Variety umění. Předpoklady pro vznik a dějiny vývoje pop-artu

Pop music zaujímá v ruské masové kultuře důležité místo a události posledních desetiletí ukazují, že pop music jako nejpopulárnější forma umění hraje velkou roli ve veřejném životě a stává se oblíbeným prostředkem k vyjádření kulturních potřeb a hodnoty různých vrstev společnosti. Vzhledem k tomu, že pop music je jednou ze sociálně nejcitlivějších a nejmobilnějších forem umění, studium tohoto fenoménu pomůže lépe porozumět duchovním procesům probíhajícím ve společnosti.

Počátkem minulého století gramofonový byznys v Rusku nabíral na síle - rostl počet továren a továren vyrábějících desky, zlepšovala se jejich kvalita, rozšiřoval se repertoár. V podstatě se objevil nový průmysl, na rozdíl od jakéhokoli jiného známého odvětví. Úzce prolíná problémy technické a kreativní, obchodní a právní povahy. Na nahrávání desek, organizovaném prodejci gramofonů, se podíleli skladatelé, básníci, zpěváci, orchestry a sbory, kuptisté a vypravěči. Atmosféra ateliérů připomínala zákulisí divadla se všemi divadelními atributy. Slavným zpěvákům - hrdým a nedosažitelným, kteří znají svou hodnotu - byly nabídnuty smlouvy se zdvořilostí charakteristickou pro každého výrobce-podnikatele, předpokládající úspěch u veřejnosti a dobrou sbírku. Hvězdy druhé velikosti a napůl vyhladovělí koncertní umělci byli vítáni jinak. Kolem lesního rohu vřely vášně a byly splétány intriky – to byla spodní stránka gramofonového byznysu.
Sbírání záznamů se začalo stávat módou: v domácnostech bohatých občanů byly knihovny záznamů se stovkou a více místností.

Nejčastějším pojmem, který se objevil dávno před pojmem pop music, bylo „variety show“, nikoli však jako název koncertní instituce, ale jako označení celé škály umění. Pokud se podíváme do historie vzniku konceptu „variety show“, pak jeho počátky lze hledat v programech zábavních aktů předváděných v kavárnách a restauracích v průmyslových oblastech Anglie na konci 18. století. Samotné slovo „rozmanitost“ přeložené z francouzštiny znamená rozmanitost, rozmanitost. Tento termín začal spojovat všechny umělecké a zábavní formy. Je to skutečně rozmanitost, která charakterizuje vystoupení umělců na veletrzích, v hudebních sálech, v koncertních kavárnách, v kabaretních divadlech, i když, jak lze na základě další analýzy zjistit, není to vůbec to hlavní a charakteristické. tento obor umění.

Počátkem 20. století se v Rusku otevíraly všechny druhy malých divadel a na tomto pozadí se začal používat jiný koncept - varietní scéna, která označovala zábavná koncertní představení na otevřených prostranstvích. Dnes, jako obecný pojem, který spojuje všechny druhy umění snadno vnímatelných žánrů, bychom měli přijmout pojem „variety art“ (nebo zkráceně varietní umění), který se v ruských dějinách umění používá již sto let.
Již v prvním desetiletí 20. stol. termín „rozmanitost“ se začíná objevovat v tisku nejen v tehdy obecně přijímaném smyslu – „platforma, vyvýšenina, například pro hudbu“ – ale také v rozšířeném pojetí, včetně všech, herců, spisovatelů, básníků, kteří se objevují na této „platformě“. Na stránkách autoritativního časopisu „Golden Fleece“ z roku 1908 vyšel článek „Estrada“. Jeho autor bystře viděl antinomii, která vyvstává před každým, kdo jde na jeviště:

a) jeviště je nezbytné pro rozvoj a udržení schopností a pro formování osobnosti umělce;

b) jeviště škodí oběma.

Autor spatřoval „zhoubnost“ v touze herců po úspěchu za každou cenu, sladění se s vkusem masové veřejnosti a proměně umění v prostředek obohacení, zdroj životního požehnání. Podobné jevy jsou totiž neodmyslitelné i v moderní populární hudbě, takže v naší práci zavádíme takový koncept jako „variety performance“, tedy hraní „veřejnosti“, touhu zaujmout divákovu pozornost za každou cenu, která v absence interpretů skutečného talentu, vkusu a smyslu pro proporce často vede ke zhoubnosti, o níž mluvil autor výše zmíněného článku. Objevily se další články, které zkoumaly jeviště jako fenomén nové městské kultury. Ostatně právě v tomto období město postupně oslabuje závislost člověka na přírodních podmínkách (především na střídání ročních období), což vede k zapomnění kalendářního a rituálního folklóru, k posunu v načasování svátků, jejich desemantizaci a deritualizaci, k jejich přechodu do „ceremoniální“ formy “, slovy P.G. Bogatyreva, k rozhodující převaze tvarů slovesných nad neverbálními. Ve stejných letech (1980-1890) se v Rusku objevila masová kultura, která zase reprodukuje mnohé z generických vlastností tradičního folklóru, které se vyznačují sociálně-adaptivním významem děl, jejich převládajícím anonymita a dominance stereotypu v jejich poetice; sekundární dějové motivace v narativních textech atd. Masová kultura se však od tradičního folklóru výrazně liší svou ideologickou „polycentricitou“, zvýšenou schopností tematické a estetické internacionalizace svých produktů a její „proudovou“ reprodukcí v podobě identických kopií nemyslitelných pro orální kreativitu.
Obecně platí, že v Rusku je městská etapa konce 19. – začátku 20. století charakterizována závislostí na publiku, na které je zaměřena. V souladu s tím je škála popových forem - od „salonů“ po ty „nejdemokratičtější“ – extrémně široká a lišila se jak povahou „scény“, tak typem interpretů, nemluvě o repertoáru. A přesto můžeme konstatovat, že pojem „variety“ byl na počátku 20. století používán ještě čistě funkčně: jako „varietní repertoár“ či „popový zpěv“ apod., tedy nejen jako definice platformou, kde se akce odehrává, ale také jako prvek hudebně zábavné podívané.

V důsledku potřeby, která vyvstala po říjnu znárodnit „všelijaké varieté“ a malé soukromé podniky, mnoho samostatných aktérů, ale i malé, často rodinné skupiny atd., se pojem varieté ustálil jako označení samostatné umění. V průběhu desetiletí se v Sovětském Rusku a poté v SSSR budou vyvíjet a měnit systémy řízení tohoto umění, vznikat různá sdružení a složité vícestupňové formy samostatné podřízenosti. V sovětské estetice zůstala otázka nezávislosti pop-artu kontroverzní. Odrůdovou praxi regulovaly různé předpisy a společnosti. „Boj“ se satirou, ruskou a cikánskou romantikou, jazzem, rockem, stepem atd. uměle narovnal vývojovou linii jeviště, ovlivnil vývoj žánrů i osudy jednotlivých umělců.

Ve Velké sovětské encyklopedii z roku 1934 vyšel článek věnovaný tomu, že pop music je oblastí malých forem umění, ale nedotýkal se problematiky žánrové skladby pop music. Pozornost proto nebyla věnována ani tak estetice, jako spíše morfologickému obsahu tohoto termínu. Tyto formulace nejsou náhodné, odrážejí obraz rešerší 30. a 40. let, kdy se záběr jeviště téměř neomezeně rozšiřoval. Během těchto let, jak píše E. Gershuni, „popová scéna hlasitě volala po rovnoprávnosti s „velkým“ uměním...“. Především je to způsobeno tím, že se v sovětském Rusku objevil předchůdce moderního umění PR – sociální technologie řízení mas. V podstatě masový bavič (obvykle místní odborový aktivista) ideologicky ovládl nejen svátky, ale i každodenní život. Ani jeden svátek se samozřejmě neobešel bez popového koncertu. Je třeba poznamenat, že samotný masový bavič měl v každodenním životě zpravidla smysl pro rozmanitost. Vždy totiž potřebuje být středem pozornosti, bavit a bavit publikum.

V procesu rozvoje sovětského umění se obsah pojmu „odrůda“ nadále měnil. Objevil se pojem pop art, který byl definován jako „druh umění, který spojuje tzv. malé formy dramaturgie, dramatické a vokální umění, hudba, choreografie, cirkus.“

Ruský nahrávací průmysl se začal rozvíjet v roce 1901. Ve skutečnosti to nebyl úplně ruský, ale spíše francouzský průmysl v Rusku: společnost Pathé Marconi otevřela svou pobočku v Rusku a začala lisovat záznamy. Stejně jako v Evropě byl prvním zaznamenaným zpěvákem Enrique Caruso, v Rusku byl prvním také světoznámý operní pěvec Fjodor Chaliapin. A první ruské desky, stejně jako v Evropě, byly s klasickou hudbou.

Hudební obraz předrevolučního Ruska byl celistvý. Akademická hudba a pop music koexistovaly organicky v jednom kulturním prostoru, kde se pop music vyvíjela v obecném hlavním proudu romantických textů (odrážejících jejich rozmanitost a vývoj) a taneční kultury své doby. Zvláštní místo zaujímala folklorní část jeviště - Pjatnický sbor, interpreti lidových písní - L. Dolina, lidové písně - Krivopolenova a Prozorovskaja. Po porážce první revoluce (1905) byly populární písně z vězení, těžké práce a exilu. V žánru aktuálních veršů a hudební parodie umělci vystupovali v různých rolích: „fraky“ - pro módní veřejnost, „lapotniky“ - pro rolníky, „umělce otrhaného žánru“ - pro městské dno. Oblíbené taneční rytmy pronikly do povědomí lidí pomocí salonních a městských dechovek, které se specializovaly na provozování taneční hudby. Tanga, foxtrots, shimmy a dvoukroky se učily v salonech a studiích. První představení A. Vertinského v žánru hudebních a poetických povídek se datují do roku 1915.

