Tajemství pěti nejzáhadnějších obrazů Treťjakovské galerie. „Nerovné manželství“ Vasilij Pukirev
Pochopit umění není tak těžké, jak se zdá. K tomu není nutné několik let studovat, abyste se stali uměleckým kritikem. Stačí si popovídat s odborníky, kteří vám poví o slavných obrazech, abyste si je později v muzeu mohli prohlédnout nečekaná strana. Přednášející vzdělávací projekt První úroveň, certifikovaná historička umění Natalya Ignatova odhalila tajemství pěti nejvíce tajemné malby Treťjakovská galerie. Děkujeme projektu Level One za poskytnutý materiál. Díky práci chlapů se mnozí naučí chápat krásu a dostanou z ní depku.
"Bogatyrs", Viktor Vasnetsov, 1898
Viktor Vasněcov zasvětil významnou část svého života malbě se třemi hrdiny eposů a pohádek. Plátno je jedním z Treťjakovových rekordmanů v počtu let strávených jeho tvorbou. Umělec vytvořil první skicu v roce 1871 a své mistrovské dílo dokončil až v roce 1898.
Na rozdíl od všeobecného přesvědčení, že hrdinové vyrazili do pole jen proto, aby se prošli a prozkoumali okolí, jsou připraveni vrhnout se do bitvy. Nepřítel stojí v dálce, jakoby za divákem, o jeho přítomnosti svědčí stahující se mraky, jestřábi, kteří předvídají kořist, ale hlavní je natažený meč Dobrynya Nikitich a luk připravený ke střelbě v rukou Aljoši Popoviče. Prototyp Ilyi Muromets byl císař Alexander III, umělec maloval Dobrynya Nikitich od sebe, ale prototyp Alyosha Popoviče není spolehlivě znám, mohl to být prostý občan - Vasnetsov, v procesu práce na obrázku, maloval mnoho portrétů. rolníků, taxikářů a kovářů, kteří, jak se mu zdálo, byli poněkud podobní slavným pohádkovým postavám.
« Nerovné manželství“, Vasilij Pukirev, 1862
Námět pro obraz navrhl Vasiliji Pukirevovi jeho přítel, umělec Pyotr Shmelkov. Dobře znal zvyky bohatých a vlivní lidé, pro které byly dohodnuté sňatky samozřejmostí. Pukirev poděkoval svému příteli za nápad tím, že ho zobrazil vpravo za nevěstinými zády. Na obraze je přítomen i sám malíř: namaloval se z profilu do obrazu nejlepšího muže nevěsty se zkříženýma rukama. Zpočátku se umělec neplánoval umístit na plátno: místo něj byl přítel, jehož milenec byl ženatý se starším mužem. Navíc Pukirevův přítel, díky rodinné poměry Byl jsem nucen zúčastnit se té nepříjemné svatby jako nejlepší muž.
Následně přítel požádal umělce, aby ho odstranil z plátna, aby si společní přátelé a příbuzní tento příběh znovu nepamatovali. Pak místo něj napsal Pukirev sám sebe. Pokud vizuálně rozdělíte plátno diagonálně z pravého horního rohu do levého dolního rohu, pak se nevěsta a její dva přátelé objeví na pravé straně. Zatímco vlevo byli příbuzní a přátelé ženicha, záměrně vyobrazeni nepříjemní lidé. Plátno je tedy rozděleno na dvě sémantické části, jako by zosobňovalo dobro a zlo. Kněz navíc končí na straně zla. Tato technika svědčí o autorově oddanosti principům realismu, čímž nastoluje otázku role církve ve společnosti.
"Ráno dovnitř borový les“, Ivan Shishkin, Konstantin Savitsky, 1889
Ne všichni milovníci sladkého vědí, co... slavný obraz, který byl poté replikován na obalech cukrovinek čokolády, pracovali dva umělci. Šiškin měl na starosti les a Savickij měl na starosti medvědy. Navíc to byl Savitsky, kdo přišel se zápletkou filmu. Medvědi byli zpočátku dva, ale pak jejich počet rostl. Sběratel Pavel Tretyakov koupil obraz za 4 tisíce rublů.
Předpokládá se však, že sběrateli se Savitského práce nelíbila. Podle legendy Treťjakov řekl: "Jak hrozní medvědi!" A Savitskyho jméno bylo na plátně rozmazané: podle jedné verze to udělal Treťjakov a podle druhé to byl sám umělec, kdo byl uražen a nemohl tolerovat kritiku majitele galerie. Šiškinova zručnost je vyjádřena nasvícením lesa: na vrcholcích borovic jsou mistrovsky namalovány první sluneční paprsky, kterých si diváci většinou nevšimnou, rozptylováni postavami medvědů.
„Zjevení Krista lidem“, Alexander Ivanov, 1857
První smysluplný obrázek na biblický příběh Alexander Ivanov napsal v roce 1834. Bylo to "Zjevení se vzkříšeného Krista Marii Magdaleně." A jen o tři roky později, v roce 1837, začal vytvářet hlavní dílo svého života - epochální plátno „Zjevení Krista lidem“. Umělec pracoval na obraze 20 let v Itálii. V procesu tvorby plátna vytvořil více než 500 studií a skic. Všichni znalci malby v Rusku věděli, že Ivanov pracuje na monumentálním plátně. V květnu 1858 se malíř rozhodl poslat obraz do Petrohradu. Podle pověsti loď během cesty zastihla silná bouře. Umělec sroloval plátno do trubky a zvedl ho nad hlavu - rozhodl se nevidět smrt svého výtvoru, ale utopit se, pokud se loď dostane pod vodu.
