Divadelní režisér. Umělecký ředitel divadelního a zábavního podniku popis práce

Schválil jsem

(pozice manažera)

________________________________

(název organizace)

_________________/_____________/

"____"______________ _____ G.

POPIS PRÁCE

umělecký ředitel

(přibližná forma)

1. OBECNÁ USTANOVENÍ

Pravidla a předpisy ochrany práce, bezpečnosti a požární ochrany;

Ustanovení této pracovní náplně.

2. PRACOVNÍ POVINNOSTI

2.1. umělecký vedoucí:

2.1.1. Organizuje celý komplex tvůrčí a produkční činnosti divadla.

2.1.2. Zajišťuje uměleckou kvalitu repertoáru, přispívá k utváření a uspokojování potřeb obyvatelstva v oblasti scénického a hudebního umění.

2.1.3. Zjišťuje připravenost vystoupení a rozhoduje o jejich veřejném vystoupení.

2.1.5. Zajišťuje rozvoj a plnění závazků z uzavřených smluv.

2.1.6. Organizuje práci na rozvoji kreativních spojení s týmy podniků, institucí, organizací a podnikatelů za účelem propagace divadelního a hudebního umění a získávání mimorozpočtových prostředků na jeho rozvoj.

2.1.7. Přijímá opatření k zajištění kvalifikovaného personálu divadla, jeho správného umístění a racionálního využití.

2.1.8. Vytváří potřebné podmínky pro tvůrčí růst uměleckých pracovníků.

2.1.9. Poskytuje organickou kombinaci ekonomických a administrativních metod řízení, morálních a materiálních pobídek pro rozvoj aktivity zaměstnanců v tvůrčí a výrobní činnosti.

2.1.10. Podporuje vytváření a udržování příznivého morálního a psychologického klimatu v týmu.

2.1.11. Pověřuje řešení některých záležitostí ve své působnosti jiné zaměstnance divadla.

2.1.12. ______________________________________________.

3.1. Umělecký umělec má právo:

3.1.1. Seznamte se s návrhy rozhodnutí vedoucího organizace (divadla) vztahujících se k její činnosti.

3.1.2. Účastnit se diskusí o otázkách souvisejících s jím vykonávanými povinnostmi.

3.1.3. Předkládat návrhy na zlepšení prací souvisejících s povinnostmi stanovenými v těchto pokynech k posouzení vedení.

3.1.4. Zlepšete své dovednosti.

3.1.5. Dostávat od vedoucích stavebních divizí, specialistů informace a dokumenty potřebné k plnění jejich pracovních povinností.

3.1.6. _____________________________________________.

4. ODPOVĚDNOST

4.1. Umělecký umělec odpovídá:

4.1.1. Za neplnění nebo nesprávné plnění svých povinností stanovených touto pracovní náplní - v souladu s platnou pracovněprávní legislativou.

4.1.2. Za přestupky spáchané za dobu své činnosti - v souladu s platnou občanskou, správní a trestní legislativou.

4.1.3. Za způsobení věcné škody - v souladu s platnou legislativou.

4.1.4. Za porušení vnitřních pracovněprávních, požárních a bezpečnostních předpisů stanovených v podniku.

4.1.5. _________________________________________________.

5. PROVOZNÍ REŽIM

5.1. Rozvrh práce uměleckého šéfa je stanoven v souladu s vnitřními pracovními předpisy stanovenými v organizaci (divadle).

Přečetl jsem si pokyny: ________________/___________________

(podpis) (celé jméno)

O zakladatel, stálý umělecký ředitel a vrchní ředitel Divadla „Na nábřeží“ (dnes Moskevský státní rozpočtový ústav kultury „Dětské činoherní divadlo „Na nábřeží“), které od roku 1980 vede svou tvůrčí historii, jako společenství dospělí profesionálové a děti, teenageři, mládež spolupracující na představeních a na představeních na základě otevřené, vědomé a odpovědné spolupráce, společného rozvoje a spolutvoření; autor her a režisér více než 50 dramatických představení unikátního repertoáru divadla Naberezhnaya.

Fjodor Sukhov je absolventem katedry režie VTU. B.V. Shchukin ve Státním akademickém divadle pojmenovaném po. E.B. Vakhtangov (1993, diplom s vyznamenáním); vystudoval Moskevský energetický institut v oboru automatizace a telemechanika (1984); Studoval(a) na škole VGIK S.A. Gerasimova na hereckém a režijním kurzu S. Gerasimova a T. Makarové na osobní pozvání mistrů (pro roli A. Peškova ve vzdělávacím filmu „Moje univerzity“ v dílně M. Chutsieva).

Fjodor Sukhov - člen Svazu kameramanů Ruské federace (od roku 1993); divadelní a filmový herec - více než 10 hlavních rolí ve 20 filmech takových režisérů jako: S. Gerasimov, E. Urazbaev, G. Egiazarov, Yu Sorokin, K. Shakhnazarov a další; hráli historické postavy: kníže Vladimír Křtitel, První tiskař Ivan Fedorov, Maxim Gorkij, Maxmilián Vološin, maršál Sovětského svazu K. Meretskov.

