Estrada: co je to v obecném chápání termínu? Historie jeviště. Historie hromadných svátků Sledování a vyhodnocování výsledků zvládnutí disciplíny provádí vyučující v procesu provádění praktických cvičení a laboratorních prací, zkoušení, popř.

Kořeny pop artu sahají do daleké minulosti, vysledované v umění Egypta, Řecka, Říma; jeho prvky jsou přítomny v představeních kočovných komiků-bubáků (Rusko), shpilmanov (Německo), kejklířů (Francie), dandies (Polsko), maškarních (Střední Asie) atd.

Satira na městský život a morálku, ostré vtipy na politická témata, kritický postoj k moci, kuplety, komické scénky, vtipy, hry, klaunská pantomima, žonglování a hudební výstřednosti byly počátky budoucích popových žánrů, zrozených v hluku karnevalu. a čtvercové zábavy.

Předchůdci bavičů se později stali Barkeři, kteří pomocí vtipů, vtipů a vtipných kupletů prodávali jakýkoli produkt na náměstích a trzích. To vše bylo masivního a srozumitelného charakteru, což bylo nezbytnou podmínkou existence všech popových žánrů. Všichni středověcí karnevaloví účinkující nepředvedli vystoupení.

V Rusku se původ popových žánrů projevil v bubácké zábavě, zábavě a masové kreativitě, lidových festivalech. Jejich představiteli jsou vtipálci Rausovi s obligátním plnovousem, kteří bavili a zvali diváky z horní plošiny Rausova stánku, petrželáři, raeshniky, vůdci „vědeckých“ medvědů, šaškáři předvádějící „skeče“ a „reprízy“ mezi dav, hraní na dýmky, harfu, šňupání a pobavení lidí.

Variety umění se vyznačuje takovými kvalitami, jako je otevřenost, lakonicismus, improvizace, slavnost, originalita a zábava.

Pop music, která se vyvíjela jako umění svátečního volného času, vždy usilovala o nevšednost a rozmanitost. Samotný pocit slavnosti vznikl díky vnější zábavě, hře světla, změně malebné scenérie, změně tvaru jeviště atd. Navzdory skutečnosti, že jeviště se vyznačuje různými formami a žánry, lze jej rozdělit do tří skupin:

- koncertní scéna (dříve nazývaná „divertissement“) spojuje všechny typy vystoupení v rámci varietních koncertů;
- divadelní scéna (komorní představení miniatur divadel, kabaretních divadel, kavárenských divadel nebo velkých koncertních revuí, hudebních sálů, s velkým hereckým obsazením a prvotřídním jevištním vybavením);
- slavnostní scéna (lidové slavnosti, svátky na stadionech, plné sportovních a koncertních vystoupení, ale i plesů, karnevalů, maškar, festivalů apod.).

Existují také tyto:

1. Varietní divadla
2. Hudební sály

Je-li základem varietního představení dokončené číslo, pak recenze jako každá dramatická akce vyžadovala podřízení všeho dění na jevišti ději. To se zpravidla organicky neslučovalo a vedlo k oslabení jedné ze složek představení: buď čísla, nebo postav, nebo děje. Stalo se tak během výroby „Zázraků 20. století“ – hra se rozpadla na řadu nezávislých, volně propojených epizod. Divácky úspěšný byl pouze baletní soubor a několik prvotřídních cirkusových vystoupení. Baletní soubor v nastudování Goleizovského předvedl tři čísla: „Hey, let’s whoop!“, „Moskva in the rain“ a „30 English girls“. Obzvláště působivé bylo vystoupení "Snake". Mezi cirkusovými počiny byli nejlepší: Tea Alba a „Australian Lumberjacks“ Jackson a Laurer. Alba současně pravou a levou rukou psala křídou různá slova na dvě tabule. Na konci místnosti se dřevorubci předháněli, aby pokáceli dvě silná polena. Vynikající balancování předvedl na drátě Němec Strodi. Předváděl kotrmelce na drátě. Ze sovětských umělců měli jako vždy velký úspěch Smirnov-Sokolskij a dítky V. Glebová a M. Darskaja. Mezi cirkusovými počiny vynikl počin Zoe a Marthy Kochových na dvou paralelních drátech.

V září 1928 došlo k otevření Leningradské hudební síně.

3. Divadlo miniatur - divadelní skupina, která pracuje především na malých formách: drobné hry, skeče, opery, operety spolu s varietními čísly (monology, kuplety, parodie, tance, písně). Repertoáru dominuje humor, satira, ironie a nevylučuje se ani lyrika. Soubor je malý, je možné divadlo jednoho herce nebo dvou herců. Lakonická představení jsou koncipována pro relativně malé publikum a představují jakési mozaikové plátno.
4. Konverzační žánry na jevišti - symbol pro žánry spojené především se slovy: bavič, mezihra, scénka, skeč, příběh, monolog, fejeton, mikrominiatura (inscenovaný vtip), pohřeb.

Bavič - bavič může být párový, samostatný, nebo hromadný. Konverzační žánr vybudovaný podle zákonů „jednoty a boje protikladů“, tedy přechodu od kvantity ke kvalitě podle satirického principu.

Popový monolog může být satirický, lyrický nebo humorný.

Mezihra je komická scéna nebo hudební skladba s humorným obsahem, která se hraje jako samostatné číslo.

Scénka je malá scéna, kde se rychle rozvíjí intriky, kde nejjednodušší děj je postaven na nečekaných vtipných, drásavých situacích, obratech, umožňujících během akce vzniknout celé řadě absurdit, ale kde vše zpravidla končí šťastným rozuzlení. 1-2 znaky (ale ne více než tři).

Miniatura je nejoblíbenějším mluveným žánrem na jevišti. Na jevišti dnes populární vtip (nepublikovaný, netištěný - z řečtiny) je krátký aktuální ústní příběh s nečekaným vtipným koncem.

Slovní hříčka je vtip založený na komickém použití podobně znějících, ale odlišně znějících slov k rozehrání zvukové podobnosti ekvivalentních slov nebo kombinací.

Repríza je nejběžnější krátký konverzační žánr.

Páry jsou jednou z nejsrozumitelnějších a nejoblíbenějších odrůd konverzačního žánru. Kuptista se snaží zesměšnit ten či onen jev a vyjádřit svůj postoj k němu. Musí mít smysl pro humor

Mezi hudební a konverzační žánry patří kuplet, ditty, chansonette a hudební fejeton.

Parodie běžná na pódiu může být „konverzační“, vokální, hudební nebo taneční. Kdysi mezi řečové žánry patřily recitace, melodické recitace, literární montáže a „umělecké čtení“.

