Art Deco v umění. Výtvarné umění Art Deco

Art Deco, Art Nouveau, Art Nouveau - stylové prvky, příklady - obrazy, vitráže, interiéry

V tomto článku se podíváme na styl interiéru art deco, secese, moderní. Prvky stylu - malba, architektura, prvky vnitřního prostoru - nábytek, závěsy, lustry, obrazy atd.

Vídeňská secesní budova

Secesní styl [Secese, " tiffany" (po Louis Comfort Tiffany) v USA," secese"A" fin de siècle"ve Francii," secese"v Německu," Secesní styl"v Rakousku," moderní styl"v Anglii," liberty styl"v Itálii," modernismus"ve Španělsku," Nieuwe Kunst"v Holandsku," smrkový styl" (Styl sapin) ve Švýcarsku.) se rozšířil v letech 1918-1939 ve Francii, částečně v dalších evropských zemích a USA. Architektonickým formám a malbám dominují klikaté linie, neobvyklá kombinace drahých a exotických materiálů, obrazy fantastických tvorů, tvary vln, mušle, draky a pávy, labutí krky a malátné ženy. Ve formách je zdůrazněna asymetrie. Listy, květy, kmeny a stonky, stejně jako obrysy lidského nebo zvířecího těla s jejich vlastní asymetrií, jsou vodítkem k akci a zdrojem inspirace. Styl vychází z teze, že forma je v umění důležitější než obsah. Jakýkoli velmi prozaický obsah lze podat vysoce uměleckou formou. Zdrojem této „nové formy“ byla příroda a žena. Tento styl se vyznačuje propracovaností, propracovaností, duchovností a variabilitou. Z toho vyplynula určitá sada barev - vybledlé, tlumené; převaha hladkých, složitých linií. Sada symbolů - ozdobné květiny, mořské rarity, vlny. Stylové vlastnosti secese jsou někdy srovnávány s plastickým systémem baroka, oprávněně mezi nimi spatřují určitou podobnost v touze umělců používat formy organické povahy jako výrazové prostředky. Secese si také hodně vzala z umění Asie.

Kopie Michaela Parkese, Gustava Klimta, Tamary Lempické, Alphonse Muchy, Vrubela, Bilibina nebo Vasnetsova, stejně jako díla současných umělců píšících v tomto stylu, stejně jako americká grafika, vypadají v takových interiérech vždy dobře, stejně jako v umění. Deco interiéry určité téma. Mnoho umělců tohoto stylu (nebo období) bylo fascinováno orientální malbou - na obrazech stejného Gustava Klimta často vidíme postavy v čínských nebo japonských oděvech. Proto by v takových interiérech nebyla od věci čínská nebo japonská malba. Zde je pár děl, která se podle nás do interiérů v takových stylech hodí.

Art Deco (art deco)- populární hnutí v mezinárodním dekorativním umění 1925-1939. Tento styl historicky navazuje bezprostředně po secesi. Dotkl se takových oblastí umění, jako je architektura, interiérový design, průmyslový design, módní průmysl, malba, grafika, kino. Toto hnutí do jisté míry spojovalo mnoho různých stylů a hnutí počátku 20. století, včetně neoklasicismu, konstruktivismu, kubismu, modernismu, Bauhausu, secese a futurismu. Ale ve větší míře je moderní s příměsí neoklasicismu. Charakteristickými rysy jsou přísné vzory, etnické geometrické vzory, luxusní, šik, drahé, moderní materiály (slonovina, krokodýlí kůže nebo kůže žraloka či zebry, vzácná dřeva, stříbro). V Německu a SSSR se art deco mění ze secese na „nové impérium“.

Vrchol popularity hnutí padl v „řvoucích dvacátých letech“, ale i ve třicátých letech bylo ve Spojených státech poměrně silné. Na rozdíl od jiných směrů, jejichž původ je zakořeněn v politice nebo filozofii, mělo art deco výhradně dekorativní význam. Najednou byl styl vnímán jako reakce na Světovou výstavu z roku 1900. Po slavné výstavě vytvořilo několik francouzských umělců oficiálně registrovanou organizaci La Société des artistes décorateurs (Spolek dekorativních architektů). Mezi její zakladatele patřil Hector Guimard.

Paříž ve 30. letech 19. století zůstala centrem stylu Art Deco. Ztělesnil to v nábytku Jacques-Emile Ruhlmann- nejslavnější z návrhářů nábytku té doby a možná poslední z klasických pařížských ebeniste(skříňkáři). Dále typická díla Jean-Jacquese Rateau, výrobky firmy „Süe et Mare“, paravány Eileen Gray, kované kovové výrobky Edgara Brandta, kov a smalt Švýcar židovského původu Jean Dunant, sklo skvělého Reného Lalique a Maurice Marino a hodinky a šperky Cartier.

Symbolem art deco v dekorativním a užitém umění byla socha z bronzu a slonoviny. Francouzští a němečtí mistři, částečně inspirovaní Ďaghilevovými ruskými ročními obdobími, uměním Egypta a Východu, jakož i technologickými výdobytky „strojového věku“, vytvořili ve 20. a 30. letech 20. století jedinečný styl drobné plastiky, který pozvedl status dekorativního sochařství na úroveň „vysokého umění“. Za klasické představitele art deco v sochařství jsou považováni Dmitry Chiparus, Claire Jean Robert Colinet, Paul Philippe (Francie), Ferdinand Preiss, Otto Poertzel (Německo), Bruno Zack, J. Lorenzl (Rakousko).

© "WM-PAINTING"

secese(francouzská výslovnost: ​, poangličtěno na /ˈɑːrt nuːˈvoʊ/) je mezinárodní styl umění, architektury a dekorativního umění, zejména dekorativního umění, který byl nejpopulárnější v letech 1890 až 1910. Styl, reakce na akademické umění 19. století, byl inspirován přírodními formami a strukturami, zejména zakřivenými liniemi rostlin a květin.

V angličtině se používá francouzský název „Art Nouveau“ (nové umění). Tento styl je příbuzný, ale není totožný se styly, které se objevily v mnoha evropských zemích přibližně ve stejnou dobu: v Rakousku je známý jako „sloh secese“ podle „vídeňské secese“; ve Španělsku jako "modernismus"; v Katalánsku as "modernismus"; v České republice as "secese"; v Dánsku jako "skönvirke" nebo "secese"; v Německu jako "secese", "secese" nebo "reformní styl"; v Maďarsku jako "secessio"; v Itálii jako "secese", "Styl svobody" nebo "style floreale"; v Norsku jako "secese"; v Polsku jako "sexy"; na Slovensku as "secesa"; v Rusku jako "moderní"; a jak ve Švédsku "jugend".

secese je obecný umělecký styl. Zahrnuje širokou škálu výtvarného a dekorativního umění, včetně architektury, malby, kresby, interiérového designu, šperků, nábytku, textilu, keramiky, skla a kovovýroby.