Tituly: laureát titulu „Učitel roku v Rusku“, čestný pracovník všeobecného vzdělávání v Rusku.

Autor komplexní víceúrovňové metodiky „4 divadla: hrací, vzdělávací, inscenovaná a autorská divadla pro děti“ pro děti (teenageři, mládež) a dospělé, která tvoří základ činnosti Divadla „Na náplavce“ a její programy zařazené do programu UNESCO „Observatoř uměleckého vzdělávání účastníků státu SNS“.

Autor sociokulturních projektů Divadla „Na nábřeží“: Inkluzivní filmový a divadelní projekt „ŘEKA ŽIVOTA: Stále se starám“ o postižené děti (od roku 2016 do současnosti); Charitativní spolutvůrčí divadelní projekt „POKOJ DO VAŠEHO DOMU“ pro sirotky, žáky dětských domovů a pěstounské rodiny (od roku 2016 do současnosti); Otevřený spolutvůrčí divadelní projekt „TIGatoria“, který zahrnuje tradici, soubor metod, postupů a výzkumných aktivit (TIG - Divadelní hry) v prostoru dětského činoherního divadla (od roku 2000 do současnosti).

Mezinárodní aktivity - světově proslulý divadelní pedagog: vedl původní divadelní laboratoře a mistrovské kurzy v 17 zemích, včetně: Rakouska, Německa, Francie, Anglie, Irska, Finska, Chorvatska, Slovenska, Černé Hory, Izraele, Litvy, Lotyšska, Estonska a dalších; režie a divadelně-pedagogická práce na pozvání Institutu divadla Národní tchajwanské univerzity (Tchaj-wan), inscenace hry „The Cherry Orchard Theatre“ (Taipei, Taiwan); Pětkrát vedl ruské dětské a mládežnické divadelní týmy a byl vedoucím mezinárodních skupin na divadelních táborech EDERED (European Drama Encounters): v Německu, Izraeli, Estonsku, Chorvatsku a Rakousku.

Ocenění: Čestný certifikát Svazu divadelních pracovníků Ruska „Za plodnou divadelní a pedagogickou práci s mladými umělci“; Poděkování ministra kultury Ruské federace A.A. Avdeeva; laureát soutěže Moskevský grant v oblasti vědy a techniky ve vzdělávání; Poděkování od vedoucího ruského císařského domu „Za příkladnou službu vlasti, vysoké profesionální úspěchy a významný osobní přínos k rozvoji ruské vědy, kultury a umění“.

Moskevské umělecké divadlo pojmenované po. M. Gorkij se považuje za právního nástupce Moskevského uměleckého divadla a aniž by se vzdal tradic, které se rozvinuly během sovětské éry, definuje svou cestu po rozdělení jako „návrat ke Stanislavskému“.

V současné době je Moskevské umělecké divadlo pojmenováno po. M. Gorkij sídlí na bulváru Tverskoy 22, v budově postavené v roce 1973 podle návrhu architekta V. S. Kubasova z iniciativy ministra kultury E. A. Furcevy poskytnout jevištní prostor pro velký divadelní soubor. Současné moskevské umělecké divadlo vlastní Leninův řád, Řád Říjnové revoluce a Řád rudého praporu práce, získané v sovětské éře. Symbol starého moskevského uměleckého divadla, vznášejícího se racka, uchovávají obě divadla.

Od října 1987, kdy divadlo po rozdělení deklarovalo svou loajalitu zakladatelům Moskevského uměleckého divadla hrou M. Gorkého „Na hlubinách“, bylo odehráno více než sedmdesát představení.

Stále na jevišti Moskevského uměleckého divadla. M. Gorkij hraje hry inscenované před mnoha lety: „Modrý pták“ M. Maeterlincka, „Tři sestry“ A. P. Čechova – představení restaurované T. V. Doroninou podle režisérovy kresby Vl. I. Nemirovič-Dančenko.

Repertoár divadla zahrnuje představení různých žánrů, od komedií až po dramatické inscenace, na motivy děl klasiků světové i ruské literatury - W. Shakespeara, J. B. Moliere, B. Shawa, A. N. Ostrovského, A. P. Čechova, M. Gorkého, M. A. Bulgakova. a mnoho dalších – stejně jako moderní spisovatelé.

Zvláštní místo v repertoáru zaujímají představení za účasti Lidové umělkyně SSSR Taťány Vasilievny Doroniny: „Vassa Železnová“ M. Gorkého a „Stará herečka pro roli Dostojevského manželky“ E. S. Radzinského.

V současné době umělecký ředitel-ředitel Moskevského uměleckého divadla. M. Gorkij - Eduard Vladislavovič Bojakov, prezident - lidová umělkyně SSSR Taťána Vasilievna Doronina.

