Italská skladatelská škola 16. století.

Agostino Agazzari(12.2.1578 - 4.10.1640) - italský skladatel a hudební teoretik.

Agazzari se narodil v Sieně do aristokratické rodiny a od dětství získal dobré vzdělání. V roce 1600 vydal v Benátkách dvě knihy svých madrigalů. V roce 1601 se Agazzari přestěhoval do Říma a stal se učitelem na německo-uherské koleji (semináři).

Adriano Banchieri(09/03/1568 - 1634) - italský skladatel, hudební teoretik, varhaník a básník pozdní renesance a raného baroka. Jeden ze zakladatelů Accademia dei Floridi v Bologni, jedné z předních italských hudebních akademií 17. století.

Alessandro Grandi (de Grandi)(1586 - léto 1630) - italský skladatel raného baroka, psaný v novém koncertním stylu. V té době byl populárním skladatelem v severní Itálii, známý pro své církevní hudba, světské kantáty a árie.

Alfonso Fontanelli(15.2.1557 - 11.2.1622) - italský hudební skladatel, spisovatel, diplomat, dvorní šlechtic pozdní renesance a raného baroka. Jeden z předních představitelů ferrarské umělecké školy konce 16. století, jeden z prvních skladatelů ve stylu „druhé praxe“ na přechodu do barokní éry.

Antonio Cesti(pokřtěn 5. 8. 1623 – 14. 10. 1669) – italský barokní skladatel, zpěvák (tenorista) a varhaník. Jeden z nejslavnějších italských skladatelů své doby, skládal především opery a kantáty.

Girolamo Frescobaldi(13.09.1583 - 03.01.1643) - italský skladatel, hudebník, pedagog. Jeden z nejvýznamnějších skladatelů varhanní hudby pozdní renesance a raného baroka. Jeho díla jsou vrcholem vývoje varhanní hudby 17. století a až do konce 19. století ovlivnila řadu významných skladatelů, včetně Johanna Sebastiana Bacha, Henryho Purcella a dalších.

Giovanni Bassano(asi 1558 - léto 1617) - italský skladatel a kornetista (cornett je starověký dřevěný dechový nástroj) Benátská škola raného baroka. Byl klíčovou postavou ve vývoji instrumentální soubor v bazilice svatého Marka (nejznámější katedrála v Benátkách). Sestavil podrobnou knihu o instrumentální ornamentice, která je bohatým zdrojem pro výzkum v moderní interpretační praxi.

Giovanni Battista Riccio (Giovanni Battista Riccio)(† po 1621) - Italský skladatel a hudebník raného baroka, působící v Benátkách, významně přispěl k rozvoji nástrojových forem, zejména pro zobcovou flétnu.

Ludwig van Beethoven

Ludwig van Beethoven- Největší skladatel počátku 19. století. Requiem a Sonáta měsíčního svitu okamžitě rozpoznatelné pro každého. Skladatelova nesmrtelná díla vždy byla a budou oblíbená pro Beethovenův jedinečný styl.

- německý skladatel 18. století. Bezpochyby zakladatel moderní hudby. Jeho díla byla založena na všestrannosti harmonií různých nástrojů. Vytvářel rytmus hudby, a proto se jeho díla snadno hodí k modernímu instrumentálnímu zpracování.

- Nejpopulárnější a nejsrozumitelnější rakouský skladatel konce 18. století. Všechna jeho díla jsou jednoduchá a důmyslná. Jsou velmi melodické a příjemné. Malá serenáda, bouřka a mnoho dalších rockově aranžovaných skladeb bude mít ve vaší sbírce zvláštní místo.

- rakouský skladatel konce 18., počátku 19. století. Skutečně klasický skladatel. Housle měly pro Haydna zvláštní místo. Je sólistkou téměř všech skladatelových děl. Velmi krásná a okouzlující hudba.

- italský skladatel první polovina 18. století č. 1. Národní temperament a nový přístup k aranžmá doslova vyhodil Evropu do povětří v polovině 18. století. Symfonie „Seasons“ jsou vizitkou skladatele.

- Polský skladatel 19. století. Podle některých informací je zakladatelem kombinovaného žánru koncertní a lidové hudby. Jeho polonézy a mazurky plynule splývají s orchestrální hudbou. Za jedinou nevýhodu skladatelovy tvorby považoval příliš měkký styl (nedostatek silných a ohnivých motivů).

- německý skladatel konce 19. století. Mluvilo se o něm jako o velkém romantikovi své doby a jeho „Německé Requiem“ zastínilo ve své popularitě ostatní díla jeho současníků. Styl v Brahmsově hudbě je kvalitativně odlišný od stylů jiných klasiků.

- rakouský skladatel počátku 19. století. Jeden z největších skladatelů za svého života nepoznaný. Velmi časná smrt v 31 letech nedovolila Schubertovi plně rozvinout jeho potenciál. Písně, které napsal, byly tehdy hlavním zdrojem příjmů největší symfonie hromadící se prach na policích. Teprve po skladatelově smrti byla díla vysoce oceněna kritikou.

- rakouský hudební skladatel konce 19. století. Zakladatel valčíků a pochodů. Říkáme Strauss - myslíme valčík, říkáme valčík - myslíme Strausse. Johann mladší vyrůstal v rodině svého otce skladatele. Strauss starší se k dílům svého syna choval pohrdavě. Věřil, že jeho syn dělá nesmysly, a proto ho všemožně na světě ponižoval. Johann mladší však tvrdošíjně pokračoval v tom, co miloval, a revoluce a pochod, který na její počest napsal Strauss, prokázaly genialitu jeho syna v očích evropské vysoké společnosti.

- Jeden z největších skladatelů 19. století. Mistr opery. Verdiho Aida a Othello jsou dnes mimořádně populární díky skutečnému talentu italského skladatele. Tragická ztráta rodiny ve věku 27 let skladatele ochromila, ale nevzdal se a ponořil se do kreativity, napsal několik oper najednou. krátkodobě. Vysoká společnost vysoce ocenila Verdiho talent a jeho opery byly uváděny nejvíce prestižní divadla Evropa.

- Již ve svých 18 letech napsal tento talentovaný italský skladatel několik oper, které se staly velmi populárními. Vrcholným úspěchem jeho tvorby byla přepracovaná hra „Lazebník sevillský“. Poté, co ji představila veřejnosti, nesla Gioachino doslova v náručí. Úspěch byl opojný. Poté se Rossini stal vítaným hostem ve vysoké společnosti a získal si solidní pověst.

- německý skladatel počátku 18. století. Jeden ze zakladatelů opery a instrumentální hudba. Kromě psaní oper psal Händel také hudbu pro „lid“, která byla v té době velmi populární. Na ulicích a náměstích v těch vzdálených časech hřměly stovky písní a tanečních melodií skladatele.

- Polský kníže a skladatel je samouk. Bez jakéhokoli hudebního vzdělání jsem se stal slavný skladatel. Jeho slavná polonéza je známá po celém světě. V době skladatele probíhala v Polsku revoluce a pochody, které napsal, se staly hymnami rebelů.

- židovský skladatel narozený v Německu. Jeho svatební pochod a „Sen noci svatojánské“ jsou populární už stovky let. Symfonie a skladby, které napsal, jsou úspěšně přijímány po celém světě.

- německý skladatel 19. století. Jeho mysticky antisemitská myšlenka o nadřazenosti árijské rasy nad ostatními rasami byla přijata fašisty. Wagnerova hudba je velmi odlišná od hudby jeho předchůdců. Je zaměřen především na propojení člověka a přírody s příměsí mystiky. Jeho slavné opery„Prsteny Nibelungů“ a „Tristan a Isolda“ potvrzují revolučního ducha skladatele.