Není možné podat přesně zaznamenaný seznam řečových žánrů: neočekávané syntézy slov s hudbou, tancem, původními žánry (transformace, ventrologie atd.) dávají vzniknout novým žánrovým útvarům. Živá praxe neustále dodává nejrůznější odrůdy, není náhodou, že na starých plakátech bylo zvykem přidávat ke jménu herce „v jeho žánru“.

Každý z výše uvedených řečových žánrů má své vlastní charakteristiky, svou historii a strukturu. Vývoj společnosti a společenských podmínek diktoval vznik nejprve toho či onoho žánru. Za „pestrý“ žánr lze považovat pouze baviče narozeného v kabaretu. Zbytek pocházel ze stánků, divadel a ze stránek humoristických a satirických časopisů. Žánry řeči, na rozdíl od jiných, které inklinují k zahraničním inovacím, se vyvíjely v souladu s domácí tradicí, v úzkém spojení s divadlem a humoristickou literaturou.

Vývoj řečových žánrů je spojen s úrovní literatury. Za hercem stojí autor, který v performerovi „umírá“. A přesto vnitřní hodnota herectví neubírá na důležitosti autora, který do značné míry určuje úspěch aktu. Autory se často stávali sami umělci. Tradice I. Gorbunova převzali pop vypravěči - Smirnov-Sokolskij, Afonin, Nabatov a další vytvořili svůj vlastní repertoár Herci, kteří neměli literární talent, se obraceli o pomoc na autory, kteří psali s očekáváním ústního podání zohlednit masku umělce. Tito autoři zůstávali zpravidla „bezejmenní“. Po mnoho let se v tisku diskutuje o tom, zda lze dílo napsané pro divadelní představení považovat za literaturu. Počátkem 80. let vznikl Všesvaz a poté Všeruské sdružení popových autorů, které pomohly legitimizovat tento typ literární činnosti. Autorská „anonymita“ je minulostí, na jeviště navíc nastoupili sami autoři. Koncem 70. let vyšel program „Zákulisí smíchu“, komponovaný jako koncert, ale výhradně z vystoupení popových autorů. Jestliže v minulých letech uváděli vlastní programy pouze jednotliví autoři (Averčenko, Ardov, Laskin), nyní se tento fenomén rozšířil. K úspěchu velkou měrou přispěl fenomén M. Žvaneckého. Začínal v 60. letech jako autor Leningradského divadla miniatur a obcházel cenzuru a začal číst své krátké monology a dialogy na uzavřených večerech v Domech kreativní inteligence, které se stejně jako Vysockého písně rozšířily po celé zemi.

5. Jazz na pódiu

Pojem „jazz“ je běžně chápán jako: 1) druh hudebního umění založený na improvizaci a zvláštní rytmické intenzitě, 2) orchestry a soubory provozující tuto hudbu. Pro označení skupin se také používají výrazy „jazzová kapela“, „jazzový soubor“ (někdy označující počet účinkujících – jazzové trio, jazzové kvarteto, „jazzový orchestr“, „velká kapela“).

6. Píseň na pódiu

Vokální (vokálně-instrumentální) miniatura, která se rozšířila v koncertní praxi. Na jevišti se často řeší jako jevištní „herní“ miniatura pomocí plastik, kostýmů, světla, mizanscény („divadlo písní“); Velký význam má osobnost, vlastnosti talentu a dovednosti interpreta, který se v některých případech stává „spoluautorem“ skladatele.

Žánry a formy písně jsou rozmanité: romance, balada, lidová píseň, kuplet, písně, šansoneta atd.; Způsoby provedení jsou také rozmanité: sólové, ansámblové (dueta, sbory, vokálně-instrumentální soubory).

Mezi popovými hudebníky existuje i skladatelská skupina. Jde o Antonova, Pugačeva, Gazmanova, Lozu, Kuzmina, Dobrynina, Kornelyuka atd. Předchozí píseň byla především skladatelská, současná je „interpretova“.

Mnoho stylů, způsobů a trendů koexistuje – od sentimentálního kýče a městské romantiky po punk rock a rap. Dnešní píseň je tedy pestrobarevným a mnohostylovým panelem zahrnujícím desítky směrů, od domácích napodobenin folklóru až po nálevy afroamerických, evropských a asijských kultur.

7. Tanec na pódiu

Toto je krátké taneční číslo, sólové nebo skupinové, prezentované na národních popových koncertech, varietních show, hudebních sálech a miniaturních divadlech; doprovází a doplňuje program vokalistů, množství originálních a dokonce i řečových žánrů. Vznikla na základě lidového, každodenního (společenského) tance, klasického baletu, moderního tance, gymnastiky, akrobacie a na křížení všemožných cizích vlivů a národních tradic. Povaha taneční plasticity je diktována moderními rytmy a utváří se pod vlivem příbuzných umění: hudby, divadla, malby, cirkusu, pantomimy.

Lidové tance byly zpočátku zařazovány do vystoupení stoličních souborů. Repertoár zahrnoval divadelní zpestření vesnického, městského a vojenského života, vokální a taneční suity ruských lidových písní a tanců.

V 90. letech se tanec na pódiu ostře polarizoval, jako by se vracel do situace 20. let. Taneční skupiny zapojené do showbyznysu, jako Erotic Dance a další, spoléhají na erotiku – vystoupení v nočních klubech si diktují vlastní zákony.

8. Loutky na jevišti

Od starověku byly v Rusku oceňovány ruční práce, byly milovány hračky a byly respektovány zábavné hry s panenkami. Petruška se vypořádal s vojákem, policistou, knězem a dokonce i se smrtí samotnou, statečně se oháněl kyjem, usmrtil ty, které lid neměl rád, svrhl zlo a potvrzoval lidovou morálku.

Petrželáci se toulali sami, někdy spolu: loutkář a muzikant, sami skládali divadelní hry, sami byli herci, sami byli režiséři - snažili se zachovat pohyby loutek, mizanscény, loutky triky. Loutkáři byli pronásledováni.

Byly i další pořady, ve kterých loutky účinkovaly. Na ruských silnicích byly k vidění dodávky naložené panenkami na provázcích – loutkami. A někdy s krabicemi se štěrbinami uvnitř, kterými se panenky zespodu přemisťovaly. Takovým krabicím se říkalo betlémy. Loutky ovládaly umění napodobování. Rádi se vydávali za zpěváky, kopírovali akrobaty, gymnasty a klauny.

