V klasické symfonii se třetí věta nazývá nebo. O symfonii

Mezi četnými hudebními žánry a formami patří jedno z nejčestnějších míst symfonii. Tím, že se objevil jako zábavní žánr, byl od počátku 19. století až do současnosti nejcitlivější a nejucelenější, jako žádný jiný typ. hudební umění, odráží svou dobu. Symfonie Beethovena a Berlioze, Schuberta a Brahmse, Mahlera a Čajkovského, Prokofjeva a Šostakoviče jsou rozsáhlými úvahami o době a osobnosti, o historii lidstva a způsobech světa.

Symfonický cyklus, jak jej známe z mnoha klasických a moderní designy, vyvinuté přibližně před dvěma sty padesáti lety. Během tohoto historicky krátkého období však žánr symfonie ušel dlouhou cestu. Délku a význam této cesty určil právě fakt, že symfonie vstřebávala všechny problémy své doby, dokázala reflektovat složité, rozporuplné doby plné kolosálních zvratů a ztělesňovala pocity, utrpení a boje lidí. Stačí si představit život společnosti v polovině 18. století – a vzpomenout si na Haydnovy symfonie; velké pozdvižení konec XVIII- začátek 19. století - a Beethovenovy symfonie, které je odrážely; reakce ve společnosti, zklamání - a romantické symfonie; konečně všechny ty hrůzy, které lidstvo muselo snášet ve 20. století - a porovnat symfonie Beethovena se symfoniemi Šostakoviče, aby bylo jasně vidět tuto obrovskou, někdy tragickou cestu. Dnes už si málokdo pamatuje, jaké byly začátky, jaké byly počátky tohoto nejsložitějšího ryze hudebního žánru, nesouvisejícího s jiným uměním.

Pojďme se na to rychle podívat hudební Evropa poloviny 18. století.

V Itálii, klasické zemi umění, udává trendy ze všech evropské země, opera kraluje. Dominuje tzv. opera seria („vážná“). Nejsou v něm žádné jasné jednotlivé obrazy, není tam žádný pravý dramatická akce. Opera seria je střídání různých stavy mysli, vtělený do konvenčních znaků. Jeho nejdůležitější částí je árie, ve které jsou tyto stavy zprostředkovány. Existují árie hněvu a pomsty, árie stížností (lamento), žalostné pomalé árie a radostné bravurní árie. Tyto árie byly natolik zobecněné, že je bylo možné přenést z jedné opery do druhé bez újmy na provedení. Ve skutečnosti to skladatelé často dělali, zvláště když museli napsat několik oper za sezónu.

Elementem operní série byla melodie. Slavné umění italského belcanta zde dostalo svůj nejvyšší výraz. V áriích dosáhli skladatelé skutečných výšin ztělesnění jednoho nebo druhého státu. Láska i nenávist, radost i zoufalství, hněv i smutek byly hudbou přeneseny tak živě a přesvědčivě, že jste nepotřebovali slyšet text, abyste pochopili, o čem zpěvák zpívá. To v podstatě konečně připravilo půdu pro beztextovou hudbu navrženou k ztělesnění lidské pocity a vášeň.

Z intermezzí - vložených scén hraných mezi akty operní série a nesouvisejících s jejím obsahem - vznikla její veselá sestra, komická operní bufe. Obsahově demokratický (jeho postavy nebyly mytologičtí hrdinové, králové a rytíři a obyčejní lidé z lidu), vědomě se postavila proti dvorskému umění. Opera buffa se vyznačovala přirozeností, živostí akce a spontánností hudebního jazyka, často přímo souvisejícího s folklórem. Mělo to hlasitý zvuk, komické parodické koloratury, živé a lehké taneční melodie. Finále aktů se odvíjely jako soubory, ve kterých postavy někdy zpívaly všechny najednou. Někdy se takovým koncům říkalo „spletenec“ nebo „zmatek“, protože akce se do nich tak rychle nahrnula a intriky se ukázaly jako matoucí.

Vyvinuto v Itálii a instrumentální hudba, a především žánr nejblíže spjatý s operou – předehru. Jako orchestrální úvod k opernímu představení si vypůjčil z opery jasný, výrazný hudební témata, podobně jako melodie árií.

Tehdejší italská předehra se skládala ze tří částí – rychlé (Allegro), pomalé (Adagio nebo Andante) a opět rychlé, nejčastěji celý menuet. Říkali tomu sinfonia – v překladu z řečtiny – konsonance. Postupem času se předehry začaly hrát nejen v divadle před otevřením opony, ale i samostatně, jako samostatná orchestrální díla.

Na konci XVII. začátek XVIII století se v Itálii objevila brilantní galaxie virtuózních houslistů, kteří byli také nadanými skladateli. Vivaldi, Yomelli, Locatelli, Tartini, Corelli a další, kteří plynule ovládali housle - hudební nástroj, jehož výraz lze srovnat s lidským hlasem - vytvořili rozsáhlý houslový repertoár, především ze skladeb zvaných sonáty (z italského sonare - zvuk ). V nich, stejně jako v klávesových sonátách Domenica Scarlattiho, Benedetta Marcella a dalších skladatelů, se vyvinuly některé společné strukturální rysy, které se později změnily v symfonii.

Formováno jinak hudební život Francie. Již dlouho milují hudbu spojenou se slovy a činy. Baletní umění doznalo vysokého rozvoje; kultivovaný zvláštní druh opery jsou lyrickou tragédií, podobnou tragédiím Corneille a Racine, které měly otisk specifického života královského dvora, jeho etikety, jeho slavností.

Francouzští skladatelé také tíhli ke spiknutí, programu a slovním definicím hudby při vytváření instrumentálních skladeb. „Flying Cap“, „Reapers“, „Tamburína“ - to byla jména skladeb cembala, které byly buď žánrovými náčrty, nebo hudebními portréty - „Půvabný“, „Něžný“, „Pracovný“, „Koketní“.