- francouzský skladatel polovině 19. století. Tvůrce "Carmen". Od narození byl geniálním dítětem a v 10 letech již nastoupil na konzervatoř. Za svůj krátký život (zemřel před svými 37 lety) napsal desítky oper a operet, různé orchestrální díla a jednosymfonie.

- norský skladatel a textař. Jeho díla jsou prostě plná melodií. Během svého života psal velký počet písně, romance, suity a etudy. Jeho skladba „Cave of the Mountain King“ je velmi často používána v kině a moderní pop music.

- Americký skladatel počátku 20. století - autor dodnes obzvláště oblíbené „Rhapsody in Blue“. V 26 letech byl již prvním skladatelem na Broadwayi. Gershwinova popularita se rychle rozšířila po celé Americe díky četným písním a populárním pořadům.

- ruský skladatel. Jeho opera „Boris Godunov“ je charakteristickým znakem mnoha divadel po celém světě. Skladatel se ve svých dílech opíral o folklór, lidovou hudbu považoval za hudbu duše. „Noc na Lysé hoře“ od Modesta Petroviče je jedním z deseti nejoblíbenějších symfonických skečů na světě.

Nejpopulárnější a největší skladatel Ruska je samozřejmě. " Labutí jezero" a "Šípková Růženka", "Slovanský pochod" a "Louskáček", "Eugene Oněgin" a " Piková dáma Tyto a mnoho dalších mistrovských děl hudební umění vytvořil náš ruský skladatel. Čajkovskij je pýchou Ruska. Po celém světě znají „Balalajku“, „Matrjošku“, „Čajkovského“...

- sovětský skladatel. Stalinův oblíbenec. Michail Zadornov důrazně doporučil poslech opery „Příběh skutečného muže“. Ale většinou je dílo Sergeje Sergeje vážné a hluboké. "Válka a mír", "Popelka", "Romeo a Julie", spousta skvělých symfonií a děl pro orchestr.

- Ruský skladatel, který vytvořil svůj vlastní nenapodobitelný styl v hudbě. Byl to hluboce věřící člověk a zvláštní místo v jeho práci mělo psaní náboženské hudby. Rachmaninov také napsal spoustu koncertní hudby a několik symfonií. Jeho poslední dílo „Symfonické tance“ je uznáváno jako skladatelovo největší dílo.

Sem napište obsah střihu.

V. KONNOV. Holandští skladatelé 15.–16. století. Vybrané kapitoly z knihy.

ZAVEDENÍ

Nizozemští polyfonisté: KDO JSOU?

Tato otázka vyvstává před mnoha posluchači navštěvujícími koncerty. stará hudba. Dílo Josquina Desprese, Orlanda Lassa, ale i dalších představitelů této nám v hlubinách staletí vzdálené skladatelské školy dnes přestalo být majetkem historiků křesel, přitahuje pozornost nejen profesionálních hudebníků, ale i muzicírující amatéři. O tvůrce tohoto je zcela oprávněný zájem vysoké umění, a k hudební poetice a stylistice jejich děl. Tento zájem je o to přirozenější, že obliba a dostupnost nizozemské hudby ani dnes stále nedosahuje úrovně světoznámé malířské školy tzv. „starých Holanďanů“. Každý vzdělaný člověk zná alespoň jména Jana van Eycka, Rogiera van der Weydena, Lukáše z Leidenu, Hieronyma Bosche, Pietera Bruegela staršího; jejich výtvory si dodnes zachovávají svůj umělecký vliv. Jména a hudební dědictví jejich skladatelské současníky zná poměrně málo lidí.

Je užitečné připomenout, že tvorba nizozemských polyfonistů se nyní po více než dvou staletích pevného zapomnění teprve začíná oživovat k novému aktivnímu životu. Staří Nizozemci sdíleli tento osud spolu s Monteverdim a Schutzem; Spolu s nimi zůstávalo na poměrně dlouhou dobu - asi století - Bachovo dílo v zapomnění. A nyní, když se hudba nizozemských polyfonistů začala vracet k posluchačům, nabízí se otázka: ztratila svůj umělecký význam?

A jsou objevy hudby srovnatelné s výdobytky malířství, sochařství a literatury té doby? O těchto otázkách existuje speciální literatura, která existuje jak v ruštině, tak v in cizí jazyky, někdy nabízí ty nejrozporuplnější názory. A nejde jen o to, že hudba té doby se k nám nedostala v plném rozsahu, ale že se zachovalo málo faktů ze života jejích tvůrců. Od starověku až do naší doby vyvolávaly aktivity nizozemských polyfonistů velmi různá hodnocení. Umělecký svět zakladatele nizozemské školy J. Occkeghema je dnes často hodnocen jako projev pozdní gotiky, jako mystický a nadšený refrakce náboženského cítění. Současníci ho srovnávali s Donatellem, jedním z nejdůslednějších bojovníků za sekulární humanismus renesance, jedním z předchůdců Michelangela. Dílo ústřední postavy nizozemské skladatelské školy Josquina Desprese způsobilo vzájemně se vylučující hodnocení. Přední teoretik a ideolog Nizozemců polyfonní škola Glarean považoval Josquinovo dílo za nejvyšší, klasické vyjádření ars perfecta – „dokonalého umění“, které nachází svůj výraz v polyfonní mši a motetu – žánrech, které shrnuly celou historii vývoje evropské kultovní polyfonie. Podle Glareanova myšlení nelze na tomto umění nic změnit, aniž by upadlo do degradace. Z tohoto pohledu příznivci ars perfecta následně odsuzovali tvůrce opery, včetně velkého Monteverdiho.

Již Josquinovi současníci však v jeho díle spatřovali zcela jiné estetické kvality: byl uznáván jako tvůrce nového umění, které nebylo založeno na gotickém rozkladu osobnosti ve vesmíru, Bohu, ale na renesančním vyjádření vnitřního světa. člověka (nikdo jiný než sám Glarean vyčítal Josquinovi neuctivý vztah ke středověkým modům – základnímu základu hudebního jazyka „dokonalého umění“). V 16. století byl Josquin stejně ceněn postavami tak nesmiřitelně nepřátelských ideologií, jako je papežství a luteránská reformace.

Názory moderních vědců jsou také velmi rozporuplné. V.D Konen charakterizuje nizozemskou polyfonní školu: „Byla to éra, kdy sekulární myšlení mocně vzkvétalo ve všech oblastech duševní činnosti a nejvyšší projevy v hudbě byly hluboce podřízeny náboženskému systému pocitů. Naopak autor slavné učebnice dějin zahraniční hudby K. K. Rosenschild v nizozemské hudbě té doby poznamenává „zvláštní slavnost světského, světského plánu“; na to také upozorňuje přelomu 19. století a XX století, velký ruský skladatel S.I. Taneyev správně hluboce zdůraznil lidový původ díla holandských skladatelů.

Tuto nejednotnost rozsudků lze vysvětlit dvěma důvody. Za prvé, složitá, rozporuplná povaha hudební kreativity té doby samotné. Tento rys tvorby skladatelů nizozemské polyfonní školy odhalí následující prezentace. Pro moderního masového posluchače však existují i ​​specifické jazykové obtíže. V výtvarné umění Od renesance až do počátku 20. století nedošlo k tak velkým stylovým změnám, které by vedly k tak výrazné „intonační bariéře“, jako ta, která vznikla mezi hudbou středověku, renesance a 17. století na ruka a hudba 19. a 20. století - na druhé straně.

