Monet makové pole. "Makové pole" - instalace inspirovaná obrazy Clauda Moneta

Claude Monet. Vlčí máky. 1773 Musée D'Orsay, Paříž

„Vlčí máky“, jedno z nejslavnějších děl Clauda Moneta, jsem viděl v . Pak jsem se na to však pořádně nepodíval. Jako fanoušek jsem byl prostě unesen všemi mistrovskými díly, která jsou v tomto muzeu!

Později jsem se samozřejmě na „Poppies“ pořádně podíval. A zjistil jsem, že jsem si několika zajímavých detailů v muzeu ani nevšiml. Pokud se na obrázek podíváte pozorněji, pravděpodobně vás napadnou alespoň tři otázky:

Proč jsou máky tak velké?
Proč Monet zobrazil dva téměř identické páry postav?
Proč umělec do obrázku nenakreslil oblohu?

Na tyto otázky odpovím v pořadí.

1. Proč jsou vlčí máky tak velké?

Vlčí máky jsou vyobrazeny velmi velké. Většina z nich je velká jako hlava vyobrazeného dítěte. A pokud vezmete vlčí máky z pozadí a přiblížíte je postavám v popředí, pak budou úplně větší než hlavy vyobrazeného dítěte i ženy. Proč taková nereálnost?

Podle mého názoru Monet záměrně zvětšil velikost vlčích máků: tímto způsobem se opět rozhodl zprostředkovat spíše živý vizuální dojem než realističnost zobrazených objektů.

Zde lze mimochodem vyvodit paralelu s jeho technikou zobrazování leknínů v jeho pozdějších dílech.

Pro názornost se podívejte na fragmenty maleb s lekníny z různých let (1899-1926). Vrchní dílo je nejstarší (1899), spodní je nejnovější (1926). Je zřejmé, že postupem času byly lekníny stále abstraktnější a méně detailní.

„Vlčí máky“ jsou zjevně jen předzvěstí převahy abstrakcionismu v Monetových pozdějších obrazech.

Obrazy Clauda Moneta. 1. Vlevo nahoře: Lekníny. 1899 g. Soukromá sbírka. 2. Vpravo nahoře: Lekníny. 1908 g. Soukromá sbírka. 3. Prostřední: Jezírko s lekníny. 1919 Metropolitní muzeum umění, New York. 4. Dole: Lilie. 1926 Nelson-Atkins Museum of Art, Kansas City.

2. Proč jsou na obrázku dvě dvojice stejných postav?

Ukazuje se, že pro Moneta bylo také důležité ukázat pohyb na jeho malbě. Dosáhl toho neobvyklým způsobem, zobrazující sotva viditelnou cestu na kopci mezi květinami, jakoby vyšlapanou mezi dvěma páry postav.

Na úpatí kopce s vlčími máky jsou jeho žena Camille a syn Jean. Camilla je tradičně zobrazována se zeleným deštníkem, stejně jako na obraze „Žena s deštníkem“.

Nahoře na kopci je další dvojice žena a dítě, pro které s největší pravděpodobností pózovala i Camilla a její syn. Proto jsou si oba páry tak podobné.

Claude Monet. Vlčí máky. Fragment. 1873 Musee D'Orsay, Paříž.

Tato dvojice postav na kopci je zobrazena snad pouze pro vizuální efekt pohybu, o který Monet tolik usiloval.

3. Proč Monet nenamaloval oblohu?

Další pozoruhodný bod: všimněte si, jak špatně je nakreslena obloha, až po holé oblasti plátna, které za sebou zůstaly.

Claude Monet. Vlčí máky. Fragment. 1873

Původní název: Poppies at Argenteuil

Rok vytvoření: 1873

Musee d'Orsay, Paříž.

Oscar Claude Monet (14. listopadu 1840 – 5. prosince 1926) byl francouzský malíř, jeden ze zakladatelů impresionismu.

