Obrazy nonkonformistů. Nonkonformismus, nonkonformisté, nonkonformní umělci

V SSSR nesměli tito umělci nejen pracovat, ale ani normálně žít. Byli vyloučeni z univerzit, nebyli vpuštěni do tvůrčích odborů a dokonce byli umístěni do psychiatrických léčeben. A to jen proto, že nedělali, jak je předepsáno.

Maxim Kantor. "Červený dům"

"Malba z dob glasnosti" ("Malerei der Glasnost-Zeit") je název výstavy, která se koná v Dolním Sasku Emden v Muzeu současného umění Kunsthalle, které letos slaví 25. výročí svého založení. V SSSR zakázané nonkonformní umělce, jejichž díla jsou zde vystavena, objevil v 80. letech pro Západ tvůrce tohoto muzea, rovněž zakladatel a bývalý šéfredaktor slavného německého časopisu Stern Henri Nannen. Jak se ale tato díla dostala do Německa? Jak se jim podařilo dostat je ze SSSR? A proč našli svou „registraci“ v Emdenu?

Psychiatričtí pacienti

Nemocniční oddělení. Studená dlažba. Špatné postele podél zdí. Nešťastní pacienti této nejspíše psychiatrické léčebny na nich leží a sedí. Sedm mužů se sklánělo u stolu nad novinami s křížovkou – zdálo se, že jediným důvodem k zamyšlení. Těchto sedm není jako ostatní pacienti: jejich tváře jsou příliš výrazné, jejich oči jsou příliš inteligentní... Opravdu je zaměstnává luštění křížovky? Nebo je to tajné shromáždění disidentů ukryté v psychiatrické léčebně? Autor obrazu "Křížovka" Maxim Kantor nedává přímou odpověď. Musíme to udělat.

Maxim Kantor. "Křížovka" (1985)

Kantorova díla jsou jádrem výstavy "Malba z dob glasnosti." Kunsthalle poprvé představila řadu svých exponátů již v 80. letech. Právě tehdy byla uspořádána první výstava věnovaná tvorbě mladých expresionistů, realistů a spiritualistů Moskvy a Leningradu (jak Němci klasifikovali sovětské nonkonformisty).

Díla umělců, kteří našli odvahu netvořit tak, jak je předepsáno shora, ale rozhodli se nekompromisně ve prospěch svobodné kreativity, vyvolala skutečnou senzaci. Západoněmecká média nadšeně hovořila o Maximu Kantorovi, Leonidu Puryginovi, Lvu Tabenkinovi, Alexeji Sundukovovi. Dnes jsou jejich jména známá po celém světě. A pak skutečnost, že v Sovětském svazu byli tak stateční a zároveň mimořádně nadaní mistři, se pro Západ stala skutečným objevem. Ostatně sovětské umění bylo obvykle spojováno s nudným a okázalým socialistickým realismem.

"Cruise" přes studio zakázaných umělců

Jak řekla kurátorka výstavy, kritička umění Lena Nievers, obrazy se do Emdenu dostaly díky Henrimu Nannenovi, rodákovi z tohoto města, slavnému novináři, zakladateli a mnoho let šéfredaktorovi časopisu Stern. Často jezdil do Sovětského svazu, kde sbíral materiál pro své reportáže. Svého času dokonce doprovázel německého kancléře Konrada Adenauera při jeho prvním setkání s Chruščovem v Moskvě.

V průběhu let si v sovětské metropoli vytvořil okruh přátel. Jejich prostřednictvím se Nannen, který byl velkým milovníkem umění a vlastníkem vynikající sbírky obrazů, dostal do kontaktu s představiteli „neoficiálního“ umění v SSSR.

Na počátku 80. let Henry Nannen podnikl jakousi 14denní „plavbu“ prostřednictvím polopodzemních dílen 50 neformálních umělců v Moskvě a Leningradu. A to, co viděl v těchto ubohých sklepích, ho na místě srazilo k zemi. Nakoupil vše, co mohl, a dokonce se mu podařilo obrazy odvézt do Německa. Je pravda, že k tomu musel překonat spoustu prahů a využít všechna svá moskevská spojení. A v roce 1982 Nannen uspořádal výstavu, která navštívila Mnichov, Stuttgart, Düsseldorf, Wiesbaden a samozřejmě Emden a měla obrovský úspěch.

