Tři typy melodické textury. Textura, hudební struktura, texturní transformace harmonie, neakordové zvuky

Textura jako způsob prezentace hudby.
Různé možnosti implementace textur (s použitím příkladu fragmentů hudební notace)
Jednohlasá textura (na příkladu Lelyiny první písně z opery „Sněhurka“ N. Rimského-Korsakova).
Melodie s doprovodem (na příkladu romance S. Rachmaninova „Šeřík“).
„Texturovaný vzor“: vizuální podobnost texturovaného vzoru v doprovodu s tvarem květu šeříku.

Hudební materiál:

N. Rimskij-Korsakov. Lelyina první píseň z opery „The Snow Maiden“ (poslech);
S. Rachmaninov, básně E. Beketové. "Lilac" (poslech);
G. Struve, básně S. Marshak. „Přání přátelům“ (zpěv);
E. Krylatov, básně Yu. "Jaký pokrok nastal!" (zpěv).

Popis aktivit:

Prozkoumejte rozmanitost a specifičnost texturních provedení v hudebních dílech.
Porovnejte hudební díla z hlediska jejich texturního provedení.
Najděte mezi nimi asociativní spojení umělecké obrazy hudba a výtvarné umění.

Z hlavních fondů hudební expresivita utváří se „tvář“ jakéhokoli hudebního díla. Ale každá tvář může mít mnoho výrazů. A „výraz obličeje“ má „na starosti“ další prostředky. Textura je jedním z nich.

Doslova „faktura“ znamená „zpracování“. Víme, že látka má například texturu. Na dotek a texturu rozeznáte jednu látku od druhé. Každá skladba má také svou vlastní „zvukovou tkaninu“. Když slyšíme krásnou melodii nebo neobvyklou harmonii, zdá se nám, že tyto prostředky jsou samy o sobě expresivní. Aby však melodie nebo harmonie zněly expresivně, používají skladatelé různé techniky a způsoby zpracování. hudební materiál, různé typy hudební textura.

Než pochopíme, co znamená výraz „hudební textura“, podívejme se na hudební příklady.

Vidíme, že všechny příklady se liší svým grafickým podáním.

Prvním příkladem jsou vertikální „sloupy akordů“, druhým je vlnovka, třetí je druh třípatrové struktury, čtvrtý je podobný kardiogramu (kardiogram - grafický obrázek práce srdce) hudební kresba.

Tomu, jak je hudba prezentována, se říká textura.

Snad proto, že textura nejjasněji vyjadřuje oblast hudebního umění – linie, kresby, hudební grafika – získala mnoho různých definic.

„Hudební látka“, „vzor“, „ornament“, „kontura“, „texturované vrstvy“, „texturované podlahy“ - tyto figurativní definice označují vizualitu, malebnost, prostorovost textury.

Výběr určité textury závisí na mnoha důvodech - od hudební obsah, odkud se tato hudba hraje, z témbrové skladby. Například polyfonní hudba určená k hraní v chrámu vyžaduje značné množství texturovaný prostor. Lyrická hudba, spojená s přenosem lidských pocitů, bývá monofonní. Jeho zvuk představuje kompresi textury do jediného hlasu zpívajícího svou osamělou píseň.

Někdy je monofonní prezentace melodie používána skladateli k vyjádření krásy určitého zabarvení. Sóla na pastýřský roh v úvodu První písně Lely z opery N. Rimského-Korsakova „Sněhurka“ uvádějí posluchače do atmosféry nádherné pohanské pohádky.

Mladý pastýř Lel je zosobněním hudebního umění a slunečné, neodolatelně přitažlivé síly lásky. Láska a umění jsou Yarilinými dary a zároveň výrazem nevyčerpatelnosti tvořivé síly osoba.
To, že je Lel prostý pastýř, to, že jeho písně jsou lidové, lže hluboký význam. V obrazu Lelyi se proslavili Ostrovskij a Rimskij-Korsakov lidové umění a zdůraznil jeho život potvrzující podstatu. Není náhodou, že Lel, jediný z moderátorů postavy opery, charakterizované téměř výhradně písněmi – sólovými i sborovými, kde působí jako hlavní zpěvák. Instrumentální strana dovnitř hudební charakteristiky Lelya je zastoupena četnými pastýřskými melodiemi. Některé z nich jsou skutečně lidové.
Zvuk dřevěných dechových nástrojů a nejčastěji sólového klarinetu (imitace pastýřského rohu) dodává Lelově hudbě zářivou lidovou barvu.
Lelyina první píseň, „Strawberry Strawberry“, je táhlá a truchlivá. V něm Rimsky-Korsakov přenesl postavu a hudební rysy lyrický lidové písně: plynulé zpěvy, častá vokalizace, neúplné (bez tercie) souhlásky a souzvuky na koncích frází. Písni dodávají velké kouzlo a originalitu četné „rozvody“ - flétnové melodie a Anglický roh s jejich lidovým zbarvením témbrů.

Výhradně monofonní textura je však spíše vzácným jevem. Mnohem častěji vidíme jiný typ textury - melodii s doprovodem, které se zpravidla vzájemně doplňují. Vzpomeňte si na píseň F. Schuberta „Na cestě“. Obsahuje nejen veselou melodii, ale i rotaci mlýnského kamene v klavírním partu vytvářející živý vizuální dojem.