Větší díla, skládající se z několika částí, měla svůj původ v tanci. Přísná německá allemande, pohyblivá jako klouzavá francouzská zvonkohra, majestátní španělská sarabanda a svižný jig - ohnivý tanec anglických námořníků - jsou v Evropě již dlouho známé. Byly základem žánru instrumentální suity (z francouzského suita - sekvence). Často byly do suity zahrnuty i další tance: menuet, gavota, polonéza. Před allemandou byla slyšet úvodní předehra a uprostřed suity odměřená taneční pohyb někdy přerušena volnou árií. Ale jádro suity – čtyři rozmanité tance různých národů – bylo jistě přítomno v neměnném sledu, nastiňovalo čtyři různé nálady, vedlo posluchače od klidného pohybu začátku k vzrušujícímu rychlému finále.

Mnoho skladatelů psalo suity, a to nejen ve Francii. Významnou poctu jim složil i velký Johann Sebastian Bach, jehož jménem podobně jako Němec hudební kultury v té době bylo obecně spojeno mnoho hudebních žánrů.

V zemích německý jazyk, tedy četná německá království, knížectví a biskupství (pruské, bavorské, saské atd.), jakož i v r. různé oblasti Mnohonárodnostní rakouské císařství, které tehdy zahrnovalo „lid hudebníků“ – Českou republiku zotročenou Habsburky – instrumentální hudba byla dlouho pěstována. Každé městečko, město nebo i vesnice měla své houslisty a violoncellisty a po večerech zazněly sólové i souborové skladby nadšeně v podání ochotníků. Kostely a jejich školy se obvykle stávaly centry hudební tvorby. Učitel byl zpravidla také kostelním varhaníkem, který vystupoval o svátcích hudební fantazie podle svých nejlepších schopností. Ve velkých německých protestantských centrech, jako byl Hamburk nebo Lipsko, se také rozvíjely nové formy muzicírování: varhanní koncerty v katedrálách. Na těchto koncertech zazněly preludia, fantazie, variace, sborové úpravy a hlavně fugy.

Fuga je nejkomplexnější typ polyfonní hudby, která dosáhla svého vrcholu v tvorbě I.S. Bach a Händel. Jeho název pochází z latinského fuga – běh. Jedná se o polyfonní dílo založené na jednom tématu, které se pohybuje (běží napříč!) od hlasu k hlasu. Každá melodická linka se nazývá hlas. Podle počtu takových řádků může být fuga tříhlasá, čtyřhlasá, pětihlasá atd. Ve středním úseku fugy, poté, co téma zaznělo kompletně všemi hlasy, se začíná rozvíjet: nejprve jeho začátek se objeví a zase zmizí, pak se roztáhne (každá z tónů, které ji tvoří, bude dvakrát delší), pak se zmenší – tomu se říká téma přibývání a téma při snižování. Může se stát, že v rámci tématu se sestupné melodické pohyby stanou vzestupnými a naopak (téma v oběhu). Melodický pohyb se pohybuje od jedné klávesy ke druhé. A v závěrečném úseku fugy - Repríza - zazní téma opět nezměněno, jako na začátku, vrací se k hlavní tonalitě hry.

Připomeňme ještě jednou: mluvíme o asi v polovině 18. století. V hlubinách aristokratické Francie se schyluje k výbuchu, který velmi brzy smete absolutní monarchii. Přijde nová doba. A zatímco se revoluční nálady stále jen latentně připravují, francouzští myslitelé vystupují proti stávajícímu řádu. Požadují rovnost všech lidí před zákonem a hlásají myšlenky svobody a bratrství.

Umění, které odráží posuny veřejný život, je citlivý na změny politické atmosféry v Evropě. Příkladem toho jsou nesmrtelné komedie Beaumarchais. To platí i pro hudbu. Právě teď, v těžké době plné kolosálních událostí historický význam období, v hlubinách starých, dávno zavedených hudebních žánrů a forem, nové, skutečně revoluční žánr- symfonie. Stává se kvalitativně, zásadně odlišnou, protože ztělesňuje a nový typ myslící.

Je třeba si myslet, že není náhoda, že s předpoklady v různých regionech Evropy se žánr symfonie nakonec zformoval v zemích německého jazyka. V Itálii národní umění byla opera. V Anglii se duch a smysl historických procesů, které se tam odehrávají, nejvíce odrážely v oratoriích George Händela, původem Němce, který se stal národním anglickým skladatelem. Ve Francii se do popředí dostala jiná umění, zejména literatura a divadlo, které byly konkrétnější, přímo a jasně vyjadřovaly nové myšlenky, které vzrušovaly svět. Voltairova díla, " Nová Eloise„Rousseau, Montesquieuovy „Perské listy“ v zastřené, ale vcelku srozumitelné podobě předkládaly čtenářům ostrou kritiku existujícího řádu a nabízely vlastní možnosti struktury společnosti.

Když o několik desetiletí později přišla na řadu hudba, do řad revolučních vojsk vstoupila píseň. Nejnápadnějším příkladem toho je Píseň Rýnské armády, vytvořená přes noc důstojníkem Rougetem de Lisle, která se světově proslavila pod názvem Marseillaise. Po písni se objevila hudba pro hromadné oslavy a smuteční obřady. A konečně tzv. „opera spásy“, jejímž obsahem bylo pronásledování hrdiny či hrdinky tyranem a jejich spása ve finále opery.

Symfonie vyžadovala zcela jiné podmínky jak pro svůj vznik, tak pro plné vnímání. „Těžiště“ filozofického myšlení, které nejúplněji odráželo hlubokou podstatu společenských změn té doby, se ukázalo být v Německu, daleko od sociálních bouří.

Tam nejprve Kant a později Hegel vytvořili své nové filozofické systémy. Stejně jako filozofické systémy je symfonie nejfilozofičtějším, dialekticko-procesním žánrem hudební kreativita, - se nakonec zformoval tam, kam dosahovaly jen vzdálené ozvěny blížících se bouřek. Kde se navíc rozvinuly silné tradice instrumentální hudby.

Jedním z hlavních center pro vznik nového žánru byl Mannheim, hlavní město bavorského kurfiřtství Falcka. Zde, na brilantním dvoře kurfiřta Karla Theodora, se ve 40. a 50. letech 18. století udržoval vynikající orchestr, v té době snad nejlepší orchestr v Evropě.