Plátno však přesto dorazilo do Petrohradu, kde bylo vystaveno v jednom ze sálů Akademie umění. Veřejnost přijala obraz chladně - objevily se stížnosti na příliš malou postavu Krista a na vodu, zobrazenou nikoli akademickým způsobem, ale volnými tahy. Je zvláštní, že Ivanov v tomto smyslu předběhl svou dobu, protože později by podobným způsobem pracovali impresionisté. Navíc se ukázalo, že plátno je nedokončené. Po levé straně je vidět starý muž v bílé bederní roušce, která se ve vodě odráží jako červená skvrna. Na náčrtech byl obvaz skutečně červený a umělec ho zjevně jednoduše zapomněl přemalovat. Měsíc po představení díla Ivanov zemřel a několik hodin po jeho smrti koupil obraz za 15 000 rublů císař Alexandr II. Navzdory tomu, že částka byla značná, zpočátku umělec, který tomuto dílu zasvětil polovinu života, počítal s mnohem větším honorářem, ale ani tyto peníze se mu bohužel nepodařilo získat.
"Moskevský dvůr", Vasilij Polenov, 1878
Obraz Tuláka Vasilije Polenova úzce souvisí s dalším jeho dílem nazvaným „Babiččina zahrada“. Obě plátna zobrazují stejný dům v oblasti Arbat, pouze s různé strany. Polenov napsal vlastní slavné dílo, který se přestěhoval do Moskvy z Petrohradu a usadil se v jednom z bytů domu na křižovatce Durnovského a Trubnikovského pruhu poblíž kostela Spasitele na píscích.
Pohled zobrazený na obraze byl z jeho okna. Navíc Polenovovi trvalo vytvoření mistrovského díla velmi málo času: ve skutečnosti je to skica namalovaná ze života. Poprvé v historii ruské malby umělec spojil dva žánry - každodenní život a krajinu. Veřejnost, unavená ponurými a depresivními obrazy Tuláků, přijala veselé slunečný obrázek s radostí. Nikdo se nenechal zahanbit ani smetištěm vyobrazeným v levém dolním rohu, které si většina diváků plete se studnou.
„Zjevení se Krista lidem“ od A.A. Ivanov
A.A. Ivanov lze nazvat „umělcem jednoho obrazu“. Po dobu 20 let psal epický obraz „Zjevení se Krista lidem“. Obraz zachycuje okamžik Kristova sestupu k řece Jordán a jeho setkání s Janem Křtitelem. Obrazy sloužily jako modely pro mnoho postav. skutečných lidí– konkrétně samotný umělec a jeho přítel N.V. Gogol.
Obraz byl vystaven v Petrohradě v květnu 1858 a o měsíc a půl později umělec zemřel. Když se v roce 1925 rozhodlo o přestěhování obrazu do Treťjakovské galerie, nebylo pro obrovské plátno o rozměrech 5,4 x 7,5 metru vhodné místo a bylo pro něj nutné přistavět samostatnou místnost v hlavní budově galerie.
☼ ☼ ☼„Ivan Hrozný a jeho syn Ivan 16. listopadu 1581“ („Ivan Hrozný zabije svého syna“), I. E. Repin
Dodnes se s jistotou neví, zda Ivan Hrozný skutečně zabil svého syna v návalu vzteku, nebo zda historická legenda. Ale to je jedno. Na obrázku I.E. Repin zobrazuje to hlavní – hlubokou podstatu zla, které vyrostlo z uchvácení moci, despotismu a povolnosti. To je nejen ohromující plátno, ale také jasný indikátor lidského hněvu a nesnášenlivosti.
Obraz „Ivan Hrozný“ se stal prvním uměleckým dílem v ruské historii, které bylo cenzurováno. Císař Alexandr III. zakázal P. Treťjakovovi, který obraz koupil, jej vystavovat nebo soukromě předvádět. Treťjakov sám zažil takové silné negativum emocionální dopad tuto práci, že musel plátno přesunout do samostatné místnosti. V roce 1913 byl obraz poničen - rozřezal ho nevyrovnaný starověrský malíř ikon. V roce 2013 skupina agresivních ortodoxní aktivisté se pokusil zorganizovat odstranění obrazu z expozice muzea.
☼ ☼ ☼„Apoteóza války“ od V.V. Vereščagin
„Apoteóza války“ je hluboce symbolický obraz slavného bitevního malíře Vereščagina, který měl příležitost zúčastnit se bojů po celém světě, od Balkánu po Turkestán, Indii a Čínu. Toto je jasný a výrazný protest proti válkám a násilí.
Sám Vereščagin s hořkou ironií definoval žánr svého obrazu takto: „kromě vran je to zátiší, přeložené z francouzštiny jako ‚mrtvá příroda‘. Obrovská hora lebek, rozsekaná šavlemi a probodnutá kulkami, ve vyprahlé kamenné poušti pod jasně modrou oblohou je „mrtvá příroda“, přirozený výsledek jakýchkoli vojenských konfliktů. Na rámu obrazu je nápis: „Věnováno všem velkým dobyvatelům – minulým, současným i budoucím.