Píseň F. Schuberta „Na cestě“ otevírá cyklus „Krásná mlynářova žena“. Vypráví o tom, jak se mlynář vydal na cestu, o lásce mladého, prostého hrdiny - to je další romantický příběh osamělá duše Štěstí člověka je tak blízko, jeho naděje jsou tak jasné, ale nejsou předurčeny k tomu, aby se naplnily, a jen potok, který se od prvních minut stal mlynářovým přítelem, ho utěšuje a truchlí s ním. Zdá se, že mladého muže táhne s sebou na cestu. Na pozadí tohoto mumraje zní jednoduchá, lidová melodie.

Bohatství hudební obrazy umožňuje používat různé texturovací techniky. V romanci S. Rachmaninova „Šeřík“ má tedy doprovodný vzor čistě vizuální podobnost s tvarem květu šeříku. Hudba romance je lehká a čistá, jako mládí, jako květy jarní zahrady:

Ráno, za svítání, na orosené trávě
Půjdu a ráno čerstvě vydechnu;
A do voňavého stínu,
Tam, kde se hemží šeříky,
Půjdu hledat své štěstí...
V životě je mi souzeno najít jen jedno štěstí,
A to štěstí žije v šeřících;
Na zelených větvích
Na voňavé štětce
Moje ubohé štěstí kvete.

Spisovatel Jurij Nagibin ve svém příběhu „Šeřík“ píše o jednom létě, které sedmnáctiletý Sergej Rachmaninov strávil na panství Ivanovka. V tom podivném létě kvetly šeříky „naráz, za jednu noc se uvařily na dvoře, v uličkách i v parku“. Na památku toho léta, jednoho časného rána, kdy skladatel potkal svou první mladou lásku, napsal možná nejněžnější a nejemotivnější romanci „Šeřík“.

Co jiného, jaké pocity a nálady způsobují, že se textura buď smršťuje, pak se tvaruje do prostoru, nebo má podobu krásné jarní květiny?

Odpověď na tuto otázku je pravděpodobně třeba hledat v živém kouzlu obrazu, v jeho dýchání, barvách, jedinečném vzhledu a hlavně - v prožitku obrazu, který do své hudby vnáší sám skladatel. Muzikant se nikdy nezabývá tématem, které mu není blízké a nerezonuje v jeho duši. Není náhodou, že mnoho skladatelů přiznalo, že nikdy nepsali o tom, co sami nezažili nebo necítili.

Proto, když rozkvete šeřík nebo zem pokryje sníh, když vyjde slunce nebo si proudy rychlé vody začnou hrát s barevnými odlesky, zažívá umělec stejné pocity, jaké po celou dobu zažívaly miliony lidí.

Je také šťastný, smutný, obdivuje a obdivuje bezmeznou krásu světa a jeho nádherné proměny. Své pocity ztělesňuje do zvuků, barev a designů hudby a naplňuje ji dechem života.

A pokud jeho hudba lidi nadchne, znamená to, že nejen živě zachycuje obrazy šeříků, ranního slunce nebo řeky, ale zachycuje i zážitky, které lidé při kontaktu s krásou prožívali odnepaměti.

Proto asi není přehnané říci, že každé takové dílo, ať už jsou pocity, které autora inspirovaly sebevíc intimní, je památníkem všech barev světa, všech jeho řek a východů slunce, všeho nezměrného lidský obdiv a láska.

Otázky a úkoly:

Co znamená slovo „textura“ v hudbě?
Na co se vztahují obrazné definice různé typy textury?
Proč je v První písni Lelya z opery „Sněhurka“ od N. Rimského-Korsakova použita monofonní textura?
Jak obsah hudebního díla ovlivňuje jeho texturní záznam? Řekněte nám to na příkladu romance „Šeřík“ od S. Rachmaninova.

Prezentace

V ceně:
1. Prezentace, ppsx;
2. Zvuky hudby:
Debussy. Paspier (z cyklu Bergamasque Suite), mp3;
Denisov. Lament-alert (z cyklu Lament), mp3;
Messiaen. Etuda č. 2 (z cyklu 4 rytmických etud), mp3;
Rachmaninov. Šeřík. (ve španělštině T. Sinyavskaya), mp3;
Rimskij-Korsakov. Lelyina první píseň (z opery Snow Maiden), mp3;
Šostakovič. Preludium C dur (z cyklu 24 preludií a fug), mp3;
Schubert. Na cestě (ze série Krásná Millerova žena), mp3;
3. Doprovodný článek, docx.

(slovník)

Textura– povaha prezentace hudebního materiálu díla (jeho hudebního tkaniva).

registr, rozsah, příslušnost k hudebnímu skladu atp.

Hudební sklad– nejtypičtější způsob prezentace materiálu.

