Jak se liší malba od fotografie? Baleríny jsou nakreslené, tohle je Degas. Pozadí je jako z filmu „Pán prstenů“ s lehkou modrou mlhou
"Už dávno jsem si uvědomil, že pro umělecké kritiky je sebevyjádření důležitější než podstata."
Eldar Rjazanov
„Proč já, syn slavného moskevského malíře, trávím dětství a mládí mezi umělci, v jejichž sbírce více malování a grafika než v jiných regionální muzeum"Mám poslouchat kritiky umění, kteří nikdy nedrželi v ruce ani štětec?"
Alexander Gremitskikh
Wikipedia definuje pojem „obraz“ ve vztahu k malbě jako „umělecké dílo, které má úplný charakter (na rozdíl od skici nebo skici) a nezávislé uměleckou hodnotu." Pojmy „studie“, „náčrtek“ a „náčrtek“ ve vztahu k malbě jsou na Wikipedii obecně shrnuty a redukovány na jeden koncept – skica, přípravný materiál pro umělcovu skutečnou malbu.
Podívejme se, zda je to pravda v praxi:
Je třeba říci, že veškerá umělecká terminologie se vyvíjela již v 19. století, ne-li ještě dříve. V těch dobách nejen u nás, ale v celé Evropě měli slušní lidé mluvit výhradně francouzsky, o čemž svědčí dodnes používaná terminologie v malířství. Slovo „studie“ tedy pochází z francouzského „étude“ a „sketch“ – například z francouzského „esquisse“. Klienti malířů bydleli většinou ve velmi prostorných, přinejmenším prostorech, které vyžadovaly výzdobu obrovskými plátny, která se přirozeně nedala namalovat ze života. Je jasné, že v takových podmínkách byl oceňován pouze konečný produkt - celkový obraz (ale mimochodem byl placen výhradně). Jelikož nikoho nenapadlo pověsit na zeď přírodniny, k nimž skici přísně vzato patří, nebylo možné na ně sehnat peníze, a proto, pokud byly malované, tak jen jako podpůrný obrazový materiál pro některé velké obrazy a měly ještě menší význam než skici, které byly pečlivě sepsány, protože musely být předloženy zákazníkovi ke schválení.
Právě sem od „dob Očakova a dobytí Krymu“ migrovaly dávno zastaralé definice umělecké termíny na Wikipedii! Ano, a bohužel také do jiných slovníků a odtud - do našich hlav.
Nicméně, tím konce 19. století století se s demokratizací společnosti dramaticky změnily názory na to, jaký konečný produkt v malbě může takříkajíc být. Pokud byla francouzským impresionistům stále vyčítána útržkovitost jejich děl, pak A.K. Savrasov povzbuzoval své studenty, aby se „učili od přírody“. Z ruských umělců se právě svými skicami z přírody proslavil například Konstantin Korovin, který prakticky vůbec nemaloval tematické obrazy. Žijeme již ve 21. století, ale ve vztahu k malbě nadále používáme chápání její terminologie z doby před 200 lety, paradox, a to je vše!
Nepochopení nejjednodušších pojmů malby, používaných v běžné řeči, na základě jejich tak dávného chápání, záměrně vnuceného široké veřejnosti respektovanými kritiky umění, kteří, jak je zcela zřejmé, ODBORNĚ nic o umění nerozumí, je schopný způsobit obyčejný člověk do slepé uličky. Proto bych se v tomto článku rád zamyslel nad hlavními běžně používanými pojmy v malbě ve vztahu k naší současné situaci.
VÝZNAM SLOVA „PIŠTE“(s důrazem na druhou slabiku, samozřejmě)
V ruštině má slovo „psát“ základní význam „psaní písmen a číslic“. Profesionálové v malbě používají jako termín slovo „malování obrazu“. Řekne-li umělec: „Namaloval jsem obraz,“ pak v tomto případě nepoužívá odbornou terminologii, ale prostě mluví běžným jazykem, např. obyčejní lidé, nesouvisí s umělecká činnost. V terminologickém pojetí malují uhlem, sangvinikem, tužkou, pastelem, nikoli však olejomalbou. "Tento obraz od umělce je namalován olejem," může říci jen člověk, který má daleko k malbě. A není na tom nic hrozného, není to tak důležité. Nezáleží také na tom, že nevíte, co je kraplak červený nebo kadmium žlutý a nikdy jste neslyšeli o žádné umbrové nebo pálené siéně. Tituly umělecké barvy, které přesně označují určité barvy (koneckonců červená, žlutá a modrá jsou různé), není pro neodborníka absolutně nutné znát a historici umění do tak úzce odborných přesných pojmů nezasahují.
Ale tito pánové, kteří „umění znají“, nebo jednodušeji řečeno kritici, tedy novináři píšící na téma umění, úspěšně vnutili všem ostatním lidem mylnou myšlenku, že umění, jak říkají, „je třeba rozumět. “ Kdo se vyzná v umění? Samozřejmě nikdo kromě uměleckých kritiků!
Tak nám bylo úspěšně vysvětleno, že v výtvarné umění Vy a já nic nevíme ani nerozumíme. A nejzajímavější je, že s tím naprosto souhlasíme! Koho se můžete zeptat: „Nerozumím malbě“, „Nerozumím umění“... a podobně.
Co je na tom vlastně k pochopení? Umění, včetně výtvarného, je vytvořeno pro nás, obyčejní lidé, a ne pro „specialisty“, apeluje na estetiku, která je od přírody vlastní každému z nás. V umění jsou pro diváka, čtenáře, posluchače pouze dvě kritéria – líbí a nelíbí. Budete číst nudnou knihu? Podívejte špatný film nebo divadelní představení? Budete poslouchat operu, hudbu nebo písničku, která se vám nelíbí? Považujete Kazimira Maleviče za skvělého umělce a Velimira Chlebnikova - geniální básník? Žádný? Bravo! Máte velké pochopení pro umění!
Ale abychom vy a já mohli, jak řekl Petr, „být rozeznáni od jiných nevědomých bláznů“, je ještě nutné porozumět několika běžným pojmům, které se často vyskytují v každodenní řeči a které se v tomto případě týkají malby. .
MATERIÁL PRO UMĚLCOVU OBRAZ
Neprofesionálové, na návrh stejných uměleckých kritiků, tomu obvykle věří skutečný obrázek olejomalba by se měla malovat výhradně na plátno a ostatní podklady jako umělecký karton si obecně nezaslouží pozornost. Pak by „Mona Lisa“ neměla být ani považována za obraz, protože Leonardo k práci použil lipové desky.
Karton opatřený základním nátěrem, aby se do něj nevsákly barvy, s bílou hmotou, tzv. základním nátěrem skládajícím se z křídy a lepidla, případně barevným základním nátěrem, pokud to umělec vyžaduje, tedy speciální uměleckou lepenkou, je překvapivě vhodný pro práce, zejména v plenéru. Karton je kompaktní, poměrně hustý materiál, který na rozdíl od plátna nepruží pod tlakem štětce. Plátno se vlivem změn teploty a vlhkosti v místnosti buď propadá, nebo se natahuje, barvy na něm se proto časem drolí, na kartonu ne. Malba na karton je odolná jako karton sám a karton svou odolností dokonce předčí plátno.
Totéž lze říci o sololitu, i když je mnohem těžší než lepenka. Sovětští umělci si sololit často opatřili základním nátěrem sami, nebo dokonce jednoduše, aby se malovalo pohodlněji a štětec se nevracel, na sololit speciálně nalepili základní plátno. Tady to máš zářný příklad, zátiší s šeříky docela velikost obrázku:
A co plátno? Umělci výhradně s ním Ruské impérium pracoval až do roku 1862, kdy ruský průmysl začal vyrábět uměleckou lepenku.