9. Parodie na jevišti

Jedná se o číslo či performance založenou na ironickém napodobování (imitaci) jak individuálního způsobu, stylu, charakteristických rysů a stereotypů předlohy, tak celých směrů a žánrů v umění. Amplituda komiksu: od ostře satirického (hanlivého) po humorný (přátelský kreslený film) určuje postoj parodisty k předloze. Parodie má své kořeny ve starověkém umění, v Rusku je již dlouho přítomná v šaškárnych hrách a fraškovitých představeních.

10. Malá divadla

Vytvoření kabaretních divadel v Rusku „The Bat“, „Curved Mirror“ atd.

Jak „Křivé zrcadlo“, tak „Netopýr“ byly profesionálně silné herecké skupiny, jejichž úroveň divadelní kultury byla nepochybně vyšší než v četných miniaturních divadlech (z moskevských Petrovský, jehož ředitelem byl D.G. Gutman, vyčníval více než jiní , Mamonovskij, pěstující dekadentní umění, kde debutoval za 1. světové války Nikolskij - výtvarník a režisér A.P.Petrovskij - Troitsky A.M Fokina - režisér V.R bavič úspěšně provedl V.O. Toporkov, pozdější umělecký divadelník.

Variety je druh zábavního umění, ve kterém krátká koncertní vystoupení jednoho nebo více umělců (vypravěčů, zpěváků, kupletistů, tanečníků, akrobatů, kouzelníků atd.) tvoří ucelený program, obvykle určený pro masové vnímání. Jeviště je mnohostranné a rozmanité. Divácké vnímání tohoto umění je také různorodé. Pro někoho je jeviště vystoupením písňových a hudebních skupin a interpretů, pro jiného vystoupením komiků, pro jiného klaunství nebo interprety moderního tance. Různé jsou i formy existence tohoto umění: koncert v klubu, kině a koncertním sále, studentská scénka v aule ústavu, divadelní program na stadionu nebo ve Sportovním paláci, představení v Divadlo miniatur, představení v Divadle varieté, samostatný koncert atd. A v každém případě Složení publika a jeho velikost určuje vlastnosti živé varietní show.

Kořeny pop-artu sahají do daleké minulosti, lze vysledovat v umění starověku – Egypt, Řecko, Řím, jeho prvky jsou v představeních cestujících komiků – bubáků, shpilmanů, kejklířů, dandies atd. Nicméně v r. moderní formy, pop art se formoval v západní Evropě během 19. století. Návštěvníky pařížských kaváren tak bavili hudebníci, zpěváci, zpěváci, jejichž repertoár obsahoval ostré i aktuální věci. Úspěch takových kaváren vedl ke vzniku větších zábavních podniků - kavárenských koncertů („Ambassador“, „Eldorado“ atd.). V Anglii se hudební sály objevily v hostincích (hotelech) - hudebních sálech, kde se hrály tance, komické písně a cirkusová představení; Za první je považována Star Music Hall, založená v roce 1832.

Folies Bergère, po vzoru londýnské hudební síně Alhambra, byla otevřena v Paříži v roce 1869 a o dvě desetiletí později Moulin Rouge, která byla nazývána „variety hall“ (z francouzského variété - varieta). Postupně se slovo varieté začalo vztahovat nejen na konkrétní divadla, ale i na celou uměleckou formu skládající se z různých žánrů, z nichž nakonec vzniká celistvé představení.

V roce 1881 byl v Paříži otevřen umělecký kabaret (z francouzského kabaret - cuketa) „Cha Noir“ („Černá kočka“), kde se scházeli mladí umělci, herci a spisovatelé. Často se zde hovořilo o akutních sociálních a politických problémech. Kabarety byly velmi známé v Německu, Rakousku a dalších zemích. V naší době tato forma, která se oddělila od kavárny, začala existovat jako politické a satirické divadlo malých forem (Německo) s mírně pozměněným názvem - kabaret.

Do Ruska se varieté dostaly na přelomu 19. a 20. století. Po estrádě upoutal pozornost veřejnosti i kabaret. Měli v Rusku své předchůdce, kteří do značné míry určovali jedinečnost ruské scény. Jsou to stánky, které o svátcích bavily společensky různorodé publikum, a divertissements - malé koncertní programy, které se v divadlech uváděly před začátkem a po skončení hlavní hry. Programy zpestření zahrnovaly ruské písně a árie z oper, klasické a lidové tance, kuplety z estrády, básně a příběhy v podání dramatických herců. Obecně mělo divadlo významný vliv na ruskou scénu, což určovalo jeho originalitu.

Po říjnové revoluci vycházeli umělci z malých, stísněných sálů kabaretů, estrád a miniaturních divadel do ulic a na náměstí k lidem. Nahradili řečníky na četných koncertech a shromážděních, jezdili s koncerty na fronty občanské války, vystupovali na náborových stanicích, v kasárnách a dělnických klubech. Tehdy se pojem „rozmanitost“ (z francouzského estrade - jeviště) rozšířil do celé oblasti umění.

Základem pop-artu je číslo, krátké ucelené představení (jednoho nebo více umělců) s vlastní dramaturgií, ve kterém stejně jako ve velkém představení nesmí chybět expozice, vyvrcholení a rozuzlení. Krátký film předpokládá extrémní koncentraci výrazových prostředků. Na jevišti se proto hojně používá nadsázka, groteska, biflování a excentricita; odtud jas, nadsázka detailů a okamžitá proměna herce. Číslo si zachovává svůj význam v varietním představení (show, revue atd.) vytvořeném na základě divadelní hry (recenze). V takovém představení čísla spojuje postava pozorovatele nebo jednoduchá zápletka.

Umělci vystupující na jevišti hojně využívají tzv. masku, určitý obraz, který se vyznačuje stálostí nejen vzhledu, ale i povahových rysů a životopisu. Tento obraz, zrozený z umělecké představivosti, nemusí mít nic společného s osobností samotného umělce.

Často se však maska popového umělce stává jakoby koncentrovaným vyjádřením jeho vlastní osobnosti. Ale bez ohledu na to, za jakou masku se umělec skrývá, oslovuje diváky přímo, snaží se je zapojit do děje, udělat z nich své „partnery“.

Ruská pop music na své cestě řešila různé problémy: agitovala, volala, inspirovala, vzdělávala, osvětlovala a samozřejmě bavila. Zábava je pro jeviště charakteristická jako žádné jiné umění. Ale to se nerovná prázdnotě. Za vnější lehkostí a veselostí se často skrývá vážný obsah a čím talentovanější umělec, čím vyšší je jeho dovednost, tím lépe se mu daří uzavřít vážnou myšlenku do lehké formy. Příkladem občanství, akutního sociálního obsahu a dokonalosti umělecké formy je satirické umění A. I. Raikina.

