Bel canto zpěváci a zpěváci. Bel Canto je technika virtuózního zpěvu

bel canto - „krásný zpěv“) je technika virtuózního zpěvu, která se vyznačuje plynulým přechodem ze zvuku na zvuk, uvolněnou zvukovou produkcí, krásným a bohatým zabarvením zvuku, rovnoměrností hlasu ve všech rejstřících, snadností zvuku ovládání, které je zachováno v technicky flexibilních a sofistikovaných místech melodického vzoru. V Bel Canto je hlas zpěvákovým nástrojem.

Období

Slova belcanto nebyly spojeny s žádným konkrétním stylem zpěvu až do počátku 60. let 19. století, kdy je spisovatelé začali označovat v nostalgickém smyslu pro styl zpěvu, který začal kolem roku 1830 mizet. V 19. století termín belcanto nevyskytuje se v žádném slovníku - ani ve slovnících obecné slovní zásoby, ani v hudebních. V současné době se tento termín používá ve více než jednom smyslu.

Příběh

Styl vznikl v Itálii a souvisel s rozvojem národního operního umění a vokální školy na konci 16. století. Výrazové prostředky Bel Canto byly vytvořeny na základě fonetických rysů italského jazyka a tradic lidového přednesu.

Rozšíření árií pro jeden hlas umožnilo skladatelům a interpretům věnovat více pozornosti pěveckému umění. To se odrazilo ve vytvoření cvičení zvaných solfeggio, určených k trénování hlasu a zlepšení výkonu děl.

Tento styl se vyznačuje vyrovnaným hlasem, vynikajícím legatem, mírně vyšším rejstříkem, neobvyklou pohyblivostí a flexibilitou a měkkým témbrem. Technice byla přikládána větší důležitost než hlasitost, a to vedlo k tomu, že styl belcanta byl dlouho spojován s cvičením, které potvrzovalo bravuru interpreta: takový zpěvák musel před sebou držet svíčku, zpívat a plamen svíčky by se nemělo hýbat. To bylo provedeno pro kontrolu správnosti dýchání při zpěvu: nemělo by být nuceno a kolísat plamen svíčky. A síly, krásy zabarvení, lehkosti a letu hlasu nebylo dosaženo tlakem dechu na hrtan, ale zpěvákovým efektivním využitím rezonančních vlastností hlasového aparátu. Technika belcanta je rezonanční pěvecká technika.

Technika bel canta byla pěstována mnoha skladateli, mezi nimi Alessandro Scarlatti, Giovanni Battista Pergolesi, George Frideric Handel a Johann Adolf Hasse. V mnoha Scarlattiho solfeggioch stačí přidat text, aby se z nich staly árie, a naopak.

V prvních desetiletích devatenáctého století byly estetické a stylové aspekty bel canta postupně opouštěny, až téměř úplně vymizely kolem poloviny devatenáctého století (poslední stopy tohoto aspektu bel canta lze nalézt v r. raná práce Giuseppe Verdi).

Ale s technicko-vokálním aspektem je situace jiná. Italské Bel Canto, jako technika volné přirozené fyziologické produkce zvuku, ideálně syntonizovaného z akustického hlediska, představuje podstatu zpěvu, byl hlavním směrem největších škol a zpěváků až do 30. let 20. století. Enrico Caruso, Aureliano Pertile, Giacomo Lauri-Volpi, Beniamino Gigli a Tito Schipa jsou její největší známých představitelů. Jejich vokální techniku ​​lze plně považovat za bel canto. přesněji řečeno mluvíme o o technice, která hluboce pracuje s povahou hlasu a umožňuje syntézu protikladů: něhu zvuku a síly, jemnost hlasu a dramatický přízvuk.

Od počátku 30. let 20. století se v Itálii začaly šířit nové techniky založené na odlišných principech, což přispělo k úpadku italského bel canta.

Etapy vývoje Bel Canto

• zrod italské opery (C. Monteverdi);
• vzestup „neapolské školy“ (Alessandro Scarlatti);
• období tvůrčí činnost V. Bellini a G. Donizetti;
• kreativita G. Verdiho
• Veristická škola (Puccini, Leoncavallo, Mascagni atd.)

Poznámky

Literatura

• Antonio Juvarra, "Segreti del belcanto. Storia delle tecniche a dei metodi vocali dal "700 ai nostri giorni", Curci, 2006
• Mathilde Marchesi, Bel Canto: Teoretická a praktická vokální metoda, Dover, 1970 - ISBN 0-486-22315-9
• James A. Stark Bel Canto, University of Toronto Press, 2003 – ISBN 0-8020-8614-4
• Leonardo Ciampa Soumrak z Belcanta, AuthorHouse, 2ª ed. 2005 - ISBN 1-4184-5956-9
• Cornelius L. Reid, Bel Canto: Principy a praxe, Joseph Patelson Music House, 1950 – ISBN 0-915282-01-1
• Morozov V.P. Umění rezonančního zpěvu.

Kamínky-UMĚLEC

Annu Akhmatovu k napsání básně „Poslouchání zpěvu“ inspiroval hlas Galiny Višněvské. Mluvil o osudu zpěváka v opeře „Galina“ francouzský skladatel Marcel Landowski. Její život měl všechno: chudobu i slávu, zradu i velkou lásku, vyhnanství i triumfální návrat.

Budoucí primadona Galya Ivanova se narodila v Leningradu do dělnické rodiny. Rodiče se brzy rozešli a dívku vychovávala její babička Daria. Gali strávila dětství v Kronštadtu. Pro její muzikálnost a umění jí ve škole přezdívali Pebble the Artist. 14letá Galina se setkala s Velkou vlasteneckou válkou v Estonsku, kde byla na návštěvě u svého otce: „...nebyl to ústup, ale prostě úprk. Zastavili jsme a přišli k sobě už v Torzhok. Tak pro mě začala válka. Tak skončilo mé dětství.". Po návratu do Kronštadtu se dívka ocitla mezi téměř třemi miliony lidí, kteří přežili blokádu - obyvateli Leningradu a jeho předměstí. V únoru 1942 zemřela babička Daria.

Galinu zachránily ženy, které prohledávaly domy a byty po těch, kteří ještě žili. Patnáctiletá dívka skončila v místním oddíle PVO, pracovala rovnocenně s dospělými a po večerech zpívala v amatérských představeních. Touto dobou už byla majitelka zvonivého čistého sopránu rozhodnuta: bude zpěvačkou. V roce 1943, po prolomení blokády, Galina odešla do Leningradu, studovala na hudební škole a po večerech pracovala jako asistent osvětlení v kulturním centru.

A teď sedím poprvé v sále Michajlovského divadlo a poslouchat" Piková dáma» Čajkovskij<…>Vzrušení, šok, který jsem tam zažil, nebylo jen potěšením z představení: byl to pocit hrdosti na své vzkříšené lidi, na velké umění, které všechny tyto polomrtvé lidi – hráče orchestru, zpěváky, veřejnost – spojuje. v tomto sále, za jehož zdmi kvílí siréna náletu a explodují granáty.

Galina Višněvská. "Galina: Životní příběh"

V roce 1944 se Galina Ivanova provdala za námořníka Georgyho Višněvského. Unáhlené manželství se o dva měsíce později rozpadlo, ale Galina si ponechala své zvučné „jevištní“ příjmení. Ve stejném roce Višněvskaja získala práci v Leningradském oblastním operetním divadle, které cestovalo po válkou zničené zemi. Jednou na turné Galina, která znala celý repertoár nazpaměť, zachránila vystoupení: nahradila nemocného zpěváka. Ze sboru se tedy stala sólistkou.

Po válce začala Višněvskaja vystupovat na jevišti. Její vášeň pro operu začala setkáním s Verou Garinou, učitelkou zpěvu. Před revolucí Garina vystupovala v Evropě a studovala u vídeňské primadony Paoliny Luccy. „Lucca byla zpívající herečka“ poznamenal muzikolog Abram Gozenpud. — Odborníci zjistili, že v její hlasové technice bylo mnoho nedostatků, že v této oblasti nemohla konkurovat Patty a Nilssonovi<…>Ale stejně tak se Patti a Nilsson nemohli Lucce rovnat v dramatické síle podání role, nemluvě o rozsahu její tvůrčí individuality.". O století později se stejným způsobem charakterizoval talent operní „vnučky“ Paoliny Luccy Galiny Višněvské.

V roce 1952 se 25letý zpěvák téměř náhodou zúčastnil konkurzu na stážovou skupinu ve Velkém divadle - tak se bývalý popový a operetní umělec stal sólistou hlavního divadla SSSR. Všechno mohlo dopadnout jinak, kdyby vedení zjistilo, že otec Višněvské, který ji v dětství opustil, byl odsouzen jako „nepřítel lidu“.

"KNOCKOUT V OČÍCH A UŠÍCH"

První role Galiny Višněvské ve Velkém divadle byly Taťána v Čajkovského Evženu Oněginovi (mimochodem, hlas mladé Višněvské v této roli je slyšet ve filmu Evžen Oněgin z roku 1958) a Leonora ve Fideliovi, první inscenaci této opery v r. SSSR. Na obou rolích zpěvačka spolupracovala s režisérem Borisem Pokrovským, který vytvářel nové divadlo založené na principech

Sešit učitele-zpěváka: o zpěvácích, technice belcanta, problémech vokální pedagogiky.

Z DĚJIN VOKÁLNÍHO UMĚNÍ

První učebnice sólového zpěvu byla vydána na pařížské akademii v roce 1803. Metoda výuky vznikla na základě staré boloňské školy ze 17.-18. století. Příhodná samohláska byla A. Věřilo se, že nízké mužské a ženské hlasy mají dva registry: hruď a hlavu; vysoké ženské mají tři registry (hruď, střední a hlava).

Profesor sólový zpěv Na pařížské konzervatoři (1842-1850) prosazuje J. Dupre další metodu přípravy zpěváků, která bude založena na překrytém zvuku. Pohodlná samohláska - W. Dupre představuje myšlenku potřeby vytvořit smíšený rejstřík a krytý horní rejstřík. Dupre byl nazýván reformátorem. Dupre později poukázal na snížení hrtanu pro lépe znějící hlas; Zároveň se polohlasně ustálil koncept tří rejstříků: mužského a ženského. Dupre nazval horní registr registrem hlavy. Konstrukce hlasu začíná od středu. Zavedl pojem „hlavový“ hlas.

M. Garcia (syn), profesor pařížské akademie (1840-1850), také rozděluje všechny hlasy do tří rejstříků: hruď, falzet (nepřirozený) a hlava. Garcia doporučuje nastavit malá písmena, nikoli konverzační hlasy. Škola Garcia je vědecká. Garcia svou metodu nestaví proti Dupreově škole ani praxi italské školy, ale snaží se podat vědecké vysvětlení všech jevů souvisejících s konstrukcí hlasu a jeho ovládáním. Profesor Garcia jako moudrý vědec svou metodou neuzavírá otázky o hlasu, ale vyzývá k řešení problémů pomocí fyziky a biologie.

Existují však i další učitelé, jejichž metody se liší od metod obecně uznávaných v Itálii.

Metody I. Corradettiho a Masettiho mají obecné směry: Spousta vokalizací a komplexních cvičení. Corradetti říká, že "stará" škola se vyznačovala řádně vycvičeným hrdlem." Hrdlo zpěváka bylo jako nástroj, protože taková byla hudba. Bylo nutné dlouhé období výcviku, počínaje ve věku 15 let nebo dokonce od raného dětství (pro kastráty). Vzniklo tak velmi zvláštní hrdlo pro sopranistky, vokální virtuosy. Byla to úžasná gymnastika pro hrtan, ale v našem chápání bylo málo umění. To vedlo k úpadku zpěvu.

Studenti zpívají mnoho vokálií, které se vyznačují složitým tonálním systémem a disonantním zvukem. To vše je mnohem obtížnější jak pro sluch, tak pro pěvecký tón a zvuk, protože se musí zpívat nikoli akademicky, ale jinak. Jsou výborní studenti, kteří tuhle muziku neumí... Krátké chorály nebo vokály jsou jedna věc, opravdové detailní melodie se slovy druhá. Dva roky příprav na to nestačí.

M. Garcia vycvičil zpěváky pro jeviště za jeden rok!

"Vokalizace - požadovaný materiál rozvíjet hlasové a technické dovednosti,“ píše o své metodě Mazetti. Masetti považoval samohlásku A za nejvhodnější. Po A přešli k O a E. Mazettiho vokální cvičení jsou složitá a ne vždy logická. Proč si plést svůj hlas ve vokálech, když díla budou mít úplně jiný zvuk? Ukazuje se tedy, že metoda Coradettiho i Masettiho je ozvěnou stará škola. Jelikož se Masettiho teze lišily od tezí Garcii, který vylučoval studium vokalizací, byly metody Masettiho a Coradettiho spíše individuální. Postoj zkušené přední sovětské učitelky Blagovidové (Odessa) k vokalizacím je příznačný. Nejprve je proměnila v díla a pak je začala používat stále méně.