Rozkvět ruské scény se odehrával na pozadí nebývalého růstu nového prostředku „hromadné informace“, jako jsou gramofonové desky. V letech 1900 až 1907 se prodalo 500 tisíc gramofonů a roční náklad desek dosáhl 20 milionů kusů. Spolu s lehkou hudbou zazněla i spousta klasiků (Chaliapin, Caruso).
Sólistům konkurovaly oblíbené pěvecké sbory D. Agreneva-Slavjanského, I. Juchova a dalších, které přednesly písně v „ruském stylu“ („Slunce vychází a zapadá“, „Ukhar the Merchant“ aj.). soutěžili s ruskými sbory hráči na balalajku, hornisty, guslaristy.

V 10. letech se proslavili první skutečně folklorní interpreti, např. soubor M. Pjatnického. V divadlech a kabaretech v Petrohradě a Moskvě vystupují umělci s „intimním“ stylem francouzských šansoniérů (A. Vertinsky). Na konci 19. století došlo k jasnému rozdělení písně na „Philharmonic“ (klasická romance) a vlastní „Variety“ (cikánská romance, stará romance, náladové písně). Na počátku 20. století se začaly šířit masové písně, které se zpívaly na politických shromážděních a demonstracích. Tato píseň je předurčena stát se předním typem sovětské popové písně na řadu desetiletí.

Po roce 1917 se situace začala měnit. Ideologický stav je fenomén, který ještě není plně realizován a není plně prozkoumán. Revoluce byla duchovně založena na myšlence, která byla násilně implantována do společnosti, zbavovala lidi práva volby a dělala tuto volbu za ně. Ale člověk je tak konstruován, že jeho vědomí navzdory všemu vzdoruje tomu, co je mu vnucováno, i při těch nejlepších úmyslech. Stát se rozhodl, že „potřebuje“ klasiku, „potřebuje“ sovětskou píseň, „potřebuje“ folklór. A nevědomky začala být i mistrovská díla klasické hudby vnímána jako součást státní ideologické mašinérie zaměřené na neutralizaci jednotlivce, rozpuštění individuálního „já“ v monolitické „my“.

Pop music je u nás nejméně ideologickou součástí hudebního procesu. Nevědomky se stala jediným odbytištěm pro sovětský lid, něco jako závan svobody. Tato hudba v myslích prostého člověka nenesla nic povznášejícího, oslovujícího přirozené city, nepotlačující, nemoralizující, ale prostě komunikující s člověkem jeho jazykem.

Vstupenka číslo 30. Variety. Moderní funkce a trendy.

Zobrazit – jde o zvláštní okouzlující podívanou, jejíž sémantická a dějová stránka mizí ve prospěch velkolepé prezentace dojmů (zápletka je v efektech „rozmazaná“), program show by měl být postaven na neustálé změně dojmů a jasné spektakulární techniky výrazových prostředků.

Showbyznys jako pojem se v odborné literatuře objevuje od poloviny 80. let. XX století a nahradila dříve existující koncept „sovětského jeviště“. Pojem „rozmanitost“ vznikl v ruských dějinách umění na počátku minulého století a sjednotil všechny druhy umění snadno vnímatelných žánrů.

Rozmanitost umění se vyznačuje otevřenost, lakonismus,

improvizace, slavnost, originalita, zábava. Pop music, která se vyvíjela jako umění svátečního volného času, vždy usilovala o originalitu a rozmanitost. Pocit slavnosti byl vytvořen vnější zábavou, hrou světla, změnou malebné scenérie, proměnou jeviště atd.

V kontextu přechodu k otevřené demokratické společnosti má spotřebitel možnost volby. Trend moderní show je toto: rychle se měnící vkus veřejnosti vyžaduje tvrdou práci manažerů, umělců a producentů.

Produkt kulturní činnosti je již předmětem „nákupu a prodeje“, tzn. vznikají ekonomicky oprávněné vztahy, a protože jeviště vstupuje do světa byznysu, potřebuje k tomu profesionály, lidi, kteří vědí, jak zorganizovat podnikání tak, aby přinášelo zisk nejen umělci, skupině, firmě, ale i státu ( ve formě daní). V současnosti se showbyznys rozvíjí podle zákonů trhu. Velký význam má řešení otázek spojených s personálním řízením a využíváním jeho potenciálu, který předurčuje úspěch v dosažení cíle.

Tak, moderní show je velkolepá jevištní podívaná za účasti popových hvězd, cirkusu, sportu, jazzového orchestru, ledního baletu atd. Důraz show se posouvá směrem k externím efektům navrženým tak, aby zkrášlily obsah odehrávajících se událostí.

V řízení showbyznysu se používá mnoho různých metod, přístupů a technik, směřujících k vytváření podmínek pro efektivní práci. Můžeme tedy zdůraznit vlastnosti moderní show:

1. Přítomnost „hvězdy“.

Pojem „hvězda“ vznikl v éře kinematografie, kdy byli filmoví herci bezejmenní a diváci nazývali postavy, které se jim líbily, podle názvů filmů i podle jejich vnějších charakteristik („muž se smutnýma očima“, „ dívka s kadeřemi“ atd.). Diváci začali napadat filmové produkční společnosti, ptali se na příjmení, křestní jméno a různé životopisné údaje herců, které měli rádi. Šéf americké společnosti IMP Carl Laemmle jako první využil obliby herečky Florence Lawrence k přilákání diváků do kin šířením fám o její smrti. Vzbudil tak velký zájem veřejnosti a přes noc z herečky udělal americkou filmovou hvězdu.

Tak byl položen začátek „hvězdného systému“. Další filmové společnosti následovaly příkladu IMP. Počet „hvězd“ začal rychle růst. Stávají se pokladní návnadou jak pro kino, tak pro hudební průmysl, divadlo, modelingové show atd.

Podstatou konceptu „hvězda“ je, že interpret, který se jim líbí, vyvolává mezi diváky sympatie, a proto ho chtějí vidět, chtějí být jako on. Konzument (divák, posluchač) se neomezuje pouze na vidění idola, chce o něm vědět vše, včetně podrobností z jeho osobního života. Tento aspekt je velmi užitečný při vytváření „hvězd“, protože je považován za známku velké popularity, což znamená, že poplatky „hvězdy“ rostou. Přilákat „hvězdu“ k účasti na show, modelingové show, filmu, muzikálu, divadelní produkci nebo nahrávání alba je zárukou poptávky a plného sálu.

Fáze- druh jevištního umění, který zahrnuje jak samostatný žánr, tak syntézu žánrů: zpěv, tanec, originální představení, cirkusové umění, iluze.

Pop music- druh zábavného hudebního umění určeného nejširšímu posluchači.

Největší rozvoj zaznamenal tento druh hudby ve 20. století. Obvykle zahrnuje taneční hudbu, různé písně, díla pro pop-symfonické orchestry a vokálně-instrumentální soubory.

Pop music je často ztotožňována se stávajícím konceptem „lehké hudby“, to znamená, že je snadno pochopitelná a přístupná veřejnosti. Lehká hudba z historického hlediska zahrnuje klasická díla, která jsou obsahově jednoduchá a získala si univerzální oblibu, např. hry F. Schuberta a J. Brahmse, F. Lehára a J. Offenbacha, valčíky J. Strausse a A. K. Glazunova, „Malá noční serenáda“ od W. A. Mozarta.

V tomto rozsáhlém a také charakterově i esteticky nesmírně různorodém oboru hudební tvořivosti se na jedné straně používají stejné výrazové prostředky jako ve vážné hudbě, na druhé straně jsou vlastní, specifické.

Termín „popový orchestr“ navrhl L. O. Utesov na konci 40. let, což umožnilo oddělit dva koncepty:
samotná popová a jazzová hudba.

Moderní pop music a jazz mají řadu společných rysů: přítomnost neustálé rytmické pulzace prováděné rytmickou sekcí; převážně tanečního charakteru děl popových a jazzových skupin. Jestliže se ale jazzová hudba vyznačuje improvizací, zvláštní rytmickou vlastností je swing a formy moderního jazzu jsou někdy dost obtížně vnímatelné, pak se pop music vyznačuje přístupností hudebního jazyka, melodií a extrémní rytmickou jednoduchostí.

Jedním z nejběžnějších typů popových instrumentálních skladeb je popový symfonický orchestr (ESO) nebo symfonický jazz. U nás je vznik a rozvoj ESO spojen se jmény V. N. Knushevitsky, N. G. Minkha, Yu. Repertoár popových symfonických orchestrů je mimořádně rozsáhlý: od původních orchestrálních her a fantazií na známá témata až po doprovod písní a operet.

Kromě nepostradatelné rytmické sekce a plného žesťového složení big bandu (saxofonová skupina a žesťová skupina) zahrnuje ESO tradiční skupiny nástrojů symfonického orchestru - dřevěné dechové nástroje, lesní rohy a smyčce (housle, violy, violoncella). Poměr skupin v ESO se blíží symfonickému orchestru: dominuje smyčcová skupina, což je dáno převážně melodickým charakterem hudby pro ESO; Velkou roli hrají dřevěné dechové nástroje; Samotný princip orchestrace je velmi blízký tomu, který se používá v symfonickém orchestru, i když přítomnost neustále pulzující rytmické sekce a aktivnější role dechové sekce (a někdy i saxofonů) někdy připomíná zvuk jazzového orchestru. Důležitou koloristickou roli v ESO hraje harfa, vibrafon a tympány.

ESO jsou u nás velmi oblíbené. Jejich vystoupení jsou vysílána v rozhlase a televizi, nejčastěji hrají filmovou hudbu a účastní se velkých popových koncertů a festivalů. Mnoho sovětských skladatelů píše hudbu speciálně pro ESO. Jedná se o A. Ja Eshpai, I. V. Jakušenko, V. N. Ljudvikovskij, O. N. Khromushin, R. M. Ledenev, Yu S. Saulsky, M. M. Kazhlaev, V. E. Ter -letsky, A. S. Mazhukov, V. G. Rubashevsky, A. V. Kalvar.

