Vasiliji Polenovovi - milovala ho veřejnost i kritici: má teplo a jasné barvy a jeho postavy lze donekonečna zkoumat a vymýšlet příběh o každém z nich.

5. Ivan Šiškin. „Ráno v borovém lese“, 1889

„Ráno v borovém lese“ od Ivana Šiškina je pravděpodobně nejznámější obraz ze sbírky Treťjakovské galerie. U nás to zná každý, a to díky reprodukcím ve školních učebnicích nebo třeba díky čokoládám „Medvědí medvídek“.
Ale ne každý ví, že Shishkin sám namaloval pouze ranní les v mlžném oparu a nemá nic společného s medvědy. Tento obraz je plodem společné kreativity mezi Shishkinem a jeho přítelem, umělcem Konstantinem Savitským.
Ivan Shishkin byl nepřekonatelným mistrem v zobrazování nejrůznějších botanických jemností – kritik Alexander Benois mu vyčítal jeho vášeň pro fotografickou přesnost a nazval jeho obrazy bez života a chladu. Ale umělec nebyl přítelem zoologie. Říkají, že to je důvod, proč se Shishkin obrátil na Savitského s žádostí, aby mu pomohl s medvědy. Savitsky svého přítele neodmítl, ale jeho práci nebral vážně - a nepodepsal.
Později Pavel Treťjakov koupil tento obraz od Šiškina a umělec vyzval Savitského, aby na obraze zanechal podpis - koneckonců na něm pracovali společně. Savickij tak učinil, ale Treťjakovovi se to nelíbilo. Prohlásil, že koupil obraz od Šiškina, ale nechtěl nic vědět o Savitském, požadoval rozpouštědlo a vlastnoručně odstranil „extra“ podpis. A tak se stalo, že dnes Treťjakovská galerie uvádí autorství pouze jednoho umělce.

6. Viktor Vasněcov. "Bogatyrs", 1898


Viktor Vasnetsov je považován za „nejbáječnějšího“ umělce v historii ruské malby - byl to jeho štětec, který vytvořil tak slavná díla jako „Alyonushka“, „Rytíř na křižovatce“, „Heroic Leap“ a mnoho dalších. Ale jeho nejslavnější obraz je „Bogatyrs“, který zobrazuje hlavní postavy ruských eposů.
Sám umělec obrázek popsal takto: „Hrdinové Dobrynya, Ilja a Aljoša Popovič jsou na hrdinské výpravě - v terénu si všímají, zda někde není nepřítel, urážejí někoho?
Uprostřed na černém koni se zpod dlaně dívá do dálky Ilja Muromec, hrdina má v jedné ruce kopí, v druhé damaškový kyj. Vlevo na bílém koni Dobrynya Nikitich vytahuje svůj meč z pochvy. Vpravo na červeném koni Aljoša Popovič drží v rukou luk a šípy. S hrdiny tohoto snímku – či spíše s jejich předobrazy – je spojen kuriózní příběh.
Viktor Vasnetsov dlouho přemýšlel, jak by měl Ilya Muromets vypadat, a dlouho nemohl najít „správnou“ tvář - odvážnou, upřímnou, vyjadřující sílu i laskavost. Jednoho dne ale úplnou náhodou potkal rolníka Ivana Petrova, který přijel do Moskvy vydělávat peníze. Umělec byl ohromen - na moskevské ulici viděl skutečného Ilju Muromce. Rolník souhlasil s pózováním pro Vasnetsova a... zůstal po staletí.
V eposech je Dobrynya Nikitich docela mladá, ale z nějakého důvodu Vasnetsovův obraz zobrazuje muže středního věku. Proč se umělec rozhodl jednat tak volně s lidovými pohádkami? Řešení je jednoduché: Vasnetsov se zobrazil na obrázku Dobrynya; stačí porovnat obrázek s portréty a fotografiemi umělce.

7. Valentin Serov. "Dívka s broskvemi." Portrét V. S. Mamontové“, 1887

„Dívka s broskvemi“ je jedním z nejslavnějších portrétů v historii ruské malby, který namaloval umělec Valentin Serov.
Dívka na portrétu je Verochka, dcera filantropa Savvy Mamontova, jehož dům umělec často navštěvoval. Zajímavostí je, že broskve ležící na stole nebyly přivezeny z teplých krajů, ale rostly nedaleko Moskvy, přímo v panství Abramcevo, což byla v 19. století věc zcela neobvyklá. Mamontovovi pracoval zahradník-kouzelník - v jeho šikovných rukou kvetly ovocné stromy ještě v únoru a sklizeň byla sklizena už na začátku léta.
Díky Serovovu portrétu se Vera Mamontova zapsala do historie, ale sám umělec si vzpomněl, jak těžké bylo přesvědčit 12letou dívku, která měla neobvykle neklidnou povahu, aby pózovala. Serov pracoval na obraze téměř měsíc a Vera každý den několik hodin tiše seděla v jídelně.
Práce to nebyla marná: když umělec představil portrét na výstavě, veřejnosti se obraz opravdu líbil. A dnes, o více než sto let později, „Dívka s broskvemi“ potěší návštěvníky Treťjakovské galerie.

8. Ilja Repin. "Ivan Hrozný a jeho syn Ivan 16. listopadu 1581," 1883-1885.


Při pohledu na ten či onen obraz si často říkáte, co bylo pro umělce zdrojem inspirace, co ho přimělo namalovat právě takové dílo? V případě obrazu Ilji Repina „Ivan Hrozný a jeho syn Ivan 16. listopadu 1581“ není vůbec snadné uhodnout pravé důvody.
Obraz zachycuje legendární epizodu ze života Ivana Hrozného, ​​kdy v návalu hněvu zasadil smrtelnou ránu svému synovi careviči Ivanovi. Mnoho historiků se však domnívá, že ve skutečnosti k žádné vraždě nedošlo a princ zemřel na nemoc, a už vůbec ne z rukou svého otce. Zdálo by se, že co mohlo umělce přinutit, aby se obrátil k takové historické epizodě?
Jak sám umělec vzpomínal, nápad namalovat obraz „Ivan Hrozný a jeho syn Ivan“ dostal po... koncertu, na kterém slyšel hudbu skladatele Rimského-Korsakova. Byla to symfonická suita „Antar“. Zvuky hudby umělce zaujaly a chtěl v malbě ztělesnit náladu, která se v něm pod vlivem tohoto díla vytvořila.
Hudba ale nebyla jediným zdrojem inspirace. Cestou po Evropě v roce 1883 se Repin zúčastnil býčího zápasu. Pohled na tuto krvavou podívanou zapůsobil na umělce, který napsal, že „když se nakazil... touto krvavostí, po příjezdu domů se okamžitě pustil do práce na krvavé scéně „Ivan Hrozný se svým synem“. A krevní obraz měl velký úspěch.“

9. Michail Vrubel. "Démon sedí", 1890


Jak někdy název obrazu znamená hodně. Co vidí divák, když se poprvé podívá na obraz Michaila Vrubela „Sedící démon“? Svalnatý mladík sedí na skále a smutně se dívá na západ slunce. Ale jakmile vyslovíme slovo „démon“, okamžitě se objeví obraz magického zlého stvoření. Mezitím démon Michaila Vrubela není vůbec zlý duch. Sám umělec nejednou řekl, že démon je duch „ne tak zlý jako utrpení a zármutek, ale zároveň mocný duch, ... majestátní“.
Tento obraz je zajímavý technikou malby. Umělec nanáší barvu na plátno ne konvenčním štětcem, ale tenkým ocelovým plátem - paletovým nožem. Tato technika umožňuje kombinovat techniky malíře a sochaře, doslova „vyřezávat“ obraz pomocí barev. Takto je dosaženo efektu „mozaiky“ - zdá se, že obloha, skály a dokonce i samotné tělo hrdiny nejsou natřeny barvou, ale jsou vyskládány z pečlivě leštěných, možná i drahých kamenů.