Plátno vyžaduje těžká nosítka plus pořádný úsek plátna na něm. V tomto případě musíte po dokončení práce dlouho počkat, než barva zaschne, jinak nelze plátno srolovat, protože se mokré barvy slepí a obraz se zcela zničí. Barvy mohou schnout celý měsíc. To je místo, kde umělec začíná mít nucené odstávky. Pro přepravu se obraz, je-li velký, vyjme z nosítek a opatrně se převalí na velkou babku s obrazem nahoru, aby se obraz nepoškodil. Další fáze je po dodání na místo, plátno opět natáhnout na nosítka, správně, bez deformací, vrásek v rozích a prověšení, ale také bez nadměrného pnutí (to vše může poškodit i vrstvu malby). A časem se plátno natažené na nosítkách vlivem změn vlhkosti a teploty může prohýbat nebo naopak příliš natahovat, což může hrozit i protržením plátna. To zase může způsobit drolení vrstvy barvy, zničení nebo zničení malby. Proto v halách a skladech umělecká muzea proto přísně sledují stálost vlhkosti a teploty.
Umělecká lepenka má mnoho výhod. Je lehký a při pobytu venku ho lze umístit do speciálního dřevěného rámu se svorkami, který má nahoře držadlo na opasek pro přenášení. Představu o tomto užitečném zařízení dává nákres dochovaný v papírech mého otce takového rámu pro skici, který si můj otec objednal u nějakého truhláře. Tady je nákres:
Někdy si s sebou malíř vezme dva kusy kartonu na skici. Nejprve se použije jedna a poté if
změnilo se osvětlení nebo nálada nebo zaujal nějaký jiný motiv, umělec vezme druhý karton a píše na něj. Po dokončení práce otočí kartony, ještě neopracované malbou, dovnitř rámu a zajistí je svorkami. Kartony se navzájem nedotýkají. Obraz zůstává neporušený a nepoškozený. Uschne v dílně.
Proto po roce 1862, kdy byla zřízena průmyslová výroba základním nátěrem uměleckého kartonu, malíři postupně začali chodit na plenér s kartonem stále více.
Pánové kritici umění, kteří o tom všem vůbec nic nevědí a sami nenapsali ani jeden náčrt, se k uměleckému kartonu chovají s despektem, z nějakého důvodu považují malbu na karton za zjevně nedokončenou, jen na základě toho, že je hlavně napsaná. na kartonových skicách, které, jak uvidíme dále, jsou vždy hotová, pečlivě zpracovaná díla, vyžadující často hodně práce. Navíc bylo vymyšleno i slovo „studium“, používané jako synonymum pro nedodělanost, nedbalost a...nedokončenost! Ale zeptám se, co má společného nedbalost provedení nebo neúplnost obrazu s tím, na čem je namalován? A nejsou tam skici na plátně?
Mimochodem, malba je ve stylu socialistického realismu Sovětský umělec Nikolai Ovchinnikov „Na podlaze obchodu“, který v září 2016 V.V. Putin dal D.A. Medveděv je napsán na kartonu.
Přísně vzato se nejedná o malbu, ale o celoplošnou skicu zhotovenou umělcem přímo v tovární dílně, ale o této terminologii bude řeč níže.
Nejdůležitější není materiál, na kterém je malba nanesena, ale to, jak umělec dokázal reflektovat realitu, náladu, své pocity a zprostředkovat je divákovi. Základní materiál, ať už je to plátno, karton, sololit, papír, lepenka nebo dokonce tenké pozinkované železo, s tím nemá nic společného. Důležitý je talent, zkušenosti a dobrá umělecká škola. Říká se, že v Abramtsevo S.I. Mamontov jednou změnil střechu svého domu. M.A. Vrubel sebral kus střešního železa a napsal na něj šeřík. Tak teď, není to Vrubel?
Zde je „Portrét D.P. Smirnova, dělníka manufaktury Trekhgornaya, zástupce Nejvyššího sovětu SSSR“
díla sovětského umělce Sergeje Fedoroviče Solovjova. Vyrábí se také na pozinkovaném železe. Portrét je vzhledem ke svým více než skromným rozměrům 37,5 x 31,5 cm a tak oficiálnímu názvu jednoznačně plnohodnotnou studií k velkému zakázkovému portrétu předního produkčního muže. Když model přišel do umělcova ateliéru pózovat, zřejmě neměl po ruce nic jiného, a tak namaloval kompletně hotovou malou portrét ženy, který byl tehdy snad s drobnými změnami přenesen na velké plátno.Někdy kvůli nedostatku všeho v té době sovětští umělci malovali olejovými barvami i na papír, který k tomu nebyl vůbec určen. Zejména můj otec to občas dělal. Potom, po smrti mého otce, jsem musel tento papír nalepit na karton. (Papír „Sníh na kartonu, olej; 61,5x82; 1969)
Proč, dokonce psali na pytlovinu z roztrhaných pytlů! A dobře to dopadlo!
Například práce mého otce je „předseda“. Její příběh je tento: její otec dostal služební cestu do jednoho z JZD v Altaji, někde u Bijsku, s úkolem napsat tamního předsedu, Hrdinu socialistické práce. V JZD samozřejmě nebylo žádné plátno, natož naimpregnované, takže táta roztrhl nějaký obrovský pytel, natáhl ho na improvizovaná nosítka, která se hned dala dohromady, namaloval pytlovinu a namaloval portrét předsedy. Následně, 50 let po událostech, jsem musel tuto práci přetáhnout na již normální nosítka.
Nebo tady podzimní krajina„Crimson Autumn,“ napsal můj otec kdesi v odlehlé vesnici a také použil podobnou technologii:
Tedy: POKUD MALUJETE OBROVSKÝ MNOHOMETROVÝ OBRAZ, chtě nechtě jej budete muset namalovat na plátno VÝHRADNĚ Z ÚVAHY NÁSLEDNÉ DOPRAVY, nikoli proto, aby měl uměleckou hodnotu!
V ostatních případech je jedno, na co psát, jinak ty první koupené P.M. Treťjakov dvě ETUDY od M.A. Vrubel NA KARTONU, nevadí uměleckou hodnotu neměl tušení.
SKICY A SKICY
Skica je koneckonců, ať si říkáte cokoli, úplně hotová, relativně malá velikost v plném rozsahu dílo, které bylo provedeno v plenéru (krajina) nebo řekněme v ateliéru (zátiší, portrét) a je zcela samostatnou tvorbou. Náčrtky lze ale v budoucnu využít i k namalování velkého obrazu, někdy i obrovského mnohametrového plátna, což je možné pouze v dílně. Skica, zejména pro krajiny, má nejčastěji rozměry, zhruba řečeno, nepřesahující 60 x 80 cm, tedy velikost vhodnou pro nošení jednou osobou. Zde je příklad takového náčrtu v plném měřítku:
Náčrt může být studie o jednom sezení, napsaná v jednom sezení, tedy v jeden den. Ale to se stává poměrně zřídka, mnohem častěji etuda vyžaduje několik, nebo dokonce mnoho sezení. Skica pro více relací, zejména pokud se jedná o krajinu v plném měřítku, někdy vyžaduje několik let práce. Většinou se tak stane, když se prudce a dlouhodobě změní počasí a kýžený stav se nyní dostaví příští rok. No, například píšete zlatý podzim Na ostrém slunci zbývá ještě pár seancí, ale tady prší celý měsíc a nevyhnutelně na toto místo budeme muset příští rok přijet.
Tedy, skica je dílo v plném rozsahu, dokončené umělecké dílo, na kterém malíř vynaložil značné množství práce, tedy v běžné řeči dokončená olejomalba je poměrně velká velikost.
Samozřejmě existují i nedokončené skici, ale nedokončený může být i mnohametrový velký obraz. Jak tedy vidíme, myšlenka respektovaných uměleckých kritiků, že skica je jistě něco nedokončeného a bezvýznamné umělecké hodnoty, je již dávno zastaralá, po více než 100 letech ztratila svůj dřívější význam, který bohužel pevně vložili do nám do hlavy, a to, co se odráží, bohužel, i ve slovnících, dnes už dávno nemá sebemenší základ.
SKICA
Skica se od skici liší tím, že se vždy dělá pouze jako příprava na velký tematický obraz ( vícefigurová kompozice na konkrétní téma. Například „Ráno popravy Streltsy“ od Surikova). Úplnost není v náčrtu vždy přítomna a v tomto případě má charakter náčrtu. Porovnejme dva skici k velké práce Sovětská umělkyně Claudia Tutevol. V prvním případě byla skica vytvořena pro sebe, jako pracovní materiál (náčrt panelu pro pavilon Space na VDNKh)
Ve druhém případě (Skica stropního stropu Divadla opery a baletu Abay v Almaty) byla skica zhotovena ke schválení uměleckou radou, o čemž svědčí podpisy a razítka v levé dolní a horní části skici. Tudíž je to úplně hotové a hotové, žádná útržkovitost, tzn. Není tu cítit nedbalost nebo nedodělky. Například v architektuře by to byl model odpovídající architektonické struktury.