„Základem klasického zpěvu je krytý zpěv,“ napsal Dupre v polovině 19. století.

"Hlavní samohláska je U," souhlasil s ním Garcia. "Vždycky jsme takhle zpívali!" prohlásili přední italští učitelé.

Tyto pokyny neovlivnily Maestra A. Budiho (Bologna), Mazettiho učitele. Čtyři roky (!) Mazetti zpíval vokály a byl jedním z nejlepších žáků A. Budiho. Vlastně pěvecká kariéra neměl, byl hudebník, pianista, skladatel... Byl však pozván učit na moskevskou konzervatoř. Skvělé ruské zpěvačky A. Nezhdanova a N. Obukhova jsou považovány za Mazettiho žáky. Ale Mazettiho zásluhy o rozvoj jejich vokálních schopností, vzhledem k výše uvedenému, jsou velmi pochybné.

V té době měli zpěváci několik učitelů. Učitel, jehož metoda byla úspěšnější, položil základy hlasu.

Maria Callas v Laurettině árii otevřela jak G, tak A uprostřed, ale dále: tóny B a C nezazněly. Za to byla velmi kritizována svým učitelem Hidalgem. Kde je tenký, tam se láme. Musíte znát tato jemná místa.

Vysílání o Sutherlandovi

Zpěvák si rychle všiml dobrý muzikant, režisér, si ji vzal a zasvětil jí svůj život. Vyškolil ji na vynikající belcantovou zpěvačku: dramatickou i lyrickou koloraturu.

Opera „Popelka“ G. Rossiniho, Itálie, Pesaro

Popelka - Sonia Panassi, mezzo. Při provedení Cavatiny v rejstříku sopranistka intenzivně pohybuje obličejovými svaly. (Berganza zpívá tuto Cavatinu jakoby žertem.) Clorinda - Jekatěrina Morozová, ruská zpěvačka z provincií. V Moskvě vystudovala konzervatoř, pracovala v „ Nová opera“, zpívala Královna noci; Na Bolshoi hrála Violettu a odešla do zahraničí. Princ v této inscenaci zpíval Juan Diego Floris, lyrický tenor.

"M. Callas dokázal, že Violettu lze zpívat jedním hlasem a ne dvěma různými v prvním a čtvrtém jednání." (hudební kritik)

Na tak absurdní výroky mužských kritiků je těžké reagovat, protože jim nelze vyčítat, že to nemohou otestovat na vlastních hlasech.

V 19. století skladatelé pracovali na operách po poradě se zpěváky a zpěvačkami.

Herbert von Karajan, režisér (manžel zpěvačky Elisabeth Schwarzkopf), Callasovou obdivoval, ale Elisabeth nechtěla zpívat party v podání Callasové. Herbert von Karajan věděl, jak „následovat hlas“, což je pro zpěváky tak nezbytné.

V Itálii není zvykem mluvit o technikách bel canta. Technika Bel Canto je národní poklad, tajemství.

První nahrávka Giocondy se stala senzací: nebylo možné uvěřit, že zpěvačka s tak hlubokým a dramatickým hlasem může zpívat Lucii.

Kritici jsou překvapeni, ale vy i já, zpěváci, víme, že se zde není čemu divit: to je normální!

V berlínském představení zpívá M. Callas vždy hlasem „malé holčičky“ se vzletným otevřeným zvukem. Ne „otevřeno“, ale světlo zní a to je normální!

Ale bohužel kritici v tomto zvuku našli „oslabený stav“ hlasu zpěváka, a nikoli plnění hereckého úkolu, a slyšeli první známky vyblednutí hlasu.

No, co si to dovolují, tito kritici? Co chápou o ženských vokálech?

Mario del Monaco zpíval s Callas v Normě. Stěžoval si na M. Callasovou, že ho bila a odstrčila od veřejnosti.

Takové výstřednosti jsou u lyrických tenorů odpustitelné, ale Mario del Monaco, dramatický tenor, je téměř baryton. Ne pevné!

Kniha Jurgen Kesting "Maria Callas"

Kniha není jen o Callasové, je o hudebnících, o zpěvácích.

"Trvala na tom, že všechno zazpívá, a také to udělala." Dnes se téměř každý zpěvák snaží jít v jejích stopách, ale bohužel bez úspěchu.“ (Renata Tebaldi o Marii Callasové.)

"M Callas byl reformátorem v umění zpěvu," Lauri-Volpi.

Do své techniky začlenila všechny výdobytky 19. století, století belcanta.

M. Garcia napsal: „Studujte biologii a fyziologii, abyste porozuměli hlasům.“

Ale lidé tak rádi fantazírují a nevidí to, co je zřejmé, a mají tendenci vidět to, co neexistuje a nemůže existovat. Každý zpěvák má svůj vlastní osud.

Dramatický soprán - Nina Fomina, sólistka Velkého divadla, zpívala Normu tlustým hlasem a Oksana z Cherevichki - jasná, něžná, lyrická,

Puccini se zajímal o „nesmírnou bolest v malých dušičkách“.

Podívejte se a zděste se.

Provedení veristické hudby není (v Itálii) hodnoceno tak vysoko jako hudba a technika provedení hudby Rossiniho, Donizettiho, Belliniho a Verdiho.

V horním registru jsou (noty) postupné vyjadřování a jsou tam „vzletové“ noty. To je třeba vzít v úvahu. Mezzosopranistka jde tedy do Sol-La a „vzlétne“ do Do, protože „pohyb“ v hlase je také důležitý (podle Garcii).

Dupre, Barr a Garcia mají „krytí“. „Vždy jsme takhle zpívali (v U)“ – názor italských učitelů.

Zpívání „s úsměvem“ se používá k aktivnímu stahování čtyřhranných svalů obličeje, ale hlavní poloha pro hlasové navádění je vertikální, „když jsou vodorovné, svaly se unaví“, jak jednou poznamenal Barra. Tato skutečnost se v naší literatuře nenachází.

Covering není jen technika, ale způsob klasického zpěvu (podle Dupreho). Obálka je „osm od rtů - 8“ (podle Barry), pokud je svislá ústa 0, a ne „čepice nahoře“, jak věřil jeden domácí učitel.

Problém: Jak vyrovnat vysokou polohu hlasu a nízkou polohu hrtanu?

Odpovědí je mobilita. A vysoká pozice není neustále vysoká, je okamžitě korigována; a poloha hrtanu není vždy nízká - mění se. Často je to ale učiteli prezentováno, jako by se vysoká poloha hlásky a nízká poloha hrtanu měnit neměla. Hlasové ovládání probíhá ve zlomku vteřiny.

W. Mozart (18. století) byl skladatelem instrumentálního stylu, ale také se velmi zajímal o nový stylový směr ve vokální hudbě. Stejně jako jeho současníci vyvinul nový styl. G. Rossini (v 19. století) napsal „Cavatina Figaro“ ve stylu „Champagne Aria“ od Dona Giovanniho. Tak vstoupil Mozartův génius do 19. století. V Mozartově operní hudbě s potěšením najdeme árie psané ve stylu belcanta!

Mistrovský kurz s Renatou Scotto.

První začínající zpěvák měl plíživou intonaci. R. Scotto se snažil její hlas narovnat, ale bylo to zbytečné: spolu s klesající melodií „sklouzl“ hlas zpěvačky. Skvělá zpěvačka Renata Scotto opustila lekci a smutně se vrátila na své místo. Brzy byl R. Scotto požádán, aby přišel znovu. Dívka s hlubokým hlasem zazpívala kus belcanta, ale zvláštním stylem. R. Scotto se smutným výrazem ve tváři řekla: „Nemáte základní pěveckou techniku, abyste mohli předvést tak složitou skladbu belcanta.“

Problémy v přírodě se řeší na fyzické úrovni. To říkají vědci. K pointě problému se proto dostal M. Garcia, který vysvětluje italskou vokální školu z pohledu fyziky, protože člověk je součástí přírody.

Ale je těžké pochopit školu Garcia, protože... mnoho zpěváků nemá rádo fyziku, biologii, algebru, ale opravdu rádo fantazíruje od nuly.

"Árie Farlafa, Gorislavy, Lyudmily napsal Glinka, jako by byly jednoduché, ale ve skutečnosti se ukázalo, že je velmi obtížné zpívat volně a přirozeně," - Irina Arkhipova.

Tady je problém, ale tady je můj názor. Farlafova árie je čisté bel canto ("plácat" - podle Rossiniho), árie Gorislavy je přísně vertikální italský zpěv. Ale Lyudmilina Cavatina (stejně jako Antonida Cavatina) jsou napsány v instrumentálním stylu staré školy. Proto tyto role s nejmenším rizikem oslabení hlasu zvládnou pouze lehké koloraturní soprány.

Árie Sněhurky "Chodíme za bobulemi s přáteli" od N. Rimského-Korsakova, stejně jako árie Labutí princezny, vyžaduje také přísně vertikální zastřené provedení. Mladí zpěváci většinou nevědí, co s požadavky dobré dikce a jdou zkreslením intonace, tzn. zhoršení zvuku hlasu.

„Maria Guleghina - mezzosopranistka (?) (Konzervatoř v Oděse) se na soutěži Čajkovského prohlásila jako sopranistka a zpívala árie pro mezzo; a v Cavatině Rosina vložila sopránové kadence, což není podle podmínek soutěže přípustné.“ (Z kulturních zpráv.)

Maria Guleghina je ve skutečnosti dramatická sopranistka.

„Odkud máš tu starou benátskou školu? Kde jste vzal tuto neapolskou školu výkonu?“ - položili otázky Irině Arkhipové v Itálii.

V Itálii možná neznají naši kulturní historii, ale my si ji musíme pamatovat!

Na besedě o ruské vokální škole u ostrá kritika zpěvák P. řekl: "Ano, jsme jiní."

P.I. Čajkovskij, stejně jako jiní ruští skladatelé v 19. století, psal správnou hudbu pro zpěváky, jak bylo v Evropě zvykem. Italští učitelé působili na ruských konzervatořích a zpěváci byli školeni ve správném hlasovém ovládání.

Italská škola v Rusku - učitelé a zpěváci 19. – 20. století.

Učitelé: K. Everardi (žák M. Garcíi), Polina Viardot-Garcia, A. Dodonov, Usatov (žák Everardiho), Družinina (žák Viardot), Kondaurova, Rebrikov, Shatrova...

Zpívají: D. Smirnov, N. Khanaev, S. Lemeshev, F. Shalyapin, I. Tartakov, F. Stravinskij, M. Bocharov, G. Nisson-Saloman, Pavlovsky, Slavina, Deisha-Sionitskaya, Bragina, Zarudnaja, Baturin, Noreika, Preobraženská.

Toto není úplný seznam!

V dolním rejstříku má dramatický soprán tři tóny. Dramatický tenor má také tři tóny, napsal o tom Enrico Caruso. O paletě barev klasických hlasů můžeme mluvit ještě dlouho. Radím pozorněji poslouchat a studovat nahrávky skvělých zpěváků. Můžete se dlouho hádat na jakékoli téma a nedopátrat se pravdy. A všechny pravdy jsou ve fyzikální škole Garcia. Máme materiály o teorii, ale žádný popis praxe. Pravda, popis neapolské školy je v materiálech L.B. Jsou to velmi blízké školy.

Lehký soprán je „hlas malé holčičky“ (v témbru) a pokud mluvíme o mužském hlase, pak „hlas chlapce nebo mladého muže“ (nemluvíme však o falzetu). Tyto mladé hlasy žijí jak odděleně, tak v rámci každého zavedenějšího hlasu. Jaký trik! A je také důležité si tento mladý hlas zachovat a vážit si ho, protože krása a hlasitost vašeho hustého hlasu závisí na zvučnosti toho malého. Přední sovětská učitelka Blagovidova (Odessa) nemá ani metodiku pro budování tohoto lehkého vysokého hlasu.

Úspěch pro zpěváka, když se z tlustého hlasu (mezzo) vyvine dramatický soprán, je pro soprán obtížnější. Historicky mnoho sopránových rolí v Rusku za sovětských časů hrály lyricko-koloraturní hlasy. Proto mnoho lidí vnímá slovo „soprán“ jako lehký ženský hlas. V Itálii je „sopránový“ hlas často dramatický soprán, je slyšet jako vysoký mezzosoprán a všechny party v operách byly vždy napsány pro tyto hlasy.

F.I. Chaliapin skvěle zazpíval ruské lidové písně. Je zázrak, jak dobré byly ruské písně v podání S.Ya Lemesheva a N.A. Obukhova! A koneckonců všichni vlastnili italskou školu!