10. Alexandr Ivanov. "Zjevení Krista lidem (Zjevení se Mesiáše)", 1837-1857.


Obraz Alexandra Ivanova „Zjevení Krista lidem“ je jedinečnou událostí v historii ruského malířství. Není snadné o tom mluvit s dětmi, zejména 6-7letými, ale rozhodně by měly vidět toto monumentální plátno, na kterém umělec pracoval více než 20 let a které se stalo jeho životním dílem.
Děj obrazu je založen na třetí kapitole Matoušova evangelia: Jan Křtitel, křtící židovský národ na břehu Jordánu ve jménu očekávaného Spasitele, ho náhle vidí přicházet, v jehož jménu křtí lidi . S kompozičními rysy obrazu, jeho symboly a výtvarným jazykem se děti seznámí později. Při prvním seznámení stojí za to mluvit o tom, jak se jeden obraz stal životním dílem umělce.
Po ukončení studií na Petrohradské akademii umění byl Alexander Ivanov vyslán „na stáž“ do Itálie. „Zjevení se Krista lidem“ mělo být záznamem. Ale umělec bere svou práci velmi vážně: pečlivě studuje Písmo svaté, historii, tráví měsíce hledáním požadované krajiny, tráví nekonečné množství času hledáním obrazu pro každou postavu na obraze. Peníze, které mu byly přiděleny na práci, docházejí, Ivanov vede bídnou existenci. Namáhavá práce na obraze vedla k poškození zraku umělce a jeho dlouhodobé léčbě.
Když Ivanov dokončil své dílo, italská veřejnost obraz nadšeně přijala, šlo o jeden z prvních případů evropského uznání ruského umělce. V Rusku to nebylo okamžitě oceněno - teprve po smrti umělce k němu přišla skutečná sláva.
Při práci na obraze Ivanov vytvořil více než 600 skic. V místnosti, kde je vystavena, si některé z nich můžete prohlédnout. Je zajímavé použít tyto příklady ke sledování toho, jak umělec pracoval na kompozici, krajině a obrazech postav na obrázku.

Výběr záznamů

Umělecká díla, která každý zná, často obsahují neznámé, fascinující příběhy.

Kazimir Malevič byl šestým umělcem, který namaloval černý čtverec, Shishkin byl spoluautorem svého „Ráno v borovém lese“, Dali utrpěl vážné psychosexuální trauma a Pablo Picasso přežil svou odvážnou reakci na gestapo. Obdivujeme krásu největších obrazů, ale příběhy, které se staly před, během nebo po namalování mistrovských děl, často zůstávají mimo naši pozornost. A úplně marně. Někdy vám takové příběhy umožňují lépe porozumět umělci nebo jednoduše být ohromeni výstředností života a kreativity.

Malevičovo „Černé náměstí“ – jedno z nejznámějších a nejdiskutovanějších uměleckých děl – není takovou inovací.

Umělci experimentují s barvou „all black“ již od 17. století. Robert Fludd jako první namaloval v roce 1617 zcela černé umělecké dílo nazvané „Velká temnota“ a v roce 1843 jej následoval Bertal se svým dílem „Pohled na La Hougue (Pod rouškou noci). O více než dvě stě let později. A pak téměř bez přerušení – „The Twilight History of Russia“ od Gustava Doré v roce 1854, „Noční boj černochů ve sklepě“ od Paula Bealholda v roce 1882, zcela plagiát „Bitva černochů v jeskyni v hluboké noci“ od Alphonse Allaise. A teprve v roce 1915 Kazimir Malevich představil veřejnosti své „Černé náměstí suprematistů“, což je celý název obrazu. A právě jeho obraz zná každý, zatímco jiné znají jen historikové umění. Sám Malevich namaloval nejméně čtyři verze svého „Černého suprematistického náměstí“, které se liší designem, texturou a barvou, v naději, že najde absolutní „beztíže“ a let forem.

"Výkřik", Edvard Munch

Stejně jako u Černého čtverce jsou na světě čtyři verze Scream. Dvě verze jsou malované v oleji a dvě v pastelu. Existuje názor, že Munch, který trpěl maniodepresivní psychózou, ji několikrát napsal ve snaze zbavit se všeho utrpení, které sevřelo jeho duši. A je možné, že by bylo víc podivných lidí křičících z nesnesitelných muk, kdyby umělec nešel na kliniku. Po ukončení léčby se již nikdy nepokusil reprodukovat svůj „Scream“, který se stal kultovní klasikou.

"Guernica", Pablo Picasso

Obrovská freska „Guernica“, kterou namaloval Picasso v roce 1937, vypráví příběh o náletu dobrovolné jednotky Luftwaffe na město Guernica, v jehož důsledku bylo šestitisícové město zcela zničeno. Obraz byl namalován doslova za měsíc - první dny práce na obraze Picasso pracoval 10-12 hodin a již v prvních skicách bylo vidět hlavní myšlenku. Toto je jedna z nejlepších ilustrací noční můry fašismu, stejně jako lidské krutosti a smutku. Guernica představuje scény smrti, násilí, brutality, utrpení a bezmoci, aniž by upřesnil jejich bezprostřední příčiny, ale jsou zřejmé. A nejzajímavější okamžik v souvislosti s tímto obrázkem nastal v roce 1940, kdy byl Picasso povolán gestapem v Paříži. "Udělal jsi to?" zeptali se ho nacisté. "Ne, udělal jsi to."

"Velký masturbátor", Salvador Dalí

Ve filmu s podivným a na naši dobu arogantním názvem vlastně žádná výzva pro společnost neexistuje. Umělec ve skutečnosti zobrazil své podvědomí a přiznal se divákovi. Na plátně je vyobrazena jeho žena Gala, kterou vášnivě miloval; kobylky, kterých se děsil; fragment muže s podřezanými koleny, mravenci a dalšími symboly vášně, strachu a znechucení. Původ tohoto snímku (ale především původ jeho podivného znechucení a zároveň touhy po sexu) tkví v tom, že Salvador Dalí si jako dítě prohlédl knihu o pohlavních chorobách, které po něm omylem zanechal jeho otec.

Historické plátno, vyprávějící divákovi o dramatickém okamžiku v dějinách naší země, ve skutečnosti nebylo inspirováno ani tak faktem vraždy jeho syna a dědice carem Ivanem Vasiljevičem, ale vraždou Alexandra II. revolucionářů a – zcela nečekaně – býčí zápasy ve Španělsku. Umělec o tom, co viděl, napsal: „Neštěstí, živá smrt, vražda a krev tvoří přitažlivou sílu... A já, když jsem se pravděpodobně touto krvavostí nakazil, po příjezdu domů jsem se okamžitě pustil do práce na krvavé scéně.“

„Ráno v borovém lese“, Ivan Shishkin

Mistrovské dílo, které zná každé sovětské dítě z jeho úchvatně lahodných a nedostatkových bonbónů, patří nejen Šiškinovi. Mnoho umělců, kteří byli mezi sebou přátelé, se často uchýlilo k „pomoci přítele“ a Ivan Ivanovič, který celý život maloval krajiny, se bál, že jeho dojemní medvědi nedopadnou tak, jak chtěl. Shishkin se proto obrátil na svého přítele, zvířecího umělce Konstantina Savitského. Savitsky namaloval možná nejlepší medvědy v historii ruské malby a Treťjakov nařídil, aby jeho jméno bylo smyto z plátna, protože vše na obrázku „od konceptu po provedení, vše hovoří o způsobu malby, o tvůrčí metodě. typické pro Shishkina."

