Symfonická báseň. Symfonická báseň

35. Báseň Li-si Li-si, který sloužil na hoře Tsu-hu 30 let, napsal báseň: Třicet let jsem žil na hoře Tsu-hu, dvakrát denně jsem jedl jednoduché jídlo, abych vyživil své tělo , Vylezl jsem na hory a vrátil se cvičit jeho tělo, Žádný z mých současníků

List se zapsal do historie symfonická hudba jako tvůrce nového žánru - jednodílné symfonické básně. Jeho název vyvolává okamžité asociace s atmosférou poezie a jasně odráží spojení hudby a literatury, které je základem Lisztovy estetiky (jak známo, Liszt byl jedním z nejzarytějších zastánců programové kreativity a syntézy různých umění).
Symfonická báseň ztělesňuje specifický programový obsah, někdy velmi složitý.

12 z 13 Lisztových symfonických básní pochází z období rozkvětu jeho tvorby, kdy byl skladatel vedoucím a dirigentem výmarského dvorního divadla.
Škála obrazů ztělesněných v Lisztových symfonických básních je velmi široká. Prezentováno zde světové literatury celá staletí od starověké mýty k dílu moderních romantiků. Ale mezi pestrou paletou témat jasně vyčnívá jeden velmi specifický pro Liszta. filozofické problémy: problém smyslu lidský život.
Dvě nejznámější Lisztovy básně jsou „Tasso“ (kde se skladatel obrátil k osobnosti pozoruhodného italského renesančního básníka Torquata Tassa) a „Preludia“.
„Preludia“ je Lisztova třetí symfonická báseň. Její název a program si skladatel vypůjčil ze stejnojmenné básně francouzského básníka Lamartina. Liszt se však výrazně odchýlil od hlavní myšlenky básně věnované myšlenkám o smrtelnosti lidská existence. Vytvořil hudbu plnou hrdinského, život potvrzujícího patosu.
Začátek básně je velmi typický pro Liszta, který obvykle odmítá slavnostní úvody a mnohá díla začíná tiše, jakoby tajně. V „Preludes“ působí náhlé, tiché zvuky prvních taktů dojem tajemna a záhady. Pak vyvstává typicky romantický motiv otázky vyjadřující „klíčovou“ úvodní větu pořadu: „Není náš život sérií předeher k neznámému hymnu, jehož první slavnostní notu zazní smrtí?“) , tedy otázka po smyslu života. Tento motiv hraje roli tematického jádra pro veškerou následnou hudbu skladby.
Hrdinské hlavní téma, které vyrůstá z motivu otázky, ale získává jistotu sebepotvrzení, zní silně a slavnostně.
Vedlejším tématem je podle programového plánu téma lásky. Jeho souvislost s hlavním motivem je spíše nepřímá. S hlavním tématem se zdá, že vedlejší téma je v barevném, „romantickém“ vztahu. Sekundární zvuk lesních rohů zdvojený altem dodává zvláštní vřelost a upřímnost.

Milostná idyla vedlejší hry ve vývoji ustupuje životním bouřím, bitevním scénám a nakonec velké epizodě pasteveckého charakteru: „hrdina“ hledá odpočinek v klíně přírody od starostí života. To vše vyvolává asociace s prudkými poryvy větru. Epizoda bouře se vyznačuje živými vizuálními snímky.
Další úsek – pastorační – připomíná pomalý pohyb. Jeho téma, střídavě v podání různých dechových nástrojů, je zcela nové. I zde se však v průzračném zvuku pastýřských nápěvů mihne „intonace otázky“, jako by se ani v klíně přírody hrdina nemohl zbavit svých pochybností.
Následné rozvíjení vedlejšího tématu směřuje k jeho heroizaci: stává se stále aktivnější, energičtější a v dynamické repríze přechází ve vítězný pochod v tečkovaném rytmu. Této pochodové verzi vedlejšího tématu opět předchází téma spojovací, které rovněž ztrácí snový ráz a přechází v jásavou přitažlivost. Oslavení lyrické obrazy logicky vede k vrcholu celého díla – mocnému provedení hlavní téma, která se stává hrdinskou apoteózou básně.