Skica k obrazu může být zcela hotový, a to i pečlivě nakreslený či nakreslený obraz ruky, nohy, ucha, obličeje, postavy nebo hlavy člověka, koně, psa, jiných zvířat, nebo třeba traktoru, náklaďáku, jakýkoli předmět nebo kus oblečení, všechno uvnitř momentálně Malíř se obecně zajímá o cokoli, co lze zahrnout do umělcova budoucího velkého obrazu. To vše se navíc někdy vejde na stejný kus plátna, kartonu nebo sololitu.
Takové náčrty, někdy nedokončené, nedbale, narychlo provedené, se také nazývají náčrtky, to znamená to, co umělec v procesu koncipování velké vícefigurální kompozice „nakreslil“ na list papíru, kartonu, plátna atd.
Kromě toho se náčrtům také říká rychlé náčrty vytvořené umělcem spontánně, pod vlivem okamžiku. Příkladem je skica V.G. Gremitskikh "Away" 25,5x17 papír, tužka; 40. léta 20. století.
V.G. Gremitskikh "Away" papír, tužka; 25,5x17; 40. léta 20. století |
Jak vidíme, umělec na první balicí papír, který mu přišel pod ruku, načrtl jen pro sebe s jednoduchou tužkou, také zřejmě narazil na žánrovou scénu, kterou pozoroval.
Ale moskevský umělec Igor Radoman namaloval mého otce, jak odpočívá na posteli někde v domě umělců „Academic Dacha“:
Umělci na nejrůznějších setkáních a setkáních, kterých bylo v sovětských dobách mnoho, se neustále nudili a bavili se tím, že si navzájem kreslili tužkou. Mám ve své sbírce mnoho podobných skic od různých umělců.
Skicu lze udělat nejen tužkou, ale také olejovými barvami, sangvinikem, pastelem, uhlem, perem a čímkoli, dokonce i propiskou, protože skutečný umělec nemůže bez své profese žít ani minutu. Pro realistické umělce je to prostě nějaká profesionální mánie na úrovni podmíněného reflexu, vyžadující neustálý trénink, zdokonalování dovedností, což ve skutečnosti odlišuje skutečného umělce, který každý den a každou hodinu věnuje umění celý svůj život. , od tzv. „moderních“ umělců a avantgardistů, kteří nemusí umět nic, a proto není třeba žádné školení – není zručnost, není co pilovat, jen malovat čtverce a trojúhelníky!
Mimochodem, skica, v závislosti na době, kterou má umělec na dokončení, se může proměnit ve zcela hotovou kresbu. Tady máme úplně hotovo dětský portrét tužkou „Volodya ve hře“ od muromského malíře Vasilije Vasiljeviče Serova, ale přesto je to skica!
Náčrtky jsou pomocníkem v procesu umělcovy práce na velkém tématický obrázek. Náčrtky se dělají nejen v oleji, ale i uhlem nebo tužkou, temperou atp. Kromě toho může skica obsahovat celou budoucí velkou vícefigurová malba umělec.
Jako příklad můžeme uvést dvě skici k velkému tematickému obrazu „Velitelé občanské války“ od sovětského umělce Grigorije Gordona, který je ve skutečnosti skupinovým portrétem nejslavnějších rudých velitelů občanské války.
Nejprve se malíř rozhodl je všechny jednoduše seřadit na pozadí červeného praporu,
ale pak se mu tato skladba zdála nudná a rozhodl se ji poněkud zkomplikovat:
Jak vidíme, v tomto případě byly skici provedeny temperou a kromě toho i přes skicovitost obou děl, tzn. neúplnost a zdánlivá nedbalost provedení, všichni hrdinové budoucího velkého obrazu jsou docela rozpoznatelní. Jasně vidíme Vorošilova, Budyonnyho, Shchorse, Frunzeho, Chapaeva, Parkhomenka atd.
A zde je skica k velkému tematickému obrazu „Zatčení Alexandra Uljanova“ od již zmíněného muromského umělce V.V. Serova:
Výsledek se samozřejmě bude s největší pravděpodobností lišit od původního plánu. Opravdový umělec zpravidla nikdy nedostane z hlavy novou věc. Neustále se noří do tématu, které ho zajímá. Přemýšlí, mění názor, hodně pozoruje, čte příslušnou literaturu. Pokud budoucí tematický obraz obsahuje krajinu, jsou napsány odpovídající skici z přírody, které jsou následně, většinou v mírně upravené podobě, přeneseny na obraz. Někdy jsou jednotlivé detaily z několika celoplošných skic přeneseny do většího obrázku najednou.
Celoplošná skica je však na rozdíl od skici a skici dílem, jak jsme již viděli, samostatným a nutně zcela hotovým. Zde je pro vás názorný příklad. Když můj otec obdržel zakázku na velký tematický obraz „Lenin a Gorkij v Gorkách“, cestoval speciálně na jaře 1952 mnohokrát do Leninského Gorkého u Moskvy a namaloval tam dva velké skici, oba na plátno. Nejprve: „Gorki. Jaro. olej na plátně; 60 x 80 cm",
a pak - „V Gorkim Leninském, olej na plátně; 78,5 x 57 cm."
Následně, v posledním velkém obraze, vzal otec za základ druhou skicu, posunul schody trochu dozadu a postavil před ně Maxima Gorkého mluvícího s Leninem. Ze skici „Gorki. Jaro." vzal dřívější přírodní stav do pozadí a samotnou krajinu s altánem výrazně zmenšil ve srovnání s ústředními postavami. Obě skici, každá sama o sobě, však představují zcela dokončenou nezávislou parkovou krajinu, která se neliší od jiných četných přírodních krajin mého otce. Kdybych tu tento příběh nevyprávěl, ani kdybys byl třikrát kritikem umění, nikdy by tě nenapadlo, že obě tato díla byla použita k malbě socialistického realismu, že? Jak tedy můžeme říci, že skici nemají ucelený charakter a samostatný umělecký význam? (Pamatujte si definici na Wikipedii).
Velký tematický vícefigurální obraz vyžaduje obrovskou a zdlouhavou práci na něm, přítomnosti obrovské množství skici a skici. Maluje se výhradně v ateliéru, často po mnoho let. Vezměte si například A. A. Ivanova s jeho obrovským obrazem „Zjevení Krista lidem“, na kterém umělec pracoval dvacet let - od roku 1837 do roku 1857, nebo Vasilij Surikov, který na každém ze svých obrazů pracoval tři až pět let.
JAKÝ JE ROZDÍL MEZI OBRAZEM A STUDIE?
Skica, která je samostatným a zcela dokončeným uměleckým dílem, se od obrazu liší především tím, že je namalována ze života. Obraz je malován výhradně v ateliéru na základě obrovského množství materiálu – studií, skic, obrysů, skic tužkou a fotografií. Někdy se musíte učit velký počet literaturu a periodika, přičemž zápletku, tedy námět obrazu, vymýšlí umělec sám, nebo jej diktuje zákazník. A co je hlavní, obraz vždy ztělesňuje PŘEDBĚŽNÝ ZÁMĚR UMĚLCŮ, přičemž skica je HLAVNĚ PSANÁ SPONTÁNNĚ - výtvarník vezme skicák a jde hledat motiv, tzn. takový, jaký napíše. Kde to viděl, tam se zastavil a napsal.
Výjimkou nejsou ani etudy psané speciálně pro tvorbu velkých tematických obrazů. V případě, o kterém jsem mluvil výše, můj otec nejprve našel altán v Leninském Gorkém, rozhodl se, že před něj postaví Lenina a Gorkého, a teprve potom namaloval dvě skici ze života s tímto altánkem.
V podstatě se to dá říct vše, co je napsáno ze života, je skica ať už jde o krajinu, zátiší nebo portrét a vše, co vyžaduje předběžný plán, dlouhodobou práci s četnými a rozmanitými přípravnými materiály, je malba.