Žánr populární hudby zahrnuje různé druhy popových písní: tradiční romantiku, moderní lyrickou píseň, píseň v tanečních rytmech s rozvinutým instrumentálním doprovodem. To hlavní, co spojuje četné druhy popových písní, je touha jejich autorů po maximální přístupnosti a zapamatovatelnosti melodie. Kořeny takové demokracie jsou ve starověké romantice a moderním městském folklóru.

Popová píseň se neomezuje na čistou zábavu. Sovětské popové písně tak obsahují témata občanství, vlastenectví, boje za mír atd. Ne nadarmo se objevují písně I. O. Dunaevského, V. P. Solovjova-Sedoje, M. I. Blantera, A. N. Pakhmutova, D. F. Tuchmanova a dalších sovětských písní. skladatele milují nejen u nás, ale i daleko za jejími hranicemi. Solovyov-Sedoyova píseň „Moskva večery“ získala skutečně celosvětové uznání. Ve 20. století Navzájem se vystřídaly různé druhy taneční hudby. Tango, rumba, foxtrot tedy vystřídal rokenrol, vystřídal je twist and shake, velmi oblíbené byly rytmy samby a bossa nova. Po řadu let byl disco styl rozšířen v pop a taneční hudbě. Vzniklo spojením černošské instrumentální hudby s prvky zpěvu a plasticity, charakteristické pro popové zpěváky z Latinské Ameriky, zejména z ostrova Jamajka. Diskotéková hudba, která je v západní Evropě a USA úzce spjata s nahrávacím průmyslem a provozováním diskoték, se stala jedním z rychle se rozvíjejících trendů popové a taneční hudby 2. poloviny 20. století.

Mezi sovětské skladatele, kteří položili domácí tradice v žánru taneční hudby, patří A. N. Tsfasman, A. V. Varlamov, A. M. Polonsky a další.

Moderní rockovou hudbu lze klasifikovat jako pop music. V hudební kultuře západní Evropy a USA jde o hnutí velmi pestré ve své ideové i umělecké úrovni a estetických principech. Je zastoupena jak díly vyjadřujícími protest proti sociální nespravedlnosti, militarismu, válce, tak díly hlásajícími anarchismus, nemorálnost a násilí. Stejně heterogenní je i hudební styl souborů reprezentujících toto hnutí. Mají však společný základ a některé charakteristické rysy.

Jedním z těchto rysů je využití zpěvu, sóla a ansámblu, potažmo textu, který nese samostatný obsah, a lidského hlasu jako zvláštního témbrového zbarvení. Členové souborů nebo skupin často spojují funkce instrumentalistů a vokalistů. Vedoucími nástroji jsou kytary, dále různé klávesy, méně často dechové nástroje. Zvuk nástrojů je zesilován různými zvukovými měniči a elektronovými zesilovači. Rocková hudba se liší od jazzové hudby ve své více rozčleněné metro-rytmické struktuře.

U nás se prvky rockové hudby promítají do tvorby vokálních a instrumentálních souborů (VIA).

Sovětská populární hudba, díky své masové přitažlivosti a široké popularitě, hrála významnou roli v estetické výchově mladé generace.

Kořeny pop artu sahají do daleké minulosti, vysledované v umění Egypta, Řecka, Říma; jeho prvky jsou přítomny v představeních kočovných komiků-bubáků (Rusko), shpilmanov (Německo), kejklířů (Francie), dandies (Polsko), maškarních (Střední Asie) atd.

Satira na městský život a morálku, ostré vtipy na politická témata, kritický postoj k moci, kuplety, komické scény, vtipy, hry, klaunská pantomima, žonglování a hudební výstřednosti byly počátky budoucích popových žánrů, zrozených v hluku karnevalu. a čtvercové zábavy.

Předchůdci bavičů se později stali Barkeři, kteří pomocí vtipů, vtipů a vtipných kupletů prodávali jakýkoli produkt na náměstích a trzích. To vše bylo masivního a srozumitelného charakteru, což bylo nezbytnou podmínkou existence všech popových žánrů. Všichni středověcí karnevaloví účinkující nepředvedli vystoupení.

V Rusku se původ popových žánrů projevil v bubácké zábavě, zábavě a masové kreativitě, lidových festivalech. Jejich představiteli jsou vtipálci Rausovi s obligátním plnovousem, kteří bavili a zvali diváky z horní plošiny Rausova stánku, petrželáři, raeshniky, vůdci „vědeckých“ medvědů, šaškáři předvádějící „skeče“ a „reprízy“ mezi dav, hraní na dýmky, harfu, šňupání a pobavení lidí.

Variety umění se vyznačuje takovými kvalitami, jako je otevřenost, lakonicismus, improvizace, slavnost, originalita a zábava.

Pop music, která se rozvíjela jako umění svátečního volného času, vždy usilovala o nevšednost a rozmanitost. Samotný pocit slavnosti vznikl díky vnější zábavě, hře světla, změně malebné scenérie, změně tvaru jeviště atd. Navzdory skutečnosti, že jeviště se vyznačuje různými formami a žánry, lze jej rozdělit do tří skupin:

- koncertní varietní scéna (dříve nazývaná „divertissement“) spojuje všechny typy vystoupení v rámci varietních koncertů;
- divadelní scéna (komorní představení miniatur divadel, kabaretních divadel, kavárenských divadel nebo velkých koncertních revuí, hudebních sálů, s velkým hereckým obsazením a prvotřídním jevištním vybavením);
- slavnostní scéna (lidové slavnosti, svátky na stadionech, plné sportovních a koncertních vystoupení, ale i plesů, karnevalů, maškar, festivalů apod.).

Existují také tyto:

1. Varietní divadla
2. Hudební sály

Je-li základem varietního představení dokončené číslo, pak recenze jako každá dramatická akce vyžadovala podřízení všeho dění na jevišti ději. To se zpravidla organicky neslučovalo a vedlo k oslabení jedné ze složek představení: buď čísla, nebo postav, nebo děje. Stalo se tak během výroby „Zázraků 20. století“ – hra se rozpadla na řadu nezávislých, volně propojených epizod. Divácky úspěšný byl pouze baletní soubor a několik prvotřídních cirkusových vystoupení. Baletní soubor v nastudování Goleizovského předvedl tři čísla: „Hey, let’s whoop!“, „Moskva in the rain“ a „30 English girls“. Obzvláště působivé bylo vystoupení "Snake". Mezi cirkusovými počiny byli nejlepší: Tea Alba a „Australian Lumberjacks“ Jackson a Laurer. Alba současně pravou a levou rukou psala křídou různá slova na dvě tabule. Na konci místnosti se dřevorubci předháněli, aby pokáceli dvě silná polena. Vynikající balancování předvedl na drátě Němec Strodi. Předváděl kotrmelce na drátě. Ze sovětských umělců měli jako vždy velký úspěch Smirnov-Sokolskij a dítky V. Glebová a M. Darskaja. Mezi cirkusovými počiny vynikl počin Zoe a Marthy Kochových na dvou paralelních drátech.

V září 1928 došlo k otevření Leningradské hudební síně.

3. Divadlo miniatur - divadelní skupina, která pracuje především na malých formách: drobné hry, skeče, opery, operety spolu s varietními čísly (monology, kuplety, parodie, tance, písně). Repertoáru dominuje humor, satira, ironie a nevylučuje se ani lyrika. Soubor je malý, je možné divadlo jednoho herce nebo dvou herců. Lakonická představení jsou koncipována pro relativně malé publikum a představují jakési mozaikové plátno.
4. Konverzační žánry na jevišti - symbol pro žánry spojené především se slovem: bavič, mezihra, scénka, skeč, příběh, monolog, fejeton, mikrominiatura (inscenovaná anekdota), pohřeb.

Bavič - bavič může být párový, samostatný, nebo hromadný. Konverzační žánr vybudovaný podle zákonů „jednoty a boje protikladů“, tedy přechodu od kvantity ke kvalitě podle satirického principu.

Popový monolog může být satirický, lyrický nebo humorný.

Mezihra je komická scéna nebo hudební skladba s humorným obsahem, která se hraje jako samostatné číslo.

Scénka je malá scéna, kde se rychle rozvíjí intriky, kde nejjednodušší děj je postaven na nečekaných vtipných, drásavých situacích, obratech, umožňujících během akce vzniknout celé řadě absurdit, ale kde vše zpravidla končí šťastným rozuzlení. 1-2 znaky (ale ne více než tři).

Miniatura je nejoblíbenějším mluveným žánrem na jevišti. Na jevišti dnes populární vtip (nepublikovaný, netištěný - z řečtiny) je krátký aktuální ústní příběh s nečekaným vtipným koncem.

Slovní hříčka je vtip založený na komickém použití podobně znějících, ale odlišně znějících slov k rozehrání zvukové podobnosti ekvivalentních slov nebo kombinací.

Repríza je nejběžnější krátký konverzační žánr.

Páry jsou jednou z nejsrozumitelnějších a nejoblíbenějších odrůd konverzačního žánru. Kuptista se snaží zesměšnit ten či onen jev a vyjádřit svůj postoj k němu. Musí mít smysl pro humor

Mezi hudební a konverzační žánry patří kuplet, ditty, chansonette a hudební fejeton.

Parodie běžná na pódiu může být „konverzační“, vokální, hudební nebo taneční. Kdysi mezi řečové žánry patřily recitace, melodické recitace, literární montáže a „umělecké čtení“.

