Menu
DomovLáska a vztahy

Obrazy současných japonských umělců. Nejdražším žijícím umělcem je obyvatel psychiatrické léčebny z Japonska.

Umění a design

2904

01.02.18 09:02

dnešní umělecká scéna Japonsko je velmi rozmanité a provokativní: při pohledu na díla mistrů ze Země vycházejícího slunce usoudíte, že jste dorazili na jinou planetu! Zde žijí inovátoři, kteří změnili „krajinu“ průmyslu v celosvětovém měřítku. Zde je seznam 10 současných japonských umělců a jejich výtvorů, od neuvěřitelných stvoření Takashi Murakamiho (který dnes slaví narozeniny) až po barevný vesmír Kusama.

Od futuristických světů po tečkovaná souhvězdí: současní japonští umělci

Takashi Murakami: tradicionalista a klasik

Začněme hrdinou této příležitosti! Takashi Murakami je jedním z nejikoničtějších japonských současných umělců, pracuje na malbách, rozsáhlých sochách a módním oblečení. Murakamiho styl je ovlivněn mangou a anime. Je zakladatelem hnutí Superflat, které podporuje japonské umělecké tradice a poválečnou kulturu země. Murakami povýšil mnoho svých kolegů současníků a s některými se dnes také setkáme. „Subkulturní“ díla Takashi Murakamiho jsou prezentována na uměleckých trzích módy a umění. Jeho provokativní My Lonesome Cowboy (1998) se v roce 2008 prodal v New Yorku v Sotheby's za rekordních 15,2 milionu dolarů. Murakami spolupracoval se světem slavných značek Marc Jacobs, Louis Vuitton a Issey Miyake.

Tiše Ashima a její neskutečný vesmír

Chicho Ashima, členka umělecké produkční společnosti Kaikai Kiki a hnutí Superflat (oba založil Takashi Murakami), je známá svými fantastickými městskými scenériemi a podivnými popovými stvořeními. Umělec vytváří surrealistické sny obývané démony, duchy, mladými kráskami, zobrazené na pozadí cizí přírody. Její díla jsou obvykle velkoplošná a tištěná na papír, kůži a plast. V roce 2006 se tento současný japonský umělec podílel na Art on the Underground v Londýně. Pro nástupiště vytvořila 17 na sebe navazujících oblouků – magická krajina se postupně proměnila z denní do noční, z městské na venkovskou. Tento zázrak vykvetl na stanici metra Gloucester Road.

Chiharu Shima a nekonečná vlákna

Další umělec, Chiharu Shiota, pracuje na rozsáhlých vizuálních instalacích pro konkrétní památky. Narodila se v Ósace, ale nyní žije v Německu – v Berlíně. Ústředními tématy její tvorby jsou zapomnění a paměť, sny a realita, minulost a přítomnost a také konfrontace úzkosti. Nejvíce slavných děl Chiharu Shiota - neprostupné sítě černé nitě, pokrývající mnoho domácích a osobních předmětů - jako jsou staré židle, svatební šaty, spálený klavír. V létě 2014 Shiota svázala darované boty a holínky (kterých bylo více než 300) prameny červené příze a zavěsila je na háčky. První výstava Chiharu v německé metropoli se konala během Berlínského týdne umění v roce 2016 a vyvolala senzaci.

Hej Arakawa: všude, nikde

Hei Arakawa je inspirován stavy změn, obdobími nestability, prvky rizika a jeho instalace často symbolizují témata přátelství a týmové práce. Krédo současného japonského umělce je definováno performativním, neurčitým „všude, ale nikde“. Jeho výtvory se objevují na nečekaných místech. V roce 2013 byla Arakawova díla vystavena na Bienále v Benátkách a na výstavě Japonců současné umění v Mori Art Museum (Tokio). Byla to instalace Hawaiian Presence (2014). společný projekt s newyorskou umělkyní Carissou Rodriguez a zúčastnila se Whitney Biennial. Také v roce 2014 Arakawa a jeho bratr Tomu, vystupující jako duo s názvem United Brothers, nabídli návštěvníkům Frieze London své „dílo“ „The This Soup Taste Ambivalent“ s „radioaktivní“ kořenovou zeleninou Fukushima daikon.