Prezident Moskevského uměleckého divadla pojmenovaného po. M. Gorkij, lidový umělec SSSR T. V. Doronina

Účel činoherního divadla byl vždy definován slovem „duchovno“. Ve snaze udržet a rozvíjet to, čemu se říká tradice, jsme se obrátili na hry těch autorů, kteří byli vždy považováni za Moskevské umělecké divadlo a od první sezóny po rozdělení definovali jejich cestu jako „návrat ke Stanislavskému“, jako afirmaci. klasické divadelní literatury. Čechov, Gorkij, Bulgakov, Dostojevskij - v dnešním podání hrané dnešními nabroušenými nervy, pochopenými zanícenými myslí. Sovětští dramatici Alexander Vampilov, Viktor Rozov, Alexey Arbuzov. V tradicích Moskevského uměleckého divadla - současní autoři. Nejlepší z nich: Valentin Rasputin, Jurij Polyakov, Vladimir Malyagin.

Snažíme se mladým hercům, kteří byli přijati do našeho souboru, předat to nejlepší, co nás naši skvělí učitelé naučili. Tradicemi ruského divadla jsou realismus, pravda a slova pro slávu člověka. Duchovní zdokonalování, touha obnovit to, čemu se říká „svědomí“, neboť právě svědomí je měřítkem lidské slušnosti, laskavosti a nezištnosti. Přítomnost svědomí v každém z nás určuje „jste člověk nebo třesoucí se stvoření“, občan vaší země nebo nepřítel a chamtivá osoba, která zabírá, ničí a pustoší zemi, která vás zrodila. To je pro nás základ, dnes velmi žádaný, když je tolik kriminality a ztratila se morální kritéria. Vracíme je. Jsme na cestě.

Budova divadla

V letech 1972–1973 Architekti V. S. Kubasov, A. V. Morgulis a V. S. Uljašov postavili novou budovu Moskevského uměleckého divadla (dnes Moskevské umělecké divadlo M. Gorkého): majestátní stavbu s tmavou fasádou, obloženou hnědočerveným tufem. Hlavní fasáda divadla je členěna dlouhými vodorovnými pruhy, napodobujícími kamennou divadelní oponu, padající v záhybech. Pevný bílý pás balkónů a ostře posunuté kovové konzoly podpírající lucerny a basreliéfy znázorňující čtyři múzy zvýrazňují hlavní vchod a také vnášejí do celé kompozice rytmus a dynamiku. Pylony jsou doplněny kompozicemi luceren. Z ulice vede široké schodiště ke vchodům posunutým hlouběji do budovy. Vyzývají diváky, aby vstoupili do velmi zvláštního, úžasného světa. Celkový styl fasády je blízký těžkým prototypům Petrohradu nebo dokonce skandinávské secese.

Hlediště má kapacitu 1345 lidí. Atmosféra slavnosti vzniká v interiérech zdobených dřevem, kamenem a bronzem. Vše je zde navrženo v barvách charakteristických pro budovu starého moskevského uměleckého divadla. Interiér divadla, vyrobený z přírodních materiálů (tmavé dřevo a kámen), dostal expresivní, ale zdrženlivé řešení. Dřevem jsou obloženy nejen stěny foyer, ale i celé hlediště, sloupy a dokonce i dveře výtahu. Kreativní myšlení autorů se projevilo v plastické úpravě stěn, podpěrných sloupků, zábradlí a stínidel v kombinaci s tlumeným barevným řešením (odstíny hnědé a olivově zelené), vytvářející v místnostech určitou ponurost.

Geometrický nábytek v tmavě zeleném odstínu ladí s ostrůvky zeleně zvýrazněnými osvětlením. Využití techniky plynoucích prostor, ve kterých jsou vynalézavě použity různé druhy osvětlení (lustry v podobě stalagmitů, schodiště se svítícími madly) pro zdůraznění přechodů z jedné místnosti do druhé, skrývá asymetrii vnitřní organizace.

Architekti vytvořili jasné výtvarné a nápadité řešení divadelní budovy, ve kterém byl nalezen přesný smysl pro stylovou jednotu formy, plasticity a barevnosti.

Umělecký ředitel

V čele divadla Vachtangova stojím dvacet let, ale těžko se o sobě mluví jako o uměleckém šéfovi. Proto bych se rád zastavil pouze u některých obecných aspektů své činnosti.

Když mi byla nabídnuta tato pozice, dlouho jsem o tom přemýšlela, nebylo to pro mě jednoduché, protože jsem si představovala zodpovědnost, kterou tento post ukládá, a zažívala jsem naprosto pochopitelný pocit strachu: zvládnu to? Ale stále souhlasil, protože věděl, že Vachtangovci nepřijmou „Varangiána“. Také, a to ukázala tehdejší zkušenost Moskevského uměleckého divadla, není možné řídit divadlo kolektivně. Může ji vést pouze jedna osoba. Zvedat jej může pouze jedna osoba. A po zvážení všech pro a proti jsem doufal, že se mi ještě podaří udržet prestiž a úroveň našeho divadla. Nastoupil jsem proto do funkce s hlavním úkolem, který mám před sebou – zachovat Vachtangovovo divadlo a nedopustit, aby se jeho zaměstnanci rozpadli do skupin.

