Italská renesance. Velcí renesanční umělci Slavní renesanční umělci

Jména renesančních umělců byla dlouho obklopena všeobecným uznáním. Mnoho soudů a hodnocení o nich se stalo axiomy. A přesto je kritické zacházet s nimi nejenom právem, ale také povinností dějin umění. Jen tak si jejich umění zachová svůj pravý význam pro potomstvo.

Z renesančních mistrů poloviny a druhé poloviny 15. století je třeba se pozastavit u čtyř: Piero della Francesca, Mantegna, Botticelli, Leonardo da Vinci. Byli současníky rozšířeného zřízení panství a zabývali se knížecími dvory, ale to neznamená, že jejich umění bylo zcela knížecí. Brali vrchnosti, co jim mohli dát, platili svým talentem a horlivostí, ale zůstávali pokračovateli „otců renesance“, pamatovali si jejich příkazy, zvyšovali své úspěchy, snažili se je překonat a někdy je dokonce překonali. Během let postupné reakce v Itálii vytvořili nádherné umění.

Piero della Francesca

Piero della Francesca byl donedávna nejméně známý a uznávaný. Vliv florentských mistrů z počátku 15. století na Piera della Francesca, stejně jako jeho vzájemný vliv na jeho současníky a pokračovatele, zejména na benátskou školu, byl právem zaznamenán. Výjimečné, výjimečné postavení Piera della Francesca v italském malířství však ještě není dostatečně realizováno. Pravděpodobně se časem jeho uznání bude jen zvyšovat.

Piero della Francesca (asi 1420-1492) italský umělec a teoretik, představitel rané renesance

Piero della Francesca vlastnil všechny výdobytky „nového umění“, které vytvořili Florenťané, ale nezůstal ve Florencii, ale vrátil se do své vlasti, do provincie. To ho zachránilo před patricijskými choutky. Získal slávu svým talentem a dokonce mu papežská kurie dávala úkoly. Dvorním umělcem se ale nestal. Vždy zůstal věrný sám sobě, svému povolání, své okouzlující múze. Ze všech svých současníků je jediným umělcem, který neznal nesoulad, dualitu nebo nebezpečí sklouznutí na špatnou cestu. Nikdy se nesnažil konkurovat sochařství ani se neuchyloval k sochařským či grafickým výrazovým prostředkům. Všechno je řečeno v jeho malířském jazyce.

Jeho největším a nejkrásnějším dílem je cyklus fresek na téma „Dějiny kříže“ v Arezzu (1452-1466). Práce byly provedeny podle vůle místního obchodníka Bacciho. Možná se na vývoji programu podílel duchovní, vykonavatel vůle zesnulého. Piero della Francesca spoléhal na tzv. „Zlatou legendu“ J. da Voragine. Předchůdce měl i mezi umělci. Hlavní myšlenka ale očividně patřila jemu. Zřetelně v něm prosvítá umělcova moudrost, vyzrálost a poetická citlivost.

Sotva jediný obrazový cyklus v Itálii té doby, „Dějiny kříže“, má dvojí význam. Jednak je zde představeno vše, co se vypráví v pověsti o tom, jak strom, ze kterého byl zhotoven kříž Kalvárie, vyrostl a jak se později projevila jeho zázračná moc. Ale protože jednotlivé obrazy nejsou v chronologickém pořadí, zdá se, že tento doslovný význam ustupuje do pozadí. Umělec rozmístil obrazy tak, aby poskytovaly představu o různých formách lidského života: o patriarchálním - ve scéně smrti Adama a při přenesení kříže Herakliem, o světském, soudním , městské - ve scénách královny ze Sáby a ve Nalezení kříže a nakonec o vojenské, bitvě - ve "Vítězství Konstantina" a ve "Vítězství Herakleia". Piero della Francesca v podstatě pokrýval téměř všechny aspekty života. Jeho cyklus zahrnoval: historii, legendy, život, dílo, obrazy přírody a portréty současníků. Ve městě Arezzo, v kostele San Francesco, politicky podřízeném Florencii, se nacházel nejpozoruhodnější freskový cyklus italské renesance.

Umění Piera della Francesca je více skutečné než ideální. Vládne v něm racionální princip, nikoli však racionalita, která dokáže přehlušit hlas srdce. A v tomto ohledu Piero della Francesca zosobňuje nejjasnější a nejplodnější síly renesance.

Andrea Mantegna

Mantegnaovo jméno je spojeno s myšlenkou humanistického umělce, zamilovaného do římských starožitností, vyzbrojeného rozsáhlými znalostmi starověké archeologie. Celý život sloužil vévodům z Mantovy d'Este, byl jejich dvorním malířem, plnil jejich pokyny, věrně jim sloužil (i když ne vždy mu dali to, co si zasloužil, ale v hloubi duše a umění jím byl). nezávislý, oddaný svému vysokému ideálu starověké udatnosti, fanaticky věrný své touze dát svým dílům klenotnickou preciznost To vyžadovalo enormní úsilí duchovní síly liší se od umění Piera della Francesca a blíží se Donatellovi.

Andrea Mantegna. Autoportrét v kapli Ovetari

Rané fresky od Mantegny v kostele Eremitani v Padově o životě sv. Jakub a jeho mučednická smrt jsou nádhernými příklady italské nástěnné malby. Mantegna vůbec neuvažoval o vytvoření něčeho podobného římskému umění (obraz, který se stal známým na Západě po vykopávkách Herculanea). Jeho starobylost není zlatým věkem lidstva, ale železným věkem císařů.

Oslavuje římskou udatnost, téměř lépe než Římané sami. Jeho hrdinové jsou obrnění a sochaři. Jeho skalnaté hory jsou precizně vytesány sochařským dlátem. Dokonce i mraky plující po obloze se zdají být odlité z kovu. Mezi těmito zkamenělinami a odlitky jednají bojem zocelení hrdinové, odvážní, přísní, vytrvalí, oddaní smyslu pro povinnost, spravedlnost a připraveni k sebeobětování. Lidé se volně pohybují v prostoru, ale seřazení v řadě tvoří zdání kamenných reliéfů. Tento svět Mantegny oko neokouzlí, mrazí u srdce. Nelze si však nepřipustit, že to bylo vytvořeno umělcovým duchovním popudem. Rozhodující význam zde proto hrála umělcova humanistická erudice, nikoli rady jeho učených přátel, ale jeho mocná fantazie, vášeň svázaná vůlí a sebevědomá dovednost.

Před námi je jeden z významných fenoménů v dějinách umění: velcí mistři se silou své intuice postaví do řady se svými vzdálenými předky a dokážou to, co se pozdějším umělcům, kteří studovali minulost, ale nemohli se jim rovnat, nepodařilo.

Sandro Botticelli

Botticelliho objevili angličtí prerafaelité. Ani na začátku 20. století mu však přes všechen obdiv k jeho talentu „neodpustili“ odchylky od obecně uznávaných pravidel – perspektivy, světla a stínu, anatomie. Následně bylo rozhodnuto, že se Botticelli obrátil zpět ke gotice. Vulgární sociologie pro to shrnula své vysvětlení: „feudální reakce“ ve Florencii. Ikonologické výklady prokázaly Botticelliho spojení s okruhem florentských novoplatoniků, zvláště patrné na jeho slavných obrazech „Jaro“ a „Zrození Venuše“.