Symfonická báseň "Preludia"

musike.ru/index.php?id=78

Mezi 12 básněmi je „Tasso“ číslo 2, které však není určeno časem dokončení ani pořadím vydání díla. Hrdinou básně je velký italský renesanční básník Torquato Tasso, jehož epická báseň „Jeruzalém osvobozený“ inspirovala v průběhu staletí mnoho skladatelů. Osud Tassa je hodně nejistý. Básník, který zazářil na dvoře vévody z Ferrary Alfonsa II d'Este, skončil ve svých 35 letech v nemocnici u sv. Anny - psychiatrické léčebně a zároveň vězení, kde skončil buď opravdu kvůli nemoci, která ho postihla, nebo kvůli soudním intrikám, které Legenda nazvala vězněním láska – básníkova troufalost, bořící všechny třídní bariéry sestře vévody Alphonse Eleonory d’Este. O sedm let později, po propuštění z vězení na přímluvu papeže, byl Tasso - již zcela zlomený muž - prohlášen největší básník Itálii a byl oceněn vavřínovým věncem, který byl dříve udělen pouze jednou velkému Petrarcovi.

Symfonická báseň "Tasso"

Smrt však přišla dříve a slavnostní ceremoniál v římském Kapitolu byla jen básníkova rakev korunována vavříny „Stížnost a triumf: to jsou dva velké protiklady v osudu básníků, o nichž se právem říká, že ačkoliv jejich životy často tíží kletba, požehnání nikdy. opouští své hroby,“ napsal Liszt v programu k této dramatické básni, zachycující všechny peripetie básníkova života – od vězení a vzpomínek na lásku až po zaslouženou slávu.

Symfonická báseň. Tento koncept se objevil v hudebním umění v roce 1854: maďarský skladatel Franz Liszt dal definici „symfonické básně“ svému orchestrálnímu dílu „Tasso“, původně koncipovanému jako předehra. Touto definicí chtěl zdůraznit, že Tasso není jen programová hudba. Svým obsahem nesmírně úzce souvisí s poezií. Následně Liszt napsal dalších dvanáct symfonických básní. Nejznámější z nich jsou „Preludia“. Vychází z básně „Preludia“ (přesněji „Preludia“) francouzského romantického básníka Lamartina, v níž je celý lidský život nahlížen jako sled epizod – „předehra“ vedoucí ke smrti.

Lisztovo dílo také vyvinulo formu, která je pro symfonickou báseň nejcharakterističtější: volná, ale se zřejmými rysy sonátově-symfonického cyklu, je-li provedena bez přestávky mezi částmi - site. Různorodé epizody symfonické básně mají podobnosti s hlavními úseky sonátové formy: hlavní a vedlejší části expozice, vývoj a repríza. Jednotlivé epizody básně lze přitom vnímat jako součásti symfonie.

Po Lisztovi se mnoho skladatelů obrátilo k žánru, který vytvořil. Klasik české hudby Bedřich Smetana má cyklus symfonických básní, sjednocených souhrnným názvem „Má vlast“. Německý skladatel Richard Strauss tento žánr velmi miloval. Jeho Don Juan, Don Quijote a The Merry Tricks of Till Eulenspiegel jsou široce známé. Finský skladatel Jean Sibelius napsal symfonickou báseň „Kalevala“, která vychází z finského lidového eposu jako literárního zdroje. Ruští skladatelé dali přednost jiným definicím svých orchestrálních děl tohoto typu: předehra-fantasy, symfonická balada, předehra, symfonický obraz.

Žánr symfonické malby, běžný v ruské hudbě, má určité rozdíly. Jeho programování nesouvisí s dějem, ale maluje krajinu, portrét, žánr nebo bitevní scénu. Každý pravděpodobně zná takové symfonické filmy jako „Sadko“ od Rimského-Korsakova, „Ve střední Asii“ od Borodina, „Baba Yaga“, „Kikimora“ a „Kouzelné jezero“ od Ljadova. Další odrůda tohoto žánru - symfonická fantasy - milovaná také ruskými skladateli, se vyznačuje větší volností výstavby, často přítomností fantastických prvků v programu.