Koki Tanaka: Vztahy a opakování

V roce 2015 byl Koki Tanaka uznán jako „Umělec roku“. Tanaka zkoumá sdílené zkušenosti kreativity a představivosti, podporuje výměnu mezi účastníky projektu a obhajuje nová pravidla spolupráce. Jeho instalace v japonském pavilonu na Benátském bienále 2013 sestávala z videí objektů, které proměnily prostor v platformu pro uměleckou výměnu. Instalace Kokiho Tanaky (nezaměňovat s jeho plnohodnotným hercem jmenovce) ilustrují vztah mezi předměty a akcemi, například video obsahuje záznamy jednoduchých gest prováděných běžnými předměty (nožem krájející zeleninu, nalévání piva do sklenice , otevření deštníku). Neděje se nic podstatného, ​​ale obsedantní opakování a pozornost do nejmenších detailů přimět diváka ocenit světské.

Mariko Mori a aerodynamické tvary

Další současná japonská umělkyně Mariko Mori „kouzlí“ multimediální objekty, kombinuje videa, fotografie a objekty. Vyznačuje se minimalistickou futuristickou vizí a uhlazenými surrealistickými formami. Opakujícím se tématem v Moriho díle je srovnání západní legendy s západní kultura. V roce 2010 Mariko založila Fau Foundation, vzdělávací kulturní neziskovou organizaci, pro kterou vytvořila sérii uměleckých instalací na počest šesti obydlených kontinentů. Nejnověji byla nad malebným vodopádem v Resende poblíž Rio de Janeira vztyčena stálá instalace nadace „Ring: One with Nature“.

Ryoji Ikeda: syntéza zvuku a videa

Ryoji Ikeda je umělec a skladatel nových médií, jehož tvorba se zabývá především zvukem v různých „surových“ stavech, od sinusových vln až po hluk využívající frekvence na hranici lidského sluchu. Jeho pohlcující instalace zahrnují počítačem generované zvuky, které jsou vizuálně transformovány do videoprojekcí nebo digitálních vzorů. Audiovizuální umění Ikeda využívá měřítko, světlo, stín, hlasitost, elektronické zvuky a rytmus. Slavné umělcovo testovací zařízení se skládá z pěti projektorů, které osvětlují plochu 28 metrů dlouhou a 8 metrů širokou. Nastavení převádí data (text, zvuky, fotografie a filmy) na čárové kódy a binární vzory jedniček a nul.

Tatsuo Miyajima a LED počítadla

Současný japonský sochař a umělec instalací Tatsuo Miyajima používá ve svém umění elektrická schémata, video, počítače a další gadgety. Základní koncepty Miyajima jsou inspirovány humanistické myšlenky a buddhistické učení. LED počítadla v jeho instalacích nepřetržitě blikají v opakování od 1 do 9, což symbolizuje cestu od života ke smrti, ale vyhýbají se definitivnosti, kterou představuje 0 (nula se v Tatsuově díle nikdy neobjevuje). Všudypřítomná čísla v mřížkách, věžích a diagramech vyjadřují Miyajimův zájem o myšlenky kontinuity, věčnosti, spojení a toku času a prostoru. Nedávno byl Mijadžimův „Šíp času“ uveden na zahajovací výstavě „Unfinished Thoughts Visible in New York“.

Nara Yoshimoto a zlé děti

Nara Yoshimoto vytváří obrazy, sochy a kresby dětí a psů – předměty, které odrážejí dětské pocity nudy a frustrace a zuřivou nezávislost, která je pro batolata přirozená. Estetika Yoshimotova díla připomíná tradiční knižní ilustrace, je směsí neklidného napětí a umělcovy lásky k punk rocku. V roce 2011 první osobní výstava Yoshimoto s názvem "Yoshitomo Nara: Nobody's Fool", pokrývající 20letou kariéru současného japonského umělce Exponáty úzce souvisely se světovými subkulturami mládeže, jejich odcizením a protestem.

Yayoi Kusama a prostor rostoucí do podivných forem

Úžasný tvůrčí biografie Kusama's Yayoi trvá sedm desetiletí. Během této doby stihla úžasná Japonka vystudovat obory malba, grafika, koláž, sochařství, kino, rytina, environmentální umění, instalace, ale i literatura, móda a oděvní design. Kusama vyvinula velmi osobitý styl dot art, který se stal její obchodní značkou. Iluzorní vize prezentované v dílech 88letého Kusamy (kdy se zdá, že svět je pokrytý rozlehlým výstřední formy), je výsledkem halucinací, které prožívala od dětství. Místnosti s barevnými tečkami a „nekonečnými“ zrcadly odrážejícími jejich shluky jsou rozpoznatelné a nelze je zaměnit s ničím jiným.

