Menu
DomovManželství a rodina

Ukázky symfonických děl. Historie symfonie

(z řeckého „konsonance“) - skladba pro orchestr, skládající se z několika částí. Symfonie je nejhudebnější formou koncertu orchestrální hudba.

Klasická struktura

Vzhledem k relativní podobnosti struktury se sonátou lze symfonii nazvat velkou sonátou pro orchestr. Sonáta a symfonie, stejně jako trio, kvartet atd. patří do „sonátově-symfonického cyklu“ - cyklické hudební formy díla, ve kterém je obvyklé uvést alespoň jednu z částí (obvykle první) v sonátu. formulář. Sonátovo-symfonický cyklus je největší cyklickou formou mezi čistě instrumentálními formami.

Stejně jako sonáta má klasická symfonie čtyři věty:
- první část v rychlém tempu je napsána sonátovou formou;
- druhá část v pomalém pohybu je psána formou ronda, méně často formou sonáty nebo variační formy;
- třetí věta, scherzo nebo menuet v tripartitní formě;
- čtvrtá věta, v rychlém tempu, v sonátové formě nebo ve formě ronda, rondosonáty.
Pokud je napsána první část mírné tempo, pak naopak může následovat rychlá druhá a pomalá třetí věta (např. Beethovenova 9. symfonie).

Vzhledem k tomu, že symfonie je určena pro velký orchestr, je v ní každá část napsána šířeji a podrobněji než např. v běžném klavírní sonáta, neboť bohatství výrazových prostředků symfonického orchestru umožňuje detailní prezentaci hudebního myšlení.

Historie symfonie

Termín symfonie byl použit v Starověké Řecko, ve středověku a hlavně k popisu různých nástrojů, zejména těch, které jsou schopné vydávat více zvuků najednou. Takže v Německu až do poloviny 18. století byla symfonie obecný termín pro odrůdy cembala - spinety a virginely se ve Francii nazývaly sudové varhany, cembala, dvouhlavé bubny atd.

Slovo symfonie, které označuje hudební díla, která znějí společně, se začalo objevovat v názvech některých děl 16. a 17. století od skladatelů jako Giovanni Gabrieli (Sacrae symphoniae, 1597 a Symphoniae sacrae 1615), Adriano Banchieri (Eclesiastiche Sinfonie, 1607), Lodovico Grossi da Viadana (Sinfonie musicali, 1610) a Heinrich Schütz (Symphoniae sacrae, 1629).

Za prototyp symfonie lze považovat tu, která se zformovala za Domenica Scarlattiho na konci 17. století. Této formě se již říkalo symfonie a skládala se ze tří kontrastních částí: allegro, andante a allegro, které splývaly v jeden celek. Právě tato forma je často vnímána jako přímý předchůdce orchestrální symfonie. Termíny “předehra” a “symfonie” byly používány zaměnitelně pro hodně z 18. století.

Dalšími významnými předky symfonie byly orchestrální suita, skládající se z několika vět v nejjednodušších formách a většinou ve stejné tónině, a koncert ripieno, forma připomínající koncert pro smyčce a continuo, ale bez sólových nástrojů. V této podobě vznikla díla Giuseppe Torelliho a snad nejznámějším ripieno koncertem je Braniborský koncert č. 3 Johanna Sebastiana Bacha.

Je považován za zakladatele klasického symfonického modelu. V klasické symfonii mají stejnou tonalitu pouze první a poslední věta a prostřední jsou psány v tóninách souvisejících s hlavní, která určuje tonalitu celé symfonie. Vynikajícími představiteli klasické symfonie jsou Wolfgang Amadeus Mozart a Ludwig van Beethoven. Beethoven dramaticky rozšířil symfonii. Jeho Symfonie č. 3 ("Eroic") má rozsah a emocionální rozsah, který předčí všechny rané práce, jeho Symfonie č. 5 může být nejvíce slavná symfonie, kdy bylo napsáno. Jeho symfonie č. 9 se stává jednou z prvních „sborových symfonií“ se zařazením partů pro sóla a sboru v poslední větě.

Romantická symfonie se stala spojením klasické formy s romantickým výrazem. Rozvíjí se i softwarový trend. Objevte se. Hlavním poznávacím znakem romantismu byl růst formy, složení orchestru a hustota zvuku. Mezi nejvýraznější autory symfonií této doby patří Franz Schubert, Robert Schumann, Felix Mendelssohn, Hector Berlioz, Johannes Brahms, P. I. Čajkovskij, A. Bruckner a Gustav Mahler.

Počínaje 2. polovinou 19. století a zejména ve 20. století došlo k další proměně symfonie. Čtyřvětá struktura se stala volitelnou: symfonie mohou obsahovat od jedné (7. symfonie) do jedenácti (14. symfonie D. Šostakoviče) vět nebo více. Mnoho skladatelů experimentovalo s metrem symfonií, např. 8. symfonie Gustava Mahlera nazvaná „Symfonie tisíce účastníků“ (kvůli síle orchestru a sborů, které byly k jejímu provedení zapotřebí). Použití se stává volitelné sonátová forma.
Po 9. symfonii L. Beethovena začali skladatelé častěji uvádět do symfonií vokální party. Rozsah a obsah hudebního materiálu však zůstává konstantní.

Seznam předních autorů symfonie
Joseph Haydn - 108 symfonií
Wolfgang Amadeus Mozart - 41 (56) symfonií
Ludwig van Beethoven - 9 symfonií
Franz Schubert - 9 symfonií
Robert Schumann - 4 symfonie
Felix Mendelssohn - 5 symfonií
Hector Berlioz - několik programových symfonií
Antonín Dvořák - 9 symfonií
Johannes Brahms - 4 symfonie
Petr Čajkovskij - 6 symfonií (stejně jako Manfredova symfonie)
Anton Bruckner - 10 symfonií
Gustav Mahler - 10 symfonií
- 7 symfonií
Sergej Rachmaninov - 3 symfonie
Igor Stravinskij - 5 symfonií
Sergej Prokofjev - 7 symfonií
Dmitrij Šostakovič - 15 symfonií (také několik komorních symfonií)
Alfred Schnittke - 9 symfonií

Tannhäuser: Otevírám novou sekci o hudebních formách a žánrech a na první stránce se právem otevírá „SYMFONIE“... Do textu přidám portréty velkých skladatelů a další obrázky mně známých symfonistů Ale budu vás dále představovat budu s „novými“ zapomenutými jmény Nebudu zahlcovat příspěvek audio a videoklipy... Můžete si je bez obav najít sami... A v mém Deník také na shledanou v této sekci.

Symfonie(z řeckého „konsonance“) - skladba pro orchestr, skládající se z několika částí. Symfonie je nejhudebnější formou koncertní orchestrální hudby.

Klasická struktura

Vzhledem k relativní podobnosti struktury se sonátou lze symfonii nazvat velkou sonátou pro orchestr. Sonáta a symfonie, stejně jako koncert, trio, kvartet atd. patří do „sonátově-symfonického cyklu“ - cyklické hudební formy díla, ve kterém je obvyklé uvést alespoň jednu z částí (obvykle první) v sonátové formě. Sonátovo-symfonický cyklus je největší cyklickou formou mezi čistě instrumentálními formami.

Stejně jako sonáta má klasická symfonie čtyři věty:
- první část v rychlém tempu je napsána sonátovou formou;
- druhá část v pomalém pohybu je psána formou ronda, méně často formou sonáty nebo variační formy;
- třetí věta, scherzo nebo menuet v tripartitní formě;
- čtvrtá věta, v rychlém tempu, v sonátové formě nebo ve formě ronda, rondosonáty.
Je-li první věta napsána v mírném tempu, může po ní naopak následovat rychlá druhá a pomalá třetí věta (např. Beethovenova 9. symfonie).

Vzhledem k tomu, že symfonie je určena pro velký orchestr, je v ní každá část napsána šířeji a podrobněji než například v běžné klavírní sonáty, neboť bohatství výrazových prostředků symfonického orchestru umožňuje detailní prezentaci hudební myšlení.

Historie symfonie

Termín symfonie se ve starověkém Řecku, středověku a renesanci používal především k popisu různých nástrojů, zejména těch, které jsou schopné vydávat více zvuků najednou. V Německu byla tedy symfonie až do poloviny 18. století obecným označením pro odrůdy cembal - spinety a virginely, ve Francii se tak označovaly sudové varhany, cembala, dvouhlavé bubny atd.

Slovo symfonie pro označení hudebních děl, která znějí společně, se začalo objevovat v názvech některých barokních děl 16. a 17. století od skladatelů jako Giovanni Gabrieli (Sacrae symphoniae, 1597 a Symphoniae sacrae 1615), Adriano Banchieri ( Eclesiastiche Sinfonie , 1607), Lodovico Grossi da Viadana (Sinfonie musicali, 1610) a Heinrich Schütz (Symphoniae sacrae, 1629).

Za prototyp symfonie lze považovat italskou předehru, která se zformovala za Domenica Scarlattiho na konci 17. století. Této formě se již říkalo symfonie a skládala se ze tří kontrastních částí: allegro, andante a allegro, které splývaly v jeden celek. Právě tato forma je často vnímána jako přímý předchůdce orchestrální symfonie. Termíny “předehra” a “symfonie” byly používány zaměnitelně pro hodně z 18. století.

Dalšími významnými předky symfonie byly orchestrální suita, skládající se z několika vět v nejjednodušších formách a většinou ve stejné tónině, a koncert ripieno, forma připomínající koncert pro smyčce a continuo, ale bez sólových nástrojů. V této podobě vznikla díla Giuseppe Torelliho a Antonia Vivaldiho, snad nejznámějším ripieno koncertem je Braniborský koncert č. 3 Johanna Sebastiana Bacha.