Symfonie. Mezi mnoha hudebními žánry patří jedno z nejčestnějších míst symfonii. Vždy, od okamžiku svého vzniku až po současnost, citlivě reflektuje svou dobu: symfonie Mozarta a Beethovena, Berlioze a Mahlera, Prokofjeva a Šostakoviče jsou úvahy o době, o člověku, o způsobech světa a života na zemi. Symfonie jako samostatná hudební žánr vznikl relativně nedávno: asi před dvěma a půl stoletími. Za tuto historicky krátkou dobu však ušla dlouhou cestu.

Slovo symfonie přeložené z řečtiny znamená jen souzvuk. Ve starověkém Řecku se tak nazývalo příjemné spojení zvuků. Později začali označovat buď orchestr, nebo úvod k taneční suitě. Na počátku 18. století tento termín nahradil současné pojetí předehry. První symfonie v současném smyslu se objevily ve středu Evropy ve druhé polovině 18. století. A místo a čas jejího narození nejsou náhodné. Vzniká současně v různých částech Evropy, v hlubinách starých, dříve formovaných hudební formy- taneční suita a operní předehra, symfonie nakonec vznikla v zemích německého jazyka - web. V Itálii národní umění byla opera. V předrevoluční Francii, již prosycené atmosférou svobodného myšlení a rebelie, se prosadila jiná umění. Jako je literatura, malba a divadlo – konkrétnější, přímo a jasně vyjadřující nové myšlenky, které vzrušují svět. Když o několik desetiletí později přišla na řadu hudba, písně „Carmagnola“ a „Marseillaise“ vstoupily do řad revolučních vojsk jako plnohodnotný bojovník.

Symfonie je stále nejsložitější ze všech druhů hudby, která nesouvisí s jinými uměními.- vyžadovalo jiné podmínky pro jeho formování, pro plné vnímání: vyžadovalo myšlení, zobecňování - klidnou a soustředěnou práci. Není náhodou, že centrum filozofického myšlení, které odráželo společenské změny v Evropě na konci 18. století, se ukázalo být v Německu, daleko od sociálních bouří. V Německu a Rakousku se zároveň rozvinuly bohaté tradice instrumentální hudba. Zde se symfonie objevila. Vznikla v dílech českých a rakouských skladatelů a její konečná podoba. získal v díle Haydna, aby dosáhl svého vrcholu v Mozartovi a Beethovenovi. Tato klasická symfonie (Haydn, Mozart a Beethoven vstoupili do dějin hudby jako „vídeňští klasici“, od r. většina jejich dílo je spjato s tímto městem) rozvíjený jako cyklus čtyř částí, které ztělesňovaly různé aspekty lidského života.

První věta symfonie- rychlý, aktivní, někdy mu předchází pomalý úvod. Je psána sonátovou formou.
Druhá část- pomalý - obvykle přemýšlivý, elegický nebo pastorační, tedy věnovaný poklidným obrazům přírody, tichému odpočinku nebo snům. Existují druhé části, které jsou truchlivé, koncentrované a hluboké.
Třetí věta symfonie- menuet a později v Beethovenovi scherzo. Toto je hra, zábava, živé obrázky lidový život, fascinující kulatý tanec...
Finále- to je výsledek celého cyklu, závěr ze všeho, co bylo ukázáno, promyšleno, procítěno v předchozích dílech. Konec je často život potvrzující, slavnostní, vítězný nebo slavnostní.

Na obecné schéma, symfonie různých skladatelů jsou velmi odlišné. Jsou-li tedy Haydnovy symfonie většinou klidné, radostné a jen velmi málo ze 104 děl tohoto žánru, které vytvořil, má vážné nebo smutné tóny, pak jsou Mozartovy symfonie mnohem osobitější, někdy jsou vnímány jako předchůdci romantického umění. Beethovenovy symfonie jsou plné obrazů boje. Plně odrážely dobu – éru Velké francouzská revoluce, vznešené občanské myšlenky inspirované ní. Beethovenovy symfonie jsou monumentální díla, co do hloubky obsahu, šíře a síly zobecnění, nejsou horší než opera, drama nebo román. Vyznačují se hlubokým dramatem, hrdinstvím a patosem. Poslední z Beethovenových symfonií, Devátá, obsahuje sbor zpívající úchvatný a majestátní hymnus „Embrace, O Millions“ zasazený do veršů Schillerovy ódy na Radost. Skladatel zde vykresluje grandiózní obraz svobodného, ​​radostného lidství, které usiluje o univerzální bratrství.