V té době se symfonický orchestr teprve formoval. A ve dvorních kaplích a v katedrálách orchestrální skupiny se stabilním složením neexistovaly. Vše záviselo na prostředcích, které měl panovník nebo rychtář k dispozici, na vkusu těch, kdo mohli rozkazovat. Orchestr plnil zprvu pouze aplikovanou roli, doprovázel buď dvorní vystoupení nebo slavnosti a obřady. A to bylo považováno především za operní nebo církevní soubor. Zpočátku orchestr zahrnoval violy, loutny, harfy, flétny, hoboje, lesní rohy a bubny. Postupně se složení rozšiřovalo, počet smyčcové nástroje. Postupem času housle nahradily starodávné violy a brzy převzaly orchestr vedoucí postavení. Mosaz dřevěné nástroje- flétny, hoboje, fagoty - sjednoceny do samostatné skupiny a objevily se i měděné - trubky, pozouny. Povinným nástrojem v orchestru bylo cembalo, které vytvářelo harmonický základ zvuku. Za ním stál zpravidla vedoucí orchestru, který při hře současně udával pokyny k úvodu.

Na konci 17. století se rozšířily instrumentální soubory, které existovaly na šlechtických dvorech. Každý z četných malých knížat roztříštěného Německa chtěl mít svou kapli. Začal rychlý rozvoj orchestrů a objevují se nové techniky orchestrální hry.

Mannheimský orchestr tvořilo 30 smyčcových nástrojů, 2 flétny, 2 hoboje, klarinet, 2 fagoty, 2 trubky, 4 lesní rohy, tympány. To je páteří moderního orchestru, pro kterou skladbu vytvořilo mnoho skladatelů následující éry. Orchestr vedl vynikající český hudebník, skladatel a houslový virtuos Jan Václav Stamitz. Mezi umělci orchestru byli i největší hudebníci své doby, nejen virtuózní instrumentalisté, ale i talentovaní skladatelé Franz Xaver Richter, Anton Filz a další. Ty určily vynikající úroveň interpretačních schopností orchestru, který se proslavil svými úžasnými kvalitami - dříve nedosažitelnou vyrovnaností údery houslí, s nejjemnější gradací dynamických odstínů, dříve vůbec nepoužívaných.

Podle současníka, kritika Bosslera, „přesné dodržování klavíru, forte, rinforzando, postupné rozšiřování a zesilování zvuku a pak opět pokles jeho síly až do sotva slyšitelného zvuku – to vše bylo slyšet jen v Mannheimu“. Bernie, anglický milovník hudby, který v polovině 18. století podnikl výlet do Evropy, mu dodává: „Tento mimořádný orchestr má dostatek prostoru a faset, aby ukázal všechny své schopnosti a vytvořil skvělý efekt. Právě zde Stamitz, inspirovaný Yomelliho spisy, poprvé překročil obvyklé operní předehry... byly vyzkoušeny všechny efekty, které taková masa zvuků mohla vyprodukovat. Právě zde se zrodilo crescendo a diminuendo a byl uznán klavír, který se dříve používal hlavně jako ozvěna a byl obvykle jejím synonymem, a forte hudební barvy, které mají své vlastní odstíny..."

Právě v tomto orchestru poprvé zazněly čtyřhlasé symfonie – díla, která byla konstruována podle jednoho typu a měla obecné principy, které absorbovaly mnohé rysy již existujících hudebních žánrů a forem a přetavily je v něco kvalitativně odlišného; nová jednota.

První akordy jsou rozhodující, plnohlasé, jako by volaly o pozornost. Pak široké, rozmáchlé pohyby. Opět akordy, nahrazené arpeggiovaným pohybem, a pak živá, elastická melodie, jako rozvíjející se pružina. Zdá se, že se může odvíjet donekonečna, ale odchází rychleji, než pověst chce: jako host představený majitelům domu během skvělé přijetí, se od nich vzdálí a uvolní cestu dalším následovníkům. Po chvíli všeobecný pohyb objevuje se nové téma - jemnější, ženské, lyrické. Ale nezní to dlouho, rozplývá se do pasáží. Po nějaké době opět vidíme první téma, mírně pozměněné, v novém klíči. Hudební proud rychle plyne, vrací se k původní, hlavní tonalitě symfonie; Druhé téma organicky přechází do tohoto proudu a nyní se charakterem a náladou přibližuje prvnímu. První část symfonie končí plnohlasými radostnými akordy.

Druhá věta, andante, se rozvíjí pomalu a melodicky, čímž podtrhuje expresivitu smyčcových nástrojů. Jde o jakousi árii pro orchestr, v níž dominuje lyrika a elegická reflexe.

Třetí věta je elegantní galantní menuet. Vytváří pocit uvolnění a relaxace. A pak jako ohnivá smršť propukne ohnivé finále. Takový je obecný obrys, symfonie doby. Jeho původ lze velmi jasně vysledovat. První část se nejvíce podobá operní předehře. Pokud je ale předehra pouze prahem představení, pak se zde ve zvucích odvíjí samotná akce. Typicky operní hudební obrazy předehry - hrdinské fanfáry, dojemné lamento, bouřlivá legrace bubáků - nesouvisející s konkrétními jevištními situacemi a nenesoucí charakteristické individuální rysy (nezapomeňte, že ani slavná předehra k Rossiniho Lazebníkovi sevillskému nemá s obsahem opery nic společného a byl původně napsán pro jinou operu!), odtrhl se od operního představení a začal samostatný život. V rané symfonii jsou snadno rozpoznatelné – rozhodné, odvážné intonace hrdinských árií v prvních tématech, nazývaných hlavními, jemné povzdechy lyrických árií v tématech druhých, tzv. vedlejších.

Operní principy se odrážejí i v textuře symfonie. Jestliže dříve instrumentální hudbě dominovala polyfonie, tedy polyfonie, v níž znělo současně více nezávislých melodií, prolínajících se, pak se zde začala rozvíjet polyfonie jiného typu: jedna hlavní melodie (nejčastěji houslová), výrazná, výrazná, je doprovázena doprovodem, který to rozjede, zdůrazňuje její individualitu. Tento typ polyfonie, nazývaný homofonní, zcela dominuje v rané symfonii. Později se v symfonii objevují techniky vypůjčené z fugy. V polovině 18. století to však mohlo být kontrastováno spíše s fugou. Téma bylo zpravidla jedno (jsou dvojité, trojité a více fug, ale v nich se témata neprotiřečí, ale srovnávají). Mnohokrát se to opakovalo, ale nic tomu neodporovalo. Byl to v podstatě axiom, teze, která byla opakovaně vyslovena, aniž by vyžadovala důkaz. Opak v symfonii: ve vzhledu a dalších proměnách různých hudební témata a obrazy lze slyšet spory a rozpory. Možná právě zde se znamení času projevuje nejzřetelněji. Pravda už není samozřejmost. Je potřeba to hledat, dokazovat, zdůvodňovat, porovnávat různé názory, zjišťování různé body vidění. To je to, co dělají encyklopedisté ve Francii. Postaveno na tomto Německá filozofie, zejména Hegelova dialektická metoda. A samotný duch éry hledání se odráží v hudbě.