Mladí zpěváci se obrátili na N.A. Obukhovou: „Kdy nás naučíš takhle zpívat, Nadezhdo Andreevno? „Ach, jak mazaný! - odpověděla se smíchem. "Taky chci sám zpívat!" A zpívala až do konce svých dnů. Pochopila, že belcantová škola je velmi obtížná a pokud se věnujete pedagogické činnosti, musíte se do této práce zcela ponořit. (Z memoárů E. M. Shatrové.)

Árii Michaely často zpívaly lyrické sopranistky. Pro tlustý soprán zde nastává vážný problém: vysoké C dopadá na nevokální samohlásku E. Provedení árie Michaely s ruským textem může mít za následek dočasnou ztrátu hlasu.

„Elvira Scene“ z „Ernani“ G. Verdiho je pro velkou sopranistku nebezpečná, pokud zpěvačka neovládá speciální techniku ​​italské školy. Tato technika se používá v La Traviatě a dalších operách.

Při řešení složitého vokálního fragmentu musíte zvolit řešení problému. Není vždy jen jedno řešení.

Kurt Honolka - "Velké Divy".

Prima Donna bylo jméno předního sólisty divadla na počátku 18. století v Neapoli.

Diva assoluta - zpívat všechno, ve všech stylech.

Maria Callas - diva 20. století.

Originál je vždy oceněn před kopií. Ale ve vokálním umění neexistuje a nemůže být čistá kopie, takže pro zpěváka je velmi užitečné poslouchat nahrávky velkých zpěváků, a tak se od nich naučit vokály. Ale pouze s hlasy, které jsou typově příbuzné!

Z HISTORIE VÝVOJE VOKÁLNÍHO UMĚNÍ

"Daphne" od Jacopa Periho - první opera (1597).

Otec slavného vědce G. Galilea byl slavný hudebník. Píše o něm Kurt Honolka.

Galileovo krédo: řeč je absolutní paní harmonie. Tak se zrodilo sólové vokální umění. Byl to otevřený hovor vysoká kultura polyfonie v dílech Palestriny. Slovo se utopilo ve složité polyfonii, v dovedném prolínání hudebních linek.

Brzy se v Itálii objevilo hudební drama jako nový žánr, kde vynikl jeden hlas, schopný vyslovovat slova, hlas člověka (často ženského).

Monteverdiho árie ze 17. století jsou začátkem, kolébkou opery a vokálů. Jedná se o instrumentální styl, andante, vlnové formace.

Pro nás, žijící v 21. století, kdy slyšíme od dětství jasná hudba Rossini, Čajkovskij - není zajímavé zpívat Monteverdiho árie: není to rytmus života. Ale takhle se zrodilo vokální umění.

18. století je stoletím reforem vokálního umění. Gluck, Scarlatti, Mozart a další hledají něco nového vokální styl. Rozmarné primadony a primadony vyžadují, aby skladatelé napsali vokální hudbu, která je pro hlas příjemná.

Castrati - „vokální virtuosové“, soudě podle tehdejších filmů, proklínají své životy i „hudbu, kterou musí zpívat“.

Skladatel Gluck je nazýván reformátorem, byl první, kdo odhadl, co zpěváci potřebují: správné vlnění a paprskové útvary spojené s lidskou řečí. Skladatelé svou hudbu nevnucují, snaží se zpěvákům vyhovět a na vokálních dílech pracují v úzké spolupráci se zpěváky.

Barokní sloh vzkvétá. Barokní styl postupně přes selekci přechází v nový správný oblíbený styl zpěváků, který se následně nazývá styl Bel Canto. Sami zpěváci si všimli, že hlasově příjemná melodie se změnou tempa směrem ke zrychlení se stává elegantnější a kouzelnější. Tento rychlý styl se nazýval bel canto ("plácat" podle Rossiniho - 19. století).

Stará vokální škola pro pěstování „zvláštního ohebného hrtanu“ pro zpěváky, jmenovitě kastráti, kteří předváděli mimořádné virtuózní melodie, se s příchodem bel canta stala jednoduše zbytečnou, její potřeba zmizela spolu s opuštěním této divoké operace pro chlapce z ulice. . Zraky hudebníků byly obráceny k italským zpěvákům, kteří ze svého středu nekonečně zásobovali mladé skvělé zpěváky. Zkušení zpěváci učili mladé „z hlasu“.

V 19. století profesor pařížské akademie M. Garcia vytvořil fyzickou vokální školu založenou na neapolské škole. M. Garcia moudře přijímá všechny reformy J. Dupreho, takže se „Garciova škola“ stává nejsilnější a nejoblíbenější v 19. století. O její komplexnosti ale vypovídá fakt, že J. Dupre nebral Garciovu školu vážně, protože Garciaova škola vyžaduje speciální pohled na zpěvový hlas s využitím znalostí z fyziky, biologie, matematiky a dokonce i medicíny.

Garciova škola hlas „nepřestavuje“, ale přelaďuje jej, aby fungoval správně, jako mistr ladící klavír. Správné dovednosti se prohlubují a posilují, zatímco nesprávné jsou zapomenuty. Hlas je potřeba pokaždé upravit. Profesionální zpěváci ladí svůj hlas různými způsoby: někteří - prostřednictvím cvičení, někteří - prostřednictvím děl a někteří - v procesu zpěvu.

Budoucí sólisté se od budoucích sboristů výrazně liší svou nezávislostí: nejen studují, ale chtivě se snaží vše sami naučit a přijít na to.

Sovětští skromní učitelé zpěvu byli opatrní a opatrní se svými hlasy.

Učitelka Shatrova (studentka Druzhinina) aktivně rozvíjela hlasy a repertoár byl „pokročilý“. Se studentkou rozebírala jednotlivá díla, ukazovala svým hlasem...

Klasická hudba je fyziologická. (Názor vědců.)

Árie A. Mozarta „Come scoglio“ je čistým belcantem na úrovni Verdiho árií. Ale tohle není Verdi, to je Mozart!

Role Antonida a Ljudmily v operách M. Glinky v prvních inscenacích zřejmě nezpívaly dramatické sopranistky, jak bylo zvykem na Západě, ale lehké koloraturní. Instrumentální árie tedy zůstaly nezpracované pro provedení dramatických sopranistů. V sovětských dobách tyto role vždy plnily lehké sopranistky. To byla zjevně touha Vůdce, který často navštěvoval Bolshoi. V moderní divadlo Na tento přísný výběr pěvců pro Glinkovy opery se zapomnělo a provedení, zejména dvou cavatin, se stalo pro ženské hlasy problémem. Instrumentální styl dvou cavatin nesvědčí o ruštině hudba XIX století je to spíše nešťastná výjimka.

Je tu další problém. Myslím, že nemělo cenu přenášet problém s kastráty na ruskou půdu, protože tento fenomén jsme v Rusku neměli. Vanyova strana, a zejména Ratmirova, musí být přepracována pro mužské hlasy. Vraťte to mužům pánské večírky- to je problém, který se na Západě někdy řeší ve prospěch mužů. N. Rimsky-Korsakov má také mužské party, které mohou zpívat muži: Lel, Nezhata.

Z knihy A. Parina „O zpěvu, o opeře, o slávě“.

Názor zpěváka A.: „Ljubasha, hříšnice, ale silná ženská povaha, která si cení lásky nad vírou v Boha. Zabije Marfu ne ze žárlivosti, ale protože Marfa nemiluje Gryaznoye."

Velmi zvláštní! Podle mě takhle může uvažovat jen nejstarší manželka chána v harému.

„Zara Dolukhanová považovala romantiku „Shine, Shine, My Star“ za vulgární, zpívanou ...“

S tím nemůžeme souhlasit. Romantika se často zpívá, protože je dobře napsaná a je příjemná pro hlas. Probouzí to ve zpívajícím člověku jakýsi sen. A není zde žádná vulgarita: lidmi milovaná romantika.

"V Paříži byla E.V. Obraztsova nazývána "poslední královnou ruských vokálů."

Proč "poslední"?! Nebudeme mít vlastní učitele, zavoláme Italům nebo budeme studovat z nahrávek skvělých zpěváků.

Zvyk zpívat melodie správným stylem dodává zpěvákovi chuť k hudbě psané podle zákonů přírody, tzn. rozvíjí se návyk na logické konstrukce ve vokální hudbě. Nelogické konstrukce nepříjemně překvapí. Ale musíme hrát i tuto hudbu. Myslím, že pro belcantové zpěváky je nyní snazší vyrovnat se s barokním stylem než pro zpěváky 18. století, kteří ještě neznali správné konstrukce Bel Canto.

„Původ Rossiniho stylu spočívá v tom, že když znáte pár melodií, můžete už tušit, co bude následovat. Zlo je ve správnosti Rossiniho hudby,“ píše Stendhal.

To není „zlo“, to je pro zpěváka radost a to je fyziologická povaha stylu! A pro nezpěváky velká záhada.

Stendhal:

Pro italská hudba Důležitá je melodie a harmonie a německé hudbě stačí krása zvuků, i těch bez melodií.

Stendhal to vysvětluje zvláštnostmi národní postavy. Opravdu často pozorujeme, že zvuk německé hudby závisí na kráse zabarvení zpěvákova hlasu.

Stendhal:

Jednou v Římě všichni jednomyslně prohlásili, že cizinci Mozartova díla příliš vychvalují.

Ne všechna Mozartova díla jsou mistrovská díla. Ale kolik mistrovských děl vytvořili skladatelé přechodného období (nemluvě o tom pozdním)? A. Mozart napsal mnoho árií v novém stylu - bel canto, takže jeho hudba bude žít navždy.

Stendhal:

Obtíže ve výkonu nejsou příliš výraznými přednostmi hudby.

V té době (začátek 19. století) „Don Giovanni“ pro Italy „neexistoval“ kvůli jeho instrumentálnímu stylu;

Instrumentální skladby pro lidský hlas (árie Donny Anny) jsou samozřejmě velmi obtížné. Škoda, že se velký Mozart nedokázal zcela přizpůsobit novému stylu, prostě neměl dost života na přepisování těchto árií. Ale tady je nádherná árie pro Dona Juana – „Árie se šampaňským“, v novém stylu – bel canto! Tohle je 18. století...

Stendhal:

Do jaké propasti triviality se obvykle sklouzává? Německý skladatel, snaží se vytvořit zábavnou hudbu!

M. Callas - „absolutní“.

„Absoluta“ je zpěvačka, která zpívá všechna mistrovská díla světové klasiky. Zpívala vše napsané pro dramatický soprán, všechna mistrovská díla, ve všech stylech. Byla královnou belcanta! Oživila tento styl 19. století a nyní si to nenechají ujít italští učitelé!

Přednášející: Pavel Tokarev, Boris Ignatov, Alexey Parin.

M. Callasová jednou zpívala Orfeovu árii (mezzo), přičemž k vzlyku používala kontraaltové hloubky svého hlasu. Publikum přijalo zpěváka s radostí. (Nahrávání zvuků.)

Žena zpívá mužský part a všichni jsou potěšeni. Toto potěšení mi není úplně jasné!

V Ratmirově večírku by bylo lepší vidět a slyšet muže.

V Dětské divadlo Lelya úspěšně zpívala tenor.

Chcete-li zvýšit hlasitost zvuku vlny, musíte věnovat pozornost dýchání, tzn. rozvíjet hrudní dýchání.

Neustále vyvstávají otázky týkající se pauz v notovém zápisu a pauz ve vokálních frázích. Klavíristé a učitelé vyžadují pauzy i při dynamickém zpěvu. Častěji se pauzy v notovém zápisu shodují s pauzami ve vokálních frázích, ale...

Musíte pochopit, že vokální frázování je spojeno s dechem zpěváka, s dynamikou vývoje fráze, s úsporou energie, s výpočty zpěváka a s mnoha „maličkostmi“ spojenými s technikou zpěvu.

Hudebník nemůže znát všechna specifika hlasového ovládání a nemůže ovládat zpěváka natolik, aby mu vždy říkal, kde má dýchat.

Sám zpěvák to musí vědět, učitel ho to musí naučit. K dokonalému provedení vysokých tónů bez zadýchání musí zpěvák vše přesně vypočítat, jako to dělají sportovci.

Za kvalitu vystoupení je zodpovědný sám zpěvák. Ztráta dechu je velmi škodlivá. Zpívání v malých frázích je únavné. Říkají toto: ve zpěvu není staccato – není legato. Non legato: to je, když zpěvák dělá zvukové intervaly, ale nepřerušuje dýchání, tzn. je to stejné, kdyby zpíval legato.

Stejná nezávislost zpěváka se projevuje v trvání jednotlivých not. Zpěvák redukuje mimotaktní tóny, nepočítá je, to samé jsou často poslední tóny ve frázi. Pokud se potřebuje nadechnout mezi frázemi, ale není tam žádná pauza, rozšíří mezeru mezi frázemi a zkrátí dobu trvání not na obou stranách, aby měl čas se nadechnout.