Je nepravděpodobné, že Yayoi Kusama bude schopna odpovědět na to, co tvořilo základ její kariéry umělkyně. Je jí 87 let, její umění je uznáváno po celém světě. Brzy budou velké výstavy její práce v USA a Japonsku, ale ještě neřekla světu všechno. "Je to stále na cestě. V budoucnu to vytvořím,“ říká Kusama. Je označována za nejúspěšnější umělkyni v Japonsku. Navíc je nejdražší žijící umělkyní: v roce 2014 se její obraz „Bílá č. 28“ prodal za 7,1 milionu dolarů.

Kusama žije v Tokiu a dobrovolnictví se věnuje téměř čtyřicet let. psychiatrická léčebna. Jednou denně nechává jeho stěny malovat. Vstává ve tři hodiny ráno, nemůže spát a svůj čas chce trávit produktivně v práci. „Už jsem starý, ale stále budu tvořit další díla a nejlepší díla. Víc, než jsem udělal v minulosti. Moje mysl je plná obrázků,“ říká.

(celkem 17 fotek)

Yayoi Kusama na výstavě svých prací v Londýně v roce 1985. Foto: NILS JORGENSEN/REX/Shutterstock

Od devíti do šesti pracuje Kusama ve svém třípatrovém ateliéru, aniž by vstal invalidní vozík. Může chodit, ale je příliš slabá. Žena pracuje na plátně rozloženém na stolech nebo připevněném k podlaze. Ateliér je plný nových obrazů, světlých děl posetých malými skvrnami. Umělkyně tomu říká „sebeumlčení“ – nekonečné opakování, které přehluší hluk v její hlavě.

Před předáváním uměleckých cen Praemium Imperiale 2006 v Tokiu. Foto: Sutton-Hibbert/REX/Shutterstock

Přes ulici se brzy otevře nová galerie, a další muzeum jejího umění se staví severně od Tokia. Kromě toho se otevírají dvě velké výstavy její tvorby. „Yayoi Kusama: Infinity Mirrors“, retrospektiva její 65leté kariéry, byla zahájena v Hirshhornově muzeu ve Washingtonu 23. února a potrvá do 14. května, než se vydá do Seattlu, Los Angeles, Toronta a Clevelandu. Výstava zahrnuje 60 obrazů Kusamy.

Její puntíky v ní zakrývají vše od šatů Louis Vuitton až po autobusy rodné město. Kusamovo dílo se pravidelně prodává za miliony dolarů a lze je nalézt po celém světě, od New Yorku po Amsterdam. Výstavy děl japonského umělce jsou tak populární, že jsou vyžadována opatření, aby se zabránilo davům a nepokojům. Například v Hirshhornu se vstupenky na výstavu prodávají na určitou dobu, aby se nějak reguloval tok návštěvníků.

Prezentace společného designu Louis Vuitton a Yayoi Kusama v New Yorku v roce 2012. Foto: Billy Farrell Agency/REX/Shutterstock

Ale Kusama stále potřebuje vnější souhlas. Když se jí v rozhovoru zeptali, zda před desítkami let dosáhla svého cíle stát se bohatou a slavnou, překvapeně odpověděla: „Když jsem byla malá, bylo pro mě velmi těžké přesvědčit matku, že se chci stát umělkyní. Je opravdu pravda, že jsem bohatý a slavný?

Kusama se narodil v Matsumoto, v horách středního Japonska, v roce 1929 do bohaté a konzervativní rodiny, která prodávala sazenice. Ale nebyl to šťastný domov. Její matka opovrhovala svým podvádějícím manželem a poslala malého Kusamu, aby ho špehoval. Dívka viděla svého otce s jinými ženami a to jí dalo celoživotní odpor k sexu.

Butikové okno Louis Vuitton navržené Kusamou v roce 2012. Foto: Joe Schildhorn/BFA/REX/Shutterstock

Jako dítě začala pociťovat zrakové a sluchové halucinace. Když poprvé uviděla dýni, představila si, že k ní mluví. Budoucí umělkyně se s vizemi vyrovnala vytvořením opakujících se vzorců, aby přehlušila myšlenky v její hlavě. I v tak mladém věku se pro ni umění stalo jakousi terapií, kterou později nazvala „umělecká medicína“.