Není možné podat přesně zaznamenaný seznam řečových žánrů: neočekávané syntézy slov s hudbou, tancem, původními žánry (transformace, ventrologie atd.) dávají vzniknout novým žánrovým útvarům. Živá praxe neustále dodává nejrůznější odrůdy, není náhodou, že na starých plakátech bylo zvykem přidávat ke jménu herce „v jeho žánru“.

Každý z výše uvedených řečových žánrů má své vlastní charakteristiky, svou historii a strukturu. Vývoj společnosti a společenských poměrů diktoval vznik nejprve toho či onoho žánru. Za „pestrý“ žánr lze považovat pouze baviče narozeného v kabaretu. Zbytek pocházel ze stánků, divadel a ze stránek humoristických a satirických časopisů. Žánry řeči, na rozdíl od jiných, které inklinují k zahraničním inovacím, se vyvíjely v souladu s domácí tradicí, v úzkém spojení s divadlem a humoristickou literaturou.

Vývoj řečových žánrů je spojen s úrovní literatury. Za hercem stojí autor, který v performerovi „umírá“. A přesto vnitřní hodnota herectví neubírá na důležitosti autora, který do značné míry určuje úspěch aktu. Autory se často stávali sami umělci. Tradice I. Gorbunova převzali pop vypravěči - Smirnov-Sokolskij, Afonin, Nabatov a další vytvořili svůj vlastní repertoár Herci, kteří neměli literární talent, se obraceli o pomoc na autory, kteří psali s očekáváním ústního podání zohlednit masku umělce. Tito autoři zůstávali zpravidla „bezejmenní“. Po mnoho let se v tisku diskutuje o tom, zda lze dílo napsané pro divadelní představení považovat za literaturu. Počátkem 80. let vznikl Všesvaz a poté Všeruské sdružení popových autorů, které pomohly legitimizovat tento typ literární činnosti. Autorská „anonymita“ je minulostí, na jeviště navíc nastoupili sami autoři. Koncem 70. let vyšel program „Zákulisí smíchu“, komponovaný jako koncert, ale výhradně z vystoupení popových autorů. Jestliže v minulých letech uváděli vlastní programy pouze jednotliví autoři (Averčenko, Ardov, Laskin), nyní se tento fenomén rozšířil. K úspěchu velkou měrou přispěl fenomén M. Žvaneckého. Začínal v 60. letech jako autor Leningradského divadla miniatur a obcházel cenzuru a začal číst své krátké monology a dialogy na uzavřených večerech v Domech kreativní inteligence, které se stejně jako Vysockého písně rozšířily po celé zemi.

5. Jazz na pódiu

Pojem „jazz“ je běžně chápán jako: 1) druh hudebního umění založený na improvizaci a zvláštní rytmické intenzitě, 2) orchestry a soubory provozující tuto hudbu. Pro označení skupin se také používají výrazy „jazzová kapela“, „jazzový soubor“ (někdy označující počet účinkujících – jazzové trio, jazzové kvarteto, „jazzový orchestr“, „velká kapela“).

6. Píseň na pódiu

Vokální (vokálně-instrumentální) miniatura, hojně využívaná v koncertní praxi. Na jevišti se často řeší jako jevištní „herní“ miniatura pomocí plastik, kostýmů, světla, mizanscény („divadlo písní“); Velký význam má osobnost, vlastnosti talentu a dovednosti interpreta, který se v některých případech stává „spoluautorem“ skladatele.

Žánry a formy písně jsou rozmanité: romance, balada, lidová píseň, kuplet, písně, šansoneta atd.; Způsoby provedení jsou také rozmanité: sólové, ansámblové (dueta, sbory, vokálně-instrumentální soubory).

Mezi popovými hudebníky existuje i skladatelská skupina. Jde o Antonova, Pugačeva, Gazmanova, Lozu, Kuzmina, Dobrynina, Kornelyuka atd. Předchozí píseň byla především skladatelská, současná je „interpretova“.

Mnoho stylů, způsobů a trendů koexistuje – od sentimentálního kýče a městské romantiky po punk rock a rap. Dnešní píseň je tedy pestrobarevným a mnohostylovým panelem zahrnujícím desítky směrů, od domácích napodobenin folklóru až po nálevy afroamerických, evropských a asijských kultur.

7. Tanec na pódiu

Toto je krátké taneční číslo, sólové nebo skupinové, prezentované na národních popových koncertech, varietních show, hudebních sálech a miniaturních divadlech; doprovází a doplňuje program vokalistů, množství originálních a dokonce i řečových žánrů. Vznikla na základě lidového, každodenního (společenského) tance, klasického baletu, moderního tance, gymnastiky, akrobacie a na křížení všemožných cizích vlivů a národních tradic. Povaha taneční plasticity je diktována moderními rytmy a utváří se pod vlivem příbuzných umění: hudby, divadla, malby, cirkusu, pantomimy.

Lidové tance byly zpočátku zařazovány do vystoupení stoličních souborů. Repertoár zahrnoval divadelní zpestření vesnického, městského a vojenského života, vokální a taneční suity ruských lidových písní a tanců.

V 90. letech se tanec na pódiu ostře polarizoval, jako by se vracel do situace 20. let. Taneční skupiny zapojené do showbyznysu, jako Erotic Dance a další, spoléhají na erotiku – vystoupení v nočních klubech si diktují vlastní zákony.

8. Loutky na jevišti

Od starověku byly v Rusku oceňovány ruční práce, byly milovány hračky a byly respektovány zábavné hry s panenkami. Petruška se vypořádal s vojákem, policistou, knězem a dokonce i se smrtí samotnou, statečně se oháněl kyjem, usmrtil ty, které lid neměl rád, svrhl zlo a potvrzoval lidovou morálku.

Petrželáci se toulali sami, někdy spolu: loutkář a muzikant, sami skládali divadelní hry, sami byli herci, sami byli režiséři - snažili se zachovat pohyby loutek, mizanscény, loutky triky. Loutkáři byli pronásledováni.

Byly i další pořady, ve kterých loutky účinkovaly. Na ruských silnicích byly k vidění dodávky naložené panenkami na provázcích – loutkami. A někdy s krabicemi se štěrbinami uvnitř, kterými se panenky zespodu přemisťovaly. Takovým krabicím se říkalo betlémy. Loutky ovládaly umění napodobování. Rádi se vydávali za zpěváky, kopírovali akrobaty, gymnasty a klauny.

9. Parodie na jevišti

Jedná se o číslo či performance založenou na ironickém napodobování (imitaci) jak individuálního způsobu, stylu, charakteristických rysů a stereotypů předlohy, tak celých směrů a žánrů v umění. Amplituda komiksu: od ostře satirického (hanlivého) po humorný (přátelský kreslený film) určuje postoj parodisty k předloze. Parodie má své kořeny ve starověkém umění, v Rusku je již dlouho přítomná v šaškárnych hrách a fraškovitých představeních.

10. Malá divadla

Vytvoření kabaretních divadel v Rusku „The Bat“, „Curved Mirror“ atd.

Jak „Křivé zrcadlo“, tak „Netopýr“ byly profesionálně silné herecké skupiny, jejichž úroveň divadelní kultury byla nepochybně vyšší než v četných miniaturních divadlech (z moskevských Petrovský, jehož ředitelem byl D.G. Gutman, vyčníval více než jiní , Mamonovskij, pěstující dekadentní umění, kde debutoval za 1. světové války Nikolskij - výtvarník a režisér A.P.Petrovskij - Troitsky A.M Fokina - režisér V.R bavič úspěšně provedl V.O. Toporkov, pozdější umělecký divadelník.

Odeslání vaší dobré práce do znalostní báze je snadné. Použijte níže uvedený formulář

Studenti, postgraduální studenti, mladí vědci, kteří využívají znalostní základnu ve svém studiu a práci, vám budou velmi vděční.

Zveřejněno dne http://www.allbest.ru/

Zavedení

3. Žánry pop-artu

Závěr

Seznam použité literatury

Zavedení

režisér varietního uměleckého žánru

Kořeny pop artu sahají do vzdálené minulosti, vysledované v umění Egypta a Řecka. Ve vystoupeních cestujících byly přítomny prvky jeviště - bubáci (Rusko), shpilmani (Německo), žongléři (Francie) a tak dále. Hnutí trubadúrů ve Francii (konec 11. století) působilo jako nositel nové společenské myšlenky. Jeho zvláštností bylo psaní hudby na zakázku, žánrová rozmanitost písní od zápletek milostných textů až po oslavu vojenských hrdinských činů vojevůdců. Najatí zpěváci a cestující umělci šířili hudební kreativitu.

Satira na městský život a morálku, ostré vtipy na politická témata, kritický postoj k moci, kuplety, komické scénky, vtipy, hry a hudební výstřednosti byly počátky budoucích popových žánrů, které se zrodily v hluku karnevalu a náměstí. Předchůdci baviče se později stali Barkeři, kteří pomocí vtipů, vtipů a vtipných kupletů prodávali jakýkoli produkt na náměstích a trzích. To vše bylo masivního a srozumitelného charakteru, což bylo nezbytnou podmínkou existence všech popových žánrů. Všichni středověcí karnevaloví účinkující nepředvedli vystoupení. Základem představení byla miniatura, která je odlišovala od divadla, jehož hlavním znakem jsou prvky spojující děj dohromady. Tito umělci nezobrazovali postavy, ale vždy jednali svým jménem a přímo komunikovali s publikem. To je stále hlavní, výrazný rys moderního showbyznysu.