V roce 1910 již secese vyšla z módy. Nejprve jej nahradilo Art Deco a poté modernismus jako dominantní architektonický a dekorativní styl Evropy.

Původ

Nové umělecké hnutí mělo své kořeny v Británii, v květinových vzorech Williama Morrise a v hnutí Arts and Crafts založeném Morrisovými studenty. Mezi rané příklady tohoto stylu patří Morris's Red House (1859) a James Abbott McNeil Whistler's Peacock Room. Nové hnutí bylo také silně ovlivněno prerafaelskými umělci včetně, Dante Gabriel Rossetti A Edward Burne-Jones a to platí zejména pro britské grafiky 80. let 19. století, včetně Selwyna Images, Heywooda Sumnera, Waltera Cranea, Alfreda Gilberta a především Aubreyho Beardsleyho.

Ve Francii tento styl kombinoval několik různých trendů. V architektuře ho ovlivnil teoretik a historik architektury Eugene Violette-le-Duc, zapřisáhlý nepřítel historického architektonického stylu Beaux Arts. Ve své knize "Entretiens sur l"architektura" 1872 napsal: „Použijte prostředky a znalosti, které nám dala naše doba, bez přechodných tradic, které dnes nejsou životaschopné, a tímto způsobem budeme moci objevit novou architekturu. Každá funkce má svůj vlastní materiál; Každý materiál má svůj vlastní tvar a ornament.“ Tato kniha ovlivnila generaci architektů, včetně Louise Sullivana, Victora Horty, Hectora Guimarda a Antoniho Gaudího.

francouzští malíři Maurice Denis , Pierre Bonnard A Edouard Vuillard hrál důležitou roli v kombinaci výtvarného umění malby s dekorativním. "Věřím, že malba by měla především zdobit," napsal Denis v roce 1891. „Výběr zápletek nebo scén není o ničem. Právě prostřednictvím vztahu tónů, malovaných ploch a harmonie linií mohu dosáhnout duše a probudit emoce.“ Všichni tito umělci vytvářeli tradiční i dekorativní malby na plátnech, skle a dalších materiálech.

Dalším důležitým vlivem na nový styl byl Japonisme: vlna zájmu o japonské dřevotisky, zejména díla Hiroshige, Hokusai a Utagawa Kunisada, která byla do Evropy dovezena od 70. let 19. století. Podnikavý Siegfried Bing založil v roce 1888 měsíčník Le Japon artistique a před uzavřením v roce 1891 vydal třicet šest čísel. Ovlivnil sběratele i umělce, včetně Gustava Klimta. Stylizované prvky japonských tisků se objevily v secesní grafice, porcelánu, špercích a nábytku.

Nové technologie v tisku a publikování umožnily secesi rychle oslovit celosvětové publikum. Umělecké časopisy, ilustrované fotografiemi a barevnými litografiemi, sehrály důležitou roli v popularizaci nového stylu. Studio v Anglii, Arts et idèes a Art et décoration ve Francii, Jugend v Německu umožnily, aby se styl rychle rozšířil do všech koutů Evropy. Aubrey Beardsley v Anglii a Eugene Grasset, Henri de Toulouse-Lautrec A Felix Vallotton získali mezinárodní uznání jako ilustrátoři.

Díky plakátům Jules Cheret pro tanečnici Loie Fuller v roce 1893 a Alfonse Muchy pro herečku Sarah Bernhardt se v roce 1895 plakát stal nejen reklamou, ale i formou umění. Toulouse-Lautrec a další umělci dosáhli statusu mezinárodní celebrity.

Forma a charakter

Přestože secese s rostoucí geografickou distribucí získala vysoce lokalizované trendy, určité obecné charakteristiky poukazují na její formu. Popis uveřejněný v časopise Pan nástěnné tapisérie „Cyclamen“ (1894) od Hermanna Obrista, popisující ji jako „nečekané silné křivky vytvořené úderem biče“, která se proslavila na počátku šíření secese. Následně se nejen samotné dílo stalo známějším jako „Bič“, ale samotný termín „bič“ je často aplikován na charakteristické křivky používané secesními umělci. Takové dekorativní "bičové" motivy, tvořené dynamickými, zvlněnými a plynulými liniemi v synkopovaném rytmu a asymetrické formě, se nacházejí v architektuře, malířství, sochařství a dalších formách secesního designu.

Počátky secese jsou v zápase umělce William Morris s objemnými kompozicemi a obrozeneckými trendy 19. století a jeho teoriemi, které pomohly vytvořit hnutí Arts and Crafts. Obálka Arthura MacCurda pro The City Churches of Wren (1883) se svými rytmickými květinovými vzory je však často považována za první implementaci secese. Přibližně ve stejné době plochá perspektiva a jasné barvy japonských dřevořezů, zejména Katsushiki Hokusai, měl silný vliv na formuli secesního stylu. Japonismus, populární v Evropě v 80. a 90. letech 19. století, měl významný vliv na mnoho umělců svými organickými formami a přitažlivostí k přírodnímu světu. Umění a design inspirované Japonskem si osvojili umělci jako Emile Galle a James Abbott McNeil Whistler a prosazovali jej také obchodníci Siegfried Bean a Arthur Lasenby Liberty ve svých obchodech v Paříži a Londýně.

V architektuře jsou hyperboly a paraboly rozšířeny v oknech, obloucích a dveřích a dekorativní fragmenty jsou přetvářeny do rostlinných forem. Jako většina designových stylů se i secese snažila sladit své formy. Text nad vchodem do pařížského metra využívá prvky ze zbytku kovové konstrukce.

Secesní architektura a interiérový design se vyhýbá eklektickým obrozeneckým stylům 19. století. Přestože secesní designéři vybrali a „zmodernizovali“ některé abstraktnější prvky rokokového stylu, jako jsou plameny a textury skořápky, obhajovali také použití vysoce stylizovaných organických forem jako zdroje inspirace, čímž rozšířili „přirozenou“ rozmanitost na používání mořských řas, trav a hmyzu Dalším vlivem byly měkké míchané formy knorpelwerku ze 17. století, nejlépe zastoupené v holandském stříbře.