☼ ☼ ☼"Boyaryna Morozova" V. I. Surikov
Epos historická malba napsal V. Surikov podle „Příběhu Bojariny Morozové“ - biografie hrdinky hnutí Starověrců, které bylo populární v jeho rodných sibiřských oblastech. Obraz „Boyaryna Morozova“ stále zůstává jedním z ústředních na výstavě Treťjakovské galerie. Tehdejší kritici jej přirovnávali k „perskému koberci“ pro jeho zobrazení pestrého, mnohotvárného davu tvořícího jakýsi „vzorec“. Je pozoruhodné, že tváře všech zobrazených postav, i těch menších, jsou přísně individuální a pečlivě vykreslené. Pro tento obraz vytvořil Surikov více než sto portrétních skic!
☼ ☼ ☼"Krajkář" V. A. Tropinin
Do 47 let V.A. Tropinin byl nevolník. Pravda, jeho majitel hrabě Morkov si všiml mladíkova uměleckého talentu a poslal ho na několik let studovat na Petrohradskou akademii umění, ale později Tropinin musel po mnoho let spojují povinnosti dvorního malíře a sluhy. Svobody se dočkal až v roce 1823 a v témže roce namaloval obraz Krajkářka, který ohromil umělecké kritiky lyrika a spontánnost. Dílo je prodchnuto duchem intimity a radosti každodenní život. Oduševnělý ženské obrázky Tropinin se stal klasikem ruské malby a on sám byl nazýván „ruským Rembrandtem“.
☼ ☼ ☼„Ráno v borovém lese“ I. Shishkin, K. Savitsky
Obraz „Ráno v borovém lese“ je v Rusku známější jako populární jméno"Tři medvědi" Za sovětské éry se vyráběly oblíbené čokoládové bonbony „Medvěd medvědí“, na jejichž obalu byla reprodukce tohoto díla. Ve skutečnosti jsou na obrázku čtyři medvědi, ne tři. Stoletý borový les pokrytý ranní mlhou patří ke křoví dokonalý mistr krajina od I. Šiškina, legrační medvíďata namaloval výtvarník Konstantin Savitsky. Ale po získání obrazu P. Treťjakov vymazal Savitského podpis, takže jeho autorství bylo dlouho připisováno pouze Šiškinovi.
☼ ☼ ☼"Sedící démon" M. Vrubel
Vrubelovy obrazy démonů jsou v ruském malířství jedinečným fenoménem. Nemají nic společného s biblickým ztělesněním zla. Vrubelovi démoni zosobňují sílu a velikost lidský duch, zavalený pochybnostmi, smutkem a utrpením. Nejvýraznější v této galerii obrázků je „Seated Demon“. Je ztělesněn v obraze mladého muže, jako by byl sevřen mezi horním a spodním okrajem obrazu na pozadí planoucího západu slunce. Efekt úzkosti a zmatku zdůrazňuje Vrubelův specifický, jedinečný malířský styl - ostré, vibrující tahy připomínající mozaiku. Na rozdíl od všeobecného přesvědčení byl „Démon“ napsán ještě předtím, než Vrubel začal ilustrovat stejnojmenná báseň Lermontov.
☼ ☼ ☼"Bogatyrs" V. Vasnetsov
"Bogatyri" není jen nejvíce slavný obraz V. Vasnetsova, ale také jeden z nejoblíbenějších umělecká díla v Rusku. Zná to každý, mladí i staří, nejčastěji pod názvem „Tři hrdinové“. Hrdinské téma je základem lidové mytologie Ruska. Jména Ilya Muromets, Dobrynya Nikitich a Alyosha Popovič, statečných obránců ruského lidu, jsou nám známá od dětství.
V. Vasnetsov maloval obraz „Bogatyrs“ více než 20 let a dovedl každý detail k dokonalosti. Tuto práci považoval za svou „tvůrčí povinnost, závazek vůči svému původnímu lidu“. Filantrop Savva Mamontov postavil na panství Abramtsevo samostatný pavilon, kde mohl Vasnetsov pracovat na obrovském plátně. Prototyp Ilyi Muromets byl kovář z Abramtseva Ivan Petrov, Alyosha Popovich - nejmladší syn Mamontová Andrej. Ale Dobrynya Nikitich - kolektivní obraz sám umělec, jeho otec a děd.
☼ ☼ ☼„Dívka s broskvemi“ od V.A. Serov
„Girl with Peaches“ je jedním z nejradostnějších, nejčerstvějších a nejlyričtějších obrazy konec XIX století. Napsal ji dvaadvacetiletý V. Serov v Abramcevu, panství filantropa Savvy Mamontova, kde se lidé často scházeli slavných umělců té doby. Na portrétu je zachycena dcera majitele, 12letá Věra Mamontová. Mimochodem, broskve vyložené na stole nebyly vůbec přivezeny z teplých krajů, vypěstoval je ve skleníku panství virtuózní zahradník. Později se V. Serov stal jedním z nejlepších portrétistů v Evropě a mnohé zvěčnil slavných současníků, ale Dívka s broskvemi je dodnes jeho nejznámějším dílem.
