Menu
DomovLáska a vztahy

Nejlepší obrazy Clauda Moneta. Jak se objevilo hnutí „impresionismus“? Nejslavnější obrazy Clauda Moneta

Claude Monet (1840-1926) - jeden z nej slavných umělců v historii. Francouzský umělec je jedním ze zakladatelů a jedním z nejvíce prominentní představitelé impresionismus v malbě.

Dnes jsou v nejvíce slavných muzeí mír. Jeho umění hraje důležitou roli ve vývoji malířství. Claude Monet je výjimečný talentovaný umělec začal pracovat zvláštním stylem, hlavním cílem která měla zprostředkovat ne přesnost okolního světa a jeho realističnost, ale dojem, charakter, atmosféru. Stojí za zmínku, že díky jednomu z jeho obrazů dostal název celé umělecké hnutí - impresionismus. Stalo se tak na jedné z impresionistických výstav, na které Monet představil své dílo s názvem „Dojem. Vycházející slunce“ („Dojem, soleil levant“). Kritik, který výstavu navštívil, napsal: "Nebylo to nic jiného než působivé." Poté k umělcům tímto směrem a bylo připojeno jméno „impresionisté“ (impressionnisme), což doslova znamená „dojem“ nebo „impresionisté“.

Po roce 1912, kdy Claude Monet podstoupil operaci očí, dostaly jeho obrazy nové barvy. Díky tomu, že umělec ztratil čočku v levém oku, začal vidět ultrafialové světlo. Ultrafialové viděl jako modrou nebo fialovou, a proto se v umělcových obrazech začaly objevovat zcela neobvyklé a netypické barvy. Claude Monet začal vidět celé své okolí v trochu jiných barvách, než vidí ostatní lidé. Monet za svůj život namaloval mnoho nádherných obrazů, ale v jeho sbírce jsou i díla, která považován za nejznámější a tedy i nejdražší. Nejdražší ze všech obrazů je „Jezírko s lekníny“. Tento obrázek byla napsána v roce 1919. V roce 2008 byl prodán v Christie’s za 80 451 178 $.

Chcete prodat starožitnosti nebo sběratelské předměty? VIP-vikup v Moskvě a Moskevské oblasti vám s tím pomůže. Nákup vzácných figurek, nábytku, fotografií, hodinek, knih a mnoho dalšího.

Nejslavnější obrazy umělce Clauda Moneta

Boulevard des Capucines

Lekníny

Gare Saint-Lazare

Dojem. Vycházející slunce

Dívka s deštníkem, tváří vlevo

Ženy v zahradě

Snídaně v trávě

Camilla v japonském kimonu

Waterloo Bridge, zatažené počasí

Velmi často je tento umělec zaměňován se svým kolegou Edouardem Manetem. Oba jsou umělci, ale velmi různé styly... I když se někde ve svých plátnech dokonce sbíhají, přesto jsou jiní. A jejich způsoby zahájení vývoje jsou různé. Ale pořád o Claudu Monetovi. Tento umělec začínal s karikaturou. Ano, z možná nejjednoduššího a nejtěžšího žánru malby. Jeho karikatury se objevovaly ze školních let, kdy, protože nechtěl studovat, kreslil stále více. Kreslil jsem své spolužáky, učitele, sousedy. Monet nenaplnil naděje svých rodičů, nepokračoval v otcově díle, ale díky svým karikaturám se proslavil v celém Le Havru, městě, kde žil. Navíc na tom k překvapení svých rodičů začal vydělávat peníze a prodával svá díla těm, které portrétoval, za dvacet franků. Karikatur bylo tolik, že v místním obchodě byly vystaveny v několika řadách ve výloze. Tam se v této vitríně prodávaly obrazy jiného umělce Eugena Boudina. Naopak díla tohoto umělce nebyla doceněna a byla dokonce považována za vulgární, ačkoli šlo pouze o místní krajiny. A mladého Moneta rozzuřilo, že Boudinova díla zabírala hodně místa a on nemohl vystavit více svých vlastních. Majitel obchodu se je mnohokrát snažil představit, ale stále to nefungovalo. Jednoho dne se to ale stalo a od té doby se má za to, že se Monet začal měnit z karikaturisty v malíře.

Byl to Boudin, kdo se stal Monetovým prvním učitelem. Byl to on, kdo mu dal jeho první malířské dovednosti. Naučil mě kreslit nejen karikatury, ale také jednoduše zobrazovat krajiny, zátiší a portréty. A objevil jiný svět malby, vnitřní, který není pro každého viditelný.

Tak nějak se pak skoro všechno začalo úspěšně dařit. Byl to Boudin, kdo trval na tom, aby ten chlap navštívil Paříž a pokusil se zjistit o přijetí na Akademii umění. Monetovi rodiče nebyli ani proti, ani pro... váhali, ale přesto dovolili svému synovi, aby se jednoduše vydal na průzkum... A Claude Monet skončil v Paříži. A hned navštívil výstavu umělců a sám pak svá díla ukázal. Byly chváleny, ale přesto upozorňovaly na některé nedostatky. Monet se rozhodne zůstat v Paříži, dokud to vydrží. Rodiče přestali pomáhat, protože jejich syn neměl v úmyslu studovat. Je dobře, že se našla teta, která ho zásobovala penězi a pak mu vlastně zachránila život tím, že ho vyplatila z armády, kde se mu podařilo chytit „módní“ nemoc – břišní tyfus. Poté se pokusil vstoupit na univerzitu na filozofickou fakultu, ale tam se nudil a odešel. A skončí v Gleyerově studiu. Tam se setkává s Basilem, Sisley a Renoirem. Byli to tito umělci, kteří se později stali páteří impresionistické skupiny a obecně umělecký směr– Impresionismus, název tomuto hnutí dal Claude Monet. A všechno to začalo jeho plátnem – „Dojem. Vycházející slunce." To je začátek něčeho, co stále mnohé udivuje a zároveň vyvolává poměrně hodně kontroverzí. Až teď, mějte se na paměti.