Obraz lze rozhodně nazvat epochálním plátnem velkých a někdy prostě obrovských rozměrů. Byl tam takový umělec Henryk Ippolitovič Semiradsky. Maloval tedy tak velké obrazy, že byly v ateliéru zavěšeny od stropu a sahaly až na podlahu, a to se v chruščovu, uvědomte si, nestalo. Akademik a profesor Císařské akademie umění proto musel neustále stoupat po schodech, občas měl tak obrovská díla. Ve společnosti G.I. Semiradsky měl většinou velké fantazijní obrazy starožitné motivy, jehož zápletky vzal z hlavy, protože skutečný život Starověké Řecko Přirozeně nemohl na vlastní oči pozorovat Řím za dob císaře Nera.
Obraz však může být rozměrově značně skromný, zejména u žánrových obrazů, tedy obrazů umělců zobrazujících každodenní výjevy. Například slavný „Matchmaking of a Major“ od Pavla Fedotova má docela velikost skici - pouze 58,3 x 75 cm, ale, jak víte, zjevně nebyl namalován ze života přímo v obchodním obývacím pokoji.
Historický obraz obecně je výhradně fantazijní záležitost. Oba bratři Vasněcovové například psali na historický materiál, ale velmi odlišný. Jeden znovu vytvořil život a architekturu Moskvy ve 14 XVII století, jiný vzal za základ ruské lidové pohádky a eposy. Ale jestli Apollinaris, vážně, vědecká úroveň, který se zabýval historií a archeologií, byl členem různých historických a archeologických společností, byl vášnivým zastáncem šíření znalostí o historii, snažil se obnovit život a názory středověké Moskvy „tak, jak byla“ na základě starověké dokumenty a výsledky archeologických vykopávek, kterých se někdy osobně účastnil, malby jeho staršího bratra Victora již byly čistě fantazijního charakteru.
Bitevní malby spadají do stejné kategorie. Malovat je ze života přímo na bojišti, jak si některé dámy z dějin umění představují, je prostě směšné. Slavný ruský bitevní malíř V.V. Vereščagin, který osobně pozoroval mnoho bitev a někdy se jich přímo účastnil, psal své obrazy výhradně z paměti, přirozeně ve studiu, opíral se o četné skici, které vytvořil v divadlech vojenských operací. Kromě toho Vasilij Vasiljevič hodně četl, zpovídal očité svědky, utrácel spoustu peněz za rekvizity – kupoval zbraně, uniformy, výstroj, kterou pak čerpal ze života, a tak připravoval náčrty k obrazům, které měl na mysli.
Velké obrazy znázorňující krajiny také nejsou skutečné věci, ale vymyšlené umělcem z jeho hlavy a vytvořené na základě skic z přírody. Jednou jsem náhodou viděl náčrt o velikosti přibližně 60 x 80 cm, na jehož základě jsem I.I. Šiškin namaloval svůj slavný velký obraz „Rye“ již o rozměrech 107 x 187 cm Skica byla na plátně a znázorňovala vše stejně jako na obrázku, jen cesta nevedla od diváka přímo k borovicím, ale poněkud stranou a. počet borovic byl jiný . Skica z přírody v tomto případě jednoznačně posloužila jako základ pro vytvoření velkého obrazu s krajinou, ale sama o sobě představuje zcela hotové a pečlivě zpracované dílo.
Můžeme tedy hovořit nejen o skice k obrazu, ale také o skice k obrazu, pokud je pro něj skica konkrétně napsána. Nejčastěji se to týká krajiny. Pokud I.I. Shishkin se omezil na výše zmíněnou skicu a z nějakého důvodu na jejím základě nenapsal rozsáhlé dílo, nyní by kritici umění Treťjakovská galerie se pochlubil obrazem I.I. Shishkina „Rye“ 60x80 cm, aniž byste měli podezření, že se jedná o skicu v plném měřítku.
Shrňme si:
Obraz, na rozdíl od skici, nutně vyžaduje předběžný plán umělce, dlouhodobé přemýšlení a vždy se vyznačuje pečlivým provedením a dokončením, abych tak řekl, napsaný. Obraz jakékoli velikosti vždy maluje umělec v ateliéru na základě široké škály materiálů: fotografií, přípravných skic a skic a v případě potřeby na základě předem napsaných skic z přírody. Obraz, byť malý, natož velký, se vždy maluje nikoli plenérem, i když jde o krajinu (zkuste si takový kolos vzít s sebou na pole nebo do lesa!), ale v umělcově ateliéru. Velký obraz je jistě malován na plátně, což není způsobeno ničím jiným než výjimečným pohodlím velkých pláten pro přepravu.
Tematická malba – jak už sám termín napovídá, je malbou na konkrétní téma. Nejčastěji se jedná o velkou vícefigurovou kompozici. Tento termín se objevil již v sovětských dějinách umění, proto se nejčastěji používá pro díla tzv. socialistického realismu, např. na téma Občanské, Velké Vlastenecká válka nebo řekněme „Lenin v říjnu“. Protože velikost takových děl je často prostě obrovská, umělec přirozeně pracuje na takovém obrazu ve svém ateliéru a maluje ho na plátno. „Kozáci píší dopis tureckému sultánovi“ I.E. Repin, jehož rozměr je 2,03 krát 3,58 metru, lze v zásadě nazvat i tematickým obrazem, byť socialistickým realismem nezavání. Napsal ji také Ilya Efimovich v dílně na základě mnoha skic a náčrtů, stejně jako například „Barge Haulers on the Volha“ (1,31 x 2,81 m).
Žánrová malba - název pochází z francouzské slovo"žánr" je obvykle práce
Malý kus konverzace lze vyrobit nejen na plátně, ale také na kartonu nebo sololitu. Tento materiál se začal široce šířit již ve 20. století.
Existuje také takový koncept jako žánrový portrét. Portrét je prostě portrét člověka na neutrálním pozadí, ale když je tam pozadí, které zobrazuje předměty, lidi nebo dokonce industriální krajinu, která divákovi naznačuje například povolání zobrazované osoby, pak je to už žánrový portrét. Příkladem je žánrový ženský portrét „Veteran“ práce horníka„díla sovětské umělkyně Klavdie Aleksandrovna Tutevol, již zde zmíněná:
Skica, jak jsme si řekli výše, je zcela hotová samostatná práce, ale jistě z přírody. Jde o zcela samostatné umělecké dílo, ale může působit i jako pomocný materiál pro velký malířský obraz, což nijak neubírá na jeho umělecké hodnotě. Může to být zátiší, portrét, krajina, interiér. Skica je vzhledem ke své relativně malé velikosti namalována na všechny výše uvedené materiály, ale hlavní je v ní samozřejmě kvalita malířovy práce, jeho schopnost vybudovat kompozici v zátiší, odrážet charakter modelu v portrétu, zprostředkovávají vzrušení nebo klid moře, chlad zimního lesa, krásu západu slunce, krásu zlatého podzimu nebo jarní náladu přírody v krajině.
Skica je pomocná práce, jejím účelem je zaznamenat myšlenku budoucí kompozice
tématický obrázek. Jako příklad si vezměme skicu k obrazu „Virgin Lands“ od E. D. Ishmametova. Umělec v něm rozvinul kompozici a barevnost, charaktery, pózy postav a poté na toto téma namaloval velký obraz. Malíř vždy velmi pečlivě promyslí skicu k obrazu. Obvykle se skica vyznačuje nějakou neúplností, neúplností. To je způsobeno skutečností, že umělec to nejčastěji nepotřebuje dokončit, existuje další úkol - vývoj možností kompozice budoucí malování, upřesnění svého původního plánu. Proto má skica nejčastěji charakter skici. Může to být ale i zcela hotové, pečlivě nakreslené dílo, zvláště když je skica určena ke schválení výběrovou komisí, jak jsme již viděli na příkladu skici stropu pro divadlo. Abai v Almaty od Claudie Tutevol.Skica, pokud se dělá v procesu práce na obraze, je také čistě pomocná práce, nedokončená, nekreslená do detailu.