Dílo Yayoi Kusamy vystavené ve Whitney Museum of Contemporary Art v roce 2012. Foto: Billy Farrell Agency/REX/Shutterstock

Kusamova matka byla silně proti touze své dcery stát se umělkyní a trvala na tom, aby dívka šla tradiční cestou. „Nenechala mě kreslit. Chtěla, abych se oženil,“ řekl umělec v rozhovoru. - Zahodila moji práci. Chtěl jsem se vrhnout pod vlak. Každý den jsem bojoval se svou matkou, a proto byla moje mysl poškozena.“

V roce 1948, po skončení války, Kusama odešel do Kjóta studovat tradiční japonskou malbu nihonga s přísnými pravidly. Tento druh umění nenáviděla.

Jeden z exponátů z výstavy Yayoi Kusama ve Whitney Museum of Contemporary Art v roce 2012. Foto: Billy Farrell Agency/REX/Shutterstock

Když Kusama žila v Matsumotu, našla knihu Georgie O'Keeffeové a její obrazy ji ohromily. Dívka se vydala na americkou ambasádu v Tokiu, aby v tamním adresáři našla článek o O’Keefe a zjistila její adresu. Kusama jí napsal dopis a poslal jí nějaké kresby a k jejímu překvapení: americký umělec odpověděl jí.

„Nemohl jsem uvěřit svému štěstí! Byla tak laskavá, že reagovala na náhlý výbuch citů od skromných Japonské dívky, kterého v životě nepotkala, ani o něm neslyšela,“ napsala umělkyně ve své autobiografii „Infinity Net“.

Yayoi Kusama ve výloze butiku Louis Vuitton v New Yorku v roce 2012. Foto: Nils Jorgensen/REX/Shutterstock

Navzdory O'Keeffeovým varováním, že život je pro mladé umělce ve Spojených státech velmi obtížný, nemluvě o svobodných mladých dívkách v Japonsku, byl Kusama nezastavitelný. V roce 1957 se jí podařilo získat pas a vízum. Do šatů si všila dolary, aby obešla přísné poválečné měnové kontroly.

První zastávkou byl Seattle, kde uspořádala výstavu v malé galerii. Pak Kusama odjela do New Yorku, kde byla hořce zklamaná. „Na rozdíl od poválečného Matsumota byl New York v každém smyslu zlým a násilným místem. Ukázalo se, že je to pro mě příliš stresující a brzy jsem upadl do neurózy.“ Aby toho nebylo málo, Kusama se ocitla v naprosté chudobě. Sloužila jako postel staré dveře a z odpadkových košů vylovila rybí hlavy a shnilou zeleninu, aby z nich uvařila polévku.

Instalace Infinity Mirror Room - Love Forever ("Pokoj s nekonečnými zrcadly - láska navždy"). Foto: Tony Kyriacou/REX/Shutterstock

Tento těžká situace přiměl Kusamu, aby se ještě více ponořil do své práce. Začala vytvářet své první obrazy ze série Infinity Net, pokrývající obrovská plátna (jedno z nich bylo 10 metrů vysoké) fascinujícími vlnami malých smyček, které jakoby nikdy neskončily. Sama umělkyně je popsala takto: „Bílé sítě obklopující černé tečky tiché smrti na pozadí beznadějné temnoty nicoty.“

Instalace Yayoi Kusama při otevření nové budovy Garážového muzea současného umění v Gorkého parku v Moskvě v roce 2015. Foto: David X Prutting/BFA.com/REX/Shutterstock

Toto obsedantně-kompulzivní opakování pomohlo zahnat neurózu, ale ne vždy zachránilo. Kusama neustále trpěl záchvaty psychózy a skončil v newyorské nemocnici. Jelikož byla ambiciózní a cílevědomá a s radostí přijala roli exotické Asiatky v kimonu, připojila se k davu vlivných lidí v umění a komunikovala s takovými. uznávaní umělci jako Mark Rothko a Andy Warhol. Kusama později řekl, že Warhol napodobil její práci.

Kusama brzy získal určitý stupeň slávy a vystavoval v přeplněných galeriích. Kromě toho se sláva umělce stala skandální.

V 60. letech, kdy byla Kusama posedlá puntíky, začala v New Yorku pořádat happeningy, kde vybízela lidi, aby se svlékli donaha na místech, jako je Central Park a Brooklyn Bridge, a pomalovali si těla puntíky.

Pre-display v Art Basel v Hong Kongu v roce 2013. Foto: Billy Farrell/BFA/REX/Shutterstock

Desítky let před hnutím Occupy Wall Street uspořádala Kusama happening ve finanční čtvrti New Yorku, kde prohlásila, že chce „zničit muže z Wall Street puntíky“. Zhruba v této době začala různé předměty - židli, loď, kočárek - zakrývat falicky vyhlížejícími výčnělky. "Začal jsem vytvářet penisy, abych vyléčil své pocity averze k sexu," napsal umělec a popsal, jak na to tvůrčí proces postupně mění strašné v něco známého.