Autoportrét Sandro Botticelli, fragment oltářní kompozice „Klanění tří králů“ (kolem 1475)

Jeden z nejuznávanějších interpretů "Jaro" Botticelli připustil, že tento obraz zůstává šarádou, labyrintem. V každém případě lze považovat za prokázané, že autor při jeho tvorbě znal báseň „Turnaj“ od Poliziana, v níž je oslavována Simonetta Vespucci, milenka Giuliana de' Medici, a zejména antické básníky, úvodní řádky o království Venuše v Lucretiově básni „O povaze věcí“ . Zřejmě znal i díla M. Vicina, která byla v těch letech ve Florencii populární. Motivy vypůjčené ze všech těchto děl jsou jasně rozeznatelné na obraze, který v roce 1477 získal L. de' Medici, bratranec Lorenza Nádherného. Otázkou však zůstává: jak se tyto plody erudice dostaly do obrazu? Neexistují o tom žádné spolehlivé informace.

Při čtení moderních odborných komentářů k tomuto obrazu je těžké uvěřit, že se sám umělec mohl tak hluboko ponořit do mytologické zápletky, aby přišel na nejrůznější jemnosti ve výkladu postav, které ani dnes nelze na první pohled pochopit. , ale za starých časů byly zjevně chápány pouze v Medicejském hrnku. Je pravděpodobnější, že je umělci navrhl nějaký erudovaný a podařilo se mu dosáhnout toho, že umělec začal meziřádkově převádět verbální sekvenci do vizuální. Nejkrásnější na Botticelliho malbě jsou jednotlivé postavy a skupiny, zejména skupina Tří Grácií. Navzdory tomu, že byl nekonečně mnohokrát reprodukován, dodnes neztratil své kouzlo. Pokaždé, když ji uvidíte, zažijete nový záchvat obdivu. Botticellimu se skutečně podařilo propůjčit svým výtvorům věčné mládí. Jeden z odborných komentátorů malby naznačil, že tanec milostí vyjadřuje myšlenku harmonie a nesouladu, o které často mluvili florentští novoplatonisté.

Botticelli vlastní nepřekonatelné ilustrace k Božské komedii. Každý, kdo viděl jeho listy, si je vždy při čtení Danta zapamatuje. Jako nikdo jiný byl prodchnut duchem Dantovy básně. Některé kresby k Dantovi mají povahu přesného grafického indexu k básni. Nejkrásnější jsou ale ty, kde si umělec představuje a skládá v duchu Danteho. Ty jsou mezi ilustracemi nebes nejběžnější. Zdálo by se, že pro renesanční umělce, kteří tak milovali voňavou zemi a vše lidské, bylo malování ráje to nejtěžší. Botticelli se nezříká renesanční perspektivy, prostorových dojmů v závislosti na úhlu pohledu diváka. Ale v ráji se povznáší do bodu, kdy zprostředkovává neperspektivní podstatu objektů samotných. Jeho postavy jsou bez tíže, stíny mizí. Světlo jimi proniká, prostor existuje mimo pozemské souřadnice. Tělesa zapadají do kruhu jako symbol nebeské sféry.

Leonardo da Vinci

Leonardo je jedním z obecně uznávaných géniů renesance. Mnozí ho považují za prvního umělce té doby, každopádně jeho jméno se vybaví především u pozoruhodných lidí renesance. A proto je tak těžké odchýlit se od běžných názorů a zvážit jeho umělecké dědictví s nezaujatou myslí.

Autoportrét, kde se Leonardo vylíčil jako starý mudrc. Kresba je uložena v Královské knihovně v Turíně. 1512

I jeho současníci obdivovali univerzálnost jeho osobnosti. Vasari však již vyjádřil lítost nad tím, že Leonardo věnoval více pozornosti svým vědeckým a technickým vynálezům než umělecké kreativitě. Leonardova sláva dosáhla vrcholu v 19. století. Jeho osobnost se stala jakýmsi mýtem, byl považován za ztělesnění „faustovského principu“ celé evropské kultury.

Leonardo byl skvělý vědec, bystrý myslitel, spisovatel, autor Pojednání a vynalézavý inženýr. Jeho komplexnost ho povýšila nad úroveň většiny tehdejších umělců a zároveň mu dala nelehký úkol – skloubit vědecký analytický přístup s umělcovou schopností vidět svět a přímo se odevzdat cítění. Tento úkol následně zaměstnával mnoho umělců a spisovatelů. Pro Leonarda to nabralo charakter neřešitelného problému.

Zapomeňme na chvíli na vše, co nám našeptává podivuhodný mýtus o umělci-vědci, a posuzujme jeho malbu tak, jak posuzujeme malbu jiných mistrů jeho doby. Čím se jeho práce odlišuje od jejich? Především ostražitost vize a vysoké umění provedení. Nesou otisk vynikajícího řemeslného zpracování a nejlepší chuti. V obraze svého učitele Verrocchia „Křest“ namaloval mladý Leonardo jednoho anděla tak vznešeně a vznešeně, že vedle něj působí krásný anděl Verrocchio rustikálně a jednoduše. V průběhu let se „estetická aristokracie“ v Leonardově umění ještě více zintenzivnila. To neznamená, že na dvorech panovníků se jeho umění stalo dvorním a dvorským. Každopádně jeho Madony nelze nikdy nazvat selankami.

Patřil ke stejné generaci jako Botticelli, ale mluvil o něm nesouhlasně, dokonce posměšně, protože ho považoval za zaostalého. Sám Leonardo se snažil pokračovat v hledání svých předchůdců v umění. Neomezuje se prostorem a objemem, klade si za úkol ovládnout světlovzdušné prostředí, které obklopuje předměty. To znamenalo další krok v uměleckém chápání skutečného světa a do jisté míry otevřelo cestu kolorismu Benátčanů.

Bylo by nesprávné tvrdit, že jeho vášeň pro vědu zasahovala do Leonardovy umělecké kreativity. Genialita tohoto muže byla tak obrovská, jeho dovednost tak vysoká, že ani pokus „postavit se až po hrdlo jeho písně“ nemohl zabít jeho kreativitu. Jeho umělecký dar neustále prorážel všechna omezení. Na jeho výtvorech zaujme nezaměnitelná věrnost oka, jasnost vědomí, poslušnost štětce a virtuózní technika. Uchvacují nás svým kouzlem, jako posedlost. Kdo viděl La Giocondu, pamatuje si, jak těžké je se od ní odtrhnout. V jednom ze sálů Louvru, kde se ocitla vedle nejlepších mistrovských děl italské školy, triumfuje a hrdě kraluje všemu, co se kolem ní povaluje.

Leonardovy obrazy netvoří řetěz, jako mnoho jiných renesančních umělců. V jeho raných dílech, jako je Benoitova Madona, je více vřelosti a spontánnosti, ale i v nich je experiment cítit. "Adorace" v Uffizi - a to je vynikající podmalba, temperamentní, živý obraz lidí uctivě obrácených k elegantní ženě s dítětem na klíně. V "Madoně ze skal" je anděl, kudrnatý mladík vypadající z obrazu, okouzlující, ale podivná myšlenka přenést idylku do temnoty jeskyně je odpudivá. Slavná „Poslední večeře“ se vždy těšila výstižným charakterem postav: jemný John, přísný Petr a darebný Jidáš. To, že jsou tak živé a vzrušené postavy seřazené po třech za sebou, na jedné straně stolu, však působí jako neoprávněná konvence, násilí proti živé přírodě. Přesto je to velký Leonardo da Vinci, a protože obraz namaloval tímto způsobem, znamená to, že to tak zamýšlel a tato záhada zůstane po staletí.