Píše se nebo kreslí rychle, ale neopatrně dobří umělci se v něm neděje. Můžete rychle načrtnout, řekněme, hlavu modelu, která se později promění ve velkolepý hotový portrét, nebo můžete rychle načrtnout nějakou postavu, která může být později potřebná pro vytvoření kompozice velkého obrazu. skica zůstane samostatnou prací, zajímavou pro sběratele i amatéry. Zde je například skica V.G. Gremitsky "Tanec":Jak jsme však viděli výše, skici mohou být také zcela nezávislé.
Skica má také obvykle charakter skici, ale skica je v podstatě plán budoucího obrazu, jeho celá kompozice, zatímco skica obrazu je rychlý skica něčeho, co lze v zásadě zařadit do budoucnosti. malování.
O NĚKTERÝCH DALŠÍCH BĚŽNÝCH POJMY V MALOVÁNÍ:
Jednou mě velmi překvapilo, když jsem se dozvěděl, že stafáž je „olejomalba bez jasného zobrazení postav lidí nebo zvířat“. Staffage jsou ve skutečnosti malé postavy lidí nebo zvířat, které umělec vepsal do krajiny, aby ji oživil.
Další termín od krajinomalba- ladička. Toto je světlý bod, který kontrastuje s obecným pozadím krajiny. Obvykle se jedná o nějaký druh štábu. Příkladem je dílo taškentského umělce
V.M. Kovinina" Horská krajina„s postavou dívky oblečené v jasně červených národních šatech.
Je zvláštní, když volají nějaké olejomalba, dokonce malých rozměrů a dokonce napsaných na kartonu. „Len je hladká a hustá lněná tkanina nejjednodušší vazby; nejlepší odrůdy se nazývaly cambric, nejhrubší byly nazývány canvas, canvas, equalduc atd.“ (Wikipedie). Plátno tedy nemůže být ve vztahu k malbě ani karton, ani sololit, rozhodně je to plátno.
V malířství jsou plátna obrazy obrovské velikosti a obvykle na nějaké epochální téma. Dá se tedy říci, že ze štětce Vasilije Surikova vycházela pouze plátna, ale Konstantin Korovin se proslavil především svými skicovými pracemi. Pokud lze „Devátou vlnu“ od Aivazovského plnohodnotně nazvat plátnem, pak ve vztahu k již zmíněnému drobnému dílu „Fresh Cavalier“ od Fedotova bude prostě legrační, přestože je také malovaná na plátno.
Trochu více o půdách: Co je gesso? Jedná se o speciální základní nátěr, rovněž na bázi křídy, který se používá k pokrytí dřevěné desky. Dříve v západní Evropa Obrazy byly často malovány na desky a v Rusku - ikony a vždy. Jedná se o extrémně nepohodlný materiál. V Holandsku se svého času desky sušily 50 let, teprve potom se daly do práce. V současné době umělci zřídka používají gesso, protože barva spolu se silnou vrstvou základního nátěru se časem nebo lehkým úderem snadno odštípne. A moderní malíři ikon ji používají stále méně.
Na závěr ještě pár ilustrací pro názornost:
Práce V.G. Gremitskikh, který se nazývá „Etuda“. Jde v podstatě, jak název napovídá, o celoplošný žánrový portrét dělnice na jedno sezení, namalovaný přímo na jejím pracovišti při stavbě vodní elektrárny Kujbyšev.
A zde je žánrový portrét od taškentského umělce Valeryho Kovinina:
Nejedná se zjevně o portrét na jedno sezení, umělec zde svého kolegu, který mu sloužil jako model, jednoznačně potrápil řadou sezení, což je patrné jak z pečlivého provedení díla, tak z jeho velikosti. Ale přesto toto mužský portrét nikoli obraz, ale vícesekční skica z přírody, která mu nikterak neubírá na umělecké hodnotě.
Abychom toto poslední tvrzení dokázali, zvažte slavný ženský portrét „Dívka osvícená sluncem“. Jeho sestřenice Maria Simonovich V.A. Serov maloval ze života celé léto 1888, zachytil každý slunečný den (v zatažených dnech maloval krajinu „Zarostlý rybník“). Předběžný plán (výše jsme řekli, že máme slavný umělec byl také nepřítomen, chtěl jen podle svých slov „napsat něco radostného“.
Zde tedy nemáme co do činění s ničím jiným než s typickým multisekčním náčrtem z přírody, napsaným z rozmaru, podle okamžitě se vynořující touhy. Naštěstí pro P.M. Treťjakov, který toto dílo získal, ještě nevěděl, že „Studium výtvarného umění je přípravnou skicou pro budoucí dílo“. (Wikipedia) A Valentin Serov prokázal extrémní míru neprofesionality, když strávil celých 90 dní na pouhých dvou přípravných skicách – portrétu dívky a krajiny s jezírkem!
Mohl bych uvést mnoho dalších podobných příkladů, ale obávám se, že jsem čtenáře již značně unavil. Doufám, že se mi přesto podařilo svým skromným příspěvkem přiblížit široké veřejnosti některé z nejpoužívanějších uměleckých pojmů, ve kterých se někdy, upřímně řečeno, pletou i samotní umělci.
Alexander Gremitskikh
Avatar: V.M. Kovinin "Na nedělní trh. Karakalpakstan." olej na plátně 98x178. 1971 (Toto je typický velký žánrový snímek)
Zahájení dialogu se světovou kulturou, moderní muž nevynakládá žádné úsilí, aby se dostal na její úroveň, ale naopak se ji snaží srazit na jeho úroveň. (někdo chytrý)
Před vynálezem fotografie byla malba chápána jako nástroj pro co nejpřesnější odrážení prostředí. Malba byla považována za lepší, čím autentičtěji zobrazovala skutečný svět. S příchodem fotografie v roce 1839 a kinematografie v roce 1895 se výrazně rozšířilo chápání malby, i když jiní se stále drží úzce funkčního postoje.
Jaký je rozdíl mezi fotografií a malbou?
Bato Dugarzhapov "Vánoce".
Fotografie zachycuje okamžik, tedy zcela konkrétní, okamžitý stav předmětu. Umělec, jakkoliv detailně a věrohodně rozepisuje detaily, píše především to OBECNÉ, co na modelu vidí, tedy to nejcharakterističtější a nejvýraznější.
Fotografie (s výjimkou velmi vzácných děl fotoautorů) je tedy ilustrace, podobná obrázku v encyklopedii: takhle vypadá veverka, děti, a takhle vypadal majitel fotoalba Před 20 lety, když se koupal ve vaně.
Bato Dugarzhapov „Krym“.
Moderní umělec opustil kopírování přírody – fotografie a filmování to umí mnohem lépe a rychleji. Naturalismus tlačí malbu do slepé uličky opakování a banality. Přírodu navíc nelze reprodukovat. Když divák vnímá jen ten nejpovrchnější aspekt obrazu – přenos informací „kde všechno stálo“, pak bude chápání obrazu extrémně ochuzeno a zkresleno.
Obraz se od fotografie zásadně liší neidentitou toho, co bylo vytvořeno, a tím se stalo zásadní rozdíl mezi malebným a fotografický obraz. Umělec se vlastní vůlí rozhoduje, co a jak opustit, co a jak zvýraznit, co z obrazu vyloučit, někdy i v rozporu s povrchním zdravým rozumem.
Bato Dugarzhapov "Terasa".
Obrazová olejomalba na plátně tvrdí, že je úplným a univerzálním zobrazením malovaného předmětu a zprostředkovává jeho dojem. Nepochopitelným způsobem se na plochém plátně objevuje svazek, živý a krásný svět, vytvořený umělcem.
Můžeme vstoupit do obrazu a slyšet zpěv ptáků, cítit vůni rozkvetlé louky, cítit teplo vody vyhřívané sluncem, vidět pohyb – jasně chápeme, že to vše se děje pouze v našich myslích a před námi, a že to vše nám autor zprostředkoval.
Co je to "alla prima"?
Bato Dugarzhapov „Ráno“.
Jestliže dříve byl vítán šperkařský styl vypisování detailů do nejmenších detailů, kdy se obraz maloval měsíce, nebo dokonce roky a poté pečlivě lakoval, pak se v 19.-20. století objevil koncept „alla prima“ - z latinského „all prima vista“ (na první pohled) a znamená spontánní malování impasto barvou.