Tradičně velké místo na naší scéně patří žánrům spojeným se slovem. To je příběh, monolog, malá scénka, fejeton, kuplet, parodie, show. Úkol představit širokým masám kulturu ve 20.–30. XX století přivedl k životu formu uměleckého čtení z jeviště děl moderní i klasické literatury. Umělečtí čtenáři se snaží divákům co nejúplněji odhalit svět autora a uměleckou originalitu jeho děl.

Na podiu zaujaly přední místa hudební a vokální žánry: romantika, bardské a lidové písně, pop a rock, jazz aj. Obrovské publikum láká na sólové koncerty slavných popových zpěváků. V procesu vývoje vznikají nové formy a stylové směry, obohacují hudební scénu o neotřelé umělecké nápady a odrážejí rytmy doby. Na jevišti jsou hojně zastoupena choreografická čísla, souborová i sólová: lidové tance, plastické duety, hrané miniatury, tance v moderních rytmech.

Podívaná na cirkusové představení přitahuje návštěvníky: kejklíře, iluzionisty, manipulátory, akrobaty, provazochodce, mimy. Na pomezí žánrů se rodí spousta vzrušujících věcí: pantomima a akrobacie, pantomima a žonglování atd. Mnoho umělců využívá výstřednosti, která je vlastní povaze pop-artu.

Umění odrůd se v SSSR široce rozvíjelo. Celosvazová olympiáda divadel a umění národů SSSR v roce 1930, Celosvazový festival lidového tance v roce 1936, desetiletí národního umění svazových republik a reportážní koncerty přispěly k rozvoji tohoto typu kreativity. mezi národy, které to dříve neznaly, kromě forem folklóru. Pravidelně se konaly celoruské a všesvazové soutěže pro tvořivou mládež. Pop music, která je svou povahou syntetická, byla vždy spojována s divadlem, kinem, literaturou a hudbou. V celé její historii lze pozorovat různé formy interakce mezi populární hudbou a jinými uměními. Jazz a rocková hudba jsou zahrnuty v symfonické hudbě; pop dance a akrobacie ovlivňují klasickou choreografii; neustále se obrací na jeviště kina; kritici píší o rozmanitosti divadla. Scéna je zase zachvácena procesem teatralizace, zasahuje všechny její žánry, obecnou tendenci k divadelním programům, k tvorbě představení a varietních divadel.

Každý zná pozoruhodnou dovednost K.I. Shulzhenka, který oduševněle hrál lyrické písně.

Vystoupení Tarapunky (Jurij Timošenko) a Shtepsela (Efim Berezin, vlevo)./

Iluzionista Harutyun Hakobyan je na scéně.

Slavná anglická skupina The Beatles.

Fáze- druh jevištního umění, který zahrnuje jak samostatný žánr, tak syntézu žánrů: zpěv, tanec, originální představení, cirkusové umění, iluze.

Pop music- druh zábavného hudebního umění určeného nejširšímu posluchači.

Největší rozvoj zaznamenal tento druh hudby ve 20. století. Obvykle zahrnuje taneční hudbu, různé písně, díla pro pop-symfonické orchestry a vokálně-instrumentální soubory.

Pop music je často ztotožňována se stávajícím konceptem „lehké hudby“, to znamená, že je snadno pochopitelná a přístupná veřejnosti. Lehká hudba z historického hlediska zahrnuje klasická díla, která jsou obsahově jednoduchá a získala si univerzální oblibu, např. hry F. Schuberta a J. Brahmse, F. Lehára a J. Offenbacha, valčíky J. Strausse a A. K. Glazunova, „Malá noční serenáda“ od W. A. Mozarta.

V tomto rozsáhlém a také charakterově i esteticky nesmírně různorodém oboru hudební tvořivosti se na jedné straně používají stejné výrazové prostředky jako ve vážné hudbě, na druhé straně jsou vlastní, specifické.

Termín „popový orchestr“ navrhl L. O. Utesov na konci 40. let, což umožnilo oddělit dva koncepty:
samotná popová a jazzová hudba.

Moderní pop music a jazz mají řadu společných rysů: přítomnost neustálé rytmické pulzace prováděné rytmickou sekcí; převážně tanečního charakteru děl popových a jazzových skupin. Jestliže se ale jazzová hudba vyznačuje improvizací, zvláštní rytmickou vlastností - swingem, a formy moderního jazzu jsou někdy dost obtížně vnímatelné, pak se pop music vyznačuje přístupností hudebního jazyka, melodií a extrémní rytmickou jednoduchostí.

Jedním z nejběžnějších typů popových instrumentálních skladeb je popový symfonický orchestr (ESO) nebo symfonický jazz. U nás je vznik a rozvoj ESO spojen se jmény V. N. Knushevitsky, N. G. Minkha, Yu. Repertoár popových symfonických orchestrů je mimořádně rozsáhlý: od původních orchestrálních her a fantazií na známá témata až po doprovod písní a operet.

Kromě nepostradatelné rytmické sekce a plného žesťového složení big bandu (saxofonová skupina a žesťová skupina) zahrnuje ESO tradiční skupiny nástrojů symfonického orchestru - dřevěné dechové nástroje, lesní rohy a smyčce (housle, violy, violoncella). Poměr skupin v ESO se blíží symfonickému orchestru: dominuje smyčcová skupina, což je dáno převážně melodickým charakterem hudby pro ESO; Velkou roli hrají dřevěné dechové nástroje; Samotný princip orchestrace je velmi blízký tomu, který se používá v symfonickém orchestru, i když přítomnost neustále pulzující rytmické sekce a aktivnější role dechové skupiny (a někdy i saxofonů) někdy připomíná zvuk jazzového orchestru. Důležitou koloristickou roli v ESO hraje harfa, vibrafon a tympány.

ESO jsou u nás velmi oblíbené. Jejich vystoupení jsou vysílána v rozhlase a televizi, nejčastěji hrají filmovou hudbu a účastní se velkých popových koncertů a festivalů. Mnoho sovětských skladatelů píše hudbu speciálně pro ESO. Jedná se o A. Ja Eshpai, I. V. Jakušenko, V. N. Ljudvikovskij, O. N. Khromushin, R. M. Ledenev, Yu S. Saulsky, M. M. Kazhlaev, V. E. Ter -letsky, A. S. Mazhukov, V. G. Rubashevsky, A. V. Kalvar.

Žánr populární hudby zahrnuje různé druhy popových písní: tradiční romantiku, moderní lyrickou píseň, píseň v tanečních rytmech s rozvinutým instrumentálním doprovodem. To hlavní, co spojuje četné druhy popových písní, je touha jejich autorů po maximální přístupnosti a zapamatovatelnosti melodie. Kořeny takové demokracie jsou ve starověké romantice a moderním městském folklóru.