Počínaje druhým poloviny XVIII století v evropská hudba vzniká dur-moll - zvukový systém, který dodnes slouží jako základ evropského hudebního povědomí (formování dalších zvukových systémů v profesionální skladatelova kreativita 20. století stále nemohlo zcela otřást dominantním postavením dur-moll v hudebním povědomí veřejnosti). Vznik dur-mollových módů otevřel cestu pro kolosální pokrok hudební kultury spojený se zrodem opery, symfonie, klasické hudby.

sonáta, komorní, instrumentální a vokální hudba(klavírní miniatura, romance). Často se však v historii stává, že významné úspěchy ve vědecké a kulturní život společnost s sebou nese určité ztráty. Zvláště patrné byly v hudbě na přelomu poloviny 18. století. Konečný souhlas major-moll vedl k dlouhodobému zapomenutí celé předchozí vrstvy hudební kultury: děl Bacha a Schütze, Monteverdiho a Purcella, nemluvě o holandských, italských a francouzských mistrech 15.–16. století, zmizel z historie na mnoho let, desetiletí a dokonce i na staletí.

V evropské profesionální hudbě do počátku 17. století dominovaly téměř výhradně melodické mody sedmistupňové diatonické stupnice (tzv. středověké mody), které byly základem lidové písňové tradice nejstarší vrstvy vzniklé přibližně ve 14.-15. století. „Intonační slovník“ doby, která neznala moderní durové a mollové tóniny s jejich inherentní harmonickou funkčností, se od moderního lišila stejně výrazně, jako se literární výrazy starověkého homérského eposu liší od stylu shakespearovských dramat, jako naivně hranatá (na první pohled) malba starověkých středověkých ikon – z realistické malby Rembrandta. Probuzení k novému životu této obrovské a navíc nesourodé stylové vrstvy staré hudby začalo v 19. století z její takříkajíc „periferie“ – z dědictví 18. století. Do sluchového povědomí jeho současníků se zapsal snadněji, protože šlo o kombinaci stylových rysů dávné předklasické éry, zobecněné velkým Bachem, a nového, „klasického“, v určitých rysech předvídaných Bachem, ale poprvé povýšena do nedosažitelné umělecké výšky mistry vídeňské klasické školy – Haydnem, Mozartem a Beethovenem. A není náhoda, že právě znovuoživení Bacha romantickými skladateli 19. století znamenalo začátek dlouhého procesu rehabilitace uměleckých hodnot předklasické éry, procesu, který dnes dosáhl jakési oživení muzikálu

Renesance. Jednotlivé vystupující skupiny navíc úspěšně začínají prosazovat hodnoty středověké hudební kultury a posouvají se ještě dále do hlubin staletí.

Éra XV-XVI století neznala sekulární veřejné formy koncertního života. Vyznačoval se třemi typy forem muzicírování, charakteristickými pro celou kulturu středověku a odpovídajícími sociálním potřebám tří vrstev feudální společnosti: světských feudálů, duchovenstva a třetího stavu (zahrnoval jak rolníky, tak i řemeslníci a bohatí měšťané středověkých měst). Jde o to o světské profesionální hudbě, náboženské hudbě a lidovém umění. Lidové umění (folklór, tedy písně a tance ústního podání) bylo v té době hlavní demokratickou formou světského muzicírování. Je velmi důležité, že Nizozemsko bylo známé svou bohatou kulturou lidových písní. Obyvatelé Nizozemska byli velmi hudební. Ital Guicciardini, který v roce 1556 napsal o Nizozemsku, svědčí o tom, že „lidé, aniž by se naučili zpívat společně, zpívají mimořádně krásně a harmonicky správně“. Existují také důkazy, že v 15.–16. století byla hudba v Nizozemsku milována více než malířství a sochařství.

je to v písňový folklór Především vznikla jasná, realisticko-světská obraznost, jejímž hlavním nositelem byla bohatá melodie; Nizozemští skladatelé na to později spoléhali.

Mnohé z těchto písní zazněly v polyfonních hmotách holandských skladatelů: nejen v nezměněné podobě, jako citáty, ale také jako základní základ individuálního melodického jazyka.

Rozkvět folklóru je nesmírně důležitý pro pochopení procesů obnovy, které se odehrály v hudbě Nizozemska. Existence folklóru byla spojena nejen s muzicírováním selského lidu, ale také s novou měšťanskou kulturou nizozemských měst. Svědčí o tom přítomnost spolků lidoví hudebníci- ministranti, stejně jako takzvané „rétorické komory“ - druh literatury

řemeslné dílny, v nichž muzicírování podléhalo nejpřísnější a nejsofistikovanější formální regulaci. Soubor pravidel pro takové asociace si lze představit ze slavného „Beckmesserismu“, kterému se Wagner vysmíval v opeře „Die Meistersinger of Norimberg“. A přesto bylo lidové umění v Nizozemsku doslova v plném proudu. Byla to úrodná půda, na níž vzkvétaly nejcennější příklady profesionálního muzicírování.

Když přejdeme k profesionálním žánrům, poznamenáváme: obtížnost vnímání holandské polyfonie pro moderní posluchače spočívá v tom, že ztělesňuje nový systém pocitů ve formách tvorby hudby, které jsou dnes zastaralé. Hudební život Nizozemska ve sledovaném období obsahoval výrazné pozůstatky středověku, který v polovině 18. století téměř úplně zmizel z historické scény.

To platilo zejména o světské profesionální hudbě, která existovala především v kaplích vlivných světských feudálů a především burgundských vévodů.

Světské aristokracii, reprezentované burgundskými vévody a jejich dvorem, nešlo o oživení antické vzdělanosti a tříbení mravů, jako tomu bylo v Itálii, ale o návrat prestiže někdejší rytířské udatnosti. Hlavním úkolem jejich kaplí je výzdoba obřadních rituálů knížecích dvorů.<…>Role [hudby] byla omezena především na zábavní funkce. To vedlo k lehkosti, povrchnosti a snížení etické a estetické úrovně.<…>Proto v historické podmínky sledované období světské profesionální žánry v díle nizozemských skladatelů nedosáhl výšek dostupných kultovní hudbě.

Je jasné, že za těchto podmínek se do církve hrnuly největší skladatelské síly.<…>Kultovní žánry měly dvě obrovské výhody. První je možnost výrazného prohloubení ideologického a etického obsahu. Neměli bychom zapomínat, že ve středověku byly největšími centry vzdělanosti katedrály a kláštery. Kláštery měly velké knihovny, ve kterých byly uchovávány i rukopisy hudebních děl. Nejvyšší stavy kléru se tak či onak musely vypořádat s vývojem problémů teologie, která byla v té době nerozlučně spjata s filozofií. Bez rozvoje teologických problémů bylo vybudování buď nové humanistické filozofie nebo nového vědeckého obrazu světa nemyslitelné.<…>Za druhé: právě pro hudebníky byla v té době práce na zakázku církve mimořádně plodná, protože v historických podmínkách středověku pouze církev poskytovala možnost širokého veřejného provozování profesionální hudby.<…>

Takový heterogenní hudební život prosadil žánry, které byly obecně vzdálené moderní hudební kultuře, ale skutečně odrážely „multistrukturu“ kultury 15.–16. století. Již koncem první čtvrtiny 15. století se staly charakteristické tři hlavní žánry – „velký“, „malý“ a „středně pokročilý“ (identifikoval je vlivný hudební teoretik I. Tinctoris v roce 1475): mše, píseň(šanson) a motet.