Instalace "Passing Winter" v Tate Gallery v Londýně. Foto: James Gourley/REX/Shutterstock

Kusama se nikdy nevdala, i když měla deset let vztah podobný manželství s umělcem Josephem Cornellem, když žila v New Yorku. "Neměla jsem ráda sex a on byl impotentní, takže jsme se k sobě velmi hodili," řekla v rozhovoru pro Art Magazine.

Kusama se stále více proslavila svými dováděním: nabídla, že se vyspí s americkým prezidentem Richardem Nixonem, pokud ukončí válku ve Vietnamu. "Pojďme se navzájem ozdobit puntíky," napsala mu v dopise. Zájem o její umění sám opadl, ocitla se v nemilosti a opět začaly problémy s penězi.

Yayoi Kusama během retrospektivy své práce ve Whitney Museum of Modern Art v New Yorku v roce 2012. Foto: Steve Eichner/Penske Media/REX/Shutterstock

Zprávy o Kusamových eskapádách se dostaly do Japonska. Začalo se jí říkat „národní katastrofa“ a její matka řekla, že by bylo lepší, kdyby její dcera na tuto nemoc zemřela v dětství. Počátkem 70. let se Kusama, zbídačený a neúspěšný, vrátil do Japonska. Zaregistrovala se v psychiatrické léčebně, kde dodnes žije, a propadla se do uměleckého temna.

V roce 1989 uspořádalo Centrum pro současné umění v New Yorku retrospektivu její tvorby. To byl začátek, i když pomalý, oživení zájmu o Kusamovo umění. Naplnila zrcadlovou místnost dýněmi pro instalaci, která byla vystavena na Benátském bienále v roce 1993 a měla velkou výstavu v MoMa v New Yorku v roce 1998. Tady kdysi uspořádala happening.

Na výstavě Moje věčná duše v Národním uměleckém centru v Tokiu, únor 2017. Foto: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock

Během několika posledních let se Yayoi Kusama stal mezinárodním fenoménem. Moderní galerie Tate v Londýně a Whitney Museum v New Yorku pořádaly velké retrospektivy, které přilákaly obrovské davy návštěvníků, a její ikonický puntíkovaný vzor se stal velmi rozpoznatelným.

Na výstavě Moje věčná duše v Národním uměleckém centru v Tokiu, únor 2017. Foto: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock

Umělkyně neplánuje přestat pracovat, ale začala přemýšlet o své smrtelnosti. „Nevím, jak dlouho dokážu přežít i po smrti. Existuje budoucí generace, která jde v mých stopách. Bude pro mě ctí, když se lidé rádi dívají na mou práci a pokud je moje umění dojme.“

Na výstavě Moje věčná duše v Národním uměleckém centru v Tokiu, únor 2017. Foto: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock

Navzdory komercializaci svého umění Kusama přemýšlí o hrobě v Matsumoto – ne v rodinná krypta, to už dostala od rodičů - a jak z ní neudělat svatostánek. "Ale já ještě neumírám. Myslím, že budu žít dalších 20 let,“ říká.

Na výstavě Moje věčná duše v Národním uměleckém centru v Tokiu, únor 2017. Foto: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock

Japonská klasická malba má dlouhou a zajímavý příběh. Výtvarné umění Japonska je prezentováno v různé styly a žánry, z nichž každý je svým způsobem jedinečný. Starověké malované figurky a geometrické motivy nalezené na bronzových zvonech dotaku a střepech keramiky pocházejí z roku 300 našeho letopočtu.

Buddhistická orientace umění

Umění nástěnné malby bylo v Japonsku v 6. století docela rozvinuté, oblíbené byly zejména obrazy na téma buddhistické filozofie. V té době se země budovala velké chrámy a jejich stěny byly všude vyzdobeny freskami namalovanými podle výjevů z buddhistických mýtů a legend. Starověké příklady nástěnných maleb jsou stále zachovány v blízkosti chrámu Horyuji japonské město Nara. Nástěnné malby Horyuji zobrazují scény ze života Buddhy a dalších bohů. Umělecký styl těchto fresek je velmi blízký vizuální koncept, populární v Číně během dynastie Song.