O několik let později se novinář spolu se svou ženou Eske Ebert-Nannen a slavným uměleckým kritikem Gerhardem Finkem znovu vydal do moskevských a leningradských ateliérů. Celkem tam v 80. letech získal více než 100 děl. V roce 1986 filantrop financoval vytvoření Kunsthalle v Emdenu. Obdivovatel umění investoval téměř všechny své úspory do výstavby tohoto muzea, které se stalo Nannenovým darem jeho rodnému městu. V roce 1996 Henry Nannen zemřel a Kunsthalle vedla jeho vdova.

Neznat žádný strach

„Tato výstava mě šokovala za druhé světové války, bojoval jsem na východní frontě, pak jsem byl v sovětském zajetí vítězů, žili tolik let jako v táboře.“ .

"Úžasná, přímo srdcervoucí plátna za sovětské diktatury to mohli vytvořit jen lidé, kteří neznali strach a hluboce milovali svou vlast."

Takové recenze na výstavu "Malba doby glasnosti" si můžete přečíst v Revizní knize muzea Emden.

Na pařezu je kočka s očima široce otevřenýma hrůzou. Snaží se uniknout z rukou malé holčičky. I ona umírá strachy a snaží se na nebohé zvíře nedívat, ale vší silou ho přitiskne ke stromu. Nedaleko je strašně hubená žena. Už zvedla sekeru. „Chci žít...“ je název obrazu Leniny Nikitinové, přeživšího Leningradského obléhání, představitelky starší generace sovětského undergroundu.

Alexej Sundukov. "Přechod" (1988)

"Přechod" od Alexeje Sundukova. Široký průchod k metru sotva pojme pevně nacpaný dav. Každý je oblečený jinak: někteří jsou v zimních, jiní v letních. Není jasné, jaké je roční období. Existují kožené pláštěnky, kabáty s kožešinovým límcem, důstojnické uniformy a otevřené lehké šaty. Venkovské šály, pletené čepice, čepice. Holé hlavy, elegantní účesy, skromné ​​sestřihy. Obraz je přesycený obrázky. Na konci tunelu je světlo. Lidé se pohybují jeho směrem. I když – hýbou se? Nebo tam jen stojí? Jsou vyobrazena pouze záda, hlavy a paže. Nohy – stejně jako obličeje – nejsou vidět. A proto zůstává záhadou, zda tento dav zvládne přechod do nového stavu, zda jej uchvátí jasné světlo svobody.

Nonkonformismus. Pod tímto názvem je zvykem sdružovat představitele různých uměleckých směrů ve výtvarném umění Sovětského svazu 50. – 80. let 20. století, kteří nezapadali do rámce socialistického realismu – jediného oficiálně povoleného směru v umění.

Nonkonformní umělci byli vlastně vytlačeni z veřejného uměleckého života země: stát předstíral, že prostě neexistují. Svaz umělců neuznával jejich umění, byli zbaveni možnosti vystavovat svá díla ve výstavních síních, kritici o nich nepsali, muzejníci nenavštěvovali jejich dílny.

1. Dmitrij Plavinský „Shell“, 1978

„Stvoření lidských myšlenek a rukou je dříve nebo později pohlceno věčnými přírodními živly: Atlantidou – oceánem, egyptskými chrámy – pískem pouště, palácem a labyrintem Knossos – sopečnou lávou, Aztéky pyramidy - u vinic džungle Pro mě není největším zájmem rozkvět té či oné civilizace a její smrt a okamžik zrození další...“

Dmitrij Plavinský, umělec

2. Oscar Rabin "Zátiší s rybami a novinami Pravda", 1968

„Čím dále, tím naléhavěji jsem cítil, že se bez malování neobejdu, nebylo pro mě nic krásnějšího než osud umělce. Při pohledu na obrazy oficiálních sovětských umělců jsem však zcela nevědomě cítil, že nikdy umět tak malovat A už vůbec ne proto, že bych je neměl rád - obdivoval jsem tu zručnost, občas jsem otevřeně žárlil - ale celkově se mě nedotkli, nechali mě lhostejným jim chyběl."

„Nepocítil jsem na sobě žádné vlivy, nezměnil jsem svůj styl, nezměnilo se ani mé kreativní krédo, že jsem mohl zprostředkovat rozmanitost ruského života prostřednictvím symbolu – sledě v novinách Pravda, láhev vodky, pas - to je každému jasné Nebo jsem maloval Lianozovsky hřbitov a nazval obraz „Hřbitov pojmenovaný po Leonardu da Vinci“ Podle mého názoru se v mém umění neobjevilo nic nového, umělého píseň říká, že bych nechtěl být domácím králíkem.