Vztah k moderním stylům a pohybům

Jako umělecký styl má secese podobnosti s prerafaelity a symbolismem a umělci jako Aubrey Beardsley, Alphonse Mucha, Edward Burne-Jones, Gustav Klimt a Jan Toorop, lze připsat více než jednomu z těchto stylů. Na rozdíl od symbolické malby má však secesní styl osobitý vzhled; a na rozdíl od řemeslně orientovaného hnutí Arts and Crafts umělci secese ochotně přijali nové materiály, zpracované povrchy a abstrakci v zájmu čistého designu.

secese neopustila používání strojů, jako to udělalo hnutí Arts and Crafts. Pro sochařství byly hlavními materiály sklo a tepané železo, což vedlo k sochařským prvkům i v architektuře. Keramika se také podílela na tvorbě sérií soch umělců, jako je Auguste Rodin.

Secesní architektura využívala mnoho technologických inovací z konce 19. století, zejména odhalené železo a velké, zakázkové skleněné prvky. Po vypuknutí 1. světové války se však stylizovaná povaha secesního designu, jehož výroba byla nákladná, přestala používat ve prospěch efektivnějšího, přímočarého modernismu, který byl levnější a vhodnější pro jednoduchou průmyslovou estetiku, kterou umění Deco se stalo.

Stylové trendy secese také infiltroval místní styly. Například v Dánsku byl trend jedním z aspektů skönvirke („estetické práce“), která sama o sobě více souvisí se stylem Arts and Crafts. Kromě toho umělci přejali mnoho květinových a organických motivů ze secese do stylu Młoda Polska ("Mladé Polsko") v Polsku. Młoda Polska však zahrnovala i další umělecké styly a přijala širší pohyb v umění, literatuře a životním stylu.

před 10 měsíci Enottt Komentáře k heslu Fine art Art Deco. Regionální funkce (Francie, USA) zakázáno

Zobrazení: 2 776

Art Deco (dekorativní umění) je vlivné hnutí ve výtvarném a dekorativním umění první poloviny 20. století, které se poprvé objevilo ve Francii ve 20. letech 20. století a poté se ve 30. a 40. letech 20. století stalo mezinárodně populární, projevovalo se především v architektuře, móda a malba. Jedná se o eklektický styl, syntézu modernismu a neoklasicismu. Styl Art Deco byl také významně ovlivněn takovými uměleckými směry, jako je kubismus, konstruktivismus a futurismus.

Charakteristické rysy - přísná pravidelnost, výrazné geometrické tvary, etnické geometrické vzory, provedení v polotónech, nedostatek jasných barev v designu, zatímco barevné vzory, luxusní, šik, drahé, moderní materiály (slonovina, krokodýlí kůže, hliník, vzácné dřevo, stříbro ).

• Tvary: zjednodušené, přesto jasné a grafické. Siluety mají stupňovitější tvary, hlavní zůstává ladnost a nějaká hravost.
• Linie: energické, jasné, geometrické.
• Prvky: mnoho ozdob ve formě kudrlin, spirál, vln, cikcaků.
• Barvy: kontrastní. Prolínání jemného a pastelového s křiklavým a šťavnatým.
• Materiály: drahé, exotické, bohaté. Dřevo, kůže, bronz, mramor, keramika, sklo.
• Okna: pravoúhlá, využívající velkou plochu skla. Méně často klenuté nebo s barevným sklem.
• Dveře: obklopené pilastry, štíty.

V USA, Holandsku, Francii a některých dalších zemích se Art Deco postupně vyvíjelo směrem k funkcionalismu.

Příběh

Mezinárodní výstava konaná v Paříži v roce 1925 pod oficiálním názvem „Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes“ dala vzniknout pojmu „Art Deco“. Tato výstava ukázala světu luxusní zboží vyrobené ve Francii, což dokazuje, že Paříž zůstala po první světové válce mezinárodním centrem stylu.

Mezinárodní výstava současného dekorativního a průmyslového umění

Událostí, která znamenala zenit tohoto stylu a dala mu jméno, byla Mezinárodní výstava moderního dekorativního a průmyslového umění, která se konala v Paříži od dubna do října roku 1925. Oficiálně byl organizován francouzskou vládou a pokrýval plochu 55 akrů v Paříži, vedl od Grand Palais na pravém břehu k Invalidovně na levém břehu a podél břehů Seiny. Grand Palais, největší sál ve městě, byl zaplněn exponáty dekorativního umění ze zúčastněných zemí. Zúčastnilo se 15 000 vystavovatelů z dvaceti různých zemí, včetně Anglie, Itálie, Španělska, Polska, Československa, Belgie, Japonska a nového Sovětského svazu; Německo nebylo pozváno kvůli napětí po válce a Spojené státy, které nechápaly účel výstavy, se odmítly zúčastnit. Za sedm měsíců výstavu navštívilo šestnáct milionů lidí. Pravidla výstavy vyžadovala, aby veškerá tvorba byla současná; historické slohy nebyly povoleny. Hlavním účelem výstavy byla propagace francouzských výrobců luxusního nábytku, porcelánu, skla, kovových výrobků, textilu a dalších dekorativních výrobků. Pro další propagaci produktů měly všechny hlavní pařížské obchodní domy a hlavní návrháři své vlastní pavilony. Vedlejším účelem expozice měla být propagace výrobků z francouzských kolonií v Africe a Asii, včetně slonoviny a exotických dřevin.

Hôtel du Riche Collectionneur byl na výstavě oblíbenou atrakcí; představila nové designové projekty Emile-Jacquese Ruhlmanna, stejně jako Art Deco látky, koberce a obrazy Jeana Dupase. Design interiéru byl založen na stejných principech symetrie a geometrických tvarů, které jej odlišovaly od secesního stylu a jasných barev, vynikajícího řemeslného zpracování vzácných a drahých materiálů, které jej odlišovaly od přísné funkčnosti modernistického stylu. Zatímco většina pavilonů byla bohatě zdobena a naplněna luxusním ručně vyráběným nábytkem, dva pavilony – Sovětský svaz a Pavilion du Nouveau Esprit, postavený časopisem stejného jména pod vedením Le Corbusiera – byly postaveny v jednoduchém stylu. jednoduché bílé stěny a žádná dekorace; patřily mezi nejranější příklady modernistické architektury

Výstava dekorativního umění, demonstrující vítězství konstruktivismu, zároveň dala život hnutí Art Deco, které se stalo exotickou směsí kubismu a secese, jinými slovy lineární stylizace a nádherné ornamentiky. Móda turbanů a aktů stylizovaných jako „Egypt“ a „Čína“ byla složitě smíchána s rytmy geometrické planimetrie.