Téměř každé významné umělecké dílo má tajemství, „dvojité dno“ nebo tajný příběh, který chcete odhalit.

Hudba na hýždích

Hieronymus Bosch, "Zahrada pozemských rozkoší", 1500-1510.

Fragment části triptychu

Spory o významy a skryté významy nejslavnějšího díla nizozemského umělce od jeho objevení neutichají. Pravé křídlo triptychu s názvem „Hudební peklo“ zobrazuje hříšníky, kteří jsou mučeni v podsvětí za pomoci hudebních nástrojů. Jeden z nich má na zadku vyražené noty. Studentka křesťanské univerzity v Oklahomě Amelia Hamricková, která malbu studovala, přeložila notaci z 16. století do moderní podoby a nahrála „500 let starou píseň z pekla“.

Nahá Mona Lisa

Slavná "La Gioconda" existuje ve dvou verzích: nahá verze se nazývá "Monna Vanna", namaloval ji málo známý umělec Salai, který byl žákem a opatrovníkem velkého Leonarda da Vinciho. Mnoho historiků umění je si jisto, že to byl on, kdo byl modelem Leonardových obrazů „Jan Křtitel“ a „Bacchus“. Existují také verze, že Salai, oblečená v ženských šatech, sloužila jako obraz samotné Mony Lisy.

Starý rybář

V roce 1902 namaloval maďarský umělec Tivadar Kostka Csontvary obraz „Starý rybář“. Zdálo by se, že na obrázku není nic neobvyklého, ale Tivadar do něj vložil podtext, který nebyl během umělcova života nikdy odhalen.

Málokoho napadlo umístit zrcadlo doprostřed obrazu. V každém člověku může být Bůh (pravé rameno Starce je duplikováno) i Ďábel (levé rameno Starce je duplikováno).

Byla tam velryba?

Hendrik van Antonissen, Shore Scene.

Vypadalo by to jako obyčejná krajina. Lodě, lidé na břehu a opuštěné moře. A teprve rentgenová studie ukázala, že lidé se na břehu shromáždili z nějakého důvodu – v originále se dívali na mršinu velryby vyplavené na břeh.

Umělec se však rozhodl, že na mrtvou velrybu se nikdo nebude chtít dívat, a obraz přepsal.

Dvě "snídaně v trávě"

Edouard Manet, „Oběd na trávě“, 1863.

Claude Monet, "Oběd na trávě", 1865.

Umělci Edouard Manet a Claude Monet jsou občas zmatení – vždyť oba byli Francouzi, žili ve stejné době a pracovali ve stylu impresionismu. Monet si dokonce vypůjčil název jednoho z Manetových nejslavnějších obrazů „Oběd v trávě“ a napsal svůj vlastní „Oběd v trávě“.

Čtyřhra při poslední večeři

Leonardo da Vinci, "Poslední večeře", 1495-1498.

Když Leonardo da Vinci psal Poslední večeři, přikládal zvláštní význam dvěma postavám: Kristu a Jidášovi. Velmi dlouho pro ně hledal modely. Nakonec se mu mezi mladými zpěváky podařilo najít předlohu pro obraz Krista. Leonardo nemohl tři roky najít model pro Jidáše. Jednoho dne ale narazil na ulici na opilce, který ležel v okapu. Byl to mladý muž, který zestárnul kvůli silnému pití. Leonardo ho pozval do krčmy, kde od něj okamžitě začal malovat Jidáše. Když se opilec vzpamatoval, řekl umělci, že už mu jednou pózoval. Bylo to před několika lety, když zpíval v kostelním sboru, Leonardo od něj namaloval Krista.

"Noční hlídka" nebo "Denní hlídka"?

Rembrandt, "Noční hlídka", 1642.

Jeden z nejslavnějších Rembrandtových obrazů, „Vystoupení střelecké roty kapitána Franse Banninga Cocka a poručíka Willema van Ruytenburga“, visel v různých místnostech asi dvě stě let a byl objeven historiky umění až v 19. století. Vzhledem k tomu, že se postavy zdály být na tmavém pozadí, byla nazývána „Noční hlídka“ a pod tímto názvem vstoupila do pokladnice světového umění.

A až při restaurování provedené v roce 1947 se zjistilo, že v sále se obraz podařilo zakrýt vrstvou sazí, která zkreslila jeho barvu. Po vyčištění původní malby se nakonec ukázalo, že scéna reprezentovaná Rembrandtem se ve skutečnosti odehrává během dne. Pozice stínu z levé ruky kapitána Koka ukazuje, že doba trvání akce není delší než 14 hodin.

Převrácená loď

Henri Matisse, "Loď", 1937.

Obraz Henriho Matisse „The Boat“ byl vystaven v New York Museum of Modern Art v roce 1961. Až po 47 dnech si někdo všiml, že obraz visí vzhůru nohama. Na plátně je vyobrazeno 10 fialových čar a dvě modré plachty na bílém pozadí. Umělec namaloval dvě plachty z nějakého důvodu, druhá plachta je odrazem první na hladině vody.
Aby nedošlo k chybě v tom, jak by měl obrázek viset, musíte věnovat pozornost detailům. Větší plachta by měla být horní částí obrazu a vrchol plachty malby by měl směřovat k pravému hornímu rohu.

Klam v autoportrétu

Vincent van Gogh, "Autoportrét s dýmkou", 1889.

Existují legendy, že si Van Gogh údajně uřízl ucho. Nyní je nejspolehlivější verzí, že si van Gogh poškodil ucho při malé rvačce, do které byl zapojen další umělec Paul Gauguin.

Autoportrét je zajímavý, protože odráží realitu ve zkreslené podobě: umělec je zobrazen s obvázaným pravým uchem, protože při práci používal zrcadlo. Ve skutečnosti bylo postiženo levé ucho.

Mimozemští medvědi

Ivan Shishkin, „Ráno v borovém lese“, 1889.

Slavný obraz patří nejen Shishkinovi. Mnoho umělců, kteří byli mezi sebou přátelé, se často uchýlilo k „pomoci přítele“ a Ivan Ivanovič, který celý život maloval krajiny, se obával, že jeho dojemní medvědi nedopadnou tak, jak potřeboval. Shishkin se proto obrátil na svého přítele, zvířecího umělce Konstantina Savitského.

Savitsky namaloval možná nejlepší medvědy v historii ruské malby a Treťjakov nařídil, aby jeho jméno bylo smyto z plátna, protože vše na obrázku „od konceptu po provedení, vše hovoří o způsobu malby, o tvůrčí metodě. typické pro Shishkina."

Nevinný příběh "gotiky"

Grant Wood, Americká gotika, 1930.

Dílo Granta Wooda je považováno za jedno z nejpodivnějších a nejdepresivnějších v historii amerického malířství. Obraz s ponurým otcem a dcerou je plný detailů, které naznačují tvrdost, puritánství a retrográdní povahu vyobrazených lidí.
Ve skutečnosti neměl umělec v úmyslu zobrazovat žádné hrůzy: během cesty do Iowy si všiml malého domu v gotickém stylu a rozhodl se zobrazit ty lidi, kteří by podle jeho názoru byli ideální jako obyvatelé. Grantova sestra a jeho zubař jsou zvěčněni, protože postavy Iowanse tak urazily.