O něco později (polovina a konec 18. století) se v cizích zemích objevily různé zábavní podniky - hudební sály, estrády, kabarety, ministerské show, které spojovaly veškeré zážitky z pouťových a masopustních představení a byly předchůdci moderních zábavních organizací. . S přechodem mnoha pouličních žánrů do vnitřních prostor se začala formovat zvláštní úroveň scénického umění, protože nové podmínky vyžadovaly koncentrovanější vnímání ze strany diváka. Činnost kaváren - chantanů, kaváren - koncertů, určených pro malý počet návštěvníků, zformovaných ve 2. polovině 19. století, umožnila rozvoj takových komorních žánrů jako lyrický zpěv, bavič, sólový tanec, výstřednost. Úspěch takových kaváren způsobil vznik větších, velkolepějších podniků - kavárenských koncertů, jako "Ambassador", "Eldorado" a další.

Tato forma předvádění se vyznačovala takovými kvalitami, jako je otevřenost, lakonicismus, improvizace, slavnost, originalita a zábava. V této době získává Francie statut kulturního a zábavního centra. "Theatre Montassier" (estráda) - spojuje hudební, divadelní a cirkusové umění. V roce 1792 se divadlo Vaudeville stalo velmi populární. Repertoár divadla tvoří komediální hry, které střídají dialogy s kuplety, písněmi a tanci. Velké oblibě se těšily kabarety (zábavní místo, které kombinuje písňové a taneční žánry zábavného charakteru) a opereta.

Pop music, která se vyvíjela jako umění svátečního volného času, vždy usilovala o originalitu a rozmanitost. Pocit slavnosti vznikl díky vnější zábavě, hře světla, změně malebné scenérie a změně tvaru jeviště.

Pop music je od 20. let minulého století středem pozornosti kulturních a uměleckých osobností, badatelů v různých oblastech poznání, působí jako předmět polemik na stránkách periodik a sporů ve vědeckých kruzích. V průběhu historie ruského pop artu se postoje k němu opakovaně měnily. „V domácí vědě je tradicí považovat pop art, v tomto kontextu jazz a posléze rockovou hudbu za projevy masové kultury, které se staly předmětem studia v rámci sociologie, sociální psychologie a dalších sociálních vědy Zájem kulturních vědců a politologů o problémy moderní pop music a jí generované sociokulturní fenomény neutuchají dodnes.“

Rozvoj kinematografie měl ohromující účinek po celém světě a následně se stal bezprostředním atributem každé společnosti. Od konce 80. a počátku 19. století těsně sousedí se vznikající domácí scénou, jako instituce i jako podívaná přímo navazuje na stánek. Pásky z města do města převáželi podnikatelé v dodávkách spolu s promítací technikou. Nedostatek elektřiny brzdil rozvoj kinematografie ve velkých částech země. S ohledem na tuto skutečnost podnikatelé pořizují malé přenosné elektrárny, které výrazně rozšířily možnosti distribuce filmů.

Rozvoj hudební kultury tedy není možný bez realizace celého komplexu manažerských úkolů, jejichž řešení vyžaduje přípravu kvalifikovaného personálu v souladu s moderními sociokulturními podmínkami.

Existuje i opačný proces – komercializace (bez negativní konotace) jeviště. Ceny fanoušků za koncerty Madonny v Londýně v srpnu 2007 se tedy pohybovaly od 80 do 160 liber (od 140 do 280 dolarů) plus 13 liber za rezervaci. Turné Re-Invention, se kterým před dvěma lety absolvovala turné po Spojených státech a Evropě, vyneslo 125 milionů dolarů, více než kterákoli jiná show toho roku. Vstupenky na koncerty v Londýně pak stojí až 150 liber.

Madonna je ve skutečnosti jedním z hlavních příjemců změn, které do zábavního průmyslu přinesly mocné ekonomické síly.

1. Číslo - hlavní složka pop artu

Představení je samostatné, kompletní představení jednoho nebo více umělců. Je to základ pop-artu – „číslo Jeho Veličenstva“ – řekl N. Smirnov-Sokolsky. Posloupnost, „montáž“ čísel je podstatou koncertu, divadelního programu nebo varietního představení. Zpočátku se pojem „číslo“ používal v doslovném smyslu, určoval pořadí umělců jdoucích za sebou: první, druhý, pátý... v estrádním (či cirkusovém) programu (také střídání jednotlivých scén v opera - „číslová opera“, v baletu).

Pro umělce vystupujícího na jevišti je číslo malým představením s vlastním začátkem, vyvrcholením a rozuzlením. Krátká délka představení (ne více než 15-20 minut) vyžaduje extrémní koncentraci výrazových prostředků, lakonismus a dynamiku. Režiséři a někdy i skladatelé, choreografové a umělci, včetně kostýmních a světelných designérů, jsou přizváni na jevištní představení.

Ve skriptu lze číslo definovat jako samostatný segment akce, který má svou vnitřní strukturu.

Struktura čísla je totožná se strukturou jakékoli dramatické akce. Měl by zde být jakýsi expoziční moment, nezbytná zápletka akce. Představení nemůže existovat bez vývoje, jehož napětí závisí na konkrétních úkolech režiséra. Vrchol v aktu je nejčastěji vyjádřen jako kontrastní bod obratu, bez kterého se nemůže uskutečnit potřebná úplnost vývoje celého scénáře. Číslo je zpravidla zakončeno okamžikem rozuzlení, který dovede akci k relativní úplnosti.

Počet by měl být co do intenzity relativně krátký, ale ne krátký. Jeho trvání je přímo závislé na jeho funkci, účelu, úkolu v celkovém řešení tématu: ne méně a nic víc, než co mu přisuzuje výtvarná logika.

Dalším požadavkem na akt je vysoká koncentrace obsahu: v extrémně krátkém čase je třeba poskytnout maximum informací, a to nejen předat divákovi, ale umělecky je uspořádat za účelem emocionálního a estetického působení.

Každý hudební žánr má svou vlastní formu existence. V divadle opery je toto představení celistvým, uceleným, umělecky dotaženým dílem. Pro symfonii, dechový orchestr, lidový orchestr, komorní soubory a sólisty je touto formou koncert, který zahrnuje provedení jednoho nebo více děl. Pro hudební scénu je to také koncert, ale zvláštního druhu. Vychází z hudebních čísel různých žánrů a stylů. Například když zpívají za doprovodu orchestru ruských lidových nástrojů, jde o akademický koncert, a když je doprovází instrumentální soubor také lidových nástrojů, jde o popový koncert. Tento rozdíl je určen specifickou výkonnostní charakteristikou každého žánru. Jedním z hlavních rysů hudebně varietního aktu, vokálního nebo instrumentálního, je specifičnost komunikace s publikem. Jevištní umělec vždy oslovuje publikum, publikum. Tento rys hudební scény má historické kořeny. I bubáci na lidových slavnostech vstupovali do přímé komunikace s posluchači. V současné době se přímá komunikace s divákem stala složitější a mnohostrannější. A. Alekseev vyjádřil tuto myšlenku velmi přesně a zajímavě ve své knize „Serious and Funny“. Na pódiu, na rozdíl od akademického koncertu, „vždycky cítíte, že to neříkají za vás, ale že mluví k vám...“.

Tento rys divadelního umění – ať už jde o hudební fejeton, verše, píseň, instrumentální skladbu – určuje podstatu a rozdíl mezi popovým číslem a akademickým výkonem. Když sólista-instrumentalista nebo zpěvák přijde na okraj jeviště, zazpívá píseň nebo zahraje hudební skladbu - není to jen představení, ale hluboce osobní, upřímný apel na ty, kteří sedí v sále, na všechny najednou a každému jednotlivci.

Různorodost je velmi úzce spjata s divadlem, formy divadelní a popové tvorby jsou různé. Jestliže v prvním, jak poznamenal A. Anastasjev, jde o představení, pak v umění varietní jde o číslo, které slovy Yu Dmitrieva „je základem varietního umění“.

Zároveň existuje mezera ve vědě o pop music. Jednomyslné uznání, že základem a „měrnou jednotkou“ umění odrůdy je na jedné straně číslo, a na druhé straně faktická absence teorie pro vytvoření aktu odrůdy vytváří určitý druh "paradox o odrůdovém aktu." Dominantní postavení aktu ve struktuře pop-artu nás nutí k následujícímu zásadnímu závěru: právě umělecké přednosti pop-artu nakonec určují vektor vývoje pop-artu jako celku. Proto lze analýzu umělecké struktury varietního aktu v těsném spojení s metodologií jeho tvorby označit za jeden z hlavních problémů varietních studií, který vyžaduje důkladný výzkum.

Tvorba varietního aktu soustřeďuje kreativitu autora, herce, režiséra a umělce. Některé otázky tvorby autora a umělce jsou v disertační práci zohledněny při rozboru umělecké struktury problematiky, ale hlavní pozornost je zaměřena na práci herce a režiséra.

Při vytváření uměleckého obrazu v varietním aktu zaujímá vedoucí postavení herec, stejně jako v divadle. Ale na jevišti je to zvláště patrné kvůli jeho extrémní personifikaci. Praxe ukazuje, že pop umělci jsou na rozdíl od divadla často autory vlastních uměleckých děl – čísel. Kromě toho improvizační umění herce, které je základem některých popových žánrů, vyžaduje studovat zvláštnosti procesu tvorby čísla přímo v okamžiku jeho představení.

Režie varietního aktu soustřeďuje všechny složky inscenačního aktu ve spolupráci s autorem textu, skladatelem, choreografem, výtvarníkem a hercem. Tento axiom je třeba opakovat, neboť je nutno s politováním konstatovat, že ani základní aspekty teorie a praxe režisérské práce na varietním aktu nejsou téměř formulovány a už vůbec ne zobecněné. „Podle mého názoru se o práci režiséra uvnitř aktu málo hovořilo,“ správně poznamenala například N. Zavadskaja „Zatím je to pro umělce nezbytné, i když má všechny odborné dovednosti.“ Jakékoli, i ty nejvýraznější profesionální dovednosti popového umělce se stávají nesmyslným souborem triků, repríz a jiných výrazových prostředků, pokud nejsou dovedeny ke společnému jmenovateli celistvého uměleckého obrazu, který je jednou z hlavních součástí režisérovy profese. obecně. A není důvod považovat odrůdový zákon za výjimku z tohoto pravidla.