Symfonie si tedy vzala hodně z operní předehry. Zejména předehra nastínila princip střídání kontrastních úseků, které v symfonii přecházely v samostatné části. Ve své první části - různé strany, různé pocity člověka, život v jeho pohybu, vývoj, proměny, kontrasty a konflikty. V druhé části je reflexe, koncentrace a někdy i texty. Ve třetím - relaxace, zábava. A nakonec finále - obrázky zábavy, jásání a zároveň - výsledek hudební vývoj, dokončení symfonického cyklu.

Takhle dopadne symfonie začátek XIX století, takový, nejobecněji řečeno, bude např. u Brahmse nebo Brucknera. A v době svého narození si četné pohyby zřejmě vypůjčila ze suity.

Allemande, courante, sarabande a gigue jsou čtyři povinné tance, čtyři různé nálady, které lze snadno vidět v raných symfoniích. Velmi zřetelně se v nich projevuje taneční kvalita, zejména ve finále, které charakterem melodie, tempem a dokonce i velikostí taktu často připomíná gigue. Pravda, někdy má finále symfonie blíže k jiskřivému finále opery buffa, ale i tak je její příbuznost s tancem, například tarantellou, nepopiratelná. Pokud jde o třetí díl, jmenuje se menuet. Pouze v Beethovenově díle bude tanec – galantní dvorský nebo hrubý obyčejný – nahrazen scherzem.

Novorozená symfonie tak absorbovala rysy mnoha hudebních žánrů a žánrů zrozených v různých zemích. A vznik symfonie se odehrál nejen v Mannheimu. Bylo Vídeňská škola, kterou představil zejména Wagenseil. V Itálii napsal Giovanni Battista Sammartini orchestrální díla, která nazýval symfoniemi a byla určena pro koncertní provedení, která nesouvisela s operní představení. Ve Francii se mladý skladatel, původem Belgičan, François-Joseph Gossec, obrátil k novému žánru. Jeho symfonie se nesetkávaly s ohlasem a uznáním, protože ve francouzské hudbě dominovala programová, ale jeho dílo sehrálo roli při formování francouzské symfonie, při obnově a rozmachu symfonického orchestru. Český skladatel František Mícha, který svého času působil ve Vídni, hodně a úspěšně experimentoval při hledání symfonické formy. Jeho slavný krajan Josef Myslewicz měl zajímavé experimenty. Všichni tito skladatelé však byli samotáři a v Mannheimu vznikla skupina celou školu, která měla k dispozici i prvotřídní „nástroj“ – slavný orchestr. Díky tomu šťastná příležitost, že falcký kurfiřt byl velkým milovníkem hudby a měl dost peněz, aby si na ni mohl dovolit obrovské výdaje, se v hlavním městě Falce sešli významní hudebníci z různých zemí - Rakušané a Češi, Italové a Prusové - z nichž každý přispěl k vytvoření nového žánru. V dílech Jana Stamitze, Franze Richtera, Carla Toeschiho, Antona Filze a dalších mistrů vznikla symfonie v těch hlavních rysech, které pak přešly do tvorby vídeňských klasiků - Haydna, Mozarta, Beethovena.

Takže během prvního půlstoletí existence nového žánru se objevil jasný strukturální a dramatický model, který dokázal pojmout různorodý a velmi významný obsah. Základem tohoto modelu byla forma zvaná sonáta nebo sonata allegro, protože byla nejčastěji psána v tomto tempu a později typická jak pro symfonii, tak pro instrumentální sonátu a koncert. Jeho zvláštností je skládání různých, často kontrastních hudebních témat. Tři hlavní části sonátové formy – expozice, vývoj a repríza – připomínají začátek, vývoj akce a rozuzlení. klasické drama. Po krátkém úvodu nebo hned na začátku expozice jsou divákům představeny „postavy“ hry.

První hudební téma, které zazní v hlavní tónině díla, se nazývá hlavní téma. Častěji - hlavní téma, ale správněji - hlavní část, protože uvnitř hlavní strana, tedy určitý segment hudební formy, spojený jednou tonalitou a obrazným společenstvím, se postupem času začala objevovat ne jedna, ale hned několik různých melodií. Po hlavní šarži, u raných vzorků přímým srovnáním a u pozdějších prostřednictvím malé spojovací šarže, začíná sekundární šarže. Jeho téma nebo dvě nebo tři různá témata kontrastují s hlavním. Nejčastěji je boční část více lyrická, měkká a ženská. Zní v jiné tónině než hlavní, vedlejší (odtud název partu). Objevuje se pocit nestability a někdy konflikt. Výstava končí závěrečnou částí, která v raných symfoniích buď chybí, nebo hraje čistě pomocnou roli jakási pointa, opona po prvním dějství hry, a následně, počínaje Mozartem, nabývá významu nezávislý třetí obrázek spolu s hlavním a vedlejším.

Střední úsek sonátové formy je vývoj. Jak vyplývá z názvu, jsou v ní rozvíjena, proměňována a vyvíjena hudební témata, se kterými se posluchači na výstavě (tedy dříve vystavené) seznámili. Zároveň se někdy zobrazují z nových nečekané strany, jsou modifikovány, izolovány od nich individuální motivy- ty nejaktivnější, které se později srazí. Rozvoj je dramaticky efektivní úsek. Na konci přichází vyvrcholení, které vede k repríze – třetí části formy, jakési rozuzlení dramatu.