(Monody, z řecký. (řeckýpoly-mnoho, fonjo- (řeckýhomos– rovný) –

monos– jeden a óda-zpěv) zvuk) – kombinace vedoucího hlasu s harmonickým

přesně nezávislý, doprovázený

složitý - okřídlené obrazné vymezení nadřazenosti vertikály

los- prezentace melo-.- dělení - konverzace je respektována - nad horizontálou.

diy paral. v intervalech, mluvte sami se sebou a nepřerušujte -

akordy (zahuštěné já-přítel přítel partnerů). Rozmanitost -

lodia, melodická vrstva) (Podmíněně) prvenství horizontály akord-harmonie-

deštníky přes vertikálu. chesical sklad je ak-

šňůra textura s

Dva typy polyfonie: nedostatek expresivity

kontrastní(intonační vedoucí hlas. jednotlivé hlasy), .

imitace(imitace),

obecné melodické obraty.

heterofonie(střední struktura mezi polyfonií a komplikovanou monofonií. Viz níže od 50-51).

V dílech instrumentální hudby (zejména klavíru) homofonního typu existují 4 typy transformace texturované harmonie(dalo by se říci, 4 typy harmonických textur), (Yu. Tyulin. Krátký teoretický kurz harmonie. M., 1960):

- harmonická figurace, - všechny druhy arpeggiation. (Toto je struktura většiny lyrických her a romancí).

- rytmická figurace,- opakování akordů v určitém rytmu, určeném žánrem (Chopin. Prelude e moll).

- barevné vrstvení,- duplikace zvuků akordů (5-6 hlasů za harmonická tkanina do 16 (-cis. moll Rachmaninova předehra, repríza) a další).

- melodická figurace- melodizace harmonické látky vnesením tematicky významných ozvěn. (Schumann. Fantastické hry. Proč?.)

V jednom tématu může být směs typů škod. textury (typy texturní transformace harmonie).

Prostředky melodické figurace jsou neakordové zvuky.

(Melodie postavené pouze ze zvuků akordů je málo).

4 typy non-ac. zvuky.

Na silný čas (míra nebo metrika

akcie) – zadržení, - ne zpožděný zvuk

vzhled akordového tónu:

N
a slabý čas - pomocný,

–
zpěvák:

- míjení, – ne zvuk krok za krokem

(
pohyb ve tvaru gama:

- výtah, – ne objevující se zvuk

před jeho akordem:

Všechny neakordové zvuky sousedí (tj. v sekundách) k akordovému.

Typy polyfonie ruských lidových písní

Lit.: L.S. Mucharinskaya. Při hledání moderního vzhledu. Sov.muz..1969.str.93-96.

V.M.Shchurov. Hlavní typy polyfonie ruské lidové písně. Tbilisi, 1985.

N. Vaškevič. Heterofonie. Rukopis. Metoda. kancelář v roce 1997

Burdonnoe(dudský) zpěv, zpěv na trvalý (pedálový) zvuk. Raná forma polyfonie.

Heterofonie(z řecký heteros-jiný; jiný zvuk , nesoulad), - polyfonie tvořená dílčími hlasy variantně-ornamentálního nebo melismatického typu na hlavní nápěv. Heterofonie je nejstarším a nejstabilnějším typem polyfonie ruské rolnické lidové písně, která si dodnes uchovává svůj přední význam.

Téměř všechny vícehlasé písně na DV disku IVAN KUPALA (1999) jsou heterofonní. Jde o lidové písně nahrané z venkovských folklorních souborů různé regiony Rusko (od Archangelské oblasti po Astrachaňskou oblast), a prezentováno s hudebním doprovodem syntezátoru (pozoruhodný příklad využití lidových písní v populární hudbě, příklad popularizace folklóru).

Rozvrstvení melodické linky, „rozostření“ melodické kontury, „vibrující“ zvuk sekundových „swells“ je jedinečným barevným fenoménem heterofonní polyfonie ruské selské písně. Ale barva je vnější strana. Sémantika heterofonie v jiném. Často heterofonní „chuchvalce“ zvýrazňují metro rytmus chorálu. V lyrické písně jejich disonance koncentruje napětí trochaických intonací. V písních s dramatickým obsahem je heterofonní stratifikace „vnímána jako důraz,“ poznamenává I.I. Zemtsovského, - jako druh ústní „kurzíva“ nejvýznamnějších fragmentů textu.

Svatební píseň „In the Entrance“ (Nelidovský okres, nahrávka I.N. Nekrasové) je příkladem takzvané „bodové“ heterofonie:

V „Systematizované sbírce písní“ ( http://intoclassics.net/news/2010-10-16-19094) jsou to písně: „Among the Flat Valley“, „Down the Volha River“, „Ivushka“.

V učebnicích teorie je subvokalita druhem polyfonie - polyfonie polyfonie lidové písně. Naproti tomu heterofonie je klasifikována jako monofonní struktura, nebo spíše komplikovaná monofonie (tvořící jakoby zahuštěnou melodii, melodický komplex, melodickou vrstvu).

Zpívání s tužkou na oči- sborový dvou- nebo tříhlasý s horní, kontrastní hlavní melodií, s hlavním hlasem, který kontrapunktuje hlavní melodii (často jím zpochybňuje roli vedoucího hlasu).