Specifikem tehdejší hudby byl ryze vokální charakter těchto žánrů. To samozřejmě neznamená, že chyběli hudební nástroje a hraní instrumentální hudby. Instrumentální hudba však byla z hlediska tematických témat, principů myšlení, forem a obraznosti zcela závislá na hudbě vokální. Nejrozšířenější bylo souborové instrumentální muzicírování: vycházelo ze sborové tvorby. Dalším způsobem pronikání instrumentace do vokálně-sborové kultury byla možnost doplnit chybějící hlas nástrojem, nebo zřejmě hojně praktikované dabování vokálních hlasů nástroji, především dechovými. Tak tomu bylo v žánrech profesionální hudby. V hudbě ústního podání se rozšířily počátky specificky instrumentální hudby v podobě každodenních tanců, improvizací na oblíbenou každodenní hudbu. strunný nástroj- loutna, stejně jako na varhany nebo jiné klávesnice. Teprve počátkem 17. století se však tyto výběžky instrumentální hudby začaly právně vyrovnávat s hudbou vokální. Období nizozemské hudební kultury, které nás zajímá, svědčí právě o dominanci vokálních žánrů.

Světskou vokální polyfonii reprezentoval vícehlasý šanson (píseň). Tento název shrnuje řadu konkrétních druhů světských vokálních textů, které byly založeny především na milostných zápletkách. Starověký vícehlasý šanson v tvorbě nizozemských skladatelů doznal významných změn, o kterých bude dále řeč; Nyní je třeba poukázat na původ tohoto žánru - vícehlasé rondely, položí, virely, balady. Tyto žánry se složitými a rozmanitými systémy rýmovaného textu a opakování („refrénů“) hudebního materiálu se zrodily v hudební a poetické kreativitě francouzských trubadúrů a truvérů ve 13. století. Zrozením vícehlasé písně je však 14. století. V dílech slavných Francouzský básník a skladatele G. de Machaut (1300–1377) „slovní“ texty jsou již vtěleny do polyfonie: ke zpěvu

Kromě vrchního hlasu se přidává jeden, dva nebo tři hlasy v podání nástrojů. Zde však nelze mluvit o sólové písni s doprovodem: všechny hlasy takové polyfonie, bez ohledu na to, zda jsou zpívány nebo prováděny na nástroje, mají stejnou - vokální - povahu; lze hovořit pouze o individualizovanější povaze melodického vzoru horního (pěveckého) hlasu. Samozřejmě nelze hovořit o víceméně samostatné roli „instrumentálního doprovodu“: do zrodu moderních komorních vokálních textů zbývají ještě téměř dvě století. I v mezích těchto skromných možností však Machaut a po něm představitelé rané kultury vícehlasé písně Dufay a Benchois dokázali dosáhnout jemných výrazových efektů, překonat manýru a okázalost aristokratického umění a spoléhat se na demokratickou zpěvnost. .

Další skupina žánrů charakteristická pro tvorbu nizozemských skladatelů zahrnuje mše a moteta. Mše je žánr náboženské hudby (hrané během bohoslužba), moteta byla napsána na světská i duchovní témata. Přesto mají tyto žánry mnoho společného. Probíhá historický vývoj nizozemské školy byla světská moteta nahrazena polyfonní vícehlasou písní; naproti tomu již od Machauta se vícehlasá vícehlasá mše začala vykládat jako jakýsi cyklus motet na liturgický text. Na rozdíl od šansonu, ve kterém se zpravidla opakuje stejná nápěv s různými slokami textu (jako v moderní strofické nebo veršované písni), je moteto jako celek volnou, neregulovanou skladbou, skládající se z řady úseků. kontrastní v materiálu. Střídání, posloupnost těchto úseků a jejich expresivita jsou určeny významem textu, který je podkladem moteta.

Vnitřní struktura každé části moteta v rané a pozdní fázi vývoje holandské polyfonní školy byla odlišná, ale významná společný rys, který pak odlišil motet od písně: píseň vycházela z původního námětu

Ruský materiál, moteto - na vypůjčeném materiálu. Takovýto vypůjčený materiál se nazývá canthus firmus. Kontrastní svrchní hlasy byly „navrstveny“ („postaveny na“) na cantus firmus. Ve středověku (XIII-XIV století) byl tento kontrast umocněn skutečností, že různé texty byly zpívány současně různými hlasy. Došlo ke kuriózním případům, kdy hlas zpívající cantus firmus vycházel z náboženského chorálu, zatímco v jiném hlase byl text výlevem lásky a ve třetím - satira na opilé mnichy! To vše znělo současně díky podobnému rytmu textů.

V další historii moteta hledali skladatelé organičtější poetické a hudební vazby mezi hlasy vícehlasého moteta. Mezi Holanďany se moteto stává jedním z nejkoncepčněji rozvinutých žánrů. Jeho existence v době, která nás zajímá, bude sledována na příkladech tvorby nejvýznamnějších představitelů nizozemské školy. Zde je pouze třeba předem říci o původu tematického materiálu moteta - cantus firmus. V této funkci byl podle zažité tradice založen gregoriánský chorál - jednohlasé sborové zpěvy na liturgický text, systematizovaný podle legendy papežem Řehořem Velikým († 604).

Gregoriánský chorál byl v podstatě dosti různorodým souborem chorálů pro sbor (odtud název chorál): Mezi nimi vynikají dva typy. Žalmodie je odměřená recitace, taková intonace textu Písma svatého, hlavně v jedné zvukové výšce, ve které

pro jednu slabiku textu je jedna nota chorálu; Výročí hymny - volné zpěvy slabik slova „halelujah“, ztělesňující potěšení věřících. Podle jeho funkce v hudební kultury Ve středověku byl gregoriánský chorál úplným opakem lidové písně. Jestliže lidová píseň odrážela skutečné, živé lidské pocity, přímý smysl pro realitu, pak byl gregoriánský chorál povolán k tomu, aby vytěsnil pozemské myšlenky z vědomí člověka, aby nasměroval jeho myšlenky a pocity k božským představám.

Gregoriánský chorál měl na farníky silný a jedinečný dopad. Jeho vlastní historie představovala důsledný kompromis, v jehož důsledku byl namísto „konfrontace“ s lidovou písní samotný gregoriánský chorál (především „Haleluja“ a další hymny) prosycen frázemi lidových písní. Církevní úřady byly nuceny povolit při bohoslužbách chvalozpěvy vycházející z melodických lidových písní, tzv. sekvence. Řada takových sekvencí – včetně „Dies irae“, které se proslavily v pozdějších dějinách hudební kultury – jsou vysokými, trvalými ukázkami umění, které si svůj umělecký dopad plně zachovaly dodnes.

Zpočátku byla moteta psána hlavně v gregoriánském cantus firmus. Skladatelé nizozemské polyfonní školy však pokračovali ve středověké tendenci překonávat abstrakci a mystickou odtrženost liturgického muzicírování a postupně začali saturovat melodické hlasy moteta materiálem světských lidových písní, a to buď jako a cantus firmus nebo jako základ pro „volné“ hlasy skladby.