Dále Moneta nezlomily osobní ztráty. Ztratil svou první ženu a poté, co se oženil podruhé, ztratil i tuto ženu. Nejničivější je ztráta syna. A pak sám vážně onemocněl a tato nemoc mu hrozila tím, že přestane malovat. Dvojitý šedý zákal byl nemoc, která mu stála v cestě, ale po dvou operacích se svého talentu nevzdal a tvořil dál. A pak se stalo neočekávané: kvůli operacím a změnám na oku začal vidět některé barvy v ultrafialovém světle. A proto viděl některé barvy úplně jinak. Na poslední den Monet nespustil štětec, maloval plátna a dál udivoval své fanoušky svým talentem.

Alexej Vasin

Stvoření

Rychlý vývoj evropské malířství na konci 19. století vyvolala mimovolnou krizi žánru. Navzdory skutečnosti, že Evropa oněch let dala světu mnoho talentovaných umělců, společnost cítila únavu ze sociálních témat, která se v malbě stala příliš běžnou. Nespokojeni jsou i samotní umělci.

Claude Monet, považovaný za zakladatele francouzský impresionismus, na začátku své kariéry se potýkal jak s odmítáním hnutí, které inicioval, tak s nadšeným nadšením pro něj. Vše začalo po návratu z Londýna, umělec vytvořil za jeden večer krajinu, která znázorňovala zapadající slunce ozařující moře červenými paprsky. Monet obraz jednoduše nazval „Východ slunce. Dojem".

Tím chtěl zdůraznit, že se nesnažil přesně načrtnout přírodu, ale zprostředkovat pouze dojem z toho, co zažil při pohledu na východ slunce. Obrázek vyvolal nečekanou senzaci. Někteří kritici byli nespokojeni s tak frivolním přístupem k malbě, jiní byli potěšeni, když objevili nový způsob zprostředkování reality.

Impresionismus (z francouzského „imprese“) se vyznačuje jemným přístupem k zobrazování reality. Pouze první dojem je načrtnut dynamickými tahy, které zprostředkovávají pohyb textury oblečení, vlasů, stromů, vody a dokonce i vzduchu. Impresionistické obrazy jsou vzdušné, pohyblivé, plné čistých barev a jemných polotónů.

Monetovy obrazy tomuto stylu plně odpovídaly. Na počátku 20. století umělec vytvořil řadu krajinomaleb, které ho proslavily na dlouhá desetiletí. Mezi takové obrazy patří „Lekníny“, „Mannaport“, „Lekníny“, „Pole vlčích máků v Argenteuil“. Všechny tyto obrazy jsou malovány lehkými tahy, které zprostředkovávají dech a tkáň živé i neživé hmoty. Společnost, unavená vážnými tématy, reagovala s vděčností a potěšením na jednoduchá témata na Monetových obrazech.

Umělec se soustředí na zprostředkování nálady stejného místa v různých obdobích roku a dne. Pak se zrodila slavná série obrazů „Haystack“. Monet znovu a znovu popisuje stejné téma a nachází nové úhly pohledu, nová řešení při předávání reality.

Umělec má zvláštní vnímání a styl ztvárnění bílý. Zdá se, že v jeho obrazech není čistě bílá barva. Místo toho bílé lekníny, bílá pěna na vlnách a mraky mají namodralé, namodralé a lila odstíny. Monet se stejně jako ostatní impresionisté na svých obrazech vyhýbal černé barvě. Místo toho použili fialové barvy.

Mnoho Monetových obrazů se vyznačuje romantickým a vzdušným vnímáním městské krajiny. Umělcův obraz „Parlament Buildings at Sunset“ je jedním z nejdražších obrazů na světě. Monetovi se tam podařilo dobýt londýnský parlament, zahalený do pověstné mlhy a mraků.

Obrazy Clauda Moneta jsou jakýmsi měřítkem uměleckou hodnotu impresionismus. Jeho plátna zdobí největší světová muzea včetně petrohradské Ermitáže a Puškinova muzea v Moskvě.

Igor Chergeiko

Impresionismus

Principu optického míchání barev, založeného na umělcem skutečně viděných a vnímaných přírodních jevech, používali mistři impresionismu s velkou uměleckou svobodou. Zvláštní expresivita textury jejich obrazů není cílem sama o sobě, ale nezbytným způsobem vyjádření těchto tvůrčích aspirací. Impresionisté „se snažili zanechat v malbě stopy toho, jak byla vyrobena. Potřebovali, aby divák nezapomněl, že stojí na hranici mezi zrcadlovou iluzí a plátnem postříkaným barvami,“ píše M. V. Alpatov. „Teprve pak se před jeho očima odehraje „umělecký zázrak“.

Zvláštní dojem nedokončenosti impresionistických obrazů, který tak zmátl současného diváka, je důsledkem jejich touhy zachytit pomíjivost, pohyblivost, „nestálost“ viditelný svět. Pozdější díla neoimpresionistů (přesněji divizionistů) s jejich racionální teorií barevné separace a neutralizace umělcova rukopisu byla takové svobody a umění do značné míry zbavena. Touha impresionistů „malovat barvou“ a téměř úplné vymizení čáry (kresby) v některých dílech velmi znesnadňují a někdy znemožňují reprodukovat jejich obrazy v černobílé podobě.