Pozorování a bdělost, ke kterým Leonardo ve svém Pojednání nazval umělce, neomezují jeho tvůrčí schopnosti. Záměrně se snažil podnítit svou představivost pohledem na věkem popraskané stěny, na kterých si divák dokáže představit jakýkoli předmět. Ve slavné windsorské kresbě sangvinika „Bouřka“ od Leonarda bylo přeneseno to, co bylo odhaleno jeho pohledu z nějakého vrcholku hory. Série windsorských kreseb na téma Potopa je důkazem skutečně brilantního vhledu umělce-myslitele. Umělec vytváří znamení, která nemají odpověď, ale vyvolávají pocit úžasu smíšeného s hrůzou. Kresby vytvořil velký mistr v jakémsi prorockém deliriu. Všechno je v nich řečeno temným jazykem Janových vizí.

Leonardův vnitřní rozpor v době jeho úpadku se projevuje ve dvou jeho dílech: Louvre „Jan Křtitel“ a turínský autoportrét. Na pozdně turínském autoportrétu se umělec, který se dožil vysokého věku, dívá na sebe do zrcadla s otevřeným pohledem zpoza zamračeného obočí - vidí v jeho tváři rysy zchátralosti, ale také moudrost, znamení „podzimu života“.

S klasickou úplností byla renesance realizována v Itálii, v jejíž renesanční kultuře existují období: protorenesance nebo doby předrenesančních jevů („doba Danta a Giotta“, kolem 1260-1320), částečně se shodující s obdobím Ducento (13. století), dále Trecento (14. století), Quattrocento (15. století) a Cinquecento (16. století). Obecnějšími obdobími jsou raná renesance (14-15 století), kdy nové trendy aktivně interagují s gotikou, překonávají ji a tvořivě přetvářejí.

Stejně jako vrcholná a pozdní renesance, jejíž zvláštní fází byl manýrismus. Během éry Quattrocenta se středem zájmu stala florentská škola, architekti (Filippo Brunelleschi, Leona Battista Alberti, Bernardo Rossellino a další), sochaři (Lorenzo Ghiberti, Donatello, Jacopo della Quercia, Antonio Rossellino, Desiderio da Settignano), malíři (Masaccio). inovací ve všech druzích umění Filippo Lippi, Andrea del Castagno, Paolo Uccello, Fra Angelico, Sandro Botticelli), kteří vytvořili plasticky celistvý koncept světa s vnitřní jednotou, který se postupně rozšířil po celé Itálii (dílo Piera della Francesca v r. Urbino, Vittore Carpaccio, Francesco Cossa ve Ferraře, Andrea Mantegna v Mantově, Antonello da Messina a bratři Gentile a Giovanni Bellini v Benátkách).

Je přirozené, že doba, která přikládala ústřední význam „božské“ lidské tvořivosti, vynesla v umění osobnosti, které se při vší hojnosti tehdejších talentů staly zosobněním celých epoch národní kultury (osobní „titáni“, jak se jim později romanticky říkalo). Giotto se stal ztělesněním protorenesance, opačné aspekty Quattrocenta – konstruktivní přísnost a oduševnělý lyrismus – vyjádřili Masaccio, Angelico a Botticelli. „Titáni“ střední (nebo „vysoké“) renesance Leonardo da Vinci, Raphael a Michelangelo jsou umělci, kteří jsou symboly velkého obratu New Age jako takového. Nejdůležitější etapy italské renesanční architektury - raná, střední a pozdní - jsou monumentálně ztělesněny v dílech F. Brunelleschiho, D. Bramanteho a A. Palladia.

V období renesance byla středověká anonymita nahrazena individuální, autorskou kreativitou. Velký praktický význam má teorie lineární a letecké perspektivy, proporcí, problémy anatomie a modelování světla a stínu. Středem renesančních inovací, uměleckým „zrcadlem doby“ byla iluzorní živá malba v náboženském umění nahrazuje ikonu a ve světském umění dává vzniknout samostatným žánrům krajiny, každodenní malby a portrétu (tzv. posledně jmenovaný hrál primární roli ve vizuálním potvrzení ideálů humanistického virtu). Umění rytí do dřeva a kovu, které se skutečně rozšířilo během reformace, získává svou konečnou vnitřní hodnotu. Kreslení z pracovní skici se promění v samostatný typ kreativity; individuální styl tahu, tahu, ale i textury a efekt neúplnosti (non-finito) začínají být ceněny jako samostatné umělecké efekty. Monumentální malba se také stává malebnou, iluzivní a trojrozměrnou, získává větší vizuální nezávislost na hmotě stěny. Všechny druhy výtvarného umění nyní tak či onak porušují monolitickou středověkou syntézu (kde dominovala architektura) a získávají komparativní nezávislost. Formují se typy absolutně kulatých soch, jezdeckých pomníků, portrétních bust (v mnoha ohledech oživujících dávnou tradici) a vzniká zcela nový typ slavnostního sochařského a architektonického náhrobku.

V období vrcholné renesance, kdy boj za humanistické renesanční ideály nabyl intenzivního a heroického charakteru, se architektura a výtvarné umění vyznačovaly šíří sociálního zvuku, syntetickou obecností a silou obrazů plných duchovní i fyzické aktivity. V budovách Donata Bramanteho, Raphaela, Antonia da Sangalla dosáhla vrcholu dokonalá harmonie, monumentalita a jasná proporcionalita; humanistická plnost, odvážný let umělecké imaginace, šíře reality jsou charakteristické pro tvorbu největších mistrů výtvarného umění této doby - Leonarda da Vinciho, Raphaela, Michelangela, Giorgiona, Tiziana. Od druhé čtvrtiny 16. století, kdy Itálie vstoupila do doby politické krize a zklamání z myšlenek humanismu, získávala tvorba mnoha mistrů komplexní a dramatický charakter. V architektuře pozdní renesance (Giacomo da Vignola, Michelangelo, Giulio Romano, Baldassare Peruzzi) vzrostl zájem o prostorový vývoj kompozice a podřízení stavby širokému urbanistickému plánu; v bohatě a komplexně vyvinutých veřejných budovách, chrámech, vilách a palácích ustoupila jasná tektonika rané renesance intenzivnímu konfliktu tektonických sil (stavby Jacopo Sansovino, Galeazzo Alessi, Michele Sanmicheli, Andrea Palladio). Malířství a sochařství pozdní renesance bylo obohaceno o pochopení rozporuplné podstaty světa, zájem o zobrazování dramatické masové akce, o prostorovou dynamiku (Paolo Veronese, Jacopo Tintoretto, Jacopo Bassano); Psychologické charakteristiky obrazů v pozdějších dílech Michelangela a Tiziana dosáhly nebývalé hloubky, složitosti a vnitřní tragiky.

Benátská škola

Benátská škola, jedna z hlavních malířských škol v Itálii, s centrem ve městě Benátky (částečně také v malých městech Terraferma - oblasti pevniny sousedící s Benátkami). Benátskou školu charakterizuje převaha obrazového principu, zvláštní pozornost k problémům barev a touha ztělesnit smyslnou plnost a barevnost života. Benátky, úzce spjaté se zeměmi západní Evropy a Východu, čerpaly z cizí kultury vše, co mohlo sloužit k její výzdobě: eleganci a zlatý lesk byzantských mozaik, kamenné okolí maurských staveb, fantastickou povahu gotických chrámů. Zároveň si v umění vyvinula svůj originální styl tíhnoucí k obřadní barevnosti. Benátská škola se vyznačuje sekulárním, život potvrzujícím principem, poetickým vnímáním světa, člověka a přírody a jemným kolorismem.