Předem je třeba říci několik slov o mši. Abychom pochopili roli tohoto žánru v nizozemské hudební kultuře, je třeba vzít v úvahu jeho předchozí historii. Zpočátku (až do 14. století) byla mše obecně jednohlasá; zpěvy, které ztělesňovaly jeho text, zapadají do právního rámce gregoriánského chorálu. Gregoriánské chorály, které ve mši zazněly, však byly značně rozmanité. Jednak byly rozděleny podle složení na psalmodické a hymnické. Za druhé, existovaly dva typy hudebních „cyklů“ gregoriánské mše: „zvláštní mše“ (Missa proprium), jejíž složení částí se lišilo v závislosti na svátku, při jehož příležitosti se bohoslužba konala, a „obyčejná mše“ (Missa ordinarium), jejíž skladba zahrnovala pět stálých částí: 1) Kyrie eleison – „Pane, smiluj se“, 2) Gloria in excelsis Deo – „Sláva na výsostech Bohu“, 3) Credo – „ Věřím“, 4) Sanctus et Benedictus – „Svatý“ a „Buď požehnán“ a nakonec 5) Agnus Dei – „Beránek Boží“.

V raném středověku (do 9. století) se „obyčejná mše“ odlišovala od „speciální“ nejen skladbou částí, ale i účastí na jejím vystoupení celého společenství věřících. Farníci (v drtivé většině byli zástupci demokratických vrstev obyvatelstva) vnesli životodárnou vřelost intonací lidových písní do přísného, ​​asketického stylu gregoriánské monofonie a tyto lidové vlivy byly církví v rámci možností pečlivě vymýceny. . V pozdější historii mše se však jako životaschopných ukázalo pouze pět výše uvedených částí „obyčejné mše“, které nejprve provedli všichni farníci.<…>

U počátků moderního hudebního myšlení

Největším úspěchem nizozemské skladatelské školy, který jí zajistil čestné místo v dějinách světové hudební kultury, bylo formování principů moderního hudebního myšlení. Jejich formování otevřelo obrovské vyhlídky na růst obsahu hudby, poskytlo hudebnímu umění možnost reagovat vlastními prostředky na nejsložitější filozofické a sociální problémy. Jaké specifické rysy moderního hudebního myšlení připravili představitelé nizozemské skladatelské školy? A co přesně je to „hudební myšlení“, může se čtenář ptát?

Přemýšlím o vysoce rozvinuté klasice hudební žánry spojené s uměleckým ztělesněním významných a smysluplných pojmů, může i člověk nezkušený v hudební teorii říci, že hlavní hudební myšlenky a jejich vývoj v tak známých dílech, jako jsou sonáty a symfonie Mozarta, Beethovena, Čajkovského, Šostakoviče, jsou spojeny s hudební témata s jejich jedinečnou expresivitou a dramaturgií, koncepcí, obecný plán sestávají z celého součtu změn, proměn a kolizí námětů díla, které jsou svou povahou odlišné.

Pokud se však seznámíme s díly nizozemských skladatelů, očekáváme, že v nich uslyšíme podobná témata a stejný tematický vývoj, který v r. Beethovenova díla, budeme zklamáni. Až na vzácné výjimky tam nenajdeme široké, jasně definované

nové zapamatovatelné melodie. Často je celý tematismus redukován na drobnoškálové motivy nebo na krátké deklamační obraty zrozené z expresivní výslovnosti textu. Obzvláště archaicky zní typ tematismu pro tehdejší dobu – cantus firmus, a to přesto, že již od dob Dufaye absorboval materiál existujících lidových písní. Cantus firmus byl umístěn zpravidla v jednom ze „středních“ hlasů in tessitura sborového komplexu a nebyl zařazen do aktivní zóny sluchového vnímání tvořené „extrémními“ hlasy – výšky a basy. Možná zde sehrála roli touha skladatelů, v době nadvlády katolicismu zcela pochopitelná, „skrýt před zraky zvědavců“ světský hudební materiál, který neodpovídal tématům liturgických žánrů. Samotný materiál cantus firmus byl ale ve srovnání s jinými hlasy prezentován v extrémně prodloužených, delších rytmických dobách, což bránilo jeho vnímání jako celistvého útvaru.

A přesto Nizozemsko učinilo rozhodující krok vpřed ve formování témat a tematického rozvoje. Připomeňme, že v gregoriánském chorálu - oficiální podobě kultovní hudby té doby - vše směřovalo k expresivní a jasné výslovnosti textu Písma svatého. Gregoriánský chorál byl dokonalý, a proto uzavřený umělecký systém. Skladatelé se proto ve svých inovativních stylových rešerších mohli spolehnout pouze na lidové písně.

V lidové písni je několik vrstev. Nejstarší jsou písně spojené s pohanskými představami, vyznačují se zbytky magické funkce. Hudební jazyk spočívají v opakování tří- až šestinotového chorálu, tzv. formule. Další důležitá vrstva je spojena s tvorbou lyrické obraznosti. Cesty vývoje různých národních kultur lidové písně se v tomto ohledu sblížily. Obecnou představu o strukturálních rysech lyrické lidové písně lze získat také na základě existujícího ruského materiálu. Podstata úspěchů lyrická píseň v následujícím:

jeho hudba se již neomezuje pouze na opakování – „víření“ původního chorálu (formule). Naopak úvodní motiv písně působí jako jakési „tematické semínko“, z něhož vyrůstající ve variantním rozkvětu melodických výhonků vzniká celistvý hudební organismus.

Nizozemští skladatelé si tato „mikrotémata“ – motivické formule a jejich variantní vývoj – „klíčení“ vypůjčili z bohaté lidové písňové kultury Nizozemska jako základ melodického myšlení a výrazně je obohatili ve své tvorbě. Jejich hlavním počinem však byl rozvoj profesionální polyfonie na tomto základě.

Polyfonie v lidové písničkářství vznikala spontánně, nejčastěji v důsledku současného provádění různých verzí téže nápěvy. V dílech nizozemských skladatelů se komplexně rozvinul jeden z hlavních typů polyfonie - polyfonie.

V libovolné polyfonii pro každého momentálně sluchové vnímání vyzdvihuje hlavní hlas, nositele významově nejvýraznějšího materiálu - tematického, zbývající hlasy tak či onak slouží jako pozadí tematického reliéfu. Je-li nositelem tématu jediný svrchní hlas a zbývající hlasy jsou ve svém expresivním významu nivelizovány a slučovány do akordických komplexů, pak se tento typ polyfonie nazývá homofonie. Pokud některý z hlasů polyfonie může každou chvíli převzít tematickou iniciativu, pokud navíc hlasy doprovázející toto téma neztrácejí osobitost - pak máme co do činění s polyfonií. Komplexní rozvoj principů polyfonního vývoje tvoří základ inovací holandských skladatelů.

Dobytí technik polyfonního myšlení bylo událostí mimořádného významu, je zcela srovnatelné s přechodem od plochého obrazu v malbě k vícerozměrnému. Polyfonie je jedním z nejcharakterističtějších výdobytků éry, jehož filozofickým a estetickým mottem bylo hledání jednoty v rozmanitosti stále nových vědeckých

a umělecké akce otevírající se do povědomí Evropanů. Pravda, hudba ještě neměla možnost svými prostředky charakterizovat proměnlivost plynulého toku skutečnosti – to se k hudebnímu umění dostalo mnohem později, v éře klasicismu. Renesance vyvinula další výrazové prostředky, které umožnily reflektovat v hudbě složitost, heterogenitu a vnitřní rozpory přírody (makrokosmos) a lidské duše (mikrokosmos). Jedním ze zásadních počinů nizozemských polyfonistů byl „jednorázový kontrast“ paralelně se rozvíjejících samostatných melodických linek (termín patří sovětské muzikoložce T. N. Livanové). Od nynějška měla hudba, i když nadále zůstávala ve spojení se slovem, již své vlastní nezávislé zákony vývoje, vymanila se z podřízenosti.