Joseph Haydn je považován za zakladatele klasického symfonického modelu. V klasické symfonii mají stejnou tonalitu pouze první a poslední věta a prostřední jsou psány v tóninách souvisejících s hlavní, která určuje tonalitu celé symfonie. Vynikajícími představiteli klasické symfonie jsou Wolfgang Amadeus Mozart a Ludwig van Beethoven. Beethoven dramaticky rozšířil symfonii. Jeho Symfonie č. 3 („Eroica“) má rozsah a emocionální rozsah, který předčí všechna dřívější díla, jeho Symfonie č. 5 je možná nejslavnější symfonií, která kdy byla napsána. Jeho symfonie č. 9 se stává jednou z prvních „sborových symfonií“ se zařazením partů pro sóla a sboru v poslední větě.

Romantická symfonie byla kombinací klasické formy s romantickým výrazem. Rozvíjí se i softwarový trend. Objevují se leitmotivy. Hlavním poznávacím znakem romantismu byl růst formy, složení orchestru a hustota zvuku. Mezi nejvýraznější autory symfonií této doby patří Franz Schubert, Robert Schumann, Felix Mendelssohn, Hector Berlioz, Johannes Brahms, P. I. Čajkovskij, A. Bruckner a Gustav Mahler.

Počínaje 2. polovinou 19. století a zejména ve 20. století došlo k další proměně symfonie. Čtyřvětá struktura se stala volitelnou: symfonie mohou obsahovat jednu (7. symfonie Jeana Sibelia) až jedenáct (14. symfonie D. Šostakoviče) nebo více vět. Mnoho skladatelů experimentovalo s metrem symfonií, např. 8. symfonie Gustava Mahlera nazvaná „Symfonie tisíce účastníků“ (kvůli síle orchestru a sborů, které byly k jejímu provedení zapotřebí). Použití sonátové formy se stává nepovinným.
Po 9. symfonii L. Beethovena začali skladatelé častěji vnášet do symfonií vokální party. Rozsah a obsah hudebního materiálu však zůstává konstantní.

Joseph Haydn - 108 symfonií


Wolfgang Amadeus Mozart - 41 (56) symfonií

Ludwig van Beethoven - 9 symfonií


Franz Schubert - 9 symfonií

Robert Schumann - 4 symfonie

Mezi četnými hudebními žánry a formami patří jedno z nejčestnějších míst symfonii. Vznikl jako zábavní žánr a od počátku 19. století až po současnost nejcitlivěji a nejúplněji, jako žádný jiný druh hudebního umění, reflektuje svou dobu. Symfonie Beethovena a Berlioze, Schuberta a Brahmse, Mahlera a Čajkovského, Prokofjeva a Šostakoviče jsou rozsáhlými úvahami o době a osobnosti, o historii lidstva a způsobech světa.

Symfonický cyklus, jak jej známe z mnoha klasických a moderní designy, vyvinuté přibližně před dvěma sty padesáti lety. Během tohoto historicky krátkého období však žánr symfonie ušel dlouhou cestu. Délku a význam této cesty určil právě fakt, že symfonie vstřebávala všechny problémy své doby, dokázala reflektovat složité, rozporuplné doby plné kolosálních zvratů a ztělesňovala pocity, utrpení a boje lidí. Stačí si představit život společnosti v poloviny 18. století století – a vzpomeňte si na symfonie Haydnovy; velké pozdvižení konec XVIII- začátek 19. století - a Beethovenovy symfonie, které je odrážely; reakce ve společnosti, zklamání - a romantické symfonie; konečně všechny ty hrůzy, které lidstvo muselo snášet ve 20. století - a porovnat symfonie Beethovena se symfoniemi Šostakoviče, aby bylo jasně vidět tuto obrovskou, někdy tragickou cestu. Dnes už si málokdo pamatuje, jaké byly začátky, jaké byly počátky tohoto nejsložitějšího ryze hudebního žánru, nesouvisejícího s jiným uměním.

Pojďme se na to rychle podívat hudební Evropa poloviny 18. století.

V Itálii, klasické zemi umění, udává trendy ze všech evropské země, opera kraluje. Dominuje tzv. opera seria („vážná“). Nejsou v něm žádné jasné jednotlivé obrazy, není tam žádná opravdová dramatická akce. Opera seria je střídání různých stavy mysli, vtělený do konvenčních znaků. Jeho nejdůležitější částí je árie, ve které jsou tyto stavy zprostředkovány. Existují árie hněvu a pomsty, árie stížností (lamento), žalostné pomalé árie a radostné bravurní árie. Tyto árie byly natolik zobecněné, že je bylo možné přenést z jedné opery do druhé bez újmy na provedení. Ve skutečnosti to skladatelé často dělali, zvláště když museli napsat několik oper za sezónu.

Elementem operní série byla melodie. Slavné umění italského belcanta zde dostalo svůj nejvyšší výraz. V áriích dosáhli skladatelé skutečných výšin ztělesnění určitého stavu. Láska i nenávist, radost i zoufalství, hněv i smutek byly hudbou přeneseny tak živě a přesvědčivě, že jste nepotřebovali slyšet text, abyste pochopili, o čem zpěvák zpívá. To v podstatě konečně připravilo půdu pro beztextovou hudbu navrženou tak, aby ztělesňovala lidské city a vášně.

Z meziher - vložených scén hraných mezi akty opery seria a nesouvisejících s jejím obsahem - vznikla její veselá sestra, komická operní bufe. Demokratický v obsahu (jeho postavy nebyly mytologičtí hrdinové, králové a rytíři, ale obyčejní lidé od lidu), vědomě se postavila proti dvorskému umění. Opera buffa se vyznačovala přirozeností, živostí akce a spontánností hudebního jazyka, často přímo souvisejícího s folklórem. To představovalo vokální plácání, komická parodická koloratura a živé a lehké taneční melodie. Finále aktů se odvíjely jako soubory, ve kterých postavy někdy zpívaly všechny najednou. Někdy se takovým koncům říkalo „spletenec“ nebo „zmatek“, protože akce se do nich tak rychle nahrnula a intriky se ukázaly jako matoucí.

V Itálii se rozvinula i instrumentální hudba a především žánr, který je s operou nejblíže spjatý – předehra. Jako orchestrální úvod k opernímu představení si z opery vypůjčil jasná, výrazná hudební témata, podobná melodiím árií.

Tehdejší italská předehra se skládala ze tří částí – rychlé (Allegro), pomalé (Adagio nebo Andante) a opět rychlé, nejčastěji celý menuet. Říkali tomu sinfonia – v překladu z řečtiny – konsonance. Postupem času se předehry začaly hrát nejen v divadle před otevřením opony, ale i samostatně, jako samostatná orchestrální díla.

Na konci XVII. začátek XVIII století se v Itálii objevila brilantní galaxie virtuózních houslistů, kteří byli také nadanými skladateli. Vivaldi, Yomelli, Locatelli, Tartini, Corelli a další, kteří dokonale ovládali housle - hudební nástroj, který se svou výrazností může srovnávat s lidský hlas, - vytvořil rozsáhlý houslový repertoár, především ze skladeb zvaných sonáty (z italského sonare - znít). V nich, stejně jako v klávesových sonátách Domenica Scarlattiho, Benedetta Marcella a dalších skladatelů, se vyvinuly některé společné strukturální rysy, které se později změnily v symfonii.

Hudební život Francie se utvářel jinak. Již dlouho mají rádi hudbu spojenou se slovy a činy. Baletní umění doznalo vysokého rozvoje; Pěstoval se zvláštní typ opery - lyrická tragédie, podobná tragédiím Corneille a Racine, která měla otisk specifického života královského dvora, jeho etikety, jeho slavností.

Francouzští skladatelé také tíhli ke spiknutí, programu a slovním definicím hudby při vytváření instrumentálních skladeb. „Flying Cap“, „Reapers“, „Tamburína“ - to byla jména skladeb cembala, které byly buď žánrovými náčrty, nebo hudebními portréty - „Půvabný“, „Něžný“, „Pracovný“, „Koketní“.

Větší díla, skládající se z několika částí, měla svůj původ v tanci. Přísná německá allemande, pohyblivá jako klouzavá francouzská zvonkohra, majestátní španělská sarabanda a svižný jig - ohnivý tanec anglických námořníků - jsou v Evropě již dlouho známé. Byly základem žánru instrumentální suity (z francouzského suita - sekvence). Často byly do suity zahrnuty i další tance: menuet, gavota, polonéza. Před allemandou mohla uprostřed suity zaznít úvodní předehra, odměřený taneční pohyb byl občas přerušen volnou árií; Jádrem suity jsou ale čtyři různé tance různé národy- byl jistě přítomen v neměnném sledu, nastínil čtyři různé nálady, vedl posluchače od klidného pohybu začátku k vzrušujícímu rychlému finále.

Mnoho skladatelů psalo suity, a to nejen ve Francii. Významnou poctu jim složil i velký Johann Sebastian Bach, jehož jménem podobně jako Němec hudební kultury v té době bylo obecně spojeno mnoho hudebních žánrů.

V zemích německého jazyka, to jest četná německá království, knížectví a biskupství (pruské, bavorské, saské atd.), jakož i v r. různé oblasti Mnohonárodnostní rakouské císařství, které tehdy zahrnovalo „lid hudebníků“ – Českou republiku zotročenou Habsburky – instrumentální hudba byla dlouho pěstována. Každé městečko, město nebo i vesnice měla své houslisty a violoncellisty a po večerech zazněly sólové i souborové skladby nadšeně v podání ochotníků. Kostely a jejich školy se obvykle stávaly centry hudební tvorby. Učitel byl zpravidla také kostelním varhaníkem, který o prázdninách podle svých možností předváděl hudební fantazie. Ve velkých německých protestantských centrech, jako je Hamburk nebo Lipsko, se také rozvíjely nové formy muzicírování: varhanní koncerty v katedrálách. Na těchto koncertech zazněly preludia, fantazie, variace, sborové úpravy a hlavně fugy.