Největšího rozkvětu dosáhla benátská škola v éře rané a vrcholné renesance v díle Antonella da Messiny, který svým současníkům otevřel výrazové možnosti olejomalby, tvůrcům ideálně harmonických obrazů Giovanniho Belliniho a Giorgiona, největší kolorista Tizian, který do svých pláten vtělil veselost a barevnost vlastní benátské malířské plejádě. V dílech mistrů benátské školy druhé poloviny 16. století koexistuje virtuozita v podání pestrobarevného světa, láska ke slavnostním podívaným a rozmanitý dav se zjevným i skrytým dramatem, znepokojivým smyslem pro dynamiku a nekonečnost vesmír (obrazy Paola Veroneseho a Jacopa Tintoretta). Tradiční zájem o problematiku barev pro benátskou školu v dílech Domenica Fettiho, Bernarda Strozziho a dalších umělců v 17. století koexistoval s technikami barokní malby a realistickými směry v duchu caravaggismu. Pro benátskou malbu 18. století je charakteristický rozkvět monumentální a dekorativní malby (Giovanni Battista Tiepolo), každodenního žánru (Giovanni Battista Piazzetta, Pietro Longhi), dokumentárně přesné architektonické krajiny - vedata (Giovan Antonio Canaletto, Bernardo Belotto) a lyrický, jemně zprostředkovávající poetickou atmosféru každodenního života benátské městské krajiny (Francesco Guardi).

Florentská škola

Florentine School, jedna z předních italských uměleckých škol renesance, s centrem ve Florencii. Formování florentské školy, která se definitivně zformovala v 15. století, usnadnil rozkvět humanistického myšlení (Francesco Petrarca, Giovanni Boccaccio, Lico della Mirandola aj.), které se obracelo k dědictví antiky. Zakladatelem florentské školy v období protorenesance byl Giotto, který svým skladbám dodal plastickou přesvědčivost a živou autentičnost.
V 15. století byli zakladateli renesančního umění ve Florencii architekt Filippo Brunelleschi, sochař Donatello, malíř Masaccio, dále architekt Leon Battista Alberti, sochaři Lorenzo Ghiberti, Luca della Robbia, Desiderio da Settignano, Benedetto da Maiano a další mistři. V architektuře florentské školy v 15. století vznikl nový typ renesančního paláce a začalo se hledat ideální typ chrámové stavby, která by splňovala humanistické ideály tehdejší doby.

Výtvarné umění florentské školy 15. století se vyznačuje fascinací problémy perspektivy, touhou po plasticky čisté konstrukci lidské postavy (díla Andrea del Verrocchio, Paolo Uccello, Andrea del Castagno) a pro mnohé jeho mistrů - zvláštní spiritualita a intimní lyrická kontemplace (malba Benozzo Gozzoli, Sandro Botticelli, Fra Angelico, Filippo Lippi,). V 17. století florentská škola upadala.

Referenční a biografická data „Small Bay Planet Art Gallery“ byla připravena na základě materiálů z „History of Foreign Art“ (editovali M.T. Kuzmina, N.L. Maltseva), „Art Encyclopedia of Foreign Classical Art“, „Great Russian Encyklopedie".

Za počátek renesančního malířství je považována éra Ducenta, tzn. konce 13. století. Protorenesance je stále úzce spjata se středověkou románštinou. Gotické a byzantské tradice. Umělci konce XIII - začátku XIV století. jsou stále daleko od vědeckého studia okolní reality. Své představy o něm vyjadřují i ​​pomocí konvenčních obrazů byzantského obrazového systému – skalnaté kopce, symbolické stromy, konvenční věžičky. Ale někdy je vzhled architektonických struktur tak přesně reprodukován, že to naznačuje existenci náčrtů ze života. Tradiční náboženské postavy se začínají zobrazovat ve světě obdařeném vlastnostmi reality – objemem, prostorovou hloubkou, hmotnou substancí. Začíná hledání způsobů přenosu v rovině objemu a trojrozměrného prostoru. Mistři této doby oživili princip světelného a stínového modelování forem, známý již z antiky. Díky ní získávají postavy a budovy hustotu a objem.

Zřejmě první, kdo použil antickou perspektivu, byl Florenťan Cenni di Pepo (údaje z let 1272 až 1302), přezdívaný Cimabue. Jeho nejvýznamnější dílo - série obrazů na témata z Apokalypsy, života Marie a apoštola Petra v kostele San Francesco v Assisi se k nám bohužel dostalo v téměř zničeném stavu. Lépe jsou zachovány jeho oltářní kompozice, které se nacházejí ve Florencii a v muzeu Louvre. Vracejí se také k byzantským prototypům, ale jasně ukazují rysy nového přístupu k náboženské malbě. Cimabue se vrací od italského malířství 13. století, které přejímalo byzantské tradice, k jejich bezprostřednímu původu. Cítil v nich to, co zůstalo jeho současníkům nedostupné – harmonický princip a vznešenou helénskou krásu obrazů.

Velcí umělci se objevují jako odvážní inovátoři, kteří odmítají tradiční systém. Takový reformátor v italském malířství 14. století by měl být uznán Giotto di Bondone(1266-1337). Je tvůrcem nového obrazového systému, velkým transformantem veškerého evropského malířství, skutečným zakladatelem nového umění. Je to génius, který se vysoko povyšuje nad své současníky a mnoho svých následovníků.

Rodem Florenťan působil v mnoha městech v Itálii: od Padovy a Milána na severu po Neapol na jihu. Nejznámějším Giottovým dílem, které se k nám dostalo, je cyklus obrazů v kapli Arena v Padově, věnovaný evangelijním příběhům o životě Krista. Tento jedinečný obrazový soubor je jedním z mezníků v dějinách evropského umění. Místo oddělených jednotlivých scén a postav charakteristických pro středověkou malbu vytvořil Giotto jediný epický cyklus 38 scén ze života Krista a Marie („Setkání Marie a Alžběty“, „Polibek Jidášův“, „Nářek“ aj.) prostřednictvím jazyka malby jsou spojeny do jediného vyprávění . Místo obvyklého zlatého byzantského pozadí Giotto představuje krajinné pozadí. Postavy se již nevznášejí v prostoru, ale nacházejí pevnou půdu pod nohama. A přestože jsou stále neaktivní, projevují touhu zprostředkovat anatomii lidského těla a přirozenost pohybu.

Reforma, kterou provedl Giotto v malířství, udělala hluboký dojem na všechny jeho současníky. Jednomyslné recenze na něj jako na velkého malíře, množství zákazníků a mecenášů, čestné zakázky v mnoha městech Itálie – to vše naznačuje, že jeho současníci dokonale pochopili význam jeho umění. Ale nastupující generace Giotta napodobovaly jako nesmělé studenty a vypůjčovaly si od něj detaily.

Giottův vliv nabyl své síly a plodnosti až o století později. Umělci z Quattrocenta splnili úkoly stanovené Giottem.

Sláva zakladatele malířství Quattrocento patří florentskému umělci Masaccio, který zemřel velmi mladý (1401-1428). Jako první řešil hlavní problémy renesanční malby – lineární a leteckou perspektivu. Na jeho freskách v kapli Brancacci ve florentském kostele Santa Maria del Carmine jsou postavy namalované podle zákonů anatomie spojeny mezi sebou a s krajinou.

Kostel Santa Maria del Carmine se stal jakousi akademií, kde studovaly generace umělců ovlivněných Masacciem: Paolo Uccello, Andrei Castagno, Domenico Veniziano a mnoho dalších až po Michelangela.