Samostatnost hudebního myšlení se odrazila ve vývoji nového notačního systému – mensurálu. Až do XIII-XIV století. Existovala tzv. sborová notace, která umožňovala zaznamenat pouze výšku jednotlivých zvuků melodie. Techniky pro určení trvání hudební zvuky neexistovaly: nebylo jich potřeba, neboť rytmus zpěvů gregoriánských chorálů zcela závisel na poetických rozměrech textu.

Emancipace prvku volného melodického rozvoje i potřeba přesné koordinace simultánního vyznění melodických linek ve vícehlasé polyfonii vyžadovaly přesnou fixaci délky hudebních zvuků bez ohledu na metrickou stavbu slovesného textu. Situaci komplikoval fakt, že tehdejší skladatelé, kteří byli zároveň vůdci představení, nepsali partitury a své výtvory ihned nahrávali v podobě jednohlasých sborových partů.

Jak se liší od moderních hudebních not! Jejich dešifrování podléhá řadě dnes již zapomenutých pravidel a především znalosti vztahu mezi sousedními notami v řadě trvání; Existovaly čtyři druhy těchto poměrů a nazývaly se „škály“. Odtud název nové notace, mensural (na rozdíl od chorálu).

Mensurální notace tvořila základ moderní hudební notace. Jeho vylepšení bylo založeno na zavedení kratších trvání (zejména not pod „hranami“ a s „vlajkami“), díky čemuž byl rytmický vzorec melodie vizuálnější.

Moderní edice sborové partitury klasici renesanční polyfonie zpravidla několikrát proporcionálně zkracují všechny doby trvání, v důsledku čehož se před námi objevuje snadno viditelný zvukový obraz.

Než přejdeme k další charakteristice představitelů nizozemské polyfonní školy, je třeba říci pár slov o jejich bezprostředním předchůdci - anglický skladatel John Dunstable (1370 nebo 1380–1453), který dlouhou dobu působil na kontinentu a navštěvoval hudební centra Nizozemska.

V hudební kultuře severní Evropy se Dunstable objevil jako první známka „jara renesance“. V jeho tvorbě lze zaznamenat první záblesky renesančního „veselého volnomyšlenkářství“ – dokladem toho je jeho vícehlasá úprava italské písně „O krásné růže“ („O rosa bella“) s jejími jemnými, rozmarnými harmoniemi, prodchnutými se „severskou melancholií“. Samozřejmě, že tyto záblesky budou velmi brzy utopeny v paprscích stoupajících osobností holandské školy kompozice... Ale v jedné oblasti Dunstableovy kreativity - formování rozvinuté sborové polyfonie - se jeho inovace ukázala jako rozhodující .

Dunstableovo dílo bylo tak důležitým pojítkem mezi „hudební gotikou“ a polyfonií renesance, že se o něm od 16. století traduje legenda jako o „vynálezci“ polyfonie. Polyfonní princip myšlení má totiž svůj původ v lidové muzicírování a jeho přenos do oblasti profesionální hudby začal ve středověku a trval několik století. Ve 14. století ve Florencii, rodišti ars nova - italského „před-

Vyšlo: Konov V. Holandští skladatelé 15.-16. století. L.: Hudba, 1984.

Poslechněte si něco z klasiky – co může být lepšího?! Zejména o víkendech, kdy si chcete odpočinout, zapomenout na starosti dne, starosti pracovního týdne, snít o krásných věcech a jen tak si zvednout náladu. Jen si pomyslete, klasická díla byla vytvořena skvělými autory tak dávno, že je těžké uvěřit, že něco může přežít tolik let. A tato díla jsou stále milována a poslouchána, vznikají aranže a moderní interpretace. I v moderní úpravě zůstávají díla brilantních skladatelů klasickou hudbou. Jak přiznává, klasická díla jsou důmyslná a všechno důmyslné nemůže být nudné.

Pravděpodobně všichni velcí skladatelé mají zvláštní sluch, zvláštní citlivost k tónu a melodii, což jim umožnilo vytvořit hudbu, kterou baví desítky generací nejen jejich krajanů, ale i fanoušků vážné hudby po celém světě. Pokud stále pochybujete, zda máte rádi vážnou hudbu, pak se musíte sejít a uvidíte, že ve skutečnosti jste již dlouholetým fanouškem krásné hudby.

A dnes bude řeč o 10 nejslavnějších skladatelích světa.

Johann Sebastian Bach

První místo zaslouženě patří. V Německu se narodil génius. Nejtalentovanější skladatel napsal hudbu pro cembalo a varhany. Skladatel nevytvořil nový styl v hudbě. Ale dokázal vytvořit dokonalost ve všech stylech své doby. Je autorem více než 1000 esejů. V jeho dílech Bach připojeno jinak hudební styly, se kterým se seznámil po celý život. Často se hudební romantismus spojoval s barokním stylem. Během života Johann Bach Jako skladatel se mu nedostalo zaslouženého uznání, zájem o jeho hudbu se zvedl téměř 100 let po jeho smrti. Dnes je nazýván jedním z největších skladatelů, kteří kdy žili na zemi. Jeho jedinečnost jako člověka, učitele a hudebníka se odrazila v jeho hudbě. Bach položil základy hudby nové a současné doby a rozděloval dějiny hudby na předBachovu a poBachovu. Existuje názor, že hudba Bach ponurý a ponurý. Jeho hudba je spíše fundamentální a důkladná, zdrženlivá a soustředěná. Jako odrazy zralého, světoznámého člověka. Stvoření Bach ovlivnil mnoho skladatelů. Někteří z nich čerpali podněty z jeho děl nebo z nich čerpali náměty. A hudebníci po celém světě hrají hudbu Bach, obdivovat její krásu a dokonalost. Jedno z nejsenzačnějších děl - "Braniborské koncerty"- vynikající důkaz, že hudba Bach nelze považovat za příliš ponuré:

Wolfgang Amadeus Mozart

Je právem považován za génia. Ve 4 letech již plynule hrál na housle a cembalo, v 6 letech začal skládat hudbu a v 7 již dovedně improvizoval na cembalo, housle a varhany a konkuroval známým hudebníkům. Již ve 14 letech Mozart- uznávaný skladatel a ve věku 15 let - člen hudebních akademií v Bologni a Veroně. Od přírody měl fenomenální sluch pro hudbu, paměť a schopnost improvizace. Vytvořil ohromující množství děl - 23 oper, 18 sonát, 23 klavírních koncertů, 41 symfonií a mnoho dalšího. Skladatel nechtěl napodobovat, snažil se vytvořit nový model, který by odrážel novou osobitost hudby. Není náhodou, že v Německu hudba Mozart nazývaný „hudbou duše“, ve svých dílech skladatel projevoval rysy své upřímné, láskyplné povahy. Největší melodista přikládal opeře zvláštní význam. Opery Mozart- éra ve vývoji tohoto druhu hudebního umění. Mozartširoce uznávaný jako jeden z největších skladatelů: jeho jedinečnost spočívá v tom, že pracoval ve všech hudebních formách své doby a ve všech dosáhl nejvyšších úspěchů. Jedno z nejznámějších děl - "turecký pochod":