2. Klasifikace varietních aktů podle generických varietních žánrů

Jakákoli klasifikace v umění je neúplná, a proto zde můžeme rozlišovat druhy a žánrové skupiny, přičemž se zaměřujeme pouze na čísla, která se často vyskytují ve scénářích představení. Čísla odrůd jsou klasifikována podle vlastností do čtyř skupin.

První skupina typů zahrnuje hovorová (nebo řečová) čísla. Pak jsou hudební, plasticko-choreografická, smíšená, „originální“ čísla.

Mezi konverzační žánry patří: bavič, repríza, slovní hříčka, mezihra, miniatura, parodie, popový monolog, popový fejeton, hudební fejeton, hudební mozaika, kuplety, písně, parodie.

Žánry plastických choreografických čísel: tanec (folk, charakter, pop, moderna), pantomima a plastická skica.

Žánry typové skupiny „originální akty“: excentricita, kouzelnické triky, biflování, hra na neobvyklé hudební nástroje, zvukomalebnost, populární tisky, tantamoresky, akrobacie, cirkusová představení, sportovní akty.

Zapojení diváků do přímé akce divadelního představení je jedním ze specifických rysů tohoto druhu umění. Proto je zde herní číslo ve svých různých žánrových podobách (týkajících se buď smíšených nebo „původních“ čísel) velmi rozšířené.

Do skupiny hudebních čísel řadíme především koncertní hudební číslo. Jeho úplnost je dána samotnou hudební formou. Pokud je úryvek z velkého díla brán jako číslo, pak by měl být relativně úplný a působit celistvým dojmem. Hlavním hudebním žánrem je píseň: lidová, lyrická, popová, městská romance, cikánská romance, hudební fejeton.

Oblíbeným žánrem hudebních čísel je ditty. Jeho rysy jsou aktuálnost, extrémní stručnost, výraznost formy a kapacita obsahu. Dity vytvořené na konkrétním materiálu jsou z hlediska efektivity nepostradatelným žánrem. Řeč zní vždy individualizovaně, umělecky zdůvodněná, jako řeč konkrétního člověka nebo jako dialekt charakteristický pro konkrétní oblast, region, okraj.

Lakonicky vyjádřený obsah v ditty odpovídá jasnému složení určenému formou a strukturou čtyřverší. Jedním z charakteristických rysů této formy je organické spojení konverzační intonace s hudební strukturou. Ale obecně je ditty číslo konstruováno jako efektivní prvek programu, který je v něm dokončen.

Při zpívání je čtyřřádková sloka ditty rozdělena na dvě půlstrofy s hlubokou pauzou uprostřed. Pauza připravuje na nový, obvykle nečekaný obrat, rozuzlení tématu „deklarovaného“ na začátku. První dvojverší hraje zpravidla roli začátku, dává jakoby začátek lyrického vyprávění; druhé dvojverší je zakončení: rozvinutí tématu a konečný závěr. Právě tato dramatická struktura z ní dělá extrémně výrazný, efektní žánr, snadno vnímatelný posluchači.

Ditties s „rezervacemi“ mají velký emocionální dopad.

3. Žánry pop-artu

Variety umění se vyznačuje takovými kvalitami, jako je otevřenost, lakonicismus, improvizace, slavnost, originalita a zábava.

Koncertní scéna (dříve nazývaná „divertissement“) spojuje všechny typy vystoupení v estrádních koncertech;

Divadelní scéna (komorní představení miniaturních divadel, kabaretních divadel, kavárenských divadel nebo velkých koncertních revuí, hudebních sálů, s velkým hereckým obsazením a prvotřídní jevištní technikou);

Slavnostní scéna (lidové slavnosti, svátky na stadionech, plná sportovních a koncertních vystoupení, ale i plesů, karnevalů, maškar, festivalů atd.).

Existují také tyto:

1. Varietní divadla

2. Hudební sály

V září 1928 došlo k otevření Leningradské hudební síně.

3. Divadlo miniatur - divadelní skupina, která pracuje především na malých formách: drobné hry, skeče, opery, operety spolu s varietními čísly (monology, kuplety, parodie, tance, písně). Repertoáru dominuje humor, satira, ironie a nevylučuje se ani lyrika. Soubor je malý, je možné divadlo jednoho herce nebo dvou herců. Lakonická představení jsou koncipována pro relativně malé publikum a představují jakési mozaikové plátno.

4. Konverzační žánry na jevišti - symbol pro žánry spojené především se slovem: bavič, mezihra, scénka, skeč, příběh, monolog, fejeton, mikrominiatura (inscenovaná anekdota), pohřeb.

Popový monolog může být satirický, lyrický nebo humorný.

Mezihra je komická scéna nebo hudební skladba s humorným obsahem, která se hraje jako samostatné číslo.

Slovní hříčka je vtip založený na komickém použití podobně znějících, ale odlišně znějících slov k rozehrání zvukové podobnosti ekvivalentních slov nebo kombinací.

Repríza je nejběžnější krátký konverzační žánr.

Mezi hudební a konverzační žánry patří kuplet, ditty, chansonette a hudební fejeton.

5. Jazz na pódiu

6. Píseň na pódiu

7. Tanec na pódiu

8. Loutky na jevišti

9. Parodie na jevišti

10. Malá divadla

Vytvoření kabaretních divadel v Rusku „The Bat“, „Curved Mirror“ atd.

4. Hudební žánry na jevišti. Základní principy, techniky a režie

Popové žánry se rozlišují:

1. Latinskoamerická hudba

Latinskoamerická hudba (španělsky musica latinoamericana) je zobecněný název pro hudební styly a žánry zemí Latinské Ameriky a také hudbu lidí z těchto zemí, kteří kompaktně žijí na území jiných států a tvoří velké latinskoamerické komunity (např. například v USA). V hovorové řeči se často používá zkrácený název „latinská hudba“ (španělsky musica latina).

Latinskoamerická hudba, jejíž role v každodenním životě Latinské Ameriky je velmi vysoká, je fúzí mnoha hudebních kultur, ale je založena na třech složkách: španělské (nebo portugalské), africké a indické hudební kultuře. Latinskoamerické písně se zpravidla hrají ve španělštině nebo portugalštině, méně často ve francouzštině. Latinskoameričtí umělci žijící ve Spojených státech jsou obvykle bilingvní a často používají anglické texty.

Španělská a portugalská hudba ve skutečnosti k latinskoamerické hudbě nepatří, je však s ní úzce spojena velkým množstvím spojení; Navíc vliv španělské a portugalské hudby na latinskoamerickou hudbu je vzájemný.

Navzdory skutečnosti, že latinskoamerická hudba je extrémně heterogenní a každá země v Latinské Americe má své vlastní charakteristiky, stylově ji lze rozdělit do několika hlavních regionálních stylů:

* andská hudba;

* středoamerická hudba;

* Karibská hudba;

* Argentinská hudba;

* mexická hudba;

* Brazilská hudba.

Je však třeba mít na paměti, že takové dělení je velmi svévolné a hranice těchto hudebních stylů jsou velmi neostré.

Blues (anglicky: blues from blue devils) je hudební žánr, který se rozšířil ve 20. letech 20. století. Je to jeden z výdobytků afroamerické kultury. Vznikla z takových etnických hudebních trendů afroamerické společnosti jako „pracovní píseň“, „duchovní“ a cholera. V mnoha ohledech ovlivnil moderní populární hudbu, zejména takové žánry jako „pop“ (anglická pop music), „jazz“ (anglický jazz), „rock and roll“ (anglický rock „n“ roll). Převládající forma blues je 4/4, kde se často hrají první 4 takty na tónickou harmonii, po 2 na subdominantu a tóniku a po 2 na dominantu a tóniku. Toto střídání je také známé jako bluesová progrese. Často se používá rytmus osmých trojic s pauzou - tzv. shuffle. Charakteristickým rysem blues jsou „modré tóny“. Hudba je často postavena na struktuře „otázka-odpověď“, vyjádřené jak v lyrickém obsahu skladby, tak v hudebním obsahu, často postaveném na dialogu mezi nástroji. Blues je improvizační forma hudebního žánru, kde skladby často využívají pouze hlavní nosný „rámec“, který hrají sólové nástroje. Originální bluesové téma je postaveno na smyslné sociální složce života afroamerické populace, jejích potížích a překážkách, které se objevují na cestě každého černocha.

Jazz je forma hudebního umění, která se objevila na konci 19. a na počátku 20. století ve Spojených státech jako výsledek syntézy afrických a evropských kultur a následně se rozšířila. Charakteristickými rysy hudebního jazyka jazzu byly zpočátku improvizace, polyrytmus založený na synkopických rytmech a unikátní soubor technik pro provedení rytmické textury - swing. K dalšímu rozvoji jazzu došlo díky vývoji nových rytmických a harmonických modelů jazzovými hudebníky a skladateli.

Country hudba kombinuje dva druhy amerického folklóru – hudbu bílých osadníků, kteří se usadili v Novém světě v 17.–18. století, a kovbojské balady Divokého západu. Tato hudba má silné dědictví z alžbětinských madrigalů a irské a skotské lidové hudby. Hlavními hudebními nástroji tohoto stylu jsou kytara, banjo a housle.

„The Little Old Log Cabin in the Lane“ je první „zdokumentovaná“ country píseň, kterou v roce 1871 napsal Will Heiss z Kentucky. O 53 let později Fiddin John Carson nahrál tuto skladbu na desku. V říjnu 1925 začal fungovat rozhlasový program Grand Ole Opry, který dodnes živě vysílá koncerty country hvězd.