Název této sekce pochází z francouzské slovo reprendre — obnovit. Jde o obnovu, opakování expozice, ale upravenou: obě části nyní znějí v hlavní tónině symfonie, jakoby byly vývojovými událostmi sladěny. Někdy jsou v repríze další změny. Lze jej například ořezat (aniž by v expozici zaznělo žádné téma), zrcadlit (nejprve zazní boční část a teprve poté hlavní část). První část symfonie obvykle končí codou - závěrem, který zakládá hlavní tonalitu a hlavní obraz sonáty allegro. V raných symfoniích je coda malá a je v podstatě poněkud rozvinutou závěrečnou částí. Později, například u Beethovena, nabývá významných rozměrů a stává se jakýmsi druhým vývojem, v němž se afirmace opět dosahuje bojem.

Tato forma se ukázala jako skutečně univerzální. Od dob symfonie až po současnost úspěšně ztělesňuje nejhlubší obsah, zprostředkovává nepřeberné množství obrazů, myšlenek a problémů.

Druhá část symfonie je pomalá. To je obvykle lyrický střed cyklu. Jeho tvar se liší. Nejčastěji je třídílný, to znamená, že má podobné vnější úseky a kontrastní střední úsek, ale může být napsán i ve formě variací nebo jiné formy, až po sonátu, která se strukturou liší od prvního alegra. pouze v pomalejším tempu a méně efektivním vývoji.

Třetí věta je menuet v raných symfoniích a scherzo od Beethovena po moderní dobu, zpravidla komplexní třídílná forma. Obsah této části se v průběhu desetiletí upravoval a komplikoval, od každodenního nebo dvorního tance přes monumentální mocná scherza 19. století a dále až po hrozivé obrazy zla a násilí v symfonických cyklech Šostakoviče, Honeggera a dalších symfoniků. 20. století. Počínaje druhým poloviny 19. století století scherzo stále více mění místa s pomalou větou, která se v souladu s novým pojetím symfonie stává jakousi duchovní reakcí nejen na události prvního dílu, ale i na figurativní svět scherza ( zejména v Mahlerových symfoniích).

Finále, které je závěrem cyklu, je v raných symfoniích často psáno ve formě rondové sonáty. Střídání veselých epizod jiskřících zábavou s neustálým tanečním refrénem - taková struktura přirozeně vyplývala z povahy obrazů finále, z jeho sémantiky. Postupem času, s prohlubováním problémů symfonie, se začaly měnit vzorce struktury jejího finále. Začalo se objevovat finále sonátová forma, ve formě variací, ve volné formě a konečně - s oratorními prvky (se zařazením sboru). Změnily se i jeho obrazy: nejen životní afirmace, ale někdy i tragické vyústění (Čajkovského Šestá symfonie), smíření s krutou realitou nebo únik z ní do světa snů, iluze se staly obsahem finále symfonického cyklu v posledních sto let.

Vraťme se ale na začátek slavné cesty tohoto žánru. Poté, co se objevil v polovině 18. století, dosáhl klasického dokončení v díle velkého Haydna.

(fde_message_value)

Symfonie

Symfonie(z řečtiny" souzvuk") - žánr symfonické instrumentální hudby vícedílné kanonizované formy zásadního ideového obsahu.

Symfonie je obvykle skladba pro orchestr, která se obvykle skládá z několika vět. Jedná se o jeden z nejdůležitějších žánrů evropská hudba. V moderním smyslu se slovo „symfonie“ začalo používat relativně nedávno, v 70. letech. XVIII století, ale sama je velmi starověkého původu.

„Symfonie“ znamená v řečtině „harmonie“. V starověku takto se nazýval zpěv sboru nebo souboru v unisonu, stejně jako jakákoli harmonická, eufonická kombinace tónů. Ve středověku toto slovo zmizelo z používání a jeho nový život začal v renesanci. Ale nyní slovo „symfonie“ mělo jiný význam. V hudbě renesance byly běžné vícehlasé vokální skladby - madrigaly, canzones. Obvykle začínaly instrumentálním úvodem, kterému se říkalo symfonie. Když v 17. stol. Když opera vznikla, začínala také symfonií – později se takový úvod změnil v předehru.

V 18. stol symfonie se postupně oddělovala od vokální hudba a začala jeho samostatná existence. Klasický vzhled získal v letech 1780-1790. v dílech velikánů rakouští skladatelé J. Haydn a W. A. Mozart. Od této doby začala brilantní cesta symfonie v evropské a světové hudbě a právě tehdy se stala nejdůležitějším, ústředním žánrem hudební tvořivosti.

Klasická symfonie se skládá ze čtyř kontrastních vět. Společně tvoří sonátově-symfonický cyklus. Cyklická struktura umožňuje skladateli vyjádřit různé pocity a nálady, vytvořit hudebně zobecněný obraz doby. Symfonie Mozarta, L. Beethovena, L. I. Čajkovského, J. Brahmse, G. Mahlera, D. D. Šostakoviče nám dávají příležitost zažít neopakovatelnou atmosféru doby, stejně jako to dělá román nebo divadelní hra.

První část klasická symfonie- energický, efektivní, rychlým tempem, zpravidla zaujímá dominantní postavení v cyklu. Skladatelé pro něj volí jednu z nejsložitějších forem – sonátu. Sonátová forma umožňuje srovnávat kontrastní, až protichůdné obrazy - hrdinské a lyrické, ponuré a jasné, slavnostní a něžné. Tyto obrazy se pak vyvíjejí, mění a v důsledku toho nabývají nová postava, nové funkce. První část symfonie se proto vyznačuje především svou rozmanitostí a bohatostí.

Druhá část je obvykle pomalá. Jeho charakter určují lyrické, kontemplativní nálady, obsahuje melodie blízké písním a romancím. To je oddechovka po turbulentních událostech prvního dílu. Existují ale i odchylky. Například v jedné z Haydnových symfonií a v Beethovenově „Eroické symfonii“ ve druhé větě zní pohřební pochod, truchlivý a majestátní.

Třetí větou v symfoniích Haydna a Mozarta je menuet. Menuety v klasických symfoniích jsou jako skici, obrázky z přírody. Haydnovy menuety jsou plné lidové zábavy, blízké selským tancům; v Mozartovi jsou lyrické, někdy s nádechem dramatické vážnosti. Beethoven nahradil menuet scherzem – hudbou svižné, živé povahy, často s humorným přesahem.