Ludwig van Beethoven

Další velký Němec byl významnou postavou období romantismu a klasicismu. Vědí o ní i ti, kteří o vážné hudbě nevědí vůbec nic. Beethoven je jedním z nejhranějších a nejuznávanějších skladatelů na světě. Velký skladatel byl svědkem ohromných otřesů, ke kterým došlo v Evropě, a překreslil její mapu. Tyto velké převraty, revoluce a vojenské konfrontace se odrážejí ve skladatelově díle, zejména v symfonických dílech. Obrazy hrdinského boje vtělil do hudby. V nesmrtelných dílech Beethoven uslyšíte boj za svobodu a bratrství lidí, neotřesitelnou víru ve vítězství světla nad temnotou i sny o svobodě a štěstí lidstva. Jeden z nejznámějších a úžasná fakta jeho život - nemoc ucha se vyvinula v úplnou hluchotu, ale přesto skladatel pokračoval v psaní hudby. Byl také považován za jednoho z nejlepších klavíristů. Hudba Beethoven Překvapivě jednoduché a srozumitelné pro nejširší okruhy posluchačů. Generace a dokonce i éry se mění a hudba Beethoven stále vzrušuje a těší srdce lidí. Jedno z jeho nejlepších děl - "Sonáta měsíčního svitu":

Richard Wagner

Se jménem velkého Richard Wagner nejčastěji spojován s jeho mistrovskými díly "Svatební sbor" nebo "Jízda Valkýr". Ale je znám nejen jako skladatel, ale také jako filozof. Wagner podíval se na jeho hudební díla jako způsob vyjádření určitého filozofického konceptu. S Wagner začala nová hudební éra oper. Skladatel se snažil operu přiblížit k životu, hudba je pro něj pouze prostředkem. Richard Wagner– tvůrce hudební drama, reformátor oper a dirigentského umění, inovátor harmonického a melodického jazyka hudby, tvůrce nových forem hudební expresivity. Wagner– autor nejdelší sólové árie na světě (14 minut 46 sekund) a nejdelší na světě klasická opera(5 hodin a 15 minut). Během života Richard Wagner byl považován za kontroverzní osobu, která byla buď zbožňována, nebo nenáviděna. A často obojí dohromady. Mystická symbolika a antisemitismus z něj udělaly Hitlerova oblíbeného skladatele, ale jeho hudbě uzavřel cestu do Izraele. Příznivci ani odpůrci skladatele však nepopírají jeho skladatelskou velikost. Úžasná hudba od prvních tónů Richard Wagner zcela vás pohltí a nenechá žádný prostor pro spory a neshody:

Franz Schubert

rakouský skladatel - hudební génius, jeden z nejlepších skladatelů písní. Bylo mu pouhých 17 let, když napsal svou první píseň. Za jeden den dokázal napsat 8 písní. Pro můj tvůrčí život vytvořil více než 600 skladeb na základě básní více než 100 velkých básníků, včetně Goetha, Schillera a Shakespeara. Proto Franz Schubert v top 10. I když kreativita Schubert velmi rozmanitý v použití žánrů, nápadů a reinkarnací, převládající a určující věcí v jeho hudbě jsou vokální a písňové texty. Na Schubert píseň byla považována za bezvýznamný žánr a byl to on, kdo ji povýšil na úroveň umělecké dokonalosti. Navíc spojil zdánlivě neslučitelnou píseň a komorní symfonickou hudbu, což dalo vzniknout novému směru lyricko-romantické symfonie. Vokální a písňové texty jsou světem jednoduchých a hlubokých, jemných a dokonce intimních lidských zážitků, vyjádřených nikoli slovy, ale zvukem. Franz Schubertžil velmi krátce, bylo mu pouhých 31 let. Osud skladatelových děl není o nic méně tragický než jeho život. Po smrti Schubert zůstalo mnoho nepublikovaných rukopisů uložených v knihovnách a zásuvkách příbuzných a přátel. Ani jeho nejbližší nevěděli, co všechno napsal, a dlouhá léta byl uznáván hlavně jen jako král písní. Některá skladatelova díla vyšla až půl století po jeho smrti. Jedno z nejoblíbenějších a nejznámějších děl Franz Schubert – "Večerní serenáda":

Robert Schumann

S neméně tragickým osudem je německý skladatel jedním z nich nejlepší skladatelé romantická éra. Vytvořil hudbu úžasné krásy. Abyste měli představu o Německý romantismus XIX století, jen poslouchejte "Karneval" Robert Schumann. Podařilo se mu utéct hudební tradice klasické éry, vytvářející vlastní interpretaci romantického stylu. Robert Schumann byl obdařen mnoha talenty a dokonce dlouho nedokázal se rozhodnout mezi hudbou, poezií, publicistikou a filologií (byl polyglot a plynule překládal z angličtiny, francouzštiny a italštiny). Byl také úžasným klavíristou. A přesto hlavní povolání a vášeň Schumann byla tam hudba. Jeho poetická a hluboce psychologická hudba do značné míry odráží dualitu skladatelovy povahy, nával vášně a únik do světa snů, vědomí vulgární reality a touhu po ideálu. Jedno z mistrovských děl Robert Schumann, který prostě každý musí slyšet:

Frederic Chopin

Snad nejslavnější Polák ve světě hudby. Hudební génius této úrovně se skladatel v Polsku nenarodil ani předtím, ani potom. Poláci jsou neuvěřitelně hrdí na svého velkého krajana a skladatel ve svém díle nejednou oslavuje svou vlast, obdivuje krásu krajiny, naříká nad tragickou minulostí a sní o velké budoucnosti. Frederic Chopin- jeden z mála skladatelů, který psal hudbu výhradně pro klavír. Jeho tvůrčí dědictví nezahrnuje opery ani symfonie, ale klavírní skladby jsou prezentovány v celé jejich rozmanitosti. Jeho díla tvoří základ repertoáru mnoha slavných klavíristů. Frederic Chopin je polský skladatel, který je také známý jako talentovaný pianista. Dožil se pouhých 39 let, ale dokázal vytvořit mnoho mistrovských děl: balady, preludia, valčíky, mazurky, nokturna, polonézy, etudy, sonáty a mnoho, mnoho dalšího. Jedním z nich je "Balada č. 1, g moll".

Franz Liszt

Je jedním z největších světových skladatelů. Prožil poměrně dlouhý a překvapivě bohatý život, zažil chudobu i bohatství, potkal lásku a čelil opovržení. Kromě přirozeného talentu měl fantastickou schopnost pracovat. Franz Liszt si vysloužila nejen obdiv hudebních fajnšmekrů a fanoušků. Jako skladatel i jako klavírista se mu v 19. století dostalo všeobecného uznání od evropských kritiků. Vytvořil více než 1300 děl a podobně Frederic Chopin dával přednost dílům pro klavír. Brilantní pianista Franz Liszt věděl, jak reprodukovat zvuk celého orchestru na klavír, mistrně improvizoval a měl fantastickou paměť hudební skladby, neměl obdoby ve čtení poznámek z listu. Měl patetický styl vystupování, což se odráželo i v jeho hudbě, která byla emocionálně vášnivá a hrdinsky optimistická, vytvářela barevné hudební obrazy a na posluchače nesmazatelně zapůsobila. Vizitkou skladatele jsou jeho klavírní koncerty. Jedno z těchto děl. A jedno z nejznámějších děl Liszt – "Sny o lásce":

Johannes Brahms

Významnou postavou romantického období v hudbě je Johannes Brahms. Poslouchejte a milujte hudbu Brahms považován za dobrý vkus a charakteristický znak romantické povahy. Brahms nenapsal jedinou operu, ale vytvořil díla ve všech ostatních žánrech. Zvláštní sláva Brahms přinesl své symfonie. Již v prvních dílech je patrná skladatelova originalita, která se postupem času transformovala do jeho vlastního stylu. Uvážíme-li všechna díla Brahms, nelze říci, že by byl skladatel nějak výrazně ovlivněn tvorbou svých předchůdců či současníků. A to z hlediska škály kreativity Brahmsčasto přirovnáván k Bach A Beethoven. Možná je toto srovnání oprávněné v tom smyslu, že dílo tří velkých Němců představuje vyvrcholení celé jedné éry v dějinách hudby. Na rozdíl od Franz Lisztživot Johannes Brahms byl bez bouřlivých událostí. Preferoval tichou kreativitu, za svého života si vysloužil uznání svého talentu a všeobecný respekt a byl také oceněn značnými poctami. Nejvýraznější hudba, ve které tvůrčí síla Brahms měl obzvláště jasný a originální účinek, je jeho "Německé rekviem", dílo, které autor tvořil 10 let a věnoval ho své matce. Ve vaší hudbě Brahms oslavuje věčné hodnoty lidského života, které spočívají v kráse přírody, umění velkých talentů minulosti a kultuře jejich vlasti.