Obraz je hotový po prvním sezení. Barvy se většinou míchají na paletě, kde působí svěže a zářivě. Při psaní v plenéru je to velmi vhodným způsobem práce.
Pastozita se projevuje v reliéfu, nerovnoměrnosti vrstvy barvy, v plastickém tahu štětcem a slouží ke zdůraznění materiálové stránky objektu a dodání dynamiky. Obrazy jsou objemnější a informativnější než fotografie, mohou na diváky působit emocionálně lokálními barevnými skvrnami, bez zbytečného upřesňování a upřesňování detailů. Někdy i kvůli absenci této specifikace.
Bato Dugarzhapov „Polední. Lodě."
Střídání zdánlivě chaotických tahů a světelných skvrn je mnohem emotivnější než fotografie a stará, vybroušená manýra zprostředkovává pohyb – hra slunečních skvrn na trávě, odlesky na vodě, kymácející se listí atd.
Divák, zcela divoký ve smyslu obrazové kultury, vidící díla alla prima, malovaná rozmáchlými tahy a pruhy, si bohužel nedá práci zastavit se a zblízka se podívat, ale nafoukne tváře a se slovy „já umí i tak malovat,“ s vědomím vlastní nadřazenosti jde dále v hledání lakovaných, kudrnatých kreací, kde není potřeba žádná práce s fantazií a empatií.
Nechme ho jít a pak se podívejme například na obraz „Plein Air“ od umělce Bato Dugarzhapova. Co vidíme na tomto zajímavém obrázku?
Bato Dugarzhapov „Plein Air“.
Kdo chce vidět, jak se vyrábí boty postav – nic. Divák naladěný na vlnu porozumění vidí především hodně slunečního světla. Pak vidíme několik umělců v letních šatech u stojanů a vousatého umělce v džínách a se štětci v ruce. Pak se objeví teplý kamenná zeď se sluncem zalitými popínavými vistáriemi nad nimi, modrá obloha v mezerách listoví, parapetu nábřeží a moři za ním. Důvod, proč není listí do detailu prokresleno a žilnatina, je ten, že se pohybuje, houpe a také se pohybuje světlo, pohybují se stíny a odraz od moře v dálce se mění každou minutu...
Nálada obrazu je naprosto fenomenální, prostě vyzařuje světlo a pozitivitu. A přitom nelze ukazovátkem ukazovat a vysvětlovat – tohle je tohle a tady tohle. Stačí to vidět tak, že se trochu vzdálíte od obrázku a budete se na něj dívat dostatečně dlouho. Navíc se jedná pouze o soubor, dokážu si představit, jak by to mělo fungovat v originále!
Bato Dugarzhapov „Na skicách“.
Podobně se „objevuje“ obraz „O etudách“. Za prvé - chaotické skvrny slunečního světla a odrazy moře. Pak se šedovlasý umělec naklonil k stojanu. Pak - moře samotné: svítící moře, hýbe se, trápí se, odrazy slunce od vln prakticky oslepují oči (jak se to stalo, nelze pochopit), v moři jsou skály, kameny a lodě, vlevo , opět popínavá rostlina, možná hrozny.
Atmosféra horkého rána (a to je ráno, protože když je slunce vysoko, moře se tolik netřpytí, barví se do modra), krása jižního pobřeží a obdiv k této kráse se neuvěřitelně přenáší.
Bato Dugarzhapov "Jižní večer"
Obrazy Bato Dugarzhapova jsou ponořeny do zvláštního světelného prostředí, které vypovídá o umělcově vysoké obrazové kultuře a jemném pochopení barev a prostorových vztahů. Jeho díla se vyznačují svěžestí, rychlým rytmem linií a barevných skvrn, romantickou povzneseností a jemným vnímáním světlo-prostorových vztahů.
S velkou lehkostí, pomocí velkých tahů, vytváří ucelený celistvý obraz přírody v barvách, světle a vitální dynamice... vše se třpytí v paprscích slunce, i tam, kde je stín, odlesky se třpytí, což je obzvláště úžasné a příjemný. Volně vržené barvy leží jedna na druhé a tvoří vícebarevnou harmonii a rytmus, ve kterém hraje zvláštní roli hra odstínů.
Bato Dugarzhapov „Jezero Como“.
Bato Dugarzhapov se narodil v roce 1966 v Čitě. Absolvoval umělecká škola v Tomsku a Moskevský státní akademický umělecký institut pojmenovaný po. V.I. Surikov. Umělcova díla jsou v soukromých sbírkách v Rusku, USA, Francii, Itálii a Španělsku.
K. Yu Starokhamská
Obraz jakéhokoli žánru (od zátiší po náboženskou malbu) je umělecký obraz, vytvořené s pomocí umělcovy představivosti a osobního vidění světa. Světonázor a postoj umělce se formují pod vlivem prostředí - éry, státu, společnosti, rodiny, životního stylu atd. Umění velkých umělců je vždy portrétem doby prizmatem autoportrétu, osobnosti procházející okolní realitou a duchem doby. 
Ikona je nadčasový fenomén, je to zjevení Boha, reprezentované pomocí vizuální umění. Nejdůležitější zásadou v malbě ikon je dodržování zavedených kánonů. Kánony malby ikon jsou tak jedinečné, že člověk, který není obeznámen s historií a teologií Církve, může být zmaten: proč se držet starověkých zásad zobrazování? Možná mistři, kteří stáli u zrodu ikonomalby, prostě neovládali techniky, které se vyvinuly během renesance? A možná bychom měli posunout úspěchy evropská civilizace k tomuto starodávnému umění? 
Proč se tedy ikona tak nápadně liší od klasické malby? A jakými technickými prostředky je tohoto rozdílu dosaženo?
Ikonopisec nepřenáší do ikony nic ze svého osobního vidění světa, co by se jakkoli odlišovalo od světonázoru Církve Kristovy. Ikonopisec se stává průvodcem světonázoru církve. Ikona se nesnaží odrážet okolní dočasnou realitu, nezabývá se problémy naší doby, přechodnými nepokoji tohoto světa. Ikona je oknem do jiného, věčného světa. 
Obraz nevyhnutelně odráží individualitu autora, dílo odráží jeho osobní, jedinečné rysy, navíc každý umělec usiluje o svůj osobitý jedinečný styl; Jeden z nejvyšší úspěchy autorská činnost - tvorba nového stylu, směr v malbě. Mistrova plátna jsou neoddělitelně spjata s jeho jménem, obrazem a životopisem.
Obraz je duchovní, tedy smyslný, zprostředkovává emoce, neboť umění představuje způsob chápání světa prostřednictvím pocitů.
Ikona je duchovní, bez emocí a nezaujatá. Jako kostelní zpěv a čtení, ikona nepřijímá emocionální způsoby dopad.
Malba je způsob interakce s autorovou osobností. Ikona je prostředkem komunikace s Bohem a Jeho svatými.
Ikona na rozdíl od obrazu přímo slouží spáse lidské duše.
Zdůraznili jsme vnitřní rozdíly mezi ikonou a malbou a kterou vnější rozdíly můžeme sledovat?
Za prvé, ikona je svědectvím o pravém Bohu, je to čistě náboženský fenomén. Kanonická ikona nemá náhodné dekorace postrádající sémantický význam.
Hlavní rozdíly mezi ikonou a malbou:
1. Konvenčnost, určité zkreslení reálných forem a symboliky.
Karnální je v ikoně zmenšeno a duchovní je odhaleno. Protáhlé proporce postavy, nedostatek objemu. Ikona postrádá těžkost, váhu, která je vlastní předmětům našeho světa.
2. Opačná perspektiva.
Obraz je konstruován podle zákonů přímé perspektivy, úběžník je umístěn na horizontu a je vždy stejný. Ikona se vyznačuje reverzní perspektivou, kdy se úběžník nenachází v hloubce roviny, ale v osobě stojící před ikonou. Takto nachází svůj výraz myšlenka vzhledu nebeského světa do našeho světa, světa pod ním. A rovnoběžné čáry na ikoně se nesbíhají, ale naopak rozšiřují v prostoru ikony.