Oscar Rabin, umělec

3. Lev Kropivnitsky "Žena a brouci" 1966

„Abstraktní malba umožňuje co nejvíce se přiblížit realitě, proniknout do podstaty věcí, porozumět všemu důležitému, co nevnímáme našimi pěti smysly. Modernost jsem cítil jako kombinaci dramatických výkonů, psychologického napětí, intelektuálního přesycení jsem se snažil a snažím na základě svých zkušeností a pocitu vytvořit obrazovou formu, která odpovídá duchu doby a psychologii století.“

Lev Kropivnitsky, umělec.

4. Dmitrij Krasnopevtsev „Pipes“, 1963

„Malba je také autogram, jen složitější, prostorový, mnohovrstevnatý A když z autogramu, tak z rukopisu určují (a ne neúspěšně) povahu, stav a téměř nemoci spisovatele, když to nedělají ani kriminalisté. zanedbávat toto dekódování, pak obraz poskytuje nesrovnatelně více materiálu pro dohady a závěry o osobnosti autora Dlouho se konstatovalo, že portrét namalovaný umělcem je zároveň jeho autoportrétem - to sahá dále - na jakýkoli. kompozice, krajiny, zátiší, k jakýmkoli žánrům, stejně jako k neobjektivnímu abstraktnímu umění - k čemukoli, co umělec zobrazuje, a bez ohledu na to, jak je objektivní, nezaujatý, chce-li se dostat pryč od sebe, stát se neosobním. nebude se moci skrýt, jeho výtvor, jeho rukopis prozradí jeho duši, jeho mysl, jeho srdce, jeho tvář.“

Dmitrij Krasnopevtsev, umělec.

5. Vladimir Nemukhin „Nedokončený solitaire“, 1966

„Inventář prvků figurativního jazyka se skládá především z předmětů, které existovaly dříve – stromů, bank, krabic, novin, tedy jednoduchých, rozpoznatelných předmětů, to vše se na konci 50. let změnilo v abstrakci forma mě začala unavovat, to je stav, který obnovuje zájem o předmět, a já se zase domnívám, že předmět je pro vidění velmi důležitý, protože skrze něj je vidět samotná vize.

"V roce 1958 jsem začal dělat svá první abstraktní díla. Co je to abstraktní umění? Umožnilo okamžitě se rozejít se vší tou sovětskou realitou. Stal jste se jiným člověkem. Abstrakce je na jednu stranu jako umění podvědomí a na druhé straně – nová vize musí být vizí, nikoli úvahou.“

Vladimir Nemukhin, umělec.

6. Nikolaj Vechtomov „Silnice“, 1983

"Můj život je vytvářením vlastního uměleckého prostoru, který jsem se vždy snažil obohatit a hodně jsem se k tomu snažil, uvědomil jsem si, že každý z nás je vždy sám s katastrofami dvacátého století."

„Žijeme ve tmě a už jsme si na ni zvykli, dokážeme plně rozlišit předměty, a přesto odtud čerpáme světlo, ze záření zapadajícího Kosmu, je to pro mě tedy energie vidění , důležité nejsou předměty, ale jejich odrazy, protože obsahují dech cizího elementu.“

Nikolay Vechtomov, umělec.

7. Anatoly Zverev Portrét ženy. 1966

„Anatolij Zverev je jedním z nejvýraznějších ruských portrétistů narozených na této zemi, který dokázal vyjádřit uctivou dynamiku okamžiku a mystickou vnitřní energii lidí, jejichž portréty maloval, je jedním z nejvýraznějších a nejspontánnějších umělců naší doby je natolik osobitý, že na každém jeho obraze je hned znát autorův rukopis několika tahy, dosahuje obrovského dramatického účinku, spontánnosti a okamžitosti mezi ním a jeho modelem. ."

Vladimír Dlugi, výtvarník.

"Zverev je první ruský expresionista 20. století a prostředník mezi ranou a pozdní avantgardou v ruském umění. Tohoto úžasného umělce považuji za jednoho z nejtalentovanějších v sovětském Rusku."

Gregory Costakis, sběratel.