Příkladem oční linky je „Here coming the odvážná trojka“, text F. Glinky; "Hrdina Čapajev prošel Uralem."

zpěv "druhý"(opakování v tercii) - nejjednodušší stuha tercie (méně často, v šestém) dvouhlasé.

Druhými příklady jsou „Tenký Rowan“, „Zorka-Venuše“, „Za úsvitu, za úsvitu“, „Není to vítr, co ohýbá větev“.

Poslední tři typy polyfonie (subhlas, subvoice, vtoraya) se pravděpodobně objevily v lidové písni relativně nedávno (před 3-4 stoletími) a vznikly pod vlivem městské písně a praxe chrámového zpěvu partes.

Převýšení skladu zpěv, homofonní, s akordově harmonickou rezonancí pro každý tón melodie. Kant je žánr městského folklóru. Kantův zpěv se vyvíjel pod vlivem západoevropské hudební (původně polské) kultury. Pro převýšení je typický 3-hlas s paralelou. do tercie pohybem horních hlasů a basů, čímž vzniká harmonická podpora. Kant se vyznačuje čtvercovými strukturami. Příklady melodií blízkých převýšení: „Vojáci, bravo hoši“,

"Výborně Donets", "Letěj, sokoli, jako orli",

Na konci 19. a 20. století se objevují nové formy polyfonie. Stylově jsou heterogenní:

Folkloristé upozorňují, že v dnešní době můžete představení slyšet lidoví zpěváci starodávná píseň ve dvou verzích: v inherentním monofonním zvuku a v polyfonní „moderní“.

Se vší rozmanitostí textur je možné identifikovat a systematizovat typické formy prezentace založené na jednom nebo druhém konkrétním principu. Takové formy se nazývají hudební sklady. Je třeba rozlišovat čtyři hlavní typy: monodické, polyfonní, akordické, homofonní. Ten či onen sklad může být udržován po celou dobu prací nebo po většinu z nich, nebo může být prováděn sporadicky a nahrazen jiným skladem. V instrumentální hudbě často dochází ke kombinaci odlišně prezentace, tvorba smíšených skladů nebo bezplatná faktura. Monodická struktura je jednohlasý (unisono nebo s oktávovým zdvojením) melodický pohyb bez doprovodu. Typické jsou v tomto ohledu jednohlasé lidové písně. Polyfonní struktura je polyfonie, ve které mají hlasy obecně stejnou výpovědní hodnotu. Každý hlas je do té či oné míry individualizován a tvoří nezávislý melodický vzorec. Tato nezávislost neznamená úplnou svobodu, ale nepřímo podléhá harmonické konzistenci zvuku. Struktura akordu se vyznačuje takovou harmonickou kombinací zvuků, která tvoří akordy jako monolitický celek. Tuto solidnost vytváří především rytmická homogenita všech hlasů. Homofonní hlas je charakteristický kombinací sólového hlasu a doprovodu. Na rozdíl od jiných skladů je tedy založen na dvourovinné konstrukci. Pocházející z lidu hudba - ve zpěvu s instrumentálním doprovodem se homofonní sklad přesunul do světské každodenní hudby středověku ve svém v jednoduché formě. Své místo přirozeně nenašel v tehdejší chrámové hudbě, která pěstovala sborovou vícehlasou polyfonii. Existuje homofonní harmonická struktura (ve své nejjednodušší podobě je doprovod jasně vyjádřenou harmonií). Výše jsme probírali hudební sklady v jejich skladech charakteristická forma. Velmi často ale dochází ke kombinaci a vzájemnému prolínání různých způsobů prezentace, což vede ke komplikovaným a smíšené sklady. Například smíšená akord-polyfonní struktura, homofonní-akord, homofonní-polyfonní.

renesance

Renesance nebo renesance je období v dějinách kultury, pokrývající přibližně XIV-XVI století Toto období získalo své jméno v souvislosti s oživením zájmu starověké umění, který se stal ideálem pro kulturní osobnosti moderní doby. Skladatelé a hudební teoretici - J. Tinktoris.,

J. Carlino a další - studoval starořecká hudební pojednání; v dílech Josquina Desprese, který byl přirovnáván k Michelangelovi, byla podle současníků „oživena ztracená dokonalost hudby starých Řeků“: která se objevila na konci 16. začátek XVII PROTI. opera se řídila zákony antického dramatu.

Rozvoj renesanční kultury je spojen se vzestupem všech aspektů společnosti. Zrodil se nový světonázor – humanismus (z latinského „humanos“ – „člověk“). Emancipace tvůrčích sil vedla k prudkému rozvoji vědy, obchodu, řemesel a v ekonomice se formovaly nové, kapitalistické vztahy. Vynález tisku přispěl k rozšíření vzdělanosti. Velký geografické objevy a heliocentrický systém světa N. Koperníka změnil představy o Zemi a Vesmíru.

Dosáhl nebývalého rozkvětu výtvarné umění, architektura, literatura. Nový přístup se promítl do hudby a proměnil její podobu. Postupně se odchyluje od norem středověkého kánonu, styl se individualizuje a poprvé se objevuje samotný pojem „skladatel“. Mění se textura děl, zvyšuje se počet hlasů na čtyři, šest" i více (známý je např. 36hlasý kánon připisovaný největšímu představiteli nizozemské školy J. Occkeghemovi). V harmonii dominují souhlásky souhlásky. , použití disonancí je přísně omezeno zvláštními pravidly dur a moll a rytmickým systémem charakteristickým pro pozdější hudbu.