Poznámky zpěváka slouží pouze k označení fráze a všech fragmentů frázování. Při zpěvu ale zpěvák noty v povědomí nemá a ani by je mít neměl. Představuje a řídí zvukovou vlnu.

Proto byste neměli vstupovat do podřízených vztahů s korepetitory: nerozumí problémům zpěváků.

Vztah s dirigentem je pro zpěváka velmi důležitý.

Jak by měla zpěvačka reagovat na nadšené recenze na její provedení mistrovských děl vokálního umění?

Klidně nebo i s určitou úzkostí. Nastaví vám „laťku“ jako ve sportu, pod kterou už nesmíte klesnout. Ale ne všechna díla jsou mistrovská.

Zpěvák může zvítězit pouze dokonalým provedením známých, všeobecně uznávaných mistrovských děl vokální klasiky. Neznámé dílo, byť krásně napsané a dokonale provedené, může zůstat pro většinu veřejnosti nesrozumitelné, jak nám říkají dějiny vokálního umění.

O SOPRÁNU

Pouze hluboký soprán může přednést „Rosininu Cavatinu“ nahranou pro mezzosoprán. Lyrické sopránové party může hrát každý soprán: dramatický, lyrický i koloraturní. Příkladem mohou být: M. Callas, R. Scotto, J. Sutherland a mnoho dalších. Udržení „tloušťky“ hlasu je pro zpěváka provozujícího lyrický repertoár velmi důležité. Zde nehovoříme o udržování stále silného zabarvení, spíše jsem proti konstantnímu zabarvení.

Je důležité zachovat střed hlasu, aby nezanikla hutnost zvuku v extrémně vysokých tónech. Je u nás zvykem hodnotit typ hlasu podle repertoáru, ale to je špatně! Zpěváci – dramatické sopranistky to, zdá se, už dávno prokázali, ale chyby v hodnocení hlasů přetrvávají.

Černošští zpěváci předvedli operu „Porgy a Bess“ s klasickými hlasy tak decentně, že bylo těžké uvěřit, že se nejedná o „výpravu“. Ale učili je kultuře klasického zpěvu. Učen! A učili.

Před Dupreovými reformami byl horní rejstřík hlasů nedefinovaný: přechod byl pouze s měkkým útokem a u mužských hlasů byl horní rejstřík často falzet, tzn. s neúplným uzávěrem vazů. Dupre napsal, že tlustý, silný hlas se musí nést zdola v jednom témbru, co nejvýše s pevným útokem.

V sovětských dobách se pokusili provést reformu vokální pedagogiky v Rusku, ale rozhodli se, že je to velmi obtížné. Dohodli jsme se, že nastudujeme zkušenosti italské školy.

Část Cio-Cio-san slíbil nazpívat známý kontratenorista. Na Západě je to nyní v módě. Říká se, že v Itálii je škola pro výcvik kontratenorů. Myslím, že to muži učí, protože... V Itálii je zvykem učit hlasem.

V knize „100 oper“ v libretu opery J. Bizeta „Carmen“ jsem četl vtipnou frázi: „Píseň hrozného manžela“ (!), seguidilla a duet Carmen a Jose vytvářejí mnohostranný obraz svobodu milující cikán.“

Mám podezření, že na příkaz autora se do francouzské opery dostala „Píseň Zemfiry“ (Cikánské ženy) z Puškinovy ​​básně „Cikáni“, kterou napsal P. Čajkovskij: „Starý manžel, impozantní manžel, střih mě, spal mě: jsem silný, nebojím se ohně, ani meče!

Maria Callas byla zpěvačka a herečka. Hojně využívala barvy svého hlasu. Gildu dříve předváděli zpěváci v lyrických hlasech. M. Callas zpíval tuto část hlubokým hlasem, měnícím se slabý charakter dívky na silné. Zřídka používala pouze sopránovou barvu, protože věděla, jak nespravedlivě s tím kritici zacházeli a považovali to za slabost zpěvákova hlasu.

Belcantová zpěvačka Renata Scotto má lyrický soprán s mdlým témbrem (podle nahrávek), lehkou lyrickou koloraturu s pronikavým zvonivým tónem. Jednou řekla, že připravuje várku Aidy. "To je úžasné," pomyslel jsem si, "má R. Scott skutečně dramatický soprán?" Jistě! Brzy jsem ji slyšel zpívat v duetu s dramatickým tenorem a síla jejího hlasu nebyla v žádném případě nižší než jeho.

Náš kritik nazval Beverly Seales lehkým lyrickým sopránem. B. Seales je nazýván americkou královnou opery. Ale abyste se jmenovali Queen, musíte být velmi silná zpěvačka: když soprán, tak jedině dramatická.

M. Plisetskaya velmi zajímavě mluví o baletu. „Ne všechno v tanci je vědomé, existují i ​​podvědomé pohyby a gesta, k tomu je potřeba hudbu cítit. Jednou jsem udělal krátké gesto rukou. Někdo toto gesto obdivoval. Přemýšlel jsem o tom a je to: gesto zmizelo."

To je mi velmi jasné. Co tyto dvě formy umění spojuje? Hnutí! Učitelka Šatrová řekla: "Vokální umění je obtížné, ale balet je obtížnější... z hlediska fyzické aktivity."

J. Sutherland zpíval lyricko-dramatický soprán v Donizettiho opeře Královna Alžběta. V témbru hlasu má blíže k M. Caballeovi. V této části jsou dokonce i kontraaltové fráze. A poslední poznámka je mi3! To jsou možnosti dramatického sopránu!

Muzikolog Volkov ve své knize napsal, že otec Manuel Garcia byl líbezný tenor... a zpíval Othella! Zjevně to byl dramatický, mnohostranný tenor!

Otcova tvrdost zřejmě přiměla syna M. Garciu k pečlivému studiu neapolské školy. Můj otec zpíval s Rossinim a měl rád bel canto. Jeho syn byl vedle něj a zpíval basovým hlasem. Brzy pochopil, že studium na italské (neapolské) škole je vážné, klidné a radostné.

Garciova škola je tedy italská škola belcanta, kterou chápe vědec (stal se profesorem), z hlediska vědy: fyzika (mechanika), biologie (fyziologie).

Kurt Honolka "Great Divas"

Maria Felicita Malibran (Garcia) byla diva deset let. Bláznivý umělecký temperament. Nejlepší Desdemona, která se nepodřídila Othellovi. Zabrala tři oktávy, uměla zpívat alt i soprán: Norma a Zerlina. Ohnivý temperament hnal Malibranovo křehké tělo k těm nejzoufalejším činům. Na pódiu propadla hysterii a duševnímu zmatku.

Ve věku 28 let Malibran spadla z koně a poškodila si vnitřnosti. Zazpívala koncert a o 9 dní později 23. září 1837 zemřela.

Maria Malibran zdědila svou muzikálnost, talent a lásku k divadlu po svém otci Manuel del Popolo Garcia. M. Garcia je tenor světového významu. Přátelil se a zpíval s G. Rossinim a byl jeho první Almavivou. Jeho syn Manuel byl nejlepší učitel své doby (zemřel v roce 1906 ve věku 106 let).

Pauline Viardot (Garcia) se narodila v roce 1821. Polina měla mezzosopránový hlas, ale také zpívala sopránové role (Donna Anna a Norma). Jednou, když jsem byl v Petrohradě, jsem zkusil zpívat Ljudmilu.

Pokud Viardot zpívala Donnu Annu, barokní roli, pak, jak se jí zdálo, by klidně mohla zpívat Lyudmilu. Pravda, zde autor píše, že trpěla „vyčerpáním vazů“. Z jiného zdroje - nastydla. Naše sopranistky často trpěly a trpí rolemi Ljudmily i Antonidy.

Pauline Viardot zpívala Gluckova Orfea 150krát, Gluckova Alceste. Nechal jsem se unést německá hudba. S Turgeněvem se přátelila 40 let, až do dne jeho smrti. „Královna královen“ byla jeho poslední slova. Polina zemřela v roce 1910.

V knize Kurta Honolka v článku o Marii Callasové čteme: „Callasová proměnila svůj život v tanec na laně bez záchranné sítě.“

"Renata Tebaldi šokovala Artura Toscaniniho svým andělským hlasem."

A M. Callas a R. Tebaldi, oba zpívali Aida, Santucia, Butterfly, Mimi, Tosca. Ale nelze je považovat za skutečné konkurenty: Tebaldi nezpívala Medeu ani Lucii atd. a její Violetta kvetla, udivuje bohatou plností svého sopránu.

Tebaldi nebral moderní hudbu vůbec vážně, považoval ji za nezpěvnou a dokonce pro hlas destruktivní. (Kurt Honolka)

První zpěvačka na světě: Maria Guleghina, Ruska. Studoval v Oděse. V Itálii zpívá každý dramatický repertoár a v belcantových operách.

I.A. Moiseev je tvůrcem tanečního divadla. Požadoval, aby tanečnice prostě netančila technicky, ale zduchovňovala každý pohyb. Rytmus je vysvětlen zjednodušeným způsobem.

Zpěváci! Musíte si rytmus vysvětlit zjednodušeným způsobem.

Placido Domingo. Tenor, který „byl původně barytonista“. Ředitel dvou divadel. Vede „soutěže Domingo“ a zajišťuje pro mladé zpěváky.

Na tom, že Domingo zpíval v barytonu, podle mě není nic překvapivého.

Placido Domingo je skvělý tenor naší doby.

Ruská zpěvačka Olga Borodina (mezzosoprán) říká, že zpívala bel canto od mládí, přirozeně. Irina Arkhipová se jí podívala do úst a zeptala se: "Jak to děláš?"

Nápodobou se můžete naučit zpívat i ve stylu belcanto, ale ne každému se podaří tuto techniku ​​pochopit. Opět se můžete přesvědčit, že belcanto je dokonalý styl, ale není umělý a nám Rusům není cizí.

Bel canto je jako jazykolam: tlusté a lehké. Velký soprán, technicky vybavený, usiluje o zvládnutí techniky dramatické koloratury i lyrické koloratury. Příkladem toho je Maria Guleghina.

"Opera Club", rozhlasová stanice "Echo of Moscow".

Akimo Freier je německý produkční ředitel. Inscenuje Kouzelnou flétnu v Novaya Opera. Na otázku: „Kdo je důležitější: hvězda nebo režisér?“ řekl, že s hvězdami nejsou problémy, jen se starými zpěváky. „Hvězdy milují pracovat a zpívat lépe než kdokoli jiný. Zpěv je akrobacie!"

Každá zpěvačka či zpěvačka si buduje svůj vztah s dirigentem, nebo odchází...

Dirigenti o tom samozřejmě neradi mluví.

Anna Netrebko

Krásná zpěvačka s jasným hlasem. Dramatický soprán. Anna si stěžuje, že jí od mládí často říkali, že nemá hlas, a navzdory nepřátelství lidí se stala zpěvačkou. Tvrdě pracuje, zpívá na Západě a v Mariinském divadle.

Anna Netrebko v raném mládí postrádala techniku, a tak bylo velmi obtížné pozvednout celý repertoár dramatického sopránu. Zpívala především lyrický repertoár.

Učitelé musí více přemýšlet o technice zpěvu. A milujte své studenty...

Olga Guriková jako dramatická sopranistka zmizela z obzoru moskevských pěvců, vyčerpaná rolí Elvíry z Verdiho Ernaniho. Pamatujete si, jak se hlas zpěváka linul v mocné vlně?

Po seznámení s árií jsem okamžitě pocítil její složitost a nebezpečí svalového přepětí. Zde, stejně jako v La Traviatě, existuje speciální obranná technika.

R. Scotto tuto ochrannou techniku ​​zná jako všichni italští zpěváci, ale to si musíme nějak sami domyslet poslechem jejich nahrávek. Četli jste, jak se E. Obraztsová učila od velikánů, aby se sama stala velkou? Pravda, sopránová technika je nejobtížnější.

Ninel Tkačenko

Na Bolshoi zpívala Ninel Tkachenko - dramatický soprán, znala všechny italské techniky! Možná to však nevěděla, ale udělala to.

Tady se dívám na její záznam: cena je 1 rubl 45 kopejek. Orchestr Velkého divadla SSSR, dirigent M. Ermler a F. Mansurov. Kdo je Ninel Tkachenko? Zpíval v italštině a francouzština. Četl jsem: Tosca, Mimi, Cio-Cio-San, Abigail, Aida a dále: Carmen a Eboli! A věřte, zpívala krásně! Na záznamu o ní ale není ani slovo.

"Opera Club", rozhlasová stanice "Echo of Moscow".

Otázky pro amerického dirigenta Jamese Conollona. O hudbě éry Bel Canto a o zpěvácích, o ruské hudbě a o ruských zpěvácích. Americký hudebník odpovídá, přesvědčuje, abychom si nedělali starosti: bel canto žije dál a ruská operní hudba je na Západě zajímavá a belcantových zpěváků je dost a je těžké rozeznat ruské zpěváky od neruských!