Samotné hnutí Art Deco existovalo již před zahájením výstavy v roce 1925 – šlo o znatelný pohyb v evropském umění 20. let. K americkým břehům se dostal až v roce 1928, kde se ve 30. letech minulého století proměnil v Streamline Moderne, amerikanizovanou odnož Art Deco, která se stala charakteristickým znakem tohoto desetiletí.

Symbolem art deco v dekorativním a užitém umění byla socha z bronzu a slonoviny. Francouzští a němečtí mistři, inspirováni Ďaghilevovými „ruskými ročními obdobími“, uměním Egypta a Východu, jakož i technologickými výdobytky „období strojů“, vytvořili jedinečný styl drobného sochařství 20. – 30. let 20. století, který pozvedl status dekorativního sochařství na úroveň „vysokého umění“. Za klasické představitele art deco v sochařství jsou považováni Dmitry Chiparus, Claire Jean Robert Colinet, Paul Philippe (Francie), Ferdinand Preiss, Otto Poertzel (Německo), Bruno Zack, J. Lorenzl (Rakousko).

Vznik art deca úzce souvisel s rostoucím postavením dekorativních umělců, kteří byli až do konce 19. století považováni pouze za řemeslníky. Termín "dekorativní dekorace" byl vynalezen v roce 1875 pro návrháře nábytku, textilu a jiných dekorací. V roce 1901 bylo vytvořeno Společenství dekorativních umělců (Society of Decorative Artists) neboli SAD a dekorativní umělci získali stejná autorská práva jako malíři a sochaři. Podobné hnutí se vyvinulo v Itálii. V roce 1902 se v Turíně konala první mezinárodní výstava věnovaná výhradně dekorativnímu umění, Esposizione international d'Arte.

V Paříži bylo založeno několik nových časopisů věnovaných dekorativnímu umění, včetně Art and Decoration a L'Art décoratif moderne. Sekce dekorativního umění byly prezentovány na výročních salonech Sociéte des artistes français a později na Salon d'automne. Francouzský nacionalismus také hrál roli v oživení dekorativního umění: francouzští designéři se cítili znevýhodněni rostoucím exportem levného německého nábytku. V roce 1911 zahrada navrhla velkou novou mezinárodní výstavu dekorativního a užitého umění v roce 1912. Nebyly povoleny žádné kopie starších stylů; pouze moderní díla. Expozice byla odložena až do roku 1914 a poté kvůli válce až do roku 1925, kdy dala jméno celé rodině stylů známé jako Deco.

Ačkoli termín Art Deco vznikl v roce 1925, nebyl běžně používán, dokud se v 60. letech nezměnily postoje k této době. Mistři stylu Art Deco nebyli součástí jediné komunity. Hnutí bylo považováno za eklektické, ovlivněné několika zdroji:

• "Vídeňská secese" raného období (Vídeňské workshopy); funkční průmyslový design.
• Primitivní umění Afriky, Egypta a středoamerických indiánů.
• Starověké řecké umění (archaické období) je nejméně naturalistické ze všech.
• „Ruská roční období“ od Sergeje Diaghileva v Paříži – náčrtky kostýmů a kulis od Leona Baksta.
• Fasetované, krystalické, fasetové formy kubismu a futurismu.
• Barevná paleta fauvismu.
• Přísné formy neoklasicismu: Boulet a Karl Schinkel.
• Věk jazzu.
• Rostlinné a zvířecí motivy a formy; tropická vegetace; zikkuraty; krystaly; koloristická černobílá stupnice klavírních kláves, motiv Slunce.
• Flexibilní a atletické formy sportovkyň, kterých je hodně; ostré úhly krátkých střihů pro představitele klubového života - klapky.
• Technologický pokrok „věky strojů“, jako jsou rádia a mrakodrapy.

Mistři Art Deco rádi používali materiály, jako je hliník, nerezová ocel, smalt, dřevěné vykládání, žraločí a zebří kůže. Aktivně se používaly klikaté a stupňovité formy, široké a energické zakřivené linie (oproti měkkým plynulým křivkám secese), motivy chevron a klávesy klavíru. Některé z těchto dekorativních motivů se staly všudypřítomnými, jako například klíčový vzor nalezený v návrzích dámských bot, radiátorů, přednáškových sálů Radio City a věže Chrysler Building. Interiéry kin a zaoceánských parníků, jako je Ile de France a Normandie, byly pohotově vyzdobeny v tomto stylu. Art Deco bylo luxusní a věří se, že tento luxus byl psychologickou reakcí na asketismus a omezení první světové války.

Francie

Pařížské obchodní domy a módní návrháři sehráli důležitou roli ve vzestupu Art Déco. Byly založeny firmy, včetně výrobce kabelek Louis Vuitton, stříbrná firma Christofle, sklářský designér René Lalique a klenotníci Louis Cartier a Boucheron, kteří začali vyvíjet výrobky v modernějších stylech. Od roku 1900 si obchodní domy najímaly dekoratéry, aby pracovali ve svých designových studiích. Výzdobu Salon d'Automne z roku 1912 zadal obchodní dům Printemps. Téhož roku Printemps vytvořil vlastní dílnu s názvem „Primavera“. Do roku 1920 Primavera zaměstnávala více než tři sta umělců. Styly sahaly od aktualizovaných verzí nábytku Ludvíka XIV., Ludvíka XVI. a především Ludvíka Filipa od Louise Süe a dílny Primavera až po modernější formy z dílny obchodního domu Au Louvre. Jiní designéři, včetně Émile Jacquese Ruhlmanna a Paula Foliota, odmítli použít sériovou výrobu a trvali na tom, aby každý kus byl individuálně ručně vyroben. Ve stylu raného Art Deco se vyznačovaly luxusní a exotické materiály jako eben, slonovina a hedvábí, velmi světlé barvy a stylizované motivy, zejména koše a kytice květin všech barev, dodávající modernistický vzhled.