Popová píseň se neomezuje pouze na čistou zábavu. Sovětské popové písně tak obsahují témata občanství, vlastenectví, boje za mír atd. Ne nadarmo se objevují písně I. O. Dunaevského, V. P. Solovjova-Sedoje, M. I. Blantera, A. N. Pakhmutova, D. F. Tuchmanova a dalších sovětských písní. skladatele milují nejen u nás, ale i daleko za jejími hranicemi. Solovyov-Sedoyova píseň „Moskva večery“ získala skutečně celosvětové uznání. Ve 20. století Navzájem se vystřídaly různé druhy taneční hudby. Tango, rumba, foxtrot tedy vystřídal rokenrol, vystřídal je twist and shake, velmi oblíbené byly rytmy samby a bossa nova. Po řadu let byl disco styl rozšířen v pop a taneční hudbě. Vzniklo spojením černošské instrumentální hudby s prvky zpěvu a plasticity, charakteristické pro popové zpěváky z Latinské Ameriky, zejména z ostrova Jamajka. Diskotéková hudba, která je v západní Evropě a USA úzce spjata s nahrávacím průmyslem a provozováním diskoték, se stala jedním z rychle se rozvíjejících trendů popové a taneční hudby 2. poloviny 20. století.

Mezi sovětské skladatele, kteří položili domácí tradice v žánru taneční hudby, patří A. N. Tsfasman, A. V. Varlamov, A. M. Polonsky a další.

Moderní rockovou hudbu lze klasifikovat jako pop music. V hudební kultuře západní Evropy a USA jde o hnutí velmi pestré ve své ideové i umělecké úrovni a estetických principech. Je zastoupena jak díly vyjadřujícími protest proti sociální nespravedlnosti, militarismu, válce, tak díly hlásajícími anarchismus, nemorálnost a násilí. Stejně heterogenní je i hudební styl souborů reprezentujících toto hnutí. Mají však společný základ a některé charakteristické rysy.

Jedním z těchto rysů je využití zpěvu, sóla a ansámblu, potažmo textu, který nese samostatný obsah, a lidského hlasu jako zvláštního témbrového zbarvení. Členové souborů nebo skupin často spojují funkce instrumentalistů a vokalistů. Vedoucími nástroji jsou kytary, dále různé klávesy, méně často dechové nástroje. Zvuk nástrojů je zesilován různými zvukovými měniči a elektronovými zesilovači. Rocková hudba se liší od jazzové hudby ve své více rozčleněné metro-rytmické struktuře.

U nás se prvky rockové hudby promítají do tvorby vokálních a instrumentálních souborů (VIA).

Díky své masové přitažlivosti a široké popularitě hrála sovětská populární hudba významnou roli v estetické výchově mladé generace.

- 135,00 kb

Odrůdové umění. Předpoklady pro vznik a historii vývoje pop-artu……………………………………………………………… 3
Cirkus. Specifika cirkusového umění………………………………………16

Seznam referencí………………………………………………………..20

Odrůdové umění. Předpoklady pro vznik a vývoj historie varietního umění varietního uměleckého žánru režiséra

Kořeny pop artu sahají do vzdálené minulosti, vysledované v umění Egypta a Řecka. Kořeny pop artu sahají do daleké minulosti, vysledované v umění Egypta, Řecka, Říma; jeho prvky jsou přítomny v představeních kočovných komiků-bubáků (Rusko), shpilmanov (Německo), kejklířů (Francie), dandies (Polsko), maškarních (Střední Asie) atd.

Hnutí trubadúrů ve Francii (konec 11. století) působilo jako nositel nové společenské myšlenky. Jeho zvláštností bylo psaní hudby na zakázku, žánrová rozmanitost písní od zápletek milostných textů až po oslavu vojenských hrdinských činů vojevůdců. Najatí zpěváci a cestující umělci šířili hudební kreativitu. Kořeny pop artu sahají do daleké minulosti, vysledované v umění Egypta, Řecka, Říma; jeho prvky jsou přítomny v představeních kočovných komiků-bubáků (Rusko), shpilmanov (Německo), kejklířů (Francie), dandies (Polsko), maškarních (Střední Asie) atd.

Satira na městský život a morálku, ostré vtipy na politická témata, kritický postoj k moci, kuplety, komické scénky, vtipy, hry a hudební výstřednosti byly počátky budoucích popových žánrů, které se zrodily v hluku karnevalu a náměstí. Předchůdci baviče se později stali Barkeři, kteří pomocí vtipů, vtipů a vtipných kupletů prodávali jakýkoli produkt na náměstích a trzích. To vše bylo masivního a srozumitelného charakteru, což bylo nezbytnou podmínkou existence všech popových žánrů. Všichni středověcí karnevaloví účinkující nepředvedli vystoupení. Základem představení byla miniatura, která je odlišovala od divadla, jehož hlavním znakem jsou prvky spojující děj dohromady. Tito umělci nezobrazovali postavy, ale vždy jednali svým jménem a komunikovali přímo s publikem. To je stále hlavní, výrazný rys moderního showbyznysu.

O něco později (polovina a konec 18. století) se v cizích zemích objevily různé zábavní podniky - hudební sály, estrády, kabarety, ministerské show, které spojovaly veškeré zážitky z pouťových a masopustních představení a byly předchůdci moderních zábavních organizací. . S přechodem mnoha pouličních žánrů do vnitřních prostor se začala formovat zvláštní úroveň scénického umění, protože nové podmínky vyžadovaly koncentrovanější vnímání ze strany diváka. Činnost kaváren - chantanů, kaváren - koncertů, určených pro malý počet návštěvníků, zformovaných ve 2. polovině 19. století, umožnila rozvoj takových komorních žánrů jako lyrický zpěv, bavič, sólový tanec, výstřednost. Úspěch takových kaváren vedl ke vzniku větších, velkolepějších podniků - kavárenských koncertů, jako jsou "Ambassador", "Eldorado" a další.

Tato forma předvádění se vyznačovala takovými kvalitami, jako je otevřenost, lakonicismus, improvizace, slavnost, originalita a zábava. V této době získává Francie statut kulturního a zábavního centra. "Theatre Montassier" (estráda) - spojuje hudební, divadelní a cirkusové umění. V roce 1792 se divadlo Vaudeville stalo velmi populární. Repertoár divadla tvoří komediální hry, které střídají dialogy s kuplety, písněmi a tanci. Velké oblibě se těšil kabaret (zábavní podnik, který kombinuje písňové a taneční žánry zábavného charakteru) a opereta.