Pomsta Salvadora Dalího

Obraz „Postava u okna“ byl namalován v roce 1925, kdy bylo Dalímu 21 let. V té době Gala ještě nevstoupila do umělcova života a jeho múzou byla jeho sestra Ana Maria. Vztah mezi bratrem a sestrou se zhoršil, když v jednom z obrazů napsal: „Někdy plivu na portrét své vlastní matky, a to mě těší. Ana Maria si takové šokující chování nemohla odpustit.

Ve své knize z roku 1949 Salvador Dalí očima sestry píše o svém bratrovi bez jakékoli chvály. Kniha Salvadora rozzuřila. Ještě deset let poté na ni vztekle vzpomínal při každé příležitosti. A tak se v roce 1954 objevil obraz „Mladá panna oddávající se hříchu sodomie s pomocí rohů své vlastní cudnosti“. Póza ženy, její kudrlinky, krajina za oknem a barevné schéma obrazu jasně odrážejí „Postava u okna“. Existuje verze, že se Dali pomstil své sestře za její knihu.

Danae se dvěma tvářemi

Rembrandt Harmens van Rijn, "Danae", 1636 - 1647.

Mnohá ​​tajemství jednoho z nejslavnějších Rembrandtových obrazů byla odhalena až v 60. letech dvacátého století, kdy bylo plátno nasvíceno rentgenovými paprsky. Střelba například ukázala, že v rané verzi byla tvář princezny, která vstoupila do milostného vztahu se Zeusem, podobná tváři Saskie, malířovy manželky, která zemřela v roce 1642. V konečné verzi malba začala připomínat tvář Gertje Dirks, Rembrandtovy milenky, se kterou umělec žil po smrti své manželky.

Van Goghova žlutá ložnice

Vincent van Gogh, "Ložnice v Arles", 1888 - 1889.

V květnu 1888 získal Van Gogh malý ateliér v Arles na jihu Francie, kam uprchl před pařížskými umělci a kritiky, kteří mu nerozuměli. V jednom ze čtyř pokojů si Vincent zařídí ložnici. V říjnu je vše připraveno a on se rozhodne namalovat „Van Goghovu ložnici v Arles“. Pro umělce byla barva a pohodlí místnosti velmi důležité: vše muselo evokovat myšlenky na relaxaci. Obraz je zároveň navržen v alarmujících žlutých tónech.

Badatelé Van Goghovy práce to vysvětlují tím, že umělec si vzal náprstník, lék na epilepsii, který způsobuje vážné změny ve vnímání barev pacienta: celá okolní realita je vymalována v zelených a žlutých tónech.

Bezzubá dokonalost

Leonardo da Vinci, "Portrét Lady Lisa del Giocondo", 1503 - 1519.

Všeobecně přijímaný názor je, že Mona Lisa je dokonalost a její úsměv je krásný ve své tajemnosti. Americký umělecký kritik (a zubař na částečný úvazek) Joseph Borkowski se však domnívá, že soudě podle výrazu tváře přišla hrdinka o mnoho zubů. Borkowski při studiu zvětšených fotografií mistrovského díla objevil i jizvy kolem úst. „Usmívá se tak právě kvůli tomu, co se jí stalo,“ domnívá se odborník. "Její výraz obličeje je typický pro lidi, kteří přišli o přední zuby."

Hlavní na ovládání obličeje

Pavel Fedotov, "Majorův dohazovač", 1848.

Veřejnost, která poprvé viděla obraz „Majorův dohazovač“, se srdečně zasmála: umělec Fedotov jej naplnil ironickými detaily, které byly tehdejšímu publiku srozumitelné. Například major zjevně nezná pravidla ušlechtilé etikety: ukázal se bez požadovaných kytic pro nevěstu a její matku. A její kupečtí rodiče oblékli nevěstu samotnou do večerních plesových šatů, ačkoli byl den (všechny lampy v místnosti byly zhasnuté). Dívka si evidentně poprvé vyzkoušela nízké šaty, je v rozpacích a snaží se utéct do svého pokoje.

Proč je Liberty nahá?

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, „Svoboda na barikádách“, 1830.

Podle uměleckého kritika Etienna Julieho založil Delacroix ženskou tvář na slavné pařížské revolucionářce - pradleně Anne-Charlotte, která se po smrti svého bratra z rukou královských vojáků vydala na barikády a zabila devět gardistů. Umělec ji ztvárnil s nahými ňadry. Podle jeho plánu je to symbol nebojácnosti a nezištnosti a také triumf demokracie: nahá ňadra ukazují, že Liberty jako prostý člověk nenosí korzet.

Nečtvercový čtverec

Kazimir Malevich, „Černé náměstí suprematistů“, 1915.

Ve skutečnosti „Černý čtverec“ není vůbec černý a už vůbec ne čtvercový: žádná ze stran čtyřúhelníku není rovnoběžná s žádnou z jeho ostatních stran a se žádnou ze stran čtvercového rámu, který rámuje obraz. A tmavá barva je výsledkem míchání různých barev, mezi nimiž nebyla žádná černá. Předpokládá se, že to nebyla autorova nedbalost, ale principiální pozice, touha vytvořit dynamickou, pohyblivou formu.

Specialisté z Treťjakovské galerie objevili na slavném Malevičově obrazu autorův nápis. Nápis zní: "Bitva černochů v temné jeskyni." Tato fráze odkazuje na název humorného obrazu francouzského novináře, spisovatele a umělce Alphonse Allaise „Bitva černochů v temné jeskyni v hluboké noci“, což byl zcela černý obdélník.

Melodram rakouské Mony Lisy

Gustav Klimt, "Portrét Adele Bloch-Bauer", 1907.

Jeden z nejvýznamnějších Klimtových obrazů zobrazuje manželku rakouského cukrovarnického magnáta Ferdinada Bloch-Bauera. Celá Vídeň diskutovala o bouřlivém románku mezi Adele a slavným umělcem. Zraněný manžel se chtěl svým milenkám pomstít, ale zvolil velmi neobvyklou metodu: rozhodl se u Klimta objednat portrét Adele a donutit ho, aby dělal stovky skic, dokud z ní umělec nezačal zvracet.

Bloch-Bauer chtěl, aby dílo trvalo několik let, aby hlídač viděl, jak Klimtovy city mizí. Umělci učinil velkorysou nabídku, kterou nemohl odmítnout, a vše dopadlo podle scénáře podvedeného manžela: dílo bylo dokončeno za 4 roky, milenci už o sebe dávno ztratili zájem. Adele Bloch-Bauer nikdy nevěděla, že její manžel ví o jejím vztahu s Klimtem.

Obraz, který přivedl Gauguina zpět k životu

Paul Gauguin, "Odkud pocházíme? Kdo jsme? Kam jdeme?", 1897-1898.

Nejslavnější Gauguinův obraz má jednu zvláštnost: „čte se“ nikoli zleva doprava, ale zprava doleva, jako kabalistické texty, o které se umělec zajímal. V tomto pořadí se odvíjí alegorie lidského duchovního a fyzického života: od zrození duše (spícího dítěte v pravém dolním rohu) až po nevyhnutelnost hodiny smrti (pták s ještěrkou v drápech levý dolní roh).