Živé barvy Art Deco pocházely z mnoha zdrojů, včetně exotických inscenací Léona Baksta pro Ballets Russes, které způsobily v Paříži senzaci těsně před první světovou válkou. Některé barvy byly inspirovány dřívějším fauvistickým hnutím vedeným Henri Matissem; jiní od orfistů jako Sonia Delaunay; jiní hnutím známým jako Nabis a v díle symbolistického umělce Odilona Redona, který navrhl krbové zástěny a další dekorativní předměty. Zářivé barvy byly rysem tvorby módního návrháře Paula Poireta, jehož tvorba ovlivnila jak design, tak interiérový design ve stylu Art Deco.

Paříž zůstala centrem stylu Art Deco. V nábytku jej ztělesnil Jacques-Émile Ruhlmann, nejslavnější návrhář nábytku té doby a možná poslední z klasických pařížských ébéniste (skříňářů). Dále díla Jean-Jacquese Rateau, výrobky firmy „Süe et Mare“, paravány Eileen Gray, kované kovové výrobky Edgara Brandta, kov a smalt Švýcar židovského původu Jean Dunant, sklo vel. René Lalique a Maurice Marino, stejně jako hodinky a šperky Cartier.

V roce 1925 koexistovaly v Art Deco dvě různé konkurenční školy: tradicionalisté, kteří založili Společnost dekorativních umělců; včetně návrháře nábytku Emile-Jacquese Ruhlmanna, Jeana Dunarda, sochaře Antoina Bourdella a designéra Paula Poireta; kombinovali moderní formy s tradičním řemeslem a drahými materiály. Na druhé straně stáli modernisté, kteří stále více odmítali minulost a chtěli styl založený na pokroku v nových technologiích, jednoduchosti, nedostatku dekorací, levných materiálech a hromadné výrobě.

V roce 1929 modernisté založili vlastní organizaci Francouzský svaz moderních umělců. Jeho členy byli architekti Pierre Charaud, Francis Jourdain, Robert Mallett-Stevens, Corbusier a v Sovětském svazu Konstantin Melnikov; Irská návrhářka Eileen Gray a francouzská návrhářka Sonia Delaunay, klenotníci Jean Fouquet a Jean Puyforcat. Vehementně útočili na tradiční styl Art Deco, který byl podle nich vytvořen pouze pro bohaté, a trvali na tom, že dobře postavené budovy by měly být přístupné všem a forma by měla fungovat. Krása objektu nebo budovy spočívala v tom, zda byly dokonalé pro svou funkci. Moderní průmyslové metody znamenaly, že nábytek a budovy mohly být vyráběny hromadně, spíše než ručně.

Malování

Expozice z roku 1925 neměla jedinou sekci. Art Deco malba byla z definice dekorativní, určená k ozdobení místnosti nebo části architektury, takže jen málo umělců pracovalo výhradně v tomto stylu, ale dva umělci jsou úzce spojeni s Art Deco. Jean Dupas namaloval fresky ve stylu Art Deco pro pavilon v Bordeaux na výstavě dekorativního umění v roce 1925 v Paříži a také namaloval obraz nad krbem v Maison de la Collectioneur na výstavě v roce 1925, na které se představil Ruhlmann a další prominentní designéři Art Deco Jeho obrazy byly také zahrnuty do výzdoby francouzské zaoceánské lodi Normandie. Jeho tvorba byla čistě dekorativní, navržená jako pozadí nebo doprovod k dalším dekorativním prvkům. Další umělkyní úzce spojenou se stylem je Tamara de Lempicka. Narodila se v Polsku do aristokratické rodiny, po ruské revoluci emigrovala do Paříže. Tam se stala žačkou umělce Maurice Denise z hnutí zvaného „Nabi“ a kubisty Andre Lhoteho a z jejich stylů si vypůjčila mnoho stylů. Malovala téměř výhradně portréty v realistickém, dynamickém a barevném stylu Art Deco.

Grafika

Styl Art Deco se objevil v raných fázích grafického umění, v letech těsně před první světovou válkou.

válka. Objevil se v Paříži na plakátech a kostýmech Léona Baksta pro Ballet Russes a v katalozích módních návrhářů Paula Poireta. Ilustrace Georgese Barbiera a Georgese Lepepeho a obrázky v módním časopise La Gazette du bon ton dokonale zachytily eleganci a smyslnost tohoto stylu. Vzhled se změnil ve 20. letech 20. století; zvýrazněné módy byly spíše ležérní, sportovní a odvážné a ženské modelky typicky kouřily cigarety. V Německu byl nejznámějším umělcem plakátů této doby Ludwig Hohlwein, který vytvořil barevné a dramatické plakáty pro hudební festivaly, pivo a na konci své kariéry pro nacistickou stranu.

Během secese plakáty obvykle inzerovaly divadelní zboží nebo kabarety. Ve 20. letech 20. století se staly mimořádně populární cestovní plakáty vyrobené pro parníky a letecké společnosti. Styl se výrazně změnil ve 20. letech 20. století se zaměřením na produktovou reklamu. Obrázky se staly jednoduššími, přesnějšími, lineárnějšími, dynamičtějšími a často umístěny na jednobarevném pozadí. Ve Francii to byli designéři ve stylu art deco Charles Lupo a Paul Colin, kteří se proslavili svými plakáty americké zpěvačky a tanečnice Josephine Baker, Jean Carlou navrhoval plakáty k filmům Charlieho Chaplina, mýdlům a divadlům; koncem 30. let emigroval do Spojených států, kde během světové války navrhoval plakáty na podporu válečné produkce. Designér Charles Gesmard se stal slavným autorem plakátů pro zpěvačku Mistinguett a pro Air France. Mezi nejznámější francouzské návrháře

Amerika. Moderně zefektivněte

Stylový směr, který se vyvíjel souběžně s Art Deco a byl mu blízký, byl „Streamline Moderne“ (název pochází z anglického streamline – „streamline“ – výraz z oblasti aerodynamiky). Streamline modern je ovlivněn průmyslovým lisováním a aerodynamickými technologiemi. V důsledku toho se v dílech tohoto stylu objevily obrysy letadel nebo revolverových kulek. Když se design prvního sériově vyráběného vozu Chrysler, Chrysler Airflow, ukázal jako populární, byly aerodynamické tvary dokonce použity pro ořezávátka, budovy a chladničky.

Tento architektonický styl hledá elegantní formy, zachovává dlouhé horizontální linie, které často kontrastují s vertikálními zakřivenými plochami, a dychtivě zavádí prvky vypůjčené z námořního průmyslu (zábradlí a okénka). Jeho vrcholu bylo dosaženo kolem roku 1937.

Tento styl jako první začlenil elektrické světlo do architektonické struktury.