☼ ☼ ☼„Koupání červeného koně“ od K.P. Petrov-Vodkin
„Koupání červeného koně“ od K. Petrova-Vodkina je jedním z nejneobvyklejších a nejsymboličtějších obrazy počátku dvacátého století. Původní sférická perspektiva a barevnost obrazu byly vytvořeny pod vlivem tradic ruské ikonomalby a italských fresek. Když kritici umělce obvinili, že neexistují žádní rudí koně, ukázal jim staré ruské ikony, na nichž měli koně stejnou barvu. V ruské ikonomalbě červená barva znamená velikost života a někdy i oběti. Současníci považovali Petrov-Vodkinův obraz za prorocký a spojovali rudého koně s Ruskem, kterého křehký mladý jezdec nebyl schopen udržet.
Pokud najdete překlep nebo chybu, vyberte část textu, která ji obsahuje, a stiskněte Ctrl + ↵
Kluci, vložili jsme do stránek duši. Děkuji za to
že objevujete tuto krásu. Díky za inspiraci a husí kůži.
Přidejte se k nám Facebook A VKontakte
Kdyby jen na vlastní oči viděli obrazy „Dívka s broskvemi“, „Přiletěli havrani“, „Zjevení Krista lidem“, „Ráno v borovém lese“ a mnoho dalších ruských děl. výtvarné umění, známý i všem lidem, kteří mají daleko od malování obaly na cukroví a internetové memy.
webové stránky prohrabal sbírku muzeum umění a vybral 10 obrazů z zajímavý příběh. Doufáme, že vás budou inspirovat k návštěvě Treťjakovské galerie.
„Apoteóza války“ Vasilij Vereščagin
Obraz byl namalován v roce 1871 pod dojmem vojenských operací v Turkestánu, které očité svědky ohromily svou krutostí. Zpočátku se plátno jmenovalo „Triumf Tamerlána“, jehož vojáci za sebou zanechali takové pyramidy lebek. Podle historie se jednoho dne ženy z Bagdádu a Damašku obrátily na Tamerlána a stěžovaly si na své manžely, utápěné v hříchech a zhýralosti. Potom krutý velitel nařídil každému vojákovi ze své 200 000členné armády, aby přinesl useknutou hlavu svých zkažených manželů. Po provedení rozkazu bylo položeno 7 pyramid hlav.
„Nerovné manželství“ Vasilij Pukirev
Obraz znázorňuje svatební proces v Pravoslavná církev. Mladá nevěsta bez věna se proti své vůli provdá za starého úředníka. Podle jedné verze, na obrázku - milostné drama sám umělec. Prototyp na obrázku nevěsty je neúspěšná nevěsta Vasily Pukirev. A v obraze nejlepšího muže, vyobrazeného na okraji obrazu za nevěstou, s rukama založenýma na hrudi, je sám umělec.
"Boyaryna Morozova" Vasilij Surikov
Obrovský obraz (304 x 586 cm) od Vasilije Surikova zobrazuje výjev z historie církevní schizma v 17. století. Obraz je věnován Feodosii Prokopievně Morozové, spolupracovnici duchovního vůdce zastánců staré víry, arcikněze Avvakuma. Kolem roku 1670 se tajně stala jeptiškou, roku 1671 byla zatčena a roku 1673 byla poslána do Pafnutiev-Borovského kláštera, kde byla v hliněném vězení vyhladověna.
Obraz zachycuje epizodu, kdy je šlechtična Morozová transportována po Moskvě na místo vězení. Vedle Morozové je její sestra Evdokia Urusova, která sdílela osud schizmatiky; v hlubinách je tulák, v jehož tváři lze vyčíst rysy umělce.
"Nečekali jsme," Ilja Repin
Druhý obraz, namalovaný v letech 1884 až 1888, zachycuje okamžik, kdy se politický exulant nečekaně vrátil domů. Chlapec a žena u klavíru (zřejmě jeho žena) jsou šťastní, dívka se tváří ostražitě, služebná nevěřícně a ze shrbené postavy matky v popředí je cítit hluboký emocionální šok.
V současné době jsou oba obrazy součástí sbírky Treťjakovské galerie.
"Trojice" Andrey Rublev
Treťjakovská galerie má bohatou sbírku starověkého ruského malířství z 11. až 17. století, včetně děl Dionýsia, Simona Ušakova a Andreje Rubleva. V místnosti 60 galerie visí jedna z nejslavnějších a nejslavnějších ikon světa – „Trojice“, kterou namaloval Andrej Rublev v první čtvrtině 15. století. Tři andělé se shromáždili kolem stolu, na kterém stál obětní pohár, k tichému, neuspěchanému rozhovoru.
„Trojice“ je uložena v sále starověkého ruského malířství v Treťjakovské galerii ve speciální skleněné skříni, ve které je udržována konstantní vlhkost a teplota a která chrání ikonu před vnějšími vlivy.
"Neznámý" Ivan Kramskoy
Místo natáčení filmu je nepochybné – je to Něvský prospekt v Petrohradě, Aničkov most. Obraz ženy však pro umělce stále zůstává záhadou. Kramskoy nezanechal ve svých dopisech ani ve svých denících žádnou zmínku o neznámé osobě. Kritici spojili tento obraz s Annou Kareninou od Lva Tolstého, s Nastasyou Filippovnou od Fjodora Dostojevského a byla pojmenována jména slavných dam světa. Existuje také verze, že obraz zobrazuje umělcovu dceru Sofii Ivanovnu Kramskou.