Obraz namaloval Gauguin na Tahiti, kam umělec několikrát utekl z civilizace. Tentokrát ale život na ostrově nevyšel: totální chudoba ho přivedla k depresi. Po dokončení plátna, které se mělo stát jeho duchovním testamentem, vzal Gauguin krabici arsenu a odešel do hor zemřít. Dávku však nevypočítal a sebevražda se nezdařila. Druhý den ráno se zhoupl do své chatrče a usnul, a když se probudil, pocítil zapomenutou žízeň po životě. A v roce 1898 se jeho podnikání začalo zlepšovat a v jeho práci začalo světlejší období.

112 přísloví v jednom obrázku

Pieter Bruegel starší, „Holandská přísloví“, 1559

Pieter Bruegel starší zobrazil zemi obývanou doslovnými obrazy holandských přísloví té doby. Obraz obsahuje přibližně 112 rozpoznatelných idiomů. Některé z nich se používají dodnes, např.: „plavat proti proudu“, „tlouct hlavou do zdi“, „po zuby ozbrojení“ a „velké ryby jedí malé ryby“.

Další přísloví odrážejí lidskou hloupost.

Subjektivita umění

Paul Gauguin, „Bretonská vesnice ve sněhu“, 1894

Gauguinův obraz „Bretonská vesnice ve sněhu“ byl po autorově smrti prodán za pouhých sedm franků a navíc pod názvem „Niagarské vodopády“. Muž pořádající aukci omylem pověsil obraz vzhůru nohama, protože v něm viděl vodopád.

Skrytý obrázek

Pablo Picasso, "Modrá místnost", 1901

V roce 2008 infračervené záření odhalilo, že pod Modrým pokojem se skrývá další obrázek – portrét muže oblečeného v obleku s motýlkem a položenou hlavou na ruce. „Jakmile měl Picasso nový nápad, vzal svůj štětec a přivedl ho k životu. Neměl ale možnost koupit si nové plátno pokaždé, když ho navštívila múza,“ vysvětluje možný důvod historička umění Patricia Favero.

Nedostupní Maročané

Zinaida Serebryakova, „Nahá“, 1928

Jednoho dne dostala Zinaida Serebryakova lákavou nabídku - vydat se na kreativní cestu k zobrazení nahých postav orientálních dívek. Jenže se ukázalo, že najít modely v těch místech je prostě nemožné. Na pomoc přišel Zinaidin překladatel - přivedl k ní své sestry a snoubenku. Nikdo předtím ani potom nebyl schopen zachytit orientální ženy zblízka nahé.

Spontánní vhled

Valentin Serov, „Portrét Mikuláše II. v saku“, 1900

Serov dlouho nemohl namalovat portrét cara. Když se umělec úplně vzdal, omluvil se Nikolajovi. Nikolaj byl trochu naštvaný, sedl si ke stolu, napřáhl ruce před sebe... A pak to umělci došlo – tady je obraz! Prostý vojenský muž v důstojnickém saku s jasnýma a smutnýma očima. Tento portrét je považován za nejlepší zobrazení posledního císaře.

Další dvojka

© Fedor Rešetnikov

Slavný obraz „Deuce Again“ je jen druhou částí umělecké trilogie.

První část je „Přijel na dovolenou“. Zjevně bohatá rodina, zimní prázdniny, radostný vynikající student.

Druhá část je „Zase dvojka“. Chudá rodina z dělnického předměstí, vrchol školního roku, sklíčený idiot, který zase dostal špatnou známku. V levém horním rohu můžete vidět malbu „Dorazili na dovolenou“.

Třetí částí je „Opětovná zkouška“. Venkovský dům, léto, všichni chodí, jeden zlomyslný ignorant, který neuspěl u roční zkoušky, je nucen sedět mezi čtyřmi stěnami a nacpat se. V levém horním rohu můžete vidět malbu „Deuce Again“.

Jak se rodí mistrovská díla

Joseph Turner, Déšť, pára a rychlost, 1844

V roce 1842 cestovala paní Simonová vlakem do Anglie. Najednou se spustil prudký liják. Postarší pán sedící naproti ní vstal, otevřel okno, vystrčil hlavu a asi deset minut zíral. Žena nemohla ovládnout svou zvědavost, otevřela také okno a začala se dívat před sebe. O rok později objevila na výstavě v Královské akademii umění obraz „Déšť, pára a rychlost“ a poznala v něm stejnou epizodu ve vlaku.

Lekce anatomie od Michelangela

Michelangelo, „Stvoření Adama“, 1511

Dvojice amerických odborníků na neuroanatomii se domnívá, že Michelangelo po sobě skutečně zanechal některé anatomické ilustrace v jednom ze svých nejslavnějších děl. Domnívají se, že pravá strana obrazu zobrazuje obrovský mozek. Překvapivě lze nalézt i složité komponenty, jako je mozeček, zrakové nervy a hypofýza. A nápadná zelená stuha dokonale ladí s umístěním vertebrální tepny.

"Poslední večeře" od Van Gogha

Vincent Van Gogh, Café Terrace v noci, 1888

Výzkumník Jared Baxter věří, že Van Goghův obraz „Cafe Terrace at Night“ obsahuje zašifrované věnování „Poslední večeři“ Leonarda da Vinciho. Uprostřed obrazu stojí číšník s dlouhými vlasy v bílé tunice připomínající šaty Krista a kolem něj je přesně 12 návštěvníků kavárny. Baxter také upozorňuje na kříž umístěný přímo za číšníkem v bílé barvě.

Dalího obraz paměti

Salvador Dalí, „Trvalost paměti“, 1931

Není žádným tajemstvím, že myšlenky, které Dalího při tvorbě jeho mistrovských děl navštěvovaly, byly vždy ve formě velmi realistických obrazů, které pak umělec přenesl na plátno. Obraz „Přetrvávání paměti“ byl tedy podle samotného autora namalován jako výsledek asociací, které vyvstaly z pohledu na tavený sýr.

O čem Munch křičí?

Edvard Munch, "Výkřik", 1893.

Munch mluvil o myšlence jednoho z nejzáhadnějších obrazů světového malířství: „Šel jsem po cestě se dvěma přáteli - slunce zapadalo - najednou se nebe zbarvilo do krvava, zastavil jsem se, cítil jsem se vyčerpaný, a opřel jsem se o plot - díval jsem se na krev a plameny nad modročerným fjordem a městem - moji přátelé šli dál a já jsem stál a třásl se vzrušením a cítil nekonečný výkřik pronikající přírodou." Ale jaký západ slunce by umělce tak vyděsil?

Existuje verze, že myšlenka „The Scream“ se zrodila Munchovi v roce 1883, kdy došlo k několika silným erupcím sopky Krakatoa – tak silné, že změnily teplotu zemské atmosféry o jeden stupeň. Velké množství prachu a popela se rozšířilo po celé zeměkouli a dosáhlo dokonce i Norska. Západy slunce několik večerů po sobě vypadaly, jako by se blížila apokalypsa – jeden z nich se stal pro umělce zdrojem inspirace.

Spisovatel mezi lidmi

Alexander Ivanov, "Zjevení Krista lidem", 1837-1857.

Desítky sedících pózovaly Alexandru Ivanovovi pro jeho hlavní obraz. Jeden z nich není znám méně než sám umělec. V pozadí mezi cestovateli a římskými jezdci, kteří ještě neslyšeli kázání Jana Křtitele, můžete vidět postavu v tunice hábitu. Ivanov to napsal od Nikolaje Gogola. Spisovatel úzce komunikoval s umělcem v Itálii, zejména o náboženských otázkách, a dával mu rady během procesu malby. Gogol věřil, že Ivanov „už dávno zemřel za celý svět, kromě své práce“.