Nástěnná malba

Ve Spojených státech neexistoval žádný zřetelný styl Art Deco, ačkoli obrazy byly často používány jako dekorace, zejména ve vládních budovách a kancelářských budovách. V roce 1932 vznikl Komunitní umělecký projekt, který umožňoval umělcům pracovat bez práce, protože země byla uprostřed Velké hospodářské krize. Během jednoho roku si projekt objednal přes patnáct tisíc uměleckých děl. Federální umělecký projekt přivedl slavné americké umělce, aby malovali a zdobili stěny ve vládních budovách, nemocnicích, letištích, školách a univerzitách. Programu se zúčastnili někteří z nejslavnějších amerických umělců, včetně Granta Wooda, Reginalda Marshe, Georgia O'Keeffe a Maxine Albro. Programu se zúčastnil i známý mexický umělec Diego Rivera, který zdobil stěny. Obrazy byly v různých stylech, včetně regionalismu, sociálního realismu a americké malby.

Několik obrázků bylo také vytvořeno pro mrakodrapy ve stylu Art Deco, zejména Rockefeller Center v

New York. Pro foyer byly objednány dva obrázky od Johna Stewarta Curryho a Diega Rivery. Majitelé budovy, rodina Rockefellerů, zjistili, že komunista Rivera umístil obraz Lenina do davového obrazu a zničil ho. Obraz byl nahrazen dílem jiného španělského umělce Josého Maria Serta.

Grafika

Styl Art Deco se objevil v raných fázích grafického umění, v letech těsně před první světovou válkou. Objevil se v Paříži na plakátech a kostýmech Léona Baksta pro Ballet Russes a v katalozích módních návrhářů Paula Poireta. Ilustrace Georgese Barbiera a Georgese Lepepe a obrázky v módním časopise La Gazette du bon ton dokonale odrážejí eleganci a smyslnost tohoto stylu. Vzhled se změnil ve 20. letech 20. století; zvýrazněné módy byly spíše ležérní, sportovní a odvážné a ženské modelky typicky kouřily cigarety. Americké módní časopisy jako Vogue, Vanity Fair a Harper's Bazaar rychle převzaly nový styl a zpopularizovaly ho ve Spojených státech. To také ovlivnilo práci amerických knižních ilustrátorů, jako je Rockwell Kent.

Ve 30. letech se ve Spojených státech během Velké hospodářské krize objevil nový žánr plakátů. Umělecký projekt federální agentury najal americké umělce, aby vytvořili plakáty na propagaci cestovního ruchu a kulturních akcí.

Styl vyblednutí

Art Deco tiše odeznělo s nárůstem masové výroby, kdy bylo vnímáno jako křiklavé, nevkusné a falešně luxusní. Deprivace druhé světové války přinesly tomuto stylu definitivní konec. V koloniálních zemích, jako je Indie, se Art Deco stalo branou k modernismu a nevyprchalo až do 60. let 20. století. Oživení zájmu o Art Deco v 80. letech bylo spojeno s grafickým designem a spojení Art Deco s filmem noir a glamour 30. let vedlo k jeho znovuobjevení v oblasti šperků a módy.

Pevue: Část "Kalifornie", Maxine Albro, interiér Coit Tower v San Franciscu (1934)

Art Deco je hnutí eklektického umění, které vzniklo ve Francii na počátku 20. let 20. století. Dominoval v módním návrhářství, architektuře, užitém umění a interiérovém designu. Ve 30. a 40. letech se art deco stalo populárním po celém světě.

Příběh

Směr se objevil na počátku 20. století - v období 1907 - 1915. V této době byla zaznamenána první díla vyznačující se charakteristickými rysy stylu. Někteří badatelé poznamenávají, že díla této doby jsou prvními pokusy umělců vytvořit plátna v eklektickém stylu.

Termín se objevil po Mezinárodní výstavě v Paříži v roce 1925. Výstava představovala luxusní zboží. Účelem výstavy je ukázat přední místo Paříže ve světě módy a stylu.

Až do roku 1928 byl směr majetkem pouze Evropy, na počátku 30. let se objevila americká verze art deco, která měla své vlastní charakteristiky.

Historie gotického stylu v malířství

Charakteristický

Od konce 40. let začalo být art deco vnímáno jako příliš barevné, náročné na válečné časy a strohost, a proto postupně vycházelo z módy. K prudkému nárůstu zájmu o art deco došlo v 60. letech 20. století – shoduje se s hnutím pop art. Další vývojovou etapou byla 80. léta, kdy vzrostl zájem o grafický design. Trend se stal módním v designu a oblečení.

Vlastnosti hyperrealismu jako stylu v malbě

Vyznačuje se výrazným zájmem o estetiku 20. let 20. století, vnímanou výhradně v souvislosti s módou a trendy tohoto období. Zvláštností stylu je, že představitelé nebyli sjednoceni do jediné komunity, skupiny nebo malířské školy. Art Deco bylo eklektické hnutí, které mísilo velké množství kulturních vlivů.

Nápady

Umělci převzali klíčové myšlenky a principy práce od modernistů a neoklasicistů.

• Neoklasické ideály krásy s jejich charakteristickou přísností byly vlastní pracím mistrů nového hnutí.
• Použití jasných, intenzivních odstínů podle výzkumníků vychází z práce pařížských Fauves.
• Některé myšlenky jsou vypůjčeny z umění Aztéků a egyptské kultury, klasického starověku.
• Na rozdíl od secesního malířství nemělo Art Deco žádný filozofický základ – bylo to čistě dekorativní hnutí.
• Etnické ornamentální kompozice v obrazech umělců, v interiéru;
• „Ruská roční období“ nebo Ruský balet S. Diaghileva.

Surrealismus jako styl malby

Vývoj stylu v těžkých ekonomických a politických podmínkách, v období aktivního rozvoje vědy a techniky, se promítl do námětů obrazů. Díla umělců slouží dekorativním účelům, potěší oko a zvednou náladu. Malíři se nesnaží svými obrazy vyvíjet psychologický vliv nebo předávat své filozofické názory. Cílem Art Deco je spojit nejlepší rysy stylů a vytvořit něco nového a krásného.

Hlavní rysy stylu

Minimalismus jako styl malby

Použitím nových materiálů, které byly použity v kombinaci, představovalo Art Deco vědecký pokrok, růst technologie. Luxusní vzhled obrazů ve stylu art deco skvěle zapadne do interiéru bohatého bytu, výletní lodi nebo moderního kina. Styl přežil několik krizí díky praktičnosti, jednoduchosti, jasu a individualitě.