Pole vlčích máků (1873), vystavené na první impresionistické výstavě, zobrazuje Monetovu manželku Camille a jejich syna Jeana na poli poblíž jejich domova v Argenteuil. Stejně jako v mnoha jiných dílech Moneta je Camille malována s deštníkem v rukou a jeho ladné obrysy dodávají obrazu zvláštní kouzlo. Ve snaze zprostředkovat pocit pohybu přidal Monet na vrchol kopce druhou dvojici figurek (také založených na Camille a Jean). S postavami v popředí je spojuje sotva znatelná cestička procházející trávou. Monet namaloval „Pole vlčích máků“ v plenéru, na malé přenosné plátno. Přestože obraz zprostředkovává přirozený, spontánní pocit, je pečlivě komponován. To je vyjádřeno nejen tím, že na něm umělec dvakrát opakoval postavy, ale také volbou úhlu, který je nastaven tak, že světlé vlčí máky vyplňující levou stranu kompozice jsou umístěny diagonálně, podél nichž Camille a Jean jdou, jako by odcházely za obraz. Bohatá barevnost a pohyb, který vyplňuje tuto plochu obrazu, je v pečlivém kontrastu s klidnými tóny pravého horního okraje plátna, kde terakotová střecha domu umně propojuje pozadí s popředím kompozice.

Popis obrazu od Clauda Moneta „Poppies“ (Argenteuil)

Monetovo dílo „Poppies“, jeho druhé jméno „Pole vlčích máků v Argenteuil“, namaloval umělec v roce 1873. Krajina makového pole vyobrazená na obrázku s malým hřebenem stromů, jako by oddělovala oblohu od země, působí zpočátku jako prostý děj. Ale když se podíváte hlouběji do obrazu, uvědomíte si, že první dojem byl klamný.

Obraz lze obrazně rozdělit na čtyři části dvěma na sebe kolmými čarami. Vodorovná čára, jako by hrubě a jasně naznačená, přerušuje mírně viditelnou virtuální svislou čáru. Dům vyobrazený na plátně je jakýmsi středobodem průniku dvou linií, spojujících kompozici v jeden celek.

Obraz je pozoruhodný svou sémantickou a smyslovou zátěží, zobrazenou siluetami žen s dětmi umístěnými na vrcholu kopce a jeho svahu. Žena a chlapec, které vidíme v popředí obrázku, nejsou nikdo jiný než umělcova manželka a syn. Neobvyklá kompozice dává iluzivní vizi obrazu v obraze. Opakovaný obraz siluet dává pocit, že se ženy a děti pohybují po nepostřehnutelné cestě. Strom tyčící se nad kopcem zvyšuje plnost a důležitost této části díla.

Pravá, téměř bezbarvá část kontrastuje s pozadím rozkvetlého makového pole a je pozadím pro ženskou siluetu vyobrazenou na průsečíku sousedních ploch obrazu.

Jen několika tahy štětcem umělec obkreslil oblohu. Části plátna nedotčené barvou ukazují autorovu neochotu zaměřit pozornost na horní část plátna.

Dohromady je obraz vnímán jako závazek k pozemským hodnotám, které mají prvořadý význam. K vyřešení problému, který si umělec stanovil, se uchýlil ke všem možnostem, které měl k dispozici, aby zprostředkoval svou vizi dějové linie obrazu.

Monet namaloval „Pole vlčích máků“ v plenéru, na malé přenosné plátno. Přestože obraz zprostředkovává přirozený, spontánní pocit, je pečlivě komponován. To je vyjádřeno nejen tím, že na něm umělec dvakrát opakoval postavy, ale také volbou úhlu, který je nastaven tak, že světlé vlčí máky vyplňující levou stranu kompozice jsou umístěny diagonálně, podél nichž Camille a Jean jdou, jako by odcházely za obraz. Bohatá barevnost a pohyb, který vyplňuje tuto plochu obrazu, je v pečlivém kontrastu s klidnými tóny pravého horního okraje plátna, kde terakotová střecha domu umně propojuje pozadí s popředím kompozice.

Vášeň pro květiny

Monet po celý život velmi rád maloval květiny – divoké, zahradní nebo řezané květiny, ty jsou v jeho krajinách neustále přítomné.

Monet jednou přiznal, že dvě největší vášně v jeho životě byly malování a zahradničení. Když maloval květiny, obě tyto vášně se spojily. V Field of Poppies, stejně jako v mnoha svých dalších obrazech, si Monet užívá divoké, živé květiny. Je známo několik krásných zátiší z řezaných květin od Moneta, ale ze všeho nejraději maloval květiny, které rostly v jeho zahradách, nejprve v Argenteuil a později v Giverny. V roce 1871 se Monet přestěhoval se svou rodinou do Argenteuil, aby našel svůj první domov a svou první zahradu. Hlavní vášní v umělcově životě však byla jeho zahrada v Giverny. Monet vybíral květiny do své zahrady tak, aby byly uspořádány v určitém pořadí, byly barevně kontrastní a kvetly po celý rok. Ve své zahradě zasadil mnoho neobvyklých květin. Monetovu vášeň pro květiny sdílelo mnoho dalších impresionistických umělců, především Gustave Caillebotte. "Určitě přijďte v pondělí, jak bylo domluveno," napsal jsem své kamarádce Moně. "Všechny mé kosatce budou kvést."