V sovětská éra Kramskoyovo „Neznámé“ se stalo téměř ruským Sixtinská Madonna- ideální nadpozemská krása a duchovnosti. A visel v každém slušném sovětském domě.
"Bogatyrs" Viktor Vasnetsov
Vasnetsov maloval tento obraz téměř dvacet let. 23. dubna 1898 byla dokončena a záhy jej pro svou galerii zakoupil P. M. Treťjakov.
V eposech je Dobrynya vždy mladý, jako Aljoša, ale z nějakého důvodu ho Vasnetsov vylíčil jako zralého muže s luxusním plnovousem. Někteří vědci se domnívají, že rysy obličeje Dobrynya připomínají samotného umělce. Prototypem Ilji Muromce byl rolník z Vladimirské provincie Ivan Petrov, kterého Vasněcov předtím zachytil na jednom ze svých skic.
Mimochodem, Ilya Muromets není pohádková postava, A historická postava. Příběh jeho života a výkony zbraní- Tohle skutečné události. Poté, co zestárnul a dokončil své úsilí na ochranu své vlasti, stal se mnichem Kyjevskopečerského kláštera, kde zemřel v roce 1188.
„Koupání červeného koně“ Kuzma Petrov-Vodkin
Obraz „Koupání červeného koně“, který ohromil současníky svou monumentalitou a osudem, přinesl umělce Kuzmu Petrov-Vodkina světová sláva. Červený kůň působí jako Osud Ruska, který křehký a mladý jezdec není schopen udržet. Podle jiné verze je Rudým koněm samotné Rusko. V tomto případě si nelze nevšimnout prorockého daru umělce, který svým obrazem symbolicky předpověděl „rudý“ osud Ruska ve 20. století.
Petrov-Vodkin založil koně na skutečném hřebci jménem Boy. K vytvoření obrazu teenagera sedícího na koni umělec použil rysy svého studenta, umělce Sergeje Kalmykova: „Pro informaci budoucích kompilátorů mé monografie. Náš drahý Kuzma Sergejevič mě ztvárnil na červeném koni. ...Na tomto praporu jsem na obrázku liknavého mladíka vyobrazen osobně.“
"Labutí princezna" Michail Vrubel
Obraz byl namalován v roce 1900 podle jevištního obrazu hrdinky opery N. A. Rimského-Korsakova „Příběh cara Saltana“ podle zápletky stejnojmenná pohádka A. S. Puškin. Toto představení navrhl Vrubel a roli labutí princezny ztvárnila umělcova manželka Nadezhda Zabela-Vrubel. "Všichni zpěváci zpívají jako ptáci, ale Nadya zpívá jako člověk!" - Vrubel o ní mluvil.
Tito umělci ohromují svým talentem a způsoby, jakými vytvářejí své hyperrealistické obrazy. Je těžké uvěřit, ale nejsou to fotografie, ale skutečné malby nakreslené tužkou, barvami a dokonce i kuličkovými pery. Nechápeme, jak to dělají?! Užijte si jejich kreativitu.
Omar Oritz- hyperrealistický umělec z Mexika, B.A. grafický design. Hlavním námětem jeho obrazů je lidské postavy, většinou nahé ženy. V obraze umělec identifikuje tři prvky: lidskou postavu, přehozené látky, bílý. Vlastnosti Omarových děl - minimalistický styl, lakonicismus při zprostředkování jemných křivek a linií těla, práce s olejem.
Paul Cadden — současný umělec světové třídy ze Skotska. Paul pro svá díla používá pouze bílou křídu a grafit, se kterými dokáže znovu vytvořit téměř jakoukoli fotografii, přičemž věnuje pozornost nepostřehnutelným malým detailům. Jak sám umělec přiznává, nevymýšlí nové detaily, ale pouze je zdůrazňuje, čímž vytváří iluzi nová realita, což na originálních fotografiích často není vidět.
Kamalky Laureano- umělec narozený v Dominikánské republice v roce 1983, v současnosti žije a tvoří v Mexico City. Kamalki vystudoval Školu designu a umění a specializuje se na tvorbu hyperrealistických portrétů. Scény je těžké odlišit od skutečných fotek, přestože jsou napsané akrylové barvy na plátně. Jeho dílo není pro autora pouhou imitací fotografií, ale celým životem zhmotněným na plátně.
Gregory Thielker- Narodil se v New Jersey v roce 1979, studoval dějiny umění a malbu na Washingtonské univerzitě. Stěhování do Bostonu se stalo výchozím bodem pro jeho práci na hyperrealistických městských panorách, které ho proslavily po celém světě. Tilkerovy obrazy jsou jako cestování autem za chladného deštivého dne. Autor, inspirovaný díly umělců 70. let, vytváří své realistické obrazy pomocí akvarelů a olejových barev.
Lee Price je umělec z New Yorku, na univerzitě vystudoval malbu a specializuje se na figurativní malbu. Hlavní zápletka Leeových děl je těžký vztahženy na jídlo. Divák jako by zvenčí sledoval ženy, které tajně jedí něco chutného, ale škodlivého. Sama umělkyně říká, že se ve svých dílech snaží ukázat, že ženy obdarovávají jídlo vlastnostmi, které mu nejsou vlastní, a hledají útěchu v nevhodném zdroji. Obrazy zprostředkovávají absurditu situace, snahu uniknout z reality, zmírnit nepříjemné pocity.