Impresionisté byli zásadovými odpůrci jakéhokoli teoretizování. Podle Moneta je umění „svobodnou a citovou interpretací přírody... teorie nemohou vytvářet obrazy“. Takzvaná teorie impresionismu vznikla později; bylo založeno na umělecké objevy mistrů tohoto směru, na jejich schopnosti vidět svět přímo, intuitivně, na obrazném, nekonceptuálním myšlení, které je impresionismu vlastní. Absolutní důvěra impresionistů v jejich zrakové vnímání, jejich touha malovat „pouze to, co vidí a jak vidí“20, dala vzniknout nové hodnotové konvenci v umění. A zde je na místě připomenout slova Charlese Baudelaira, která pronesl v roce 1859 na prahu nastupujícího impresionismu: „Někdy se zjevně konvenční ukazuje být nekonečně blíže pravdě a většina naši krajináři lžou právě proto, že se snaží být příliš pravdiví.“

Jak se však impresionismus vyvíjel, již od konce 70. let 19. století, to „záměrně konvenční“ v něm stále více začalo tíhnout k dekorativismu: důsledné oslabování plastických aspektů v malbě (prostor a objem), nastolení rovné obrazové plochy, nahrazení přirozeného barevného vidění konvenčními tonálními efekty, „filtrování“ barevné rozmanitosti zobrazovaného světa, rozdělení kompozice podle principu porovnávání barevných zón - vlastnosti, které spojují impresionismus s některými trendy v umění přelomu století. A přesto se dekorativnost nikdy nestala hlavním principem impresionistického stylu, a to ani v pozdní období Monetova kreativita: místní „planární“ barevnost a linearita jsou cizí samotné poetice impresionismu.

Jak již bylo řečeno, impresionismus nevznikl náhle. Mnohé z jeho objevů byly připraveny umění 19. století století se zdálo, že se vznášely ve vzduchu. Připomeňme si alespoň ta úžasná slova, která O. Balzac vložil do úst starému umělci z příběhu „Neznámé mistrovské dílo“: „Přísně vzato, kresba neexistuje! Nesměj se, mladý muži... Čára je způsob, kterým si člověk uvědomuje vliv osvětlení na vzhled předmětu. Ale v přírodě, kde je vše konvexní, žádné čáry neexistují: pouze modelování vytváří kresbu, tedy zvýraznění objektu v prostředí, kde existuje. Pouze rozložení světla dává viditelnost těl!... Copak takhle nepracuje slunce, božský malíř světa? Ach příroda, příroda! Komu se kdy podařilo chytit tvou nepolapitelnou formu? Balzac vytvořil příběh v roce 1830; zároveň v dynamické, barevné malbě E. Delacroixe, v romantických obrazech J. M. W. Turnera, v krajinách R. P. Boningtona a J. Constabla s jejich neustále se měnícím nebem připravovali to, co později přijali nastupující impresionismus. Mezi bezprostřední předchůdce Moneta, C. Pissarra a A. Sisleyho patří C. Corot, krajináři barbizonské školy (zejména nejpoetičtější z nich C. Daubigny), a také budoucí Monetovi učitelé E. Boudin a I. B. Yonkind.

A přesto byl impresionismus v evropském umění zásadně novým slovem. Nyní, při pohledu z velké dálky, získal charakter „klasické“ doby. Francouzská malba. Nesmíme však ztrácet ze zřetele, že impresionismus v malířství prošel dosti složitým vývojem: postupně se krystalizovalo nové umělecké vidění světa, jednotlivé (výše uvedené) rysy poetiky impresionismu měly relativně větší či menší míru význam v různé časy a od různých mistrů. Dějiny obrazového impresionismu lze tradičně rozdělit na období příprav (dozrávání nové metody) – 60. léta 19. století, rozkvět a boj o nové umění – 70. léta 19. století, počínaje 80. lety 19. století, léta krize a tvůrčích rozdílů (tzv. poslední, 8. výstava impresionistů 1886 se časově shodovala s rozpadem skupiny) a pozdní - od 90. let 19. století až do konce života Degase, Renoira, Moneta.

V žádném z těchto období svého vývoje nebyl impresionismus absolutně dominantním směrem v umění. francouzské umění. Zároveň J. O. D. Ingres, C. Corot, G. Courbet, J. F. Millet - představitelé starší generace - pokračovali v práci s mladými umělci; dějiny impresionismu chronologicky zahrnují celé dějiny tzv. postimpresionismu (Van Gogh, Cezanne, Gauguin, též Seurat, Signac, Toulouse-Lautrec). Téměř současně s impresionismem se v umění zrodil symbolismus za života nejstarších impresionistů, fauvistů a zrod kubismu. Proto jsou některé aspekty impresionismu nyní mnohem zřetelněji vnímány v zrcadle současných a pozdějších hnutí v umění: téměř žádný z významných neunikl vlivu impresionismu francouzští umělci konec 19. století. Tito umělci tvořivě přehodnotili lekce impresionismu a zásadně mnohé z nich odmítli a šli dále a položili základ umění našeho století.

V této „dvojité perspektivě“ impresionismu má Claude Monet velmi prominentní, nikoli však výhradní místo v samotném hnutí. Jako především krajinář se snažil obnovit ztracené představy o jednotě světa, kde je člověk nerozlučně spjat s přírodou a svým prostředím. Monet některé objevil a přivedl téměř k úplnému vyčerpání zvláštní vlastnosti impresionistické vnímání přírody, prvků světla a vzduchu, jinými slovy - plenérová stránka impresionismu, nechává jiné mistry rozvíjet další aspekty impresionistické poetiky.

Monet se stal uznávaným vůdcem impresionistů díky výjimečným vlastnostem své povahy: silný, energický a cílevědomý, ocitl se v centru boje za nové umění, aktivně se podílel na pořádání většiny výstav umělců tohoto hnutí a vedl boj za posmrtné uznání díla Edouarda Maneta. Monet vždy pochyboval o svých schopnostech a vždy hledal, přesto vždy věděl, jak rozveselit své přátele a vštípit jim víru v jejich schopnosti. I pro nedůvěřivého, odtažitého Cézanna, který se tak daleko stáhl pozdní kreativita ze všech zůstal Monet jedinou autoritou, jejíž názor vždy poslouchal.

Světlana Murina

Paradox Monetova díla

Ve dvou krajinách namalovaných v Paříži za den státní svátek Zdá se, že 30. června 1878 nám Monet odhaluje samotný proces tvorby obrazu. Horečně spěchá, aby zachytil pohled, který se náhodou otevře z okna - moře tříbarevných vlajek vlajících ve větru, slavnostní jásot davu.