Umělci

Termín art deco se pro malbu nebo sochařství používá jen zřídka a dominuje v architektuře a designu, ale v meziválečném období představila svá díla řada umělců, provedená podle všech standardů stylu: Tamara Gorska nebo Tamara de Lempicka, malířství „Muzikant“ (1929), „Autoportrét“ v zeleném Bugatti“ (1925), francouzský umělec, tvůrce plakátů Adolphe Jean-Marie Muron, známý jako Cassandre, byl jedním z nejlepších grafiků, vyhrál Grand Prix na soutěž plakátů v Paříži.

Art deco neuniklo vlivu dalšího významného fenoménu umění dvacátého století – abstrakcionismu. Inovace abstraktního umění jsou spojeny především se zásluhami Wassily Kandinského, který v letech 1896 až 1914 žil a tvořil v Mnichově. Postupným odstraňováním tématu ze svých obrazů umělec zajistil, aby získaly zdání úplné abstrakce.

Toto je také dílo Kazimíra Maleviče, který byl zakladatelem suprematismu, který zjednodušil obraz na superpozici jednoho bílého čtverce na druhý. Konstruktivismus jako styl měl významný vliv na západní umění. Konstruktivismus byl založen na přesvědčení, že umění má sloužit společenským účelům a že je odrazem spíše osobní než společenské zkušenosti. Konstruktivističtí umělci vytvářeli díla, která připomínala části strojů složené z geometrických tvarů a ovlivnila grafiku ve stylu art deco.

Inovace vyvíjející se v té době nemohly ovlivnit samotný styl Art Deco, který byl výsledkem jejich smíchání. V uměleckém smyslu měl kubismus znatelný vliv i na Art Deco, zejména jeho způsob členění předmětů a analýzy jejich geometrických složek. Kubistická vize předmětů se objevuje v dílech Pabla Picassa a Georgese Braquea kolem let 1908-1909. Art Deco bylo hluboce ovlivněno zacházením kubistů s letadly a jejich technikou používání barev.

Talentovaný malíř a sochař, italský umělec Amadeo Modeliani ovlivnil vývoj Art Deco. Zobrazoval živé, převážně ženské formy, záměrně protahující proporce těla a rysy obličeje, což byl prototyp elegantní stylizace charakteristické pro Art Deco.

Slavný pařížský návrhář Paul Poiret, který se stal na mnoho let trendsetterem, udělal hodně pro propagaci exotického a barevného stylu Art Deco, který začal ruskými sezónami. Modely Paula Poireta prosazovaly ideální image bohaté a módně oblečené moderní ženy. P. Poiret změnil módu „revolučním“ způsobem: zničil korzet a silueta jeho modelů se tak stala rovnou a přirozenější. To bylo první, ještě nesmělé ve srovnání s tím, co se stane po první světové válce, ale již její zjevné osvobození. Po nošení rovných a volných tunikových šatů s jasnými ozdobnými vzory se chování ženy stalo přímějším a přirozenějším, méně roztomilým a domýšlivým. Ve známém hotelu Martin, otevřeném v roce 1911, kde pracovaly zcela nevyučené mladé dívky, které vytvářely návrhy látek, nábytku a tapet. Touto neobvyklou metodou se zrodila díla plná svěžesti a živosti vnímání a nedostatek technických znalostí kompenzovali dobře vyškolení řemeslníci, kteří kresby dívek převáděli na látku, jen mírně korigovali. Studio Martin vyrábělo tapety, nástěnné panely a látky zcela pokryté obrovskými zářivými květinami. Oblíbeným tématem nastupujícího art deca se tak staly květiny (zejména růže, jiřiny, sedmikrásky, cínie), velmi dekorativní a nekonečně vzdálené přírodním (skutečným).

V malířství je mezi obrazy meziválečného období velmi obtížné odlišit čistý styl Art Deco. Většina umělců používala techniky vypůjčené od kubistů. Malba ve stylu art deco nepatřila k avantgardním uměleckým směrům, navíc nebyla aplikovaného charakteru, navržená tak, aby odpovídala základním principům dekorace.

Obrazy polské rodačky Tamary de Lempické, jejíž tvorbě dominují módní portréty a erotické ženské akty, jsou považovány za typického představitele malby ve stylu art deco. Techniku ​​psaní De Lempicka lze definovat tak, že v době strojů uplatňuje její vlastní tvrzení, že umělkyně „nesmí zapomínat na přesnost. Obraz musí být čistý a upravený." (S. Sternow. Art Deco. Lety umělecké fantazie. Belfax, 1997).

Celkově lze sochařství ve stylu Art Deco rozdělit do dvou velkých skupin: díla hromadné výroby pro domácí trh a díla „výtvarného umění“. Kvalitní sochařství a levné masové výrobky, vytvořené tehdejšími avantgardními umělci a sochaři, šly ruku v ruce – vedle plastových a keramických suvenýrů existoval mramor a bronz. V oblasti sochařství se styl Art Deco projevoval všude, od vysokého umění až po kýč.

Publikace v sekci Muzea

Art Deco pro figuríny

Kde a jak styl Art Deco vznikl, kdo ho založil, ať už to bylo v mladém Sovětském svazu - spletitosti stylu rozumíme spolu se Sofií Bagdasarovou.

Co je Art Deco?

List z alba Feuillets d'Art 1919

List z alba Les si vybral de Paul Poiret vues par Georges Lepape. 1911

List z alba Modes et Manières d"Aujourd"hui. 1914

Art Deco, což ve francouzštině znamená „dekorativní umění“, je název uměleckého stylu, který vládl v Evropě a Americe po secesi, mezi dvěma světovými válkami. Navíc kraloval především průmyslovému designu - móda, šperky, plakáty, fasády, interiéry, nábytek. Stalo se to v době, kdy „velké umění“ té doby experimentovalo s expresionismem, abstrakcionismem, konstruktivismem a dalšími -ismy, které jsou samozřejmě skvělé, ale ne každý je bude moci neustále vidět ve svém bytě. A art deco předměty jsou určeny speciálně pro každodenní život - velmi bohaté, luxusní a působivé, ale stále každodenní.

Jak poznat předmět ve stylu Art Deco?