K tomu zformuloval tři body svého programu. Jednak přilákání slavných režisérů do divadla k inscenování jednotlivých představení. Za druhé spoléhání se na talentovanou dramaturgii. A do třetice, když už jsem měl zkušenosti s divadelní a filmovou režií, slíbil jsem, že hry sám nebudu inscenovat, protože jsem to věděl: jakmile umělecký šéf začne inscenovat hry, okamžitě se stanou dominantou repertoáru. Ale nemám skutečný režisérský dar. Jestli něčemu rozumím, tak jedině v herectví.

Za těch dvacet let bylo naše divadlo posuzováno jinak. V těžkém desetiletí po perestrojce jedni říkali, že divadlo je zruinované, jiní si jen stěžovali, že jeho někdejší sláva pohasla. Nejprve jsme však přežili, když spolu s kolapsem

SSSR ztratil mnoho z toho, co bylo sovětské, a pak divadlo ožilo a nyní se aktivně rozvíjí a v tom částečně vidím svou zásluhu.

Bývaly doby, kdy jsme do jisté míry sdíleli osud všech divadel: s prudkým poklesem ideologického tisku jako bychom byli zasaženi nemocí jako keson. Opravdu, celá desetiletí bylo vše přísně regulováno, někdy jen trochu povolili ventil a najednou vyhlásili úplnou svobodu! Nebyla to prudká změna tlaku?... A museli jsme žít novým způsobem v podmínkách tržní ekonomiky, které pro nás byly neobvyklé.

Velkou katastrofou pro divadlo se stala destrukce estetiky asociativního umění. Ezopština se u nás najednou ukázala jako zbytečná. A Šatrovův „Brestlitevský mír“, který se promítal vyprodaným divákům i v zahraničí, se začal v našich divadlech promítat do poloprázdných sálů a musel být vyřazen z repertoáru. Diváci také chladně reagovali na vysoce relevantní hru „The Ides of March“ podle Wildera.

Co si budeme povídat, když i v Tagance, kde se odehrávala divoká, civilní představení, se díky náhle snížené pozornosti publika také vše stalo „normálním a cool“. A divadelní zápasník Jurij Ljubimov jako by se zmateně zastavil: s kým by měl bojovat? Na nějakou dobu také ztratil hlas. Tato zvláštní doba změn vyžadovala od divadel nové barvy a slova. A bylo čím dál těžší je najít.

Lidé navštěvovali divadla mnohem méně často, v neposlední řadě proto, že ceny vstupenek byly pro zbídačenou společnost nedostupné. Lidé samozřejmě přišli o hodně, ale divadlo netrpělo o nic méně, ochuzeno o myšlenky, zážitky a pocity společné s diváky. Jednoduše nedokázal udržet krok se životem, když události dopadaly jako skály na zmatené občany Ruska. Bylo možné je šokovat divadelním představením, když sám život každou hodinu překvapoval a šokoval? Nejedno z našich divadel proto uvízlo na rozcestí: jakým směrem se nyní ve své tvorbě vydat, kde hledat styčné body s diváky? Nechtěl jsem však zajít za ním do dálky, ztratit tvář, klesnout na úroveň sektoru služeb nebo dokonce přímo souhlasit s nezdvořilostí. Ale byla velká touha zachovat věčné hodnoty umění v divadle v nových podmínkách!

A kolem vzniklo mnoho komerčních divadel, která žila a žijí v podstatě pro rubl. Celkově vzato tam nebylo nastudováno jediné významné představení, nebyl vycvičen jediný herec. Protože je výhodné vzít tam již uznávané odborníky, kteří jdou, protože dobře platí! Lidsky jim rozumíte: kdo by nechtěl vydělávat více peněz a rychleji. Ale slavní herci nemohou zůstat dlouho na jednom místě, jsou očekáváni všude. Proto ta hackerská práce, pokles úrovně herectví, překvapení periferního diváka: kam se poděl talentovaný herec toho jména? A pracoval v nějaké francouzské cece. Nakonec to tak bylo, je a bude. A budiž, alespoň aby ​​bylo zachováno šedé pozadí pro ostré zobrazení skutečných divadelních objevů v popředí!

Přes všechny těžkosti, které jsme v minulosti museli snášet, jsme stále plně nezažili, co je to duchovní krize. Můžete tomu smekat, jak chcete, ale stále máme spoustu vzdělaných lidí, i když bývaly doby, kdy vzdělání nebylo v módě. Kolik stála tato malá věta: "Proč jsi tak chudý, když jsi tak chytrý?" Ale naše veřejnost – a to si každý všimne – zůstala nejsofistikovanější, pokud jde o umění, ať už jde o divadlo, hudbu nebo malbu. A vůbec nechci, aby tato úroveň klesla. Existují však důvody k obavám.