Malířský styl dynastie Tang získal zvláštní popularitu uprostřed období Nara. Fresky objevené v hrobce Takamatsuzuka pocházejí přibližně ze 7. století našeho letopočtu z tohoto období. Umělecká technika, vzniklý pod vlivem dynastie Tang, následně vytvořil základ malířského žánru kara-e. Tento žánr si udržel svou popularitu až do objevení prvních děl ve stylu Yamato-e. Většina fresek a malebná mistrovská díla patří ke štětcům neznámých autorů dnes je mnoho děl té doby uloženo v pokladnici Sesoin.

Rostoucí vliv nových buddhistických škol, jako je Tendai, ovlivnil širší náboženskou orientaci výtvarné umění Japonsko v 8. a 9. století. V 10. století, které zaznamenalo zvláštní pokrok v japonském buddhismu, se objevil žánr raigozu, „uvítací obrazy“, které znázorňovaly příchod Buddhy do Západního ráje. První příklady raigozu, pocházející z roku 1053, lze vidět v chrámu Bedo-in, který přežívá ve městě Uji v prefektuře Kjóto.

Změna stylů

V polovině období Heian nahrazen čínský styl kara-e přichází na žánr Yamato-e, který se na dlouhou dobu stává jedním z nejoblíbenějších a nejvyhledávanějších žánrů Japonská malba. Nový obrazový styl se uplatnil především při malování skládacích zástěn a posuvných dveří. Postupem času se yamato-e také přesunulo na horizontální svitky emakimono. Umělci, kteří pracovali v žánru emaki, se snažili ve svých dílech zprostředkovat veškerou emocionalitu zvoleného děje. Svitek Genji Monogatari se skládal z několika epizod spojených dohromady, přičemž umělci té doby používali rychlé tahy štětcem a jasné, výrazné barvy.


E-maki je jedním z nejstarších a nejrozšířenějších vynikající příklady otoko-e, obrazový žánr mužské portréty. Portréty žen jsou zvýrazněny v samostatný žánr onna-uh. Mezi těmito žánry jsou totiž, stejně jako mezi muži a ženami, patrné poměrně výrazné rozdíly. Styl onna-e je barevně zastoupen v designu The Tale of Genji, kde jsou hlavními motivy kreseb romantické příběhy, výjevy ze života u soudu. Pánský styl otoko-e je převážně umělecký obraz historické bitvy a další důležité události v životě říše.


Klasická japonská umělecká škola se stala úrodnou půdou pro rozvoj a propagaci myšlenek současného umění v Japonsku, ve kterém je jasně vidět vliv pop kultury a anime. Jeden z nejslavnějších japonských umělců naší doby může být nazýván Takashi Murakami, jehož dílo se věnuje zobrazování scén z japonského života. poválečné období a koncept maximální fúze výtvarné umění a hlavního proudu.

Od slavných japonských umělců klasická škola můžeme jmenovat následující.

Napjatý Xubun

Syubun pracoval na začátku 15. století a věnoval hodně času studiu děl čínští mistřiéry dynastie Song stál tento muž u zrodu japonského vizuálního žánru. Shubun je považován za zakladatele stylu sumi-e, monochromatické tušové malby. Vynaložil mnoho úsilí na popularizaci nového žánru a proměnil jej v jednu z předních oblastí japonské malby. Syubunovými studenty bylo mnoho, kteří se později stali slavných umělců, včetně Sesshu a zakladatele slavné umělecké školy Kano Masanobu. Mnoho krajin bylo připisováno Xubunovi, ale jeho nejslavnější dílo je tradičně považováno za „Čtení v bambusovém háji“.

Ogata Korin (1658-1716)

Ogata Korin je jedním z největších umělců v historii japonského malířství, zakladatel a jeden z nejjasnějších představitelů uměleckého stylu rimpa. Korine se ve svých dílech odvážně vzdálil od tradičních stereotypů a vytvořil si svůj vlastní styl, jehož hlavními charakteristikami byly malé formy a jasný impresionismus zápletky. Korin je známý svou zvláštní dovedností v zobrazování přírody a práci s abstraktními barevnými kompozicemi. „Plum Blossom Red and White“ je jedním z nejznámějších děl Ogaty Korina; známé jsou také jeho obrazy „Chryzantémy“, „Vlny Matsushimy“ a řada dalších.