Čtvrtá část je finále. Stejně jako první je psána svižným tempem, ale vnitřně není tak kontrastní. Jestliže smysl první části spočívá v rozporuplném srovnání obrazů a dramatického vývoje děje, pak ve finále přichází na řadu výpověď a shrnutí. Není náhodou, že finále jsou často psána formou ronda, založeného na kruhovém návratu stejného tématu, tedy na proklamaci stejné hudební myšlenky. Současně se sonátově-symfonickým cyklem orchestrální skladba, pro kterou vznikly symfonie, - symfonický orchestr.
Beethovenovo dílo je právem považováno za vrchol v historickém vývoji symfonie. Každá z jeho symfonií je novou, individuální verzí žánru, každá obsahuje celý svět filozofických myšlenek a je výsledkem skladatelovy tvrdé myšlenkové práce.

Začíná Beethovenova 9. symfonie, která korunuje jeho kariéru nová stránka v historii žánru. V závěrečné části zazní óda „Na radost“ od F. Schillera, potvrzující myšlenku univerzálního bratrství lidstva. Tato myšlenka, ústřední v Beethovenově díle, je proklamována v mohutném zvuku sboru a orchestru. Tak se symfonie stává vokální. Zdědili ji skladatelé dalších generací: vokální symfonie psali G. Berlioz, Mahler, A. N. Skrjabin, I. F. Stravinskij, Šostakovič.

Poetický text upřesňuje obsah symfonie a taková díla patří k programní hudbě. Symfonický program Může se to také stát, pokud jej skladatel jednoduše předpíše názvem. Podobné práce Měl je i Haydn, například původní “Farewell Symphony”, která končí postupným odchodem muzikantů. V Beethovenově 6. (Pastorální) symfonii je všech pět vět pojmenováno. Vidíme, že programový plán přiměl Beethovena k navýšení počtu částí v symfonii a odklonu od klasické výstavby cyklu. Pozdější skladatelé ještě volněji nakládají s formou symfonie, zvyšují počet částí nebo naopak komprimují cyklus do jedné věty. Pokaždé je to spojeno s myšlenkou kompozice, s individuálním plánem.
Největšími symfoniky po Beethovenovi jsou F. Schubert, Brahms, A. Bruckner, A. Dvořák, Mahler.

Světový význam má symfonické dědictví ruských skladatelů - Čajkovského, A. P. Borodina, A. G. Glazunova, Skrjabina, S. V. Rachmaninova. Jejich velké tradice doznaly bohatého a živého rozvoje v dílech sovětských skladatelů všech generací – N. Ja Mjaskovského, S. S. Prokofjeva. A. I. Chačaturjan, T. N. Khrennikovová, K. A. Karaev, Y. A. Ivanov, F. M. Amirov a další mistři. Největším symfonistou naší doby byl Šostakovič. Jeho 15 symfonií je skutečnou kronikou 20. století.

Vzhledem k podobnosti struktury se sonátou jsou sonáta a symfonie spojeny pod obecným názvem „sonátově-symfonický cyklus“. Klasická symfonie (jak je zastoupena v dílech vídeňských klasiků – Haydna, Mozarta a Beethovena) má obvykle čtyři věty. 1. věta v rychlém tempu je napsána sonátovou formou; 2., v pomalé větě, je psána ve formě variací, rondo, rondo sonáta, složitá třívětá, méně často ve formě sonáty; 3. - scherzo nebo menuet - v třídílné formě da capo s triem (tedy podle schématu A-trio-A); 4. věta, v rychlém tempu - v sonátové formě, ve formě ronda nebo rondové sonáty.

Programová symfonie je taková, která je spojena se známým obsahem uvedeným v programu (vyjádřeným například v názvu nebo epigrafu), například „ Pastorační symfonie„Beethoven, Berliozova Symphony Fantastique atd. Jako první uvedli program do symfonie Dittersdorf, Rosetti a Haydn.

Trvalá adresa článku: Symphony. Co je to symfonie

Sekce webu

Fórum elektronické hudby

Co je toccata

Toccata (italsky toccata z toccare – dotyk, zatlačení) – původně jakákoliv práce pro klávesové nástroje, V moderní smysl- instrumentální kus rychlého, čistého pohybu stejně krátkého trvání. Obvykle je toccata napsána pro klavír nebo varhany, ale existují i...

Slovo "symfonie" přeloženo z řečtiny jako „souzvuk“. A skutečně, zvuk mnoha nástrojů v orchestru lze nazvat hudbou pouze tehdy, když jsou v melodii, a ne každý vytváří zvuky sám o sobě.

Ve starověkém Řecku to byl název pro příjemnou kombinaci zvuků, společných zpěvů. V Starověký Řím Tak se tomu souboru nebo orchestru začalo říkat. Ve středověku se světská hudba obecně a některé hudební nástroje nazývaly symfonií.

Slovo má jiné významy, ale všechny nesou význam spojení, zapojení, harmonická kombinace; např. symfonie se také nazývá symfonie vzniklá v Byzantská říše princip vztahu církve a světské vrchnosti.

Dnes ale budeme mluvit pouze o hudební symfonii.

Odrůdy symfonie

Klasická symfonie- toto je hudební skladba v sonátě cyklická forma, určený pro provedení symfonického orchestru.

Symfonie (kromě symfonického orchestru) může zahrnovat sbor a zpěv. Existují symfonie-suity, symfonie-rhapsodie, symfonie-fantasy, symfonie-balady, symfonie-legendy, symfonie-básně, symfonie-rekviem, symfonie-balety, symfonie-dramata a divadelní asymphonie jako symfonie.

Klasická symfonie má obvykle 4 věty:

první část - v rychlé tempo(allegro ) , v sonátové formě;

druhá část - in pomalu, obvykle ve formě variací, rondo, rondo sonáta, složitá třívětá, méně často ve formě sonáty;

třetí díl - scherzo nebo menuet- v trojdílné formě da capo s triem (tedy podle schématu A-trio-A);

čtvrtá část - in rychlé tempo, v sonátové formě, v rondové nebo rondosonátové formě.

Ale jsou symfonie s méně (nebo více) částmi. Nechybí ani jednověté symfonie.