Giuseppe Verdi

Bez čeho je deset nejlepších skladatelů?! Italský skladatel je známý především svými operami. Stal se národní slávou Itálie, jeho dílo je završením vývoje italské opery. Jeho skladatelské úspěchy a zásluhy nelze přeceňovat. Jeho díla zůstávají i sto let po autorově smrti nejoblíbenější, široce provozovaná, známá jak znalcům, tak milovníkům vážné hudby.

Pro Verdi Nejdůležitější v opeře byla činohra. Hudební obrazy Rigoletta, Aidy, Violetty a Desdemony vytvořené skladatelem organicky spojují jasnou melodičnost a hloubku postav, demokracii a sofistikovanost hudebních charakteristik, násilné vášně a jasné sny. Verdi byl skutečným psychologem v chápání lidských vášní. Jeho hudba je ušlechtilost a síla, úžasná krása a harmonie, nevýslovně krásné melodie, nádherné árie a dueta. Vášně jsou plné vášně, komedie a tragédie se prolínají a spojují dohromady. Zápletky oper, podle jeho vlastního přiznání Verdi, musí být „originální, zajímavý a... vášnivý, s vášní nade vše“. A většina jeho děl je vážná a tragická, demonstruje emocionální dramatické situace a hudbu velikánů Verdi dává expresivitu tomu, co se děje, a zdůrazňuje akcenty situace. Absorboval vše nejlepší, čeho dosáhla italská operní škola, nepopřel operní tradice, ale reformoval italskou operu, naplnil ji realismem a dal jí jednotu celku. Svou reformu přitom neohlásil, nepsal o ní články, ale prostě psal opery novým způsobem. Triumfální průvod jednoho z mistrovských děl Verdi- opery - se přehnaly přes italská jeviště a pokračovaly v Evropě, stejně jako v Rusku a Americe, a donutily i skeptiky rozpoznat talent velkého skladatele.

10 nejslavnějších skladatelů na světě aktualizováno: 25. listopadu 2017 uživatelem: Eleno

Cembalová suita č.5 d moll

Základy

Hudebník, který provozuje hudební díla jak na cembale, tak na jeho varietách, se nazývá cembalista.

Původ

Nejstarší zmínka o nástroji typu cembala se objevuje ve zdroji z roku 1397 z Padovy (Itálie), nejstarší známý obraz je na oltáři v Mindenu (1425). Cembalo zůstalo používáno jako sólový nástroj až do konce 18. století. O něco déle se používal k provádění digitálních basů, k doprovodu recitativů v operách. Kolem roku 1810 se prakticky přestal používat. Oživení kultury hry na cembalo začalo na přelomu 19.-20.

Cembala z 15. století se nedochovala. Soudě podle obrázků to byly krátké nástroje s těžkým tělem. Většina dochovaných cembal z 16. století byla vyrobena v Itálii, kde byly Benátky hlavním centrem výroby.

Měli 8` rejstřík (méně často dva rejstříky 8` a 4`) a vyznačovali se svou grácií. Jejich tělo bylo nejčastěji vyrobeno z cypřiše. Útok na tato cembala byl jasnější a zvuk prudší než u pozdějších vlámských nástrojů.

Nejdůležitější středisko výroby cembal v Severní Evropa byly Antverpy, kde od roku 1579 působili zástupci rodiny Ruckersů. Jejich cembala mají delší struny a těžší těla než italské nástroje. Od 90. let 16. století se v Antverpách vyráběla cembala se dvěma manuály. Francouzská, anglická a německá cembala 17. století spojují rysy vlámských a holandských vzorů.

Dochovala se některá francouzská dvoumanuálová cembala s ořechovým tělem. Od 90. let 17. století se ve Francii vyráběla cembala stejného typu jako nástroje Ruckers. Mezi francouzskými mistry cembala vynikala dynastie Blanchet. V roce 1766 zdědil Blanchetovu dílnu Taskin.

Nejvýznamnějšími anglickými výrobci cembal v 18. století byli Shudyové a Kirkmanové. Jejich nástroje měly dubové tělo lemované překližkou a vyznačovaly se silným zvukem s bohatým témbrem. V Německu 18. století byl hlavním centrem výroby cembala Hamburk; mezi ty vyráběné v tomto městě jsou nástroje s 2` a 16` rejstříky a také se 3 manuály. Neobvykle dlouhý model cembala navrhl J.D.Dulken, přední holandský mistr 18. století.

Ve 2. polovině 18. století začalo být cembalo nahrazováno klavírem. Kolem roku 1809 vyrobila firma Kirkman své poslední cembalo. Iniciátorem oživení nástroje byl A. Dolmech. Své první cembalo postavil v roce 1896 v Londýně a brzy otevřel dílny v Bostonu, Paříži a Haslemere.

Výrobu cembal zahájily také pařížské firmy Pleyel a Erard. Pleyel začal vyrábět model cembala s kovovým rámem nesoucím silné, napnuté struny; Wanda Landowska vychovala na nástroje tohoto typu celou generaci cembalistů. Bostonští mistři Frank Hubbard a William Dowd jako první okopírovali starožitná cembala.

Zařízení

Má tvar podlouhlého trojúhelníku. Jeho struny jsou umístěny vodorovně, rovnoběžně s klávesami.

Na konci každé klávesy je posunovač (nebo propojka). Na horním konci posunovače je langeta, ve které je upevněno plectrum (jazyk) z peří (na mnoha moderní nástroje- vyrobeno z plastu), těsně nad plektrem - tlumič vyrobený z plsti nebo měkké kůže. Když stisknete klávesu, posunovač se zvedne a plektrum zabrnkne na strunu. Pokud je klávesa uvolněna, uvolňovací mechanismus umožní plektru vrátit se na své místo pod strunou, aniž by bylo nutné strunu znovu drnkat. Vibrace struny je tlumena tlumičem.

Pro registraci, tzn. mění sílu a zabarvení zvuku pomocí ručních a nožních spínačů. Plynulé zvyšování a snižování hlasitosti na cembale je nemožné. V 15. století byl rozsah cembala 3 oktávy (ve spodní oktávě chyběly některé chromatické tóny); v 16. století se rozšířil na 4 oktávy (C - c«`), v 18. století na 5 oktáv (F` - f«`).

Typické německé nebo holandské cembalo z 18. století má 2 manuály (klávesy), 2 sady 8' strun a jednu sadu 4' strun (znějící o oktávu výše), které lze používat jednotlivě nebo společně, stejně jako ruční kopulace mechanismus. Nožní a kolenní spínače registru se objevily na konci 50. let 18. století. Většina nástrojů má tzv loutnový rejstřík s charakteristickým nosním témbrem (pro jeho získání jsou struny pomocí speciálního mechanismu mírně zatlumeny hrbolky kůže nebo plsti).