Florentská škola zůstala dlouhou dobu vedoucí v italském umění. Existovalo v něm i konzervativnější hnutí. Někteří umělci tohoto hnutí byli mniši, a proto se jim v dějinách umění říkalo klášterní. Jedním z nejznámějších z nich byl fra (tj. bratr - adresa mnichů k sobě navzájem) Giovanni Beato Angelico da Fiesole(1387-1455). Jeho obrazy biblických postav jsou psány v duchu středověkých tradic, jsou plné lyriky, klidné důstojnosti a kontemplace. Jeho krajinná pozadí jsou prodchnuta smyslem pro radost ze života, charakteristickým pro renesanci.

Jeden z nejvýznamnějších umělců Quattrocenta - Sandro Botticelli(1445-1510) - představitel estetických ideálů dvora slavného tyrana, politika, filantropa, básníka a filozofa Lorenza Mediciho, přezdívaného Velkolepý. Dvůr tohoto nekorunovaného panovníka byl centrem umělecké kultury, sdružoval slavné filozofy, vědce a umělce.

Raná renesance trvala asi století. Končí vrcholnou renesancí, která trvá jen asi 30 let. Hlavním centrem uměleckého života se v této době stal Řím.

Na přelomu XV-XVI století. odkazuje na počátek dlouhodobé zahraniční intervence v Itálii, fragmentaci a zotročení země, ztrátu nezávislosti svobodných měst a posílení feudálně-katolické reakce. Ale mezi italským lidem rostlo vlastenecké cítění, podporovalo politickou aktivitu a růst národního vědomí a touhu po národním sjednocení. Tento vzestup lidového povědomí vytvořil široký lidový základ pro kulturu vrcholné renesance.

Konec Cinquecenta je spojen s rokem 1530, kdy italské státy ztratily svobodu a staly se kořistí mocných evropských monarchií. Společensko-politická a ekonomická krize Itálie, která není založena na průmyslové revoluci, ale na mezinárodním obchodu, byla připravována již dlouho. Objevení Ameriky a nové obchodní cesty připravily italská města o výhody v mezinárodním obchodu. Ale jak známo, v dějinách kultury se období rozkvětu umění neshodují s obecným socioekonomickým rozvojem společnosti. A v období hospodářského úpadku a politického zotročení, v těžkých dobách pro Itálii, začalo krátké století italské renesance – vrcholná renesance. Právě v této době se humanistická kultura Itálie stala celosvětovým majetkem a přestala být místním fenoménem. Italští umělci se začali těšit celoevropské popularitě, kterou si skutečně zasloužili.

Jestliže umění Quattrocenta je analýza, hledání, objevy, svěžest mladistvého pohledu na svět, pak umění vrcholné renesance je výsledkem, syntézou, moudrou zralostí. Hledání uměleckého ideálu v období Quattrocenta vedlo umění ke zobecnění, k objevování obecných vzorů. Hlavní rozdíl mezi uměním vrcholné renesance je v tom, že opouští jednotlivosti, detaily, detaily ve jménu zobecněného obrazu. Všechny zkušenosti, všechna hledání předchůdců jsou stlačeny velkými mistry Cinquecenta do grandiózního zobecnění.

Realistická metoda vrcholně renesančních umělců je jedinečná. Jsou přesvědčeni, že to významné může existovat pouze v krásné skořápce. Snaží se proto vidět jen výjimečné jevy, které se povznášejí nad každodenní život. Italští umělci vytvořili obrazy hrdinských osobností, krásných a odhodlaných lidí.

Byla to éra renesančních titánů, která dala světové kultuře dílo Leonarda, Raphaela a Michelangela. V dějinách světové kultury tito tři géniové, přes veškerou svou odlišnost a tvůrčí individualitu, ztělesňují hlavní hodnotu italské renesance - harmonii krásy, síly a inteligence. Osudy těchto umělců (jejichž mocná lidská a umělecká individualita je nutila jednat jako rivalové a chovat se k sobě nepřátelsky) měly mnoho společného. Všichni tři vznikli ve florentské škole a poté působili na dvorech mecenášů umění, hlavně papežů. Jejich život je dokladem proměny postoje společnosti k tvůrčí osobnosti umělce, která je charakteristická pro renesanci. Mistři umění se stali nápadnými a cennými postavami společnosti, právem byli považováni za nejvzdělanější lidi své doby.

Tato charakteristika, možná více než jiným postavám renesance, vyhovuje Leonardo da Vinci(1452-1519). Spojil uměleckého a vědeckého génia. Leonardo byl vědec, který studoval přírodu ne kvůli umění, ale kvůli vědě. Proto se k nám dostalo tak málo dokončených Leonardových děl. Začal malovat a opustil je, jakmile se mu problém zdál jasně formulovaný. Mnohé z jeho pozorování předjímají vývoj evropské vědy a malířství o celá staletí. Moderní vědecké objevy podněcují zájem o jeho sci-fi inženýrské kresby. Leonardovy teoretické úvahy o barvách, které nastínil ve svém Pojednání o malířství, předjímají hlavní premisy impresionismu 19. století. Leonardo psal o čistotě zvuku barev pouze na světlé straně předmětu, o vzájemném ovlivňování barev, o nutnosti malování v plenéru. Tyto Leonardovy postřehy nejsou v jeho malbě vůbec použity. Byl spíše teoretikem než praktikem. Teprve ve 20. století začalo aktivní shromažďování a zpracovávání jeho obrovského rukopisného dědictví (asi 7000 stran). Jeho studium nepochybně povede k novým objevům a vysvětlením záhad legendární kreativity tohoto renesančního titána.

Novou etapou umění byla malba stěny refektáře kláštera Santa Maria delle Grazie na téma Poslední večeře, kterou namalovalo mnoho umělců z Quattrocenta. „Poslední večeře“ je základním kamenem klasického umění, které realizovalo program vrcholné renesance. Ovlivňuje s absolutní promyšleností, soudržností částí a celku a silou svého duchovního soustředění.

Leonardo na tomto díle pracoval 16 let.

Jedním z nejznámějších obrazů na světě byla Leonardova La Gioconda. Tento portrét manželky obchodníka Del Gioconda přitahoval pozornost po staletí; byly o něm napsány stovky stránek komentářů; Nepolapitelný výraz na Giocondově tváři se vymyká přesnému popisu a reprodukci. Sebemenší změna odstínů (která může jednoduše záviset na osvětlení portrétu) v koutcích rtů, v přechodech od brady k tváři, změní charakter obličeje. V různých reprodukcích vypadá Gioconda poněkud jinak, někdy trochu jemněji, někdy ironičtěji, někdy promyšleněji. V samotném vzhledu Mony Lisy, v jejím pronikavém pohledu, jakoby neodmyslitelně sledujícím diváka, v jejím poloúsměvu je nepolapitelnost. Tento portrét se stal mistrovským dílem renesančního umění. Poprvé v dějinách světového umění stál žánr portrétu na stejné úrovni jako kompozice na náboženské téma.

Myšlenky monumentálního umění renesance našly živé vyjádření v kreativitě Rafael Santi(1483-1520). Leonardo vytvořil klasický styl, Raphael ho schválil a popularizoval. Rafaelovo umění je často definováno jako „zlatá střední cesta“. Jeho kompozice předčí svou absolutní harmonií proporcí vše, co v evropském malířství vzniklo. Po pět století bylo Rafaelovo umění vnímáno jako nejvyšší referenční bod v duchovním životě lidstva, jako jeden z příkladů estetické dokonalosti. Raphaelovo dílo se vyznačuje klasickými kvalitami - jasností, ušlechtilou jednoduchostí, harmonií. Ve své celistvosti je spjata s duchovní kulturou renesance.