Fuga je nejkomplexnější typ polyfonní hudby, která dosáhla svého vrcholu v tvorbě I.S. Bach a Händel. Jeho název pochází z latinského fuga – běh. Jedná se o polyfonní skladbu založenou na jednom tématu, která se pohybuje (běží napříč!) od hlasu k hlasu. Každá melodická linka se nazývá hlas. Podle počtu takových řádků může být fuga tříhlasá, čtyřhlasá, pětihlasá atd. Ve středním úseku fugy, poté, co téma zaznělo úplně všemi hlasy, se začíná rozvíjet: pak její začátek se objeví a zase zmizí, pak se roztáhne (každá z tónů, které ji tvoří, bude dvakrát delší), pak se smrští – tomu se říká téma přibývání a téma při snižování. Může se stát, že v rámci tématu se sestupné melodické pohyby stanou vzestupnými a naopak (téma v oběhu). Melodický pohyb se pohybuje od jedné klávesy ke druhé. A v závěrečném úseku fugy - Repríza - zazní téma opět nezměněno, jako na začátku, vrací se k hlavní tonalitě hry.

Připomeňme ještě jednou: mluvíme o tom asi v polovině 18. století. V hlubinách aristokratické Francie se schyluje k výbuchu, který velmi brzy smete absolutní monarchii. Přijde nová doba. A zatímco se revoluční nálady stále jen latentně připravují, francouzští myslitelé vystupují proti stávajícímu řádu. Požadují rovnost všech lidí před zákonem a hlásají myšlenky svobody a bratrství.

Umění, které odráží posuny veřejný život, je citlivý na změny politické atmosféry v Evropě. Příkladem toho je nesmrtelné komedie Beaumarchais. To platí i pro hudbu. Právě nyní, v obtížném období plném událostí kolosálního historického významu, se v hlubinách starých, dlouho etablovaných hudebních žánrů a formuje nový, skutečně revoluční žánr- symfonie. Stává se kvalitativně, zásadně odlišnou, protože ztělesňuje a nový typ myslící.

Je třeba si myslet, že není náhoda, že s předpoklady v různých regionech Evropy se žánr symfonie nakonec zformoval v zemích německého jazyka. V Itálii byla opera národním uměním. V Anglii se duch a smysl historických procesů, které se tam odehrávají, nejvíce odrážely v oratoriích George Händela, původem Němce, který se stal národním anglickým skladatelem. Ve Francii se do popředí dostala jiná umění, zejména literatura a divadlo, které byly konkrétnější, přímo a jasně vyjadřovaly nové myšlenky, které vzrušovaly svět. Díla Voltaira, „Nová Heloise“ od Rousseaua, „Perské dopisy“ Montesquieua, v zastřené, ale docela srozumitelné podobě předkládaly čtenářům ostrou kritiku existujícího řádu a nabízely vlastní možnosti pro strukturu společnosti. .

Když o několik desetiletí později přišla na řadu hudba, do řad revolučních vojsk vstoupila píseň. Nejnápadnějším příkladem toho je Píseň Rýnské armády, vytvořená přes noc důstojníkem Rougetem de Lisle, která se světově proslavila pod názvem Marseillaise. Po písni se objevila hudba pro hromadné oslavy a smuteční obřady. A konečně tzv. „opera spásy“, jejímž obsahem bylo pronásledování hrdiny či hrdinky tyranem a jejich spása ve finále opery.

Symfonie vyžadovala zcela jiné podmínky jak pro svůj vznik, tak pro plné vnímání. „Těžiště“ filozofického myšlení, které nejúplněji odráželo hlubokou podstatu společenských změn té doby, se ukázalo být v Německu, daleko od sociálních bouří.

Tam nejprve Kant a později Hegel vytvořili své nové filozofické systémy. Stejně jako filozofické systémy se symfonie – nejfilozofičtější, dialekticko-procesuální žánr hudební kreativity – nakonec zformovala tam, kam doléhaly jen vzdálené ozvěny blížících se bouří. Kde se navíc rozvinuly silné tradice instrumentální hudba.

Jedním z hlavních center pro vznik nového žánru byl Mannheim, hlavní město bavorského kurfiřtství Falcka. Zde, na skvělém dvoře kurfiřta Karla Theodora, ve 40. a 50. letech léta XVIII století obsahoval vynikající orchestr, snad nejlepší v tehdejší Evropě.

V té době se symfonický orchestr teprve formoval. A ve dvorních kaplích a v katedrálách orchestrální skupiny se stabilním složením neexistovaly. Vše záviselo na prostředcích, které měl panovník nebo rychtář k dispozici, na vkusu těch, kdo mohli rozkazovat. Orchestr plnil zprvu pouze aplikovanou roli, doprovázel buď dvorní vystoupení nebo slavnosti a obřady. A to bylo považováno především za operní nebo církevní soubor. Zpočátku orchestr zahrnoval violy, loutny, harfy, flétny, hoboje, lesní rohy a bubny. Postupně se složení rozšiřovalo, počet smyčcové nástroje. Postupem času housle nahradily starodávné violy a brzy převzaly orchestr vedoucí postavení. Mosaz dřevěné nástroje- flétny, hoboje, fagoty - sjednoceny do samostatné skupiny a objevily se i měděné - trubky, pozouny. Povinným nástrojem v orchestru bylo cembalo, které vytvářelo harmonický základ zvuku. Za ním stál zpravidla vedoucí orchestru, který při hře současně dával pokyny k úvodu.

Na konci 17. století se rozšířily instrumentální soubory, které existovaly na šlechtických dvorech. Každý z četných malých knížat roztříštěného Německa chtěl mít svou kapli. Začal rychlý rozvoj orchestrů a objevily se nové techniky orchestrální hry.

Mannheimský orchestr tvořilo 30 smyčcových nástrojů, 2 flétny, 2 hoboje, klarinet, 2 fagoty, 2 trubky, 4 lesní rohy, tympány. To je páteří moderního orchestru, pro kterou skladbu vytvořilo mnoho skladatelů následující éry. Orchestr vedl vynikající český hudebník, skladatel a houslový virtuos Jan Václav Stamitz. Mezi umělci orchestru byli i největší hudebníci své doby, nejen virtuózní instrumentalisté, ale i talentovaní skladatelé Franz Xaver Richter, Anton Filz a další. Ty určily vynikající úroveň interpretačních schopností orchestru, který se proslavil svými úžasnými kvalitami - dříve nedosažitelnou vyrovnaností údery houslí, s nejjemnější gradací dynamických odstínů, dříve vůbec nepoužívaných.

Podle současníka, kritika Bosslera, „přesné dodržování klavíru, forte, rinforzando, postupné rozšiřování a zesilování zvuku a pak opět pokles jeho síly až do sotva slyšitelného zvuku – to vše bylo slyšet jen v Mannheimu“. Bernie, anglický milovník hudby, který v polovině 18. století podnikl výlet do Evropy, mu dodává: „Tento mimořádný orchestr má dostatek prostoru a faset, aby ukázal všechny své schopnosti a vytvořil skvělý efekt. Právě zde Stamitz, inspirovaný Yomelliho spisy, poprvé překročil obvyklé operní předehry... byly vyzkoušeny všechny efekty, které taková masa zvuků mohla vyprodukovat. Právě zde se zrodilo crescendo a diminuendo a klavír, který se dříve používal hlavně jako ozvěna a byl obvykle jejím synonymem, a forte byly uznány jako hudební barvy s vlastními odstíny ... “

Právě v tomto orchestru poprvé zazněly čtyřhlasé symfonie – díla, která byla konstruována podle jednoho typu a měla obecné principy, které absorbovaly mnohé rysy již existujících hudebních žánrů a forem a přetavily je v něco kvalitativně odlišného; nová jednota.

První akordy jsou rozhodující, plnohlasé, jako by volaly o pozornost. Pak široké, rozmáchlé pohyby. Opět akordy, nahrazené arpeggiovaným pohybem, a pak živá, elastická melodie, jako rozvíjející se pružina. Zdá se, že se to může odvíjet donekonečna, ale odchází to rychleji, než si pověsti přály: jako host představený majitelům domu během velké recepce se od nich vzdaluje a dává prostor dalším, kteří ho následují. Po chvíli všeobecný pohyb objevuje se nové téma - jemnější, ženské, lyrické. Ale nezní to dlouho, rozplývá se do pasáží. Po nějaké době opět vidíme první téma, mírně pozměněné, v novém klíči. Hudební proud rychle plyne, vrací se k původní, hlavní tonalitě symfonie; Druhé téma organicky přechází do tohoto proudu a nyní se charakterem a náladou přibližuje prvnímu. První část symfonie končí plnohlasými radostnými akordy.

Druhá věta, andante, se rozvíjí pomalu a melodicky, čímž podtrhuje expresivitu smyčcových nástrojů. Jde o jakousi árii pro orchestr, v níž dominuje lyrika a elegická reflexe.

Třetí věta je elegantní galantní menuet. Vytváří pocit uvolnění a relaxace. A pak jako ohnivá smršť propukne ohnivé finále. Takový je obecný obrys, symfonie doby. Jeho původ lze velmi jasně vysledovat. První část se nejvíce podobá operní předehře. Je-li však předehra pouze prahem představení, pak se zde ve zvucích odvíjí samotná akce. Typicky operní hudební obrazy předehry – hrdinské fanfáry, dojemné lamento, bouřlivá legrace bubáků – nejsou spojeny s konkrétními jevištními situacemi a nenesou charakteristické individuální rysy (nezapomeňte, že ani slavná předehra k „ K holičovi sevillskému„Rossini nemá nic společného s obsahem opery a byl původně napsán pro jinou operu!), odtrhl se od operního představení a začal samostatný život. V rané symfonii jsou snadno rozpoznatelné – rozhodné, odvážné intonace hrdinských árií v prvních tématech, nazývaných hlavními, jemné povzdechy lyrických árií v tématech druhých, tzv. vedlejších.