Sotva obrysové vertikální linie domů připomínají obrysy ulice táhnoucí se do dálky, kresba je celá rozpuštěná ve víru sytých tahů červené, modré a bílé. Monetův temperamentní rukopis v těchto dílech předjímá zesnulého Van Gogha, ale jak odlišné je toto umělcovo vzrušení zachycené krásou motivu od vnitřního neklidu, který se čte v dílech holandského mistra! Opět jako v krajině „Dojem. Sunrise,“ můžeme konstatovat paradox Monetova díla: čím větší je spontánnost vnímání, umělcova důvěra ve své oko a první vjem, čím je dále od objektivního vnímání reality, tím deformovanější je předmět jeho obrazu.

Pokud by fotograf zachytil pohled na ulici Saint-Denis ve stejný den, pak by vše rozervané, roztříštěné, v procesu stávání, které je na Monetově obraze tak nápadné, vypadalo zastavené, uspořádané a pravděpodobně více prozaický. Monet nejméně ze všech dosahuje iluze reality: prostřednictvím rozkladu vizuální obraz do jednotlivých barevných prvků, emancipace barvy oddělené od předmětů, dematerializace hmotného světa, vede diváka k syntéze, celostnímu vnímání zobrazovaného. Tato „sugestivní proměna“ obrazu vyžaduje od dnešního diváka, zvyklého na mnohé extrémy moderního výtvarného umění, zvláštní napětí při seznamování se s Monetovými obrazy.

Na podzim roku 1878 si Monet pronajal dům v malém městě Vétheuil nedaleko hlavního města. Spolu s ním, jeho těžce nemocnou manželkou a dvěma dětmi se zde usadila rodina zkrachovalého bankéře a sběratele Hoschede. Camille Monet zemřela v září 1879; PROTI minule umělec si maluje obličej, ale tentokrát se Camillin vzhled umělci vyhýbá, je ponořen do neklidného moře protínajících se tahů vybledlých odstínů lila, modré, žluté. Jejich světelná síť je jako tajemný obal oddělující život od smrti. Mnohem později Monet řekl Georgesi Clemenceauovi: „Jednou, když jsem stál v čele zesnulé ženy, která mi byla vždy velmi drahá, jsem se přistihl, jak se dívám na její tragické čelo a mechanicky hledám stopy neustále se zvyšující degradace barvy, kterou smrt způsobil v této nehybné tváři. Odstíny modré, žluté, šedé - jak mohu vědět, co to je! To je to, k čemu jsem dospěl... Takto pod vlivem našeho vrozeného automatismu nejprve reagujeme na vliv barvy a poté nás naše reflexy, bez ohledu na naši vůli, opět zahrnou do nevědomého procesu monotónně plynoucí život. Jako zvíře, které otáčí mlýnským kamenem."

Toto rozpoznání nám umožňuje vidět skryté drama Monetova díla. Umělci byla často a nespravedlivě vyčítána nezájem, absolutní převaha optického vjemu nad citovým. Mezitím samotná estetizace obrazu v v tomto případě obraz smrti je aktem vůle, který transformuje prvotní motivační impuls v umělecký zážitek. Pocit je základem Monetova díla neméně než vizuální dojem; dokonce i v klidném rozjímání o pozdním cyklu „leknínů“ (o němž bude řeč níže) zaznívají tóny ryzí elegické poezie. Jasná a optimistická nálada většiny Monetových děl je ta stránka, která je adresována divákovi, stejně jako zdrženlivé, klidné způsoby umělce, které vždy přitahovaly sympatie jeho současníků. Pro impresionistické umělce (především Moneta a Renoira) je taková vnitřní disonance mezi životem a kreativitou nejniternější podstatou jejich umění, kterou je třeba mít stále na paměti: bez toho je hodnocení díla mistrů impresionismu jedno- jednostranné a zjednodušené.

Monetovy bolestné zážitky, které zatemnily první rok jeho pobytu ve Veteyi, byly vyjádřeny s nečekanou silou v ponuré a melancholické zimní krajiny této doby („Snow Effect at Vétheuil“, 1878, Louvre, Paříž; „Entering Vétheuil“, 1879, Muzeum umění, Göteborg) se svými pocity osamělosti a otupělosti. Finanční situace Pro Moneta to bylo obzvláště obtížné po smrti Camille, když se ocitl v jeho náručí velká rodina- jeho dva malí synové byli vychováni společně s pěti dětmi Alice Hoschede, která se stala jejich druhou matkou (Monetovo manželství s Alicí bylo formalizováno až v roce 1892). Teprve po uspořádání malé osobní výstavy v roce 1880 v prostorách redakce časopisu La Vie Moderne získal Monet s podporou Durand-Ruela a nakladatele Charpentiera důvěru ve své finanční záležitosti. Od této chvíle byl osvobozen od starostí s prodejem svých děl a mohl se plně věnovat kreativitě.

Od počátku 80. let 19. století se Monetův malířský styl postupně měnil. Stále častěji pracuje ve studiu; v jeho obrazech se občas objevuje ona „madeness“, kterou lze považovat za kompromis mezi prací podle prvního dojmu a reflektivním vědomím umělce pracujícího zpaměti. Příkladem tohoto přístupu k vytváření krajiny je velký obrázek"Lavacourt" (1880, Museum of Fine Arts, Dallas), určený pro Salon. Navzdory tomu, že tato krajina byla na výstavě mimořádně špatně umístěna (ve výšce téměř šest metrů od podlahy, v těsném sousedství jiných děl - takové absurdní věšení obrazů se v Salonech vždy praktikovalo), zaznamenal kritiků. Jeden z nich (Chenneviere) dokonce napsal, že „světlo a jasná atmosféra způsobila, že všechny ostatní sousední krajiny v této galerii Salonu vypadaly jako černé“. V této době si však impresionismus již vydobyl pevné místo – alespoň v myslích kritiků.