Hasegawa Tohaku (1539-1610)

Tohaku je zakladatelem japonské umělecké školy Hasegawa. Pro rané období Tohakuova kreativita se vyznačuje vlivem slavné školy japonského malířství Kano, ale postupem času si umělec vytvořil vlastní jedinečný styl. Tohakuovo dílo bylo v mnoha ohledech ovlivněno díly uznávaného mistra Sesshu, dokonce se považoval za pátého pokračovatele tohoto velkého mistra. Obraz Hasegawy Tohaku "Pines" obdržel světová sláva, známá jsou i jeho díla „Javor“, „Borovice a kvetoucí rostliny“ a další.

Kano Eitoku (1543–1590)

Školní styl Kano dominoval výtvarnému umění Japonska asi čtyři století a Kano Eitoku je možná jedním z nejslavnějších a prominentní představitelé tato umělecká škola. Eitoku byl úřady nakloněn, patronát aristokratů a bohatých mecenášů nemohl nepřispívat k posílení jeho školy a popularitě jeho děl, bezpochyby velmi talentovaný umělec. Osmipanelová posuvná zástěna Cypress, kterou namaloval Eitoku Kano, je skutečným mistrovským dílem a zářný příklad rozsah a síla stylu Monoyama. Neméně zajímavě vypadají i další díla mistra, jako jsou „Ptáci a stromy čtyř ročních období“, „Čínští lvi“, „Poustevníci a víla“ a mnoho dalších.

Katsushika Hokusai (1760-1849)

Hokusai – největší mistržánr ukiyo-e (japonský dřevoryt). Hokusaiho dílo získalo celosvětové uznání, jeho sláva v jiných zemích není srovnatelná s popularitou většiny asijských umělců, jeho dílo " Velká vlna in Kanagawa“ se stal něčím jako vizitkou japonského výtvarného umění na světové umělecké scéně. Na vlastní pěst kreativní cesta Hokusai používal více než třicet pseudonymů po šedesátce se umělec věnoval výhradně umění a právě tato doba je považována za nejplodnější období jeho tvorby. Hokusaiova díla ovlivnila tvorbu západních mistrů impresionismu a postimpresionistického období, včetně díla Renoira, Moneta a van Gogha.


Což zahrnuje mnoho technik a stylů. Za celou historii své existence prošel velký počet změny. Přibyly nové tradice a žánry a zůstaly původní japonské principy. Spolu s úžasný příběh Japonská malba je také připravena představit mnoho jedinečných a zajímavých faktů.

Starověké Japonsko

První styly se objevují v nejstarším historickém období země, dokonce před naším letopočtem. E. Tehdy bylo umění docela primitivní. Nejprve v roce 300 př.n.l. např. různé geometrické tvary, které byly prováděny na keramice pomocí tyčinek. Takový objev archeologů jako ozdoba na bronzových zvonech pochází z pozdější doby.

O něco později, již v roce 300 n.l. e. se objeví skalní malby, které jsou mnohem rozmanitější než geometrické vzory. Jedná se již o plnohodnotné snímky s obrázky. Byly nalezeny uvnitř krypt a pravděpodobně na těchto pohřebištích byli pohřbeni lidé, kteří jsou na nich namalováni.

V 7. století našeho letopočtu E. Japonsko přejímá písmo, které pochází z Číny. Zhruba ve stejné době odtud pocházely první obrazy. Poté se malba jeví jako samostatná sféra umění.

Edo

Edo není zdaleka první a ne poslední obraz, ale přinesl do kultury spoustu nového. Za prvé je to jas a barevnost, které byly přidány k obvyklé technice prováděné v černé a šedé tóny. Většina vynikající umělec Tento styl je považován za Sotasu. On vytvořil klasické obrazy, ale jeho postavy byly velmi pestré. Později přešel k přírodě a většina jeho krajin byla namalována na zlaceném pozadí.

Za druhé, v období Edo se objevila exotika, žánr namban. Používala moderní evropské a čínské techniky, které se prolínaly s tradičními japonskými styly.

A do třetice se objevuje škola Nanga. Umělci v něm nejprve zcela napodobují nebo dokonce kopírují díla čínských mistrů. Poté se objeví nová větev, která se nazývá bunjing.

Období modernizace

Období Edo ustupuje Meidži a nyní je k tomu nucena japonská malba nová etapa rozvoj. V této době se po celém světě stávaly populární žánry jako western a podobně, takže modernizace umění se stala běžnou záležitostí. Nicméně v Japonsku, zemi, kde všichni lidé ctí tradice, daný čas situace byla výrazně odlišná od toho, co se dělo v jiných zemích. Konkurence mezi evropskými a místními techniky je zde tvrdá.

Vláda v této fázi dává přednost mladým umělcům, kteří se podřizují velké naděje zlepšit dovednosti v západních stylech. Posílají je tedy do škol v Evropě a Americe.