Operní principy se odrážejí i v textuře symfonie. Jestliže dříve instrumentální hudbě dominovala polyfonie, tedy polyfonie, v níž znělo současně více nezávislých melodií, prolínajících se, zde se začal rozvíjet jiný typ polyfonie: jedna hlavní melodie (nejčastěji houslová), výrazná, výrazná, doprovázená doprovod, který to rozjede, zdůrazňuje její individualitu. Tento typ polyfonie, nazývaný homofonní, zcela dominuje v rané symfonii. Později se v symfonii objevují techniky vypůjčené z fugy. V polovině 18. století to však mohlo být kontrastováno spíše s fugou. Téma bylo zpravidla jedno (jsou dvojité, trojité a více fug, ale v nich se témata neprotiřečí, ale porovnávají). Mnohokrát se to opakovalo, ale nic tomu neodporovalo. Byl to v podstatě axiom, teze, která byla opakovaně vyslovena, aniž by vyžadovala důkaz. V symfonii je tomu naopak: ve vzhledu a dalších proměnách různých hudebních témat a obrazů jsou slyšet spory a rozpory. Možná právě zde se znamení času projevuje nejzřetelněji. Pravda už není samozřejmost. Je potřeba to hledat, dokazovat, odůvodňovat, porovnávat různé názory, objasňovat různé pohledy. To je to, co dělají encyklopedisté ​​ve Francii. Postaveno na tomto Německá filozofie, zejména Hegelova dialektická metoda. A samotný duch éry hledání se odráží v hudbě.

Symfonie si tedy vzala hodně z operní předehry. Zejména předehra nastínila princip střídání kontrastních úseků, které v symfonii přecházely v samostatné části. V jeho první části jsou různé stránky, různé pocity člověka, život v jeho pohybu, vývoj, proměny, kontrasty a konflikty. V druhé části je reflexe, koncentrace a někdy i texty. Ve třetím - relaxace, zábava. A konečně finále - obrázky zábavy, jásání a zároveň - výsledek hudební vývoj, dokončení symfonického cyklu.

Takto by se symfonie vyvíjela na počátku 19. století, tak by tomu bylo, v nejobecnější rovině, například u Brahmse nebo Brucknera. A v době svého narození si četné pohyby zřejmě vypůjčila ze suity.

Allemande, courante, sarabande a gigue jsou čtyři povinné tance, čtyři různé nálady, které lze snadno vidět v raných symfoniích. Velmi zřetelně se v nich projevuje taneční kvalita, zejména ve finále, které charakterem melodie, tempem a dokonce i velikostí taktu často připomíná gigue. Pravda, někdy má finále symfonie blíže k jiskřivému finále opery buffa, ale i tak je její příbuznost s tancem, například tarantellou, nepopiratelná. Pokud jde o třetí díl, jmenuje se menuet. Pouze v Beethovenově díle bude tanec – galantní dvorský nebo hrubý obyčejný – nahrazen scherzem.

Novorozená symfonie tak absorbovala rysy mnoha hudebních žánrů a žánrů zrozených v různých zemích. A vznik symfonie se odehrál nejen v Mannheimu. Byla zde vídeňská škola, kterou zastupoval zejména Wagenseil. V Itálii napsal Giovanni Battista Sammartini orchestrální díla, které nazval symfoniemi a určenými pro koncertní provedení nespojené s operním představením. Ve Francii se mladý skladatel, původem Belgičan, François-Joseph Gossec, obrátil k novému žánru. Jeho symfonie se nesetkaly s ohlasem a uznáním, protože francouzská hudba programování dominovalo, ale jeho dílo sehrálo roli při formování francouzské symfonie, při obnově a rozšíření symfonického orchestru. Český skladatel František Mícha, který svého času působil ve Vídni, hodně a úspěšně experimentoval při hledání symfonické formy. Zajímavé experimenty byli se svým slavným krajanem Josefem Myslewiczem. Všichni tito skladatelé však byli samotáři a v Mannheimu vznikla skupina celou školu, která měla k dispozici i prvotřídní „nástroj“ – slavný orchestr. Díky šťastné náhodě, že falcký kurfiřt byl velkým milovníkem hudby a měl dost peněz, aby si na ni mohl dovolit obrovské výdaje, se do hlavního města Falce sjeli významní hudebníci z různých zemí - Rakušané a Češi, Italové a Prusové - každý z nichž přispěl k vytvoření nového žánru. V dílech Jana Stamitze, Franze Richtera, Carla Toeschiho, Antona Filze a dalších mistrů vznikla symfonie v těch hlavních rysech, které pak přešly do tvorby vídeňských klasiků - Haydna, Mozarta, Beethovena.

Takže během prvního půlstoletí existence nového žánru se objevil jasný strukturální a dramatický model, který dokázal pojmout různorodý a velmi významný obsah. Základem tohoto modelu byla forma zvaná sonáta nebo sonata allegro, protože byla nejčastěji psána v tomto tempu a později typická jak pro symfonii, tak pro instrumentální sonátu a koncert. Jeho zvláštností je skládání různých, často kontrastních hudebních témat. Tři hlavní části sonátové formy – expozice, vývoj a repríza – připomínají začátek, vývoj akce a rozuzlení. klasické drama. Po krátkém úvodu nebo hned na začátku expozice jsou divákům představeny „postavy“ hry.

První hudební téma, které zazní v hlavní tónině díla, se nazývá hlavní téma. Častěji - hlavní téma, ale správněji - hlavní část, protože uvnitř hlavní strana, tedy určitý segment hudební forma, sjednocené jednou tonalitou a obraznou pospolitostí, se postupem času začalo objevovat ne jedno, ale hned několik různých témat a melodií. Po hlavní šarži, u raných vzorků přímým srovnáním a u pozdějších prostřednictvím malé spojovací šarže, začíná sekundární šarže. Její téma nebo dva nebo tři různá témata kontrast k tomu hlavnímu. Nejčastěji je boční část více lyrická, měkká a ženská. Zní v jiné tónině než hlavní, vedlejší (odtud název partu) tónině. Objevuje se pocit nestability a někdy konflikt. Výstava končí závěrečnou částí, která v raných symfoniích buď chybí, nebo hraje čistě pomocnou roli jakási pointa, opona po prvním dějství hry, a následně, počínaje Mozartem, nabývá významu nezávislý třetí obrázek spolu s hlavním a vedlejším.

Střední úsek sonátové formy je vývoj. Jak vyplývá z názvu, jsou v ní rozvíjena, proměňována a vyvíjena hudební témata, se kterými se posluchači na výstavě (tedy dříve vystavené) seznámili. Zároveň se někdy zobrazují z nových nečekané strany, jsou modifikovány, izolovány od nich individuální motivy- ty nejaktivnější, které se později srazí. Rozvoj je dramaticky efektivní úsek. Na konci přichází vyvrcholení, které vede k repríze – třetí části formy, jakési rozuzlení dramatu.

Název této sekce pochází z francouzského slova reprendre – obnovit. Jde o obnovu, opakování expozice, ale upravenou: obě části nyní znějí v hlavní tónině symfonie, jakoby byly přivedeny ke shodě vývojovými událostmi. Někdy jsou v repríze další změny. Lze jej například ořezat (aniž by v expozici zaznělo žádné téma), zrcadlit (nejprve zazní boční část a teprve poté hlavní část). První část symfonie obvykle končí codou - závěrem, který zakládá hlavní tonalitu a hlavní obraz sonáty allegro. V raných symfoniích je coda malá a je v podstatě poněkud rozvinutou závěrečnou částí. Později, například u Beethovena, nabývá významných rozměrů a stává se jakýmsi druhým vývojem, v němž se opět dosahuje afirmace bojem.

Tato forma se ukázala jako skutečně univerzální. Od dob symfonie až po současnost úspěšně ztělesňuje nejhlubší obsah, zprostředkovává nepřeberné množství obrazů, myšlenek a problémů.

Druhá část symfonie je pomalá. To je obvykle lyrický střed cyklu. Jeho tvar se liší. Nejčastěji je třídílný, to znamená, že má podobné vnější úseky a kontrastní střední úsek, ale může být napsán i ve formě variací nebo jiné formy, až po sonátu, která se strukturou liší od prvního alegra. pouze v pomalejším tempu a méně efektivním vývoji.

Třetí věta je menuet v raných symfoniích a scherzo od Beethovena po moderní dobu, zpravidla komplexní třídílná forma. Obsah této části se v průběhu desetiletí upravoval a komplikoval od všedního či dvorního tance až po monumentální mocná scherza XIX století a dále k hrozivým obrazům zla a násilí v symfonických cyklech Šostakoviče, Honeggera a dalších symfonistů 20. století. Počínaje 2. polovinou 19. století se scherzo stále více mění s pomalou větou, která se v souladu s novým pojetím symfonie stává jakousi duchovní reakcí nejen na události první části, ale i k figurativnímu světu scherza (zejména v Mahlerových symfoniích).

Finále, které je závěrem cyklu, je v raných symfoniích často psáno ve formě rondové sonáty. Střídání veselých epizod jiskřících zábavou s neustálým tanečním refrénem - taková struktura přirozeně vyplývala z povahy obrazů finále, z jeho sémantiky. Postupem času, s prohlubováním problémů symfonie, se začaly měnit vzorce struktury jejího finále. Finále se začaly objevovat v sonátové formě, ve formě variací, ve volné formě a nakonec s oratorními prvky (se začleněním sboru). Změnily se i jeho obrazy: nejen životní afirmace, ale někdy i tragické vyústění (Čajkovského Šestá symfonie), smíření s krutou realitou nebo únik z ní do světa snů, iluze se staly obsahem finále symfonického cyklu v posledních sto let.

Vraťme se ale na začátek slavné cesty tohoto žánru. Poté, co se objevil v polovině 18. století, dosáhl klasického dokončení v díle velkého Haydna.

Longread" symfonická hudba" ve službě Tilda

http://projekt134743. tilda. ws/ strana621898.html

Symfonická hudba

Hudební díla určená k provedení symfonickým orchestrem.