Všechny tyto nové prostředky použili skladatelé k vyjádření zvláštní struktury pocitů renesančního člověka - vznešené, harmonické, klidné a majestátní.

V době renesance (renesance) ztrácí profesionální hudba charakter čistě církevního umění a je ovlivněna lidová hudba, je prodchnuta novým humanistickým pohledem na svět. Vysoká úroveň Umění vokální a vokálně-instrumentální polyfonie je dosaženo v dílech představitelů „Ars nova“ („Nového umění“) v Itálii a Francii 14. století, v nov. polyfonní školy- angličtina (XV. století), holandština (XV-XVI. století), římská, benátská, francouzská, německá, polská, česká atd. (XVI. století).

Objevte se různé žánry světský hudební umění-- frottola a villanella v Itálii, villancico ve Španělsku, balada v Anglii, madrigal, který vznikl v Itálii (L. Marenzio, J. Arkadelt, Gesualdo da Venosa), ale rozšířil se, francouzská vícehlasá píseň (C. Janequin, C. Lejeune). Renesance končí vznikem nových hudebních žánrů – sólové písně, kantáty, oratoria a opery, které přispěly k postupnému ustavení homofonního stylu.

Přeloženo z Italské slovo"toccata" znamená "dotek", "úder". V období renesance se tak nazývaly slavnostní fanfáry pro dechové nástroje a tympány; v 17. století - fanfárové úvody do oper a baletů.

Toccata je také virtuózní skladba pro loutnu, klavír a varhany. Původně toccata pro klávesové nástroje byl složen jako úvod (předehra) k sborové dílo, například motet, a byl žánrem církevní hudby, a pak se osamostatní koncertní žánr světská hudba. Skladatelé ji zařazují do suity a činí z ní úvodní část vícehlasého cyklu (toccata a fuga d moll pro varhany J. S. Bacha).

Toccata a fuga d moll pro varhany J. S. Bacha

Toccata se vyznačuje texturou, která odráží styl prstů, hra na klávesnici, tedy hraní s akordy, pasážemi, melodickými a harmonickými figuracemi. Akordové a pasážové úseky se střídají s imitativními vícehlasými. V Bachových tokátách se snoubila krása formy a nebývalá virtuozita s hloubkou a významem obsahu.

V XIX--XX století. Toccata vznikla jako samostatná virtuózní skladba etudového plánu (tokáty pro klavír R. Schumanna, C. Czerného, C. Debussyho, M. Ravela, S. S. Prokofjeva, A. I. Chačaturjana). Toccata jako součást cyklu se nachází v Prokofjevově 5. klavírním koncertu, v suitě Pulcinella od I. F. Stravinského.

Hudba renesance.

Hudební estetiku renesance rozvíjeli skladatelé a teoretici stejně intenzivně jako v jiných formách umění. Ostatně jak Giovanni Boccaccio věřil, že Dante svým dílem přispěl k návratu múz a vdechl život mrtvé poezii, stejně jako Giorgio Vasari mluvil o oživení umění a Josepho Zarlino ve svém pojednání „Establishments of Harmony“ (1588) napsal:

„Ať už je to vina zákeřného času nebo lidské nedbalosti, lidé si nejen hudby, ale i jiných věd začali málo vážit a povznesena k nejvyšším výšinám klesla až na krajní minimum neslýchaná čest, začala být považována za politováníhodnou, bezvýznamnou a tak málo uctívanou, že i učení lidé ji sotva poznali a nechtěli jí dát, co jí patří.“

Na přelomu 13.-14. století vyšlo v Paříži pojednání „Hudba“ od mistra hudby Johna de Grohea, ve kterém kriticky revidoval středověké představy o hudbě. Napsal: „Ti, kteří mají sklon vyprávět pohádky, říkali, že hudbu vynalezly múzy, které žily u vody, jiní říkali, že ji vymysleli světci a proroci, ale Boethius, významný a ušlechtilý muž, má jiné názory. Ve své knize říká, že počátek hudby objevil Pythagoras. Lidé zpívali od samého počátku, protože hudba jim byla vrozená, jak tvrdí Platón a Boethius, ale základy zpěvu a hudby byly neznámé až do doby Pythagora. ..."

John de Groheo však nesouhlasí s dělením hudby na tři druhy Boethia a jeho následovníků: world music, lidskou hudbu, instrumentální hudbu, protože harmonii způsobenou pohybem nebeských těles nikdo ani neslyšel; Obecně platí, že „hudebníkovi nepřísluší interpretovat andělský zpěv, pokud není teologem nebo prorokem“.