Ale to bylo jen na začátku období. Jde o to slavných kritiků dost kritizováno západní umění. Abyste se vyhnuli velkému rozruchu ohledně tohoto problému, evropské styly a techniky začaly být na výstavách zakázány, jejich vystavování ustalo, stejně jako jejich obliba.

Vznik evropských stylů

Následuje období Taisho. V této době mladí umělci, kteří odcházeli studovat do zahraniční školy, vrátit se do své vlasti. Přirozeně s sebou přinášejí nové styly japonské malby, které jsou velmi podobné té evropské. Objevuje se impresionismus a postimpresionismus.

V této fázi se tvoří mnoho škol, ve kterých starověké Japonské styly. Ale úplně se zbavit západních tendencí je nemožné. Musíme proto zkombinovat několik technik, abychom potěšili jak milovníky klasiky, tak fanoušky moderní evropské malby.

Některé školy jsou financovány státem, díky čemuž je možné zachovat mnohé z národních tradic. Soukromí vlastníci jsou nuceni následovat spotřebitele, kteří chtěli něco nového, jsou unaveni klasikou.

Obraz z druhé světové války

Po začátku války zůstalo japonské malířství nějakou dobu stranou událostí. Vyvíjel se samostatně a nezávisle. Tohle ale nemohlo pokračovat donekonečna.

Postupem času, kdy se politická situace v zemi zhoršuje, přitahují vysoké a respektované osobnosti mnoho umělců. Někteří z nich začali tvořit ve vlasteneckých stylech ještě na začátku války. Zbytek začíná tento proces pouze na příkaz úřadů.

V souladu s tím se japonské výtvarné umění nemohlo rozvíjet zejména během druhé světové války. Proto pro malování lze nazvat stagnující.

Věčná Suibokuga

Japonská malba sumi-e neboli suibokuga doslova znamená „malba inkoustem“. To určuje styl a techniku tohoto umění. Pocházelo z Číny, ale Japonci se rozhodli nazvat jej svým vlastním. A zpočátku tato technika neměla žádnou estetickou stránku. Používali ho mniši k sebezdokonalování při studiu zenu. Navíc nejprve kreslili obrázky a následně trénovali koncentraci při jejich prohlížení. Mniši věřili, že přísné linie, rozmazané tóny a stíny - vše, co se nazývá monochromatické - pomáhají zlepšit.

Japonská malba tuší navzdory velká rozmanitost malby a techniky není tak složité, jak by se na první pohled mohlo zdát. Je založen pouze na 4 parcelách:

  1. Chryzantéma.
  2. Orchidej.
  3. Švestková větev.
  4. Bambus.

Malý počet zápletek neurychluje zvládnutí techniky. Někteří mistři věří, že učení trvá celý život.

Navzdory skutečnosti, že se sumi-e objevilo již dávno, je vždy žádané. Navíc dnes můžete mistry této školy potkat nejen v Japonsku, je rozšířena i daleko za jeho hranicemi.

Moderní období

Po skončení 2. světové války umění v Japonsku vzkvétalo až v r velká města, vesničané a vesničané dost starostí. Umělci se většinou snažili odvrátit od válečných ztrát a zobrazit moderní život na plátně. městský život se všemi jeho ozdobami a funkcemi. Evropské a americké myšlenky byly úspěšně přijaty, ale tento stav netrval dlouho. Mnoho mistrů se od nich začalo postupně vzdalovat směrem k japonským školám.

Vždy zůstal v módě. Proto se moderní japonská malba může lišit pouze technikou provedení nebo použitými materiály. Většina umělců ale různé novinky nevnímá dobře.

Není možné nezmínit módní moderní subkultury, jako jsou anime a podobné styly. Mnoho umělců se snaží smazat hranici mezi klasikou a tím, co je dnes žádané. Z velké části je tento stav způsoben komercí. Klasika a tradiční žánry se prakticky nekupují, proto je nerentabilní pracovat jako umělec ve svém oblíbeném žánru, musíte se přizpůsobit módě.

Závěr

Japonská malba je bezesporu pokladnicí výtvarného umění. Možná, že dotyčná země byla jediná, která se neřídila západními trendy a nepřizpůsobila se módě. Navzdory mnoha úderům během nástupu nových technik byli japonští umělci stále schopni bránit národní tradice v mnoha žánrech. Zřejmě proto jsou dnes na výstavách vysoce ceněny obrazy provedené v klasických stylech.