Skupiny nástrojů symfonický orchestr:

Mosaz: trubka, tuba, pozoun, lesní roh.

Dřevěné dechové nástroje: hoboj, klarinet, flétna, fagot.

Struny: housle, viola, violoncello, kontrabas

Perkuse: basový buben, malý buben, tamtam, tympány, Celesta, tamburína, činely, kastaněty, maracas, gong, trojúhelník, zvonky, xylofon

Další nástroje symfonického orchestru: Varhany, Celesta, Cembalo, Harfa, Kytara, Klavír (Royal, Piano).

Charakteristiky zabarvení nástrojů

Housle: Jemné, lehké, jasné, melodické, jasné, teplé

Viola: Matná, jemná

Violoncello: Bohaté, husté

Kontrabas: Tupý, drsný, ponurý, tlustý

Flétna: Pískání, zima

Hoboj: Nosní, nosní

Klarinet: Kartáčovaný, nosní

Fagot: Stlačený, tlustý

Trumpeta: Lesklá, světlá, lehká, kovová

Roh: Kulatý, měkký

Pozoun: Kovový, ostrý, silný.

Tuba: Drsná, hustá, těžká

Hlavní žánry symfonická hudba:

Symfonie, suita, předehra, symfonická báseň

Symfonie

- (z řečtiny symfonie - "souzvuk", "shoda")
přední žánr orchestrální hudby, komplexní, bohatě rozvinuté vícedílné dílo.

Vlastnosti symfonie

Jedná se o hlavní hudební žánr.
— Doba přehrávání: od 30 minut do hodiny.

Hlavní postavou a účinkujícím je symfonický orchestr

Struktura symfonie (klasická forma)

Skládá se ze 4 částí, které ztělesňují různé aspekty lidského života

Část 1

Rychlý a nejdramatičtější, někdy mu předchází pomalý úvod. Psáno v sonátové formě, v rychlém tempu (allegro).

část 2

Mírumilovný, přemýšlivý, oddaný pokojným obrazům přírody, lyrickým zážitkům; truchlivé nebo tragické nálady.
Zní zpomaleně, psáno ve formě ronda, méně často ve formě sonáty nebo variace.

Část 3

Tady je hra, zábava, obrázky lidový život. Jedná se o scherzo nebo menuet v tripartitní formě.

část 4

Rychlé finále. V důsledku všech částí se vyznačuje vítězným, slavnostním, slavnostním charakterem. Píše se v sonátové formě nebo ve formě ronda, rondosonáty.

Ale jsou symfonie s méně (nebo více) částmi. Nechybí ani jednověté symfonie.

Symfonie v dílech zahraničních skladatelů

    • Franz Joseph Haydn (1732 - 1809)

108 symfonií

Symfonie č. 103 „S tremolovými tympány“

Jeho jméno" s tremolovými tympány„Symfonie získala díky prvnímu taktu, ve kterém tympány hrají tremolo (italsky tremolo – chvění), připomínající vzdálené dunění hromu,
na tónickém zvuku E-flat. Tak začíná pomalý unisono úvod (Adagio) k první větě, která má hluboce soustředěný charakter.

    • Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)

56 symfonií

Symfonie č. 40

Jedna z nejslavnějších posledních Mozartových symfonií. Velkou oblibu si symfonie získala díky své nezvykle upřímné hudbě, člověku srozumitelné. do širokého kruhu posluchači.
První část symfonie nemá úvod, ale hned začíná představením tématu hlavní allegro části. Toto téma je agitované povahy; Zároveň se vyznačuje svou melodičností a upřímností.

    • Ludwig van Beethoven (1770—1827)

9 symfonií

Symfonie č. 5

Symfonie udivuje lakonismem svého podání, stručností forem, snahou o rozvoj a jako by se zrodila v jediném tvůrčím impulsu.
"Takhle nám osud klepe na dveře," řekl Beethoven
o úvodních taktech tohoto díla. Jasný expresivní hudba Hlavní motiv symfonie umožňuje interpretovat ji jako obraz zápasu člověka s ranami osudu. Čtyři věty symfonie jsou prezentovány jako fáze tohoto boje.

    • Franz Schubert(1797—1828)

9 symfonií

Symfonie č. 8 "Nedokončená"

Jedna z nejpoetičtějších stránek v pokladnici světové symfonie, nové odvážné slovo v tomto nejsložitějším hudebním žánru, které otevřelo cestu k romantismu. Jde o první lyricko-psychologické drama v symfonický žánr.
Nemá 4 části, jako symfonie klasických skladatelů, ale pouze dvě. Dvě věty této symfonie však zanechávají dojem úžasné celistvosti a vyčerpání.

Symfonie v dílech ruských skladatelů

    • Sergej Sergejevič Prokofjev (1891— 1953)

7 symfonií

Symfonie č. 1 "Klasická"

Říká se tomu „klasické“, protože zachovává si přísnost a logiku klasické formy 18. století a zároveň se vyznačuje moderním hudebním jazykem.
Hudba je plná ostrých a „pichlavých“ témat, rychlých pasáží, využívajících rysy tanečních žánrů (polonéza, menuet, gavota, cval). Ne náhodou vznikly choreografické skladby na hudbu symfonie.

    • Dmitrij Dmitrijevič Šostakovič(1906—1975)

15 symfonií

Symfonie č. 7 "Leningrad"

V roce 1941 skladatel odpověděl Symfonií č. 7 hrozné události světové války, věnované obléhání Leningradu ( Leningradská symfonie)
„Sedmá symfonie je báseň o našem boji, o našem nadcházejícím vítězství,“ napsal Šostakovič. Symfonie získala celosvětové uznání jako symbol boje proti fašismu.
Suchá, strohá melodie hlavního tématu a neustálé bubnování vytváří pocit bdělosti a úzkostného očekávání.

    • Vasilij Sergejevič Kalinnikov (1866-1900)

2 symfonie

Symfonie č. 1

Kalinnikov začal psát svou první symfonii v březnu 1894 a dokončil ji přesně o rok později, v březnu 1895.
Symfonie nejživěji ztělesňovala rysy skladatelova talentu – duchovní otevřenost, spontánnost, bohatost lyrických citů. Ve své symfonii skladatel prostřednictvím ruské hudby oslavuje krásu a vznešenost přírody, ruský život, zosobňuje obraz Ruska, ruskou duši.

    • Petr Iljič Čajkovskij (1840—1893)

7 symfonií

Symfonie č. 5

Zahájení symfonie je smutečním pochodem. „Naprostý obdiv k osudu... před nevyzpytatelným osudem,“ píše Čajkovskij ve svých konceptech.
Tak těžký způsob, jak překonat a vnitřní boj skladatel vítězí nad sebou samým, nad svými pochybnostmi, duševním nesouladem a zmatením citů.
Nosičem hlavní myšlenky je komprimované, rytmicky elastické téma s neustálou přitažlivostí k původnímu zvuku, které prochází všemi částmi cyklu.

"Účelem hudby je dotknout se srdcí"
(Johann Sebastian Bach).

"Hudba by měla vystřelit oheň z lidských srdcí"
(Ludwig van Beethoven).

"Hudba, i v těch nejstrašnějších dramatických situacích, by měla vždy zaujmout ucho, vždy zůstat hudbou."
(Wolfgang Amadeus Mozart).

„Hudební materiál, tedy melodie, harmonie a rytmus, je jistě nevyčerpatelný.
Hudba je pokladnice, do které každá národnost přispívá svým vlastním, ke společnému prospěchu.“
(Pjotr ​​Iljič Čajkovskij).

Milujte a studujte velké hudební umění. Otevře se vám celý svět vysokých citů, vášní, myšlenek. Udělá vás to duchovně bohatšími. Díky hudbě v sobě najdete nové přednosti, které pro vás byly dříve neznámé. Uvidíš život v nových tónech a barvách“
(Dmitrij Dmitrijevič Šostakovič).

Flegontová Anastasia

třída 7specializace "Hudební teorie",MAOUUDOD DSHI č. 46, Kemerovo

Zaigraeva Valentina Afanasyevna

vědecký supervizor,učitel teoretických oborů MAOU DOD "DSHI č. 46"

Zavedení

Každé větší město má symfonický orchestr. Je žádaný jak v operních domech, tak ve filharmonických společnostech. Ale samotný žánr symfonie – jeden z nejctihodnějších žánrů akademické hudby – dnes nahrazuje hudba komorní a elektronická. A může se stát, že přijde hodina, kdy se tak skvělý žánr, jako je symfonie, už na koncertech vůbec hrát nebude. Alespoň už skoro přestali skládat symfonie. Relevance výzkumná témata: neutuchající zájem o otázku budoucí existence žánru „symfonie“ co čeká symfonii v 21. století: znovuzrození nebo zapomnění? Předmět studia je symfonie jako žánr i jako vážný způsob chápání světa a lidského sebevyjádření. Předmět zkoumání: vývoj symfonického žánru od jeho počátků až po současnost. Účel práce: studovat rysy vývoje symfonického žánru. Cíle výzkumu: analyzovat vědecký a teoretický materiál k problému; popsat symfonické zákony, normy, modely a trendy ve vývoji žánru.

Kapitolajá. Historie slova "symfonie".

Symfonie (z řec. symphonía - souzvuk, od sýn - spolu a telefon - zvuk), hudební dílo v sonátové cyklické formě, určené k provedení symfonickým orchestrem; jeden z nejdůležitějších žánrů symfonické hudby. V některých symfoniích je zapojen i sbor a sóloví zpěváci. Symfonie je jedním z nejsložitějších hudebních žánrů. „Vytvořit symfonii pro mě znamená vybudovat svět za použití všech prostředků moderní hudební technologie,“ řekl rakouský skladatel Gustav Mahler.