Pouzdra na cigarety, prášky. 30. léta 20. století. Kjótský módní institut

Obálka časopisu Vogue s „optickými“ šaty od S. Delaunay. 1925. Tisková služba kremelských muzeí

Kabelky. OK. 1910. Kjótský módní institut

Tato věc bude určitě krásná - stylová, elegantní. Je vyroben z materiálu s drahou texturou, ale ne okázale luxusní, ale prostě hodnotný. Barvy budou složité odstíny, bude hodně černé. Často autor jednoznačně použil pravítko – ale zároveň dokázal velmi elegantně zaoblit všechny rohy. Geometrické vzory jsou konstruovány podle pečlivých proporcí a mají schopnost hypnotizovat. Často se také objevují inkluze něčeho staroegyptského nebo japonského, ale v nějakém podivném designu: Art Deco milovalo reinterpretaci exotických kultur. (Mimochodem, "ruská exotika" byla také ceněna.) Líbil se mi styl a technický pokrok - proto tam jezdí stylizované vlaky velkou rychlostí a vrtule letadel a lodí.

Styl v módě

Večerní šaty. Módní návrhářka Madeleine Vionnet. 1927. Tisková služba kremelských muzeí

Večerní šaty. Módní dům Lanvin. Kolem roku 1925. Tisková služba kremelských muzeí

Šaty. Francie. Zima 1922. Módní dům "Sisters Callo"

Art Deco je nejvíce patrné v dámské módě. V době, kdy tento styl vládl, si ženy začaly zkracovat vlasy, konečně se osvobodily od tuhých korzetů a krinolín, pas sklouzl buď na boky, nebo vyjel přímo pod hruď a sukně byla zkrácena na výšku, byl podle názoru těch, kdo si pamatovali viktoriánskou morálku, zcela neslušný.

Tvůrci stylu - velcí módní návrháři Paul Poiret, Mariano Fortuny - citovali kimona, arabské turbany a kalhoty, starožitné tuniky a stolky, středověké pláště. Objevilo se jednodílné oblečení, všude byly závěsy, těžké látky, šik a lesk. V takových volných šatech, vyšívaných duhovými perlami, polnicemi, kamínky a korálky, bylo skvělé tančit nové živé tance - foxtrot, charleston, tango. Obecně vzpomeňme na éru Velkého Gatsbyho.

Styl ve šperku

Brož Van Cleef and Arpels. 1930

Náhrdelník s límečkem Van Cleef and Arpels. 1929

Brož v egyptském stylu Van Cleef and Arpels. 1924

Společnosti Cartier a Van Cleef & Arpels, stejně jako další klenotnické domy, ve svých dílech záměrně pracovaly podle principů Art Deco. Po tekutých formách a poetických květech éry secese (aka secese) působily jejich šperky okázale a šokující.

Lehká platina pro nastavení umožnila šperkům opustit „těžké brnění“ zlata. Čisté geometrické tvary, abstraktní vzory, inovativní kombinace zelené a modré, kontrastní výběr kamenů, jako je černý onyx a červený rubín, použití spíše vyřezávaných než fazetovaných kamenů, stejně jako inkluze autentických starověkých artefaktů (egyptští skarabové atd. ) - to jsou rozpoznatelné rysy. Černý onyx se obecně stal oblíbeným kamenem tohoto období, zejména v kombinaci s diamanty. Doprovázely je jasné akordy korálů, lapis lazuli, nefritů a smaltu.

Bylo v Rusku Art Deco?

Výšková budova na nábřeží Kotelnicheskaya. Státní výzkumné muzeum architektury pojmenované po A.V. Shchusev: web/institutes/7985

Stanice metra "Majakovskaja"

Pavilon SSSR na mezinárodní výstavě v Paříži. 1937. Státní výzkumné muzeum architektury pojmenované po A.V. Shchusev: webové stránky/instituty/7985

Brilantní styl Art Deco je samozřejmě hluboce „buržoazní“. To je symbol ztracené generace, móda postav Fitzgeralda, Hemingwaye (stejně jako Wodehouse a předválečné knihy Agathy Christie). Mladý sovětský stát v té době neměl čas na tuto vnější nádheru. Nicméně oni měli „Roaring Twenties“ a my NEP. Vzpomeňte si na Lichožrouta Ellochku: „...na jiskřivé fotografii byla zachycena dcera amerického miliardáře Vanderbilta ve večerních šatech. Nechyběly kožešiny a peří, hedvábí a perly, mimořádná lehkost střihu a úchvatný účes.“ Sovětští Nepmeni samozřejmě svými zvyky napodobovali svého svobodného západního souseda, ačkoli to nebylo oficiálně schváleno.

Na druhé straně je otisk Art Deco patrný v jednom z nejformálnějších umění – architektuře. Vliv importovaného stylu lze ve stalinském klasicismu snadno najít: fotografie fragmentů moskevských výškových budov z některých úhlů lze jen těžko odlišit od pohledů na předválečné manhattanské mrakodrapy. Art Deco láska ke geometrii, použití abstrakce - to vše bylo snadno absorbováno ruskými mistry ve vlasti suprematismu. Bylo také vhodné glorifikovat technické výdobytky lidstva. Existují také zábavnější znaky – pamatujete, mluvili jsme o apelu Art Deco na egyptské motivy? Právě díky němu Tamara Lempická vstala. Autoportrét v zeleném Bugatti. 1929. Soukromá sbírka

Ale mnohem významnější byl příspěvek, který ruští emigranti k rozvoji Art Deco přinesli. Módní časopisy Vogue a Harper's Bazaar již léta vycházejí pod obálkami, které nakreslil Erte, vlastním jménem Roman Petrovič Tyrtov Jeho „Symfonie v černém“ je jedním z klíčových děl tohoto stylu.

Abstraktní umělkyně Sonia Delaunay, která pracovala v módním průmyslu, obohatila Art Deco o barvu a energii, kterou jsme viděli v jiných „Amazonech avantgardy“. Hlavní malířkou portrétů Art Deco, jedním z mála umělců, kterým se podařilo tento styl použít pro malby na stojanech, je Tamara Lempicka, rodačka z ruského království Polsko, která před revolucí žila v Petrohradě. (Ale hlavní sochař té doby, Dmitrij Chiparus, je navzdory nám tak známému jménu Rumun.) Nakonec Leon Bakst, který se kromě divadla ocitl v exilu, dokázal pracovat v módním průmyslu - jasně ve stylu Art Deco.

Historici umění obecně píší, že styl Art Deco byl původně inspirován ruskými ročními obdobími, které otřásly pařížským uměleckým světem v 20. století. Takže - díky Diaghilevovi a za Art Deco!