Program Symphony je symfonie s konkrétním obsahem, který je uveden v programu nebo vyjádřen v názvu. Pokud má symfonie název, pak je tento název minimálním programem, například „Symphony Fantastique“ od G. Berlioze.

Z historie symfonie

Tvůrce klasický tvar se uvažuje o symfoniích a orchestracích Haydn.

A prototypem symfonie je Ital předehra(instrumentální orchestrální skladba, uváděný před začátkem jakéhokoli představení: opera, balet), který se rozvinul koncem 17. stol. Významně se na vývoji symfonie podíleli Mozart A Beethoven. Tyto tři skladatelé nazývané „vídeňská klasika“. vídeňská klasika vytvořil vysoký typ instrumentální hudby, ve které je veškeré bohatství figurativního obsahu ztělesněno v dokonalosti umělecká forma. S touto dobou se kryl i proces formování symfonického orchestru - jeho stálé složení a orchestrální skupiny.

V.A. Mozart

Mozart psal ve všech formách a žánrech, které existovaly v jeho době, zvláštní význam přikládal opeře, ale velkou pozornost věnoval i symfonické hudbě. Vzhledem k tomu, že po celý život paralelně pracoval na operách a symfoniích, jeho instrumentální hudba se vyznačuje melodičností operní árie a dramatického konfliktu. Mozart vytvořil více než 50 symfonií. Nejoblíbenější byly poslední tři symfonie – č. 39, č. 40 a č. 41 („Jupiter“).

K. Schlosser "Beethoven v práci"

Beethoven vytvořil 9 symfonií, ale z hlediska vývoje symfonické formy a orchestrace jej lze označit za největšího symfonického skladatele klasického období. V jeho 9. symfonii, nejslavnější, jsou všechny její části sloučeny v jeden celek průřezovým tématem. Beethoven v této symfonii uvedl vokální party, po kterých to začali dělat další skladatelé. V podobě symfonie řekl nové slovo R. Schumann.

Ale již v druhé polovině 19. stol. přísné formy symfonie se začaly měnit. Čtyřdílný systém se stal volitelným: objevil se jednodílný symfonie (Mjaskovskij, Boris Čajkovskij), symfonie od 11 dílů(Šostakovič) a dokonce z 24 dílů(Hovaness). Klasické finále v rychlém tempu vystřídalo pomalé finále (Šestá symfonie P.I. Čajkovského, Mahlerova Třetí a Devátá symfonie).

Autory symfonií byli F. Schubert, F. Mendelssohn, J. Brahms, A. Dvořák, A. Bruckner, G. Mahler, Jean Sibelius, A. Webern, A. Rubinstein, P. Čajkovskij, A. Borodin, N Rimskij- Korsakov, N. Mjaskovskij, A. Skrjabin, S. Prokofjev, D. Šostakovič a další.

Jeho složení, jak jsme již řekli, se formovalo v éře vídeňské klasiky.

Základem symfonického orchestru jsou čtyři skupiny nástrojů: skloněné struny(housle, violy, violoncella, kontrabasy), dřevěné dechové nástroje(flétna, hoboj, klarinet, fagot, saxofon se všemi jejich druhy - starověká zobcová flétna, šál, chalumeau atd., stejně jako řada lidových nástrojů - balaban, duduk, zhaleika, flétna, zurna), mosaz(lesní roh, trubka, kornet, křídlovka, pozoun, tuba), bubny(timpány, xylofon, vibrafon, zvonky, bubny, triangl, činely, tamburína, kastaněty, tom-tom a další).

Někdy jsou v orchestru zahrnuty další nástroje: harfa, klavír, orgán(klávesnice a vítr hudební nástroj, největší typ hudebního nástroje), celesta(malý klávesový bicí hudební nástroj, který vypadá jako klavír a zní jako zvonky), cembalo.

Cembalo

Velký symfonický orchestr může zahrnovat až 110 hudebníků , malý- ne více než 50.

O tom, jak orchestr posadí, rozhoduje dirigent. Uspořádání interpretů v moderním symfonickém orchestru směřuje k dosažení koherentní znělosti. Za 50-70 let. XX století se rozšířilo "Americké sezení": první a druhé housle jsou umístěny vlevo od dirigenta; vpravo jsou violy a violoncella; v hlubinách jsou dřevěné a žesťové dechy, kontrabasy; vlevo jsou bubny.

Uspořádání sedadel hudebníků symfonického orchestru

Longread" Symfonická hudba» ve službě Tilda

http://projekt134743. tilda. ws/ strana621898.html

Symfonická hudba

Hudební díla, určený pro provedení symfonického orchestru.

Skupiny nástrojů symfonický orchestr:

Mosaz: trubka, tuba, pozoun, lesní roh.

Dřevěné dechové nástroje: hoboj, klarinet, flétna, fagot.

Struny: housle, viola, violoncello, kontrabas

Perkuse: basový buben, malý buben, tamtam, tympány, Celesta, tamburína, činely, kastaněty, maracas, gong, trojúhelník, zvonky, xylofon

Další nástroje symfonického orchestru: Varhany, Celesta, Cembalo, Harfa, Kytara, Klavír (Royal, Piano).

Charakteristiky zabarvení nástrojů

Housle: Jemné, lehké, jasné, melodické, jasné, teplé

Viola: Matná, jemná

Violoncello: Bohaté, husté

Kontrabas: Tupý, drsný, ponurý, tlustý

Flétna: Pískání, zima

Hoboj: Nosní, nosní

Klarinet: Kartáčovaný, nosní

Fagot: Stlačený, tlustý

Trumpeta: Lesklá, světlá, lehká, kovová

Roh: Kulatý, měkký

Pozoun: Kovový, ostrý, silný.

Tuba: Tvrdá, hustá, těžká

Hlavní žánry symfonická hudba:

Symfonie, suita, předehra, symfonická báseň

Symfonie

- (z řečtiny symfonie - "souzvuk", "shoda")
přední žánr orchestrální hudby, komplexní, bohatě rozvinuté vícedílné dílo.

Vlastnosti symfonie

Jedná se o hlavní hudební žánr.
— Doba přehrávání: od 30 minut do hodiny.