Posedlost světlem a barvami

Monetova posedlost světlem a barvami vyústila v mnohaletý výzkum a experimentování, jehož cílem bylo zachytit prchavé, nepolapitelné odstíny přírody na plátno.

MONETOVY OBRAZY daly vzniknout novému hnutí v malbě – impresionismu a sám Monet je uznáván jako největší a nejtypičtější představitel tohoto hnutí. Monet po celý svůj dlouhý život vytrvale dodržoval základní pravidla impresionismu – zachycovat výjevy moderního života na plátno (pro Moneta jsou to krajiny) a pracovat pod širým nebem.

PRÁCE V PLEÉRIU Praxe umělce pracujícího v plenéru (plenéru) nebyla něčím zcela novým. Anglický umělec John Constable na počátku 19. století často maloval své skici a studie v oleji v přírodě. V roce 1840 se po jeho příkladu sešla skupina francouzských umělců ve vesnici Barbizon poblíž lesa Fontainebleau s cílem malovat krajiny, které by měly zobrazovat „skutečnou přírodu“. Camille Corot, který byl mnoha impresionisty vysoce ceněn pro svůj neidealizovaný pohled na přírodu, také maloval oleji v plenéru a nabádal umělce, aby „následovali svůj první dojem“.

Nejdůležitější roli v Monetově uměleckém vývoji sehrálo jeho mladické přátelství s krajinářem Eugenem Boudinem, který se specializoval na malé vzdušné přímořské krajiny, které vytvářel pod širým nebem. Bodin trval na tom, aby se k němu Monet připojil během jednoho z těchto zasedání v Le Havru. "Najednou mi spadly šupiny z očí," napsal později Monet.

Tam, v Le Havre, se Monet setkal s nizozemským umělcem Johanem Bartholdem Jonkindem, který se snažil zprostředkovat ty nejjemnější odstíny vzduchu a nálady ve svých mořských krajinách. Monet o něm později řekl: „Byl to muž, který konečně rozvinul moji vizi.

CO SKUTEČNĚ VIDÍ OKO Monet zjistil, že obraz malovaný venku má jedinečnou svěžest a vitalitu, které nelze dosáhnout prací v ateliéru, kde má umělec předem vytvořenou představu o díle, které se chystá vytvořit. Rada, kterou Monet dal umělcům, jasně odhaluje jeho vlastní přístup k malbě: „Zkuste zapomenout na to, co vidíte před sebou – strom, dům, pole, cokoliv. Jen si pomysli, že na tomto místě je malý modrý čtverec, je tam podlouhlá růžová postava, a pokračuj, dokud nebudeš mít naivní dojem z obrazu, který máš před očima.“ Dojem je tedy vizuální impuls vytvořený tím, co je v daném okamžiku viděno.

REVOLUČNÍ NÁPAD Pro všechny impresionisty, a pro Moneta zvláště, bylo hlavním cílem umění zachytit prchavý, prchavý dojem. V té době se taková myšlenka zdála revoluční a šokovala neméně než Courbetův zjevný realismus v NOVÉ TECHNIKY K dosažení svých cílů potřeboval umělec nové technické techniky psaní. Zejména Monet vyvinul vlastní malířskou techniku, kdy na plátno nanášel široké, hrubé tahy, tučné rozptýlené tečky, čárky, klikaté a tlusté tahy krátkým štětcem. Monet pracoval současně na celém prostoru obrazu a věřil, jak později řekl, že „první vrstva barvy by měla pokrýt co největší část plátna, bez ohledu na to, jak hrubě je nanesena“.