Nejvýraznější z Raffaelových monumentálních děl jsou obrazy vatikánských apartmánů papeže. Vícefigurální velkoplošné kompozice pokrývají všechny stěny tří sálů. Raphaelovi studenti mu pomáhali v malování. Nejlepší fresky, jako je „Athénská škola“, vytvořil vlastníma rukama. Náměty malby zahrnovaly freskové alegorie hlavních oblastí lidské duchovní činnosti: filozofie, poezie, teologie a spravedlnosti. V Raffaelových obrazech a freskách je ideálně vznešené zobrazení křesťanských obrazů, starověkých mýtů a lidských dějin. Uměl skloubit hodnoty pozemské existence a ideální představy jako žádný jiný z renesančních mistrů. Historickou zásluhou jeho umění je, že spojil dva světy v jeden – svět křesťanský a svět pohanský. Od té doby se nový umělecký ideál pevně usadil v náboženském umění západní Evropy.

Bystrý génius Raphaela byl daleko od psychologické hloubky do vnitřního světa člověka, jako Leonardo, ale byl ještě více cizí tragickému světonázoru Michelangela. V díle Michelangela byl poznamenán kolaps renesančního stylu a vynořily se výhonky nového uměleckého vidění světa. Michelangelo Buonarroti(1475-1564) prožil dlouhý, těžký a hrdinský život. Jeho genialita se projevila v architektuře, malbě, poezii, ale nejzřetelněji v sochařství. Svět vnímal plasticky ve všech oblastech umění je především sochařem. Lidské tělo se mu jeví jako nejhodnotnější předmět zobrazení. Ale tohle je muž zvláštní, mocné, hrdinské rasy. Michelangelovo umění je věnováno oslavě lidského bojovníka, jeho hrdinských aktivit a utrpení. Jeho umění se vyznačuje gigantománií, titánským začátkem. Toto je umění náměstí, veřejných budov a ne palácových sálů, umění pro lidi, a ne pro dvorní aristokraty.

Nejambicióznějším z jeho děl byla malba klenby Sixtinské kaple. Michelangelo vykonal skutečně titánské dílo - během čtyř let sám namaloval plochu asi 600 metrů čtverečních. metrů. Den za dnem psal ve výšce 18 metrů, stál na lešení a házel hlavou dozadu. Po dokončení malby bylo jeho zdraví zcela podlomeno a jeho tělo bylo znetvořeno (propadlý hrudník, vyklenuté tělo, narostla mu struma; umělec se dlouho nemohl dívat přímo před sebe a číst se zvednutím knihy nad hlavou ). Grandiózní obraz je věnován scénám posvátné historie, počínaje stvořením světa. Michelangelo na strop namaloval asi 200 postav a figurálních kompozic. Nikdy a nikde nebylo co do rozsahu a celistvosti srovnatelné s Michelangelovým plánem. Na klenbě Sixtinské kaple vytvořil hymnus na chválu hrdinského lidstva. Jeho hrdinové jsou živí lidé, není na nich nic nadpřirozeného, ​​ale zároveň jsou to úžasné, mocné, titánské osobnosti. Mistři z Quattrocenta, dávno před Michelangelem, ilustrovali na stěnách kaple různé epizody církevní tradice. Michelangelo chtěl na klenbě znázornit osud lidstva před vykoupením.

Jakákoli myšlenka, že obrázek je letadlo, zmizí. Figurky se volně pohybují v prostoru. Michelangelovy fresky prorážejí rovinu zdi. Tato iluze prostoru a pohybu byla obrovským úspěchem evropského umění. Michelangelův objev, že dekorace může tlačit dopředu nebo dozadu stěny a stropy, později využívá dekorativní umění baroka.

Umění, věrné renesančním tradicím, žije i v 16. století v Benátkách, městě, které si svou nezávislost udrželo nejdéle. V této bohaté patricijsko-obchodní republice, která dlouho udržovala obchodní styky s Byzancí a arabským východem, se orientální chutě a tradice zpracovávaly po svém. Hlavní dopad benátského malířství je v jeho mimořádné barevnosti. Láska k barvám postupně přivedla umělce benátské školy k novému obrazovému principu. Objem a věcnost obrazu se nedosahuje ořezovou modelací, ale uměním barevného modelování.

Národy Evropy se snažily oživit poklady a tradice ztracené v důsledku nekonečných vyhlazovacích válek. Války vzaly lidi a velké věci, které lidé vytvořili, z povrchu země. Myšlenka oživení vysoké civilizace starověkého světa dala vzniknout filozofii, literatuře, hudbě, vzestupu přírodních věd a především rozkvětu umění. Doba si žádala silné, vzdělané lidi, kteří se nebáli žádné práce. Právě v jejich středu bylo možné vynořit se oněch pár géniů, kterým se říká „titáni renesance“. Právě ty, kterým říkáme pouze jménem.

Renesance byla především italská. Proto není divu, že právě v Itálii dosáhlo umění v tomto období největšího vzestupu a rozkvětu. Právě zde jsou desítky jmen titánů, géniů, skvělých a prostě talentovaných umělců.

HUDBA LEONARDA.

Jaké štěstí! – mnozí o něm řeknou. Byl obdařen vzácným zdravím, byl hezký, vysoký a měl modré oči. V mládí nosil blond kadeře, jeho hrdá postava připomínala Donatellova svatého Jiří. Měl neslýchanou a odvážnou sílu a mužskou odvahu. Úžasně zpíval a skládal melodie a básně před svým publikem. Hrál na jakýkoli hudební nástroj, navíc je sám vytvářel.

Pro umění Leonarda da Vinciho současníci a potomci nikdy nenašli jiné definice než „skvělé“, „božské“ a „skvělé“. Stejná slova odkazují na jeho vědecká odhalení: vynalezl tank, bagr, vrtulník, ponorku, padák, automatickou zbraň, potápěčskou helmu, výtah, vyřešil nejsložitější problémy akustiky, botaniky, medicíny, kosmografie , vytvořil projekt kruhového divadla, vynalezený o století dříve, než Galileo, hodinové kyvadlo, nakreslil současné vodní lyže, rozvinul teorii mechaniky.

Jaké štěstí! - řeknou si o něm mnozí a začnou vzpomínat na jeho milované prince a krále, kteří s ním hledali seznámení, přehlídky a prázdniny, které si vymyslel jako výtvarník, dramatik, herec, architekt a bavil se u nich jako dítě.

Byl však nepotlačitelný stoletý Leonardo šťastný, jehož každý den dával lidem i světu vize a vhledy? Předvídal strašlivý osud svých výtvorů: zničení Poslední večeře, zastřelení pomníku Francescy Sforzy, nízký obchod a odporné krádeže jeho deníků a pracovních sešitů. Celkem se do dnešních dnů dochovalo pouze šestnáct obrazů. Málo soch. Ale bylo tam hodně kreseb, kódovaných kreseb: stejně jako hrdinové moderní sci-fi změnil ve svém návrhu detail, jako by ho jiný nemohl použít.

Leonardo da Vinci pracoval v různých typech a žánrech umění, ale největší slávu mu přineslo malířství.