Pop music, která se vyvíjela jako umění svátečního volného času, vždy usilovala o originalitu a rozmanitost. Pocit slavnosti vznikl díky vnější zábavě, hře světla, změně malebné scenérie a změně tvaru jeviště.

Pop music je od 20. let minulého století středem pozornosti kulturních a uměleckých osobností, badatelů v různých oblastech poznání, působí jako předmět polemik na stránkách periodik a sporů ve vědeckých kruzích. V průběhu historie ruského pop artu se postoje k němu několikrát změnily. „V domácí vědě je tradicí považovat pop art, v tomto kontextu jazz a posléze rockovou hudbu za projevy masové kultury, které se staly předmětem studia v rámci sociologie, sociální psychologie a dalších sociálních vědy Zájem kulturních vědců a politologů o problémy moderní pop music a jí generované sociokulturní fenomény neutuchají dodnes.“

Rozvoj kinematografie měl ohromující účinek po celém světě a následně se stal bezprostředním atributem každé společnosti. Od konce 80. a počátku 19. století těsně sousedí se vznikající domácí scénou, jako instituce i jako podívaná přímo navazuje na stánek. Pásky z města do města převáželi podnikatelé v dodávkách spolu s promítací technikou. Nedostatek elektřiny brzdil rozvoj kinematografie ve velkých částech země. S ohledem na tuto skutečnost podnikatelé pořizují malé přenosné elektrárny, které výrazně rozšířily možnosti distribuce filmů.

Variety umění se vyznačuje takovými kvalitami, jako je otevřenost, lakonicismus, improvizace, slavnost, originalita a zábava.

Variety jako syntetizované umění pohltily různé žánry – instrumentální hudbu a zpěv, tanec a film, poezii a malbu, divadlo a cirkus. To vše, smíchané jako amalgám, začalo žít vlastním nezávislým životem, přecházelo do jasných ucelených žánrových forem, které se nikdy neunaví syntetizováním a dodnes rodí něco nového, co nemělo kde být. Pop-art je jako obrovský strom s mnoha větvemi – žánry, které, rostoucí a posilující, vysílají nové styly výhonků.

„Různorodé umění spojuje různé žánry, jejichž společný rys spočívá ve snadné adaptabilitě na různé akce veřejného předvádění, v krátkém trvání akce, v koncentraci svých uměleckých výrazových prostředků, což přispívá k živé identifikaci tvůrčí individuality. interpreta a v oblasti žánrů spojených s živým slovem - v aktuálnosti akutní sociální a politické relevance probíraných témat, v převaze prvků humoru, satiry a publicistiky. Tato kvalita je obzvláště cenná a zároveň specifická pro jeviště.“

Navzdory skutečnosti, že jeviště se vyznačuje různými formami a žánry, lze jej rozdělit do tří skupin:

Koncertní scéna (dříve nazývaná „divertissement“) spojuje všechny typy vystoupení v estrádních koncertech;

Divadelní scéna (komorní představení miniaturních divadel, kabaretních divadel, kavárenských divadel nebo velkých koncertních revuí, hudebních sálů, s velkým hereckým obsazením a prvotřídní jevištní technikou);

Slavnostní scéna (lidové slavnosti, svátky na stadionech, plná sportovních a koncertních vystoupení, ale i plesů, karnevalů, maškar, festivalů atd.).

Existují také tyto:

1. Varietní divadla

2. Hudební sály

V září 1928 došlo k otevření Leningradské hudební síně.

3. Divadlo miniatur - divadelní skupina, která pracuje především na malých formách: drobné hry, skeče, opery, operety spolu s varietními čísly (monology, kuplety, parodie, tance, písně). Repertoáru dominuje humor, satira, ironie a nevylučuje se ani lyrika. Soubor je malý, je možné divadlo jednoho herce nebo dvou herců. Lakonická představení jsou koncipována pro relativně malé publikum a představují jakési mozaikové plátno.

4. Konverzační žánry na jevišti - symbol pro žánry spojené především se slovy: bavič, mezihra, scénka, skeč, příběh, monolog, fejeton, mikrominiatura (inscenovaný vtip), pohřeb.

Popový monolog může být satirický, lyrický nebo humorný.

Mezihra je komická scéna nebo hudební skladba s humorným obsahem, která se hraje jako samostatné číslo.

Skica je malá scéna, kde se rychle rozvíjí intriky, kde nejjednodušší děj je postaven na nečekaných vtipných, drásavých situacích, obratech, umožňujících během akce vzniknout celé řadě absurdit, ale kde vše zpravidla končí šťastným rozuzlení. 1-2 znaky (ale ne více než tři).

Slovní hříčka je vtip založený na komickém použití podobně znějících, ale odlišně znějících slov k rozehrání zvukové podobnosti ekvivalentních slov nebo kombinací.

Repríza je nejběžnější krátký konverzační žánr.

Párky jsou jedním z nejsrozumitelnějších a nejoblíbenějších typů konverzačního žánru. Kuptista se snaží zesměšnit ten či onen jev a vyjádřit svůj postoj k němu. Musí mít smysl pro humor

Mezi hudební a konverzační žánry patří kuplet, ditty, chansonette a hudební fejeton.

5. Jazz na pódiu

6. Píseň na pódiu

Stručný popis

Pokud je na sedadle přede mnou nějaký příliš vysoký muž, začínám mít pocit, že špatně slyším. Každopádně taková hudba pro mě přestává být pop music. Stává se však také, že dění na jevišti je jasně viditelné, ale přesto se to nestává faktem pop-artu; koneckonců někteří umělci a režiséři soustředí veškeré své úsilí na to, aby potěšili naše uši, o naše oči se starají jen málo. Zejména v hudebních žánrech se často setkáváte s podceňováním spektakulární stránky pop-artu, ale příznaky stejné nemoci lze pozorovat v uměleckém čtení au bavičů.

"No," říkáte, "zase mluvíme o dávno známých věcech, že mnoha popovým umělcům chybí jevištní kultura, že jejich čísla jsou někdy bez plastické expresivity a vizuálně monotónní."

Všechny tyto závažné nedostatky, které dosud nebyly překonány uměním rozmanitosti, se totiž často objevují v recenzích, v problematických článcích a v tvůrčích diskuzích. Do jisté míry se jich v tomto článku dotkneme. Chtěl bych však otázku položit šířeji. Zde se samozřejmě nejedná pouze o nedostatek dovedností jako takových. Tato nevýhoda se týká i těch popových žánrů, které oslovují pouze vizi. Akrobati, žongléři, iluzionisté (i ti nejlepší z nich, velcí mistři svého řemesla) nejčastěji hřeší stejnou vizuální monotónností, nedostatkem plastické kultury. Všechny odrůdy žánru se skládají zpravidla ze střídání v rámci aktu přibližně jednoho okruhu předváděných triků a technik. Klišé, které se vyvíjejí rok co rok (například akrobatický mužský pár, vysoký a nízký, pracující pomalým tempem, předvádějící silové pohyby, nebo melancholický žonglér oblečený ve smokingu s doutníkem a kloboukem atd.) jen posilují a legitimizují velkolepé žánry chudobného popu. Tradice, jednou živé, se stávají okovy pro vývoj umění.