"Řekněme tedy, že hudbu, která je mezi Pařížany aktuální, lze zřejmě zredukovat na tři hlavní části. Jedna část je jednoduchá, neboli civilní (civilis) hudba, které také říkáme folk, druhá je hudební komplexní (komponovaná - composita ), nebo správný (naučený - regularis), nebo kanonický, který se nazývá mensurální A třetí oddíl, který vyplývá z obou výše a v němž jsou oba spojeny v něco lepšího, je toto. církevní hudba, jehož cílem je chválit stvořitele.“

John de Grogeo předběhl dobu a neměl žádné následovníky. Hudba, stejně jako poezie a malířství, nabývala nových kvalit až v 15. a zejména v 16. století, což bylo doprovázeno vznikem stále nových a nových pojednání o hudbě.

Glarean (1488 - 1563), autor eseje o hudbě „Dvanáctistrunný muž“ (1547), se narodil ve Švýcarsku, studoval na univerzitě v Kolíně nad Rýnem na umělecké fakultě. Zvládnout svobodná umění se zabývá výukou poezie, hudby, matematiky, řečtiny a latinské jazyky, který hovoří o naléhavých zájmech doby. Zde se spřátelil s Erasmem Rotterdamským.

Glarean přistupuje k hudbě, zejména k hudbě církevní, jako umělci, kteří nadále malovali obrazy a fresky v kostelech, to znamená, že hudba, stejně jako malba, by kromě náboženské didaktiky a reflexe měla především přinášet potěšení, být „matkou potěšení."

Glarean dokládá výhody monodické hudby oproti polyfonii, zatímco mluví o dvou typech hudebníků: fonosech a symfonicích: ti první mají přirozenou tendenci skládat melodii, ti druzí - vyvinout melodii pro dva, tři nebo více hlasů.

Glarean kromě rozvíjení hudební teorie uvažuje i o dějinách hudby, její vývoj, jak se ukazuje, v rámci renesance zcela ignoruje hudbu středověku. Zdůvodňuje myšlenku jednoty hudby a poezie, instrumentálního výkonu a textu. Ve vývoji hudební teorie Glarean legitimizoval pomocí dvanácti tónů liparské a iónské mody, čímž teoreticky zdůvodnil pojmy dur a moll.

Glarean se neomezuje pouze na vývoj hudební teorie, ale zkoumá tvorbu moderních skladatelů Josquina Desprese, Obrechta, Pierra de la Rue. O Josquinu Despresovi mluví s láskou a potěšením, jako Vasari o Michelangelovi.

Gioseffo Zarlino (1517 - 1590), s jehož výrokem je nám již známo, vstoupil 20letý do františkánského řádu v Benátkách s jeho hudební koncerty a rozkvět malířství, který v něm probudil povolání hudebníka, skladatele a hudebního teoretika. V roce 1565 stál v čele kaple sv. Značka. Předpokládá se, že v eseji „Ustavení harmonie“ Tsarlino klasická forma vyjádřil základní principy hudební estetika Renesance.

Zarlino, který mluvil o úpadku hudby, samozřejmě ve středověku, se při rozvíjení své doktríny přírody opírá o antickou estetiku hudební harmonie. „Jak moc byla hudba oslavována a uctívána jako posvátná, jasně dokládají spisy filozofů a zvláště Pythagorejců, protože věřili, že svět byl stvořen podle hudebních zákonů, že pohyb sfér je příčinou harmonie a že naše duše je postavena podle stejných zákonů, probouzí se z písní a zvuků a zdá se, že mají na její vlastnosti životodárný vliv."

Zarlino má sklon považovat hudbu za hlavní mezi svobodnými uměními, protože Leonardo da Vinci vyzdvihoval malířství. Ale je to koníček určité typy umění by nás nemělo mást, protože mluvíme o harmonii jako o ucelené estetické kategorii.

„A je-li duše světa (jak si někteří myslí) harmonií, nemůže být naše duše příčinou veškeré harmonie v nás a naše tělo nemůže být sjednoceno s duší v harmonii, zvláště když Bůh stvořil člověka podle podoby větší svět, Řekové nazývali kosmos, to jest ozdoba nebo ozdoba, a když vytvořil zdání menšího objemu, na rozdíl od toho zvaného mikrokosmos, tzn. malý svět? Je jasné, že takový předpoklad není bezdůvodný.“

V Carlino se křesťanská teologie proměňuje v antickou estetiku. Myšlenka jednoty mikro- a makrokosmu v něm vyvolává další myšlenku - o proporcionalitě objektivní harmonie světa a subjektivní harmonii vlastní. lidská duše. Zarlino vyzdvihuje hudbu jako hlavní svobodná umění a hovoří o jednotě hudby a poezie, jednotě hudby a textu, melodie a slova. K tomu se přidává „historie“, která předjímá nebo ospravedlňuje vznik opery. A pokud tam bude tanec, jako se to stane v Paříži, uvidíme zrod baletu.

Předpokládá se, že to byl Zarlino, kdo dal estetické charakteristiky dur a moll, přičemž durovou triádu definoval jako radostnou a jasnou a mollovou jako smutnou a melancholickou. Kontrapunkt také definuje jako „harmonický celek obsahující různé změny zvuků nebo zpěvných hlasů v určitém vzorci korelace a s určitou časovou mírou, nebo že jde o umělou kombinaci různých zvuků přivedených do konzistence“.