Tradice belcantových oper musí pokračovat.

Velmi půvabně a tragicky zpívala part Violetty lyrická sopranistka Patricia Choppe v divadle na Západě, ale režie, kde je Violetta pouliční dívkou, byla nedůstojná Verdiho opery.

Na koncertě N. Baskova 15. října 2006 nechyběl skvělý M. Caballe a řídil mladou zpěvačku - jejího žáka. Před vysokým tónem se zpěvák pokřižoval. Uhodí vysoké tóny, ale dlouho je neudrží. Ne vždy zasáhne rezonanční bod. V „opilosti“ není stříbro. Přesto začal zpívat lépe. Árii zazpíval dokonale.

Duet Dmitrije Hvorostovského a Renee Fleming

Dmitry v roli Germonta je poněkud měkčí než dříve, ale stále cynický a přehnaně krutý.

V roli Oněgina je v depresi, ale není vám ho opravdu líto, protože je zjevně velmi odvážný.

Renee je okouzlující jako Tatiana.

Dmitrij v roli Dona Juana je jistě velmi přesvědčivý.

Zerlina (v opeře) je mazaná dívka, která se snaží „přehrát“ Dona Juana a provdat si mistra k sobě. Zerlina (Rene) je prostoduchá dívka.

"Existuje jen jedna škola," řekla Galina Vishnevskaya.

Škola je jen jedna, ale je to těžké. Dvě techniky pro dva hlasy v jednom: silný hlas a lehký, zvonivý hlas. Dva hlasy v jednom, tedy dvě metody.

Velký varietní koncert byl věnován 30. výročí Nikolaje Baskova

Naši prominentní zpěváci ho v těžké době pro mladého zpěváka nepodpořili, z nějakého důvodu ho neuznávali jako klasického zpěváka. Lev Leshchenko, všeobecně uznávaný a oblíbený popový zpěvák, který umí zpívat klasickým způsobem, Nikolaje hájil slovy: „Kdyby tam byl hlas, ale zpívat můžete různými způsoby.

Skandál u Bolshoi

Galina Vishnevskaya byla přítomna na novém představení „Eugene Onegin“. Nelíbilo se jí nové vedení opery, v níž kdysi zářila jako Tatiana. Říkají, že rozhořčeně řekla: "Už do vašeho nevěstince nepřijdu!"

Koncert věnovaný zpěvačce Galině Višněvské

Zpěv: Vladimir Černov - baryton, Larisa Dyatko. Zpěvačka překvapila změnou melodie ve scéně „Martha’s Fortune Telling“, zřejmě kvůli vysokému tónu. Makvala Kasrashvili zpíval Toscu. Byly uvedeny scény z oper za účasti Galiny Višněvské.

"Budu pracovat se zpěvákem, pokud umí zpívat," říká G. Vishnevskaya.

Galina Vishnevskaya opustila jeviště ve 45 letech. "Štěstí ze zpěvu je pryč, kniha je zavřená."

Zpěvačka přišla do opery z operety. V operetě by měl být hlas primy jasný, silný s různými barvami témbrů, protože operetní umělec nejen zpívá, ale i tančí a hlasitě mluví.

„Zpívá se stejně, jako se hraje na nástroj: výš a výš nebo níž a níž...“, říká G. Vishnevskaya.

Maxim Mironov - lyrický tenor sám ladil svůj hlas do belcantového stylu (pečlivým poslechem nahrávek belcantových zpěváků). Působí v zahraničí.

M. Callas a R. Scotto vždy usilovali o různé zabarvení, aby mohli být herečkami opera a zachovat obraznost ve vokálním umění. Kvůli vokálnímu umění vždy riskovali, že budou k nepoznání.

Představení na motivy opery W. Mozarta „Don Giovanni“

Dmitrij Hvorostovskij zpívá obě části: Don Giovanni a Leporello. Zpěvaččin hlas byl obohacen o nové barvy. Dokonce i „Aria with Champagne“ zněla jasněji. A v duetu se Zerlinou se hlas zpěváka stal k nepoznání: měkký, jemný.

Bartoli je mezzosopranistka a belcantová zpěvačka, která má ráda barokní díla.

Tenorista Jose Carreras pořádá koncerty lyrické hudby. Taková hudba zpěváka nepřetěžuje a posluchače uklidňuje.

Anna Netrebko zpívala Violettu nejprve v lyrickém duchu, pak ji na Západě zpívala jako dramatický soprán a byla podle ní velmi unavená. Tento díl není pro začínající zpěváky.

Říká se o dramatické sopranistce Marii Guleghině, která zpívá na Západě a zde v Mariinském divadle: velká a lehká.

"Vystudují konzervatoř, ale nevědí, jak zpívat rusky," - G. Vishnevskaya.

Řekněte frázi s výrazem a oslovte někoho konkrétně: "MILUJI tě!" Pak zazpívejte stejnou frázi a znovu oslovte stejnou osobu. V přesném provedení to bude hlasová řeč (viz „Slovník chyb v hlasové pedagogice“).

Zara Dolukhanova: "Dávám přednost talentu před vokální dokonalostí."

Často je těžké oddělit vokální dokonalost od talentu, tzn. kde může být, když nemá talent? Skvěle předvést Popelčinu Cavatinu – nejobtížnější vokální práci – znamená talent i vokální dokonalost. Jiná věc je, že zpěvák může intuitivně dosáhnout této vokální dokonalosti, ale tohle je talent!

„Nepotřebovala jsem se učit vokály: všechno šlo samo,“ řekla Z. Dolukhanová A. Parinovi a... udělala nečekaný závěr: „Abychom maximalizovali zpěvákovo sebeodhalení, musíme se ho pokusit přesvědčit, že všechno je snadné.”

Ne, to zdaleka není pravda! Spontánní produkce klasického hlasu, jako je hlas Zary Dolukhanové, je stále vzácnou a šťastnou příležitostí.

„Ruská škola expresivního zpěvu byla vždy proti západní škole čistého vokálu,“ píše Alexey Parin.

Byly časy: maestro Rebrikov učil italskou školu, všichni vokalisté v Moskvě o tom věděli. A v divadlech se tehdy zpívalo lépe, a co tam bylo amatérských zpěváků, protože takových maestra jsme měli nejeden!

"Opera Club", rozhlasová stanice "Echo of Moscow".

Anna Netrebko, mladá ruská zpěvačka, zkoušela zpívat Elviru v „The Puritans“ a Aminu v „Somnambulist“ v Itálii, ale chyběla jí technika.

Irina Arkhipová

„Obtížná část Eboli v „Don Carlos“ od G. Verdiho. Bylo potěšením pokaždé trefit nejvyšší tóny, provádět pasáže a vyhrávat, jako byste stříleli na desítku.“

Velký! Bravo! Takové senzace vyvolávají pouze techniky italské školy! Zde nemluvíme o expresivitě, ale o fyziologických vjemech, jako ve sportu.

Nakonec E. Obrazcovová přiznala, že G. Višněvskaja jí zpočátku pomáhala s pěveckými technikami. Není známo, při jaké příležitosti, E.V. řekl: "Musíme pomáhat silným." Tato fráze se přesně hodí k této příležitosti!

„Nikdy jsem se neřídil ředitelem! Nikdy!" - E. Obrazcovová.

„V Itálii je vysoce ceněna kontinuita provedení (beze švů) vokálních vět (několik frází)“ - R. Scotto.

V pořadu „Car's Box“ promítali nahrávky Anny Netrebko. Vypadá skvěle. Hodně zpívá. Naučí se spoustu her. Unavuje se a velmi se snaží. Smutně říká, že „v Německu je zvána všude, jen ne do Itálie“. S obtížemi zpívá belcantové skladby a to se jim v Itálii nelíbí. Bel Canto je speciální technika, Anna ji nezná, nebyla ji (tehdy) naučená.

V Petrohradě probíhá soutěž mladých vokalistů. Hlasy jsou krásné, ale výkon je zvláštní. Tak slavná romance N. Rimskij-Korsakov „V zajetí růže, slavíka...“ zpívala zpěvačka hustým hlasem (poprvé, zdá se, v historii ruského vokálu), a vokalizace byla v jemném koloraturním sopránu. . Promiň, ale tohle není odrůdový akt? Opravdu jste doufal, že někoho překvapíte tím, že tlustý soprán umí zpívat lehkým hlasem?

Koncert Zaura Tutova

Nádherný lyrický baryton zpívá jemně a něžně krásné romance, italské písně, někdy na způsob lyrického tenoru. Možná je nyní jedním z nejlepších interpretů romancí a písní. Svého času vystudoval Gnessin Academy a věří, že tamní škola je vynikající.

Z příběhu zpěváků, kteří přišli z Evropy

Jižní Korea - bohatá země. Mnoho lidí se zajímá o operu. Evropa je plná Korejců studujících klasické vokály.

Na koncertě Three Stars zpívala Anna Netrebko s slavných tenorů: mistr bel canta - Placido Domingo a mladý a bystrý tenor Rollando Villazon.

Anna v současné době zpívá lyrický repertoár. Skutečný úspěch neboť dramatický soprán začíná belcantovými áriemi nebo kantabilními áriemi (G. Verdi).

Anna Netrebko a Rollando Villazon zpívají scénu "Mimi s Rudolphem." Anna nejprve zpívá hlubokým hlasem, ale náhle změní barvu a poté zpívá zvonivým hlasem. Proč taková nedbalost? Mimi, dívka s chatrným zdravím, její zpěváci vždy zpívali lyrickým, znělým hlasem.

Zpěvačce Mirelle Freni v Rusku říkali lyrická sopranistka, ale... V roce 2002 přijela zpěvačka s koncertem do Moskvy. Jasně, silně zazpívala mnoho dramatických árií, jasně dokazující, že skvěle ovládá svůj silný hlas – dramatický soprán! Mirella Freni se aktivně podílí na výuce.

Mladý lyrický tenorista Juan Diego Flores výborně ovládá techniku ​​belcanta (zpívá party hraběte Almavivy a prince z Popelky).

V Velký sál Alexander Malinin vystoupil s orchestrem na konzervatoři

A. Malinin je bystrý popový zpěvák, který vždy měl velký úspěch od veřejnosti. Mnozí netušili, že jeho hlas je tenor, protože na pódiu může tenor i baryton znít stejně. A přestože Alexander opakovaně zdůrazňoval, že je tenorista, nikoho by nenapadlo srovnávat ho s N. Baskovem. Nikolaj Baskov má své vlastní individuální místo, svůj vlastní příběh, který se ještě nerozvinul plnou silou.

A. Malinin má svou image, své místo, svou lásku k publiku.

Alexey Parin mluví s Renatou Scotto, vynikající zpěvačkou naší doby.

V Rusku se nahrávky Renaty Scotto objevily před nahrávkami Sutherlanda, Renatin hlas byl tedy hlas belcantový a jeho jas dokonale ladil horní rejstřík sopránu.

Prohlášení R. Scotta:

"Maria Callas vypadala pokaždé jinak." Zvuk závisí na povaze obrazu.“

"Studoval jsem v Miláně se stejnými učiteli (jako Callas)."

"Callas a Sutherland udělali z romantického bel canta vlastnost moderního operního světa."

„Učitelé belcanta přežili (v Itálii) a zachovali se. Vokální technika pro belcanto a Mozartovu hudbu je vývoj hlasu, je pohyblivý, zpívá v řadě od nízkých po vysoké tóny, schopnost ovládat široké dýchání, snadno se pohybovat z vysoké na nízkou tessitura. Hlas se musí trénovat. Nemůžete zpívat pouze na základě svých přirozených schopností."

"Zpěváci zapomněli, jak zpívat stylově."

"Učitelé posvátně dodržovali smlouvy minulosti."

"Veristický repertoár můžete zpívat pouze tehdy, pokud máte techniku ​​bel canta."

"Někdy jsme viděli úplnou dezorganizaci zpěvu na mistrovských kurzech v Moskvě."

„Co ale Rusové nemají, je smysl pro styl, pochopení toho, co je technika belcanta. Mohou za to učitelé... Škola se nechtěla transformovat...“

"Mám pocit, že za všechno může železná opona."

A. Parin: „Zdá se mi, že problém je mnohem složitější. Naši učitelé zpěvu jsou příliš konzervativní."

A. Parin uvádí, že klasická romantika se vytrácí.

Takže část naší ruské kultury mizí?! S tím nelze souhlasit. Městská romantika odcházela, ale přišla skvělá Lyubov Kazarnovskaya a romantika se vrátila. Věřím, že se vrátí klasická romantika! Dokud budou Rusové naživu, nenechají kulturu našich velkých předků padnout a zahynout.

V 19. století mělo Rusko evropskou kulturu.