Ve stejné době jako Beethoven žil ve stejné Vídni další úžasný rakouský skladatel Franz Schubert. Jeho symfonie znějí jako lyrické básně, jako hluboce osobní, intimní výpovědi. Se Schubertem dovnitř evropská hudba, přišel do symfonického žánru nový směr – romantismus. Představiteli hudebního romantismu v symfonii jsou Schumann, Mendelssohn, Berlioz. Jako první vytvořil Hector Berlioz, vynikající francouzský skladatel programová symfonie, který pro ni napsal poetický program v podobě krátkého příběhu o umělcově životě.

Symfonie v Rusku je především Čajkovskij. Jeho symfonická díla jsou vzrušující, vzrušující příběhy o boji člověka o život, o štěstí. Ale tohle je Borodin: jeho symfonie se vyznačují svou epickou šířkou, silou a skutečně ruským rozsahem. Jde o Rachmaninova, Skrjabina a Glazunova, kteří vytvořili osm symfonií – krásné, jasné, vyvážené. Symfonie D. Šostakoviče ztělesňují 20. století s jeho bouřemi, tragédiemi a úspěchy. Odrážejí události naší historie a obrazy lidí – skladatelových současníků, budování, bojů, hledání, utrpení a vítězí. Symfonie S. Prokofjeva se vyznačují epickou moudrostí, hlubokým dramatem, čistými a bystrými texty a ostrými vtipy.

Jakákoli symfonie je celý svět. Svět umělce, který jej vytvořil. Svět času, který ho zrodil. Naslouchání klasické symfonie, stáváme se duchovně bohatšími, seznamujeme se s poklady lidského génia, které jsou svým významem rovnocenné Shakespearovým tragédiím, Tolstého románům, Puškinovým básním, Rafaelovým obrazům.
Z domácích autorů symfonií jsou to N. Mjaskovskij, A. Chačaturjan, T. Chrennikov, V. Salmanov, R. Ščedrin, B. Tiščenko, B. Čajkovskij, A. Terterjan, G. Kančeli, A. Schnittke.

Scherzo. Italské slovo scherzo přeloženo je vtip. Odedávna se v hudbě ujal k označení jejího charakteru – živý, veselý, hravý. Beethoven zavedl název scherzo pro jednu ze středních vět symfonie namísto dříve tradičního menuetu - site. A v polovině 19. století takto začali skladatelé nazývat nezávislé hry, a to nejen humorné, ale někdy i dramatické nebo mající zlověstný podtext. Chopinova scherza jsou tedy široce známá – klavírní skladby se vyznačují bohatostí obrazů a rozmanitostí obsahu.

Liszt se zapsal do dějin symfonické hudby jako tvůrce nového žánru – jednověté symfonické básně. Jeho název vyvolává okamžité asociace s atmosférou poezie a jasně odráží spojení hudby a literatury, které je základem Lisztovy estetiky (jak známo, Liszt byl jedním z nejzarytějších zastánců programové kreativity a syntézy různých umění).

Protože symfonická báseň ztělesňuje specifický programový obsah, někdy velmi složitý, postrádá její formování stabilitu, která je vlastní jejím starším příbuzným – symfonii a předehře. Většina Lisztových symfonických básní vychází z volné nebo smíšené formy, která byla v době romantismu velmi běžná. Toto je název pro formy, které kombinují základní vlastnosti dvou nebo více klasické formy. Jednotícím faktorem je zpravidla princip monotematismu (vytváření jasně kontrastních obrazů na stejné téma nebo motiv).

12 z 13 Lisztových symfonických básní pochází z období rozkvětu jeho tvorby – tzv. Výmarské období (1848-1861) , kdy byl skladatel ředitelem a dirigentem výmarského dvorního divadla. Obě Lisztovy symfonie – „Faust“ i „Dante“ – vznikaly současně. Skladatel je oslovil cyklická forma. Symfonie „Dante“ má dvě věty („Peklo“ a „Očistec“), symfonie „Faust“ má tři věty („Faust“, „Margarita“, „Mefistofeles“. Části se však svou strukturou blíží symfonickým básně).