Josephfo Zarlino, stejně jako Titian, s nímž byl spojován, získal širokou slávu a byl zvolen členem Benátské akademie slávy. Estetika objasňuje stav věcí v hudbě během renesance. Zakladatel Benátská škola hudba byl Adrian Willaert (mezi 1480/90 - 1568), původem Holanďan. Carlino s ním studoval hudbu. Benátská hudba, stejně jako malířství, se vyznačovala bohatou zvukovou paletou, která brzy získala barokní rysy.

Vedle benátské školy byly největší a nejvlivnější římské a florentské. V čele římské školy stál Giovanni Palestrina (1525 - 1594).

Společenství básníků, humanistických vědců, hudebníků a milovníků hudby ve Florencii se nazývá Camerata. Vedl ji Vincenzo Galilei (1533 - 1591). V přemýšlení o jednotě hudby a poezie a zároveň s divadlem, s akcí na jevišti vytvořili členové Cameraty nový žánr- opera.

Za první opery jsou považovány „Dafné“ od J. Periho (1597) a „Eurydice“ na texty Rinucciniho (1600). Zde došlo k přechodu z polyfonního stylu na homofonní. Oratorium a kantáta zde zazněly poprvé.

Hudba Nizozemska 15. - 16. století je bohatá na jména velkých skladatelů, mezi nimi i Josquina Desprese (1440 - 1524), o kterém psal Zarlino a který sloužil na francouzském dvoře, kde se rozvíjela francouzsko-vlámská škola. oni si myslí nejvyšší úspěch Holandští hudebníci se stali a capella sborovou mší, odpovídající vzestupu gotických katedrál.

V Německu se rozvíjí varhanní umění. Ve Francii vznikaly u dvora kaple a pořádaly se hudební festivaly. V roce 1581 Jindřich III schválil funkci „hlavního intendanta hudby“ u soudu. Prvním „hlavním intendantem hudby“ byl italský houslista Baltazarini de Belgioso, který nastudoval „komediální balet královny“, představení, v němž se hudba a tanec poprvé představily jako jevištní akce. Tak vznikl dvorní balet.

Clément Janequin (asi 1475 - asi 1560), vynikající skladatel Francouzská renesance, je jedním z tvůrců žánru vícehlasých písní. Jedná se o 4-5hlasá díla, jako jsou fantasy písně. Světská vícehlasá píseň – šanson – se rozšířila i mimo Francii.

V období renesance došlo k rozsáhlému rozvoji instrumentální hudba. Mezi hlavní hudební nástroje zvané loutna, harfa, flétna, hoboj, trubka, varhany různé typy(pozitivy, přenosky), druhy cembala; byly tam housle lidový nástroj, ale s vývojem nových strun smyčcové nástroje Stejně jako viola se právě housle stávají jedním z předních hudebních nástrojů.

Pokud je nálada nová éra nejprve se probouzí v poezii, dostává brilantní vývoj v architektuře a malířství, poté v hudbě, počínaje lidová píseň, prostupuje všechny oblasti života. I církevní hudba je dnes vnímána ve větší míře, stejně jako obrazy umělců na biblická témata, ne jako něco posvátného, ale něco, co přináší radost a potěšení, na čemž si dali záležet sami skladatelé, hudebníci a sbory.

Jedním slovem, jako v poezii, v malířství, v architektuře, nastal zlom ve vývoji hudby, s rozvojem hudební estetiky a teorie, s vytvářením nových žánrů, zejména syntetických forem umění, jako je opera a balet, který by měl být vnímán jako renesanční, přenášený staletími. Hudba renesance zní v architektuře jako harmonie částí a celku, vepsaná do přírody, i do interiérů paláců, i do obrazů, v nichž vždy vidíme představení, zastavenou epizodu, kdy hlasy utichly, a všechny postavy poslouchaly vybledlou melodii, kterou jsme jako já slyšeli...

Hudební textura(lat. factura - zařízení , struktura) – způsob prezentace, struktura hudební látky, hudební sklad.

Historicky v hudbě existovaly tři hlavní typy textur:

Polyfonie (lat. polyfonie z řečtiny πολυφωνία - polyfonie) - melodická polyfonie, sestávající ze současného zvuku relativně nezávislých melodických linek. Polyfonní textura se vyvinula ve středověku. Existují tři hlavní typy polyfonie: kontrastní, imitativní (kánon, motet, invence, fuga), subvokální (nebo variantní heterofonie, charakteristická pro lidovou polyfonii).

Homofonie nebo homofonní harmonická textura A má původ v polyfonii. Domácí muzikolog Asafiev to nazval „vychlazenou lávou gotické polyfonie“. V rámci homofonie se rozlišuje akordická (protestantský chorál) a homofonně-harmonická textura, která se skládá z více vrstev (například melodie a doprovod).

Jedním ze způsobů, jak dynamizovat a obarvit homofonně-harmonickou texturu, je harmonická figurace – sekvenční spíše než simultánní prezentace zvuků akordů. Existuje několik druhů harmonické figurace. Zde jsou některé z nich:

1) arpeggiovaná prezentace akordů (J. S. Bach. Preludium C dur, HTC, svazek I)

2) valčíkový doprovod (F. Schubert. Waltz op.77, č. 2)

3) Albertovské basy, pojmenované po italský skladatel Domenico Alberti (1710-1740) v Sonátě C dur, K.545 W. Mozarta

Reklamy

Poznámky k základní hudební teorii. Obsah
Textura v hudbě(z lat. factura - zařízení, struktura, zpracování, uložení) – způsob prezentace, uložení not, struktura hudební tkaniny.