Maria Guleghina

Na jevišti je Maria Guleghina velmi odlišná. Maria hodně studovala u profesora E.N. Ivanova (Odessa). Maria Guleghina je v zahraničí dlouho považována za „absolutní primadonu“. V Moskvě to slyšíme velmi zřídka. M. Guleghina nazpívala téměř všechny Verdiho opery. Zpívá v operách Pucciniho, Belliniho, Giordana, Mascagniho.

„Trpělivost a práce“ je Maryino motto.

Naši tři barytonisté zpívají na Západě: Sergej Leiferkus, Dmitrij Hvorostovskij a Vladimir Černov.

Vladimir Černov zpíval v Mariinském divadle, ale nebyl přijat do Velkého divadla. "Přišel jsem na Státní koncert, dostal jsem další odmítnutí, ale náhodné setkání - potkal jsem manažery... Operní kariéra je součástí operního byznysu a rozmarem náhody."

Dmitrij Hvorostovskij snil o tom, že se stane tenorem: tenor má větší slávu. Otec D. Hvorostovského hodně zpívá. Syn se naučil zpívat tak, že poslouchal svého otce.

Nikolaj Putilin – barytonista, vystudoval Krasnojarskou konzervatoř, třídu profesora Ioffela. Zpíval v Kazani, Moskvě a Petrohradu v Mariinském divadle. Prvním učitelem je Fomin.

Zpěvačka Elena Prokina říká:

„Na Západě je větší výběr. V Rusku tomu tak bohužel není. Tady v divadle je vždy hlavní člověk a veškerá politika je podřízena jen jemu. Není z čeho vybírat."

Začala studovat zpěv v Oděse ve třídě Blagovidové. Úžasná škola, jednoduchá, velmi blízká italštině. Všechna cvičení se rychle dostala ke studentovi. Bylo zavedeno dýchání, vyvinut rozsah. Všechno jsi prostě musel zpívat nahlas. Studoval jsem 5 let.

Elena Prokina také studovala v Leningradu: na konzervatoři jako asistentka. Šel jsem do Mariinského divadla. Zpíval s Domingo.

Elena Zelenskaya - dramatický soprán. Zpívá ve Velkém divadle. Zpívá také na Západě, v operách Verdiho a Pucciniho.

Marina Meshcheryakova - soprán. Debut na jevišti Velkého divadla se konal v roce 1991. Zpívala Antonidu(!) v „A Life for the Tsar“ a věřila, že jí tato role velmi sedla(?). A. Parin: „Antonida není nejjednodušší operní části Buďme upřímní.“

Úžasné proměny se dějí u našich zpěváků a zpěvaček: učitelé jim nevysvětlují, jaký je styl skladby, a házejí vše dohromady.

M. Meshcheryakova zpočátku „připojila“ svůj hlas k instrumentálnímu partu Antonidy, ale poté, co se seznámila s italským vokální hudba, náhle pronesl úžasný výrok: „Nemám ten správný hlas, abych se v ruském repertoáru cítil více organicky... Možná nejsem tak docela ruský zpěvák.“

Možná tolik trpěla při hře Antonida, že se rozhodla, že Rus klasický zpěv- je to mučení?

S dirigentem Andrejem Chistyakovem připravila mladá zpěvačka Marfu a... Normu. Normu už zpívala ve Stockholmu!

Ruský jazyk není tak hlasitý jako italština, takže je třeba zpívat „podle zvuková vlna“, tzn. Výslovnost je druhý problém, ale ne první.

Velmi zdatní skladatelé působili v ruském vokálním umění 19. století, tvořili na vysoké úrovni západní kultury: Glinka, Dargomyžskij, Čajkovskij, Borodin, Musorgskij, Rimskij-Korsakov. To je skvělá vokální kultura!

Tam byly některé nedostatky: Antonida a Lyudmila - tyto části byly napsány v instrumentálním stylu. Ale bylo napsáno mnoho nádherné hudby, nádherné klasické romance. Jsou části, které je nepřiměřeně obtížné napsat: Marfa („Carova nevěsta“), Sněguročka, Labutí princezna.

Na Západě je také spousta komplexní hudby a ne všechno je bel canto.

Boris Pokrovsky, slavný režisér, který dříve pracoval ve Velkém divadle, říká. "Nebudu zpívat, nudím se," řekla Galina Vishnevskaya o scéně "Tatyanových dopisů". Pokáral ji.

Pokrovskij: „Chtěli jsme nasát Stalina a nastudovali operu o venkovském životě a ukázali ji vůdci. Ale Stalin ji neměl rád. Zeptal se: "Jak dávno byla zinscenována Piková dáma?" A myli jsme se..."

Marina Domashenko

Mezzosopranistka začala svou kariéru v zahraničí. Studovala hudbu v Kemerovu. Studovala na konzervatoři v Jekatěrinburgu u S. V. Zaliznyaka. Šel jsem na soutěž do Prahy a dostal jsem šest cen!

"Opera Club", rozhlasová stanice "Echo of Moscow".

Barokní hudba

Barokní hudba je hudbou předbelcantského období. V podstatě jde o instrumentální styl. Ne všichni zpěváci dokážou tuto hudbu zpívat krásně, tím méně ji milují.

Cecilia Bartoli má ráda barokní hudbu a otevřela role v 10 operách Antonia Vivaldiho. Zde je zpěvačka podřízena orchestrální hudbě, ale líbí se jí.

"Je možné pochopit zpěvákovu svobodnou schopnost létat v oblacích?" - A. Parin o C. Bartoli.

"Musíme se naučit pracovat na kvalitě zvuku a užívat si zpěv" - C. Bartoli.

Zpěváci mají samozřejmě ze zpěvu velkou radost, jinak by to nedělali, ale hlavní je, aby to ostatní rádi poslouchali. Bartoli, disponující nádherným mezzosopránovým hlasem, se často dostává do sféry cizího hlasu - sopránu, kde nemůže dosáhnout vrcholu.

V inscenaci opery W. Mozarta „Každý to dělá“ Bartoli zpívala sopránovou roli. A protože violový part přednesl zpěvák se silným hlasem, Bartoli v duetech nebyl slyšet. Nádherná opera ztratila zvuk. Navíc v opeře je tato část psána pro výrazný dramatický soprán, s čímž Bartoli zjevně nepočítá.

Bartoli se chová jako primadona, ale v 21. století tento čin nefunguje.

Z nějakého důvodu A. Parin srovnává hlas O. Guryakové s koloraturní soprány: Nezhdanová, Zabella-Vrubel. O. Guryakova bravurně ztvárnila part Elvíry (Ernani G. Verdiho) na scéně moskevského divadla - pro dramatický soprán velmi obtížný part vyžadující vysokou belcantovou vokální techniku.

Joseph Kaley

Lyrický tenor zpívá v Německu, repertoár: Bellini a Puccini. Škola z Maria del Monaco (škola dramatického tenoru?). Nemluví jasným hlasem, což je pro tenora velmi škodlivé.

Zpívá „Frederico's Lament“ s velmi krásným zabarvením, ale ne vždy se trefí do cíle.

Zpěvákův hlas je nesoustředěný, chyba školy del Monaco, druhé jmenované bylo také vytýkáno nedostatek textů. Lyrický tenor potřebuje zpívat s jemným útokem a neustále sledovat zvukovost svého hlasu a Mario del Monaco byl dramatický tenor. Musíte se naučit lyrický tenor z podobného hlasu, tzn. lyrický tenor!

E.V Obraztsova se na sobotní večer přišla podívat na popové zpěváky, tzn. na Nikolaje Baskova.

Řekla mu: "V klasických vokálech není tak důležitá technika, ale duše, aby bylo co říct."

Nikolaj má duši, ale ke zpěvu jako dramatický tenor potřebujete TECHNIKU.

"Opera Club", rozhlasová stanice "Echo of Moscow".

Maxim Mironov - zpěvák, lyrický tenor. Zpívalo se v Helikonu. Odchází z Ruska do USA.

Zpívá roli prince v Popelce. Narodil se v Tule, vystudoval chemii a biologii. Studoval na Gnessin School. Hodně jsem poslouchal belcantové tenory a uvědomil jsem si, že umím i takhle zpívat. Chodil jsem do soukromé školy Vladimira Devyatova. Zpěvák je velmi vážný a hodně pracuje. Cestuje po celém světě.

Brynův festival

Bryn Toffel - basbaryton. Občas zpívá tenorové árie, ale v barytonové tessituře, někdy dokonce mění melodii podle svého hlasu. Podle mě je to nezajímavé a navíc to nerespektuje skladatelovo dílo. To je povoleno v našich lidových písních a městských romancích, tedy v lehkém žánru. Je ale možné zkreslit oblíbené oblíbené klasické árie všech?

Mezitím skvěle zpívá árie pro basbaryton!

Na koncertě vystoupila Renee Fleming. Všechny árie pro soprán zazpívala úžasně krásně, ale v jednom silném témbru dokonce i Zerlinu. A všude byla nádherná Renee Fleming!

Říká se, že Maria Guleghina nemůže být nazývána ruskou zpěvačkou, protože... Veškerá její tvorba se odehrává v zahraničí. kdo to říká? Čí je to názor? A to, že studovala v Rusku, se taky nepočítá? Mnoho ruských zpěváků působilo a působí v zahraničí. Velký Chaliapin hodně pracoval v zahraničí!

V Rusku byly pověsti o bel cantu vždy zahaleny tajemstvím, jako by vznik tohoto stylu probíhal ve starověku, a ne v době Puškina.

Myslím, že je naivní věřit, že lidstvo je tak ignorantské a primitivní, že by se nepokusilo najít klíče k záhadě klasického zpěvu (a k bel cantu).

Jesy Norman je černoška, ​​která zpívá krásným, silným, klasickým hlasem – dramatickým sopránem.

Každý skvělý zpěvák má svůj vlastní příběh.

Tenorista Zurab Sotkilava hovoří o vážné technice, která rozvíjí hlas. Sotkilava věří, že ani Domingo, ani Pavarotti nemohli zpívat na Bolshoi, protože tady je třeba zpívat, ne křičet. Ale Sotkilava ráda reptá...

"Opera Club", rozhlasová stanice "Echo of Moscow".

Nejlepší světové belcanto - Renata Scotto.

Renata Scotto studovala mezzosoprán. Obsáhla celý repertoár pro dramatický soprán a ve všech stylech je velmi bystrá zpěvačka.

Vysílání na "Kultura". Donizettiho opera „Dcera pluku“ v Tyrrolsku. Vystoupení se konalo na vysoké úrovni. Ale po představení promluvil Zurab Sotkilava a řekl, že na něj tenor Jose Flores neudělal (!) dojem. Má rád: Pavarotti, Correras, Domingo - opravdoví tenoři! Zaměňuje Florese „za mladého muže, jehož mutace ještě zcela neprošla“. Tomu se nedá říkat jinak než neoprávněná arogance!

José Flores je lyrický belcantový tenorista uznávaný jako jeden z nejlepších tenorů na světě.

5. května 2007 Anna Netrebko byla letos oceněna jako populární ruská osobnost spolu s šachistou a politikem G. Kasparovem. V Kovengardanu Anna zpívala Gildu v Rigolettovi, tři Violetty v Mnichově a v Salcburku Donnu Annu. Anna je přijímána v Německu a Americe.

Anna si říká cikánka (od otce). Často zpívá v duetu s Rollandem Villazonem.

Anna Netrebko chválí ruskou vokální školu, ale někdy je z nějakého důvodu smutná... Nechce zpívat Taťánu.

Anna Samuil pečlivě zpívá Violettu, Musettu a další árie v lyrickém duchu a podle všeho bude stabilní zpěvačkou.

"Opera Club", rozhlasová stanice "Echo of Moscow".

Skvělý tenorista Luciano Pavarotti. Zazní árie z předbelcantského období. Zde hlas nenachází příležitosti, aby se rozvinul v celé své kráse. Dále zazní: Toniova árie z Donizettiho "Dcery, Regiment", árie Richarda Recarda z Verdiho "Un ballo in maschera", Manricova árie z "Trovatore".

Zažijete skutečné potěšení ze zvuku Pavarottiho krásného, ​​sytě zabarveného hlasu v belcantových operách. Porovnejte a pociťte rozdíl.

V zahraničí, zejména v Itálii, panuje silný názor, že klasický zpěv se v Moskvě nevyučuje.

Kultura televizních kanálů. Vladimir Černov mluví o sobě.

Studoval na moskevské konzervatoři. Byl velmi poslušný. Učitel ho přesvědčil, že je tenorista, ale čas ukázal, že je stále barytonista. V zahraničí zpívá: Figaro, Shelkalová.

V přírodě se vyskytují tři typy barytonů: lyrický, dramatický a lyricko-dramatický. Hlas je určen jeho „těžištěm“. Baryton je ústředním hlasem.