Uvedu příklad dvou žonglérů – vítězů nedávné 3. celoruské soutěže popových umělců. I. Kozhevnikov, oceněný druhou cenou, předvádí právě popsaný typ žongléra: buřinka, doutník, hůl tvoří paletu představení s bezvadnou zručností. E. Shatov, vítěz 1. ceny, pracuje s cirkusovým aparátem - bidýlkem Na jeho konci je úzká průhledná trubice o průměru tenisového míčku. Shatov balancuje na hlavě a hází míčky do zkumavky. Pokaždé okoun vyroste, postupně dosahuje téměř deseti metrů výšky. S každým novým úsekem představení se výkon čísla stává vizuálně ostřejším a výraznějším. Konečně se délka bidýlka stane takovou, že se nevejde do výšky jeviště (ani tak vysoké jako v Divadle varieté). Žonglér přichází do čela jeviště, balancuje nad hlavami diváků v prvních řadách. Míč vyletí nahoru, téměř se ztratí na pozadí stropu a skončí v trubici. Toto číslo je kromě mimořádné čistoty, s níž je provedeno, pozoruhodné tím, že vizuální měřítko, čas od času se měnící, vnímají sedící v hledišti naprosto jednotně. Díky tomu je velkolepý efekt mimořádný. Navíc se jedná o specificky popovou zábavu. Představte si Shatovovo číslo v televizi nebo ve filmech! Nemluvě o tom, že v předem natočené televizní nebo filmové zápletce je vyloučen prvek nepředvídatelnosti (proto se jeviště a cirkus nikdy nestanou pro plátno organické!), stálost měřítka, diktovaná stálost velikosti obrazovky a naše pozorovací vzdálenost k ní připraví Shatovův pokoj a jeho kouzlo.

Šatovovo umění (v mnohem větší míře než třeba Koževnikovův čin) prohrává, je-li přeneseno do sféry jiného umění. To je první důkaz jeho skutečné rozmanitosti. Podaří-li se takový převod snadno uskutečnit bez zjevných ztrát, můžeme s klidem říci, že dílo i jeho autor hřeší proti zákonům pop-artu. Je to zvláště objevné pro hudební a řečové žánry popového rádia. Mnoho našich popových zpěváků se nejlépe poslouchá v rádiu, kde se oprostí od nutnosti hledat plastický ekvivalent předváděné melodie. Před rozhlasovým mikrofonem se zpěvačka, pro kterou je pódium opravdovým trápením, cítí skvěle. Popový zpěvák od přírody naopak zažívá v rádiu jistou nepříjemnost: omezuje ho nejen nedostatek kontaktu s publikem, ale také skutečnost, že mnoho nuancí projevu přítomných ve vizuální stránce ve zvuku bude chybět obraz. To s sebou nese samozřejmě vyčerpání účinku. Vzpomínám si na první nahrávky písní Yvese Montanda, které přivezl Sergej Obrazcov z Paříže. Oč hlubší a významnější se ukázal být samotný umělec, když jsme ho viděli zpívat na pódiu: ke kouzlu hudby a slova se přidalo kouzlo herce, který vytváří nejvýraznější plasticitu lidského obrazu. Stanislavskij rád opakoval: divák jde do divadla kvůli podtextu, text si může přečíst doma. Něco podobného lze říci o jevišti: divák chce vidět představení z jeviště, může se naučit text (a dokonce i hudbu) a zůstat doma. Alespoň při poslechu v rádiu. Stojí za to jít například na koncert, abyste slyšeli Jurije Fedorishcheva, který se ze všech sil snaží obnovit provedení písně „Mississippi“ Paula Robesona? Myslím, že Fedorishchev by byl mnohem úspěšnější v dosahování svého cíle v rádiu. Při poslechu „Mississippi“ v rádiu jsme mohli žasnout, jak přesně byly zachyceny hudební intonace černošského zpěváka, a zároveň bychom si nemohli všimnout naprosté plastické setrvačnosti Fedorishcheva, která odporuje originálu.

Režiséři programu, ve kterém jsem slyšel Fedorishcheva, se snažili rozjasnit vizuální monotónnost jeho zpěvu. Během představení francouzské písně „Alone at Night“, před veršem, ve kterém začíná civilní téma - téma boje za mír, světla v sále náhle zhasnou a zůstane pouze červené podsvícení. V nejpatetičtější části písně, která vyžaduje jasné herecké postupy, je divák nucen stát se pouze posluchačem, protože vidí pouze černou nehybnou siluetu na matně červeném pozadí. Režie, snažící se divácky zpestřit představení, tak dělá interpretovi i dílu jako celku skutečně „medvědí službu“. Úžasný nedostatek světelných technik, který ve výše popsaném případě vedl k posunu důrazu, je jednou z nemocí naší scény. Systém světelných efektů je postaven buď na přímočarém názorném principu (téma boje za mír je jistě spojeno s červenou barvou, neméně!), nebo na principu salonní krásy (touha „prezentovat“ interpreta bez ohledu na umělecký obsah aktu, jeho styl) . V důsledku toho stále nejsou využívány nejzajímavější možnosti osvětlení. Totéž lze říci o kostýmu: zřídka slouží ke zvýšení vizuálního obrazu. Pokud existují dobré tradice v používání kostýmu jako prostředku ke zdůraznění původu role (řekněme sametové sako s mašlí od N. Smirnova-Sokolského nebo kostým mima od L. Engibarova), pak jednoduchý a zároveň pomáhat odhalit obrazový kostým je extrémně vzácné Nedávno jsem měl možnost být svědkem toho, jak nepovedený kostým výrazně oslabil dojem z čísla. Mluvíme o Kapigolině Lazarenko: jasně červené šaty s velkými ruchy omezovaly zpěvačku a zjevně neodpovídaly jemné, lyrické písni „Vrať se“.