Zpočátku, ve starověkém Řecku, byl „symfonie“ pojmenován pro eufonický zvuk tónů, zpívajících společně v unisonu. Již ve starověkém Římě to byl název pro soubor nebo orchestr. Ve středověku byla světská hudba obecně považována za „symfonii“ (ve Francii tento význam zůstal až do 18. století) a některé hudební nástroje (zejména hurdiska) by se tak daly nazvat. V Německu byla symfonie až do poloviny 18. století obecným označením pro odrůdy cembal - spinety a virginely, ve Francii se tak nazývaly sudové varhany, cembala, dvouhlavé bubny atd.

Na konci barokní éry někteří skladatelé, jako Giuseppe Torelli (1658-1709), komponovali díla pro smyčcový orchestr a basso continuo ve třech částech, s rychlým-pomalým-rychlým tempem. Ačkoli podobné eseje obvykle nazývané „koncerty“, nelišily se od děl zvaných „symfonie“; například taneční témata byla použita ve finále koncertů i symfonií. Rozdíl se týkal především stavby první části cyklu: v symfoniích byla jednodušší - zpravidla binární dvoudílná forma barokní předehry, sonáty a suity (AA BB). Teprve v šestnáctém století. začal být aplikován na jednotlivá díla, zpočátku vokálně-instrumentální, od takových skladatelů jako Giovanni Gabrieli (Sacrae symphoniae, 1597, a Symphoniae sacrae 1615), Adriano Banchieri (Eclesiastiche Sinfonie, 1607), Lodovico Grossi da Viadana (Sinfonie musical, ) a Heinrich Schütz (Symphoniae sacrae, 1629). Italští skladatelé 17. století. Slovo „symfonie“ (sinfonia) často označovalo instrumentální úvody k opeře, oratoriu nebo kantátě a významem se termín přibližoval pojmům „předehra“ nebo „předehra“.

Za prototyp symfonie lze považovat italskou předehru, která se zformovala za Domenica Scarlattiho na konci 17. století. Tato forma se již nazývala symfonie a skládala se ze tří kontrastních částí: allegro, andante a allegro, které splývaly v jeden celek v první části byly nastíněny rysy sonátové formy; Právě tato forma je často vnímána jako přímý předchůdce orchestrální symfonie. Naproti tomu předchůdcem symfonie byla orchestrální sonáta, skládající se z několika vět v nejjednodušších formách a hlavně ve stejné tónině. Termíny “předehra” a “symfonie” byly používány zaměnitelně pro hodně z 18. století.

V 18. stol symfonie se oddělila od opery a stala se samostatným koncertním žánrem, obvykle ve třech větách („rychle – pomalu – rychle“). S využitím rysů barokní taneční suity, opery a koncertu řada skladatelů a především J.B. Sammartini vytvořil model klasické symfonie - třívětého díla pro smyčcový orchestr, kde rychlé věty měly obvykle podobu jednoduchého ronda nebo rané sonátové formy. Postupně se ke smyčcům přidávaly další nástroje: hoboje (nebo flétny), lesní rohy, trubky a tympány. Pro posluchače 18. století. symfonii určovaly klasické normy: homofonní textura, diatonická harmonie, melodické kontrasty, daný sled dynamických a tematických změn. Centry, kde se pěstovala klasická symfonie, byly německé město Mannheim (zde Jan Stamitz a další autoři rozšířili symfonický cyklus na čtyři věty, zavedli do něj dva tance z barokní suity - menuet a trio) a Vídeň, kde Haydn, Mozart , Beethoven (stejně jako jejich předchůdci, mezi nimiž vynikají Georg Monn a Georg Wagenseil, povýšili žánr symfonie na nová úroveň. Johann Sebastian Bach (1685-1750, Německo) také nazval svých 15 her „symfoniemi“ (ve stejných tóninách jako dvouhlasé vynálezy, ale ve tříhlasém podání).

KapitolaII. Symfonie zahraničních skladatelů

1. vídeňská klasika

1.1. Franz Joseph Haydn

V díle Franze Josepha Haydna (1732-1809) se konečně zformoval symfonický cyklus. Jeho rané symfonie se dodnes nijak zásadně neliší od komorní hudby a jen stěží přesahují běžné zábavní a každodenní žánry té doby. Teprve v 70. letech se objevují díla, která vyjadřují více hluboký svět obrázky („Funeral Symphony“, „Farewell Symphony“ atd.). Postupně jsou jeho symfonie nasyceny hlubším dramatickým obsahem. Nejvyšším počinem Haydnova symfonismu je dvanáct „londýnských“ symfonií.

Sonátová strukturaallegro. Každá ze symfonií (s výjimkou c moll) začíná krátkým pomalým úvodem slavnostně majestátní, promyšleně soustředěné, lyricky zádumčivé nebo klidně kontemplativní postavy (obvykle v tempu Largo nebo Adagio). Pomalý úvod ostře kontrastuje s následným Allegrem (což je první část symfonie) a zároveň ji připravuje. Mezi tématy hlavních a vedlejších částí není jasný figurativní kontrast. Oba jsou většinou lidového písňového a tanečního charakteru. Je zde pouze tónový kontrast: hlavní tonalita hlavních částí je v kontrastu s dominantní tonalitou bočních částí. Vývoj, který je budován motivickou izolací, se v Haydnových symfoniích výrazně rozvinul. Krátký, ale nejaktivnější úsek se odděluje od tématu hlavní nebo vedlejší části a prochází poměrně dlouhým samostatným vývojem (nepřetržité modulace v různých tóninách, prováděné různými nástroji a v různých rejstřících). To dává vývoji dynamický a ambiciózní charakter.

Druhá (pomalá) část mají jiný charakter: někdy promyšleně lyrický, někdy písničkový, v některých případech pochodový. Liší se také tvarem. Nejběžnější jsou složité třídílné a variační formy.

Menuety. Třetí věty „londýnských“ symfonií se vždy nazývají Menuetto. Mnohé z Haydnových menuetů mají charakter country tanců s poněkud těžkopádnou chůzí, rozmáchlou melodií, nečekanými akcenty a rytmickými posuny, často působí humorně. Třídobá velikost tradičního menuetu je zachována, ale ztrácí svou aristokratickou sofistikovanost a stává se demokratickým, selským tancem.

finále. Ve finále Haydnových symfonií obvykle poutají pozornost žánrové obrazy, které se rovněž vracejí k lidové taneční hudbě. Formou je nejčastěji sonáta nebo rondosonáta. V některých finále „londýnských“ symfonií jsou široce používány techniky variace a polyfonního (imitačního) vývoje, které dále zdůrazňují rychlý pohyb hudby a dynamizují celou hudební strukturu. [ 4, str. 76-78]

Orchestr. V Haydnově díle se ustálilo i složení orchestru. Je založen na čtyřech skupinách nástrojů. Smyčcová sekce, vedoucí sekce orchestru, zahrnuje housle, violy, violoncella a kontrabasy. Dřevěnou skupinu tvoří flétny, hoboje, klarinety (nepoužívají se ve všech symfoniích) a fagoty. Haydnovu žesťovou skupinu tvoří lesní rohy a trubky. Z bicích nástrojů používal Haydn v orchestru pouze tympány. Výjimkou je dvanáctá „Londýnská symfonie“, G dur („Vojenské“). Kromě tympánů představil Haydn triangl, činely a basový buben. Celkem dílo Franze Josepha Haydna zahrnuje více než 100 symfonií.

1.2. Wolfgang Amadeus Mozart

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) stál spolu s Haydnem u zrodu evropského symfonismu, zatímco Mozartovy nejlepší symfonie se objevily ještě před Haydnovými Londýnskými symfoniemi. Bez duplikování Haydna vyřešil Mozart problém symfonického cyklu po svém. Celkový počet jeho symfonií přesahuje 50, ačkoli podle průběžného číslování akceptovaného v ruské hudební vědě je poslední symfonie - „Jupiter“ - považována za 41. Podoba většiny Mozartových symfonií se datuje do raných let jeho tvorby. Během vídeňského období vzniklo pouze posledních 6 symfonií, včetně: „Linzské“ (1783), „Pražské“ (1786) a tří symfonií z roku 1788.

Mozartovy první symfonie byly silně ovlivněny tvorbou J.S. Bach. Projevilo se to jak v interpretaci cyklu (3 malé části, absence menuetu, malá orchestrální skladba), tak v různých výrazových detailech (melodie témat, výrazové kontrasty dur a moll, hlavní role houslí).

Návštěvy hlavních center evropské symfonie (Vídeň, Milán, Paříž, Mannheim) přispěly k rozvoji Mozartova symfonického myšlení: obsah symfonií se obohacuje, emocionální kontrasty se projasňují, tematický vývoj je aktivnější, měřítko partů se zvětší a orchestrální struktura se více rozvine. Na rozdíl od Haydnových "Londýnských symfonií", které obecně rozvíjejí jeden typ symfonismu, se nejlepší Mozartovy symfonie (č. 39-41) nehodí k typizaci, jsou naprosto jedinečné. Každý z nich ztělesňuje zásadně nové umělecký nápad. Dvě z posledních čtyř Mozartových symfonií mají pomalý úvod, další dvě ne. Symfonie č. 38 („Pražská“, D dur) má tři věty („symfonie bez menuetu“), zbytek má čtyři.