3. Absence externí zdroj Sveta.
Světlo, jakoby zevnitř ikony, z tváří a postav samotných, z jejich hlubin je podstatou svatosti. Ikona svítí a tento princip je založen na svědectví teologického evangelia o Proměnění našeho Pána na hoře Tábor. Ortodoxní svatozář je nestvořené světlo božství, zrozené v srdci světce a tvořící jediný celek s jeho proměněným tělem.
4. Barva v ikoně plní čistě symbolickou funkci.
Červená barva na ikonách mučedníků symbolizuje oběť, popř královská moc. Zlato je symbolem nekomoditního světla, které má zcela jinou povahu než ostatní fyzikální látky. Proč to nelze přenést barvou. Zlato na ikonách je opakem myšlenky pozemského zlata a bohatství. Existují také barvy, které nahrazují přítomnost zlata na ikoně – okrová, červená a bílá. Černá barva na ikonách se používá pouze v případech, kdy je potřeba ukázat síly zla nebo podsvětí.
6. Na ikoně není žádný čas. Všechny události se odehrávají ve stejnou dobu.
Jedna ikona často zobrazuje několik různých scén, někdy jsou to výjevy ze života jednoho světce, které ilustrují celou jeho cestu od narození až po spočinutí. Takto je zprostředkováno zapojení ikony do světa věčnosti, kde je vše otevřeno najednou, nebo spíše čas prostě chybí. Na obrázku se to naopak děje v jedné časové rovině.
Rozdíl mezi kanonickou ikonou a malbou je tedy zřejmý.
Hlavním úkolem ikony, na rozdíl od malby, která zprostředkovává smyslovou stránku světa, je odhalit realitu duchovního světa, pomoci získat pocit skutečné přítomnosti světce, Matka Boží nebo Pán, aby přispěl k otevření srdce a zrození kající modlitby či chvály, jimiž se posvěcuje mysl, srdce a celý život člověka.
V Icon Painting Workshop "Measured Icon" je to možné
- Wow, skvělý obrázek! – pochválil práci a okamžitě urazil umělce nesprávnou terminologií
Pravděpodobně víte, přátelé, že dobrý, ale ovlivnitelný umělec se může urazit, když mu řeknete, že on „maluje“ svůj obrázek. Je to stejné jako říkat, že lodě plují po moři... ale všichni víme, že lodě plují po moři!
Přesto člověk, který má k výtvarnému umění daleko, často nedokáže přesně říct, co je malba, co kresba a čím se od sebe liší. Proto je pro něj „kreslení“ i „psaní“ jedno a totéž. Ale zkuste říct mistrovi, že má dobrou „kresbu“ na plátně!
Už ne snadný způsob ublížit citlivé tvůrčí povaze, ačkoli prostý divák hned nepochopí, co je zde špatného a urážlivého.
Malba a kresba jsou blízké a dokonce příbuzné pojmy, ale jasně oddělené od sebe. Stejně jako je dobře známo, kdy se malují obrázky a kdy se kreslí.
Zkusme na to přijít terminologie ve výtvarném umění. Věřte, že to není důležité jen pro kreativní, ale také zajímavé.
Rozdíl mezi malbou a kresbou
Přísným formálním jazykem, výkres - to je obraz jakýchkoliv obrázků, předmětů a jevů v rovině. Můžete kreslit křídou, perem, tužkou, barvami - čímkoli, co zanechává stopy na konkrétním povrchu.
Obecně i škrábání diamantu na sklo nebo třeba kreslení perem na hodině a tetování je také kreslení.
Ale malování - to je také obraz předmětů a jevů, ale pouze s použitím barev. Tedy řečeno suchým a formálním jazykem, malba je jednou z možností kresby, ve které se jako nástroj používá štětec a barvy jsou prostředkem k vytvoření obrazu.
Jinými slovy, kresba je grafika a je zvažována Oficiálně se za grafiku považuje vše, co se dělá na papíře, a kupodivu se za grafiku považuje i akvarel. I když mnoho děl je považováno také za malbu na papíře
Takže všechno na papíře je grafika a všechno ostatní je malba... na plátno, dřevo, sklo, zeď
Pamatujete na hodiny kreslení ve škole? Tam se celý předmět jmenoval tak: výtvarné umění. Neexistovaly žádné samostatné lekce malby nebo kresby, jen jeden den se učilo, jak pracovat s oleji, a další den - s tužkou.
Odtud plyne společná víra, že malba je jen variantou kresby. Formálně je to tak, ve skutečnosti je to jinak.
Fine Arts – The Art of Capturing Images = výtvarné umění, kombinace různých druhů malby, grafiky, sochařství
Ve skutečnosti je taková hierarchie skutečnou byrokracií. Ve výtvarném umění dnes existuje jasné rozdělení: malování- jedná se o práci štětcem a barvami na hutné materiály, výkres- to je použití všech ostatních materiálů na papíře.
Možná není tak přísný a vědecký, ale svět umění mnozí milují, protože nepodléhá vědě, a proto jeho zákonitosti nemusí nutně odpovídat přísné klasifikaci a terminologii.
Existuje další nuance: zamyslete se nad slovem samotným "malování"- skládá se ze dvou částí: "žít" A "napsat". Dá se to interpretovat různě, ale řada umělců říká, že práce s barvami je živá právě proto, že barvy samy po nanesení na plátno zasychají a poněkud mění své vlastnosti, tedy žijí svým vlastním životem.
A obraz sám získává svůj dynamický život, obraz se ukazuje jako živý. Nebo zobrazení- pište živě... Obecně slovo malba zní podle mě vznešeně a krásně
Pohled a reflexe živých obrazů
Takže jsme přišli na tuto část: malba je práce s barvami, kresba používá jiné prostředky. Navíc, malba na stojanu, monumentální i dekorativní se také liší od podobných forem kresby.
Na stěny se nanášejí barvy - mluvíme o o malování, zdobí je pastelkami - to už je kreslení.
Malují nebo kreslí?
Jiné, ne méně ožehavá otázka- jak nazvat proces tvorby obrázku. Zdá se, že pokud je vytvořen obrázek, znamená to, že je nakreslen. A pokud mluví o dopise, většinou myslí text.
Zde má terminologie hluboké historické kořeny. Malba v Rusku se postupně vyvinula z ikonomalby, kdy se ji mistři začali snažit oživit a oživit biblické motivy, za použití stejných technik a poté zcela přešel k obrazům, které neměly nic společného s náboženstvím.
Ale protože ikony byly původně "napsal", pak toto slovo migrovalo do malby a dnes se malují i olejomalby.
Často hřeším a obvykle „maluji“ své obrazy
Pokud se bavíme o kresbě, tak všechna díla jsou zde malovaná, ať už jsou jakkoli významná. Dá se samozřejmě říci, že umělec „napsal“ epické plátno tužkou, ale není to nic jiného než svoboda.
Je možné malovat na plátno?
Obecně je zvykem říkat, že malují na plátno olejem, ale třeba prostě kreslí na papír. Ale to nejsou absolutní pravidla.
Například, Před malováním barvami si umělec může udělat skicu tužkou na plátno. To je kresba, autor ji kreslí. A teprve když se na tento výkres nanesou barvy, začne se malovat obraz.
I když, kreslení tužkou nebo uhlem na plátno nikdo nezakazoval... otázka jen je, že kresba na látkové plátno se pro suché techniky úplně nehodí, pokud ovšem zrovna tady není možné vše využít.
Totéž platí pro všechny ostatní základy nejen malba na stojanu umožňuje malovat obrazy. Například, monumentální malba zahrnuje malování obrázků barvami na různé architektonické objekty fasáda, dekorativní malba - to je psaní na různé předměty a detaily interiéru, - to je malování stěn uvnitř místnosti různými freskami a umělými malbami
Zároveň, když vezmeme sklenici nebo džbán a natřeme je například inkoustem, bude to již dekorativní malba . To znamená, že nijak nezávisí na tom, zda se zabýváme malbou nebo kresbou. Vše je o materiálech, ze kterých je obrázek vytvořen.
A nakonec: nepředpokládejte, že malba je pro profesionály a kresba je pro amatéry. Vůbec ne! Tužky, pastely nebo pastelky často vytvářejí díla, která nejsou o nic méně grandiózní a velkolepá než olejové nebo akrylové malby.