Škála obrazů ztělesněných v Lisztových symfonických básních je velmi široká. Představuje se zde světová literatura všech staletí, od antických mýtů až po tvorbu moderních romantiků. Ale mezi pestrou paletou témat jasně vyniká filozofický problém, který je velmi specifický pro Liszta:

• problém smyslu lidského života - „Preludia“, „Hamlet“, „Prometheus“, „Nářek pro hrdiny“;
• osud umělce a účel umění - „Tasso“, „Orpheus“, „Mazeppa“;
• osud národů a celého lidstva - „Maďarsko“, „bitva Hunů“, „Co je slyšet na hoře“.

Dvě nejznámější z Lisztových básní jsou: "Tasso" (kde se skladatel obrátil k osobnosti pozoruhodného italského renesančního básníka Torquata Tassa) a "Preludia".

„Preludia“ je Lisztova třetí symfonická báseň. Její název a program si skladatel vypůjčil ze stejnojmenné básně francouzského básníka Lamartine(pod dojmem Lamartinovy ​​poezie skladatel také vytvořil klavírní cyklus„Poetické a náboženské harmonie“). Liszt se však výrazně odchýlil od hlavní myšlenky básně, která byla věnována úvahám o křehkosti lidské existence. Vytvořil hudbu plnou hrdinského, život potvrzujícího patosu.

Hudební kompozice „Preludií“ je založena na volně interpretovaných principech sonátového allegra s monotematickými vazbami mezi nejdůležitější témata. Nejobecněji lze formu definovat jako sonátově soustředné(sonata allegro s úvodem, probíhající epizodou a zrcadlovou reprízou dynamizovaného charakteru).

Začátek básně je velmi typický pro Liszta, který obvykle odmítá slavnostní úvody a mnohá díla začíná tiše, jakoby tajně. V „Preludes“ působí náhlé, tiché zvuky prvních taktů dojem tajemna a záhady. Pak vzniká typicky romantický motiv otázky - do-si-mi (m.2 dolů - část 4 nahoru), vyjadřující „klíčovou“ úvodní frázi programu: „Není náš život sérií předeher k neznámému hymnu, jehož první slavnostní tón zazní smrtí??“, tedy otázka po smyslu života. Tento motiv hraje roli tematického jádra pro veškerou následnou hudbu skladby.

Rostoucí z motivu otázky, ale získávání jistoty sebepotvrzení, hrdinské hlavní téma (C dur) zní mocně a slavnostně s trombony, fagoty a nízkými strunami. Spojující a vedlejší témata jasně kontrastují s hlavním, maluje obraz hrdiny z druhé strany sní o štěstí a lásce. Spojnicí je v tomto případě „olyrizovaná“ verze hlavního tématu, kterou violoncella podávají velmi melodickým způsobem. Následně získává v básni průřezový význam, objevuje se na okrajích důležitých úseků a postupně prochází variantními proměnami.

Strana (E-dur) je podle programového plánu tématem lásky. Jeho souvislost s hlavním motivem je spíše nepřímá. S hlavním tématem se vedlejší téma objevuje v barevném, „romantickém“ třetím vztahu. Sekundární zvuk lesních rohů zdvojený divizi alty dodává zvláštní vřelost a upřímnost.

Rozvíjející se milostná idylka vedlejší party ustupuje životním bouřím, bitevním scénám a nakonec i velké epizodě pasteveckého charakteru: „hrdina“ hledá v lůně přírody odpočinek od starostí života (jedné z nej typické ideové a dějové motivy romantického umění). Ve všech těchto částech dochází k proměnám hlavního motivu. V bouřková epizoda (první úsek vývoje) se stává nestabilnější kvůli vzhledu mysli v něm.4. Veškerá harmonie, založená především na zmenšených sedmých akordech a jejich paralelních pohybech po tónech, se také stává nestabilní. chromatická stupnice. To vše vyvolává asociace s prudkými poryvy větru. Bouřková epizoda, připomínající v mnoha ohledech sonátový vývoj, se vyznačuje živými malebnými obrazy. Navazuje na dlouhou tradici „hudebních bouří“ (Vivaldi, Haydn, Beethoven, Rossini) a má jasnou podobnost s bouřlivým, dramatickým scherzem symfonického cyklu.