Michelangelova dna

Raphael Santi, "Škola Atén", 1511.

Raphael vytvořil slavnou fresku „Athénská škola“ a zvěčnil své přátele a známé v obrazech starověkých řeckých filozofů. Jedním z nich byl Michelangelo Buonarotti „v roli“ Hérakleita. Po několik století freska uchovávala tajemství Michelangelova osobního života a moderní vědci navrhli, že umělcovo podivně hranaté koleno naznačuje, že měl onemocnění kloubů.

To je docela pravděpodobné, vzhledem ke zvláštnostem životního stylu a pracovních podmínek renesančních umělců a Michelangelovu chronickému workoholismu.

Zrcadlo manželů Arnolfiniových

Jan van Eyck, „Portrét manželů Arnolfiniových“, 1434

V zrcadle za manželi Arnolfini můžete vidět odraz dalších dvou lidí v místnosti. S největší pravděpodobností se jedná o svědky přítomné při uzavírání smlouvy. Jedním z nich je van Eyck, o čemž svědčí latinský nápis umístěný oproti tradici nad zrcadlem uprostřed kompozice: „Jan van Eyck byl zde.“ Tak se obvykle uzavíraly smlouvy.

Jak se nevýhoda změnila v talent

Rembrandt Harmens van Rijn, Autoportrét ve věku 63 let, 1669.

Badatelka Margaret Livingstonová studovala všechny Rembrandtovy autoportréty a zjistila, že umělec trpí strabismem: na snímcích se jeho oči dívají různými směry, což na portrétech jiných lidí mistr nepozoruje. Nemoc měla za následek, že umělec byl schopen vnímat realitu ve dvou dimenzích lépe než lidé s normálním zrakem. Tento jev se nazývá „stereo slepota“ – neschopnost vidět svět ve 3D. Ale protože malíř musí pracovat s dvourozměrným obrazem, mohla by být právě tato Rembrandtova vada jedním z vysvětlení jeho fenomenálního talentu.

Bezhříšná Venuše

Sandro Botticelli, "Narození Venuše", 1482-1486.

Před objevením Zrození Venuše symbolizoval obraz nahého ženského těla v malbě pouze myšlenku prvotního hříchu. Sandro Botticelli byl prvním z evropských malířů, který na něm nenašel nic hříšného. Historici umění jsou si navíc jisti, že pohanská bohyně lásky na fresce symbolizuje křesťanský obraz: její vzhled je alegorií znovuzrození duše, která prošla obřadem křtu.

Loutnista nebo loutnista?

Michelangelo Merisi da Caravaggio, "Loutnař", 1596.

Obraz byl dlouhou dobu vystaven v Ermitáži pod názvem „Loutnista“. Teprve na počátku 20. století se historici umění shodli, že obraz zobrazuje mladého muže (pravděpodobně Caravaggia pózoval jeho přítel výtvarník Mario Minniti): na notách před hudebníkem je vidět záznam basové linky z madrigalu Jacoba Arkadelta „Víš, že tě miluji“ . Žena by stěží mohla udělat takovou volbu - je to jen těžké na krku. Kromě toho byla loutna, stejně jako housle na samém okraji obrazu, v Caravaggiově době považována za mužský nástroj.

Olej na plátně. 144 x 162 cm

Poprvé jsem ten obrázek viděl... Přesněji bych měl samozřejmě říct toto: O existenci tohoto obrázku jsem se dozvěděl z filmu „Mr Bean“ za účasti Rowana Atkinsona. Hovoříme konkrétně o celovečerním filmu vyrobeném v roce 1997, nikoli o stejnojmenném televizním seriálu skládajícím se ze 14 epizod (od roku 1990 do roku 1995). Takže podle zápletky filmu obraz Jamese Whistlera koupil z francouzského muzea ve Francii jeden bohatý muž a daroval ho umělecké galerii v Los Angeles. Správce Královské britské galerie, pan Bean, omylem, ale zoufale zničil hlavu umělcovy matky. Stamiliony lidí po celém světě se stále smály a stále smějí okolnostem této hrůzy. A obecně jsem neměl o nic menší starosti než sám nešťastný pan Bean.

René Magritte "Hrad v Pyrenejích"

Obrázek se nejmenuje Zámek ve vzduchu! Proč by se to tak mělo jmenovat, vždyť vzdušné zámky jsou cosi pomíjivého, nerealizovatelného, ​​z říše dýmkových snů a marných nadějí. A před námi je ztělesnění obrovské tíže, mohutnosti, kamenného hradu asteroidů. Proto jej mohl zavěsit nad moře a odstranit veškerou jeho masivnost pouze surrealista. Surrealismus je přece nahoře, dole, nahoře, na boku... kdekoliv, ale ne realita samotná! No, i kdyby sám Magritte řekl, že surrealismus je realita zbavená banálního významu. Umím si hrát se slovy a můžu říct spoustu věcí... prostě neumím kreslit. A Rene Magritte se v roce 1959 rozhodl pověsit zemi na nic a namaloval svou Le Château des Pyrénées – hrad v Pyrenejích. Je velmi možné, že další umělec, James Cameron, ale za 50 let od nynějška vrátí smysl existenci beztížných kamenných obydlí.

Vasilij Ivanovič Surikov „Boyaryna Morozova“. Olej na plátně. 304 x 587,5 (1887)

"Boyaryna Morozová" - jeden ze slavných historických obrazů od Surikova. V mnoha ohledech mi připomíná obraz „“ namalovaný 6 let před „Boyarynou Morozovou“, ačkoli nápad namalovat šlechtičnu přišel Surikovovi přesně v roce 1881, v roce, kdy napsal „Ráno popravy Streltsy“. Nebudu mluvit o technice představení, budu mluvit o zápletce. Tu i tam je zobrazeno soudné sídlo světonázorů. V roce 1881 Surikov popisuje zničení třídy Streltsy a v roce 1887 - masakr starých věřících. Jak tady, tak tady jsou svědci procesu – lidé, město, budovy. V „Ráno popravy Streltsů“ se nad Streltsy tyčí Chrám Vasila Blaženého v „Boyaryně Morozové“ dostává Chudovský klášter znamení dvou prstů od schizmatické ženy. Zde i tam jsou dvě pravdy: pravda o střelcích a reformní pravda Petra I.; pravdu patriarchy Nikona, církevního reformátora a pravdu schizmatiků. Ony, tyto různé ruské pravdy, se pak navzájem střetly ne na život, ale na smrt. Střetli se tehdy tak, že dnes víme jen jednu pravdu – Petr I. byl velký ruský car, reformátor-císař, a starověrci, kterých je dnes jen asi milion lidí, nejsou ničím jiným než exotikou pravoslaví.

Olej na plátně. 199,5 x 254 cm

Další název obrazu je „ Ivan Hrozný zabije svého syna" Když se podíváte na obraz Ilji Repina „pouhým“ okem, můžete vidět velkou tragédii. V otcově náručí jeho milovaný syn umírá na smrtelnou ránu. Královy oči jsou plné smutku a zoufalství, strachu a bolesti pro jeho milovanou. Zdálo se, že otec popadl, jako by vyrval princovu hlavu zpod ran, snažil se zachránit svého syna před neznámým zlem, které zasahovalo do jeho života. Co s tím má společného vražda? Co znamená název obrazu „Ivan Hrozný zabil svého syna“? Takhle zabíjejí?! Opravdu král udeřil svého syna v hněvu natolik, že na místě zemřel?