Historicky tři typy textur:

Existuje tři hlavní typy polyfonie : kontrastní, napodobovací (kánon, motet, invence, fuga), heterofonie (charakteristické pro lidovou polyfonii).

3. Homofonně-harmonická textura má původ v polyfonii. Domácí muzikolog Asafiev to nazval „vychlazenou lávou gotické polyfonie“. Vlastně rozlišují akord textura(protestantský chorál) a homofonní-harmonický, který je rozdělen do více vrstev (např. melodie a doprovod).

15. května

Hudební praxe - kompozice, provedení, percepce, analýza hudebních děl - je spojena s vědomím různých forem prezentace. Vyžaduje to pochopení toho, jak je hudební tkanina organizována (nebo jak by měla být organizována) v každém konkrétním případě. Toto porozumění poskytuje rozbor textury: určení počtu hlasů, stupeň jejich rytmické a intonační individualizace, vztahy mezi sebou, funkce (role) v hudební látce (melodie, bas, střední harmonický hlas, ozvěna, atd.). Korelace výsledků této analýzy s kritérii texturní klasifikace umožňuje určit strukturální rysy hudební tkaniny v každém konkrétním případě.

Analýza textury začíná určením jejího typu. Klasifikace typů hudební textury je založena na dvou kritériích: 1) počet hlasů, 2) počet melodicky významných hlasů.

Podle prvního kritéria se rozlišuje monofonní nebo polyfonní (s více než jedním hlasem) přednes. Zároveň stanovení počtu hlasů v hudební kus, je třeba mít na paměti, že někdy v monofonii se zvláštní organizací výšky tónů se objevují skryté melodické linky. V důsledku toho vzniká zvláštní druh monofonní tkaniny - se skrytou polyfonií. Ve vztazích skrytých melodických linek lze hádat logiku např. paralelních dvojhlasů, kde jsou jasně slyšitelné skryté paralelní sexty: nepřímé dvojhlasy: paralelní a nepřímé trojhlasy:

Opačným případem je případ, kdy je polyfonní hudební tkanina uspořádána tak, že se zdá být složena do zhutněné, „ztluštělé“ jednohlasé linky. To se stane, když je melodie zdvojena (ztrojnásobena atd.) jinými hlasy v určitém intervalu nebo intervalech.

Připomeňme, že analýza textury podle druhého kritéria zahrnuje určení počtu melodicky významných hlasů, které obsahuje. Melodicky výrazný hlas (nebo hlasy) má intonační charakteristiku, rozvinutou melodickou linku a pestrý rytmus. Identifikace takových hlasů nám umožňuje učinit závěr o stupni melodizace hudebního tkaniva: všechny nebo ne všechny jeho hlasy jsou melodicky významné. V tomto případě se rozlišují dva hlavní typy textur: polyfonní (pokud jsou všechny hlasy hudební tkaniny melodicky významné) a homofonní (pokud existuje jeden melodicky významný hlas). Nechybí ani smíšený typ přednesu, kombinující rysy obou hlavních: minimálně dva melodicky výrazné hlasy - s rovněž harmonickými doprovody.

Polyfonie

Termín "polyfonie" pochází z Řecká slova poly – hodně a telefon – zvuk. Jeho doslovný význam je polyfonie. Polyfonní se ale nenazývá žádná polyfonie, ale pouze taková, ve které, jak již bylo řečeno, jsou všechny hlasy melodicky výrazné. Proto se polyfonii jinak říká „soubor melodií“.

Subglotický Polyfonie nastává, když je melodie a její podhlasová varianta (nebo podhlasové varianty) prezentovány současně. Ozvěna si zpravidla zachovává intonační základ melodie, z níž se větví, a může se mu rytmicky a intonačním způsobem různou měrou blížit. Nosný hlas je blíže vedoucí melodii, čím déle se s ní pohybuje ekvirytmicky, paralelně a čím dále od ní, tím jsou mezi nimi větší rozdíly.

Kontrastní druh polyfonie je tvořen současným podáním různých melodií.

Rozdíly mezi nimi jsou především rytmické, ale také v provedení melodické linky.

Imitace(lat. imitatio - imitace) druh polyfonie, která vzniká opakováním obvykle krátkého melodického tématu, které právě zaznělo jiným hlasem.

Často se vzájemně ovlivňují různé typy polyfonie. Například v níže uvedeném příkladu jsou horní a střední hlasy tématem a ozvěnou a spodní s nimi kontrastuje.

V kontrastní polyfonii, jak již bylo řečeno, se současně sledují různá témata. V imitativní polyfonii hlavní hlas– prezentace tématu a tato funkce se střídá z jednoho hlasu na druhý. Po převedení tématu na jiný hlas se ten první stává podřízeným - nyní vede doprovod (opozici) k tématu.