Ben Weiner narozen 10. listopadu 1980 v Burlingtonu ve Vermontu, vystudoval University of Art, maluje oleji na plátno. Zvláštností umělcových děl je neobvyklý děj. Ben maluje! Nejprve umělec nanese barvy na pracovní plochu, vyfotografuje je a poté hotová fotka maluje obraz na plátno.
Narodil se v roce 1950 v severní Kalifornii a je známý svými realistickými akrylovými malbami na plátně. Jako dítě sdílel autor lásku ke kreslení s úspěchy ve sportu, ale zranění zad určilo Rayovo hlavní zaměstnání. Jak umělec přiznal, kreslení ho odvádělo od neustálých bolestí zad. Mistr je stále uvnitř raná léta přijaté široké uznání a mnoho ocenění ve výtvarných soutěžích.
Alyssa Monksovážije a tvoří své obrazy v Brooklynu, se stala široce známou pro své realistické „mokré“ obrazy. Umělec používá k vytváření abstraktních vzorů filtry, jako je voda, sklo nebo pára. Alyssa pro svou práci často využívá fotografie z osobních archivů rodiny a přátel. Ženské tváře a postavy na obrazech jsou si navzájem podobné - umělkyně často maluje autoportréty, protože tvrdí, že je pro ni „snazší“ vytvořit potřebný děj.
Pedro Campos- hyperrealista z Madridu, začal malovat oleji až ve 30 letech. Umělec vytváří svá realistická zátiší pomocí olejových barev. Campos pracoval jako interiérový designér, ilustrátor a umělecký restaurátor nábytku, soch a obrazů. Umělec věří, že to byla jeho práce restaurátora, která mu pomohla zdokonalit jeho dovednosti.
Dirk Dzimirsky- výtvarník z Německa, narozen 1969, získal výtvarné vzdělání, pracuje v technice tužky. Umělec kreslí obrázky z fotografií, aniž by zacházel do nejmenších detailů, a hodně improvizuje. Dirk říká, že při práci na obraze si představuje živoucí modelku, takže fotografie používá pouze k důkladnému vyjádření předem stanovených proporcí. Autor považuje za svůj hlavní úkol vytvořit pocit přítomnosti subjektu v obraze.
Thomas Arvid je americký hyperrealistický umělec z New Orleans, který se narodil a vyrostl v Detroitu, nemá žádné formální vzdělání a je mistrem takzvaného „oversized“ zátiší. Jeho série realistické malby„Vinotéka“ znamená zátky, lahve, sklenice s perlivými nebo tmavě červenými nápoji. Renomovaní kritici a publikace zaznamenali více než 70 děl umělce. Mistrovy obrazy zdobí nejen stěny vinařství a prestižních vinařských salonů, ale i soukromé sbírky a galerie.
Robin Eley narodil se v Británii, vyrostl a nadále žije a pracuje v Austrálii, je držitelem bakalářského titulu z výtvarných umění a byl oceněn národní cenou Douga Morana za portrét. Své hyperrealistické obrazy vytváří v olejích a za svého hlavního „koně“ považuje téma „lidé a celofán“. Mistr pracuje na jednom obrazu asi 5 týdnů, 90 hodin týdně, téměř na každém obraze jsou vyobrazeni lidé zabalení v celofánu.
Samuel Silva- portugalský amatérský umělec speciální vzdělávání, který osobním příkladem dokazuje, že mistrovské dílo lze vytvořit z čehokoli. Při tvorbě obrazů používá umělec paletu osmi barev kuličkových per od Bic. Silva je povoláním právník a svou vášeň pro kreslení považuje za nic jiného než koníček. Dnes světoznámý autodidakt zvládá nové malířské techniky pomocí barev, kříd, pastelek, pastelů atd.
Gottfried Helnwein — Rakouský umělec, autor hyperrealistických obrazů na sociální, politické a historická témata, „mistr nečekaného uznání“, jak ho nazval spisovatel W. Burroughs. Autor získal vzdělání na vídeňské Akademii výtvarných umění a je umělcem vysoké profesionální úrovně. Slávu mu do jisté míry přinesly kontroverzní náměty a surrealistické kompozice. Mistr na svých obrazech často zobrazoval postavy z komiksů a přiznává, že se „od Kačera Donalda naučil víc než ve všech školách, které navštěvoval“.
Franco Clun- Italský autodidakt kdo všichni ostatní umělecké techniky preferuje kresbu grafitem. Výsledkem jsou jeho černobílé realistické malby samostudium Franco různá literatura o technikách kreslení.
Kelvin Okafor- hyperrealistický umělec, narozen v roce 1985, žije a tvoří v Londýně. Kelvin získal titul ve výtvarném umění na Middlesex University. Autor vytváří své obrazy s jednoduchou tužkou, hlavním tématem jeho děl jsou portréty slavných.
Amy Robinsová je britská umělkyně, která pro svá hyperrealistická díla používá barevné tužky a stavební papír. Umělec má vzdělání v umění a designu, bakalářský titul ve výtvarném umění a žije a pracuje v Bristolu. O mladý autor je málo známo, ale její díla se již proslavila po celém světě, pozoruhodná svým realismem a technikou.