Po sedmé výstavě impresionistů (1882) změnil svůj postoj k umělci i tak zásadní „podvraceč“ Moneta, jakým je slavný symbolistický spisovatel J. C. Huysmans: „Jak pravdivá je pěna na vlnách zachycená paprskem světla , řeky třpytící se v tisících odstínech objektů, které odrážejí; v jeho plátnech studený dech moře připomíná třepotání listí, lehké šumění trávy... právě jemu a jeho kolegům impresionistům, mistrům krajiny, bychom měli být vděčni za oživení malířského umění. Z těžkého boje nakonec vyšli vítězně pánové Pissarro a Monet. Můžeme říci, že komplexní problém světla je vyřešen na jejich plátnech...“

Huysmansovu charakteristiku lze připsat té fázi Monetovy tvorby, kterou sám umělec považoval za prošlou. Hledání nových témat a obrazů ho přivádí k vytvoření celé řady zátiší, realizovaných na počátku 80. let 19. století; stejně jako krajina byl tento žánr Monetovou oblíbenou oblastí kreativity. „Dorty“ (1882, soukromá sbírka, Paříž) jsou příkladem typicky impresionistické kompozice, kde spojení předmětů a dokonce i jejich umístění působí nahodile (některé jsou odříznuty okrajem rámu). Při pohledu z bezprostřední blízkosti je tento fragment neživé přírody vnímán jako krajina s nedefinovanou (a tedy nekonečnou) hloubkou, kde bílý ubrus s chladně modrými reflexy působí jako zasněžený prostor. Nejlepší zátiší této doby jsou obrazy květin a ovoce. Jejich dekorativní lineárnost, vepsaná do úzkého vertikálního formátu („Jiřinky“ a „Bílý mák“, 1883, soukromé sbírky), předjímá zrod secese ve francouzském umění.

V 80. letech 19. století se Monet poměrně často obracel k „čistému“ portrétu – obvykle k obrazu busty na neutrálním pozadí. Monet nebyl mistr psychologický portrét ve smyslu slova, které se vztahuje na E. Maneta nebo E. Degase. Přesnější by bylo říci, že se nikdy nesnažil překročit hranici, která by vedla k průniku dovnitř vnitřní svět jinou osobu. Monetovy portréty se vyznačují především vlastní vnitřní izolací a citovou zdrženlivostí; vybavuje portrétované svou vlastní náladou, a to jim dodává nádech chladné odtažitosti. Modely Monetových portrétů jsou nevyhnutelně pohlceny samy sebou, jsou neaktivní (i přes živost umělcova štětce), odpojené od prostředí a zdá se, že je v nehmotném světě. Vynikajícím příkladem takové sebecharakterizace je „Autoportrét s baretem“ (1886, soukromá sbírka, Paříž).

Oscar Claude Monet (francouzsky Oscar-Claude Monet; 14. listopadu 1840 (18401114), Paříž – 5. prosince 1926, Giverny) – francouzský malíř, jeden ze zakladatelů impresionismu.

Oscar Claude Monet se narodil 14. listopadu 1840 v Paříži. Když bylo chlapci pět let, rodina se přestěhovala do Normandie, do Le Havre. Jeho otec chtěl, aby se Claude stal obchodníkem s potravinami a pokračoval v rodinném podniku. Monetovo mládí, jak sám později poznamenal, bylo v podstatě mládím tuláka. Strávil více času ve vodě a na skalách než ve třídě. Škola jemu, který byl od přírody neukázněný, vždycky připadala jako vězení. Bavil se tím, že maloval modré obálky sešitů a používal je pro portréty svých učitelů, provedené velmi neuctivým, karikovaným způsobem, a brzy dosáhl dokonalosti v této zábavě. V patnácti letech byl Monet známý po celém Le Havru jako karikaturista. Svou pověst si upevnil natolik, že byl ze všech stran obležen žádostmi o karikaturní portréty. Množství takových zakázek a nedostatek štědrosti jeho rodičů ho inspirovaly k odvážnému rozhodnutí, které šokovalo jeho rodinu: Monet si za své portréty účtoval dvacet franků.

Poté, co tímto způsobem získal určitou slávu, se Monet brzy stal „důležitou osobou“ ve městě. Jeho karikatury byly hrdě vystaveny ve výloze jediného obchodu s uměleckými potřebami, pět nebo šest za sebou, a když viděl, jak se před nimi v obdivu tísní přihlížející, byl „připravený k prasknutí pýchou“. Často ve výloze stejného obchodu Monet viděl umístěnou nad svými vlastními díly mořské krajiny, což on, stejně jako většina jeho spoluobčanů, považoval za „hnusné“. Autorem krajin, které ho inspirovaly „extrémním znechucením“, byl Eugene Boudin, a protože tohoto muže ještě neznal, nenáviděl ho. Odmítl se s ním prostřednictvím majitele obchodu seznámit, ale jednoho dne, když do něj vstoupil, si nevšiml, že Boudin je v zadní polovině. Majitel obchodu využil příležitosti a představil mu Moneta jako mladík, který má tak velký talent na karikaturu.

„Boudin za mnou okamžitě přišel,“ vzpomínal Monet, „pochválil mě svým jemným hlasem a řekl: Vždy se s potěšením dívám na vaše kresby; je to vtipné, snadné, chytré. Jsi talentovaný - to je vidět na první pohled, ale doufám, že tím nezůstaneš. To vše je pro začátek velmi dobré, ale karikatury vás brzy omrzí. Studujte, naučte se vidět, psát a kreslit, vytvářet krajiny. Moře a nebe, zvířata, lidé a stromy jsou tak krásné přesně v té podobě, v jaké je příroda stvořila, se všemi jejich vlastnostmi, v jejich skutečném bytí, takoví, jací jsou, obklopeni vzduchem a světlem.“

Ale sám Monet připustil, že Boudinovy ​​výzvy neměly žádný účinek. Mona si toho muže nakonec oblíbila. Byl přesvědčený, upřímný, ale Monet jeho obraz nedokázal strávit, a když ho Boudin pozval, aby s ním pracoval venku, Monet si vždy našel důvod, proč zdvořile odmítnout. Přišlo léto; Monet, unavený odporem, nakonec ustoupil a Boudin ho ochotně začal učit. "Konečně se mi otevřely oči," vzpomínal Monet, "skutečně jsem pochopil přírodu a zároveň jsem se ji naučil milovat."