Olej na plátně, 1533, 207 x 209 cm

Opět jsem přesvědčen, že umělcova doba, lidé kolem něj, politická a náboženská hnutí ve společnosti - to vše přímo ovlivňuje jeho tvorbu a odráží se v jeho dílech. Myšlenka se zdá samozřejmá, ale mnoho umělců tvrdí, že se nestarají o vnější věci, hlavní je pro ně tvořit. Bylo o tom napsáno více a toto téma vyvolalo značnou diskusi.

Tak, Hans Holbein mladší(1497 – 1543), německý umělec a jeho obraz "Ambasadoři".

V roce 1529 požádal anglický král Jindřich VIII. papeže o anulování jeho manželství, aby se mohl oženit s jinou, Annou Boleynovou. Papež odmítl, poté král přerušil styky s Vatikánem a v roce 1534 se sám stal hlavou anglické církve. Tak začalo církevní schizma v Anglii, nebo jinak reformace.

Olej, tempera, pastel, karton, 91 x 73,5 cm

Malba "Scream" nejslavnější obraz norského umělce Edvard Munch(1863 – 1944), jeden z nejvýraznějších obrazů expresionismu. Moderní vydavatelé masové literatury by mohli s jistotou umístit takový obrázek do výběru s názvem jako „Deset nejděsivějších obrázků v historii“.

Dílo vytvořil výtvarník v minimálně pěti verzích (dvě verze - olejomalba, dvě verze - pastel, jedna verze - litografie) a je učebnicovým příkladem srozumitelnosti malby širokému spektru diváků. Malování složitého emocionálního propletence, malování nikoli vnějších forem a barev, ale vnitřního výbuchu zprostředkovaného štětcem a barvami, lidé jasně a jednoznačně pociťují. Co jsem chtěl říct Edvard Munch? Podle mě řekl přesně to, co chtěl! A všichni slyšeli: spousta odkazů v populární kultuře, rozruch mezi sběrateli, apely na „The Scream“ od jiných umělců, spousta interpretací od kritiků umění, psychiatrů, sociologů, prostě spousta peněz na aukcích a jako správně poznamenáno, peníze se neplatí ani tak za jméno malíře, přesně tolik za dílo samotné. A to všechno je jedna stránka věci...

Rytina dlátem na mědi, 23,9×18,8 cm

Obrázek se zvětší

„Zůstaň vzhůru, jinak upadneš do lenosti a zapomnění... Pamatujte, že musíte splnit úkol, který vám Prozřetelnost určila. Až přijde čas, otevře vám oči a povede vás správnou cestou. Buďte na to vždy připraveni... Poslouchejte pozorně a uslyšíte, až zazní volání!...“

Starověcí astrologové o Saturnu

Okřídlená žena sedí zamyšleně, obklopená předměty: měřením, tesařskými nástroji. Nedaleko je míč (možná dřevěný, nedávno ohoblovaný). Množství detailů neodvádí pozornost od okřídlené postavy. V celkovém plánu vyčnívá, jako by byla mimo (nebo nad?) okolní svět. Události a život plynou bez její účasti. Přesýpací hodiny na stěně tento pocit umocňují. A tomu všemu se říká melancholie, což je zřejmé z nápisu, který nese netopýr (tak tomu říkají kritici umění, i když netopýra v tomto ocasatém tvorovi téměř nepoznávám).

Tolik symbolů, alegorií, jaká kompozice promyšlená do nejmenších detailů! Pro lidi žijící v té době (1514) byly takové alegorie víceméně pochopitelné. Co pro nás tato rytina znamená? Pokud se nepustíte do výkladu a máte před očima jen obraz a jméno?

Tónovaný papír, olej, 1510, 28 × 22,5 cm

Obrázek se zvětší

Mnoho stovek generací lidí žilo v době, o které máme ty nejmlhavější představy. Kdo ví, jak se liší život městského obyvatele na počátku 14. století od jeho pobytu na konci století tohoto? Navíc je pro nás těžké rozlišit mezi životem a zvyky počátku a konce tisíciletého období! Celá staletí jsou pro nás rozmazaná v jeden čas, temný a divoký. Středověk.

Tento název dali historickému období myslitelé renesance, označující období od pádu starověkého Říma do své doby, kterou přirozeně nazývali Novou. Stejně tak přirozeně celá kultura rané renesance v sobě přetavila život a dědictví bezprostřední minulosti.

Olej na plátně, 1825-1827 76 x 68 cm

Obrázek je zvětšený.

Ve druhé polovině 19. století vzniklo nové hnutí - impresionismus. Bylo v něm to hlavní: přenesení momentálního pocitu, momentu, bez zabřednutí do filozofie a uvažování. Impresionistické obrazy bývají veselé (nebo příjemně nostalgicky smutné). Jsou lehké a přirozené.

V roce 1808 vstoupil Napoleon do Španělska a ve městech začaly dlouhé krvavé bitvy. Španělský lid vetřelci zuřivě vzdoroval. "Chyba číslo jedna jde do Španělska," napsal Napoleon na ostrově Svatá Helena (myslím, že je jasné, co bude druhá chyba). Následky války později, po vyhnání francouzských válek, popíše o Francisco Goya

Obrázek je zvětšený. Je vidět, že obraz je popraskaný a pokřivený; Zpočátku je toto plátno jednotné černé barvy.

Podívejte se na obrázek Kazimir Malevič "Černé náměstí suprematistů" je možné pouze v rámci malířského směru vytvořeného Malevičem tzv Suprematismus. To je jediný způsob. Jinak rozhovor o této práci nepřekročí banální „král nemá oblečení“ nebo „dítě ze školky nemůže kreslit o nic hůř“. Nebudu také diskutovat o peněžní hodnotě obrazu ve spojení s globálním spiknutím odborníků na umění (samozřejmě západních) proti zdravému rozumu pracující populace planety.

Publikace v sekci Muzea

Starořímská tragédie, která se stala triumfem Karla Bryullova

23. prosince 1799 se narodil Karl Bryullov. Syn francouzského sochaře Paula Brulleaua, Karl byl jedním ze sedmi dětí v rodině. Jeho bratři Pavel, Ivan a Fedor se také stali malíři a bratr Alexander architektem. Nejznámějším však byl Karl, který v roce 1833 namaloval „Poslední den Pompejí“, hlavní dílo svého života. „Kultura.RF“ si vzpomněla, jak tento obraz vznikl.

Karlem Bryullovem. Autoportrét. 1836

Historie stvoření

Obraz byl namalován v Itálii, kam v roce 1822 umělec odjel na čtyřletou cestu do důchodu z Imperiální akademie umění. Ale žil tam 13 let.

Děj vypráví o starořímské tragédii – smrti starověkého města Pompeje, ležícího na úpatí Vesuvu: 24. srpna 79 n.l. E. Erupce sopky si vyžádala životy dvou tisíc obyvatel.

V roce 1748 zahájil vojenský inženýr Rocque de Alcubierre na místě tragédie archeologické vykopávky. Objev Pompejí se stal senzací a odrazil se v dílech různých lidí. Tak se v roce 1825 objevila opera Giovanniho Paciniho a v roce 1834 historický román Angličana Edwarda Bulwer-Lyttona věnovaný smrti Pompejí.

Bryullov poprvé navštívil místo vykopávek v roce 1827. Osmadvacetiletý umělec při cestě do ruin netušil, že se mu tento výlet stane osudným: "Nemůžete projít těmito ruinami, aniž byste v sobě nepocítili úplně nový pocit, díky kterému zapomenete na všechno kromě strašlivého incidentu s tímto městem.", napsal umělec.