Základy charakter a interpret - symfonický orchestr

Struktura symfonie (klasická forma)

Skládá se ze 4 částí, které ztělesňují různé aspekty lidského života

Část 1

Rychlý a nejdramatičtější, někdy mu předchází pomalý úvod. Psáno v sonátové formě, v rychlém tempu (allegro).

část 2

Mírumilovný, přemýšlivý, oddaný pokojným obrazům přírody, lyrickým zážitkům; truchlivé nebo tragické nálady.
Zní zpomaleně, psané formou ronda, méně často formou sonáty popř variační formulář.

Část 3

Tady je hra, zábava, obrázky lidový život. Jedná se o scherzo nebo menuet v tripartitní formě.

část 4

Rychlé finále. V důsledku všech částí se vyznačuje vítězným, slavnostním, slavnostním charakterem. Píše se v sonátové formě nebo ve formě ronda, rondosonáty.

Ale jsou symfonie s méně (nebo více) částmi. Nechybí ani jednověté symfonie.

Symfonie v dílech zahraničních skladatelů

- Franz Joseph Haydn (1732 - 1809)

108 symfonií

Symfonie č. 103 „S tremolovými tympány“

Jeho jméno" s tremolovými tympány„Symfonie získala díky prvnímu taktu, ve kterém tympány hrají tremolo (italsky tremolo – chvění), připomínající vzdálené dunění hromu,
na tónickém zvuku E-flat. Tak začíná pomalý unisono úvod (Adagio) k první větě, která má hluboce soustředěný charakter.

- Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)

56 symfonií

Symfonie č. 40

Jedna z nejslavnějších posledních Mozartových symfonií. Velkou oblibu si symfonie získala díky své nezvykle upřímné hudbě, člověku srozumitelné. do širokého kruhu posluchači.
První část symfonie nemá úvod, ale hned začíná představením tématu hlavní části allegro. Toto téma je agitované povahy; Zároveň se vyznačuje svou melodičností a upřímností.

- Ludwig van Beethoven (1770—1827)

9 symfonií

Symfonie č. 5

Symfonie udivuje lakonismem svého podání, stručností forem, snahou o rozvoj a jako by se zrodila v jediném tvůrčím impulsu.
"Takhle nám osud klepe na dveře," řekl Beethoven
o úvodních taktech tohoto díla. Jasný expresivní hudba Hlavní motiv symfonie umožňuje interpretovat ji jako obraz zápasu člověka s ranami osudu. Čtyři věty symfonie jsou prezentovány jako fáze tohoto boje.

- Franz Schubert(1797—1828)

9 symfonií

Symfonie č. 8 "Nedokončená"

Jedna z nejpoetičtějších stránek v pokladnici světové symfonie, nové odvážné slovo v tomto nejsložitějším hudebním žánru, které otevřelo cestu k romantismu. Jde o první lyricko-psychologické drama v symfonický žánr.
Nemá 4 části, jako symfonie klasických skladatelů, ale pouze dvě. Dvě věty této symfonie však zanechávají dojem úžasné celistvosti a vyčerpání.

Symfonie v dílech ruských skladatelů

- Sergej Sergejevič Prokofjev (1891— 1953)

7 symfonií

Symfonie č. 1 "Klasická"

Říká se tomu „klasické“, protože zachovává si přísnost a logiku klasické formy 18. století a zároveň se vyznačuje moderním hudebním jazykem.
Hudba je plná ostrých a „pichlavých“ témat, rychlých pasáží, využívajících rysy tanečních žánrů (polonéza, menuet, gavota, cval). Ne náhodou vznikly choreografické skladby na hudbu symfonie.

- Dmitrij Dmitrijevič Šostakovič(1906—1975)

15 symfonií

Symfonie č. 7 "Leningrad"

V roce 1941 skladatel Symfonií č. 7 reagoval na hrozné události druhé světové války, věnované obléhání Leningradu ( Leningradská symfonie)
„Sedmá symfonie je báseň o našem boji, o našem nadcházejícím vítězství,“ napsal Šostakovič. Symfonie získala celosvětové uznání jako symbol boje proti fašismu.
Suchá, strohá melodie hlavního tématu a neustálé bubnování vytváří pocit bdělosti a úzkostného očekávání.

- Vasilij Sergejevič Kalinnikov (1866-1900)

2 symfonie

Symfonie č. 1

Kalinnikov začal psát svou první symfonii v březnu 1894 a dokončil ji přesně o rok později, v březnu 1895.
Symfonie nejživěji ztělesňovala rysy skladatelova talentu – duchovní otevřenost, spontánnost, bohatost lyrických citů. Ve své symfonii skladatel prostřednictvím ruské hudby oslavuje krásu a vznešenost přírody, ruský život, zosobňuje obraz Ruska, ruskou duši.

- Petr Iljič Čajkovskij (1840—1893)

7 symfonií

Symfonie č. 5

Zahájení symfonie je smutečním pochodem. „Naprostý obdiv k osudu... před nevyzpytatelným osudem,“ píše Čajkovskij ve svých konceptech.
Tak těžký způsob, jak překonat a vnitřní boj skladatel vítězí nad sebou samým, nad svými pochybnostmi, duševním nesouladem a zmatením citů.
Nosičem hlavní myšlenky je komprimované, rytmicky elastické téma s neustálou přitažlivostí k původnímu zvuku, které prochází všemi částmi cyklu.

"Účelem hudby je dotknout se srdcí"
(Johann Sebastian Bach).

"Hudba by měla vystřelit oheň z lidských srdcí"
(Ludwig van Beethoven).

"Hudba, i v těch nejstrašnějších dramatických situacích, by měla vždy zaujmout ucho, vždy zůstat hudbou."
(Wolfgang Amadeus Mozart).

"Hudební materiál, tedy melodie, harmonie a rytmu jsou jistě nevyčerpatelné.
Hudba je pokladnice, do které každá národnost přispívá svým vlastním, ke společnému prospěchu.“
(Pjotr Iljič Čajkovskij).

Milujte a studujte velké hudební umění. Otevře se vám celý svět vysokých citů, vášní, myšlenek. Udělá vás to duchovně bohatšími. Díky hudbě v sobě najdete nové přednosti, které pro vás byly dříve neznámé. Uvidíš život v nových tónech a barvách“
(Dmitrij Dmitrijevič Šostakovič).