Jedním z prvních Leonardových obrazů je Madonna of the Flower nebo Benois Madonna. Již zde umělec působí jako skutečný inovátor. Překonává rámec tradiční zápletky a dává obrazu širší, univerzální význam, kterým jsou mateřská radost a láska. V této práci se jasně projevilo mnoho rysů umělcova umění: jasná kompozice postav a trojrozměrnost forem, touha po stručnosti a zobecnění, psychologická expresivita.

Pokračováním započatého tématu byl obraz „Madonna Litta“, kde se jasně odhalil další rys umělcovy práce – hra s kontrasty. Završením námětu byl obraz „Madona v jeskyni“, který zaznamenal ideální kompoziční řešení, díky kterému vyobrazené postavy Madony, Krista a andělů splývají s krajinou v jeden celek, obdařený klidnou rovnováhou a harmonií. .

Jedním z vrcholů Leonardovy tvorby je freska „Poslední večeře“ v refektáři kláštera Santa Maria Della Grazie. Toto dílo udivuje nejen celkovou kompozicí, ale i přesností. Leonardo zprostředkovává nejen psychologický stav apoštolů, ale činí tak ve chvíli, kdy dosáhne kritického bodu, změní se v psychologický výbuch a konflikt. Tento výbuch je způsoben Kristovými slovy: "Jeden z vás mě zradí." Leonardo v tomto díle naplno využil techniku ​​specifického srovnávání postav, díky níž se každá postava jeví jako jedinečná individualita a osobnost.

Druhým vrcholem Leonardovy kreativity byl slavný portrét Mony Lisy neboli La Giocondy. Toto dílo znamenalo začátek žánru psychologického portrétu v evropském umění. Velký mistr při jeho tvorbě bravurně využil celý arzenál výtvarných výrazových prostředků: ostré kontrasty a měkké polotóny, zamrzlou nehybnost i celkovou plynulost a proměnlivost, nejjemnější psychologické nuance a přechody. Celý Leonardův génius spočívá v úžasně živém vzhledu Mony Lisy, jejím tajemném a záhadném úsměvu, mystickém oparu pokrývajícím krajinu. Toto dílo je jedním z nejvzácnějších uměleckých děl.

Každý, kdo viděl „La Giocondu“ přivezenou z moskevského Louvru, si pamatuje chvíle své naprosté hluchoty poblíž tohoto malého plátna, napětí toho nejlepšího v sobě. Gioconda se zdála být „Marťanem“, představitelem neznáma - pravděpodobně budoucnosti, a ne minulosti lidského kmene, ztělesněním harmonie, o které svět není unavený a nikdy se neomrzí sněním.

Dá se o něm říct mnohem víc. Překvapilo mě, že to není fikce nebo fantasy. Můžete si například vzpomenout, jak navrhl přesunout katedrálu San Giovanni - taková práce nás, obyvatele 20. století, udivuje.

Leonardo řekl: „Dobrý umělec musí být schopen malovat dvě hlavní věci: osobu a reprezentaci jeho duše. Nebo se to říká o „Columbine“ z Petrohradské Ermitáže? Někteří badatelé ji nazývají „La Gioconda“, nikoli plátno Louvre.

Chlapec Nardo, tak se jmenoval ve Vinci: nemanželský syn dopisožravého notáře, který považoval ptáky a koně za nejlepší tvory na Zemi. Všemi milovaný a osamělý, který ohýbal ocelové meče a maloval oběšené lidi. Vynalezl most přes Bospor a ideální město, krásnější než ty Corbusierovy a Niemeyerovy. Zpíval měkkým barytonem a přiměl Monu Lisu k úsměvu. V jednom ze svých posledních sešitů tento šťastný muž napsal: „Zdálo se mi, že se učím žít, ale učím se umírat. Poté to však shrnul: „Dobře prožitý život je dlouhý život.

Je možné s Leonardem nesouhlasit?

SANDRO BOTTICELLI.

Sandro Botticelli se narodil ve Florencii v roce 1445 do rodiny koželuha.

Za první Botticelliho původní dílo je považováno „Klanění tří králů“ (kolem roku 1740), kde se již plně projevily hlavní vlastnosti jeho originálního způsobu – snovost a jemná poezie. Byl nadán vrozeným smyslem pro poezii, ale zřetelný nádech kontemplativního smutku jím procházel doslova ve všem. I svatý Šebestián, zmítaný šípy svých mučitelů, vypadá zamyšleně a odtrženě od něj.

Na konci 70. let 14. století se Botticelli sblížil s okruhem faktického vládce Florencie Lorenza Mediciho, přezdívaného Velkolepý. V luxusních zahradách Lorenza se sešla společnost lidí, pravděpodobně nejosvícenějších a nejtalentovanějších ve Florencii. Byli tam filozofové, básníci a hudebníci. Vládla atmosféra obdivu ke kráse a cenila se nejen krása umění, ale i krása života. Antika byla považována za prototyp ideálního umění a ideálního života, vnímaného ovšem prizmatem pozdějších filozofických vrstev. Pod vlivem této atmosféry bezpochyby vznikl Botticelliho první velký obraz „Primavera (jaro)“. Je to snová, nádherná, úžasně krásná alegorie věčného koloběhu, neustálé obnovy přírody. Je prostoupena složitým a rozmarným hudebním rytmem. Postava Flory, ozdobená květinami, a tančící půvab v rajské zahradě představovaly tehdy ještě neviděné obrazy krásy, a proto působily obzvláště strhujícím dojmem. Mladý Botticelli okamžitě zaujal přední místo mezi mistry své doby.

Právě vysoká pověst mladého malíře mu zajistila zakázku na biblické fresky pro vatikánskou Sixtinskou kapli, kterou vytvořil na počátku 80. let 14. století v Římě. Napsal „Scény ze života Mojžíše“, „Trest Korah, Dathan a Abiron“, což prokázalo úžasnou kompoziční dovednost. Klasický klid starověkých budov, proti nimž Botticelli stavěl děj, ostře kontrastuje s dramatickým rytmem zobrazovaných postav a vášní; pohyb lidských těl je složitý, nepřehledný, nasycený výbušnou silou; člověk má dojem otřesné harmonie, bezbrannosti viditelného světa před rychlým tlakem času a lidské vůle. Fresky Sixtinské kaple poprvé vyjadřovaly hlubokou úzkost, která žila v Botticelliho duši a která postupem času sílila. Tyto stejné fresky odrážely úžasný talent Botticelliho jako malíře portrétů: každá z mnoha malovaných tváří je zcela originální, jedinečná a nezapomenutelná...

V 80. letech 14. století, po návratu do Florencie, Botticelli pokračoval v neúnavné práci, ale mírumilovná jasnost Primera byla již daleko pozadu. V polovině dekády napsal své slavné „Zrození Venuše“. Badatelé zaznamenali v pozdějších dílech mistra dříve neobvyklý moralismus a náboženské povznesení.

Možná významnější než pozdní malba jsou Botticelliho kresby z 90. let – ilustrace k Danteho „Božské komedii“. Maloval se zjevným a neskrývaným potěšením; vize velkého básníka jsou láskyplně a pečlivě zprostředkovány dokonalými proporcemi četných postav, promyšlenou organizací prostoru, nevyčerpatelnou vynalézavostí při hledání vizuálních ekvivalentů básnického slova...