Lyrický baryton často zpívá tenorový part ve sboru, protože se témbrem téměř neliší od tenoru. Je také jemný a lyrický a spolehlivější.

Tam je obvykle mnoho dramatických barytonů (silných a jasných), ale lyricko-dramatické barytony jsou vzácné. Možná si je kvůli svému mládí pletou s tenory a tím zpomalují vývoj jejich povahy?

Černovovým hlavním učitelem je podle něj velký Chaliapin.

Podle mého názoru to není příliš správné, protože... taková praxe může „ztížit“ zpěvákův hlas. Je lepší se učit od měkkých barytonů.

Jaký podivín! Ale je velmi milý a mluví tiše, šeptá jako Čumak. Tak roztomilý a koketní, jako lyrický tenor. Zmínil se o jakémsi vlnobití v ústech, nerozuměl jsem. A hned řekl: „Nerozumíte? A ty to nikdy nepochopíš!" Učitele chválil a dokonce plakal.

Kdysi jsme z Paříže vysílali operu Evžen Oněgin, kde V. Černov zpíval s Olgou Gurjakovou. Nastudování opery bylo nějak zvláštní. Olga byla velmi přesvědčivá Tatiana a Černov byl neobvyklý Oněgin s jemným hlasem a hustými vlasy. Ale v posledním dějství trpěl natolik, že nás donutil uvěřit, že tohle byl pravý Oněgin!

I v naší literatuře psali, že v Rusku pracovali italští učitelé, kteří uměli „nastavit“ hlasy „od nuly“.

„Prohráli jsme, prohráli jsme,“ opakoval smutně V. Černov.

Někdo prohraje a někdo najde!

V Itálii pečlivě uchovávají a chrání tajemství belcanta, nesmí tam o něm mluvit.

Anna Netrebko říká, že se snaží nehrát sama sebe, ale nebere v úvahu, že hlavní barvou obrazu je zabarvení jejího hlasu. Pokud zpěvačka zpívá všechny party se stejným témbrem, pak nikdo nebude hádat, že nehraje sama sebe. Všechny hrdinky se od sebe budou lišit jen málo.

Zara Dolukhanova zemřela (ve věku 89 let). Občas svému hlasu opravdu nerozuměla. Připomněly a ukázaly, jak najednou cítila, že se její krásné mezzo proměnilo v soprán. Opatrně trefuje vysoký tón sopránovým témbrem, ale je to jen A (soprán jde mnohem výš). Typ hlasu není určen zabarvením.

Zara Dolukhanova měla jedinečný hlas: krásný mezzosoprán, naturální produkce, vysoké patro, silné vibrato (na přání zpěváka), krásný trylek. Říkají, že to byla dětsky naivní osoba. Hodně zpívala na pódiu, v rádiu a hodně koncertovala. Později pracovala v Gnessin Institute jako učitelka.

Byla to Zara Dolukhanová upřímný člověk. Její hlas byl kouzelný, když zpívala Rossiniho Popelku a Griegovu chýši. Zůstaly nahrávky jejího úžasného hlasu.

Alexandr Vedernikov

Alexander Vedernikov hovoří o svém tvůrčím životě. Zpěvačka a učitelka poprvé zvedla oponu za životy sovětských klasických zpěváků. Hovořil o potížích při výuce zpěvu, o složitých vztazích s učiteli a poté s dirigenty v divadlech.

Zpěvák měl to štěstí, že se dostal na stáž do La Scala. Naši mladí zpěváci odjeli do Itálie, výměnou za výuku baletu italských tanečníků našimi učiteli, tzn. byla to kulturní výměna.

Vedernikov si uvědomil, že musíte zpívat ne hrdlem, ale „vzduchem“.

Byly přehrány nahrávky jeho nahrávky: Susanin, Boris, Farlaf - vše vynikající, vše k nepoznání na vysoké úrovni. Zpěvák vždy zpíval Varlaam způsobem blízkým folku, což je docela oprávněné, ale jiné nahrávky buď nezněly, nebo zněly velmi zřídka, a o zpěvákově hlase jako o ne zcela klasickém panoval mylný názor.

Borisův make-up se mi moc líbil – byla to neuvěřitelně přesná tvář ruského cara.

Vedernikov dokonce opustil Velké divadlo, protože... Nemohl jsem souhlasit s dirigentem. Žádný z našich zpěváků nebyl tak upřímný a čestný.

Evgeniy Nesterenko zpívá árie „vzduchem“ a ruské písně s jasnou dikcí.

Nyní existuje takový koníček: učit děti klasické vokály. 14letého chlapce lze naučit zpívat mužským hlasem, ale... Naučit se klasické vokály vyžaduje velkou samostatnost a vyzrálost. Zpěvák se neslyší! A takového „hluchého“ člověka lze velmi snadno urazit. V tomto věku ještě není schopen přijít na to, kdo má pravdu a kdo ne. A je to dokonce nebezpečné!

Často nemáme rádi mladé talenty; považují je za povýšence a závidí jim. Příklad: N. Baskov. Ne každý takový tlak vydrží.

Úspěch v raný věk inspirovat a drobná selhání – byť pouhé lži a nepozornost dospělých – odhalují a bolestně zraňují dosud křehkou duši.

Nikolaj konečně zpíval v plné síle svého hlasu a nebál se vysokých tónů! Lensky na něj dělá dojem.

Nikolai Baskov byl velmi kritizován za svůj popový zpěv. Jako by si nepamatovali výkony pohledného Čecha Karla Gotta popový zpěvák- tenor s naprosto klasickým hlasem. Krásně zpíval popové písně, brilantně hrál italské písně klasickým způsobem a další. Jednou na koncertě předvedl ruskou „basu“ lidová píseň"Podél Piterské"! A celou dobu se smál: "No, to je moje postava!"

Leden 2008 zpívají Anna Netrebko a Rollando Villazon.

Rollando Villazon je brilantní tenor a zpívá vše na vysoké úrovni.

Juliin valčík zpívá zpěvačka nejprve jako Annin valčík – s hustým témbrem zpěvačka záhy přejde na lyrický soprán a snadno zpívá tuto půvabnou árii.

Scéna z „Iolanta“ je velmi překvapivá svou chybou. Anna zjevně nerozuměla obrazu slepé dívky: nejprve hraje svou nevinnost a naivitu, ale v prvním duetu náhle náhle změní dívčí charakter na její obvyklý: silný a rozhodující charakter Anna Netrebko.

Podoba Mimi v silném témbru je velmi podřadná ve srovnání s jemným lyrickým témbrem přijímaným ve světě umění, zobrazující zasněnou, něžnou dívku ve špatném zdravotním stavu.

8. ledna 2008 vystoupil V. Vinokur se svým souborem v televizi se satirickým číslem o tom, jak „byli na jeviště hozeni klasická zpěvačka a baletka“.

Výročí (70 let) Jevgenije Nesterenka.

Vždy krásně zpíval svým širokým, bohatým basem, zvláště italské árie. Ale poté, co se stal učitelem, napsal disertační práci na téma dikce. A teď zpívá ruské písně a zdůrazňuje každé slovo. Pamatuji si, že někdo přesně definoval takový zpěv jako „pohyb velitelovy sochy“.

Anna Netrebko často přichází do Mariinského divadla, aby zpívala v operách: „Don Giovanni“ v „La Traviata“. Anna velmi pilně zpívá instrumentálně komplexní part Donna-Anna a připravuje „Ruské album Anny Netrebko“ s klasickými romancemi.

Výročí A. Vedernikova.

A.Vedernikov mluví o nová výroba opera "Boris Godunov". Tahle inscenace se mu opravdu nelíbí. A. Vedernikov věří, že „módní“ režiséři by neměli pracovat v hlavním divadle. Celá inscenace směřuje k destrukci. Nelíbí se mi ani inscenace opery „Eugene Oněgin“. Režisér si přes sebe přetáhne deku. V divadle probíhá boj o první obsazení.

Zpěvák mluví o sobě. Hodně koncertoval, samostatně připravoval part Borise a další party a hledal vystoupení. Zpíval hodně duchovní hudby, i když to bylo trestuhodné.

V nové inscenaci opery „Othello“ v Mariinském divadle Moor Othello škrtí Desdemonu nikoli vleže, ale ve stoje pomocí gangsterské techniky.

Nikolaj Baskov zpíval v jednom z evropských divadel s velkým úspěchem roli Cania z opery Komedianti. Ve 32 letech tenoristé nikdy nezpívali tak komplexní dramatickou roli!

Recitál Rollanda Villazona

"Jsem celý nástroj, nejen můj hlas," říká zpěvák. Při provádění Wertherovy árie trpí natolik, že se jeho tvář stává krásnou a velmi smyslnou. Zpívá a s velkou radostí se zcela oddává hudbě. Tato jeho radost se přenáší na veřejnost. Po provedení árie běží do šatny a... skáče, skáče. "Takhle se uvolním, uvolním napětí," raduje se zpěvák jako dítě.

Villazon - jsi zázrak!

"Opera Club", rozhlasová stanice "Echo of Moscow".

Salzburg. Festival. Anna Netrebko zpívá Donnu Annu v Donu Giovannim a Suzanne ve Figarově svatbě. „Suzannina serenáda“ je zde vysoce ceněna a Anna ji zpívá jemně, ne hustě a velmi krásně. To znamená, že Anna může zpívat v různých barvách.

Plán:

Zavedení

• 1 Historie
• 2 Etapy vývoje Bel Canto
Poznámky
Literatura

Zavedení

Bel Canto(italské bel canto - „krásný zpěv“) - technika virtuózního zpěvu, která se vyznačuje plynulým přechodem ze zvuku na zvuk, uvolněnou zvukovou produkcí, krásným a bohatým zabarvením zvuku, vyrovnaností hlasu ve všech rejstřících, lehkostí zvukového managementu, který je zachován na technicky hbitých a sofistikovaných místech melodického vzoru. V Bel Canto je hlas zpěvákovým nástrojem.

1. Historie

Styl vznikl v Itálii a souvisel s rozvojem národního operního umění a vokální školy na konci 16. století. Výrazové prostředky belcanta se utvářely na základě fonetických rysů italského jazyka a tradic lidového přednesu.

Rozšíření árií pro jeden hlas umožnilo skladatelům a interpretům věnovat více pozornosti pěveckému umění. To se odrazilo ve vytvoření cvičení zvaných solfeggio, určených k trénování hlasu a zlepšení výkonu děl.

Tento styl se vyznačuje vyrovnaným hlasem, vynikajícím legatem, mírně vyšším rejstříkem, neobvyklou pohyblivostí a flexibilitou a měkkým témbrem. Technice byla přikládána větší důležitost než hlasitosti, a to vedlo k tomu, že styl belcanta byl dlouho spojován s cvičením, které potvrzovalo bravuru interpreta: takový zpěvák musel před sebou držet zapálenou svíčku, zpívat a svíčku plamen by se neměl pohybovat. To bylo provedeno pro kontrolu správnosti dýchání při zpěvu: nemělo by být nuceno a kolísat plamen svíčky. A síly, krásy zabarvení, lehkosti a letu hlasu nebylo dosaženo tlakem dechu na hrtan, ale zpěvákovým efektivním využitím rezonančních vlastností hlasového aparátu. Technika Bel Canto je rezonanční pěvecká technika.

Technika Bel Canto byla pěstována mnoha lidmi brilantní skladatelé, včetně Alessandra Scarlattiho, Giambattisty Pergolesiho, George Friderica Händela a Johanna Adolfa Hasse. V mnoha Scarlattiho solfeggioch stačí přidat text, aby se z nich staly árie, a naopak.

V prvních desetiletích devatenáctého století byly estetické a stylové aspekty bel canta postupně opouštěny, až téměř úplně zmizely kolem poloviny devatenáctého století (poslední stopy tohoto aspektu bel canta lze nalézt v raných pracích Giuseppe Verdiho).

Ale s technicko-vokálním aspektem je situace jiná. Italské belcanto, jako technika volné přirozené fyziologické produkce zvuku, ideálně syntonizované z akustického hlediska, představuje podstatu zpěvu, bylo hlavním směrem největších škol a zpěváků až do 30. let 20. století. Jeho nejznámějšími představiteli jsou Enrico Caruso, Aureliano Pertile, Giacomo Lauri-Volpi, Beniamino Gigli a Tito Schipa. Jejich vokální techniku ​​lze plně považovat za bel canto. Přesněji řečeno, mluvíme o technice, která hluboce pracuje s povahou hlasu a umožňuje syntézu protikladů: něha zvuku a síly, průraznost a kulatost, brilance a jemnost, plynoucí legato a dramatický přízvuk, deklamace a pružnost zvuk.

Navíc tato technika může a měla by být použita, pokud si zpěvák chce zachovat zdravý hlas.

Od počátku 30. let 20. století se v Itálii začaly šířit nové techniky založené na jiných principech, čímž přispěly k úpadku italského belcanta. Luciano Pavarotti je z tohoto pohledu moderním představitelem této historické italské vokální techniky.