Podívejte se, co se děje na naší scéně. Kdo je idolem mládí, hrdinou, abych tak řekl, naší doby? Filip Kirkorov. Má moře fanoušků a obdivovatelů. Je velmi chválen. Napodobují ho a závidí mu. Ano, nepostrádá talent a krásu. Ale nezávidí mu to ani tak jako jeho bohatství. Ve skutečnosti: prakticky létá ve vlastním letadle a jeho Lincoln je do něj naložen, protože pouze v Lincolnu může idol vstoupit do Krasnojarsku nebo do jiného města. Ale ani to není tak špatné, protože Kirkorov je alespoň rozpoznatelný, má individualitu. Nové výstřelky masové kultury však byly oklamány jakýmisi „hvězdnými továrnami“, které chrlí interprety bez tváře a ti se ve skladbách předčasně vyspělých vokálních skupin mění bez újmy na jejich komerčním programu. Nic zvlášť škodlivého tam však není, pokud se na problematiku podíváme z pohledu kultury.

Chápu, že to všechno je reklama, šokující. Pokud by však naše Vachtangovovo divadlo chtělo dělat reklamu některému ze svých představení, nenašlo by ani setinu prostředků, které showbyznys vynaložil na propagaci svých oblíbenců. Navíc se mi zdá, že se divadlo vůbec nenaučí dělat si reklamu. Je staromódní, jako by byl oblečen do starodávných šatů, které omezují pohyb. Je mu trapné o sobě mluvit a zachovává si svou důstojnost.

Zdá se, že společným úsilím veřejných a soukromých struktur lze zemi dostat ze všeobecné ekonomické krize. Každé divadlo ale hledá cestu ze svých problémů téměř samo. Je to obtížná cesta, ale ten, kdo kráčí, tu cestu zvládne.

Když nás Jevgenij Rubenovič Simonov opustil, nezpřetrhal vazby s Vachtangovovým divadlem. Jméno tohoto režiséra se zapsalo do dějin divadla, které jako všichni Vachtangovci posvátně ctím – se všemi našimi vítězstvími, prohrami, zisky i prohrami. A nebudeme to přepisovat, „přizpůsobovat“ minulost příznivému sladění současnosti. Jevgenij Simonov zasvětil svá poslední léta vzniku divadla pojmenovaného po svém otci a považoval za svou synovskou povinnost zachovat jeho památku. A divadlo existuje už řadu let. Nachází se v uličkách Arbat velmi blízko nás a dnes jej režíruje jeden z předních herců divadla Vachtangov Vjačeslav Šalevič. A řešíme spolu mnoho problémů naší současné existence: Vachtangovské divadlo, Ščukinova divadelní škola, Divadlo Rubena Simonova, herci a režiséři všech generací Vachtangovských studentů.

Stále hledáme. Hledáme ve vzácných skladištích ruské klasiky, v moderním dramatu. Naším cílem je bránit divadlo jako chrám kultury. Zachytit emocionální přitažlivost diváka je klíčem k úspěchu. A všechna dnešní divadla hledají onu, možná velmi jednoduchou scénickou akci, která přivede do hlediště lidi, kteří touží porozumět tomu, kdo dnes jsme, co potřebujeme, abychom cítili svou lidskou výšku, naši životní nutnost. Myslím si, že literatura, divadlo a umění obecně jsou potřebné samy o sobě, aby se zvýšilo a přidalo množství laskavosti ve světě. Aby lidé mohli čerpat z tohoto zdroje pravdy a spravedlnosti, víry a lásky, jak jen mohou.

Když se zamyslíte nad tím, co je v divadelním umění nejdůležitější, pochopíte, že je to dovednost, profesionalita, ucho, které slyší dnešní dobu, hlas, který dokáže vyprávět o době.

Tuto dovednost musí mít především režisér. Vytvořením představení se stává vším: hercem, umělcem, hudebním designérem, čarodějem, tvůrcem, lhářem, snílkem – vším! Nakonec hru vydá a ta žije sama o sobě, bez ohledu na jejího tvůrce.

Dnešním problémem režie je, že vznikla určitá „houpací síť“, propad mezi kohortou velkých divadelních odborníků 20.-30. let minulého století – Stanislavským, Nemirovičem-Dančenkem, Vachtangovem, Meyerholdem, Tairovem, jejich studenty Rubenem Simonovem, Zavadskij, Okhlopkov, Akimov, Lobanov, Tovstonogov - a moderní režiséři.

Generace „učitelů“ nedospěla, což má zásadní dopad na oblast režiséra. Mám pocit, že tato má výtka je nespravedlivá: vychovat režiséra z člověka, který pro to nemá přirozený dar, je stejné jako snažit se někoho naučit, aby se stal skvělým spisovatelem. Georgij Aleksandrovič Tovstonogov otevřeně prohlásil: "Režisér si nemůže vychovat nástupce, protože to je umělecky nemožné." Neměl by znát všechny směry režie?

Moderní režiséři většinou nevyrůstali přirozeně „postupným zráním“, ale naopak napumpovali svaly. „Školáci“ jsou hodně na scéně, jsou energičtí, zruční a nemůžete jim vyčítat, že neznají svou práci, ale nedostatek školy ovlivňuje jejich práci. Filosofické chápání tématu, duchovno a přesvědčivá životní „výbava“, která byla přítomna v představeních slavných režisérů nedávné minulosti, kteří ve své tvorbě vycházeli z hluboké podstaty divadelního umění, v současných inscenacích velmi chybí.