Další sekce je pastorální - připomíná pomalou část. Zcela nové je jeho téma, střídavě v podání různých dechových nástrojů (jde o rozpracovanou „epizodu“). I zde se však v průzračném zvuku pastýřských nápěvů mihne „intonace otázky“, jako by se ani v klíně přírody hrdina nemohl zbavit svých pochybností. Později, po ozvěnách spojovacího tématu, je do vývoje zařazeno vedlejší téma, velmi přirozeně navazující na hudbu lyrické epizody. Zde formálně začíná zrcadlová repríza básně, ale klíč je nový – As-dur.

Následný rozvoj vedlejšího tématu směřuje k jeho glorifikaci: stává se stále aktivnější, energičtější a in dynamická repríza se mění ve vítězný pochod v tečkovaném rytmu. Této pochodové verzi vedlejšího tématu opět předchází téma spojovací, které rovněž ztrácí snový ráz a přechází v jásavou přitažlivost. Heroizace lyrických obrazů logicky vede k vrcholu celého díla – k mohutné realizaci hlavního tématu, které se stává hrdinskou apoteózou básně.

Tento koncept se objevil v hudebním umění v roce 1854: maďarský skladatel Franz Liszt dal definici „symfonické básně“ svému orchestrálnímu dílu „Tasso“, původně koncipovanému jako předehra. Touto definicí chtěl zdůraznit, že Tasso není jen programová hudba. Svým obsahem nesmírně úzce souvisí s poezií.

Franz Liszt. Symfonická báseň "Tasso. Stížnost a triumf"
Symfonický orchestr All-Union Radio, dir. Nikolaj Golovanov

Stáhnout

Následně Liszt napsal dalších dvanáct symfonických básní. Nejznámější z nich jsou „Preludia“. Vychází z básně „Preludia“ (přesněji „Preludia“) francouzského romantického básníka Lamartina, v níž je celý lidský život nahlížen jako sled epizod – „předehra“ vedoucí ke smrti.

Lisztovo dílo také vyvinulo formu, která je pro symfonickou báseň nejcharakterističtější: volná, ale se zřejmými rysy sonátově-symfonického cyklu (viz příběh o symfonii), pokud se provádí bez přestávky mezi větami. Různorodé epizody symfonické básně mají podobnosti s hlavními úseky sonátové formy: hlavní a vedlejší části expozice, vývoj a repríza. Jednotlivé epizody básně lze přitom vnímat jako součásti symfonie.

Po Lisztovi se mnoho skladatelů obrátilo k žánru, který vytvořil. Klasik české hudby Bedřich Smetana má cyklus symfonických básní, sjednocených souhrnným názvem „Má vlast“. Německý skladatel Richard Strauss tento žánr velmi miloval. Jeho Don Juan, Don Quijote a The Merry Tricks of Till Eulenspiegel jsou široce známé. Finský skladatel Jean Sibelius napsal symfonickou báseň „Kalevala“, která vychází z finského lidového eposu jako literárního zdroje.

Ruští skladatelé upřednostňovali další definice svých orchestrálních děl tohoto typu: fantasy předehra, symfonická balada, předehra, symfonický obraz .

Žánr symfonické malby , rozšířený v ruské hudbě, má určité rozdíly. Jeho programování nesouvisí s dějem, ale maluje krajinu, portrét, žánr nebo bitevní scénu. Každý pravděpodobně zná takové symfonické filmy jako „Sadko“ od Rimského-Korsakova, „Ve střední Asii“ od Borodina, „Baba Yaga“, „Kikimora“ a „Kouzelné jezero“ od Ljadova.

Další odrůda tohoto žánru - symfonická fantasy - milovaná také ruskými skladateli, se vyznačuje větší volností výstavby, často přítomností fantastických prvků v programu.