Sedmnáctiletý Oscar Monet si nemohl najít lepšího učitele, protože Boudin nebyl ani doktrinář, ani teoretik. Měl vnímavé oko, jasnou mysl a věděl, jak své postřehy a zkušenosti zprostředkovat jednoduchými slovy. „Všechno, co je napsáno přímo na místě,“ prohlásil například, „se vždy vyznačuje silou, výrazností a živostí tahu, čehož v dílně nedosáhnete.“ Považoval také za nutné „prokázat extrémní vytrvalost v uchování prvního dojmu, protože ten je nejsprávnější“, a zároveň trval na tom, že „na obrázku nemá udivovat jen jedna část, ale celek. “

Toto je část článku na Wikipedii používaného pod licencí CC-BY-SA. Celý textčlánky zde →

Oscar Claude Monet (1840-1926) je jedním z nich nejvýraznější představitelé Francouzský (a potažmo světový) impresionismus, spoluzakladatel a teoretik tohoto hnutí, který mu zůstal věrný až do konce života. Monetův malířský styl, který se později stal klasickým pro impresionismus, se vyznačoval psaním samostatnými tahy čisté barvy, což umožňovalo vytvářet bohaté světelné efekty a zprostředkovat rysy světelně-vzduchového prostředí.

BIOGRAFIE CLAUDE MONETA

Claude Oscar Monet se narodil 14. února 1840 v Paříži. Když bylo chlapci pět let, rodina odjela do Normandie, do Le Havru. Navzdory přání svého otce stát se obchodníkem s potravinami, Claude and mládí cítil touhu po malování a rád kreslil karikatury. Na slunečných plážích Francie se Claude Monet setkal s Eugenem Boudinem, slavný krajinář a jeden z předchůdců impresionismu. Boudin ukázal mladému Monetovi některé techniky malířské práce z přírody. V roce 1860 byl povolán Claude Monet vojenská služba a odjíždí do Alžírska, ale z požadovaného sedmiletého trestu si odseděl o něco méně než dva roky: onemocněl tyfem, což umělci pomohlo demobilizovat.

Monet nastoupil na univerzitu na filozofické fakultě, ale byl zklamán přístupem k malbě, která se tam vyskytuje. Po odchodu vzdělávací instituce, vstoupil do malířského ateliéru organizovaného Charlesem Gleyrem. Tam se seznamuje s Renoirem, Frédéricem Bazillem a Alfredem Sisleym. Byli prakticky vrstevníky, měli podobné názory na malbu a stali se základem impresionistických umělců. Na Académie Suisse se Claude Monet setkal s Pissarrem a Cézannem. Významná role Tvorba Clauda Moneta byla ovlivněna jeho působením v Bougivalu, kde spolu s Augustem Renoirem vytvořil hospodu La Grenouillere. Obrazy vytvořené těmito umělci znamenaly zrod nového uměleckého hnutí - impresionismu.

DÍLO CLAUDE MONETA

V roce 1866 vytvořil Claude Monet portrét Camille Doncieux. Camille se později stala manželkou umělce a narodil se jim syn Jean.

Prvním významným dílem Clauda Moneta byl „Luncheon on the Grass“ (1865-1866), který napsal podle stejnojmenného obrazu Edouarda Maneta. Samotné dílo se k nám nedostalo: umělec ho splatil jako dluh za bydlení ve vesnici Chailly, v jejímž okolí pracoval. Děj obrázku je jednoduchý: na okraji zeleného lesa sedí několik mužů elegantně oblečené ženy. Pocit pohybu vzduchu umocňuje textura plátna: již není hladké, ale skládá se z jednotlivých skvrn a tahů. Po dokončení „Lunch on the Grass“ Claude vylepšuje metodu, kterou objevil v různých náčrtech, které vytváří ve „Splash Pool“, oblíbeném prázdninovém místě Pařížanů té doby. Během francouzsko-pruské války (1870-1871) žil Monet v Londýně, kde se setkal s Durand-Ruelem. V Anglii se seznámil s díly Johna Constabla a Williama Turnera.

Portrét Camille Doncieux Snídaně na trávě brouzdaliště

Návrat z Anglie bude znamenat jedno z nejplodnějších období tvorby Clauda Moneta. Píše své nejlepší obrazy— „Pole vlčích máků u Argenteuil“, „Boulevard des Capucines“, „Šeříky na slunci“, „Dojem. Východ slunce". V roce 1874 byly tyto obrazy vystaveny na výstavě v Anonymní společnosti malířů, umělců a rytců, kterou organizoval a řídil Claude Monet. Po této výstavě, mimochodem pojmenované podle Monetova obrazu „Impression. Východ slunce“, dostali umělci přezdívku „impresionisté“ (z francouzského imprese – dojem). Byly to zlaté roky rozkvětu impresionismu. Monet se účastnil mnoha výstav. Díla Clauda Moneta se však prakticky neprodávají. Claude Monet, hnán chudobou, občas přežívá na prodaných obrazech, žije tam, kde mu to jeho peněženka dovolí: v Argenteuil, Veteil, Poissy a zbytek života v Giverny.

V dílech té doby je jasně patrné vnímání celistvosti toho, co se děje kolem momentálních událostí.