Country hudba jako hudební průmysl začala nabírat na síle koncem 40. let. díky úspěchu Hanka Williamse (1923-53), který nejen nastavil image country zpěváka pro několik dalších generací, ale také nastínil typická témata žánru - tragickou lásku, osamělost a útrapy pracovního života. Už v té době existovaly v country různé styly: Western swing, který převzal principy aranžmá z dixielandu – zde byl králem žánru Bob Wills a jeho Texas Playboys; bluegrass, kterému dominuje zakladatel Bill Monroe; Styl hudebníků, jako byl Hank Williams, se tehdy nazýval hillbilly. V polovině 50. let 20. století. country hudba spolu s prvky jiných žánrů (gospel, rhythm and blues) dala vzniknout rokenrolu. Okamžitě se objevil hraniční žánr - rockabilly - s ním začali svou tvůrčí kariéru takoví zpěváci jako Elvis Presley, Carl Perkins a Johnny Cash - není náhoda, že všichni nahrávali ve stejném Memphis studiu, Sun Records. Díky úspěchu alba „Gunfighter Ballads and Trail Songs“ (1959) Martyho Robbinse vznikl žánr country a western, kterému dominovaly příběhy ze života Divokého západu.

Chanson (francouzský chanson - "píseň") je žánr vokální hudby; slovo se používá ve dvou významech:

2) Francouzská popová píseň v kabaretním stylu (v ruštině se naklání).

Blatnajská píseň (blatnojský folklór, blatnyak) je písňový žánr oslavující život a zvyky kriminálního prostředí, původně navržený pro prostředí vězňů a lidí blízkých kriminálnímu světu. Vznikl v Ruské říši a rozšířil se v Sovětském svazu a následně v zemích SNS. Postupem času se v žánru kriminální hudby začaly psát písně, které přesahují kriminální tematiku, ale zachovávají si její charakteristické rysy (melodie, žargon, vyprávění, světonázor). Od 90. let 20. století je kriminální píseň v ruském hudebním průmyslu uváděna na trh pod názvem „Ruský šanson“ (srov. rozhlasová stanice a stejnojmenné ceny).

Romance v hudbě je vokální skladba napsaná na krátkou báseň lyrického obsahu, především lásky.

Autorská píseň neboli bardská hudba je písňový žánr, který vznikl v polovině 20. století v SSSR. Žánr se rozrostl v 50. a 60. letech 20. století. z amatérských představení, bez ohledu na kulturní politiku sovětských úřadů, a rychle si získal širokou popularitu. Hlavní důraz je kladen na poezii textu.

6. Elektronická hudba

Elektronická hudba (z anglického Electronic music, hovorově také „elektronika“) je široký hudební žánr, který označuje hudbu vytvořenou pomocí elektronických hudebních nástrojů. Přestože se první elektronické nástroje objevily na počátku 20. století, elektronická hudba jako žánr se rozvíjela v druhé polovině 20. století a na počátku 21. století zahrnuje desítky odrůd.

7. Rocková hudba

Rocková hudba je obecný název pro řadu oblastí populární hudby. Slovo „rock“ - houpat se - v tomto případě označuje rytmické vjemy charakteristické pro tyto pohyby spojené s určitou formou pohybu, analogicky s „koulením“, „kroucením“, „houpáním“, „třesem“ atd. Takové znaky rockové hudby, jako je používání elektrických hudebních nástrojů, tvůrčí soběstačnost (rockoví hudebníci obvykle hrají vlastní skladby) jsou druhořadé a často zavádějící. Z tohoto důvodu je identita některých hudebních stylů jako rocku sporná. Také rock je zvláštní subkulturní fenomén; subkultury jako mods, hippies, punks, metalheads, goths, emo jsou neoddělitelně spjaty s určitými žánry rockové hudby.

Rocková hudba má velké množství směrů: od lehkých žánrů jako je taneční rokenrol, pop rock, Britpop až po brutální a agresivní žánry – death metal a hardcore. Obsah písní se liší od světlých a ležérních až po temné, hluboké a filozofické. Rocková hudba je často stavěna do kontrastu s pop music a tzv. „pop“, ačkoli mezi pojmy „rock“ a „pop“ není jasná hranice a na hranici mezi nimi balancuje mnoho hudebních fenoménů.

Původ rockové hudby leží v blues, ze kterého vzešly první rockové žánry – rock and roll a rockabilly. První podžánry rockové hudby vznikaly v těsném spojení s tehdejší lidovou a popovou hudbou - především folk, country, skiffle a music hall. Za dobu její existence se objevily pokusy kombinovat rockovou hudbu s téměř všemi možnými druhy hudby - s akademickou hudbou (art rock, objevuje se koncem 60. let), jazzem (jazz rock, objevuje se koncem 60. let - začátkem 70. let -x) , latinská hudba (latinsky rock, objevuje se koncem 60. let), indická hudba (raga rock, objevuje se v polovině 60. let). V 60.-70. letech se objevily téměř všechny největší subžánry rockové hudby, z nichž nejdůležitější jsou kromě uvedených hard rock, punk rock a avantgardní rock. Koncem 70. a začátkem 80. let se objevily takové žánry rockové hudby jako post-punk, nová vlna, alternativní rock (ačkoli raní představitelé tohoto směru se objevili již koncem 60. let), hardcore (velký subžánr punk rocku), např. i brutální subžánry metalu - death metal, black metal. V 90. letech se široce rozvíjely žánry grunge (objevil se v polovině 80. let), Britpop (objevil se v polovině 60. let) a alternativní metal (objevil se koncem 80. let).

Hlavními centry vzniku a rozvoje rockové hudby jsou USA a západní Evropa (zejména Velká Británie). Většina textů je v angličtině. Nicméně, i když se zpravidla s určitým zpožděním objevila národní rocková hudba téměř ve všech zemích. Ruskojazyčná rocková hudba (tzv. ruský rock) se v SSSR objevila již v 60. a 70. letech 20. století. a svého vrcholu dosáhla v 80. letech 20. století, dále se rozvíjela v 90. letech.

8. Ska, rocksteady, reggae

Ska je hudební styl, který se objevil na Jamajce koncem 50. let. Vznik stylu je spojen [zdroj neuveden 99 dní] s nástupem soundsystémů, které umožnily tančit přímo na ulici.

Zvukové instalace nejsou jen stereo reproduktory, ale zvláštní forma pouličních diskoték, s DJs a jejich mobilními stereo systémy, se zvyšující se soutěží mezi těmito DJs o nejlepší zvuk, nejlepší repertoár a tak dále.

Styl je charakteristický houpavým 2/4 rytmem, kdy kytara hraje na sudé údery bubnu a kontrabas nebo baskytara klade důraz na ty liché. Melodii hrají dechové nástroje, jako je trubka, trombon a saxofon. Mezi ska melodiemi najdete jazzové melodie.

Rocksteady ("rock steady", "rocksteady") je hudební styl, který existoval na Jamajce a v Anglii v 60. letech 20. století. Základem stylu jsou karibské rytmy ve 4/4 se zvýšenou pozorností na klávesy a kytary.

Reggae (anglicky reggae, jiná hláskování „reggae“ a „reggae“), jamajská populární hudba, byla poprvé zmíněna koncem 60. let 20. století. Někdy se používá jako obecný název pro veškerou jamajskou hudbu. Úzce souvisí s dalšími jamajskými žánry - rocksteady, ska a dalšími.

Dub je hudební žánr, který se objevil na začátku 70. let na Jamajce. Zpočátku byly nahrávky v tomto žánru reggae písně s (někdy částečně) odstraněnými vokály. Od poloviny 70. let se dub stal nezávislým fenoménem, považovaným za experimentální a psychedelickou odrůdu reggae. Hudební a ideologický vývoj dubu dal vzniknout technologii a kultuře remixů a také přímo či nepřímo ovlivnil vývoj nové vlny a takových žánrů jako hip-hop, house, drum and bass, trip-hop, dub-techno , dubstep a další.

Pop music (anglicky: Pop-music from Popular music) je směr moderní hudby, typ moderní masové kultury.

Termín "pop music" má dvojí význam. V širokém slova smyslu se jedná o jakoukoli masovou hudbu (včetně rocku, elektroniky, jazzu, blues). V užším smyslu jde o samostatný žánr populární hudby, pop music sama o sobě s určitými charakteristikami.

Hlavními rysy pop music jako žánru jsou jednoduchost, melodie, spoléhání se na vokály a rytmus s menší pozorností věnovanou instrumentální složce. Hlavní a prakticky jedinou formou kompozice v pop music je píseň. Texty pop music se obvykle zabývají osobními pocity.

Pop music zahrnuje subžánry jako Europop, Latin, disco, electropop, taneční hudba a další.

10. Rap (hip-hop)

Hip-hop je kulturní hnutí, které vzniklo mezi dělnickou třídou v New Yorku 12. listopadu 1974. DJ Afrika Bambaataa byl první, kdo definoval pět pilířů hip-hopové kultury: MCing, DJing, breaking, psaní graffiti a znalost. Mezi další prvky patří beatbox, hip-hopová móda a slang.

Hip-hop, který pochází z jižního Bronxu, se v 80. letech stal součástí kultury mládeže v mnoha zemích po celém světě. Od konce 90. let se hip-hop z pouličního undergroundu s vysoce sociální orientací postupně stal součástí hudebního průmyslu a v polovině prvního desetiletí tohoto století se subkultura stala „módní“ a „ hlavního proudu“. Navzdory tomu však mnoho postav hip-hopu stále pokračuje ve své „hlavní linii“ - protest proti nerovnosti a nespravedlnosti, opozici vůči mocnostem.

Je známo, že režie varieté se dělí na režii varietního představení a režii varietního aktu.