Nemohu soudit všechny, mluvím na základě vlastních postřehů jako umělecký šéf divadla. Z toho, co nám mladí režiséři přinášejí, vidím: jsou to „mozkoví“, chladně kalkulující profesionálové. Není to jejich chyba: žijí v době, kdy se v divadle lámaly staré pojmy a známé kategorie a v běžném životě člověk ne vždy cítí pevnou půdu pod nohama. Tady, jak se říká, není čas na duchovní pochopení a pohled do nebes, tady mnozí přemýšlejí o tom, jak se zabydlet v tomto extravagantním světě, na čem lpět v tomto „brownovském hnutí“, v chaosu, který se děje. . A přesně tento chaos vnášejí režiséři do divadla. A duchovní chápání krásy vyžaduje klid a tvůrčí volno. Ale v honbě za hmotnými věcmi dnes pro nikoho neexistuje ani jedno, ani druhé. Bohužel se změnily i potřeby publika: moderní publikum chce od každé inscenované akce, když už chodí po pochůzkách, většinou jediné – možnost vypustit páru. Zde je televizní talk show „To the Barrier“. Vede ji nejtalentovanější novinář Vladimir Solovjov, obratně manipuluje s činy nejvlivnějších politiků země a prostě slavných lidí. Jsou to jeho herci. Co ale rozhoduje jeho převod? Nic! Všechno jsou to prázdné řeči, výkřiky jevištních loutek, které tvrdí, že mají pravdu, ale nikdo z nich nikoho neposlouchá. Do jisté míry je to pro účastníky talk show přínosné – přitahují tak pozornost veřejnosti. Co divák získá? Únava, úmorná pohádka na dobrou noc, dávka jakéhosi prášku na spaní a zároveň pomalu působící doping, který se po pár hodinách odpočinku může opět bezhlavě vrhnout do shonu. Tak a teď mluvte o tom, že režiséři jsou kněží krásy...

V moderním dramatu je obraz stejný: zdá se, že existuje spousta her, ale všechny mluví o tom samém – jak špatně se dnes cítíme a jak dobře bude, když uděláme to a to. To je něco, co diváka nepřekvapí!

V tomto ohledu jsem si z nějakého důvodu vzpomněl na hru „Oginského Polonéza“ od Romana Vikgyuka. Ukázalo to všeobecný kolaps. A co mi toto vystoupení prozradilo? Že se svět zbláznil? To už vím. Že se lidé díky pokušení mění ve zvířata? Často jsem to v životě viděl. Že nevědí kudy kam? Sám to někdy cítím. Tak proč takový výkon, když mi neřeknou cestu ven? Jestli v tom není ani mezera? Ale pořád mi sypou sůl do ran! za co?

Skutečné divadlo není sedativní droga, ale není ani psychotropní drogou k rozhýbání pokřivených duší. Řekl bych, že je příkladem normálnějšího, chytřejšího a ucelenějšího světa, než je ten, který často zůstává mimo práh hlediště. Ideální svět? Je to docela možné, protože umění je téměř vždy snahou o ideál.

Ano, divadlo by mělo být moderní, ale divák i herec potřebují více postav a kolizí, které obsahují nadčasové hodnoty. A zůstávají hodnotami, protože mají vždy něco společného s tím, co se děje dnes. Ale také připomenutí, že život není jen o kurzu dolaru a policejních operačních zprávách. V kypícím kotli všedního dne však nejsme vždy schopni pochopit podstatu toho, co se děje, a proto sami nedokážeme odpovědět na otázky, které nám realita klade. Pak přichází na pomoc klasika. Obsahuje věčné duchovní bohatství - odpovědi na otázky lidské existence, což znamená, že poskytuje podporu všem, kteří dnes žijí.

Nelze si představit, co bychom dnes dělali bez Ostrovského, Gogola, Dostojevského, Čechova, Shakespeara! Ale dnes nemůžete hrát jen klasiku. Musí se číst znovu v každé nové době, v každém novém obratu času. Všechno se totiž neustále mění. Něco umírá a rodí se ve společnosti. Mění se člověk, jeho přístup a vkus. Estetika je aktualizována. A představení by mělo organicky zapadat do našeho „šíleného, ​​bláznivého, bláznivého světa“. Na pozadí malovaného dřevěného Zamoskvorechye z 19. století, kdy se za zdí staví mrakodrapy ze skla a betonu, nemůžete být spokojení nad šálkem čaje s marmeládou.

Ale je tu něco, co obě prostředí spojuje – uznání lidských vášní a neměnnost mravních hodnot, což ve všech staletích umožňuje divadlu čerpat a čerpat z opravdu bezedné studnice dramaturgie všech dob a národů.