Robert Longo ( Robert Longo) - Americký umělec a sochař, narozený v Brooklynu v roce 1953, oceněný legendární cenou Goslar Kaiser Ring. Vaše 3D obrázky jaderné výbuchy, tornáda, hurikány a žraloci, umělec kreslí uhlem na papír. Longo je často nazýván „malířem smrti“. Slavný obraz Untitled (Skull Island), s vlnou, byl prodán v Christie’s v Londýně za 392 000 dolarů.
Diego Fazio- výtvarník samouk, narozen v roce 1989 v Itálii, má č.p výtvarná výchova, začal vývojem náčrtů pro tetování a postupem času vyvinul vlastní techniku kreslení. Mladý umělec byl účastníkem mnoha mezinárodní soutěže, kde zastával ceny, byl prezentován na výstavách po celém světě. Umělec pracuje pod pseudonymem DiegoKoi.
Bryan Drury narozen v roce 1980 v Salt Lake City, má diplom z New York Academy of Arts, vytváří obrazy v žánru realismu. Umělec maluje své obrazy olejovými barvami. Jak autor přiznává, ve svých dílech se snaží zaměřit na organické kvality kůže a její nedostatky.
Steve Mills je americký umělec, který prodal svůj první obraz ve věku 11 let. Umělec vytváří své obrazy olejovými barvami se zaměřením na ty nejmenší detaily každodenního života, kterých si ve věčném spěchu často nevšimneme. Umělec poznamenává, že zobrazuje předměty tak, jak existují skutečný život beze změny nebo přehánění jejich původní podoby.
Paul Lung narozený v Hong Kongu, kreslí automatickou tužkou na listy A2. Zvláštností techniky tvorby obrazů je zásadní odmítnutí použití gumy, všechna díla jsou kreslena kompletně; Hlavními „múzami“ umělce jsou kočky, i když maluje také lidi a jiná zvířata. Každá práce zabere autorovi minimálně 40 hodin.
Roberto Bernardi narodil se v Itálii, o hyperrealismus se začal zajímat v 19 letech, pracoval jako restaurátor v kostele San Francesco. Používá se k vytváření obrazů olejové barvy. Celosvětovou slávu umělci přinesla série děl zobrazujících předměty charakteristické pro konzumní společnost. Obrázky se sladkostmi, prodejními automaty, policemi v lednici - vizitka umělec, i když jeho arzenál zahrnuje krajiny, zátiší a mnoho dalšího.
Juan Francisco Casas — španělský umělec, který své obrazy vytváří běžným kuličkovým perem Bic. Casas byl tradiční umělec, který se rozhodl dokázat ostatním, že není důležitý materiál pro práci, ale způsob a technika malby. Přinesla ho první výstava kreativního Španěla světová sláva. Většina Casasových obrazů zobrazuje jeho přátele.
Tereza Elliottová - americký umělec, který před tvorbou realistických olejomaleb 26 let úspěšně pracoval jako ilustrátor. Tereza má B.A. výtvarné umění, návrat k klasické umění, se díky svým pravdivým příběhům proslavila po celém světě nejmenší detaily portréty.
Pochopit umění není tak těžké, jak se zdá. K tomu není nutné několik let studovat, abyste se stali uměleckým kritikem. Stačí si popovídat s odborníky, kteří budou o slavných obrazech mluvit tak, že je později v muzeu uvidíte z nečekaného úhlu.
Lektorka vzdělávacího projektu Level One, diplomovaná historička umění Natalya Ignatova odhalila tajemství pěti nejzáhadnějších obrazů Treťjakovské galerie.
Novinky a fakta vydává tento úžasný materiál pro svého čtenáře.
"Bogatyrs", Viktor Vasnetsov, 1898
Viktor Vasněcov zasvětil významnou část svého života malbě se třemi hrdiny eposů a pohádek. Plátno je jedním z Treťjakovových rekordmanů v počtu let strávených jeho tvorbou. Umělec vytvořil první skicu v roce 1871 a své mistrovské dílo dokončil až v roce 1898.
Na rozdíl od všeobecného přesvědčení, že hrdinové vyrazili do pole jen proto, aby se prošli a prozkoumali okolí, jsou připraveni vrhnout se do bitvy. Nepřítel stojí v dálce, jakoby za divákem, o jeho přítomnosti svědčí stahující se mraky, jestřábi, kteří předvídají kořist, ale hlavní je natažený meč Dobrynya Nikitich a luk připravený ke střelbě v rukou Aljoši Popoviče.
Prototyp Ilyi Muromets byl císař Alexander III, umělec maloval Dobrynya Nikitich od sebe, ale prototyp Alyosha Popoviče není spolehlivě znám, mohl to být prostý občan - Vasnetsov, v procesu práce na obrázku, maloval mnoho portrétů. rolníků, taxikářů a kovářů, kteří, jak se mu zdálo, byli poněkud podobní slavným pohádkovým postavám.
„Nerovné manželství“, Vasily Pukirev, 1862
Námět pro obraz navrhl Vasiliji Pukirevovi jeho přítel, umělec Pyotr Shmelkov. Dobře znal zvyky bohatých a vlivných lidí, pro které byly dohodnuté sňatky samozřejmostí. Pukirev poděkoval svému příteli za nápad tím, že ho zobrazil vpravo za nevěstinými zády. Na obraze je přítomen i sám malíř: namaloval se z profilu do obrazu nejlepšího muže nevěsty se zkříženýma rukama. Zpočátku se umělec neplánoval umístit na plátno: místo něj byl přítel, jehož milenec byl ženatý se starším mužem. Navíc byl Pukirevův přítel kvůli rodinným okolnostem nucen zúčastnit se té nepříjemné svatby jako nejlepší muž.