Nejvíc charakteristické rysy Mozartovu interpretaci žánru symfonie lze připsat:

· konfliktní dramaturgie. Na různých úrovních částí cyklu se v Mozartových symfoniích objevují jednotlivá témata, různé tematické prvky v tématu, kontrast a konflikt. Řada Mozartových symfonických témat se zpočátku jeví jako „komplexní postava“: jsou postavena na několika kontrastních prvcích (např. hlavní témata ve finále 40. první věty Jupiterské symfonie). Tyto vnitřní kontrasty jsou nejdůležitějším stimulem pro následující dramatický vývoj, zejména ve vývoji:

1. preference sonátové formy. Mozart na ni zpravidla odkazuje ve všech částech svých symfonií, kromě menuetu. Právě sonátová forma se svým obrovským potenciálem pro transformaci výchozích témat je schopna nejhlubšího odhalení duchovní svět osoba. V Mozartově sonátovém vývoji může každé téma expozice nabýt samostatného významu, vč. spojující a závěrečné (například v symfonii „Jupiter“, ve vývoji první části se rozvíjejí témata z.p. a st.p. a ve druhé části - st.t.);

2. obrovská role polyfonní technologie. Různé polyfonní techniky značně přispívají k dramatu, zejména v pozdější práce(nejvýraznějším příkladem je finále symfonie Jupiter);

3. odklon od otevřených žánrů v symfonických menuetech a finále. Na rozdíl od Haydna na ně nelze použít definici „žánru-každodenní“. Naopak Mozart ve svých menuetech často „neutralizuje“ taneční princip, naplňuje jejich hudbu buď dramatem (v symfonii č. 40), nebo lyrikou (v symfonii „Jupiter“);

4. konečné překonání suitové logiky symfonického cyklu jako střídání různých částí. Mozartovy čtyři věty symfonie představují organickou jednotu (to bylo patrné zejména u Symfonie č. 40);

5. úzké spojení s vokální žánry. Klasická instrumentální hudba vznikla pod silným vlivem opery. V Mozartovi je tento vliv operní expresivity cítit velmi silně. Projevuje se nejen v užití charakteristických operních intonací (jako např. v hlavním tématu 40. symfonie, které bývá přirovnáváno k Cherubinovu tématu „Nevím, neumím vysvětlit...“ ). Mozartova symfonická hudba je prostoupena kontrastními juxtapozicemi tragického a bláznivého, vznešeného a obyčejného, ​​což jasně připomíná jeho operní díla.

1.3. Ludwig van Beethoven

Ludwig van Beethoven (1770-1827) dále obohatil žánr symfonie. V jeho symfoniích, hrdinství, dramatu, filozofický začátek. Části symfonie jsou tematicky těsněji propojeny a cyklus dosahuje větší jednoty. Princip použití kin tematický materiál ve všech čtyřech větách, provedených v Beethovenově Páté symfonii, vedly ke vzniku t. zv. cyklická symfonie. Beethoven nahrazuje klidný menuet živějším, často bouřlivým scherzem; povyšuje tématický vývoj na novou úroveň, svá témata podrobuje všemožným změnám, včetně kontrapunktického vývoje, izolování fragmentů témat, střídání modů (dur - moll), rytmických posunů.

Když mluvíme o Beethovenových symfoniích, měli bychom zdůraznit jeho orchestrální inovaci. Mezi inovacemi:

1. aktuální tvorba skupiny mědi. Přestože se na trubky stále hraje a nahrává společně s tympány, funkčně se s nimi a lesními rohy začíná zacházet jako s jednou skupinou. K nim se připojují i ​​pozouny, které nebyly in symfonický orchestr Haydna a Mozarta. Pozouny hrají ve finále 5. symfonie (3 trombony), ve scéně bouřky v 6. (zde jsou pouze 2), stejně jako v některých částech 9. (ve scherzu a v modlitební epizodě finále , stejně jako v coda);

2. zhutnění „střední vrstvy“ nutí vertikálu zvětšovat se nad a pod. Pikolová flétna se objevuje nahoře (ve všech výše uvedených případech, kromě modlitební epizody ve finále 9. symfonie) a dole - kontrafagot (ve finále 5. a 9. symfonie). Ale v každém případě jsou v Beethovenově orchestru vždy dvě flétny a fagoty;

3. Beethoven navazuje na tradici Haydnových Londýnských symfonií a Mozartových pozdějších symfonií a posiluje nezávislost a virtuozitu partů téměř všech nástrojů, včetně trubky (slavné sólové zákulisí v předehrávkách Leonora č. 2 a č. 3) a tympánů. . Často má 5 smyčcových partů (kontrabasy jsou odděleny od violoncell), někdy i více (hra divisi). Všechny dřevěné dechové nástroje, včetně fagotu, stejně jako lesní rohy (v sboru, jako v triu Scherzo 3. symfonie nebo samostatně) mohou sólovat a předvádět velmi jasný materiál.

2. Romantismus

Hlavním poznávacím znakem romantismu byl růst formy, složení orchestru a hutnost zvuku se objevily leitmotivy. Romantičtí skladatelé zachovali tradiční schéma cyklu, ale naplnili jej novým obsahem. Významné místo mezi nimi zaujímá lyrická symfonie, k jejímž nejzářivějším příkladům patřila Symfonie h moll od F. Schuberta. Tato linie pokračovala v symfoniích F. Mendelssohna-Bartholdyho, často majících malířsko-krajinářský charakter. Symfonie tak získaly programové rysy tak charakteristické pro romantické skladatele. Hector Berlioz, vynikající francouzský skladatel, jako první vytvořil programovou symfonii a napsal pro ni poetický program v podobě krátké povídky o umělcově životě. Programové myšlenky v romantické hudbě se však častěji ztělesňovaly do forem jednovětých symfonických básní, fantazií apod. Nejvýraznější autor symfonií nakonec XIX - brzy XX století byl tam G. Mahler, který občas zaujal vokální element. Významné symfonie na Západě vytvořili představitelé nových národních škol: ve 2. pol. 19. stol. - A. Dvořák v České republice ve 20. století. - K. Szymanowski v Polsku, E. Elgar a R. Vaughan Williams v Anglii, J. Sibelius ve Finsku. Inovativní funkce symfonie francouzských skladatelů A. Honeggera, D. Milhauda a dalších Jestliže na konci 19. a počátku 20. stol. Zatímco dominovala velká symfonie (často pro rozšířený orchestr), později začala hrát stále důležitější roli „komorní symfonie“, rozsahem skromná a určená pro soubor sólistů.

2.1. Franz Schubert (1797-1828)

Romantický symfonismus vytvořený Schubertem byl definován především v posledních dvou symfoniích – 8. h moll, nazvané „Nedokončené“ a 9. C dur. Jsou úplně jiné, naproti sobě. Epos 9. je prodchnut pocitem všepřemáhající radosti z bytí. „Nedokončené“ ztělesňovalo téma strádání a tragické beznaděje. Takové city, které odrážely osudy celé generace lidí, před Schubertem ještě nenašly symfonickou formu vyjádření. „Nedokončená“, která vznikla o dva roky dříve než Beethovenova 9. symfonie (v roce 1822), znamenala vznik nového symfonického žánru – lyricko-psychologického.

Jedním z hlavních rysů symfonie b moll je její cyklus, skládající se pouze ze dvou vět. Mnoho badatelů se pokusilo proniknout do „tajemství“ tohoto díla: byla brilantní symfonie skutečně nedokončena? Na jedné straně není pochyb o tom, že symfonie byla koncipována jako 4dílný cyklus: její původní klavírní skica obsahovala velký fragment 3. věty – scherzo. Nedostatečná tonální vyváženost mezi větami (h moll v 1. a E dur ve 2.) je také silným argumentem ve prospěch toho, že symfonie nebyla předem koncipována jako 2hlasá. Na druhou stranu měl Schubert dost času, pokud chtěl symfonii dokončit: po „Nedokončené“ vytvořil velký počet díla včetně 4dílné 9. symfonie. Existují další argumenty pro a proti. Mezitím se „Unfinished“ stala jednou z nejrepertoárových symfonií, aniž by působila dojmem zdrženlivosti. Její plán ve dvou částech se ukázal být plně realizován.

Hrdina „Nedokončeného“ je schopen jasných výbuchů protestu, ale tento protest nevede k vítězství principu, který potvrzuje život. Intenzitou konfliktu není tato symfonie nižší než dramatická díla Beethovenova, ale tento konflikt je jiné roviny, je přenesen do lyricko-psychologické sféry. Toto je drama zážitku, nikoli akce. Jeho základem není boj dvou protikladných principů, ale boj uvnitř osobnosti samotné. To je nejdůležitější rys romantického symfonismu, jehož prvním příkladem byla Schubertova symfonie.

KapitolaIII. Symfonie v Rusku

Symfonické dědictví ruských skladatelů - P.I. Čajkovskij, A.P. Borodina, A.G. Glazunov, Skrjabin, S.V. Rachmaninov. Počínaje druhou polovinou 19. století se přísné formy symfonie začaly hroutit. Čtyři věty se staly volitelnými: existují jak jednověté symfonie (Mjaskovskij, Kančeli, Boris Čajkovskij), tak jedenáctivěté (Šostakovič) a dokonce čtyřiadvacetivěté (Hovaness). Objevila se pomalá finále, v klasické symfonii nemožná (Čajkovského 6. symfonie, Mahlerova 3. a 9. symfonie). Po Beethovenově 9. symfonii začali skladatelé stále více zavádět do symfonií vokální party.

Druhá symfonie Alexandra Porfirieviče Borodina (1833-1887) je jedním z vrcholů jeho tvorby. Patří ke světovým symfonickým mistrovským dílům díky svému jasu, originalitě, monolitickému stylu a důmyslné realizaci obrazů ruského lidového eposu. Celkem napsal tři symfonie (třetí nebyla dokončena).

Alexander Konstantinovič Glazunov (1865-1936) je jedním z největších ruských symfoniků. V jeho stylu došlo ke zvláštní změně kreativní tradice Glinka a Borodin, Balakirev a Rimskij-Korsakov, Čajkovskij a Tanejev. Byl pojítkem mezi předříjnovými ruskými klasiky a mladým Sovětem hudební umění.

3.1. Petr Iljič Čajkovskij (1840-1893)

Symfonií v Rusku je především Čajkovskij. První symfonie „Zimní sny“ byla jeho prvním velkým dílem po absolvování Petrohradské konzervatoře. Tato událost, která se dnes zdá tak přirozená, byla v roce 1866 zcela mimořádná. Ruská symfonie – vícevětý orchestrální cyklus – stála na samém začátku své cesty. Do této doby existovaly pouze první symfonie Antona Grigorieviče Rubinsteina a první vydání První symfonie Nikolaje Andrejeviče Rimského-Korsakova, které nezískaly slávu. Čajkovskij vnímal svět dramaticky a jeho symfonie – na rozdíl od Borodinovy ​​epické symfonie – je lyricko-dramatická, ostře konfliktní povahy.