Metodika práce na varietním představení (koncert, recenze, show) zpravidla nezahrnuje úkol vytvářet čísla, z nichž se skládá. Režisér sjednocuje připravená čísla s dějovou linkou, jediným tématem, buduje děj představení, organizuje jeho temporytmickou strukturu a řeší problémy hudebního, scénografického a světelného designu. To znamená, že stojí před celou řadou uměleckých a organizačních problémů, které vyžadují řešení v programu jako celku a přímo nesouvisejí se samotným varietním aktem. Tento postoj potvrzuje i teze slavného režiséra varietních představení I. Sharoeva, který napsal, že „režisér nejčastěji přijímá akty od specialistů na různé žánry a z nich pak vytváří varietní program. “

Práce na varietním aktu vyžaduje od režiséra řešení řady specifických problémů, se kterými se při inscenování velkého programu nesetká. To je v prvé řadě schopnost odhalit individualitu umělce, budovat dramaturgii aktu, pracovat s reprízou, trikem, gagem, znát a zohledňovat povahu konkrétních výrazových prostředků aktu a mnoho více.

Mnoho metodologických postulátů pro vytvoření představení je založeno na společných základních principech, které existují v dramatickém, hudebním divadle a cirkusu. Pak se ale na základ staví úplně jiné stavby. Ve scénické režii je patrné specifikum, které je dáno především žánrovou typologií varietního aktu.

Režisér jako tvůrce na jevišti dosahuje v představení nejvyššího cíle každého umění – vytvoření uměleckého obrazu, který tvoří tvůrčí stránku profese. V procesu inscenace však specialista pracuje na technologii výrazových prostředků. Je to dáno samotnou povahou některých žánrů: řekněme, že většina podžánrových odrůd sportu a cirkusu vyžaduje nácvik a tréninkovou práci s trenérem na sportovních prvcích a speciálních tricích; práce na vokálním čísle je nemožná bez lekcí od specializovaného učitele zpěvu; V choreografickém žánru je zásadní role choreografa-tutora.

Někdy se tito techničtí specialisté hlasitě nazývají divadelními režiséry, i když se jejich činnost ve skutečnosti omezuje pouze na budování speciální kaskadérské nebo technické složky rutiny – nezáleží na tom, zda jde o akrobacii, tanec nebo zpěv. Zde je na místě mluvit o vytváření uměleckého obrazu. Když přední pop mistři (zejména v originálních žánrech) sdílejí tajemství svých dovedností v tištěných dílech, popisují především techniky kouzelnických triků, akrobacie, žonglování atd.

Rád bych ještě jednou zdůraznil, že umělecká struktura varietního aktu je složitá, různorodá a často konglomerativní. Inscenace varietního aktu je proto jednou z nejobtížnějších činností režiséra. „Je velmi těžké udělat dobrý výkon, i když trvá jen pár minut, a zdá se mi, že se tyto potíže podceňují, možná proto si vážím umění těch, kterým se někdy trochu hanlivě říká baviči. dát jim nepříliš čestné místo v nepsané škále profesí.“ Tato slova S. Yutkeviche opět potvrzují důležitost analýzy umělecké struktury varietního aktu s konečným cílem prostudovat základy metodologie jeho tvorby, zejména z hlediska režijní a produkční práce.

Závěr

Variety art (z francouzského estrade - platforma, elevace) je syntetický druh jevištního umění, který kombinuje malé formy dramatu, komedie, hudby, stejně jako zpěv, umění. četba, choreografie, excentricita, pantomima, akrobacie, žonglování, iluzionismus atd. I přes svou mezinárodní povahu si zachovává své lidové kořeny, které mu dodávají zvláštní národní příchuť. Pocházejí z renesance na pouličním jevišti a počínaje klaunstvím, primitivními fraškami, biflování se vyvíjelo v různých zemích různě, upřednostňovalo ten či onen žánr, ten či onen obraz masky.

V estrádních programech salonů, kroužků a klubů, které vznikly později, ve stáncích, hudebních sálech, kavárnách, kabaretech, miniaturních divadlech a na dochovaných varietních zahrádkách, veselý humor, vtipné parodie a kreslené filmy, sžíravá komunální satira, vyhrocená hyperbola, groteska, groteska, hravá ironie, oduševnělé texty, módní taneční a hudební rytmy. Jednotlivá čísla vícehlasé rozmanitosti zpestření jsou na jevišti často držena pohromadě komparací nebo jednoduchou zápletkou a divadla jednoho či dvou herců, soubory (baletní, muzikálové atd.) - originálním repertoárem, vlastní dramaturgií. Variety umění je orientováno na nejširší publikum a spoléhá se především na dovednost interpretů, na jejich techniku transformace, schopnost vytvářet velkolepou zábavu pomocí lakonických prostředků a bystrý charakter - často komediálně negativní než pozitivní. Odhalováním svých antihrdinů se obrací k metaforickým rysům a detailům, k bizarnímu prolínání věrohodnosti a karikatury, skutečného a fantastického, čímž pomáhá vytvářet atmosféru odmítání jejich životních prototypů, opozice vůči jejich prosperitě ve skutečnosti. Populární umění se vyznačuje aktuálností, kombinací v nejlepších příkladech zábavy s vážným obsahem, výchovnými funkcemi, kdy zábavu doplňuje rozmanitá emocionální paleta, někdy i společensko-politický, civilní patos. Showbyznys, generovaný buržoazní masovou kulturou, je zbaven té druhé kvality. Téměř všechny provozní „malé“, „lehké“ odrůdy, včetně běžného „zelí“, se vyznačují relativně krátkou životností, rychlým znehodnocováním masek, což závisí na vyčerpání relevance tématu, realizaci společenských zakázek, změny v zájmu a potřebách publika. Pop-art jako jedna z nejdynamičtějších forem umění a zároveň starodávnější umění podléhá nemoci ražení, poklesu umělecké a estetické hodnoty talentovaných nálezů až po jejich přeměnu v kýč. Vývoj je silně ovlivněn takovými „technickými“ uměními, jako je kino a zejména televize, které do svých programů často zařazují estrády a koncerty. Díky tomu získávají tradiční formy a techniky jeviště nejen větší rozsah a převahu, ale i psychologickou hloubku (využití zblízka, dalších výtvarných a výrazových prostředků plátna) a živou zábavu.

V systému múzických umění dnes pop music pevně zaujímá samostatné místo a představuje samostatný fenomén umělecké kultury. Obliba populární hudby mezi nejširším a nejrozmanitějším publikem ji nutí reagovat na protichůdné estetické potřeby různých skupin obyvatelstva sociálním, věkovým, vzdělanostním i národnostním složením. Tento rys pop artu do značné míry vysvětluje přítomnost negativních aspektů v profesionální, estetické a vkusné přednosti popových děl. Masivní velikost popového publika v minulosti i současnosti, jeho heterogenita, potřeba skloubit zábavní a vzdělávací funkce v pop-artu klade na tvůrce pop-artových děl specifické požadavky a klade na ně zvláštní odpovědnost.

...

Podobné dokumenty

Úvaha o životě a rozbor tvůrčí cesty profesora I.G. Sharoeva. Jeho role a význam ve vývoji sovětského hudebního a pop-artu. Vzpomínky na absolventy katedry - zpěvačku Allu Pugachevovou a režiséra Andrei Dennikova.

práce v kurzu, přidáno 04.06.2011

Koncepce, struktura a vlastnosti inscenace představení jako kompletní performance jednoho umělce. Charakteristika čísel hovorových, plasticko-choreografických, hudebních, smíšených a „originálních“. Historie vývoje spektakulárních žánrů pop artu.

práce v kurzu, přidáno 11.11.2010

Tanec jako forma umění, jeho filozofické aspekty. Společenský a pedagogický význam společenských tanců, historické aspekty jejich vývoje. Národní a mezinárodní v choreografickém obrazu. Latinskoamerické a evropské taneční programy.

práce v kurzu, přidáno 25.06.2009

Specifičnost a povaha herectví. Jednota fyzického a duševního, objektivního a subjektivního v jednání. Základní principy výcviku herce. Pojem vnitřní a vnější technologie. Charakteristické rysy práce popového herce.

test, přidáno 29.12.2010

Vývoj různých forem divadelního umění v Japonsku. Rysy představení v divadle Noo. Charakteristika divadla Kabuki, které je syntézou zpěvu, hudby, tance a dramatu. Heroická a milostná představení divadla Kathakali.

prezentace, přidáno 4.10.2014

Historie a modernost čínského cirkusu, čtyři slavné školy cirkusového umění. Vývoj cirkusového umění v Nové Číně, jeho rysy, charakteristické rysy. Slavné soubory, jejich účast na 9. čínském mezinárodním cirkusovém festivalu "Wuqiao".

práce v kurzu, přidáno 05.08.2009

Přední tvůrčí trendy ve vývoji sovětského divadla ve 20.–30. letech 20. století. Vliv společensko-politického myšlení na vývoj divadelního umění ve 20. a 30. letech 20. století. Lunacharsky A.V. jako teoretik a ideolog sovětského divadla. Politická cenzura repertoáru.

práce, přidáno 30.04.2017

Poloha Indie v subekvatoriálním a tropickém pásmu, bohatá flóra a fauna, rozmanitost obyvatelstva. Dějiny národností a náboženství. Vývoj literatury, filozofie, umění, dramatu. Význam indických tanců a vznik divadla.

test, přidáno 12.11.2009

Biblické příběhy jako základ figurativního a sémantického systému středověkého umění. Rysy románského a gotického stylu v architektuře. Lyrická rytířská poezie trubadúrů ve středověké Evropě, její vliv na vývoj hudby, tance a divadla.

prezentace, přidáno 23.09.2011

Viscontiho vášeň pro hudbu a divadlo. Pracujte jako asistent režiséra Jeana Renoira. Účast na natáčení filmů "Tosca", "Days of Glory". Činnost divadelního režiséra. Umění pracovat s herci. Vznik uměleckého hnutí - neorealismus.