2. Etapy vývoje Bel Canta

• zrod italské opery (C. Monteverdi);
• vzestup „neapolské školy“ (Alessandro Scarlatti);
• období tvůrčí činnosti V. Belliniho a G. Donizettiho;
• kreativita G. Verdiho
• Veristická škola (Puccini, Leoncavallo, Mascagni atd.)

Poznámky

Literatura

• Antonio Juvarra, "Segreti del belcanto. Storia delle tecniche a dei metodi vocali dal "700 ai nostri giorni", Curci, 2006
• Mathilde Marchesi, Bel Canto: Teoretická a praktická vokální metoda, Dover, 1970 - ISBN 0-486-22315-9
• James A. Stark Bel Canto, University of Toronto Press, 2003 – ISBN 0-8020-8614-4
• Leonardo Ciampa Soumrak Belcanto, AuthorHouse, 2ª ed. 2005 - ISBN 1-4184-5956-9
• Cornelius L. Reid, Bel Canto: Principy a praxe, Joseph Patelson Music House, 1950 – ISBN 0-915282-01-1
• Morozov V.P. Umění rezonančního zpěvu. Základy teorie a technologie rezonance. - M.: MGK, IP RAS, Centrum "Umění a věda", 2008. - 596 s.

SKLADATELÉ ÉRY BELCANTO.

BELCANTO. ITÁLIE. OPERA. Lákavá, zelená země pod bezednou, modrá obloha, obklopený téměř ze všech stran teplým a mírným mořem... A jeho název je nádherný - měkký a melodický, jako by byl naplněn voňavým a chladným vzduchem - I-ta-li-ya. Toto slovo si spojujeme s díly velkých renesančních umělců, velkolepou architekturou a samozřejmě hudbou. Muzikálnost Italů je legendární. Heinrich Heine napsal: „Hudba je duší těchto lidí, jejich národní věcí Tady v Itálii se hudba stala lidem. Canzones a serenády, sicilské a komické písně s originální melodií a rytmem neustále zněly pod vysokým nebem této krásné země.

Na přelomu 16.-17. století ukázala Itálie světu nový, překvapivě objemný žánr – operu, harmonicky spojující hudbu a slovo, pohyb a tanec a umění dekorace. Rozkvět italského operního umění je spojen se jmény skladatelé 19. století století: Rossini, Verdi, Leoncovallo, Donizetti. Vincenzo Bellini, rodák ze Sicílie, je dědičný hudebník, který žil velmi krátký život(34 let). Jeho hudba je plná podmanivé melodie a hluboké expresivity, zejména ve zprostředkování snových a smutných nálad. Od premiéry Belliniho opery „Norma“ v roce 1831, která vypráví o předkřesťanské době, o zvycích druidů, o lásce a věrnosti, árie hlavní postavy opery Norma „Casta Diva“ (krásná dívka) potěšil a inspiroval lidi k úžasným činům.

Ivan Aleksandrovič Gončarov o této árii uvažoval nejlepší esej ve světové hudbě. Jeho hrdina Ilja Iljič Oblomov zažívá slasti citů, lásku k Olze objevuje právě při jejím představení „CastaDiva“: „Můj Bože, co je slyšet v tomto zpěvu, neurčitý strach z bouřek, samých bouří a poryvů štěstí. "... Vyčerpal se, jen s obtížemi zadržoval slzy, a ještě těžší pro něj bylo udusit radostný výkřik, který se chystal vytrysknout z jeho duše." Ruští skladatelé, kteří v různých dobách cestovali a žili v Itálii, si celý život uchovali malý světlý kout této země a s potěšením vzpomínali na její přírodu, na její lidi, kteří umí pracovat a nesobecky se bavit Tyto vzpomínky byly jedinečně převedeny do klavírní hudby P.I cyklus italských romancí od M.I.

Belcanto je lehký a půvabný styl zpěvu, který se zrodil v Itálii v 17. století, během formování italské opery. Bel canto vyžaduje od zpěváka dokonalou hlasovou techniku: bezvadnou kantilénu, prořídnutí, virtuózní koloraturu, krásný pěvecký tón. Vznik bel canta je spojen se vznikem italské opery na počátku 17. století. Později bylo bel canto obohaceno o nové umělecké techniky. Rané, tzv patetický styl bel canta (opery C. Monteverdiho, F. Cavalliho, A. Scarlattiho) vychází z expresivní kantilény, vznešené poetický text, drobné koloraturní dekorace; vokální projev byl citlivý a ubohý. Do konce 17. stol. Již ve Scarlattiho operách se začínají árie budovat na široké kantiléně bravurního charakteru s využitím rozsáhlé koloratury. T.N. bravurní styl bel canto, běžný v 18. století. a trval až do první čtvrtiny 19. století, je brilantním virtuózním stylem. Do konce 18. stol. Italská opera se stává operou „hvězd“, podléhající požadavkům demonstrovat vokální schopnosti pěvců.

Požadavky belcantového stylu určovaly určitý systém přípravy zpěváků. Nejvýznamnější školou byla boloňská škola F. Pistocchiho. Z dalších škol jsou nejznámější: římská, florentská, benátská, milánský a především neapolská, ve které působili Scarlatti, N. Porpora a další Nové období ve vývoji bel canta začíná díky působení G. Rossiniho , V. Bellini, G. Donizetti. Přestože jsou vokální party v operách stále přetížené koloraturními ozdobami, od zpěváků se již vyžaduje, aby realisticky zprostředkovali pocity žijících postav. Konec éry klasického belcanta je spojen s výskytem oper G. Verdiho. Mizí dominance koloratur. Dekorace v vokální party zůstávají pouze u sopránu a v jeho pozdějších operách se nevyskytují vůbec. Styl belcanta ovlivnil většinu evropských vokálních škol, včetně ruštiny. Moderní italské bel canto je i nadále standardem klasické krásy pěveckého tónu, kantilény a dalších typů zvukových studií. Na tom je založeno umění nejlepší zpěváci světa (D. Sutherland, M. Callas, B. Nilsson, N. Gyaurov aj.). http://www.krugosvet.ru/ Podívejme se na definici bel canta z anglicky psané Wikipedie: „Belcantový zpěv se vyznačuje vyrovnáním hlasu ve všech rejstřících, hladkým legatem, lehkostí horního rejstříku , mimořádná pohyblivost a flexibilita a zvláštní měkký, „lyrický“ zvuk Bel canto se vyznačuje virtuózními a bohatě zdobenými vokálními čísly, vyžadujícími rychlost stupnic a kadencí Ve stylu bel canta je technika ceněna nad hlasitostí zvuku Příkladem bel canta je cvičení, kdy si zpěvák může přinést zapálenou svíčku ke rtům a zpívat tak, aby se plamen nehýbal.“ Gioachino Rossini (1792-1868)

Italský operní skladatel, autor nesmrtelného Lazebníka sevillského. Narozen 29. února 1792 v Pesaru. Otec je městský trumpetista, později člen orchestru malého divadelního souboru; matka je zpěvačka. Malý Rossini s hlasem vzácné krásy zpívá v kostelních sborech v Pesaru a Lugu. Se systematickou hudební výukou začíná ve 12 letech pod vedením A. Thesea (harmonie a kontrapunkt). Ve 14 letech se Rossini stal dirigentem a sbormistrem operního souboru a v 16 letech autorem kantáty. Mezi italskými skladateli 19. stol. Rossini zaujímá zvláštní místo. Začátek jeho tvůrčí dráhy nastal v době, kdy operní umění Itálie, které ještě nedávno dominovalo v Evropě, začalo ztrácet své postavení. Opera buffa se utápěla v bezduché zábavě a operní seriály se zvrhly v nacpané a nesmyslné představení. Rossini nejenže oživil a reformoval italskou operu, ale měl také obrovský vliv na vývoj celého evropského operního umění minulého století. „Božský maestro“ – tak nazval G. Heine velkého italského skladatele, který v Rossini viděl „slunce Itálie, rozptylující své zvučné paprsky po celém světě“.

S" Lazebník sevillský"Skladatelova sláva přesáhla hranice Itálie," napsal Rossini, "dokonce i do Evropy." nejodvážnější odpůrci nová škola dokázal vysát natolik, že proti své vůli začnou tohoto chytráka stále více milovat." „William Tell" završil Rossiniho hudební a jevištní dílo. Následné operní mlčení geniálního maestra, který měl za sebou asi 40 oper , byl svými současníky nazýván záhadou století, obklopujíce tuto okolnost nejrůznějšími spekulacemi, sám skladatel později napsal: „Jakmile jsem jako sotva zralý mladík začal skládat, tak brzy, než to někdo mohl předvídat. to, přestal jsem psát. Tak je to v životě vždycky: kdo začne brzy, musí podle přírodních zákonů brzy skončit.“ Gaetano Donizetti (1797 - 1848) Narodil se 29. listopadu 1797 v Bergamu. V mládí musel Donizetti vzdorovat rodičům zákaz volby povolání a Za svým cílem narukoval do rakouské armády. Zde měl dostatek volného času, aby se věnoval kompozici a dokonce napsal svou první operu (1818).

Úspěšná inscenace jeho čtvrté opery umožnila skladateli opustit vojenskou službu a poté se dlouhá léta živil komponováním oper pro různé italská divadla. V roce 1835 začal Donizetti vyučovat polyfonii na Royal College of Music v Miláně a o dva roky později se stal ředitelem této instituce. Následně žil v Paříži; v roce 1845 ho srazila paralýza. Skladatel byl převezen na léčení do Itálie, ale učení lékařů bylo neúspěšné. Donizetti zemřel v Bergamu 8. dubna 1848. Z 65 Donizettiho oper a operet jsou nejznámější L'Elisir d'amore (1832), Lucia di Lammermoor (1835); Dcera pluku (La Fille du rgiment, 1840); Linda di Chamounix (1842) a Don Pascuale (1843). Tragic Lucia je vrcholem skladatelovy kreativity a Don Pasquale a Nápoj lásky jsou vynikající komické opery. Donizettiho pozůstalost dále zahrnuje dvě mše a řadu chrámových děl, 12 opusů pro smyčcové kvarteto, několik kantát, písní, orchestrální a klavírní díla. Vincenzo Bellini (1801 - 1835) Narodil se 3. listopadu 1801 ve městě Catania (Sicílie) v rodině hudebníka. Vystudoval Neapolskou konzervatoř ve třídě skladatele N. Zingarelliho. Debutoval operou „Adelson a Salvini“ (1825), poté operou „Bianca a Fernando“ (1826) na scéně Teatro San Carlo v Neapoli; v roce 1827 napsal operu „Pirát“ pro divadlo La Scala v Miláně. Obě nejnovější díla měly úspěch a přinesly mladému autorovi uznání od širokého italského publika. Mezi další operní díla skladatelů nutno poznamenat: "Cizinec" (Milán, 1829), "Kapulety a Montagues" (Benátky, 1830), "Somnambula" a "Norma" (oba Milán, 1831), "Beatrice di Tenda" (Benátky, 1833). 1833-1834 cestování: Bellini navštěvuje Londýn a poté Paříž, kde vytváří svou poslední operu „The Puritans“ (Theater italien, 1835). Skladatel zemřel předčasně 24. září 1835 v Puteaux (nedaleko Paříže), na vrcholu svého mimořádného talentu. Světlo, půvabná lyrika, romantické vzrušení, kontemplace, blaženost, sen - charakteristické rysy umění Belliniho. Následující národní tradice belcantový styl, který je spolu s A. Scarlattim a G. Rossinim nepřekonatelným mistrem tohoto stylu, skladatel uchvacuje svými okouzlujícími, inspirovanými melodiemi; Jejich vlivu neunikla řada hudebníků včetně F. Chopina.

Giuseppe Verdi (1813 - 1901) Brilantní italský operní skladatel Giuseppe Verdi je posledním skvělá klasika v třísetleté historii italské opery. Na světě není žádné hudební divadlo, které by neinscenovalo Verdiho opery. „Rigoletto“, „La Traviata“, „Aida“ a další patří k nejoblíbenějším operám a milují je nejširší masy posluchačů. Mnoho melodií z Verdiho oper se stalo světově proslulými a ve skladatelově domovině, Itálii, se zpívají jako lidové písně.

Velký kreativní cesta Verdi prošel. Během téměř šedesáti let – od 30. do 90. let 19. století – vytvořil dvacet šest oper. ... Poté, co se Verdi stal národní slávou Itálie, uctívaný ještě více jako státní osobnost než jako hudební osobnost, byl předurčen k záviděníhodnému a téměř neustálému úspěchu u veřejnosti po celý svůj dlouhý život a stejné posmrtné slávě, která nebyla zmenšit v nejmenším. Frederica von Stade zpívá Cherubino "Voi che sapete"