Monet použil barvy zcela novým a revolučním způsobem, inspirovaným bezpochyby objevy Eugena Chevreula o metodě vizuálního vnímání. Chevreul prokázal, že sousední primární barvy barevného kruhu se navzájem změkčují a největšího kontrastu je dosaženo, když sousedí doplňkové barvy. Jeho dalším důležitým objevem bylo, že barva není vlastní vlastností předmětů. Barva je jednoduše způsob, jakým se světlo míchá, když se odráží od povrchu předmětu. Stejně jako jeho kolegové impresionisté, Monet typicky používal omezenou paletu, preferoval čisté, nemíchané barvy a malbu na plátna, která byla předem potažena bílým nebo krémovým základním nátěrem, díky čemuž byly aplikované barvy světlejší a jasnější.

Dalším důležitým objevem, který ovlivnil vizi umělců, byla fotografie. Na tehdejších fotografiích jsou pohybující se objekty vnímány jako rozmazané skvrny a pouze stacionární objekty mají jasné obrysy. Tento efekt se jasně odráží v mravenčích postavách lidí, které vidíme na Monetově obraze „Boulevard des Capucines“ (1873).

ZMĚNA PŘEDMĚTU OBRÁZKU

Je velmi zajímavé sledovat, jak se Monetův postoj k předmětům, které zobrazoval, měnil v průběhu jeho dlouhého života. Navzdory tomu, že byl neustále pohlcen hrou světla, Monet ve svých raných obrazech nejčastěji zobrazoval lidské postavy namalované známým způsobem na pozadí krajiny.

Nicméně, blíže k 1880, Monet začal být zvýšeně přitahován k přírodě v její nejčistší formě. Objeví-li se na obrazech z tohoto období postavy nebo neživé předměty, většinou hrají vedlejší roli a ustupují do pozadí.

SÉRIE OBRAZŮ

Navzdory skutečnosti, že umělci vždy vytvořili řadu náčrtů stejné scény, před Monetem nebyl nikdo, kdo by maloval stejný objekt několikrát za různého osvětlení a různých povětrnostních podmínek. Monetovy obrazy představují celé série zobrazující kupky sena, topoly, katedrálu v Rouenu, pohled na Londýn od Temže a nakonec lekníny.

Monetovy londýnské krajiny, namalované v letech 1899 až 1901, se svým rozptýleným světlem a rozptýlenou barvou, jsou virtuózní, dramatická umělecká díla, která sledují vývoj umělcova stylu směrem k téměř abstraktnímu způsobu. Ukazují postupný postup umělce k objektu, který bude malovat po zbývající roky svého života, vytvářel své zahrady a proměňoval je ve vzácná umělecká díla.

Přibližně od roku 1905 až do konce svého života se Monet výhradně soustředil na lekníny. Tyto obrazy, na nichž se poháry leknínů doslova zhmotňují na vodní hladině, která nemá horizont, se staly studiemi, které zachycovaly nekonečnou a jedinečnou paletu barev a světla. Ve skutečnosti tyto série obrazů, jako každé brilantní umělecké dílo, vzdorují vysvětlení. Jde o díla básníka, který má bystrý smysl pro přírodu a dokáže její krásu přenést do své malby.

Dokážete si představit, že uprostřed kanadské městské džungle náhle rozkvetla? makové pole? Zní to přehnaně, ale v uměleckém světě není nic nemožné. A již existovaly precedenty: není to tak dávno, co se mák objevil ve Zweibrückenu v Montrealu - to už je jakési pokračování květinové tradice.

Tvůrce „květinové“ instalace – umělec a architekt Claude Cormier, horlivý obdivovatel impresionismu. Láska k plátnům Claude Monet již kdysi inspiroval k tvorbě, která připomínala rozkvetlou vistárii. Současná tvorba v Montrealu je poctou a obdivem k „Makovým polím“ velkého umělce. Připomeňme, že Claude Monet neúnavně maloval zelené plochy Giverny, poseté šarlatovými květy, z jeho obrazů lze vytvořit celý „makový“ cyklus.

K vytvoření instalace bylo zapotřebí 5 060 červených, zelených a bílých fixů, kterými je poseta ulička před Muzeem výtvarných umění. Dílo Clauda Cordiera je součástí každoroční výstavy. Každý bude moci obdivovat luxusní makové pole uprostřed asfaltového moře.

Není to mimochodem poprvé, co díla slavného impresionisty inspirovala umělce k tvorbě uměleckých děl. Již dříve jsme našim čtenářům představili design připomínající Modrý dům v Zaandamu a také sérii reklamních plakátů, z nichž jeden zobrazuje Moneta s další oblíbenou květinou – lekníny.