Claude Monet se usadil v Argenteuil a s vášní maloval Seinu, její okolí, mosty a plachetnice. Nakonec postaví loď a dopluje na ní do Rouenu a tam, strašlivě ohromen tím, co vidí, zobrazuje na náčrtech okraje města a námořní lodě vplouvající do přístavu („Argenteuil“, „Plachetnice v Argenteuil“). V roce 1877 se objevila série maleb ze štětce Clauda Moneta (vyobrazují vlakové nádraží Saint-Lazare), která zn. nová etapa v díle velkého umělce: přechod od obecného konceptu skici k analytickému přístupu k tomu, co je zobrazeno („Gare Saint-Lazare“).

Argenteuil Plachetnice v Argenteuil Gare Saint-Lazare

Změna malířova stylu je doprovázena změnami v jeho životě. Jeho žena Camilla vážně onemocní. S narozením druhého dítěte se chudoba, ve které rodina žije, zvyšuje.

V roce 1879 umírá jeho první manželka Camilla na tuberkulózu. V roce 1892 se Claude Monet podruhé oženil s Alice Hoschede. Předtím Alice spravovala dům a vychovávala děti z Claudova prvního manželství. V roce 1883 se Claude Monet a jeho manželka přestěhovali do Giverny nedaleko Paříže. Alice zemřela v roce 1911, ale Claude Monet musel také vydržet smrt svého nejstaršího syna Jeana v roce 1914.

Koncem 80. let jeho umění stále více přitahovalo veřejnost i kritiky. Uznání přináší materiální úspěch. Brzy se finanční poměry Clauda Moneta zlepšily natolik, že si mohl koupit dům v Giverny, kde žil až do konce svých dnů. Během tohoto období se umělec zcela soustředil na práci na sérii krajin, do kterých umístil ty nejjemnější světelné efekty „na okraj rohu“. Začíná jinak zacházet s barvou a mění se náměty jeho obrazů. Veškerá Monetova pozornost se soustředí na úžasnou expresivitu barevný rozsah mrtvice v izolaci od předmětové korelace. Touha po dekorativnosti sílí, což nakonec vyústilo ve vznik deskových obrazů. Jednoduché námětové malby 60.–70. let 19. století jsou nahrazovány složitějšími, bohatými na všemožné asociativní vazby („Skály v Belle-Ile“, „Topoly“).

Kosatce v Giverny Smuteční vrby Lekníny bílé

Claude Monet se zajímá o sériové kompozice: Haystacks, Rouen Cathedral, Views of London. Claude Monet v nich v návaznosti na impresionistický styl zprostředkovává nestejnou míru osvětlení objektů v různých povětrnostních podmínkách, v různých denních a nočních dobách, a to s využitím překvapivě rozmanité tonality palety. Série obrazů vám umožní vytvářet rozmanité dekorativní kompozice, jako by se rozvíjely v čase a prostoru díky asociativním spojením, které vznikají. V Giverny tráví Claude Monet lví podíl svého času na zahradě a pracuje na ní. umělecká organizace. Tato fantastická práce vedla ke změně každodenní svět, obývaný živými lidmi, na tajemném, fantasy svět vodní a vodní rostliny („Irises at Giverny“, „Weeping Willows“). Není proto náhodou, že nejslavnější série jeho nejnovějších panelů zobrazuje pohledy na různá jezírka s lekníny plovoucími v nich („Bílé lekníny“).

Pojem „impresionismus“ se objevil díky Monetově obrazu „Dojem. Rising Sun“, který byl vystaven na první velké výstavě impresionistů, v ateliéru fotografa Nadara na jaře 1874 a nazvaný „Výstava rebelů“. Celkem výstava představila 165 děl od třiceti umělců. Stojí za zmínku, že v té době byly zátiší a krajiny Moneta a jeho spolupracovníků obviňovány ze vzpoury, nemravnosti a selhání. Málo známý novinář Louis Leroy ve svém článku v časopise Le Charivari výstavu kritizoval a označil umělce hanlivě za „impresionisty“. Umělci tento přídomek bezvýhradně přijali. Postupem času ztratila svůj původní negativní význam.

Zajímalo by mě co nejlepší práce Obraz Clauda Moneta je rovněž považován za součást impresionismu v malbě. A to i přesto, že v době, kdy umělec začal malovat slavné „Lekníny“, už ztrácel zrak.

Pokud se pozorně podíváte na ženy na obrazech Clauda Moneta, určitě tam bude Camille Domcuse, jeho oblíbená modelka a manželka. Pózovala pro něj pro mnoho obrazů, včetně takových slavných jako „Dáma v zeleném“, „Ženy v zahradě“, „Madame Monet se svým synem“, „Portrét manželky Clauda Moneta na pohovce“. Madame Monet porodila umělci dva syny (prvorozeného ještě před oficiálním sňatkem). Narození druhého miminka jí však podlomilo zdraví a brzy po druhém porodu zemřela. Claude Monet namaloval posmrtný portrét své manželky.

Obraz „Jezírko s lekníny“ nebo, jak se toto plátno také nazývá, „Jezírko s lekníny“, namaloval Monet v roce 1919, je nejdražším obrazem tohoto mistra. V roce 2008 se na aukci Christie's v Londýně tento obraz prodal za pohádkové peníze – 80 milionů dolarů. Dnes je „Jezírko s lekníny“ na devátém místě v žebříčku nejdražších obrazů na světě prodaných v aukci. Není známo, kdo tento obraz získal a kde se nyní nachází. Zpravidla soukromí sběratelé, nákup podobná díla, raději zůstat v anonymitě.