8. Vladimir Yankilevsky „Prorok“, 70. léta 20. století

„Nekonformismus“ je konstitutivním rysem skutečného umění, protože odolává banalitě a pečeti konformismu, dává nové informace a vytváří novou vizi světa. Osud opravdového umělce je často tragický, bez ohledu na společnost, ve které žije. To je normální, protože osud umělce je osudem jeho vhledu, jeho výpovědi o světě, která boří zažité stereotypy vnímání a myšlení vytvořené „masovou kulturou“ a intelektuálním snobstvím. Být tvůrcem a být „v pravý čas“ kanonizovaným „hrdinou“ společnosti, superstar, je téměř nepřekonatelný paradox. Pokusy o jeho překonání jsou cestou ke kariéře konformisty.“

Vladimir Yankilevsky, umělec.

9. Lydia Masterková "Složení", 1967

„Po celou dobu, s neutuchající silou v jejích abstraktních kompozicích, magické barvy buď hoří, nebo jiskří, nebo blikají uhasínajícím ohněm, zdá se, že se vždy přibližuje k magickému povrchu plátna z různých stran zvuky, svíjející se a řítící se vzhůru podivné tvary nutí vzpomínat na Bachovy varhanní akordy a někdy jsou zelenošedé, propletené roviny spojené s biologickými formami spojeny s Milhaudovou kresbou „Stvoření světa“ On organizuje skvrny na rovina a povaha barevných akcentů.

Lev Kropivnitsky, umělec.

10. Vladimir Jakovlev „Kočka a pták“, 1981

"Umění je prostředkem k překonání smrti."

Vladimir Jakovlev, umělec.

"Obrazy Vladimíra Jakovleva jsou jako noční obloha plná hvězd. V noci není žádné světlo, světlo je hvězda. To je zvláště viditelné, když Jakovlev zobrazuje květiny. Jeho květina je vždy hvězda. Z toho plyne zvláštní smutek radosti, když jsme rozjímat o obrazech“.

Ilja Kabakov, umělec.

11. Ernst Neizvestny "Srdce Kristovo", 1973-1975

„Uměleckou činnost (psaní, hudbu a výtvarné umění) rozděluji na dva typy: touhu po mistrovském díle a touhu po plynutí Touha po mistrovském díle je, když umělec čelí určitému pojetí krásy, kterou chce ztělesnit , vytvořit kompletní, prostorné mistrovské dílo Touha po flow je existenciální potřebou kreativity, kdy se stává analogickým dýchání, tlukotu srdce, dílem celé osobnosti, umění je zhmotněná existence. pohyb, povstání a umírání každou vteřinu A když si chci vybudovat svůj „Stromový život“, jsem si plně vědom téměř klinické, patologické nemožnosti tohoto plánu. Ale potřebuji ho, abych mohl fungovat. A multiplicita ne. děs mě, protože to drží pohromadě matematickou jednotou, je to samouzavřené, to všechno je pokus o spojení několika principů, pokus o spojení věčných základů umění a jeho dočasného obsahu jsou sjednoceny neustále a věčně ve víře, aby se stal vznešeným, majestátním, smysluplným.“

Ernst Neizvestny, umělec.

12. Eduard Steinberg "Složení s rybou", 1967

„Nemůžu říct, že jsem na správné cestě, ale co je to pravda? spadne to dolů, on to znovu zvedne, znovu táhne - to je přibližně kyvadlo mého života."

"Neobjevil jsem prakticky nic nového, jen jsem dal ruské avantgardě jinou perspektivu."

Eduard Steinberg, výtvarník.

13. Michail Roginskij "Červené dveře". 1965

"Přinutil jsem se znovu vytvořit realitu na základě své představy o ní. Pořád to dělám."

Michail Roginsky, umělec.

"Red Door" je vynikající dílo, které sehrálo zásadní roli v dějinách ruského umění dvacátého století. Spolu s následným cyklem fragmentů a interiérových detailů (stěny se zásuvkami, vypínače, fotografie, komody, dlážděné podlahy) tato práce znamenala začátek nového objektového realismu. „Dokumentarismus“ (jak Roginskij svůj směr raději nazýval) předurčil vznik nejen pop-artu, ale i nové avantgardy obecně v sovětském „undergroundovém“ umění, zaměřeném na světový umělecký proces. "The Red Door" vystřízlivěl a přivedl zpět na zem mnoho sovětských umělců, unesených utopickým a metafyzickým hledáním obklopeným komunitním životem. Tato práce přiměla umělce k pečlivé analýze a popisu estetických aspektů každodenního sovětského života. To je hranice obrazové iluze, most z obrazu k objektu.