Přes jakékoli duševní bouře a krize zůstal Botticelli až do samého konce (zemřel v roce 1510) velkým umělcem, mistrem svého umění. Jasně o tom svědčí ušlechtilá plastika obličeje v „Portrétu mladého muže“, expresivní charakterizace modelky, která nenechává pochyby o jejích vysokých lidských zásluhách, solidní kresbě mistra a jeho blahosklonném pohledu.

renesance, která vzkvétala v 15. - 16. století, sloužila jako nové kolo ve vývoji umění, a malířství zvláště. Pro tuto éru existuje také francouzské jméno - renesance. Sandro Botticelli, Raphael, Leonardo da Vinci, Titian, Michelangelo jsou některá ze slavných jmen, která reprezentují toto časové období.

Umělci renesance zobrazovali postavy na svých obrazech co nejpřesněji a nejjasněji.

Psychologické souvislosti původně nebyl součástí obrázku. Malíři si dali za cíl dosáhnout živosti v tom, co zobrazovali. Bez ohledu na to, zda dynamiku lidské tváře nebo detaily okolní přírody bylo nutné zprostředkovat barvou co nejpřesněji. Psychologický aspekt se však postupem času stává zřetelně viditelným v renesančních obrazech, například z portrétů by se daly vyvozovat závěry o povahových vlastnostech zobrazované osoby.

Dosažení umělecké kultury renesance

Nepochybným úspěchem renesance byl geometricky správný design obrázku. Umělec vytvořil obraz pomocí technik, které vyvinul. Hlavní věcí pro tehdejší malíře bylo zachovat proporce předmětů. I příroda spadala pod matematické techniky výpočtu proporcionality obrazu s ostatními objekty na obraze.

Jinými slovy, umělci během renesance se snažili sdělit přesný obraz, například člověk na pozadí přírody. Pokud to porovnáme s moderními technikami obnovy viděného obrazu na nějakém plátně, pak s největší pravděpodobností fotografie s následnými úpravami pomůže pochopit, o co renesanční umělci usilovali.

Renesanční malíři věřili, že mají právo na nápravu vady přírody, to znamená, že pokud měl člověk ošklivé rysy obličeje, umělci je opravili takovým způsobem, že se obličej stal sladkým a přitažlivým.

Geometrický přístup v obrazech vede k novému způsobu zobrazování prostorovosti. Než umělec znovu vytvořil obrazy na plátně, označil jejich prostorové umístění. Toto pravidlo se časem mezi malíři té doby ustálilo.

Obrazy na obrazech měly na diváka zapůsobit. Například, Raphael dosáhl plného souladu s tímto pravidlem vytvořením obrazu „Athénská škola“. Klenby budovy jsou nápadné svou výškou. Je tam tolik prostoru, že začínáte chápat velikost této struktury. A vyobrazení myslitelé starověku s Platónem a Aristotelem uprostřed naznačují, že ve starověkém světě existovala jednota různých filozofických myšlenek.

Náměty renesančních maleb

Pokud se začnete seznamovat s renesančním malířstvím, můžete vyvodit zajímavý závěr. Náměty obrazů vycházely především z událostí popsaných v Bibli. Častěji malíři té doby zobrazovali příběhy z Nového zákona. Nejoblíbenější obrázek je Panna a dítě- malý Ježíš Kristus.

Postava byla tak živá, že lidé dokonce uctívali tyto obrazy, ačkoli lidé pochopili, že to nejsou ikony, modlili se k nim a žádali o pomoc a ochranu. Kromě Madony renesanční malíři velmi rádi obnovovali obrazy Ježíši Kriste, apoštolů, Jana Křtitele, stejně jako epizody evangelia. Například, Leonardo da Vinci vytvořil světoznámý obraz „Poslední večeře“.

Proč renesanční umělci používali náměty? z bible? Proč se nepokusili vyjádřit tím, že vytvořili portréty svých současníků? Možná se tímto způsobem snažili vykreslit obyčejné lidi s jejich vlastními charakterovými rysy? Ano, tehdejší malíři se snažili lidem ukázat, že člověk je božská bytost.

Zobrazováním biblických příběhů se renesanční umělci snažili objasnit, že pozemské projevy člověka mohou být zobrazeny jasněji, pokud se použijí biblické příběhy. Co je to Pád, pokušení, peklo nebo nebe, pochopíte, když se začnete seznamovat s tvorbou tehdejších umělců. Stejný obraz Madony zprostředkovává nám krásu ženy a také nese pochopení pro pozemskou lidskou lásku.

Leonardo da Vinci

Renesance se tak stala díky mnoha tvůrčím osobnostem, které v té době žily. Slavný po celém světě Leonardo da Vinci (1452 - 1519) vytvořil obrovské množství mistrovských děl, jejichž náklady se pohybují v milionech dolarů, a znalci jeho umění jsou připraveni dlouho přemýšlet o jeho malbách.

Leonardo začal studovat ve Florencii. Jeho první obraz, namalovaný kolem roku 1478, je "Madonna Benoit". Pak tam byly takové výtvory jako „Madonna v jeskyni“, "Mona Lisa", výše zmíněnou „Poslední večeři“ a řadu dalších mistrovských děl, napsaných rukou titána renesance.

Přísnost geometrických proporcí a přesná reprodukce anatomické struktury člověka - to je to, co charakterizuje obrazy Leonarda da Vinciho. Umění znázorňovat určité obrazy na plátně je podle jeho přesvědčení věda, a ne jen nějaký koníček.

Rafael Santi

Raphael Santi (1483 - 1520) známý v uměleckém světě jako Raphael vytvořil svá díla v Itálii. Jeho obrazy jsou prodchnuty lyrikou a grácií. Raphael je představitel renesance, který zobrazoval člověka a jeho existenci na zemi a rád maloval zdi vatikánských katedrál.

Obrazy prozrazovaly jednotu postav, proporční soulad prostoru a obrazů a eufonii barev. Čistota Panny Marie byla základem mnoha Raphaelových obrazů. Jeho úplně první obraz Panny Marie- Toto je Sixtinská madona, kterou v roce 1513 namaloval slavný umělec. Portréty, které vytvořil Raphael, odrážely ideální lidský obraz.

Sandro Botticelli

Sandro Botticelli (1445–1510) také renesanční umělec. Jedním z jeho prvních děl byl obraz „Klanění tří králů“. Jemná poezie a zasněnost byly jeho počátečními způsoby na poli zprostředkování uměleckých obrazů.

Na počátku 80. let 15. století velký umělec maloval zdi vatikánské kaple. Fresky vytvořené jeho rukou jsou stále úžasné.

Postupem času se jeho obrazy vyznačovaly klidem starověkých budov, živostí zobrazovaných postav a harmonií obrazů. Kromě toho je známá Botticelliho vášeň pro kresby slavných literárních děl, což také jen přidalo slávu jeho práci.

Michelangelo Buonarotti

Michelangelo Buonarotti (1475-1564)- italský umělec, který působil i v období renesance. Tento muž, kterého mnozí z nás zná, udělal vše, co mohl. A sochařství, malířství, architektura a také poezie.

Michelangelo, stejně jako Raphael a Botticelli, maloval zdi vatikánských kostelů. Koneckonců, pouze nejtalentovanější malíři té doby se zabývali tak odpovědnou prací, jako je malování obrazů na stěnách katolických katedrál.

Více než 600 metrů čtverečních Sixtinské kaple musel ji pokrýt freskami znázorňujícími různé biblické výjevy.

Nejznámější dílo v tomto stylu je nám známé jako "Poslední soud". Význam biblického příběhu je vyjádřen plně a jasně. Taková přesnost při přenosu obrazů je charakteristická pro všechny Michelangelovy práce.

POZOR! Pro jakékoli použití materiálů stránek je vyžadován aktivní odkaz na!