A obtížnost vytvoření práce například pouze s tužkami je velmi velká. Proto, pokud rádi kreslíte, nemusíte se mučit a nutit se malovat barvami - je docela možné vytvořit mistrovská díla s tím, co se vám nejvíce líbí.
Mistři portrétů v grafice
Jen v tomto případě, mimochodem, ve své práci budete moci plně vyjádřit sebe a své emoce, ať už na plátno, papír, sklo nebo na zeď! Jsou to primární a materiály a techniky jsou jen nástroje, mezi kterými si vyberete to nejvhodnější pro vás.
Přátelé, k článku neztratil se mezi mnoha dalšími články na internetu,uložit do záložek.Ke čtení se tak můžete kdykoli vrátit.
Ptejte se níže v komentářích, většinou rychle odpovím na všechny otázky
Zahájením dialogu se světovou kulturou moderní člověk neplýtvá úsilím, aby se dostal na její úroveň, ale naopak se ji snaží srazit na svou vlastní. (někdo chytrý)
Před vynálezem fotografie se na malbu pohlíželo jako na nástroj pro možná jasnější odraz okolí. Malba byla považována za lepší, čím autentičtěji ukazovala skutečný svět. S příchodem fotografie v roce 1839 a kinematografie v roce 1895 se povědomí o malířství výrazně rozšířilo, i když jiní se v současnosti drží úzce funkčního podnikání.
Jaký je rozdíl mezi fotografií a malbou?
Bato Dugarzhapov "Vánoce".
Fotografie zachycuje okamžik, jinými slovy velmi konkrétní, momentální stav předmětu. Malíř, jakkoli pečlivě a věrohodně vypisuje detaily, napíše nejprve to OBECNÉ, co v modelu vidí, tedy nejcharakterističtější a nejvýraznější.
Fotografie (kromě velmi vzácných děl fotoautorů) je proto ilustrací podobnou obrázku v encyklopedii: takhle vypadá veverka, děti, a takhle vypadal majitel fotoalba před 20 lety, když byl vykoupán ve vaně.
Bato Dugarzhapov „Krym“.
Moderní malíř opustil kopírování přírody – fotografování a filmování to udělá ještě lépe a rychleji. Naturalismus tlačí malbu do slepé uličky opakování a banality. Přírodu navíc nelze reprodukovat. Když divák přijme jen tu nejpovrchnější nuanci obrazu – přenos informací „kde všechno stálo“, pak bude povědomí o malbě velmi ochuzeno a zkreslené.
Obraz se od fotografie zásadně liší tím, že není identický, a to se stalo zásadním rozdílem mezi barevným a fotografickým obrazem. Malíř se z vlastní vůle rozhoduje, co a jak vynechat, co a jak zvýraznit, co z obrazu vyloučit, čas od času i v rozporu s povrchním zdravým rozumem.
Bato Dugarzhapov "Terasa".
Barevná malba na plátně tvrdí, že je úplným a univerzálním zobrazením malovaného předmětu a zprostředkovává z něj vzpomínky. Nepochopitelným způsobem se na plochém plátně objevuje svazek, živý a krásný svět, vyrobený umělcem.
Můžeme vstoupit do obrazu a slyšet zpěv ptáků, cítit vůni rozkvetlé louky, cítit teplo vody vyhřívané sluncem, vidět pohyb – jasně chápeme, že to vše se děje výhradně v našem vědomí a před námi. , a že nám to tvůrce všechno dal.
Co je to "alla prima"?
Bato Dugarzhapov „Ráno“.
Jestliže dříve byl vítán šperkařský styl vypisování detailů do nejmenších detailů, kdy se obraz maloval měsíce, nebo dokonce roky a pak se pracně lakoval, pak se v 19.–20. století objevil koncept „alla prima“. - z latinského „all prima vista“ (na 1. - y pohled) a znamená spontánní malování pastou.
Obraz je hotový po prvním sezení. Barvy se mísí především na škále, kde působí svěže a zářivě. Při plenérovém malování je to velmi vhodný způsob práce.
Pastozita se projevuje reliéfem, konvexností světlé vrstvy, plastickým tahem štětce a slouží ke zdůraznění materiálové stránky objektu a dodání dynamiky. Obrazy jsou větší a informativnější než fotografie, mohou na diváky smyslně působit lokálními barevnými skvrnami, bez zbytečného upřesňování a upřesňování detailů. Čas od času i kvůli absenci této specifikace.
Bato Dugarzhapov „Polední. Lodě."
Střídání na první pohled zdánlivě náhodných tahů a světlých skvrn je mnohem emotivnější než fotografie a starobylá, ulízaná manýra zprostředkovává pohyb - hra slunečních skvrn na trávě, odlesky na vodě, kymácející se listí atd.
Divák, který se do pestré kultury úplně zbláznil, když viděl díla alla prima, malovaná rozmáchlými tahy a pruhy, se bohužel neobtěžuje zastavit a podívat se zblízka, ale nafoukne tváře a se slovy: I já to tak umím namalovat,“ jde s vědomím vlastní přednosti dál v hledání lakovaných kudrnatých psaných výtvorů, kde není nutná žádná práce s fantazií a empatií.
Necháme ho jít a později se podíváme například na obraz „Plein Air“ od umělce Bato Dugarzhapova. Co vidíme na tomto fascinujícím obrázku?
Bato Dugarzhapov „Plein Air“.
Kdo chce vidět, jak se vyrábí boty postav – nic. Divák, naladěný na vlnu uvědomění, nejprve vidí hodně slunečního světla. Pak vidíme několik umělců v letních šatech u stojanů a vousatého umělce v džínách a se štětci v ruce. Pak se objeví teplá kamenná zídka se sluncem osvětlenou popínavou vistárií nad nimi, modrá obloha v mezerách listoví, nábřežní parapet a za ní moře. Proto není listí rozepsáno do detailů a žilek, protože se pohybuje, houpe a světlo se také pohybuje, stíny se pohybují a odraz od moře v dálce se mění každou minutu...
Nálada obrazu je naprosto fenomenální, prostě vyzařuje světlo a pozitivitu. A přitom nelze ukazovátkem ukazovat a vysvětlovat – tohle je tohle a tady tohle. Musíte to vidět tak, že se trochu vzdálíte od obrázku a budete se na něj dívat docela dlouho. Navíc se jedná pouze o soubor, sám si dovedu představit, jak by měl působit v originále!
Bato Dugarzhapov „Na skicách“.
Podobně se „objevuje“ obraz „O etudách“. Zpočátku - chaotické skvrny slunečního světla a odrazy moře. Pak se šedovlasý malíř naklonil k stojanu. Pak - moře samo: moře zející, pohybuje se, je neklidné, sluneční záře z vln vlastně oslepují oči (jak je vyrobeno, nelze pochopit), v moři jsou hory, oblázky a lodě, vlevo opět popínavá rostlina, možná hrozny.
Atmosféra horkého rána (a to je ráno, protože když je slunce vysoko, moře se tolik netřpytí, barví se do modra), krása jižního pobřeží a obdiv k této kráse se nepopsatelně přenáší.
Bato Dugarzhapov „Jižní večer“
Obrazy Bato Dugarzhapova jsou ponořeny do mimořádného světelného prostředí, které vypovídá o nejvyšší barevné kultuře umělce, o úzkém povědomí o barvách a prostorových vztazích. Jeho díla se vyznačují svěžestí, rychlým rytmem linií a barevných skvrn, romantickým nadšením a úzkým vnímáním světlo-prostorových vztahů.
Se zvláštní lehkostí, velkými tahy vytváří celistvý celistvý obraz přírody v barvách, světle a skutečné dynamice... vše se třpytí v paprscích slunce, i tam, kde je stín, odlesky se třpytí, což je obzvláště nápadné a zábavný. Volně vržené barvy leží jedna na druhé a tvoří vícebarevnou harmonii a rytmus, ve kterém je hra barev zvláště důležitá.
Bato Dugarzhapov „Jezero Como“.
Bato Dugarzhapov se narodil v roce 1966 v Čitě. Vystudoval uměleckou školu v Tomsku a Metropolitan Municipal Academic Art Institute. V.I. Surikov. Umělcova díla jsou v osobních sbírkách v Rusku, USA, Francii, Itálii a Španělsku.
K. Yu Starokhamská