Slavné citáty Clauda Moneta:

  • Všichni diskutují o mém umění a předstírají, že rozumí, jako by to bylo nutné, když prostě potřebujete milovat.
  • Každý, kdo tvrdí, že plátno dokončil, je strašně arogantní.
  • Moje práce je vždy lepší, když jsem sám a řídím se svými vlastními dojmy Barva je mou každodenní posedlostí, radostí i utrpením.
  • Moje zahrada je moje nejkrásnější mistrovské dílo.
  • Abyste moře nakreslili opravdu dobře, musíte se na něj dívat každou hodinu, každý den na stejném místě, abyste pochopili, jak byste na tom konkrétním místě měli pracovat, a proto pracuji na stejných tématech znovu a znovu. znovu a znovu, čtyřikrát nebo dokonce šestkrát.
  • Zkuste zapomenout na to, co vidíte před sebou, strom, dům, pole, cokoliv. Jen si pomyslete, že na tomto místě je malý modrý čtverec, je tam podlouhlá růžová postava a pokračujte, dokud nebudete mít naivní dojem z obrázku, který máte před očima.
  • Myslím jen na svůj obraz, a kdybych to měl vzdát, myslím, že bych se zbláznil.

Claude Monet je v top 3 nejvíce drazí umělci mír

Claude Monet, na základě výsledků otevřené aukce, do roku 2013 obsadil třetí místo v žebříčku nejdražších umělců světa. Celkem 208 jeho děl bylo prodáno v aukci za celkem 1 622 200 milionů dolarů. Průměrná cena jednoho Monetova obrazu je 7,799 milionu dolarů drahé obrazy Monet věří:

  • "Lekníny" (1905) - 43 milionů dolarů.
  • "Železniční most v Argenteuil" (1873) - 41 milionů $.
  • "Lekníny" (1904) - 36 milionů dolarů.
  • „Most Waterloo. Cloudy" (1904) - 35 milionů $.
  • "Cesta k rybníku" (1900) - 32 milionů dolarů.
  • "Water Lily Pond" (1917) - 24 milionů $.
  • "Polars" (1891) - 22 milionů $.
  • "Parlament. Sluneční světlo v mlze“ (1904) – 20 milionů dolarů.
  • "Parlament, Sunset" (1904) - 14 milionů $.

Dnes jsou umělcova díla „rozházená“ po celém světě. Největší země, které vlastní Monetovy obrazy, jsou Rusko, USA a Velká Británie. Umělcovy obrazy však můžete najít v mnoha dalších muzeích v Evropě i mimo ni. Několik obrazů Clauda Moneta je dokonce v muzeích na Novém Zélandu. Významná část umělcových děl patří do soukromých sbírek, proto jsou tyto obrazy pro širokou veřejnost uzavřeny. Jen někdy se jednou získaná díla vrátí z rukou sběratelů do muzeí nebo skončí na aukcích.

V Rusku v Puškinově muzeu. A.S. Puškin je takových slavné obrazy, jako „Šeříky na slunci“ 1873 a „Snídaně v trávě“ 1866. Obraz „Parlament, Mlha“ je v Petrohradě v Ermitáži. Několik děl Clauda Moneta je uloženo v Paříži v Musée d'Orsay. Mnoho děl se také nachází v USA, v Metropolitan Museum of New York, v Nelson-Atkins Museum of Art a také v Muzeu umění ve Filadelfii. V Londýně jsou Monetovy obrazy vystaveny v Národní galerii.

Obrazy Clauda Moneta se opakovaně staly objektem touhy zločinců. Je známo, že zloděj Monetova obrazu „Pláž v Pourville“, který byl vystaven v Národní muzeum Polsko, smál se zaměstnancům a vystřihoval slavné mistrovské dílo z rámu a místo toho vložil nekvalitní reprodukci. Nahrazení bylo zaznamenáno 19. září, ale kdy přesně ke krádeži došlo, zůstává neznámé. Zločincem se ukázal být 41letý muž, ukradený obraz byl nalezen v jeho domě.

V říjnu 2012 bylo vykradeno Rotterdamské muzeum Kunstel. Bylo ukradeno 7 mistrovských děl, mezi nimi i slavný „Waterloo Bridge“ od Clauda Moneta. Tato loupež se ukázala být největší za posledních 20 let. Znalci mají po vyšetřování podezření, že ukradené obrazy mohly být spáleny.

Pláž u Purville Waterloo Bridge Poppy field

Claude Monet se narodil před 173 lety, jeho obrazy jsou dodnes na vrcholu popularity a své výtvory mu věnují zejména zapálení a talentovaní příznivci impresionismu. Příkladem toho je instalace „Poppy Field“ od Clauda Cormiera, inspirovaná obrazy Clauda Moneta.

Po Monetovi je pojmenován kráter na Merkuru.

Anglická spisovatelka Eve Figes ve svém románu „Světlo“ popisuje jeden den v životě Clauda Moneta – od úsvitu do soumraku.

Restaurace uvedená v televizním seriálu „Kuchyně“ se nazývá „Claude Monet“ - jedná se o provozní restauraci v Moskvě „Champagne Life“.

Ve filmu Titanic (1997) můžeme vidět i Monetův obraz „Lekníny“.

BIBLIOGRAFIE

  • I. K. Monet // Album. - L., 1969.
  • Georgievskaya E. B. K. Monet // Album - 2. vyd. - M., 1974.
  • Bohémský K. G. K. Monet. - M., 1984.
  • Rewald J. Dějiny impresionismu. - M., 1994.
  • Kulakov V. A. Claude Monet [Album]. - M., 1989.
  • Thajčan I. Claude Monet [Album]. - M., 1995.
  • Díla: Dopisy, přel. z francouzštiny // předmluva a cca. N.V. Yavorskaya, v knize: Masters of Art about Art, sv. 1. - M., 1969.
  • Reutersvärd O. Claude Monet, [přel. se švédštinou] - M., 1965.
  • Hoschedé J.P. Claude Monet, se mal connu, v. 1-2, Gen., 1960.
  • Forge A. Monet. Chicago, 1995.
  • Wildenstein D. Claude Monet. Claude Monet. Koeln: 2007. Tashen GmbH.

Při psaní tohoto článku byly použity materiály z následujících stránek:kulturologia.ru , .

Pokud najdete nějaké nepřesnosti nebo byste chtěli tento článek doplnit, pošlete nám informace na e-mailová adresa admin@site, my a naši čtenáři vám budeme velmi vděční.