Láska... Jakkoli o ní mluvíme nebo píšeme, jakkoli hluboce ji sami prožíváme, zůstává tajemným, intimním, nepochopitelným pocitem. Neexistuje žádná definice lásky, která by se hodila pro všechny příležitosti. Vždy je objevem. Je těžké předvídat, k jaké akci to člověka inspiruje nebo k němu donutí. Ano, téměř všechny klasiky jsou milostné příběhy. A žádný z nich není jako ten druhý. Abychom parafrázovali básníka, můžeme říci: láska je jediná novinka, která je vždy nová...

I klasika je vždy nová. Ale ne vždy se stane, že to naberete – a tady to je, zlatá rybka úspěchu! A dohadujeme se, až v divadle ochrapkáme, co zařadit do aktuálního repertoáru. Režisér navrhuje Generálního inspektora nebo Čechovova Raceka. Zdá se mi, že se stalo jakousi obsedantní módou vykládat si Čechova a Gogola vždy po svém. Jako by se každé divadlo snažilo v Čechově najít něco, co ještě nikdo nenašel. Ano, Čechov i Gogol jsou velcí znalci člověka, ale bojím se módy, která se v divadelním repertoáru stává stejně povinně nepostradatelnou jako džíny.

Kdysi, když jsem se stal uměleckým šéfem, dal jsem si za úkol otevřít dveře Vachtangova divadla dokořán nové, relevantní činohře a ostré, moderně znějící klasice. K tomu bylo nutné pozvat jak vážné, známé režiséry, tak mladé, ale již zajímavé režiséry, kteří slíbili, že se odhalí po svém. Na tom jsem pracoval a na cestě byly úspěchy, i když mě nikdo nepojistil proti neúspěchu. Pro kreativní hledání jsou normální pouze úspěchy a neúspěchy. Není možné vyjmenovat všechny, které jsem pozval. Zmíním však, že Robert Sturua, Pyotr Fomenko, Arkady Kats, Roman Viktyuk, Vladimir Mirzoev, Vjačeslav Shalevich, Sergej Yashin, Alexander Gorban nám odhalili své režijní plány. Pod jejich vedením se uskutečnila taková představení jako „Brestlitevský mír“, „Mistrovské lekce“, „Ides of March“, „Vinen bez viny“, „Alibaba a čtyřicet zlodějů“, „Pronásledování dvou zajíců“, „ Zasvěcení Evě“ byly inscenovány „Cyrano de Bergerac“, „Pro leguána“ a mnoho dalších. Ale samozřejmě ne vše, co se podařilo, bylo korunováno vavříny velkého diváckého úspěchu. Přesto jsou tato představení etapami formování našeho divadla v těžkých letech, kdy v Rusku všichni naši krajané hledali své vlastní, často nové místo na slunci.

Ale to je, abych tak řekl, kreativní část starostí uměleckého ředitele a je založena na ekonomickém základu a částečně závisí na mezilidských vztazích v souboru - a na to musíte také myslet. Takové problémy se extrémně zhoršily v 90. letech minulého století a pravděpodobně by pro mě bylo nejsnazší odhodit je stranou a zaujmout nějakou vhodnou a poněkud odtažitou pozici. Ale musím se přiznat, že dodnes cítím zodpovědnost za věc, které jsem celý život sloužil – za divadlo.

Svého času skončila euforie z perestrojky a ukázalo se, že spolu s určitou administrativní nezávislostí získala divadla hromadu problémů, ale nezvládla mechanismy jejich řešení. A spoustu věcí jsem musel dělat sám.

Naše rekvizity byly opotřebované, jevištní zařízení zastaralé a v katastrofální finanční situaci (co se v tehdejší ekonomice dělo) divadlo nemělo prostředky na odstranění této díry. To znamená, že musíme jít za úředníky, šéfy, jejichž jména byla vždy legie. Stále máme více šéfů než pracovníků. Bylo toho hodně, ale bylo toho ještě víc. Všude, kam přijdete, je spousta výborů, parlamentů a oddělení. Bylo by hezké zavést uniformy pro úředníky – pak bychom naprosto vypadali jako Nikolajevovo „tyčové“ Rusko, jak se popisovalo za sovětských časů. Jen tehdy se nám ani nesnilo o tom, co máme teď! Procházení vysokými úřady je podobné Dantovým pekelným kruhům: není pravda, že vám přidělí, co potřebujete, ale rozhodně budete trpět ponížením. A musíte jít, aby vaše práce nebyla zastavena, aby se na dlouhou dobu nevzdávaly ty nejlepší tradice divadelního umění a národní kultury vůbec, které jsou v mnoha ohledech již na ústupu.