Andrey Erofeev , kurátor, umělecký kritik

14. Oleg Tselkov "Kalvárie" 1977

„Nyní nemám potřebu vystavovat. Za půl století pro mě bude nesmírně zajímavé ukazovat svá díla umělcova ruka není řízena touhou vystavovat, ale touhou vyprávět o zážitku, když je obraz namalován, už nad ním nemám kontrolu, může zůstat naživu nebo zahynout moře a možná, že ho nikdo nikdy nechytí, bude vržena o kámen."

Oleg Tselkov, umělec.

15. Hulot Sooster "Red Egg", 1964

"V jeho pohledu na přírodu není žádná spontánnost, žádné překvapení, žádný obdiv. Je to spíše pohled vědce, který se snaží proniknout do tajemství věcí. Umělec jako by hledal nějaký ideální vzorec přírody, její centričnost, vzorec tak úplný a složitý jako forma vajec“.

Zebra - Pá, 20. 11. 2009 - 12:23

účastník

Místo portrétů vedoucích výroby jsou zde portréty milenců. Namísto obrovských rozloh Vlasti jsou tu mimozemské civilizace v červených barvách. Místo pětiletých stavebních projektů jsou tu Zamoskvorecké dvorky, pivo a posypy raků. Žádné dohody s vlastním kreativním darem, žádné kompromisy. V Moskvě byla zahájena výstava nonkonformních umělců.

Taťána Flegontová je autorkou myšlenky a kurátorkou projektu „Nonkonformisté“. "Je to prostě jiné umění," vysvětluje "Neoficiální."
Jde o první kolektivní výstavu bývalých představitelů sovětského undergroundu 60.-70. Ale ne první v historii moskevského neoficiálního umění. 15. září 1974 vystavili Oscar Rabin, Vladimir Nemuchin, Vasilij Sitnikov a Vitalij Komar v parku Bitsevsky svá díla pod širým nebem. Jinou šanci oslovit publikum neměli. Díla visela pouhých 30 minut, poté byli umělci a návštěvníci rozehnáni buldozery.

Výstava se zapsala do dějin jako „buldozerová“ výstava Bylo to před 35 lety. Byla to však ona, kdo znamenal počátek oficiálního uznání. "Umělec je jako dítě, když něco dělá, musí se mu to ukázat, jinak nemůže žít!" - říká jeden z mistrů.

Představitelé umění je nazývali jednoznačně – formalisté. Ale byli velmi odlišní. Anatolij Zverev, Ernst Neizvestnyj, Alexander Kharitonov a Vjačeslav Kalinin neměli jediné krédo. Spojovalo je odmítání oficiálního umění a touha po sebevyjádření. Lydia Masterková, která začínala s realismem, pocítila skutečnou svobodu až v abstraktní malbě.

Obří ploché tváře nepředstavitelných barev - objev Olega Tselkova. Neobsahují obraz jednotlivé osoby, ale univerzální portrét lidstva. Od dětství rebel, ve škole už nechtěl malovat klasická zátiší.

Oleg Tselkov psal v těch dnech, kdy byl výběr barev malý, takže umělci museli hodně vymýšlet sami. Někdy si své recepty zapisovali přímo na zadní stranu obrazů. Například: „Na litr vody – 100 gramů jedlé želatiny plus křída se půda ošetří pemzou.“

Umělcům nelze upřít vynalézavost, ať se děje cokoliv. Boris Sveshnikov napsal dílo „Pohřeb dítěte“ v táboře na obyčejnou utěrku. Devatenáctiletý umělec, odsouzený za obvinění z protisovětské propagandy, hodně přemýšlel o smrti. Stala se postavou téměř ve všech jeho dílech.

Oscar Rabin je považován za neformálního vůdce sovětského undergroundu. Právě v jeho malém pokojíčku v Lianozovových kasárnách se scházeli nezávislí umělci a básníci. Zde se konaly první přehlídky obrazů. Přátelé žertem nazvali Rabina „podzemním ministrem kultury“.

Dnes jejich díla stojí desítky tisíc dolarů a zdobí ta nejlepší muzea na světě, ale ještě v polovině 20. století to byli vyvrhelové, neochotní přijímat diktáty, a proto žili z ruky do úst. Byli obviněni ze všech smrtelných hříchů, nebyli přijati do Svazu umělců a nebyli přijati. A oni jen experimentovali. Jinými slovy, dělali si, co chtěli.

Napíšu něco málo o umělcích a vystavím několik děl každého z nich.

Pá, 20. 11. 2009 - 12:39
Zebra

účastník

Pá, 20. 11. 2009 - 14:11
Zebra

účastník

Pá, 20. 11. 2009 - 16:08
Zebra

účastník