Následně přítel požádal umělce, aby ho odstranil z plátna, aby si společní přátelé a příbuzní tento příběh znovu nepamatovali. Pak místo něj napsal Pukirev sám sebe. Pokud vizuálně rozdělíte plátno diagonálně z pravého horního rohu do levého dolního rohu, pak se nevěsta a její dva přátelé objeví na pravé straně. Zatímco vlevo jsou příbuzní a přátelé ženicha, záměrně vyobrazení jako nepříjemní lidé. Plátno je tedy rozděleno na dvě sémantické části, jako by zosobňovalo dobro a zlo. Kněz navíc končí na straně zla. Tato technika svědčí o autorově oddanosti principům realismu, čímž nastoluje otázku role církve ve společnosti.
„Ráno v borovém lese“, Ivan Shishkin, Konstantin Savitsky, 1889
Ne všichni milovníci sladkostí vědí, že na slavném obrazu, který byl poté replikován na obaly od čokoládových bonbónů, pracovali dva umělci. Šiškin měl na starosti les a Savickij měl na starosti medvědy. Navíc to byl Savitsky, kdo přišel se zápletkou filmu. Medvědi byli zpočátku dva, ale pak jejich počet rostl. Sběratel Pavel Tretyakov koupil obraz za 4 tisíce rublů.
Předpokládá se však, že sběrateli se Savitského práce nelíbila. Podle legendy Treťjakov řekl: "Jak hrozní medvědi!" A Savitskyho jméno bylo na plátně rozmazané: podle jedné verze to udělal Treťjakov a podle druhé to byl sám umělec, kdo byl uražen a nemohl tolerovat kritiku majitele galerie. Šiškinova zručnost je vyjádřena nasvícením lesa: na vrcholcích borovic jsou mistrovsky namalovány první sluneční paprsky, kterých si diváci většinou nevšimnou, rozptylováni postavami medvědů.
„Zjevení Krista lidem“, Alexander Ivanov, 1857
Alexander Ivanov namaloval první významný obraz založený na biblickém příběhu v roce 1834. Bylo to "Zjevení se vzkříšeného Krista Marii Magdaleně." A jen o tři roky později, v roce 1837, začal vytvářet hlavní dílo svého života - epochální plátno „Zjevení Krista lidem“. Umělec pracoval na obraze 20 let v Itálii. V procesu tvorby plátna vytvořil více než 500 studií a skic. Všichni znalci malby v Rusku věděli, že Ivanov pracuje na monumentálním plátně. V květnu 1858 se malíř rozhodl poslat obraz do Petrohradu. Podle pověsti loď během cesty zastihla silná bouře. Umělec sroloval plátno do trubky a zvedl ho nad hlavu - rozhodl se nevidět smrt svého výtvoru, ale utopit se, pokud se loď dostane pod vodu.
Plátno však přesto dorazilo do Petrohradu, kde bylo vystaveno v jednom ze sálů Akademie umění. Veřejnost přijala obraz chladně - objevily se stížnosti na příliš malou postavu Krista a na vodu, zobrazenou nikoli akademickým způsobem, ale volnými tahy. Je zvláštní, že Ivanov v tomto smyslu předběhl svou dobu, protože později by podobným způsobem pracovali impresionisté. Navíc se ukázalo, že plátno je nedokončené. Po levé straně je vidět starý muž v bílé bederní roušce, která se ve vodě odráží jako červená skvrna. Na náčrtech byl obvaz skutečně červený a umělec ho zjevně jednoduše zapomněl přemalovat. Měsíc po představení díla Ivanov zemřel a několik hodin po jeho smrti koupil obraz za 15 000 rublů císař Alexandr II. Navzdory tomu, že částka byla značná, zpočátku umělec, který tomuto dílu zasvětil polovinu života, počítal s mnohem větším honorářem, ale ani tyto peníze se mu bohužel nepodařilo získat.
"Moskevský dvůr", Vasilij Polenov, 1878
Obraz Tuláka Vasilije Polenova úzce souvisí s dalším jeho dílem nazvaným „Babiččina zahrada“. Obě plátna zobrazují stejný dům v oblasti Arbat, jen z různých stran. Polenov napsal své nejslavnější dílo poté, co se z Petrohradu přestěhoval do Moskvy a usadil se v jednom z bytů v domě na křižovatce Durnovského a Trubnikovského ulice poblíž kostela Spasitele na píscích.
Pohled zobrazený na obraze byl z jeho okna. Navíc Polenovovi trvalo vytvoření mistrovského díla velmi málo času: ve skutečnosti je to skica namalovaná ze života. Poprvé v historii ruské malby umělec spojil dva žánry - každodenní život a krajinu. Veřejnost, unavená ponurými a depresivními obrazy Tuláků, přijala veselý slunečný obrázek s potěšením. Nikdo se nenechal zahanbit ani smetištěm vyobrazeným v levém dolním rohu, které si většina diváků plete se studnou.