Čajkovského šest symfonií a programová symfonie „Manfred“ jsou umělecké světy, které se navzájem liší, jedná se o budovy postavené podle „individuálního“ projektu. Přestože jsou „zákony“ žánru, který vznikl a rozvinul se na západoevropské půdě, dodržovány a interpretovány s vynikající dovedností, obsah a jazyk symfonií jsou skutečně národní. Proto znějí v Čajkovského symfoniích tak organicky lidové písně.

3.2. Alexandr Nikolajevič Skrjabin (1872-1915)

Skrjabinova symfonie vznikla na základě tvůrčího lomu různých tradic symfonické klasiky XIX století. To je především tradice dramatického symfonismu Čajkovského a částečně Beethovena. Spolu s tím skladatel realizoval i některé rysy Lisztovy programově romantické symfonie. Některé rysy orchestrálního stylu Skrjabinových symfonií ho částečně spojují s Wagnerem. Všechny tyto různé zdroje však hluboce zpracoval nezávisle na sobě. Všechny tři symfonie jsou úzce propojeny společným ideovým konceptem. Jeho podstatu lze definovat jako boj lidské osobnosti s nepřátelskými silami stojícími v cestě k nastolení svobody. Tento boj vždy končí vítězstvím hrdiny a triumfem světla.

3.3. Dmitrij Dmitrijevič Šostakovič (1906-1975)

Šostakovič - skladatel a symfonik. Pokud je pro Prokofjeva při vší rozmanitosti jeho tvůrčích zájmů nejdůležitější hudební divadlo, pak pro Šostakoviče je naopak hlavním žánrem symfonie. Právě zde nacházejí hlavní myšlenky jeho díla hluboké a komplexní ztělesnění. Svět Šostakovičových symfonií je obrovský. Vidíme v nich celý život lidstva 20. století se všemi jeho složitostmi, rozpory, války a sociální konflikty.

Sedmá („Leningradská“) symfonie je jedním z nejvýznamnějších skladatelových děl. Je čtyřdílná. Její rozsah je obrovský: symfonie trvá více než 70 minut, z nichž téměř polovinu zabírá první věta. „Jaký ďábel může porazit lidi, kteří jsou schopni vytvořit takovou hudbu,“ napsal jeden z amerických novin v roce 1942. Šostakovičovu Sedmou symfonii lze právem nazvat „ Hrdinská symfonie» XX století.

3.4. Alfred Garrievich Schnittke (1934-1998)

Schnittke je sovětský a ruský skladatel, hudební teoretik a pedagog (autor článků o ruských a sovětských skladatelích), jedna z nejvýznamnějších hudebních osobností druhé poloviny 20. století, ctěný umělec RSFSR. Schnittke je jedním z vůdců hudební avantgardy. Navzdory velké popularitě hudby tohoto vynikajícího skladatele nebyly partitury mnoha jeho symfonií dosud publikovány a nejsou v Rusku snadno dostupné. Schnittke nastolil ve svých dílech filozofické problémy, z nichž hlavní byly člověk a životní prostředí. První symfonie obsahovala celý kaleidoskop různé styly, žánry a směry hudby. Východiskem pro vznik První symfonie byl vztah mezi styly vážné a lehké hudby. Druhá a čtvrtá symfonie do značné míry odrážejí formování skladatelova náboženského sebeuvědomění. Druhá symfonie zní jako starověká mše. Třetí symfonie byla výsledkem jeho vnitřní potřeby vyjádřit svůj postoj k německé kultuře, německým kořenům svého původu. Ve Třetí symfonii před posluchačem prochází celá historie německé hudby v podobě krátkých pasáží. Alfred Schnittke snil o tom, že vytvoří přesně devět symfonií – a předá tak Beethovenovi a Schubertovi, kteří napsali stejný počet, jakousi poklonu. Alfred Schnittke napsal Devátou symfonii (1995-97), když už byl vážně nemocný. Utrpěl tři mrtvice a vůbec se nehýbal. Skladatel nestihl partituru konečně dokončit. Poprvé její kompletaci a orchestrální vydání provedl Gennadij Rožděstvenskij, v jehož režii se 19. června 1998 uskutečnilo první provedení v Moskvě. Novou redakční verzi symfonie provedl Alexander Raskatov a 16. června 2007 zazněla v Drážďanech.

Ve druhé polovině 20. století se nejvíce prosadilo spojení principů různých žánrů v jednom díle - symfonickém, sborovém, komorním, instrumentálním a vokálním. Například Šostakovičova Čtrnáctá symfonie kombinuje symfonii, komorní vokální a instrumentální hudbu; Gavrilinova sborová představení spojují rysy oratoria, symfonie, vokální cyklus, balet, činoherní představení.

3.5. Michail Žuravlev

V 21. století existuje mnoho talentovaných skladatelů, kteří vzdávají hold symfonii. Jedním z nich je Michail Zhuravlev. Svým hudebním i politickým manifestem se skladatel odvážně vyrovnal postavám hudební historie jako L. Beethoven, P. Čajkovskij a D. Šostakovič. Dnešní 10. symfonii M. Zhuravleva lze snadno nazvat „hrdinskou symfonií 21. století“. Kromě obecných etických aspektů této symfonie je třeba poznamenat i ty ryze odborné. Autor neusiluje o inovace kvůli inovacím. Občas je až důrazně akademický, rozhodně se staví proti všem dekadentům a avantgardním umělcům. Podařilo se mu však říci něco skutečně nového, své vlastní slovo v symfonickém žánru. Skladatel M. Zhuravlev úžasně mistrně využívá principů sonátové formy, pokaždé předvádí její nekonečné možnosti. Kombinovaná 3. a 4. věta ve skutečnosti představuje jakousi „supersonátu“, v níž lze celou 4. větu považovat za rozšířenou do samostatné části cody. S tímto mimořádným kompozičním rozhodnutím se budou muset výzkumníci v budoucnu ještě vypořádat.

Závěr

Symfoniemi se původně nazývala ta díla, která nezapadala do rámce tradičních skladeb – co do počtu částí, tempového poměru, kombinace různých stylů – polyfonní (který byl v 17. století považován za dominantní) a nastupující homofonní (s hlasový doprovod). V 17. století symfonie (což znamenalo „souzvuk, souhlas, hledání nových zvuků“) nazývala všechny druhy neobvyklých hudební skladby, a v 18. století se rozšířily tzv. divertimentové symfonie, které vznikaly k ozvučení prostoru na plesech a různých společenských akcích. Žánrovým označením se symfonie stala až v 18. století. Z hlediska provedení je symfonie právem považována za velmi komplexní žánr. To vyžaduje obrovské složení, přítomnost mnoha vzácných hudební nástroje, zručnost hráčů orchestru a vokalistů (pokud se jedná o symfonii s textem), výborná akustika. Jako každý hudební žánr má i symfonie své vlastní zákony. Normou klasické symfonie je tedy čtyřvětý cyklus se sonátovou (nejsložitější) formou na okrajích, s pomalým a tanečním pohybem uprostřed skladby. Tato struktura není náhodná. Symfonie odráží procesy vztahu člověka ke světu: aktivní - v první části, sociální - ve čtvrté části kontemplace a hra - v centrálních částech cyklu. V zlomové body Během svého vývoje symfonická hudba měnila ustálená pravidla. A ty jevy v oblasti umění, které nejprve způsobily šok, pak se staly známými. Například symfonie s vokály a poezií se stala nejen náhodou, ale jedním z trendů ve vývoji žánru.

Moderní skladatelé dnes dávají přednost komorním žánrům, které vyžadují menší obsazení interpretů, před symfonickými formami. Na koncertech tohoto druhu dokonce používají fonogramy s nahrávkami hluku nebo nějakých elektronicko-akustických efektů. Hudební jazyk, který se dnes pěstuje v moderní hudbě, je velmi experimentální a objevný. Má se za to, že psát hudbu pro orchestr dnes znamená dát ji na stůl. Mnozí se domnívají, že doba symfonie jako žánru, ve kterém pracují mladí skladatelé, definitivně skončila. Ale je to opravdu tak, čas na tuto otázku odpoví?

Reference:

  1. Averyanova O.I. Domácí hudební literatura 20. století: Učebnice. příspěvek na dětskou hudební školu: čtvrtek. ročník výuky předmětu. - M.: Hudba, 2009. - 256 s.
  2. Borodin. Druhá symfonie (“Bogatyrskaya”) / článek - [Elektronický zdroj] - Režim přístupu - URL: http://belcanto.ru/s_borodin_2.html
  3. Hrdinská symfonie XXI. století / Článek V. Filatova // Próza. ru - [Elektronický zdroj] - Režim přístupu - URL: http://www.proza.ru/2010/08/07/459
  4. Levik B.V. Hudební literatura cizích zemí: vzdělávací a metodická příručka. sv. 2. - M.: Hudba, 1975. - 301 s.
  5. Prochorova I. Hudební literatura cizích zemí: Pro 5. tř. Dětská hudební škola: Učebnice M.: Hudba, 2000. - 112 s.
  6. Ruská hudební literatura. sv. 4. Ed. M.K. Michajlova, E.L. Smažený. - Leningrad: "Hudba", 1986. - 264 s.
  7. Symphony // Yandex. Slovníky › TSB, 1969-1978 - [Elektronický zdroj] - Režim přístupu - URL: http://slovari.yandex.ru/~books/TSE/Symphony/
  8. Symfonie. // Wikipedie. Volná encyklopedie - [Elektronický zdroj] - Režim přístupu - URL: http://www.tchaikov.ru/symphony.html
  9. Schubert, “Unfinished” Symphony // Přednášky o hudební literatuře musike.ru - [Elektronický zdroj] - Režim přístupu - URL: http://musike.ru/index.php?id=54