Pocity, které Karl Bryullov prožíval při vykopávkách, ho neopustily. Tak se zrodila myšlenka plátna na historické téma. Při práci na zápletce malíř studoval archeologické a literární prameny. "Tuto scenérii jsem vzal ze života, aniž bych ustoupil nebo přidal, stál jsem zády k městským branám, abych jako hlavní důvod viděl část Vesuvu.". Předlohami pro postavy byli Italové – potomci dávných obyvatel Pompejí.

Na rozhraní klasicismu a romantismu

V tomto díle se Bryullov neodhaluje jako tradiční klasicista, ale jako umělec romantického směru. Jeho historický děj se tedy nevěnuje jednomu hrdinovi, ale tragédii celého národa. A jako zápletku si nezvolil idealizovaný obraz nebo představu, ale skutečný historický fakt.

Pravda, Bryullov staví kompozici obrazu v tradicích klasicismu – jako cyklus jednotlivých epizod uzavřených do trojúhelníku.

Na levé straně obrazu v pozadí je několik lidí zobrazeno na schodech velké budovy hrobky Scaurus. Žena se dívá přímo na diváka s hrůzou v očích. A za ní je umělec s krabicí barev na hlavě: toto je autoportrét Bryullova, který spolu se svými postavami prožívá tragédii.

Blíže je divákovi manželský pár s dětmi, kteří se snaží uniknout z lávy, a v popředí žena objímá své dcery... Vedle ní je křesťanský kněz, který již svěřil svůj osud Bohu a je tedy uklidnit. V hloubi obrazu vidíme pohanského římského kněze, který se snaží uniknout odnesením rituálních cenností. Bryullov zde naznačuje pád starověkého pohanského světa Římanů a nástup křesťanské éry.

Na pravé straně obrázku v pozadí je jezdec na koni, který se vzepjal. A blíž k divákovi je hrůzou sevřený ženich, který se snaží držet v náručí svou nevěstu (má na sobě věnec z růží), která ztratila vědomí. V popředí dva synové nesou v náručí svého starého otce. A vedle nich je mladý muž, který prosí matku, aby vstala a utekla dál od tohoto vše pohlcujícího živlu. Mimochodem, tímto mladíkem není nikdo jiný než Plinius mladší, který skutečně utekl a zanechal své vzpomínky na tragédii. Zde je úryvek z jeho dopisu Tacitovi: "Ohlížím se zpět." Zastihla nás hustá černá mlha, která se jako potok šíří po zemi. Všude kolem padla noc, na rozdíl od té bezměsíčné nebo zatažené: taková tma se stmívá jen v zamčené místnosti se zhasnutými světly. Ozýval se ženský křik, dětský křik a křik mužů, někteří volali na své rodiče, jiní na své děti nebo manželky a snažili se je poznat podle hlasu. Někteří truchlili nad vlastní smrtí, jiní nad smrtí blízkých, někteří se ve strachu ze smrti za smrt modlili; mnozí zvedli ruce k bohům; většina vysvětlila, že nikde nejsou žádní bohové a pro svět to byla poslední věčná noc..

Na obrázku není žádná hlavní postava, ale jsou tu ústřední: zlatovlasé dítě u padlého těla své mrtvé matky ve žluté tunice - symbol pádu starého světa a zrození nového, to je protiklad života a smrti - v nejlepších tradicích romantismu.

Na tomto obrázku se Bryullov také ukázal jako inovátor, který využívá dva světelné zdroje – horké červené světlo v pozadí, zprostředkovávající pocit blížící se lávy, a studené zelenomodré v popředí, které dodává zápletce další drama.

Jasná a bohatá barevnost tohoto obrazu také porušuje klasické tradice a umožňuje nám mluvit o umělci jako o romantikovi.

Obraz triumfálního průvodu

Karl Bryullov pracoval na plátně šest let - od roku 1827 do roku 1833.

Obraz byl poprvé představen veřejnosti v roce 1833 na výstavě v Miláně – a okamžitě vzbudil senzaci. Umělec byl oceněn jako římský triumf a v tisku byly o obraze napsány pochvalné recenze. Bryullov byl na ulici vítán potleskem a při jeho cestách na hranicích italských knížectví nevyžadovali pas: věřilo se, že ho každý Ital zná už od vidění.

V roce 1834 byl na pařížském salonu představen Poslední den Pompejí. Francouzská kritika se ukázala být zdrženlivější než italská. Ale profesionálové ocenili práci a předali Bryullovovi zlatou medaili Francouzské akademie umění.

Plátno vyvolalo v Evropě senzaci a v Rusku bylo netrpělivě očekáváno. Ve stejném roce byl poslán do Petrohradu. Když Nicholas I viděl obraz, vyjádřil touhu osobně se setkat s autorem, ale umělec šel s hrabětem Vladimírem Davydovem na výlet do Řecka a do své vlasti se vrátil až v prosinci 1835.

Dne 11. června 1836 se vážení hosté, členové Akademie, umělci a prostě milovníci umění sešli v kulatém sále Ruské akademie umění, kde byl vystaven obraz „Poslední den Pompejí“. Autor obrazu, „velký Karel“, byl za nadšeného křiku hostů odnesen do sálu v náručí. "Dalo by se říci, že davy návštěvníků vtrhly do sálů Akademie, aby se podívali na Pompeje.", píše současník a svědek tohoto úspěchu, jaký žádný ruský umělec nikdy nepoznal.

Zákazník a majitel obrazu Anatolij Děmidov jej daroval císaři a Mikuláš I. jej umístil do Ermitáže, kde zůstal 60 let. A v roce 1897 byl převeden do Ruského muzea.

Obraz doslova vzrušil celou ruskou společnost a nejlepší mozky té doby.

Umělecké mírové trofeje
Přinesl jsi to do kabiny svého otce.
A byl tu "Poslední den Pompejí"
První den pro ruský kartáč! -

básník Evgeny Boratynsky napsal o obraze.

Alexander Puškin jí také věnoval básně:

Vesuv otevřel ústa - kouř se vyvalil v oblaku, plameny
Široce vyvinutý jako bojová vlajka.
Země je rozbouřená – od třesoucích se sloupů
Idoly padají! Lidé pohánění strachem
Pod kamenným deštěm, pod zapáleným popelem,
Z města utíkají davy, staré i mladé.

Michail Lermontov také zmiňuje „Poslední den Pompejí“ v románu „Princezna Ligovskaja“: „Pokud milujete umění, pak vám mohu říci velmi dobrou zprávu: Bryullovův obraz „Poslední den Pompejí“ míří do Petrohradu. Věděla o ní celá Itálie, Francouzi ji nadávali.“ Lermontov jasně věděl o recenzích pařížského tisku.

Ruský historik a cestovatel Alexander Turgenev řekl, že tento obraz byl slávou Ruska a Itálie.

A Nikolaj Gogol věnoval malbě dlouhý článek a napsal: „Jeho štětec obsahuje poezii, kterou jen cítíte a můžete vždy rozpoznat: naše pocity vždy znají a vidí i výrazné rysy, ale slova je nikdy neřeknou. Jeho barva je tak jasná, že téměř nikdy předtím nebyla, jeho barvy pálí a spěchají do očí. Byli by nesnesitelní, kdyby se umělec objevil na nižší úrovni než Bryullov, ale s ním jsou oděni onou harmonií a dýchají vnitřní hudbou, kterou jsou živé objekty přírody naplněny.“.