Osvětlení, kostým a mizanscéna jsou tři pilíře, na kterých spočívá spektakulární stránka varietního aktu. Každé z těchto témat si zaslouží zvláštní diskusi, což si můj článek přirozeně nárokovat nemůže. Zde se dotknu pouze té stránky specifické popové mizanscény, kterou nelze adekvátně ztvárnit na televizních a filmových plátnech. Jeviště má své zákonitosti prostoru a času: zblízka, úhel kamery, střih v kině (a televizi), které narušují jednotu těchto kategorií, respektive jejich celistvost, vytvářejí nový prostor a nový čas, ne v každém způsob vhodný pro jeviště. Jeviště se zabývá neustálým záběrem, protože vzdálenost od účinkujícího ke každému z diváků se mírně mění, pouze pokud se herec může pohybovat hluboko do jeviště. Totéž je třeba říci o montáži: vyskytuje se na jevišti (pokud se jen vyskytuje) v rámci celku, který je na jevišti neustále přítomen. Tato montáž může být vytvořena buď nasvícením (technika úspěšně používaná při představeních varietního studia Moskevské státní univerzity), nebo vzniká v mysli diváka. Jednoduše řečeno, ve svém vnímání vizuálního obrazu vyčleňuje některé části, přičemž celek nadále ponechává ve svém zorném poli.

Aby to nevypadalo neopodstatněně, uvedu příklad. Hra „Náš domov je váš domov“ varietního studia Moskevské státní univerzity. Tato skupina provádí velmi zajímavé hledání expresivity podívané. Přitom lyrická poezie či alegorie, vycházející z asociativních vazeb, se často ukazuje jako nosný prvek příběhu. Je však důležité poznamenat, že jak poezie, tak alegorie se ve studiových představeních proměňují ve formu figurativního vizuálního vyprávění (například malované geometrické postavy v jednom z čísel pomáhají odhalit satirický význam mnoha důležitých konceptů). Ve scéně vyprávějící o organizaci volného času mládeže („Klub mládeže“) pronášejí čtyři demagogové-křiklouni, sedící jako na tribuně, na čtyřech masivních podstavcích, střídavě útržky frází, které dohromady tvoří úžasnou abrakadabra plané řeči a byrokracie. Pozornost diváka se v mžiku přenese z jednoho křiklouna na druhého: mluvčí svá slova doprovází gestem (někdy ve složitém kontrapunktu se slovem), zatímco ostatní zůstávají nehybní, představuji si tuto scénu natočenou ve filmu. Jeho text a mizanscéna jako by neměnně předjímaly budoucí montáž. Každý řádek je detail. Kulometná dávka detailních záběrů, poznámek, gest. Pak ale následují dvě výrazné ztráty. Za prvé, nedostatek doprovodu ke každému řádku: zamrzlé pózy ostatních postav. A druhým je přeměnit všechny řádky na střídající se fráze, aniž bychom přenesli naši pozornost z jedné postavy na druhou. Kontrapunkt, který se v této scéně stává nejsilnější zbraní autorů, se ve filmu nevyhnutelně vytrácí.

Bylo by chybou tvrdit, že nesoulad, kontrapunkt mezi slovem a obrazem, je vlastnictvím pouze pop-artu. Je známý jak na divadelní scéně, tak na obrazovce. Ale způsoby, jak tohoto efektu dosáhnout, jsou všude různé. A na jevišti jsou velmi důležité. Zde je kontrapunkt odhalen, je zobrazen jako záměrný střet protikladů s cílem vyvolat jiskru smíchu. Uvedu příklad interpretů, kteří se neustále rok co rok zdokonalují v ovládání této rozmanité zbraně. Mám na mysli vokální kvartet „Yur“ (Ju. Osincev, Yu. Makoveenko, Yu. Bronstein, Yu. Diktovich; režisér Boris Sichkin). V písni „Business Travel“ kvarteto zpívá a mezitím se ruce umělců promění v cestovní certifikáty (otevřená dlaň) a razítka institucí (zaťatá pěst), nalepí se známky, rozdají peníze atd. To vše se neděje ve formě iluze -vrstvy textu, ale souběžné s ním, někdy pouze shodné, ale většinou v kontrapunktické řadě. Výsledkem je, že z nečekané srážky slov a gest vzniká nový, nečekaný význam. Například obchodní cestující cestující různými směry nemají na práci nic jiného, než hrát domino ve vlaku. Ruce míchající domino „překrývají“ text, který říká, že peníze lidí jsou bezohledně utráceny na služební cesty. Díky tomu je gesto rukou míchajících imaginární kosti ve vzduchu velmi výmluvné.

Poslední dílo kvarteta „Televize“ je nepochybně jeho největším tvůrčím úspěchem v použití prostředků vizuální exprese na jevišti. Členové kvarteta zde vystupují jak jako parodisté, tak jako čtenáři, mimové i jako činoherní herci. Navíc prokazují mimořádnou choreografickou zručnost: jedním slovem jsme svědky syntetického žánru, v němž se slovo, hudba úzce prolínají s pantomimou, tancem atd. Navíc svoboda kombinování a okamžité přechody z jednoho média na sympatie k druhému je tak skvělý, jak jen v pop-artu může být. V průběhu čísla projdou parodií téměř všechny žánry, které na světě existují.
televize. Jejich změna, stejně jako změna prostředků, které umělci používají, vytváří velmi malebnou podívanou. Pestrost bezesporu patří k velkolepým formám umění. Ale scénických umění je mnoho: divadlo, kino, cirkus a nově i televize, která odhaluje značný estetický potenciál. Jaké jsou vztahy v této skupině umění? Zdá se, že pop divadlo stále zůstává v rámci divadelního umění, i když má mnoho podobností s některými jinými formami. Divadlo (chápáno v širokém slova smyslu) přirozeně neustále mění své hranice, které jsou pro jeviště v některých ohledech příliš těsné. Některé kvality pop-artu však i přes významnou evoluci zůstávají nezměněny. Mezi ně patří především princip vizuální organizace formy varieté. A pokud mluvíme o formě, pak hlavní věcí v moderní pop music (včetně některých hudebních žánrů) zůstává image.

V tomto článku nebylo možné zohlednit všechny aspekty tématu. Můj úkol byl skromnější: upozornit na některé teoretické problémy pop artu, které do značné míry určují jeho postavení mezi ostatními uměními a vysvětlují podstatu tvůrčích rešerší našich popových mistrů. Teoretická pravidla, jak víme, zůstávají pravidly závaznými pro všechny jen do dne, kdy přijde bystrý inovativní umělec a prolomí hranice, které se ještě včera zdály nepřekonatelné. Dnes jsme svědky syntetických žánrů pop-artu: kánony minulosti nemohou odolat tlaku nových objevů. Je důležité poznamenat, že probíhající změny mají na svém praporu neustále se měnící, ale zásadně neotřesitelný princip jeviště jako podívané.

A. VARTANOV, kandidát dějin umění

Sovětský cirkusový časopis. března 1964