Tak jsem šel. Například u našeho divadla na Arbatu dlouho stál zchátralý dům, který nebylo možné obnovit a nikomu nepatřil. Jako vzduch jsme potřebovali druhou scénu pro experimentální činnost v divadle, pro rozšíření repertoáru a konečně pro zajištění práce pro celý soubor. Nepodařilo se ale získat pozemky v sousedství s nápisem „pro plnou správu“, abychom přilákali investory a stavebníky. Na naše požadavky a důvody byla pouze jedna odpověď: „žádné finanční prostředky, žádné příležitosti“. A vše by mohlo skončit tím, že nějaký chytrý obchodník nebo všudypřítomná mafie na tyto ruiny položí tlapu a uprostřed Arbatu se objeví další kasino. Ostatně v postsovětském Rusku se stávalo, že i pod divadelním nápisem se za účelem zisku otevíraly pochybné obchody, a proto nově ražení podnikatelé snadno zapomněli na skutečný význam divadelního umění pro společnost. Divadlu Vachtangov se ale ještě podařilo prokázat, že to bylo správné, a pozemek nám byl přidělen.

Potíže byly také s turné. Stalo se dokonce, že kvůli ekonomickým potížím zůstala Moskva dvě až tři letní mimosezóny bez pozvaných divadelních souborů – prostě je nebylo na co pozvat. Tehdy i cestování z Petrohradu do Moskvy bylo plné značných problémů. Zemi navíc reálně hrozila ztráta jediného kulturního divadelního prostoru. Kromě toho se hlavní družiny také dostaly do vážných potíží při organizování svých tvůrčích cest na periferii. Dostali jsme se ze situace, jak jsme mohli. A dostali jsme se ven! Na začátku roku 2002 se členové Vakhtangov vydali v plné síle na turné do Kyjeva a vystupovali v divadle Lesya Ukrainka. To znamená, že zaměstnanost souboru v produkcích byla plná.

Jak zaměstnat všechny herce ve hrách, poskytnout jim příležitosti pro kreativní růst a slušné výdělky - to je zvláštní rozhovor. Problém se netýká pouze Vachtangovových divadel, je univerzální pro všechna divadla. Zatímco nebyly peníze, dokud jsme se nenaučili, jak je vydělávat, divadelní soubory, které vznikly v průběhu let, začaly připomínat obrovské, nemotorné dreadnoughty. Jednak přišli mladí herci - ještě nenasbírali dostatek zkušeností, aby mohli nosit repertoár, ale už jim bylo potřeba dát rozhled. Na druhou stranu bylo hodně důchodců, kteří ze zdravotních důvodů hráli čím dál méně, ale nemohli být za žádných okolností vyhozeni - důchody byly mizivé, a sebrat roli v jiné inscenaci poctěnému, váš dlouholetý soudruh, znamená přivést ho na pokraj polovičního vyhladovění. Proto, jak jsem mohl, bojoval jsem o udržení nejisté rovnováhy mezi starší generací herců a mládeží, abych tak řekl, kreativně podporoval staré lidi, a přitom stále orientoval divadlo na mladou, čerstvou krev. A tady je výsledek: za posledních dvacet let vyrostli na jevišti Vachtangova opravdoví mistři - A. Dubrovskaja, M. Aronova, E. Sotnikovová, N. Grišaeva, S. Makovetskij, M. Suchanov, V. Simonov, E. Knyazev, A. .Zavyalov, můžete uvést více jmen. Mnozí z nich jsou v zahraničí známí jako vynikající profesionálové, jsou zváni ke spolupráci na různých divadelních a filmových výpravách a neustále se objevují v našem souboru. Ale moji staří herci jsou stále poctěni - příkladem mnoha a mnoha skvěle zahraných rolí za sebe vychovali důstojné náhrady, to je jejich zásluha. A pak o sobě postupně začnou dávat vědět velmi mladí kluci, čerství absolventi divadelní školy... A všichni herci v našem divadle mají svůj tvůrčí hlas, mají právo z jeviště divákovi něco důležitého sdělit.

Jeden z velikánů má úžasnou výpověď o rozdílu mezi řečnickými schopnostmi Cicera a Demosthena. Když Marcus Tullius Cicero pronesl projev, římský senát byl potěšen: "Bože, jak to mluví!" A když Démosthenés pronesl řeč k Řekům, Athéňané křičeli: "Válka Filipu Velikému!"

Totéž lze říci o rozdílech v režijním a hereckém umění. Umění obecně má mnoho tváří – a to je to, co ho dělá zajímavým. Umění je neomezené – a právě to ho dělá krásným. Umění je vševědoucí – a to je na něm to úžasné.

Umění dnes stále hledá cesty jako v zablokovaném dole k lidem, ke světlu a často je nachází pomocí klasiky. A také klasika - hůl v ruce unaveného cestovatele bloudícího životem.

V případě potřeby jsme v těžkých letech na ni spoléhali, ale do repertoáru jsme zařazovali i díla současných autorů. Obě hry mohou být vyprodané nebo ne.

Je však důležité, že s jejich pomocí divadlo Vakhtangov přežilo. Přežil také díky své úžasné, jiskřivé herecké škole. Dvacet let jsem zachovával naše tradice, jak nejlépe jsem uměl, a nyní, ohlédnu-li se zpět, mohu s uspokojením konstatovat: na své cestě jsem uspěl. Snad proto, že jsem úspěch jakéhokoli režiséra, kteréhokoli herce v našem divadle vnímal jako svůj. A kromě úspěchu divadla jsem pro sebe neviděl žádný přínos.